Антуан Ватто  (1684–1721) «Итальянские комедианты» 1720 холст, масло. 64х76...

«Радости бала» 1715–1717 гг. Антуан Ватто Мастер так называемых галантных сцен, Антуан Ватто, кажется, сумел отразить в своём творчестве все стороны жизни своего общества – от интимных будуарных сюжетов и прогулок до светских раутов и всевозможных увеселений. Не прошёл он мимо и такого явления как бал. Балы во Франции были явлением значимым и роскошным. Это прекрасный повод показать себя, посмотреть на других, потанцевать и повеселиться. Ватто был свидетелем, как бал стал доступен и другим сословиям, менее привилегированным. Полотно несёт черты стиля живописца – большое свободное пространство, обязательно обрамлённое какими-либо объектами, как в данном случае торжественными арками, природа, напоминающая театральные декорации, некрупные фигуры людей и световые пятна, гармонично распределяющие акценты по полотну. А главная заслуга картины – это дух галантности, который свидетельствует о вершине творчества Ватто, передающий неуловимое ощущение изысканного, утончённого и искусного.

Жак Луи Давид так здорово писал портреты Наполеона, что тот назначил его своим личным придворным художником. Должность хорошая, но к ней прилагалось одно небольшое условие - запрет на частные заказы. И действительно, зачем тебе писать еще кого-то, если тебе позволено писать целого Наполеона! Только вот заказы от Наполеона случались не так часто, как хотелось бы художнику и поэтому он втихушку иногда соглашался исполнить что-нибудь налево. Князь Николай Борисович Юсупов был ценителем и коллекционером живописи,а особо ему по душе приходился неоклассицизм, видным представителем которого и был Давид. Юсупов был личным консультантом по вопросам покупки произведений искусства Екатерины II и Павла I, был дружен с Ангеликой Кауфман, Помпео Батони, Антуаном-Жаном Гро и многими другими маститыми и популярными художниками своего времени. Он-то и смог убедить Давида написать для него картину, посулил огромные деньги и даже позволил художнику самостоятельно выбрать сюжет. А тот и выбрал. Это картина о том, как влюбленная древнегреческая поэтесса Сафо млеет от любви к прекрасному юному лодочнику Фаону. Однажды Фаон перевозил саму Афродиту на остров Лесбос и не взял с нее платы, за что Афродита наградила его сосудом с благовониями, имевшим чудесную силу - все женщины отныне влюблялись в прекрасного юношу. Не устояла и уже немолодая Сафо, но юноша отверг ее любовь и Сафо разбежавшись, прыгнула с Левкадийской скалы. Вероятно, эту знаменитую скалу мы и видим на картине вдалеке. Амур зажигает огонь любви, Фаон стоит ужасно самодовольный, а то, что вы видите на лице у Сафо - это вдохновение, переходящее в любовный экстаз. На коленях у нее свиток, на котором она на древнегреческом выводит первые строки одной из своих од, а над ними написано “посвящение Фаону”. Правда, в оригинале никакого посвящения Фаону нету, да и сам этот Фаон ни разу в ее лирике не встречается и считается, что эту ее последнюю трагическую любовь придумали более поздние авторы, которые на тему влюбленности Сафо в лодочника периодически сочиняли комедии, а стихи ее, как известно, и вовсе обращены к женщинам. Вот перевод полного текста оды от Гавриила Державина: Счастлив, подобится в блаженстве тот богам, Кто близ тебя сидит и по тебе вздыхает, С тобой беседует, тебе внимает сам И сладкою твоей улыбкой тайно тает. Я чувствую тот миг, когда тебя с ним зрю, Тончайший огнь и мраз, из жил текущий в жилы; В восторгах сладостных вся млею, вся горю. Ни слов не нахожу, ни голоса, ни силы. Густая темна мгла мой взор объемлет вкруг, Не слышу ничего, не вижу и не знаю; В оцепенении едва дышу — и вдруг, Лишенна чувств, дрожу, бледнею,— умираю. В общем, картину Давид успешно написал, передал Юсупову и она уехала в Санкт-Петербург. Там и живет поныне - можно пойти поглазеть на бленеющую-умирающую Сафо в Эрмитаже.

"Капризница" 1718 г. Антуан Ватто Государственный Эрмитаж. Поэт Шарль Бодлер утверждал, что самое ценное в искусстве Ватто – его капризные, своенравные, но бесконечно элегантные женщины. «Капризница» из собрания Эрмитажа – безусловно, одна из них. В центре композиции, с небольшим смещением влево, сидит миловидная дама в струящемся черном платье. За её спиной игриво полулежит господин в красном берете с пером и, очевидно, заигрывает с девушкой. Но её напряжённо-прямая осанка и явное неудовольствие на лице свидетельствуют, что поклонник чересчур навязчив и уступать его напору героиня не расположена. Во всяком случае, сейчас. Флирт и ухаживания, проявления галантности – это вообще центральная тема рококо. И именно Ватто положил ей начало своими «галантными празднествами». «Капризница» также принадлежит к этому жанру. Нарядно одетые герои явно принимали участие в каком-то увеселении, а вот сейчас удалились от общества, чтобы прояснить отношения наедине. Однако, в отличие от абсолютного большинства сюжетов «галантных празднеств», где ухаживания совершаются к полному взаимному удовольствия, «Капризница» демонстрирует интересный психологический разворот – женское раздражение от навязчивого внимания. Развернувшись спиной к собеседнику, героиня проявляет высшую степень неучтивости. Этим она показывает, что относится к визави без всякого уважения. Мечтательный взгляд Капризницы устремлён вдаль. Некоторые даже предполагают – на некоего другого кавалера, которого она предпочла бы видеть рядом с собой. Ватто любил смешивать реальность и театр, наряжать друзей в театральные костюмы, которые он коллекционировал, и в таком виде рисовать их. Ему импонировала идея игрового смешения иллюзии и реальности, нравилось извлекать из этого взаимного проникновения неожиданные психологические эффекты. Всё это есть и в «Капризнице». Трудно отделаться от мысли, что героиня ощущает себя на сцене, перед полным зрительным залом, что она чересчур озабочена тем, как выглядит со стороны. Этому впечатлению подыгрывает даже пейзаж, покорно выполняющий роль кулис. В «Капризнице» есть то, за что Ватто ценят больше всего – некая умышленная недоговоренность. Загадочная будничность. Трактовка смысла картины вроде бы лежит на поверхности и в то же время – вызывает трудности, ускользает от окончательного понимания. Именно за это качество Ватто впоследствии выше всех прочих художников будут ценить символисты. Может быть, Капризница не отклоняет ухаживания, а наоборот – слушает оправдания и принимает извинения? Может быть, это не начало отношений, а их конец или явный кризис? Может быть, что-то вызвало ревность героини и герой (любовник?) вынужден оправдываться? Так или иначе, Ватто предстаёт перед нами мастером тонкого и затейливого психологического рисунка. Именно во внимании к личности и нюансам переживаний героини заключена ценность картины. Известный искусствовед Михаил Алпатов писал, что для её понимания стоит сравнить «Капризницу» с работами кого-нибудь из голландцев ХVII века: Ватто «интересуют в первую очередь не красивые вещи, не блестящие ткани, как многих голландцев, а характер и мимика людей». Но голландских мастеров Ватто в самом деле очень ценил и многому у них учился. Исследователи мягко укоряют художника за вольные или невольные заимствования: дескать, и наряды у него уж больно а-ля Франс Халс. А красный берет персонажа «Капризницы» - так и вовсе списан у Рембрандта. И все-таки нельзя не признать, что платье героини – само по себе маленький шедевр с бесконечным разнообразием переходов цвета, который лишь условно может быть назван черным. АнтуанВатто Рококо _history

"Вывеска лавки Жерсена" 1720 г. Антуан Ватто Шарлоттенбург, Берлин. Знаменитая «Лавка Жерсена» - последняя и, как считают многие, лучшая картина Антуана Ватто. Она настолько богата колористически, что в ней заложены все цветовые возможности будущего рококо. Тем курьёзнее факт, что картина создавалась с вполне утилитарной целью – она действительно должна была служить вывеской, своего рода наружной рекламой для магазина произведений искусства на мосту Нотр-Дам, принадлежащего другу Ватто Жерсену. В 1720-м году Ватто вернулся из заграничной поездки. Англия воздала должное его таланту: здесь Ватто ценили едва ли не больше, чем в родной Франции. Но долго наслаждаться признанием не пришлось. Прохладный и влажный британский климат обострил давнее заболевание – туберкулёз. Полумёртвый художник вынужден был вернуться в Париж. Жить ему оставалось не более года. К этому моменту 35-летний Ватто был не только широко известен, но и весьма богат. Однако, как и раньше, ему и в голову не приходит обзавестись собственным домом. Всю прошедшую жизнь он предпочитал жить под кровом кого-то из друзей. Так было и на этот раз. Торговец предметами искусства Жерсен с радостью дал приют измождённому чахоткой художнику. В благодарность и чтобы «размять пальцы, истосковавшиеся по работе», Ватто предложил написать для его заведения вывеску – нечто вроде рекламного панно полтора на три метра, раскрывающего покупателю, что его ждёт, когда он переступит порог лавки Жерсена. Жерсен, кстати, отказывался – ему было чудовищно неловко, что такой знаменитый мастер будет писать его скромную лавку. Но Ватто было невозможно переспорить, настолько он был упрям. «Вывеска лавки Жерсена» была окончена всего за неделю, хотя работать Ватто мог только утром, послеобеденное время до вечера уходило на восстановление сил. Чахотка доконала его, и видимо, художник это чувствовал: сейчас картину называют «Завещанием Ватто». Мы видим на ней самый обычный день в магазине, торгующем картинами. Кто-то из покупателей приценивается к картинам. Кто-то уже определился – и его покупку упаковывают в коробку, чтобы доставить по назначенному адресу. Тщательно и реалистично написаны обстановка и ткани, мастерски расставлены фигуры. А картины на «Вывеске Жерсена» не условны, а конкретны и узнаваемы. На стенах – только работы любимых художников Ватто: Веласкеса, Рубенса, Йорданса. А в ящик пакуют портрет Людовика XIV, написанный придворным художником Риго. Король-Солнце скрывается со сцены. Король-солнце сыграл в ящик. Для биографии Ватто этот образ очень символичен, ведь ему суждено было стать родоначальником новой эпохи в живописи, наступившей как реакция на искусство уходящего века Людовика XIV, – эпохи рококо. Но самое значительное в «Лавке Жерсена» – её колорит. Здесь нет чистых и ярких цветов. Вместо этого мы видим невероятное богатство сложных оттенков, их тонких переливов. Говорят, всем будущим приверженцам рококо и последователям Ватто уже не нужно было ничего изобретать в области цвета: все его возможности абсолютно исчерпывающе представлены в палитре «Лавке Жерсена». Уже художники-современники это хорошо понимали. После смерти Ватто они извели Жерсена упрёками, что шедевр такой силы не должен «работать вывеской». Картина провисела снаружи совсем недолго, Жерсен был вынужден уступить и убрать картину, чтобы её не испортила непогода. Сейчас «Лавка Жерсена» хранится в замке Шарлоттенбург, в Берлине. АнтуанВатто Рококо _history

"Перспектива" 1715 г. Антуан Ватто Бостонский музей изящных искусств, Бостон. Эта картина Антуана Ватто, хранящаяся сейчас в бостонском Музее изящных искусств, не имеет авторского наименования, отчего её называют просто «Вид». Или, как вариант, «Перспектива». Ватто был своеобразным человеком – он почти никогда не подписывал своих работ и не придумывал для них названий. Дело художника – карандаш и кисть, а называют картины пусть заказчики или знатоки искусства. Перед последними Ватто не однажды невольно ставил сложные задачи. Как, например, определить жанровую разновидность «Перспективы»? Это пейзаж? Или групповой портрет? Или жанровая сцена? Ни первое, ни второе, ни третье. Французская Королевская академия, принимая Ватто в академики, поступила неординарно: специально для картин Ватто она придумала новый жанр, уникальный. И назвала его fetes galantes, «галантные празднества». Бостонский «Вид» – это тоже галантное празднество. Изящные и расслабленные французские аристократы гуляют на природе, мило беседуют, музицируют, флиртуют. Красивая природа и изысканная архитектура им в этом подыгрывают. Но где Антуан Ватто, сын кровельщика из провинциального городка Валансьен, мог всё это наблюдать? Добившись успеха в Париже, Ватто приобрёл влиятельных покровителей. Многие из них считали художника своим близким другом и даже предоставляли к его услугам собственные имения. Одним из таких людей в жизни Ватто был миллионер Пьер Кроза. Он был «главным по налогам» в одной из французских провинций и настоящим финансовым гением. Правда, насмешливые земляки всё равно называли его «бедный Кроза». Не потому, что жалели, а – чтобы отличать от еще более богатого Кроза, его брата. Тот жил в Америке и ему практически единолично принадлежала вся Луизиана, благодатные земли по течению Миссисипи. Но и «бедный Кроза» тоже не бедствовал: скупал произведения искусства (кстати, его грандиозная коллекция, приобретённая впоследствии Екатериной II, сразу поставит Эрмитаж в один ряд с лучшими музеями мира) и строил замки во Франции. Ватто он симпатизировал настолько, что пригласил художника не только оформить свою блестящую резиденцию в Монморанси, но и пожить там на правах гостя. Парк резиденции Пьера Кроза в Монморанси мы видим на этой картине. Жизнь в усадьбе текла неспешно, всё было организовано к удовольствию и развлечению гостей. Регулярно проводились концерты, а домашние спектакли, привлекающие всех желающих к участию, могли растягиваться на несколько дней. Те, у кого не было настроения лицедействовать, разбредались по парку. Как раз это мы и видим на картине Ватто. Общество разделилось на парочки. Кавалер в левом углу полотна указывает рукой направление, вероятно, приглашая свою даму прогуляться и уединиться. Другая парочка мило беседует. Кто-то музицирует. Кто-то удаляется вглубь перспективы. В чем главная ценность картины? Именно в том, за что Ватто был так любим французами, – в непревзойдённом умении художника передавать атмосферу. Атмосферу лёгкости, праздности и витающей надо всеми лёгкой грусти. Но отчего грусть? О героях Ватто справедливо говорят, что они не думают о будущем и живут одним днём. Эта «ускользающая красота» не может не вызывать ощущения тревоги: всё эфемерно, жизнь быстротечна, никому не дано знать – что там впереди. Раскрывающаяся перспектива с увенчанной фронтоном белоснежной беседкой, тающей в тумане, лишь усиливает это ощущение загадочности, неопределённости. По замыслу того, кто проектировал парк, беседка должна представать перед глазами посетителей не сразу, она наполовину скрывается за кронами деревьев. В этом есть нечто интригующее. И очень характерное именно для Ватто. Французы мало кем способны восторгаться так, как им. Они считают, что Ватто гениально передает утончённость французского образа жизни и образа мыслей. Вот в завершение замечательный образчик последнего: братьев Гонкур в «Перспективе» Ватто восхищал не композиция или колорит, а то, что «деревья написаны так, будто танцуют вокруг людей». АнтуанВатто Рококо _history

Ватто Жан-Антуан. Ватто Жан-Антуан (Watteau, Jean-Antoine) (1684-1721 гг.), французский живописец, один из крупнейших художников рококо. Его имя в основном ассоциируется с типом картины, который он сам изобрёл, - "галантное празднество", где изысканно одетые молодые люди предаются веселью в восхитительной, романтической пасторальной обстановке.

​​Портрет Лавуазье авторства Давида преподнёс сюрпризы исследователям В 2019 году знаменитый неоклассический портрет Жака Луи Давида, изображающий химика Антуана Лорана Лавуазье и его жену Марию Анну, был отправлен в лабораторию консервации Метрополитен-музея. Работа предстояла простая — снять старый лак. Но в процессе исследователи обнаружили кое-что ещё, а именно — скрытую композицию под красочным слоем, которая полностью поменяла представление об этом многовековом шедевре. Метрополитен-музей называет изображение «отца современной химии» и его супруги-ассистентки «лучшим неоклассическим портретом в мире». На масштабной картине, которую Жак-Луи Давид закончил в 1788 году, они предстают как либеральные научные лидеры — в своей парижской лаборатории, в окружении приборов и инструментов. Но оказалось, что первоначально художник отвёл им другие роли — не прогрессивно мыслящих учёных, воплощавшей идеалы Просвещения, а модных представителей французской элиты. Музей приобрёл картину в 1977 году, и тогда ещё не существовало технологий, которые помогли сделать нынешнее открытие. Теперь выяснилось, что первая концепция Давида включала богато украшенный стол с позолоченным фризом и три свитка бумаги, свисавшие с его края. Они отражали привилегированное положение Антуана Лорана Лавуазье как генерального откупщика или сборщика налогов. А наряд его жены дополняла гигантская шляпа с перьями, украшенная лентами и искусственными цветами. В композиции не было и намёка на химическое оборудование, стеклянную бутыль и пробирки. Исходная картина с акцентом на богатство пары подчеркивает судьбу, ожидавшую Антуана Лорана Лавуазье. Его должность сборщика налогов помогла не только профинансировать открытие кислорода и химического состава воды, но и в конечном итоге привела его к казни на гильотине в 1794 году во время революционного террора. Мария Анна вела его лабораторные журналы, переводила с английского научные статьи, рисовала и гравировала чертежи. Полагают, что искусство она изучала под руководством Жака Луи Давида. Она выжила и после гибели супруга вышла замуж повторно — за учёного и изобретателя графа Румфорда. По словам Дэвида Пуллинза, помощника куратора европейской живописи в Метрополитене, вряд ли изменения на портрете связаны с политикой. Скорее всего, при создании первого варианта Жак Луи Давид вдохновлялся неформальными портретами аристократов авторства Элизабет Виже-Лебрен и Аделаиды Лабиль-Гиар. Однако у Лавуазье было более скромное происхождение, и это, возможно, стало причиной пересмотра дизайна. Исследования начались в 2019 году после того, как консерватор Метрополитен-музея Дороти Махон потратила десять месяцев на удаление синтетического лака, нанесённого в 1974 году и придавшего картине молочно-серый оттенок. Во время работы она обнаружила на некоторых участках полотна неровности, которые указывали на наличие изображения под красочной поверхностью. С холста были взяты крошечные образцы пигмента, которые подтвердили, что шляпа Марии Анны была чёрно-красной. Они также показали, что в первой итерации Давид написал Лавуазье в более длинном коричневом сюртуке с семью пуговицами бронзового цвета. А в окончательном варианте учёный предстаёт в чёрной одежде с тремя пуговицами. Похоже, художник решил «переодеть» своего натурщика в деловой костюм. Среди других удалённых элементов были струящаяся красная мантия, книжный шкаф на заднем плане и мусорная корзина. Также было изменено положение ноги Антуана Лорана Лавуазье. Давид добавил красную бархатную скатерть, которая отлично закрыла лишние детали. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/49ee2dd112177517afc7b.jpg

Какому автору принадлежит картина “Воскресный день на острове Гранд-Жатт”? 1. Жан-Антуан Ватто. 2. Жорж Сёра.

Портрет Марии-Антуанетты с розой 1783 Элизабет Виже-Лебрен Версальский дворец, Версаль Элизабет Виже-Лебрен была придворной художницей королевы Франции Марии-Антуанетты. 31 мая 1783 года она была зачислена в Королевскую академию живописи и скульптуры. В том же году Мария-Антуанетта поручила ей представить свой портрет для предстоящего Парижского салона. Виже-Лебрен изобразила королеву в сорочке, сшитой парижской модисткой Розой Бертен, любимицей королевы. Однако посетители Салона были шокированы, потому что посчитали неприличным изображение королевы Франции в таком платье и портрет убрали из Салона. Художница немедленно написала новый портрет, который можно было бы выставить в Салоне до его окончания. Королева была уже одета в классическое серо-голубое шёлковое платье с большим полосатым бантом из лент и богатыми жемчужными украшениями, которые считались более подобающими для королевы.

Молодой тигр, играющий со своей матерью 1830—1831 Эжен Делакруа Лувр, Париж, Франция Молодой тигр на заднем плане, склоняется к своей матери, возлежащей на переднем плане картины. Некоторые авторы утверждали, что картины Делакруа с животными были сделаны с использованием его домашней кошки в качестве модели. И хотя вдохновение для картины было связано с одним из его визитов в зверинец Сада растений в Париже, чтобы посмотреть, как тигры играют со его другом скульптором-анималистом Антуаном-Луи Бари, Деларуа больше довольствовался наблюдением за своей собственной кошкой. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Жиль" 1719 г. Антуан Ватто Лувр, Париж. Художника, обидеть может каждый «Жиль» - без преувеличения самое известное произведение Антуана Ватто. Когда речь идёт о чем-то столь знаменитом, мы вправе задуматься: в чём заключена его харизма? В чём секрет притягательности? Ватто с детства был без ума от театра. Он сам собрал приличную коллекцию театральных костюмов, любил наряжать в них своих друзей и в таком виде рисовать их. Так на картинах возникали загадочные «гибриды», когда не понятно - реальность перед нами или театр, всё по-настоящему или понарошку, играют люди или просто живут. Но еще больше, чем французскую комедию, чем сумасшедше популярную среди всех социальных слоёв Комеди Франсез, Ватто любил итальянский площадной театр, комедию дель арте, комедию масок. Персонажи комедии дель арте – ветреная Коломбина, коварный Меццетен, печальный Пьеро, которого французы называют Жилем, – не однажды становились героями картин Ватто. Однако Жиль с нашей картины – особенный. Попробуем разобраться, почему. «Жиль» – это история не о персонаже комедии масок, не о самом Пьеро как таковом. Это – история об актёре, «ряженом под Пьеро» и его человеческом одиночестве вне сцены. Актёры на втором плане веселы, они улыбаются и балагурят. Жиль – одинок. Его печальное растерянное лицо как бы говорит: я не знаю, кто я вне этого костюма, вне сцены. И, видимо, оттого так безвольно опущены его руки. «Художника может обидеть каждый», как известно. Жиль и осёл у него под ногами – они так беззащитны, и поэтому так взывают к нашему сочувствию. Марат Гельман писал: «Над этой печалью Ватто склонен скорее иронизировать, его сочувствие глубоко скрыто: изображая театр, он всегда любуется им, ведь театральные страсти – не повод для настоящих переживаний. И все же трудно забыть круглое розовое лицо, доверчиво обращенное к зрителю. Каждому чудится: только ему приоткрыл комедиант свою печаль». Нам, зрителям, даже самым жесткосердным, сложно устоять перед таким проявлением доверия. Мы вынуждены откликнуться. Не исключено, что именно в этом и заключён секрет проникновенности (и популярности) картины «Жиль» Антуана Ватто. АнтуанВатто Портрет Рококо _history

«Что он Гонзаге? Что ему Гонзага?» Был ли Рафаэль хорошо знаком с Элизабеттой? В отличие от многочисленных «Мадонн» и женских портретов, модели которых так и остались неизвестными (или, если их имена история сохранила, то роль в судьбе художника либо неясна совсем, либо же окутана легендами, в которых сложно отличить правду от вымысла), в случае с моделью этого портрета мы можем ответить утвердительно: да, Рафаэль знал её, и весьма близко. Но чтобы объяснить обстоятельства, в которых пересеклись герцогиня и Рафаэль, начать нужно с его отца – Джованни Санти. Как и сын, он был уроженцем итальянского города Урбино. Герцогом Урбино во время старшего Санти был кондотьер Федериго да Монтефельтро – выдающийся деятель эпохи Возрождения, военачальник, политик и ценитель искусств. Всем, кто интересуется живописью того периода, безусловно, хорошо памятен двойной портрет герцога Федериго и его жены Баттисты Сфорца, написанный Пьеро делла Франческа: увидев раз этот волевой профиль с выразительным изломом носа, его не скоро забудешь. У этого незаурядного правителя, задумавшего сделать из Урбино «идеальный город», «город-дворец», и состоял придворным художником Джованни Санти, отец Рафаэля. Шестым ребёнком герцога и его жены Баттисты был слабый и болезненный мальчик Гвидобальдо. Ему было лишь 10 лет, когда в 1482-м году скончался Федериго да Монтефельтро, но именно Гвидобальдо стал герцогом Урбино после отца, поскольку все дети, родившиеся до него, были девочками. В Национальной галерее Марке, в которую со временем трансформировался урбинский дворец, хранится династический портрет, на котором изображён Федериго и его маленький ангелоподобный наследник Гвидобальдо. Автора его мы точно не знаем: сначала считалось, что это Мелоццо да Форли, потом – Юстус ван Гент, сейчас более или менее единогласно предполагается, что портрет написал испанец Педро Берругете. Любопытней всего в этой картине детальное выписывание регалий: у Федериго на шее орден горностая, а под коленом – орден подвязки, а его маленький сын одет в платье, обильно покрытое крупными жемчужинами, его лоб и грудь украшают аметисты, напоминающие зодиакальные символы, а в руках Гвидобальдо держит скипетр Гонфалоньера (в Риме так называли главнокомандующего папскими войсками, во Флоренции – главу правительства и гаранта конституции), хотя по возрасту ему здесь не больше пяти лет. Итак, в 10 лет Гвидобальдо получил герцогство, а через 6 лет он задумал (или точнее, так решило его окружение) жениться. В невесты ему была выбрана наша героиня – Элизабетта Гонзага, сестра макграфа мантуанского. Она не отличалась особой красотой и была немного старше юного герцога да Монтефельтро, но влиятельные родственники сочли её прекрасной партией, и Гвидобальдо отправился на смотрины в Мантую. Иные беллетристы называют Элизабетту «перезрелой невестой» – по нашим временам, это смешно: Гвидобальдо было 16, а ей 17. Но если мы вспомним, как у Шекспира Парис, сватаясь к 14-летней Джульетте, говорит её сомневающемуся отцу, графу Капулетти: «Я матерей счастливых знал моложе…», нам станет понятнее это жестокое определение. При встрече Элизабетта поразила жениха разве что высоким, как для женщины, ростом. Известно, что после подписания в Мантуе всех документов, касающихся брачного договора, хилый Гвидобальдо решил покрасоваться в седле – и весьма неудачно. Норовистая лошадь скинула его на всём скаку, в Урбино герцог возвращался с переломами руки и рёбер и смещением шейных позвонков. Тем не менее, несмотря на неблагоприятные предзнаменования, громкая свадьба Элизабетты Гонзага и Гвидобальдо да Монтефельтро состоялась: из разных уголоков Италии съехалось более пятисот высокородных гостей, гуляния длились до глубокой ночи, а Джованни Санти в честь праздника даже сочинил и поставил трёхактную комедию в стихах, к которой сам написал декорации, и теперь стал считаться не просто художником, а чем-то вроде министра просвещения при герцогском дворе. Его сыну Рафаэлю в это время было около шести лет.