Ганс Гольбейн (Младший) (нем. Hans Holbein der Jüngere, 1497, Аугсбург — 1543...

Очаровательные натюрморты бельгийского художника Ганса Лаагланда мастерство

Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс, «Лот и его дочери» (ок. 1613-1614) Стоимость: 58,2 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Сцена «Лот и его дочери» сэра Питера Пауля Рубенса с XIX века была включена во все основные каталоги картин художника. Но более столетия она скрывалась от публики в частных собраниях и была известна лишь по чёрно-белой фотографии. Прежде её владельцами были крупные антверпенские купцы, королевские особы и аристократы Европы, например, император Священной Римской империи Иосиф I и Джон Черчилль, первый герцог Мальборо. На аукционе в 2016 году иллюстрация к библейскому эпизоду соблазнения Лота его дочерьми стала самой дорогой работой старых мастеров за 250-летнюю историю Christie’s. Картину купил благотворительный фонд, который передал её в долгосрочную аренду Метрополитен-музею в Нью-Йорке. 4. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1611-1612) Стоимость: 76,5 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2002 Эта картина в конце XVII века вошла в коллекцию князя Лихтенштейна Ганса-Адама I и хранилась у его потомков до XIX века. Некоторое время её приписывали Франциску де Неве Младшему, затем Яну ван ден Хёке, одному из ассистентов Рубенса. В 2001 году было доказано, что это работа самого мастера барокко. Перед распродажей в июле 2002 года эксперты Sotheby’s оценили её в 4−6 миллионов фунтов стерлингов, однако в ходе торгов стоимость взлетела до 49,5 миллионов. Их выложил канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон. Впоследствии он передал полотно Художественной галерее Онтарио в Торонто. 3. Сандро Боттичелли, «Портрет юноши с медальоном» (ок. 1480) Стоимость: 92,2 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2021 До торгов в прессе муссировались сомнения о том, что картина принадлежит кисти самого Боттичелли. Однако они рассеялись после того, как неизвестный покупатель по телефону предложил окончательную цену. Глава отдела старых мастеров Sotheby’s Кристофер Апостол назвал все подозрения «отвлекающим манёвром». Искусствоведы были единодушны в том, что этот портрет длинноволосого юноши воплощает идеалы красоты Возрождения, а яркие краски и простота делают его «вечно современным». 2. Рембрандт ван Рейн, парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит (1634) Стоимость: 195 млн долларов Аукцион: закрытая сделка, 2016 Технически этим двум шедеврам Рембрандта не место в данном списке. Все приведённые здесь работы были проданы на открытых торгах, а свадебные портреты молодого купца и его невесты куплены в частной сделке. Её заключили Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже с бароном Ротшильдом, чей предок приобрёл картины в 1877 году. Эти изображения — единственные известные портреты Рембрандта в полный рост. Они были написаны когда самому мастеру было 28 лет. До продажи полотна в последний раз демонстрировались публике в Нидерландах в 1956 году. Теперь же оба музея-совладельца пообещали выставлять пару только вместе. 1. Леонардо да Винчи, «Спаситель Мира» (ок. 1500) Стоимость: 450,3 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Похоже, эта работа ещё многие годы будет удерживать лидерство среди самых дорогих произведений искусства в истории. Она же, судя по всему, станет одной из самых загадочных картин в мире. В 2016 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке её приобрёл неизвестный покупатель за невообразимую цену в 450 миллионов долларов. Позже СМИ уверенно назвали новым владельцем наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана. Однако после сенсационных торгов панель исчезла, породив множество слухов, предположений и фантастических теорий. Изображение Христа с полупрозрачным шаром в левой руке по-прежнему вызывает ожесточённые споры. Оно долгое время считалось копией, и окончательно было приписано гению Возрождения лишь после реставрации в 2006 году. Перед продажей картина выставлялась в 2011-м в Национальной галерее в Лондоне. Но даже после этого многие искусствоведы подвергают сомнению её атрибуцию. Жмите на ссылки в названиях! Первая часть вот тут. _history

Теперь немножко про остальных бамбоччанти. В Италии в чести было искусство возвышенное и театральное, а бамбоччанти любили гротеск, темные стороны жизни и решительно не хотели писать персонажей не то что возвышенными, а даже просто красивыми. Взяли и скрестили хулиганско-наставительные сюжеты Питера Брейгеля Старшего с мрачноватыми последователями Караваджо и, пожалуй, сарказма еще добавили кое-где. Типичные герои их небольших картин или офортов - солдаты, бродяги, торговцы, фермеры и доярки, трактирщики, прачки или, как писал Сальватор Роза “негодяи, мошенники, карманники, бандиты, пьяницы, обжоры” - ну, то есть, как посмотреть. Бамоччанти критиковали представители официального искусства, называли их картины низостью и гадостью, призывали вернуться к изысканности и красоте заблудших художников. А вот покупатели и коллекционеры их гадостей очень быстро нашлись и жанр приобрел огромную популярность - и ван Лар и его друзья устанавливали довольно высокие цены на свои картины, но их раскупали, переправляли по всей Европе и особенно ценили на их родине, в Нидерландах. Считается, что эта группировка повлияла на Веласкеса, которые любил писать сценки из темных трактиров в ранние годы, что любитель нравоучительных бытовых серий Хогарт тоже насмотрелся, Гойя даже вроде что-то имел в личной коллекции, а еще что к камерным и иногда двусмысленным сценкам бамбочатти обращались после многие художники рококо. Но тут же тоже интересно, раз мы говорим о группе голландских художников, то стоит иметь в виду, что они не так просты чтоб быть обыкновенными реалистами, которые просто запечатлевают неприглядный окружающий мир как он есть ради анекдота. Вы же помните, что как раз голландцы даже в натюрморте с тыквой и букетом цветов зашифровывали сложные аллегории. Так и тут все было. Простые предметы и вульгарные сценки должны побудить нас, зрителей, к сложным размышлениям. Трюк такой. Особенно тут важно, что работают художники именно в Риме, поэтому то там то тут намекнут на то, в каких величественных пейзажах, да с каким прошлым, разворачиваются все эти мелкие житейские происшествия. В общем, рассматриваем и ищем глубокий смысл.

Питер ван Лар, нидерландский художник из Перелетных Птиц, о которых я в прошлый раз рассказывала, был еще основателем группы Бамбоччанти, хулиганских художников, которые писали народные сценки, повседневную жизнь бедняков в Риме и его окрестностях. Большинство художников в этой группировке были выходцами из Северной Европы, хотя среди них были и итальянцы. Сам Питер ван Лар родился в Харлеме в 1599 году. Отец его был школьным учителем, один брат стал писателем, а другой - художником. Правда с братом-художником случилась беда, когда братья вместе отправились в Италию - тот упал вместе со своим мулом с моста и погиб. Питер ван Лар учился рисованию еще в Харлеме, потом поехал во Францию, заглянул в Рим и там и остался, примкнув к Перелетным птицам. При приеме в члены братства получил прозвище de Snuffelaar - вроде как, нюхач или носач, из-за большого носа. А вот итальянцы прозвали ван Лара bamboccio - карапузом или коротышкой, потому что, согласно воспоминаниям современников, у того было очень специфическое телосложение - большая голова, короткое туловище и непропорционально длинные ноги. Везло ему на прозвища, в общем, но как раз второе его прозвище дало название группе художников, которые стали его последователями и, можно сказать, даже целому жанру. Ван Лар придумал работать на открытом воздухе и любил ходить на пленэры, что было штукой совсем новой. Еще он дружил с Клодом Лореном и Никола Пуссеном, и вместе с последним путешествовал вокруг Рима в поисках сюжетов. В 1639 году ван Лар, уже очень уважаемый, популярный и даже немного легендарный художник, решает вернуться на родину чтоб жить там с большим комфортом, чем в Италии, и отправляется в Харлем. Там он немного потусовался с художниками, а потому куда-то делся. То ли пошел путешествовать налегке, то ли, как о нем написал современник, Теодор Шревелиус “последовал примеру Эмпедокла”.

Но кроме того, были и глубинные противоречия между официальным римским искусством и понаехавшим голландским. Для начала, члены Перелетных Птиц считали, что сами методы обучения художников через копирования старых мастеров донельзя унылы. Еще им претило подражание Рафаэлю, идеализация натуры, академизм и прочее занудство. Вместо этого они провозглашали торжество натурализма, живой интерес к реальности, низменным бытовым сюжетам и все такое, за что они даже получили прозвище “малых караваджистов”. Папству были эти ребята не по душе просто потому, что были чересчур независимы - местных художников можно было прижать и поутихомирить, если тех заносило, при помощи заказов, денег от меценатов и всякого такого или просто выпустив какой-нибудь приказ, которому те не смели не повиноваться. С Птицами так не получалось. Были попытки ввести специальные налоги на торговлю предметами искусства для иностранцев, но они встретили бурное сопротивление, которое продолжалось много лет и победителями вышли Птицы. . Так они и стояли на голове, возмущая публику и своими выходками и своим искусством, пока папа Урбан VIII быстро, решительно не издал особый приказ о роспуске общества в 1720 году. Разбрелись художники кто куда, но оставили свои интереснейший след в истории, работая где-то между голландской бытовой прекрасной живописью и барокко и писали они как всякое хулиганство, так и множество картин на темы античных мифов, групповые портреты и даже портреты монарших особ. Я вам чуть позже, на днях, расскажу про совсем хулиганское ответвление от Перелетных Птиц:3

"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека, Мюнхен. Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history

"Вечная память" Ганс Гофман, 1962 > Нью-Йорк, Метрополитен-музей Гофман – американский художник немецкого происхождения, представитель абстрактного экспрессионизма. В картине «Вечная память» Гофман вспоминает о пяти американских художниках, которые умерли в расцвете сил: Артур Карлес, ранний американский кубист, и четыре художника-абстракциониста: Аршил Горки, Франц Клайн, Джексон Поллок и Брэдли Уокер Томлин. Работы Гофмана, написанные ближе к концу его жизни, являются данью предшествующим десятилетиям абстрактного искусства и включают в себя широкий спектр техник, которые вызывают дух умерших: пятна, капли, затяжные мазки и геометрические формы с плавными краями.

"Портрет Генриха VIII" Ганс Гольбейн Младший, 1536-1537 > Мадрид, Музей Тиссен-Борнемисы Благодаря творчеству замечательного художника мы можем представить себе облик одного из самых одиозных королей Англии. Генрих VIII хорошо известен по своим поступкам как человек, навсегда изменивший вероисповедание в Великобритании из-за своего желания создать династию. Для этого ему требовался сын – наследник престола. Эпопея с многочисленными женитьбами и казнями неугодных жен создали ему репутацию жестокого и непостоянного человека. На портрете предстает мужчина средних лет с явно избыточным весом. По его внешнему виду можно понять, что когда-то этот рослый и сильный принц считался первым красавцем королевства, но образ жизни сказался на его облике. К тому же травма, полученная во время рыцарского турнира, каким-то образом негативно повлияла на его психику. Придворные говорили, что их короля словно подменили. Он стал нервным, подозрительным, настоящим тираном.

Ганс Бальдунг "Три возраста женщины и Смерть" (1543) Прадо, Мадрид

Еще тут есть: Райский сад с изгнанием из него (обратите внимание на трехликого Бога, такие изображения были в ходу как раз до XVI века, потом за них художников очень гоняли) Вавилонская башня (с одной хулиганской деталью), животные, покидающие Ноев ковчег (тут вы найдете три послепотопных Ноя сразу - и жертву приносящего и возделывающего виноградники и пьяненького накануне неудачного пранка его сына Хама), Благовещение, выполненное как житийная икона, Давид с арфой, пораженный страстью к Вирсавии в окружении миниатюр с изображением святого Павла, Страсти Христовы, Сошествие в Ад, совершенно сказочный Хлодвиг, получающий fleur de lys, свой новый герб с лилиями (на самом деле ирисами), от своей жены Клотильды, а еще, конечно, сам заказчик, Джон Ланкастер, молящийся перед Святым Георгием в невероятном синем плаще, украшенном орденом имени самого себя (это орден король Эдуард III придумал в 1348 году, но кто скажет, что это анахронизм!) и жена заказчика, Анна, молящаяся Святой Анне, конечно же.

Минимум примеров. Вот, например, Сошествие Христа в ад на гравюре Питера Брейгеля старшего. У пары последователей Босха на следующих картинках рот ада уже прям не звериный, находится в голове каких-то антропоморфных чудищ. Пасть адова из рукописи о видениях Тундала от художника Симона Мармиона, Миниатюры из Часослова Екатерины Клевской, Архангел затворяет челюсти ада, миниатюра из Винчестерской псалтыри XII века, Часть триптиха “Земное тщеславие и Божественное спасение”, Ганс Мемлинг, 1485 год, Поклонение имени Христа, Эль Греко, 1577-79 год и Страшный суд, вологодская икона конца XVIII века.

Семь радостей Марии 1480 Ганс Мемлинг Старая пинакотека, Мюнхен Семь радостей Девы (Матери Иисуса) - это события из жизни Девы Марии взятые из средневековой религиозной литературы и искусства. Семь радостей обычно обозначают как: 1. Благовещение 2. Рождество Иисуса 3. Поклонение волхвов 4. Воскресение Христа 5. Вознесение Христа на небо 6. Пятидесятница или сошествие Святого Духа на Апостолов и Марию 7. Коронация Богородицы на небесах. Сложнейшая задача - не семь, а двадцать христианских религиозных сцен вплетены в ландшафт полотна: Благовещение, Рождество, Благовещение пастухам, звезда, явившаяся волхвам, посещение волхвами Ирода, дорога туда и обратно, поклонение волхвов, избиение младенцев, бегство Святого Семейства в Египет, искушение Христа, Воскресение, Не прикасайся ко Мне, Христос в Эммаусе, Пётр на море, явление Христа Марии, Вознесение, Троица, Успение и Вознесение Девы Марии. Стоит отметить, что в английской литературе эта картина назвается — «Пришествие и Триумф Христа».

Закон о нравственности 18 апреля 1991 году участники арт-группы Э.Т.И. выложили своими телами слово «*** [член]» на Красной площади. Акция проводилась в канун дня рождения Ленина и была интерпретирована как посягательство на его память. Формально акция приурочена к закону «О нравственности», запрещающего материться в общественных местах — за это вводилось наказание до 15 суток ареста. По факту проведения акции было возбуждено уголовное дело по статье «Злостное хулиганство, отличающиеся по своему содержанию исключительным цинизмом или особой дерзостью». Дело было закрыто через три месяца следствия, по отсутствию состава преступления. Искусство или нет?

Смотрите какое прекрасное и странное Воскресение Христово от Ганса Мульчера. Безвременье, теплота, текучие мягкие формы, вырванная из мира сценка парит, отделенная от золотистого сияния неба забором и горами. Можно было бы в нее случайно провалиться, но от зрителей она тоже отделена - копьем на переднем плане. Все это настолько нереально, что может быть только сном. Сложно даже понять с какой точки зритель смотрит на картину. Все предметы даны в разных ракурсах. Это все, конечно, кажется слегка неумелым и неуклюжим, особенно если учесть, что картина написана в 1437 году, когда в Италии уже во всю расцветало Возрождение, хоть еще и раннее. И это не случайность - итальянское Высокое Возрождение со всеми своими Леонардо и Рафаэлями грянуло чуть позже не на пустом месте, а на хорошо подготовленной почве, базировалось на художественных исканиях сотен художников, увлеченных поиском форм, цвета, эффектов глубины, объема и композиции, захваченных новой страсть - перспективой. Так как художники и монахи (часто - одни и те же люди) порой путешествовали, они делились находками с теми, кто, как им казалось, мог разделить радость их поисков. Так эти идеи, пока не оформившиеся окончательно, но вовсе не наивные, попадали и на север Европы, например, в Германию. И новые правила воспринимались художниками в этих краях, хотя, признаться, часто не то что с неохотой, а без глубинного понимания. Тем не менее, такие мастера, как Ганс Мульчер, вроде бы старающийся следовать усвоенным новшествам, но забивающий на перспективу, передающий глубину посредством наложения фигур и мухлежа с границами форм, стали переходными между Интернациональной Готикой и пришедшим ей на смену реалистическим тенденциям. Это художник, которому было трудно, но он, очевидно, старался.

Ганс Мульчер, Воскрешение Христово, 1437 год

"Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях" 1864 г. Фредерик Уильям Бертон Национальная галерея Ирландии, Дублин. По итогам опроса, проведённого в 2012 году, работа Фредерика Уильяма Бёртона «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях» была признана самой любимой картиной в Ирландии, опередив произведения более известных художников. Результаты ничуть не удивили кураторов Национальной галереи в Дублине: они знают, насколько популярна у посетителей эта композиция, а её репродукция – постоянный бестселлер в музейном магазине. Источником вдохновения для Бёртона послужила поэма «Хеллелила и Хильдебранд», опубликованная в 1855 году во «Втором сборнике датских баллад» в переводе Уитли Стоукса, друга художника. По сюжету, дочь короля, прекрасная Хеллелила (варианты: Хилле, Хиллелиль), полюбила одного из двенадцати своих телохранителей – принца Хильдебранда. Влюблённые бежали, прихватив с собой казну. Обнаружив это, отец и семеро его сыновей пустились в погоню и настигли беглецов. Но Хильдебранд оказался грозным противником, он убил короля и шестерых его отпрысков. Хеллелила вмешалась, чтобы спасти жизнь последнего брата, назвала своего возлюбленного по имени и тем самым лишила сил. В тот же миг он упал замертво. Выживший брат привязал сестру к коню и доставил домой, где их мать умолила его продать девушку в рабство, а не казнить. Свою историю Хеллелила рассказала королеве, у которой служила вышивальщицей, после чего умерла. В картине отражена чувствительная натура Бёртона, который избегал кровожадных или сексуальных сцен. Этот эпизод иногда интерпретируют как момент расставания Хеллелилы и Хильдебранда после близости, но художник вряд ли изобразил бы такой момент. Скорее, это воображаемая ситуация, когда пара случайно встречается на лестнице, и принц страстно ловит руку своей возлюбленной. Бёртон создаёт эмоционально напряжённую ситуацию, изобразив внезапные объятия и девушку, которая от неожиданности уронила букет. Лепестки, рассыпавшиеся по лестнице, символизируют мимолётность их любви и её разрушительный характер. Получив травму правой руки в детстве, Бёртон рисовал левой. При этом он не выносил запах масла или (что более вероятно) растворителей, а потому писал только красками на водной основе – акварелью и гуашью. Он сделал множество предварительных эскизов – сейчас их известно более тридцати – включая один детально проработанный, который больше финальной композиции. Ностальгическое настроение, исторический антураж и костюмы сближают эту работу Фредерика Уильяма Бёртона с произведениями прерафаэлитов. Дополнительным акцентом стала сдержанная манера, с которой художник передаёт сцену, избегая чрезмерностей мелодрамы. Бёртон также позаботился об оформлении картины. В его инструкции написано, что её нельзя снимать с доски, на которой она закреплена, и вынимать из оригинальной позолоченной рамы. Масштабная (почти метр в высоту!) работа написана акварелью, что создаёт дополнительные сложности консерваторам: краски могут поблекнуть под воздействием прямого света. Поэтому «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях» хранится в специальном закрытом боксе. Увидеть её можно лишь в течение двух часов в неделю: по четвергам с 17:30 до 18:30 и по воскресеньям с 14:00 до 15:00. Картина была написана в период, когда художник находился на пике своей карьеры. Каждый элемент композиции – от предварительных набросков до завершённой работы – иллюстрирует перфекционистское внимание Бёртона к деталям, его обширные знания о средневековом мире, а также утончённое чувство цвета. Через 10 лет после создания «Хеллелилы и Хильдебранда» он был назначен директором Национальной галереи в Лондоне и оставил живопись. Но при нём учреждение приобрело значительные произведения Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли, Ганса Гольбейна и многих других мастеров. ФредерикБертон _history

"Портрет Джейн Сеймур, королевы Англии" 1536 г. Ганс Гольбейн Младший Музей истории искусств, Вена.

Кто автор этой картины? 1. Лукас ван Лейден. 2. Ганс Мемлинг.

Страшный суд 1470 Ганс Мемлинг Одна из наиболее знаменитых работ. Составлена из крупной центральной части и более узких створок по обе стороны от нее. Фламандский живописец выразил в картине свое понимание грозного Апокалипсиса. Главная и центральная в композиционном плане фигура – Христос, восседающий на радуге, которая обозначает связь человека и Бога. В целом, полотно изобилует подобными символами. Например, меч и ветвь лилии у изголовья Иисуса несут глубинный смысл: с одной стороны, обозначен милосердие, с другой же – справедливый суд. Главного судью окружает его «свита» – апостолы, Креститель и мать Мария. Ангелы держат в руках знаки Страстей Христовых. Фон за этими фигурами пылает огнем на черном небосклоне. В нижней части центрального полотна делит лист на две части Архангел Михаил, взвешивая души праведных и грешных людей. На земле видны опустошенные могилы, из которых восстают умершие для участия в Апокалипсисе.

Ганс Гольбейн Младший. «Мертвый Христос». 1521 — 1522. Художественный музей в Базеле. Николай Михайлович Карамзин первым из русских писателей написал о Гольбейне и его картине под названием «Мертвый Христос в гробе»: «…с большим примечанием и удовольствием смотрел я… на картины славного Гольбейна, базельского уроженца и друга Эразмова. Какое прекрасное лицо у Спасителя на вечери! Иуду, как он здесь представлен, узнал бы я всегда и везде. В Христе, снятом с креста, нет ничего божественного, но как умерший человек изображен весьма естественно».

Ганс Мемлинг. «Муж скорбей». 1444-1472 Продолжаем разбирать традиции в изображении Христа Произведение Ганса Мемлинга относится к другой традиции, выросшей из предыдущей(Се-человек). В ней Христос называется «Мужем Скорбей». Он уже прошел через все страдания, вплоть до распятия на кресте. Его укутывает в белый саван Мать Мария. Вокруг толпа свершивших злодеяние. Но Христос еще жив, и в этот последний момент он скорбит, чувствуя, что ниспущенные ему страдания напрасны: не дойдет до людей смысл им совершенного. Он унижен и покинут, предоставлен толпой полному человеческому одиночеству.

Битва под Оршей 1534 Аноним Национальный музей, Варшава Битва от 8 сентября 1514 года между союзниками Великим княжеством Литовским и королевством Польского против княжества Московского. Анонимный художник был одним из придворных живописцев-картографов, а методика написания свидетельствует о том, что он входил в круг Лукаса Кранаха Старшего. Тщательная проработка всех деталей указывают на его участие в битве. Согласно одной из гипотез, автором картины был немецкий художник Ганс Крелл, придворный живописец Людовика II Венгерского. Картина не сохранилась полностью. Анализ показывает, что она была выше. И была укорочена на 1/5 ширины слева. Две противоположные колонны тяжелой пехоты, ранее были центром картины, теперь смещены влево. Работа была создана по заказу короля и имела пропагандистский подтекст, хотя битва и не принесла стратегических успехов. На полотне красивые ряды польской армии, а русская армия изображена как неорганизованная масса. Запрещённое искусство — подробно.

Берёзовая роща 1889 Исаак Левитан Третьяковка, Москва Картина считается одним из наиболее близких к импрессионизму произведений художника и одной из вершин его пленэрных исканий 1880-х годов. Художник Борис Иогансон писал, что в левитановской «Берёзовой роще» «всё представляется случайно увиденным, но на самом деле это очень продуманная, блестяще организованная и очень сложная композиция». Искусствовед Алексей Фёдоров-Давыдов относил картину к произведениям, которые «принадлежат по своей поэтичности и живописному мастерству к одним из лучших, выдающихся творений художника». Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

​​️Художник из Италии, заступившийся за культуру России, напишет портрет Караваджо в Балашихе. Йорит Агоч известен всему миру как муралист, работающий в стиле гиперреализма. ️Акция «Ночь кино» пройдет 27 августа. Здесь сайт проекта с афишей мероприятий по всей России. ️В Лондоне открылась новая линия метро, проект каждой станции которой разрабатывался известным современным художником. Строительство потребовало 5 лет и около £19 млрд. Elizabeth Line – линия Елизаветы – это крупнейшая за столетие коллекция паблик‑арта. ️Создание малого зала Новосибирского музыкального театра планируют начать в 2023 году. ️Итальянская уличная художница Laika посвятила новую работу в Риме афганским женщинам. Она назвала ее «гимном "стертым" женщинам», которым не позволяется работать, учиться, любить, показывать свое лицо. https://telegra.ph/file/e8f2e0accf54caea6427e.jpg

Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history https://t.me/pic_history2/134