Тайны старых картин и исчезнувший император Знаете, я все же считаю, что...

​​️Documenta 15 пройдет в Касселе в 2022 году.   Выставка современного искусства Documenta проходит в Касселе каждые 5 лет. Интересно, что на первой выставке в 1955 году были представлены Пикассо и Кандинский. В то время это было довольно неординарное современное искусство. Именно Documenta была учреждена, чтобы смыть с авангарда нацистскую метку «дегенеративное искусство».   ️Доходный дом купца Камзолкина на проспекте Мира в Москве получил статус объекта культурного наследия регионального значения.   ️Австрия вернула России ценности, похищенные нацистами. Античные амфоры и надгробия вернулись на Кубань, откуда они были вывезены во время Великой Отечественной войны. ️Американский режиссер Оеке Хоогендейк сняла фильм «Мой Рембрандт», через который мы можем заглянуть в мир владельцев картин старых мастеров. ️Самые ожидаемые выставки 2021 года в мире по версии The Art Newspaper.   Очень надеюсь, что у нас получится увидеть того самого спрятанного Купидона на выставке работ Яна Вермеера в Картинной галерее старых мастеров в Дрездене, которого обнаружили благодаря рентгенографии.   Галерея обязательно подготовит виртуальный тур и экскурсии!   «Девушка, читающая письмо у открытого окна» Яна Вермеера с расчищенным во время реставрации изображением на заднем плане. Около 1657. Фото: Wolfgang Kreische https://telegra.ph/file/d680de5d3093455786531.jpg

​​️Видеоэкскурсии по Новой Третьяковке и новым выставкам появились на платформе Москвастобой ️Лувр открыл свой интернет-бутик. ️Джо Викери возглавила онлайн-журнала о современной русской художественной сцене Russian Art Focus.   ️В музее «Новый Иерусалим» продолжается выставка династии Брейгелей на основе российской частной коллекции. ️TEFAF Maastricht состоится 11–19 сентября. TEFAF Maastricht — ведущая мировая выставка изобразительного искусства, антиквариата и дизайна.   Наряду с картинами старых мастеров и антиквариатом вы можете найти современное искусство, фотографию, ювелирное искусство, дизайн 20-го века, работы на бумаге. Фото: Tefaf Maastricht 2020 https://telegra.ph/file/e7c050a3e0b258b3f50cb.jpg

"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор американка Мэри Кассат сделала в одиннадцатилетнем возрасте, когда, побывав на Всемирной выставке в Париже, решила стать художницей. С тех пор ей приходилось отстаивать его, сталкиваясь с сопротивлением едва ли не на каждом шагу. Ее семья – сплошь преуспевающие банкиры, финансисты, промышленники – была против. Американское общество – в те годы бесконечно далекое от идей гендерного равноправия – было против. В 1861 году семнадцатилетняя Мэри поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. И встретилась со снисходительным пренебрежением менторов: в те времена было принято считать, что единственное искусство, необходимое девушке – это умение правильно оттопыривать мизинец, поднимая чашку чая. Позднее, оказавшись в Париже, Мэри Кассат обнаружила, что «раскованная» Европа не далеко ушла от пуританской Америки: в Парижскую школу изящных искусств женщин не принимали. Она училась практически самостоятельно – перебиваясь частными уроками, копируя полотна старых мастеров в Лувре, в одиночестве, наперекор всему. Ей нравилось рисовать. Но еще больше Мэри Кассат нравилось выбирать самой. В историю она вошла не только как одна из трех «гранд-дам импрессионизма» (наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон), но и как завзятая суфражистка – всю свою жизнь Мэри Кассат боролась за предоставление женщинам избирательных прав. Всемирную известность художнице принесла несколько неожиданная для столь эмансипированной особы тема: материнство и детство. Не имея своих детей (отказ от брака – еще один осознанный выбор Мэри Кассат), она как одержимая рисовала чужих. Возможно, таким образом, она компенсировала что-то в психологическом плане. Или делала это по идейным соображениям: Мэри Кассат без устали боролась со стереотипами, а феминистка, которую не интересуют дети – это стереотип. Не исключено, впрочем, что она просто любила детей: в конце концов, не всякий фанат, ну скажем, футбола выходит на поле сам. 1890-е годы, когда была написана картина «Мать и дитя», были для Кассат периодом уверенности, зрелости, признания. Ее роман с импрессионизмом испустил к тому времени дух. Художница, всегда стремившаяся к самостоятельности, переплавила все, чему училась – сначала у Коро и Жерома, а позднее – у Моне и Сезанна, в свою собственную, вполне узнаваемую манеру. Взглянув на эту работу, трудно не вспомнить пастели Эдгара Дега – давнего друга и наставника Кассат. Впрочем, у этих двоих было слишком много общего (оба питали слабость к пастели, оба были без ума от японской гравюры, оба были убежденными холостяками, оба под конец жизни практически ослепли). Так что здесь можно говорить не о влиянии, а о творческом родстве, почти мистической связи. Эксперименты с композицией, настроением, цветом остались позади – это вполне иконографическое изображение. У младенца не столько лицо, сколько лик. Остальное отдано на откуп скупой беглой штриховке. Отчасти это дань увлечению минималистичной восточной графикой. Отчасти – смысловой акцент. Ребенок явно накормлен, здоров и не обделен материнской лаской. Остальное, включая избирательные права женщин, не так уж важно. МэриКассат Импрессионизм _history

​Elise Ansel — "переводит" картины старых мастеров на современный живописный язык. Образы из прошлого используются для определения цвета и динамики. Спонтанность абстракции затмевает рациональное мышление, свойственное процессу создания картин. Полотна старых мастеров, в основном, созданы мужчинами для мужчин. Элизабет Ансель преобразует повествование в чувственную форму визуальной коммуникации. https://telegra.ph/file/e7f0b511b74b2d2751305.jpg

«Хранители старых времен. Город Будва»

Иван Айвазовский (1817-1900) «Ветряная мельница на берегу моря» 1837 холст, масло. 67х96 см иван_айвазовский Государственный Русский музей, Санкт-Петербург –––––––––––––––– Очевидно, что Айвазовский использовал в этом сюжете впечатления, полученные от произведений старых голландских мастеров, увиденных в коллекции Эрмитажа. В частности, композиционный строй этой картины близок «Пейзажу с мельницами» голландского живописца Арта ван дер Нера, который с 1815 года находится в собрании Императорского Эрмитажа и почти совпадает с картиной Айвазовского по размеру.

Артефакты: тайны и красота https://tanjand.livejournal.com/3240130.html

«Она – моя», сказала бы Рената Литвинова. Потому что «Северный ветер» это не фильм. Это настоящая картина – женского рода, красоты, ума, тайны, матриархата. Это прекрасный сон, понять который можно, лишь открыв сердце чарам неповторимой Ренаты, под музыку не менее чудесной Земфиры. И смотреть – на женщин, их власть, ожидание, одиночество и надежду. Смотрите «Северный ветер» и вы! В онлайн-кинотеатре Okko по подписке «Оптимум» и «Премиум».

В 2017 году в пещере в Краби(Таиланд) группой учёных был найден скелет размером более 5 МЕТРОВ!!! Это неопровержимое доказательство существования расы гигантов в прошлом на земле Мы заранее предупреждаем общественность о том что началась широкомасштабная кампания дезинформации чтобы скрыть всё материалы по поводу этого важного открытыя Хотите знать какие тайны хранят от нас? Добро пожаловать на канал Вольнодумец. Авторы канала собирают для вас самые интересные и неудобные для науки свидетельства и находки, которые… вы вообще не должны видеть! Присоединяйтесь и узнайте то, что тщательно от нас скрывают.

Тайны древних раскопок Как на самом деле выглядели древние люди. Восстановленная внешность из раскопок древних могил https://tanjand.livejournal.com/3249275.html

Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа, который немного историк, так окажется, что он, почему-то, считает себя специалистом именно по Наполеону. Я как-то задавала вопрос людям причастным - это личность Наполеона приманивает таких оригиналов или происходят с ними трансформации в процессе работы, но ответа, конечно же, не последовало. (Только пожалуйста, если вдруг меня читают специалисты по Наполеону, вы не обижайтесь, это я так шучу). Собственно, я сейчас читаю интервью одного занятого товарища, который надурил кучу искусствоведов, журналистов и вообще целый бельгийский музей изящных искусств. Захватывающее интервью, скажу я вам. Да и история отличная, хоть ей уже и три года. Некий Игорь Топоровский, секретный советник всех президентов прямо с университетских лет, тайный агент всех агентств, теневой дипломат, друг всех генсекретарей по переписке и лично, бельгийский бизнесмен сложных бизнесов и, в целом, широкий специалист по мутным делам (без единого подтверждения, конечно же), оказался собирателем русского авангарда. При том не какого-то то там вашего в каталогах-резоне записанного, а совершенно неизвестного, никем не виданного, но очень важного - в его коллекции оказались и Кандинский и Малевич и амазонки Попова с Гончаровой и Экстер и прочий Родченко. В общем, художники первой линии авангарда. И все - уникальное и секретное. Что уже странно, ведь и правда бывает, что находят какую-то неизвестную картину известного художника и долго ее изучают, проверяют, так и сяк вертят, а потом танцуют и поют обнявшись, а тут прям оптовая поставка. То есть, чтоб вы понимали масштаб, Топоровский говорил, что он планирует представить в будущем публике сотни работ авангардистов. Сотни! Ну, бывает, насобирал и радуется - так что же теперь. А вот что - он, видимо, благодаря своему какому-то совершенно змеиному обаянию и уникальному таланту пудрить мозги умудрился втереться в доверие директору музея изящных искусств Катрин де Зегер и устроить выставку “шедевров” в Генте. Там было всего 24 шедевра из заявленных сотен, но открытие было громким и привлекло внимание по всему миру. По легенде, часть коллекции Топоровскому досталась от родственников жены, а часть он скупил буквально на барахолке за Эрмитажем, где в 90е чуть ли не из ларьков продавали по рублю авангард. Там правда проблема вышла - “родственники” жены официально ответили на запросы, что такой женщины в принципе не знают, а вот распродажи коллекции Эрмитажа, кстати, почему-то, в Одессе - ну тут даже комментарии излишни. Авангард и правда очень долго был не в чести, но если бы его вот так распродавали, то это было бы, как минимум, известно хоть кому-то, тем же музейным работникам, коллекционерам, историкам. Но нет - все в тумане, а сама легенда периодически менялась. Короче, следов собирательской деятельности Топоровского в России никто так не обнаружил. Ну, кроме истории про пару искусствоведов-жуликов, которые продавали поддельный авангард и с которыми Топоровский сотрудничал, а после проходил свидетелем по уголовному делу. Не ясно так же как коллекционер умудрился незаметно перетащить через границу пять сотен заявленных картин. Сам Топоровский эти и еще целую гору несостыковок объясняет просто - у вас, говорит, просто заговор искусствоведов, ведь если все вот это великолепие попадет на рынок, то искусство подешевеет, а злые и хитрые искусствоведы не хотят такого и плетут интриги. И хотел он передать свою коллекцию русским музеям, но вы же знаете, какие там змеи подколодные - испугались, не взяли. Потом еще оказалось, что Топоровский по половине европейских музеев пробежался со своим собранием, но нигде его не воспринимали всерьез.

Жан-Батист Перронно "Магдалина Пинцелуп де ла Гранж" (1747) Магдалина держит на руках большую серо-голубую кошку, смотрящую на зрителя. По большому размеру кошки и ее окраске можно определенно сказать, что это шартрез, одна из самых старых и любимых французских пород.

"Гора Сент-Виктуар" 1887 г. Поль Сезанн Институт искусства Курто, Лондон. Сезанн жил одновременно с художниками-импрессионистами, участвовал в первой и третьей выставках, организованных «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов», он выходил на пленэры вместе с Писсарро и избавлялся от темных красок под его влиянием. Но именно пейзаж – тот художественный жанр, в котором Сезанн оказался самым неимпрессионистичным художником своего времени. И дело тут не в палитре и не в технике. Сезанн терпеть не мог теорий искусства – он как будто всегда боялся случайно увязнуть в одной из чужих стройных систем мировоззрения. В последние 20 лет жизни, сведя общение с художниками, писателями и семьей в основном почти к эпистолярному, он с удовольствием закрылся в небольшой студии и занялся поисками своей «земли обетованной». В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит этим картинам когда-нибудь оказаться на стенах Лувра. Нет-нет, он давно уже не грезит о славе и Лувре – он просто мучительно хочет выполнить одновременно несколько важных для себя задач: дать зрителю почувствовать красоту мест, столь близких и волнительно прекрасных для него лично, передать исключительно собственные эмоции и переживания от увиденного и при этом освободить изображение от всего лишнего и вскрыть через него логику природы, найти непреходящее, вечное – то, что присутствует на картинах старых мастеров. И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору Сент-Виктуар в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными. Эту картину Сезанн показал своим землякам на выставке, устроенной в Эксе в 1895 году Обществом художников-любителей. Они уже давно начали подумывать, что возможно Сезанн – не просто сумасшедший лицедей и к нему стоит присмотреться, решились в конце концов попробовать. Уже не ждущему признания художнику это предложение очень польстило. Он отправил на выставку две свои картины, увидев которые, смелые и прогрессивные художники-любители сразу забыли о желании быть смелыми и понять Сезанна – они повесили картины повыше, над входной дверью, чтоб в глаза сильно не бросались. Единственным человеком, который выразил художнику восторг от «Горы Сент-Виктуар», был сын местного бакалейщика Жоашим Гаске, начинающий поэт, позже написавший книгу о Сезанне. Растроганный Поль подарил юному Жоашиму картину. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс, «Лот и его дочери» (ок. 1613-1614) Стоимость: 58,2 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Сцена «Лот и его дочери» сэра Питера Пауля Рубенса с XIX века была включена во все основные каталоги картин художника. Но более столетия она скрывалась от публики в частных собраниях и была известна лишь по чёрно-белой фотографии. Прежде её владельцами были крупные антверпенские купцы, королевские особы и аристократы Европы, например, император Священной Римской империи Иосиф I и Джон Черчилль, первый герцог Мальборо. На аукционе в 2016 году иллюстрация к библейскому эпизоду соблазнения Лота его дочерьми стала самой дорогой работой старых мастеров за 250-летнюю историю Christie’s. Картину купил благотворительный фонд, который передал её в долгосрочную аренду Метрополитен-музею в Нью-Йорке. 4. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1611-1612) Стоимость: 76,5 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2002 Эта картина в конце XVII века вошла в коллекцию князя Лихтенштейна Ганса-Адама I и хранилась у его потомков до XIX века. Некоторое время её приписывали Франциску де Неве Младшему, затем Яну ван ден Хёке, одному из ассистентов Рубенса. В 2001 году было доказано, что это работа самого мастера барокко. Перед распродажей в июле 2002 года эксперты Sotheby’s оценили её в 4−6 миллионов фунтов стерлингов, однако в ходе торгов стоимость взлетела до 49,5 миллионов. Их выложил канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон. Впоследствии он передал полотно Художественной галерее Онтарио в Торонто. 3. Сандро Боттичелли, «Портрет юноши с медальоном» (ок. 1480) Стоимость: 92,2 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2021 До торгов в прессе муссировались сомнения о том, что картина принадлежит кисти самого Боттичелли. Однако они рассеялись после того, как неизвестный покупатель по телефону предложил окончательную цену. Глава отдела старых мастеров Sotheby’s Кристофер Апостол назвал все подозрения «отвлекающим манёвром». Искусствоведы были единодушны в том, что этот портрет длинноволосого юноши воплощает идеалы красоты Возрождения, а яркие краски и простота делают его «вечно современным». 2. Рембрандт ван Рейн, парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит (1634) Стоимость: 195 млн долларов Аукцион: закрытая сделка, 2016 Технически этим двум шедеврам Рембрандта не место в данном списке. Все приведённые здесь работы были проданы на открытых торгах, а свадебные портреты молодого купца и его невесты куплены в частной сделке. Её заключили Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже с бароном Ротшильдом, чей предок приобрёл картины в 1877 году. Эти изображения — единственные известные портреты Рембрандта в полный рост. Они были написаны когда самому мастеру было 28 лет. До продажи полотна в последний раз демонстрировались публике в Нидерландах в 1956 году. Теперь же оба музея-совладельца пообещали выставлять пару только вместе. 1. Леонардо да Винчи, «Спаситель Мира» (ок. 1500) Стоимость: 450,3 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Похоже, эта работа ещё многие годы будет удерживать лидерство среди самых дорогих произведений искусства в истории. Она же, судя по всему, станет одной из самых загадочных картин в мире. В 2016 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке её приобрёл неизвестный покупатель за невообразимую цену в 450 миллионов долларов. Позже СМИ уверенно назвали новым владельцем наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана. Однако после сенсационных торгов панель исчезла, породив множество слухов, предположений и фантастических теорий. Изображение Христа с полупрозрачным шаром в левой руке по-прежнему вызывает ожесточённые споры. Оно долгое время считалось копией, и окончательно было приписано гению Возрождения лишь после реставрации в 2006 году. Перед продажей картина выставлялась в 2011-м в Национальной галерее в Лондоне. Но даже после этого многие искусствоведы подвергают сомнению её атрибуцию. Жмите на ссылки в названиях! Первая часть вот тут. _history

Ковры и животные Британская художница Дебби Лоусон работает где-то между двух- и трёхмерным измерением, создавая диких животных, которые появляются из старых ковров. Художница делает своих животных с нуля, используя мелкую проволочную сетку и защитную липкую ленту, после чего покрывает их коврами, создавая иллюзию, что существо слилось с висящим ковром. Искусство или нет?

Rob Ritchie (Роб Ричи) создает великолепные натюрморты в стиле гиперреализм сочетающие в себе гармонию цвета, тени и композиции. Картины настолько натуральны, что кажется это высококачественная фотография, но это картины маслом. Стоит заметить, что Rob Ritchie учился писать картины самостоятельно, без специализированного образования, но под влиянием работ старых мастеров, отточил своё мастерство. мастерство

Но кроме того, были и глубинные противоречия между официальным римским искусством и понаехавшим голландским. Для начала, члены Перелетных Птиц считали, что сами методы обучения художников через копирования старых мастеров донельзя унылы. Еще им претило подражание Рафаэлю, идеализация натуры, академизм и прочее занудство. Вместо этого они провозглашали торжество натурализма, живой интерес к реальности, низменным бытовым сюжетам и все такое, за что они даже получили прозвище “малых караваджистов”. Папству были эти ребята не по душе просто потому, что были чересчур независимы - местных художников можно было прижать и поутихомирить, если тех заносило, при помощи заказов, денег от меценатов и всякого такого или просто выпустив какой-нибудь приказ, которому те не смели не повиноваться. С Птицами так не получалось. Были попытки ввести специальные налоги на торговлю предметами искусства для иностранцев, но они встретили бурное сопротивление, которое продолжалось много лет и победителями вышли Птицы. . Так они и стояли на голове, возмущая публику и своими выходками и своим искусством, пока папа Урбан VIII быстро, решительно не издал особый приказ о роспуске общества в 1720 году. Разбрелись художники кто куда, но оставили свои интереснейший след в истории, работая где-то между голландской бытовой прекрасной живописью и барокко и писали они как всякое хулиганство, так и множество картин на темы античных мифов, групповые портреты и даже портреты монарших особ. Я вам чуть позже, на днях, расскажу про совсем хулиганское ответвление от Перелетных Птиц:3

Бесплатный интенсив лекций о Ватикане - зарегистрироваться — история и искусство — секреты и тайны пап римских — современная жизнь Ватикана Узнайте все тайны самого маленького государства в мире в онлайн путешествии с лучшим гидом Рима и Ватикана - Анной Синицей. Путешествуй, даже если границы закрыты! При регистрации - всем приятный бонус - онлайн экскурсия по музеям Ватикана! 13 мая в 20:00 по мск - Ватикан: мифы и реальность 14 мая в 20:00 по мск - Тайны папского двора Переходите по ссылке https://annasinitsa.ru/webvatican_tg

Двусмысленность и тайна. Эми Джадд – лондонский художник. Вдохновляясь женскими образами из традиционной мифологии, Эми передаёт в своём творчестве тонкую связь, существующую между женщиной и природой. Во многих картинах фигурируют женские фигуры с цветами, перьями и птицами. Сова - частая тема в ее работах, отражает чувственный и одновременно сильный образ женского тела. Перья в различных образах намекают на уверенность полёта и отвагу, а не на хрупкость женской натуры. «Двусмысленность образа очень важна для меня, она дает зрителю чувство интриги и тайны и дает ему возможность создать свой собственный рассказ вокруг картины. Мне нравится намекать на отношения или движения тела, но, если бы они смотрели вам в глаза, они бы уже выдавали свою историю».

​​Медведя Леонардо да Винчи продают за £12 млн Ожидается, что рисунок «Голова медведя», который выставят на Christie's в июле, побьет рекорд на рисунки Леонардо. Рисунок медвежьей головы работы Леонардо да Винчи размером 7×7 см будет выставлен на торги Christie's 8 июля. Эстимейт рисунка — £8–12 млн. Ожидается, что «Голова медведя» побьет рекорд на рисунки Леонардо, который был установлен на Christie's в 2001 году, когда его «Конь и всадник» (ок. 1480) размером 12×7 см были проданы за £8,1 млн. «Голова медведя» выполнена около 1480 года и остается одним из восьми известных рисунков да Винчи, остающихся в частных руках (не считая британской Королевской коллекции и собрания герцогов Девонширских). Рисунок в XVIII веке находился в собрании художника Томаса Лоуренса, от которого перешел к дилеру и кредитору художника Сэмюэлу Вудберну. Последний продал его в 1860 году на Christie's всего за £2,5. Бен Холл, глава отдела старых мастеров Christie's в Нью-Йорке, говорит, что рисунком владели «некоторые из самых выдающихся коллекционеров в области старых мастеров на протяжении многих веков, в числе которых и нынешний владелец, которому он принадлежал с 2008 года». С момента своей первой выставки в 1937 году рисунок был показан в музеях по всему миру, включая выставку Леонардо да Винчи в Лондонской национальной галерее в 2011–2012 годах. Знаком он и российской публике — в Государственном Эрмитаже и ГМИИ им. А.С.Пушкина его можно было увидеть на выставке из собрания Томаса Каплана и Дафны Реканати-Каплан «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции» в 2018 году. Рисунок представлен на публичной выставке Christie's в Рокфеллер-центре в Нью-Йорке с 8 мая, затем он будет показан на выставке Christie's в Гонконге с 20 по 25 мая. После этого он отправится в Лондон, где будет выставлен на обозрение с 1 по 6 июня. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/18a97548754b667fba176.jpg

Легенды и тайны метро, секретные линии и закрытые станции, интересные факты и новости метрополитенов мира... Вам сюда ️ ️ Знали ли вы, что самое старое метро - в Лондоне? Что за годы Войны, московское метро увеличилось на треть? Что делать если упал на путь? Сколько в Москве станций-призраков? Что самое глубокое в мире метро в Питере, а самая глубокая станция в Киеве? Об этом и многом другом вы можете узнать на канале "Мир метро". Добро пожаловать!

"Стол и стулья" 1912 г. Андре Дерен Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. «Стол и стулья» – один из ряда натюрмортов, демонстрирующих прощание Дерена с фовистической традицией. Следующим этапом стало увлечение кубизмом, а если быть точнее – Сезанном, ставшим предвестником кубизма. В натюрморте легко узнаваем диалог с Сезанном. Традиционная белая скатерть Сезанна, плотность, объем, вес предметов, сдержанная палитра… Красочное буйство и плоскостные изображения фовистической поры остались позади. Но дальше сезанновского "протокубизма" Дерен в этом направлении не пойдет. В жизни он дружил с Пикассо, а в искусстве его увлечение кубизмом оказалось недолгим. «Невозможно все свести к прямым линиям… Изгиб подбородка не похож на изгиб тарелки», – пояснял свой уход от идей кубизма Андре Дерен. В натюрморте «Стол и стулья» подчеркнута геометричность форм. Ключевой, повторяющейся фигурой является окружность: круглый стол, видимые направленному сверху взгляду круги ваз и бокала, шарообразные фрукты, расставленные по кругу стулья. Интересно, что хлебница (слева) показана не сверху, а сбоку. Это вполне укладывается в рамки кубизма, в нем приветствовались множественные точки видения. Колорит картины сдержанный и при этом насыщенный. Преобладают три оттенка: различные вариации коричневого, серо-зеленый и бело-голубой. Это тоже в рамках кубистической традиции, но даже в таком минималистическом колорите проявилось тонкое чувство цвета, присущее Дерену: рыжеватый оттенок вазы, теплый тон стульев и бордовые фрукты, зеленые всполохи на скатерти и плотная портьера. В целом настроение картины несколько мрачновато, что в принципе присуще многим натюрмортам Сезанна и картинам кубистов. Интересно проследить эволюции натюрморта в жанре Андре Дерена. Если рассмотреть один из первых натюрмортов, датированный 1904 годом, бросается в глаза некоторая чрезмерность изображенных предметов: бутылки, кувшины, миски, тарелки фруктов. Художник только осваивает предметные и пространственные свойства, жадно сочетает разные формы, объемы, фактуру: скомканная скатерть на первом плане, несколько беспорядочное скопление различных по форме предметов на заднем. Здесь уже можно угадать стремление Дерена к декоративности, которое в следующем, 1905 году, наберет силу и приведет к появлению фовизма. А пока это лишь сочетание голубоватых отсветов на блюдах и скатерти, прохлады зелени и неожиданно теплого оттенка на участке залитом солнцем скатерти, и красный фон, и алые фрукты. Натюрморты кубистического периода, среди которых и рассматриваемый здесь, более лаконичны и сдержанны. Словно художник решил значительно сократить количество и разнообразие предметов, сделать более сдержанной палитру, лаконичной – композицию и придать изображению глубину. После Первой мировой войны Дерен решительно поворачивается к классике. Поздние работы написаны в духе старых музейных натюрмортов. По мнению некоторых исследователей, он перешел к «холодному натурализму», но, пожалуй, это слишком субъективное мнение. Тем более сам Дерен вовсе не стремился быть классифицирован, считая, что «живопись всегда остается одним и тем же – просто живописью». АндреДерен Натюрморт Кубизм _history

Рафаэль «Сикстинская мадонна». Картина хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене. У картины есть маленький секрет: задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов. А два ангелочка, изображенные на картине внизу, стали мотивом многочисленных открыток и плакатов.

Ватикан вечный город. Город тайн. Viasat History. Документальный фильм Ватикан и его тайные сокровища https://www.youtube.com/watch?v=Mxd8Rb9gwYo

"Святая Инесса" 1641 г. Хосе де Рибера Дрезденская картинная галерея (Галерея Старых мастеров). Детали сюжета Житие этой святой весьма необычно. Инесса была юной и прекрасной римлянкой, дочерью богатых родителей. Втайне от семьи она приняла христианство. За это девушка была приговорена к обезглавливанию. Её мучители оказались изобретательными: по их замыслу, до места казни Инесса должна была прошествовать обнажённой. Она шла сквозь возбуждённую толпу, снедаемая тысячами жадных глаз. Спотыкалась, когда её подталкивали похотливые руки стражников. Однако Бог, за веру в которого Инесса шла на плаху, всё же услышал моление избавить её если не от смерти, то хотя бы от позора. Мгновенно отросшие волосы и белый покров, спущенный ангелом с неба, скрыли её наготу от беснующейся толпы. Замысел и композиция Интересно, что на картине не находится места римскому плебсу, хотя динамичные многофигурные композиции (например, толпа, с жестоким удовольствием распинающая святого Варфоломея) хорошо удавались Рибере. Очевидно, здесь имеет место приём вовлечения: все глазеющие на Инессу должны размещаться на том же месте и смотреть на святую под тем же углом, что и зрители картины. Зритель, таким образом, из пассивного соглядатая превращается в невольного соучастника всего того, что происходит с Инессой. По-видимому, Риберу в данном случае интересуют не противопоставление христианской святой – грешному миру, а лишь глубина внутреннего состояния самой Инессы. Ему важно передать её наивность, её детскую трогательность. Для достижения этой цели Рибера делает фон размытым и максимально условным, а саму фигуру Инессы, напротив, выписывает очень тщательно. Мы можем видеть следующие детали: отдельные пушистые пряди её волос, серебрящиеся у глаз слезинки, пронизанные розовым светом тонкие пальцы. Все они написаны с озязаемой вещественностью. Особенности колорита Одно из главных достоинств «Святой Инессы» – её колорит. Она создана в то время, когда Рибера отказался от резких светотеневых контрастов, а палитра его картин стала более светлой и уравновешенной. Здесь есть некоторый парадокс: многие картины художника (и «Святая Инесса» в особенности) кажутся едва ли не монохромными, заставляя вспомнить о пресловутой «испанской мрачности», при этом Рибера считается одним из лучших колористов своего времени. В чем здесь дело? Вероятно, в «пятидесяти оттенках серого» в творчестве Риберы. Невероятное богатство тонов и рефлексов, для каждого из которых даже нет отдельного названия – разнообразных невнятно-коричневых, серебристо-бежевых, серо-розовых и буровато-зелёных – заставляет знатоков восхищаться великолепной и мощной тональной живописью Риберы. Рибера Барокко РелигиознаяСцена _history

​Во времена старых мастеров секреты живописи часто передавали по наследству. А если и принимали на обучение в академии, то отбор учеников был очень строгий. Мастера считали, что искусством должны заниматься только те, для кого живопись — это призвание жизни. Потому что, если мастерство требует опыта, то непревзойденное мастерство всегда связано с призванием. Именно поэтому картины получались живыми и настоящими и сохранились до наших дней почти в первозданном виде. А их “выдержка” в коллекциях королей придала шедеврам только особый шарм вечности. Страсть к своей профессии становится той движущей силой, которая помогает возвысить прекрасное до степени великого. В наше время восхищение теми, кто отдает своей работе всю жизнь, стало отправной точкой создания арт-проекта The Makers бренда односолодового виски The Balvenie, 20 июля. Гости мероприятия ознакомились не только с процессом приготовления, но во время ужина продегустировали The Balvenie PortWood 21-летней выдержки. Вообще, The Balvenie — единственная винокурня Шотландии, развивающая пять традиционных ремесел, чьи принципы производства не менялись на протяжении последних ста лет. Начиная с выращивания собственного ячменя, медника, бондаря и мастерства купажа. Все эти технологии не меняются столетиями, чтобы сохранить именно тот неповторимый вкус и аромат. Вы только послушайте: “Бархатисто сладковатый и удивительно мягкий, фруктовые и цитрусовые нотки в ансамбле с корицей, мускатным орехом и мёдом.” И это только вкус! А ещё есть и аромат, и послевкусие. Да, это затратная технология, но окупается всё это исключительным качеством виски. Это всего одна из полутора десятков разной выдержки бутылок с сайта https://wgsacademy.com/brands/the-balvenie/ А ещё о виски The Balvenie говорят, что это самый рукотворный односолодовый виски. THEBALVENIE THEMAKERSBYBALVENIE https://telegra.ph/file/8e04ee4ee6b60a6c2741c.jpg

Долина покоя 1858-1859 Джон Эверетт Милле Галерея Тейт, Лондон «Могилы. Сумерки. Ограда. Жуткие очертания деревьев. Монахини. Католики. Сегрегация по половому признаку. Религиозность. Хозяйка и служанка, властные взаимоотношения, возможно, более глубокая эмоциональная кабала. Женский труд. Кого-то хоронят или эксгумируют. Два венка. Глубоко-тёмная земля. Трупы, тайны, заговор, страх. Это картина, которая вырывает все ограничения» На полотне сцена на кладбище почти в сумерках. За кладбищенской стеной видна невысокая часовня с колоколом. На переднем плане две католические монахини. Одна из них сидя на надгробной плите в скрещенных пальцах держит розарий и с тоскливым взглядом обращена к наблюдателю картины. Вторая монахиня лопатой роет могилу, рядом с ней лежит кирка. Предплечья и тело работающей напрягаются под тяжестью земли.

"Вакх и Ариадна" 1745 г. Джованни Баттиста Тьеполо Национальная галерея искусства, Вашингтон. «Вакха и Ариадну» Джованни Баттиста Тьеполо создал, скорее всего, для украшения лестницы неизвестного венецианского дворца. На это указывает ныне утерянное письмо, которое художник написал некоему адресату в 1764 году, где владелец палаццо обозначен инициалами V. E. Картина, вероятно, была одной из четырёх работ (из них сохранились лишь три), каждая из которых символизировала некий природный элемент. «Вакх и Ариадна» представляют землю, «Триумф Амфитриты» (ныне находится в Галерее старых мастеров в Дрездене) – воду, а «Юнона и Луна» (Музей изящных искусств, Хьюстон) – воздух. Местонахождение четвертой картины, на которой, скорее всего, был изображён Вулкан, бог огня, и его жена Венера, неизвестно. Представление о том, как могло выглядеть это полотно, даёт нам эскиз полоточной росписи для Королевского дворца в Мадриде, хранящийся в Художественном музее Филадельфии. «Вакх и Ариадна» – иллюстрация эпизода древнего мифа, когда бог виноделия коронует смертную девушку, влюбившись в неё. Пара повстречалась на берегу острова Наксос, где Ариадну бросил возлюбленный – герой Тесей. Она стала женой Вакха, взошла на гору Олимп и обрела бессмертие. Художник изобразил бога едва сидящим на бочке и держащим сверкающий золотой венец, который позже станет созвездием Северная Корона. Внизу лежит один из двух ягуаров, везущих его колесницу. Сам олимпиец окружён гуляками с кувшинами вина и виноградными лозами, представляющими плодовитость земли, а пшеница в волосах Ариадны и тростник в её руке, символизируют землю. В 2014 году Национальная галерея в Вашингтоне начала реставрацию полотна, которая продолжалась четыре года. Исследование выявило на картине ранее неизвестные детали, утраченные после того, как в конце XVIII века её вывезли из дворца, для которого она была написана. В частности, композиция (как и две другие дошедшие до нас картины этого цикла) содержит архитектурные мотивы, связывавшие её с первоначальным местоположением. Это изображения каменных волют (спиралевидные завитки на одном из которых сидит путти) в верхней трети полотна и длинношеих существ, похожих на грифонов, в нижних углах. Согласно найденным записям, работы были изъяты со своих исходных мест в 1798 году. После этого архитектурные детали на них утратили смысл и были закрашены. Реставраторы сняли более поздний красочный слой, под которым обнаружились высокие вертикальные листья на левой и правой сторонах композиции. Инфракрасные снимки показали, что первоначально снопы были перевязаны золотыми лентами. Они, как и грифоны, вероятнее всего, были связующими фрагментами для всех четырёх картин серии. Сходные элементы были найдены при реставрации «Триумфа Амфитриты» несколько десятилетий назад. Полотно «Юнона и Луна» пока ещё не восстанавливалось, но инфракрасные и рентгеновские снимки показали, что на нём есть закрашенные грифоны. Украшение в виде золотой ленты есть на ещё одной работе Тьеполо, «Нашествие змей» (1732 – 1735) из Галереи Академии в Венеции. Она, а также архивные документальные изображения и другие произведения художника дали реставраторам понять, как выглядели недостающие элементы. Учёные также выявили, что во время работы Тьеполо вносил значительные изменения в композицию. Это свидетельствует о том, что «Вакх и Ариадна», вероятнее всего, были первой картиной серии. Рентген показал, что под грифоном и ягуаром в правом нижем углу скрываются изогнутые формы – возможно, с их помощью художник первоначально пытался включить произведение в окружающий интерьер. После того, как «Вакха и Ариадну» сняли с первоначального места, картина находилась в частных коллекциях в Италии и Вене. В конце 1920-х годов её купили промышленник Уильям Роберт Тимкен и его жена Лилиан. В 1960 году они передали полотно Национальной галерее искусств в Вашингтоне. Обновлённое произведение вернулось в экспозицию 14 июня 2018 года. ДжованниТьеполо МифологическаяСцена Рококо _history

Картину Вермеера XVII века наконец-то можно будет увидеть в первоначальном виде В Галерее старых мастеров в Дрездене завершилась реставрация картины легендарного Вермеера «Девушка, читающая письмо у открытого окна» (1657–1659) Картина хранится в музее 275 лет, и только в 1975 году специалисты поняли, благодаря рентгеновскому сканированию, что на стене позади девушки на самом деле было закрашено изображение Купидона В 2019 году музей решил полностью восстановить его, что поменяло смысл самого произведения: Купидон — символ любви, а значит девушка читает любовное письмо. Ранее о содержании документа можно было лишь догадываться

Святая Инесса и ангел, укрывающий её покрывалом 1641 Хосе де Рибера Галерея старых мастеров, Дрезден Основу наиболее выдающихся творений Хосе де Риберы составляет глубина человеческого переживания. Такова «Святая Инесса». По преданию, юная христианка Инесса должна была быть выставлена обнажённой перед толпой за отказ поклоняться языческим богам, но произошло чудо: внезапно выросшие волосы скрыли её наготу, а сошедший с небес ангел накинул на неё покрывало. У Риберы образ Инессы, её тонкая фигура подростка, исполненное прелести лицо с большими сияющими глазами, волнистые пряди волос, кисти рук, прозрачно-розовые от пронизывающего света — воплощение чистой, трогательной и светлой юности. Считается, что этот образ написан с дочери художника.

"Автопортрет" Игнасио Сулоага, 1908 > Москва, Пушкинский музей ​Сулоага родился в семье известного чеканщика, ювелира и оружейника, а по линии матери был потомком двухсотлетней династии баскских художников. В юности Игнасио нарисовал несколько картин, посвященных родному городу Эйбару. Свое мастерство он совершенствовал в стенах музея Прадо, куда ходил, чтобы копировать работы Гойи, Веласкеса и Эль Греко. Увлечение полотнами старых мастеров сильно повлияло на творческое становление Сулоаги: в его работах часто можно видеть отсылки к живописной манере этих художников. Мастер считал себя продолжателем традиций великих испанцев, прежде всего, Эль Греко. Именно благодаря деятельности и творчеству Сулоаги, заразившего своим интересом русского коллекционера Ивана Щукина, Эль Греко был заново открыт для художественной общественности.

Тайны и загадки известных музеев мира вокруг музеев ходит очень много легенд, которые могут быть любопытнее самых загадочных живописных полотен. Увы, но выделить несколько фактов и секретов в одном музее трудно, они просто кишат рассказами и слухами. Но надо с чего начинать — https://www.youtube.com/watch?v=DTeHbIHH9nk https://www.youtube.com/watch?v=DTeHbIHH9nk

Что такое анаморфоз? Это конструкция в живописи, созданная таким образом, что в результате оптического смещения, изначально не распознаваемая форма складывается в легко читаемый образ. Именно такой прием использовал участник ARTLIFE FEST 2021 Арсен Курбанов в своей работе «Анаморфозы COVID». Являясь мастером сюжетной живописи, Арсен Курбанов стремится придавать актуальное прочтение технике старых мастеров, сочетая в своих картинах библейские и исторические сюжеты с современными темами. Свои навыки и знания он передаёт студентам отделения станковой живописи Института им. И. Е. Репина в Санкт-Петербурге. А в рамках ARTLIFE FEST 2021, 27 октября в 16:00, художник проведет авторский мастер-класс «Портрет с натуры», на котором расскажет, как создавать объемные, динамичные и реалистичные портреты с натуры. Билеты можно приобрести по ссылке: https://bit.ly/3lKGOpR Получилось найти анаморфоз на изображении?

​Как постичь «Секретный язык любви» Вот интересно, как ярче можно выразить свои чувства через драгоценные предметы? Что может сиять ярче золотых изделий с бриллиантами? Какие тайные смыслы, послания и романтические истории могут заключать в себе ювелирные творения? Что говорит нам — их «Секретный язык любви»? Вы удивитесь, но именно танец, а точнее, балет — развязывает этот язык. Представьте, что вдохновением для эскизов брошей-танцовщиц послужили фотографии именитых балерин — изящная поза балетного па, взмах тонких рук, томный изгиб шеи. Непременно в пуантах и в ажурной пачке из бриллиантов или цветных драгоценных камней – ювелиры создавали иллюзию, что их наряды взлетают ввысь, вторя движениям танца. Красота, изысканность, утонченность и постоянное стремление к совершенству и есть тот «Секретный язык любви», который объединяет украшения французского Дома Высокого ювелирного искусства Van Cleef & Arpels и искусство танца Большого театра. Свою приверженность искусству балета, стремление к совершенству и непревзойдённый талант они представят в новом беспрецедентном культурном и образовательном проекте En Coulisses. На выставке гости познакомятся с уникальными творениями Высокого ювелирного искусства, среди которых изящные броши-балерины. Кроме этого, мастера покажут, как рождаются ювелирные произведения, требующие многих часов кропотливой работы. Гости выставки познакомятся с навыками ювелиров, закрепщиков камней, дизайнеров и полировщиков. Но это не всё. Посетите цикл образовательных лекций и открытых дискуссий об искусстве танца. Участие в этих разговорах о культуре, балете, музыке и ювелирном мастерстве примут эксперты из российских музеев и театров. Эксперты ювелирной школы L’ECOLE проведут три лекции: «Секреты сентиментальных украшений», «Танцующие украшения» и «Тайный язык цветов». И наконец, по инициативе Дома Van Cleef & Arpels будет представлена балетно-оперная постановка «Зефир и Флора, или Метаморфозы», которая станет частью выставки En Coulisses. Спектакль создан при участии ведущих артистов и художников Большого театра, а также оперных солистов. Приходите, если хотите получить изысканное удовольствие. Не пожалеете! Вход свободный, по предварительной регистрации: vancleefarpels.timepad.ru/event/1759643/%20. Выставка пройдет с 8 по 17 октября 2021. Время работы: с 11:00 до 22:00 Петровский Пассаж, ул. Петровка, 10, Москва, Россия https://telegra.ph/file/56c8df6c576a1175a9ca6.jpg

Музейные тайны: Национальный музей антропологии в Мехико https://youtu.be/exuSnEhGA3A

​Как постичь «Секретный язык любви» Вот интересно, как ярче можно выразить свои чувства через драгоценные предметы? Что может сиять ярче золотых изделий с бриллиантами? Какие тайные смыслы, послания и романтические истории могут заключать в себе ювелирные творения? Что говорит нам — их «Секретный язык любви»? Вы удивитесь, но именно танец, а точнее, балет — развязывает этот язык. Представьте, что вдохновением для эскизов брошей-танцовщиц послужили фотографии именитых балерин — изящная поза балетного па, взмах тонких рук, томный изгиб шеи. Непременно в пуантах и в ажурной пачке из бриллиантов или цветных драгоценных камней – ювелиры создавали иллюзию, что их наряды взлетают ввысь, вторя движениям танца. Красота, изысканность, утонченность и постоянное стремление к совершенству и есть тот «Секретный язык любви», который объединяет украшения французского Дома Высокого ювелирного искусства Van Cleef & Arpels и искусство танца Большого театра. Свою приверженность искусству балета, стремление к совершенству и непревзойдённый талант они представят в новом беспрецедентном культурном и образовательном проекте En Coulisses. На выставке гости познакомятся с уникальными творениями Высокого ювелирного искусства, среди которых изящные броши-балерины. Кроме этого, мастера покажут, как рождаются ювелирные произведения, требующие многих часов кропотливой работы. Гости выставки познакомятся с навыками ювелиров, закрепщиков камней, дизайнеров и полировщиков. Но это не всё. Посетите цикл образовательных лекций и открытых дискуссий об искусстве танца. Участие в этих разговорах о культуре, балете, музыке и ювелирном мастерстве примут эксперты из российских музеев и театров. Эксперты ювелирной школы L’ECOLE проведут три лекции: «Секреты сентиментальных украшений», «Танцующие украшения» и «Тайный язык цветов». И наконец, по инициативе Дома Van Cleef & Arpels будет представлена балетно-оперная постановка «Зефир и Флора, или Метаморфозы», которая станет частью выставки En Coulisses. Спектакль создан при участии ведущих артистов и художников Большого театра, а также оперных солистов. Приходите, если хотите получить изысканное удовольствие. Не пожалеете! Вход свободный, по предварительной регистрации: vancleefarpels.timepad.ru/event/1759643/%20. Выставка пройдет с 8 по 17 октября 2021. Время работы: с 11:00 до 22:00 Петровский Пассаж, ул. Петровка, 10, Москва, Россия https://telegra.ph/file/56c8df6c576a1175a9ca6.jpg

Картины на страницах старых книг. Луи Жовер (Loui Jover) — австралийский художник. Большая часть работ написана чернилами и гуашью на страницах стареньких книг. Луи Жовер пишет ежедневно, живопись — его основное занятие. Это одновременно и хобби, и работа, и источник счастья. Каждой картине дается особое, уникальное название. Например: 1 фото - «Вдохновение»; 2 фото - «Жизнь в туннеле». Работы Жовера выставлены в галерее Саатчи — самом шокирующем и посещаемом музее Лондона.

​​Картину Боттичелли выставят на продажу за $40 миллионов Аукционный дом Sotheby’s выставляет на торги картину одного из величайших художников эпохи Возрождения — «Мужа скорбей» Сандро Боттичелли. Панель станет звёздным лотом на ежегодной распродаже «Неделя мастеров» в Нью-Йорке в январе 2022 года с предварительной оценкой более 40 миллионов долларов. Это один из немногих шедевров мастера, остающийся в частных руках. «Муж скорбей», выполненный в конце XV — начале XVI века, относится к позднему периоду творчества Боттичелли. Тогда художник находился под сильным влиянием фанатичного доминиканского монаха Джироламо Савонаролы, и в его стиле чётко обозначился христианский символизм и визионерская духовность. Портрет воскресшего Христа сочетает уникальную манеру мастера с потрясающе современным и человечным изображением Иисуса. Панель появится на торгах после триумфальной продажи «Портрета юноши с медальоном». В январе 2021 года он ушёл за 92,2 млн долларов, что сделало его третьей из самых дорогих работ старых мастеров. Вообще же произведения Боттичелли любого периода — большая редкость на рынке. Его поздние творения очень редко появляются на торгах: сейчас известны только три картины, созданные после 1492 года, которые находятся в частных руках. «Муж скорбей» сейчас представлен на публичной выставке в Гонконге, где наблюдается всплеск интереса не только к Боттичелли, но и вообще к «голубым фишкам» из числа старых мастеров. В прошлом году в Гонконгском музее искусств с большим успехом прошла выставка «Боттичелли и его эпоха. Шедевры из Уффици». После Дальнего Востока картина отправится во всемирное турне в Лос-Анджелес, Лондон и Дубай, а затем вернётся в Нью-Йорк, где будет показана перед продажей в январе. Характерные черты «Мужа скорбей» — это строго фронтальное изображение Иисуса и нимб из ангелов, которые держат атрибуты Страстей Христовых. Они написаны в технике «гризайль», с помощью которой плоскому рисунку придаётся объёмность скульптуры. Но в первую очередь зритель видит скрещённые на груди руки Сына Божия с ранами от гвоздей и его пронзительный взгляд, который вызывает в памяти светские образы и придаёт иконе черты портрета. Впервые «Муж скорбей» упоминается в коллекции известной английской оперной певицы Аделаиды Кембл (1814−1879). Она происходила из знаменитой актёрской династии и вместе с мужем — политиком Эдвардом Джоном Сарторисом — была влиятельной фигурой в викторианском Лондоне и в Риме. Позже картина перешла к правнучке Аделаиды, леди Канингем, которая продала её в 1963 году с молотка за 10 тысяч фунтов стерлингов (с учётом инфляции это 178 тыс. фунтов стерлингов или 243 тыс. долларов США в 2021 году). С тех пор панель практически не появлялась на публике. Исключением стала крупная ретроспектива Боттичелли, которая прошла в 2009—2010 годах в Штеделевском художественном институте в немецком Франкфурте. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/50ad1ef3822fb700bcbcd.jpg

Эрмитаж Онлайн. Украшения - это серьезно. Греческое золото в Эрмитаже. https://youtu.be/c-eeFhXG4uY?t=23 Все основные виды украшений пришли к нам из глубокой древности. Некоторые сохранились в практически неизменном виде, другие претерпели значительные изменения, третьим суждено было остаться в античном мире навсегда. Изящные формы греческих украшений требовали виртуозного исполнения и безупречного художественного вкуса от ювелира, и на экскурсии будут раскрыты некоторые тайны античных златокузнецов. Носить драгоценности – это искусство. Одни обладают этим даром от природы, другие мечтают научиться. Что и как носили гречанки античной эпохи, чей облик до сих пор считается идеалом красоты, узнаем на экскурсии по залам Отдела Античного мира Эрмитажа. Секретами античных красавиц с нами поделится Ольга Горская, научный сотрудник Отдела Античного мира. https://youtu.be/c-eeFhXG4uY?t=23

Реэкспозиция Пушкинского музея ГМИИ им. А.С. Пушкина представил новую авторскую концепцию постоянной экспозиции старых мастеров, подготовленную французским сценографом и куратором Патриком Уркадом. Залы византийского искусства, искусства Германии и Нидерландов XV–XVI веков, а также Фландрии и Голландии XVII века, живописи Рембрандта и его школы предстанут полностью преображенными. Цель реэкспозиции — вернуть залам свет и пространство такими, как изначально их видели создатели музея: Иван Цветаев и Роман Клейн. С 19 октября каждый посетитель сможет увидеть обновленную экспозицию. арт_новости

Еженедельный новостной дайджест ARTLIFE. Собираем самые интересные события из мира современного искусства. Этикет и искусство На YouTube-канале ARTLIFE TV вышло интервью с международным экспертом по этикету Татьяной Поляковой. Must watch этой недели. Реэкспозиция Пушкинского музея ГМИИ им. А.С.Пушкина объявил о масштабной реэкспозиции залов старых мастеров. Теперь в музейном пространстве больше света, как и задумывалось основателем и архитектором. Ставки на искусство Новый тест на оценку произведения искусства. На этот раз — Клод Моне. OnlyFans и Венские музеи Facebook постоянно усложняет публикацию контента, в том числе по соображениям защиты от порнографиии. Вот как Венские музеи вышли из положения, чтобы публиковать обнаженную натуру из своей коллекции. Фотография: прошлое, настоящее и будущее YouTube-канал ARTLIFE TV выпустил видео о фотографии. В формате круглого стола участники фотохудожественного проекта «ГРОМ» и арт-продюсер Крестина Ланцова обсудили фотографию.

Тайны Юсуповского дворца. Убийство Григория Распутина. https://youtu.be/F4n0s7MIgBc Экскурсию замечательно ведёт Валентина Владленовна Набок, заведующая отделом Юсоповского дворца. Как интересно и завораживающе рассказывает эта интеллигентная спокойная дама. https://youtu.be/F4n0s7MIgBc

​​️В рамках Года Германии в России 2020/2021 11 ноября состоится премьера световой проекции российских и немецких художников «Для тех, кто мыслит текуче, настоящее чревато будущим». ️Названы финалисты Премии Кандинского. Победители будут объявлены на церемонии награждения, которая состоится 17 ноября в Московском музее современного искусства, где до 21 ноября проходит выставка номинантов Премии Кандинского. ️Посвященная Таиру Салахову видеоинсталляция «Вечность» открылась в Москве в Фонде культуры «Екатерина». ️Эрмитаж представил портрет Данте XVI века и редкое издание «Божественной комедии». ️Пушкинский музей представляет выставочный проект известного французского куратора Жан-Юбера Мартена «Бывают странные сближенья...» Зрителей ждет встреча не только с хорошо известными экспонатами Пушкинского, но и с той частью собрания, которая обычно скрыта в запасниках, а также с произведениями старых мастеров и современных художников из более чем 50 отечественных и зарубежных музейных и частных коллекций. Созданная Жан-Юбером Мартеном экспозиция предлагает принципиально новый взгляд на коллекцию музея и на историю искусства в целом. Фото: Пабло Руис Пикассо. Портрет поэта Сабартеса (Кружка пива). 1901 г., предоставлено пресс-службой ГМИИ им. А.С. Пушкина https://telegra.ph/file/c66997a8b98beedf7db1f.jpg

"Сад художника в Ветёе" 1881 г. Клод Моне Музей Нортона Саймона, Пасадина. Клод Моне прожил в Ветее 4 года. Он арендовал шестикомнатный дом с фруктовым садом и выходом к Сене всего за 50 франков – и жить в нем должны были 13 человек. У каждого на то были свои причины. Попробуем в них разобраться. Сам Моне и его жена Камилла, к тому времени уже неизлечимо больная, она проживет в Ветее всего год и умрет здесь же. Они искали, где подешевле – и конечно Париж в область их поисков попадал в последние годы все реже. Чем дальше от города – тем проще выжить. С Клодом и Камиллой – двое их сыновей. Еще кухарка, которая тоже долго в этом доме не проживет – платить ей бывало совсем нечем, да и готовить не всегда удавалось. Обитатели этого дома часто сидят без куска хлеба. А кто же остальные жильцы? К семейству Моне в Ветее скоро присоединяется еще одна семья – Эрнест Ошеде с женой Алисой и 6 детьми. И у них свои причины. Ошеде, один из самых первых и верных поклонников живописи импрессионистов, разорился. У него были страшные миллионные долги, заложенное поместье, изрядно раздерганное наследство жены, прогоревшая торговая фирма, коллекция никому пока не нужных картин и шестеро детей. Моне предложил бывшему покровителю жить вместе, хозяйничать, растить кур и кроликов, делить расходы пополам. Его жена Алиса, конечно, соглашается - надо же чем-то кормить детей. Но у нее есть еще одна причина – несколько лет назад у Алисы завязался нешуточный тайный роман с художником, который жил в их поместье месяцами и писал панно и картины по заказу ее мужа. Этим художником был Клод Моне. В 1881 году, когда Моне пишет эту картину, в арендованном доме в Ветее оставалось уже меньше жильцов: умерла Камилла, сбежал Эрнест, ушла кухарка. Алиса стала полноправной хозяйкой, а Моне называют папой уже все восемь детей. Моне перестал участвовать в выставках импрессионистов, а в Салон его картины принимают через раз и размещают где-нибудь у выхода над дверью. Это время, когда Моне в одном из писем пишет: «Так что я совершенно уничтожен, подавлен, о живописи и думать не могу без содрогания, потому что понимаю: мне теперь до конца дней своих суждено прозябать в нищете, не имея никакой надежды на успех…» Бывает, что по несколько месяцев у Моне нет красок, он не может работать, в прачечной Алисе отказываются вернуть выстиранное постельное белье из-за долгов – и приходится спать без белья. Дрова для камина Алиса собирает сама. Крохотную парижскую студию Моне, где хранятся его работы, оплачивает Гюстав Кайботт. Среди редких покупателей картин – те же верные поклонники, что и в предыдущий десяток лет. Они делают, что могут. Этим летом вид на лестницу, ведущую к дому, на цветник с подсолнухами и гладиолусами Моне написал в 4 вариантах. Этот и еще один хранятся сегодня в музеях Америки, еще два – в частных коллекциях. Совсем не удивительно, что в этот беспросветный период Моне пишет одни из самых солнечных и умиротворенных пейзажей. Не удивительно, что изображенные места кажутся раем, а жизнь в доме, к которому ведет утопающая в цветах лестница, должна быть безмятежной и расслабленной. Потому что от отчаянья, голода и бессилия художника всю жизнь спасали одни и те же вещи: солнце, река, цветы и работа. КлодМоне Импрессионизм _history

Элементы с Джеймсом Брэдбёрном. "Караваджо. Ужин в Эммаусе" https://youtu.be/FYSagUAukZA Директор Пинакотеки Брера в Милане Джеймс Брэдбёрн – предлагает новые тайны картины Караваджо "Ужин в Эммаусе", обнаруженные не так давно. А также о судьбе и творчестве знаменитого Микеланджело Меризи по прозвищу Караваджо. https://youtu.be/FYSagUAukZA

Планируете культурные выходные? Рассказываем, где их можно провести ⠀ В арт-галерее «VEKARTA» стартовала выставка «Босх и Брейгель: загадки мистической эпохи». Вы погрузитесь в тайный мир самых загадочных мастеров эпохи Возрождения. Все картины экспозиции – это не просто копии оригинальных полотен, а художественные воспроизведения в мельчайших деталях. Например, вы сможете ознакомиться с триптихом «Сад Земных Наслаждений» Босха или «Вавилонской башней» Брейгеля. ⠀ В этом году «Музей Музыки» отмечает 110 лет и делает это масштабно! 26 марта посетителей ждет около 20 мероприятий: экскурсии, мастер-классы, квесты, лекции и концерты с известными деятелями из музыкальной сферы. ⠀ На ВДНХ проходит увлекательная выставка «Сокровища гробницы Тутанхамона». Организаторы предлагают отправиться в путешествие по Древнему Египту: величайшие сокровища, царские драгоценности, золотые саркофаги и художественные репродукции навсегда утерянных вещей. ⠀ Какие у вас планы?

​​️В Музее Москвы идет выставка «Москва: проектирование будущего» о развитии архитектуры столицы с 16 века. ️23 марта в новом пространстве Еврейского музея и центра толерантности откроется выставочный проект «Каббала. Тайны мироздания», посвященный одному из самых загадочных явлений иудаизма и мировой культуры — учению каббалы. ️В День защитника Отечества Музей Победы проведет праздничную программу на открытой площадке военной техники. Посетителей ждут бесплатные мастер-классы, тир, кинопоказ, полевая кухня и другие мероприятия. Программа здесь. ️В Париже дебютирует новая выставка Paris Print Fair. Она пройдет во время Недели рисунка (Drawing Week) с 19 по 22 мая 2022 года и проследит эволюцию искусства гравюры с 15 века до наших дней. Планируется, что Paris Print Fair станет популярной площадкой, полностью посвященной печатной графике. Параллельно она будет проходить в онлайн-формате. ️С 20 февраля по 1 марта в столице проходит фестиваль азербайджанской культуры «Дни Азербайджана в Москве», приуроченный к 30-летию установления дипломатических отношений между Азербайджаном и Россией. В рамках фестиваля с 20 по 27 февраля в Новой Третьяковке представлена расширенная экспозиция народного художника Таира Теймуровича Салахова. В павильоне «Азербайджан» на ВДНХ открылась выставка «Азербайджанский ковер — новый взгляд», (вход свободный), экспонаты которой продемонстрируют концептуальное переосмысление традиционных ковров. Фото: Таир Теймурович Салахов. Айдан. 1967. ГТГ https://telegra.ph/file/7d0bb60f5824a699e50d3.jpg

​​Картину Ловиса Коринта, похищенную нацистами, вернули владельцам спустя 80 лет Королевские музеи изящных искусств в Брюсселе вернули потомкам немецко-еврейской пары картину немецкого экспрессиониста Ловиса Коринта. Приблизительно 80 лет назад натюрморт «Цветы», написанный в 1913 году, был экспроприирован нацистами. После войны следователи не смогли найти первоначальных владельцев и передали работу музеям. Нынешняя реституция стала первой в истории Королевских музеев изящных искусств. Этот бельгийский институт объединяет шесть учреждений, в которых хранятся шедевры, охватывающие период от старых мастеров до Рене Магритта. «Цветы» принадлежали Густаву и Эмме Майер, которые бежали из Германии в 1938 году. Прежде они вели успешный бизнес во Франкфурте, а в их коллекцию входило 30 картин. В течение 14 месяцев 1938—1939 годов супруги находились в Брюсселе и оставили там собрание на хранение. В августе 1939 года — за несколько дней до начала войны — они добрались до Великобритании и поселились в Борнмуте. Больше своих картин они не видели. Густав Майер умер естественной смертью в 1940 году в возрасте примерно 80 лет. Его жена Эмма скончалась четыре года спустя. В 1942 году начал работать нацистский отряд по конфискации культурных ценностей, принадлежавших европейским евреям. Им руководил Альфред Розенберг, помощник Гитлера. К 1943 году вся коллекция Майеров в Брюсселе исчезла. Изюминкой собрания была картина Макса Либермана — одного из ведущих импрессионистов Германии — с изображением всадника на пляже. Супруги владели также рядом работ Коринта и других менее известных франкфуртских художников. Натюрморт — единственное полотно из коллекции, которое удалось идентифицировать. Адвокаты семьи обратились к музеям в 2016 году — через восемь лет после запуска онлайн-базы по поиску 29-ми произведений, которые могут быть в разных коллекциях. Девять правнуков пары, живущие в Великобритании, Южной Африке и США, ещё не решили, что делать с картиной. Церемония передачи прошла в новом выставочном зале, где представлены другие картины, переданные музеям в 1951 году. Их авторы — как старые мастера, так и художники XIX века, а владельцы либо не были идентифицированы, либо у кураторов возникают вопросы о том, как эти работы были приобретены. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/e8fcaf60839339049cd1c.jpg

Задумчивая натурщица 1923 Анри Ле Фоконье ГМИИ им. А.С. Пушкина После Первой мировой войны ближе к 1920-му году Ле Фоконье отошел от авангардных опытов и подобно многим своим коллегам увлекся поиском «истинной традиции», которую он видел в искусстве старых мастеров. Его послевоенные же полотна несут на себе реалистический отпечаток. «Задумчивая натурщица» — его программная работа 1923 года, иллюстрирующая взгляд художника на живописную традицию. Темные краски, устойчивая композиция, серьезность и вдумчивость переживания образа отражают манеру мастера. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Русалки" 1871 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. Русалочьи посиделки под лунным светом. В обширном списке произведений И.Н.Крамского особое место занимает его картина под названием «Русалки». Народная молва окрестила это полотно мистическим, поскольку с ним связаны таинственные случаи, и некоторые из них — с печальным финалом. Но обо всем по порядку. Являясь почитателем литературного таланта Н.В.Гоголя, Крамской мечтал создать полотно по мотивам его произведений. Художник был, без преувеличения, очарован описаниями украинских ночей и тех мифических существ, которые появлялись под светом луны, пока обычные люди были погружены в сон. Помимо этого, живописец страстно мечтал запечатлеть на полотне удивительное сочетание ночной мглы и струящегося лунного света, озаряющего отдельные предметы. Картина Крамского «Русалки» свидетельствует, что с этой задачей художник отлично справился. Сюжетом для картины Крамского «Русалки» послужил отрывок из гоголевской «Майской ночи», где автор описывает сон Левка. Художник не ставил перед собой цель точно передать все детали сна, он лишь стремился поделиться со зрителем тем чудесным видением, которое посетило его во время работы над эскизами будущего шедевра. Картина Крамского «Русалки» наполнена светлой грустью. На переднем плане мы видим группу молодых девушек, облаченных в белые одеяния. Они собрались на берегу старого пруда, чтобы посидеть под лунным светом, спеть свои любимые песни и рассказать друг другу сокровенные тайны. Тонкие фигурки утопленниц застыли в живописных позах, их лица печально-строги. Кое-кто, запрокинув лицо вверх, всматривается в диск полной луны, другие же склонили головы, будто оплакивая свою горькую судьбу. Они словно сияют под светом полной луны, которая освещает лишь небольшие участки — заросли осоки, невысокий холм и старую усадьбу на нем. На современников Крамского его «Русалки» произвели неизгладимое впечатление: картина пользовалась необычайным успехом у публики, а критики единодушно хвалили мастера за точную передачу лунного света и новизну сюжета. Впрочем, сам живописец был недоволен собой и время от времени порывался доработать картину даже после того, как она оказалась в коллекции Третьякова. Само же полотно, казалось, жило своей жизнью. На 1-й выставке, организованной Товариществом передвижников, его поместили рядом с полотном «Грачи прилетели» кисти Саврасова. Утром обнаружилось, что пейзаж Саврасова ночью необъяснимым образом упал со стены; работники выставки в шутку говорили, что это дело русалок, которым пришлось не по душе соседство с птицами. Однако после того как картину Крамского «Русалки» купил П.Третьяков, всем стало не до шуток: челядь утверждала, будто в тех комнатах, куда вешали холст, воздух становился прохладным и наполненным сыростью, а по ночам оттуда слышалось тихое пение. Сам хозяин говорил, что после длительного созерцания картины он чувствует упадок сил. Также ходили слухи, будто картина сводит с ума молоденьких барышень, да так, что одна из них утопилась в реке. Вся мистика прекратилась после того, как по совету старой няни полотно повесили в угол, подальше от света — чтобы он не тревожил утопленниц на холсте. Сегодня картина является частью экспозиции Третьяковской галереи в Москве. ИванКрамской МифологическаяCцена Реализм _history