Автопортрет. Между часами и кроватью 1940—1943 Эдвард Мунк Музей Мунка...

​​В России появился новый научный журнал о вопросах современного искусства. Музей «Гараж» выпустил первый номер рецензируемого научного журнала The Garage Journal. Первый номер — «Доступность и инклюзия в современном искусстве» — посвящен трудовому разнообразию в арт-среде, ее доступности для людей с инвалидностью, аутсайдерскому искусству и другим темам. The Garage Journal станет международной платформой для обсуждения: ️вопросов и проблем, связанных как с современными междисциплинарными гуманитарными исследованиями (инклюзия, научная этика, устойчивое развитие, миграция), ️так и с местом культурных институций в современном контексте. Материалы журнала можно найти в открытом доступе здесь https://telegra.ph/file/bb98b2013c16eb5f0d9ee.jpg

Una.Kritzolina Сегодня - Всемирный день кита! 19 февраля 1986 года Международная китобойная комиссия ввела запрет на китовый промысел, положив тем самым начало празднованию Всемирного дня китов, который также считается днем защиты всех морских млекопитающих. художник денькита живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо

​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство обедает» Мясоедова Григорий Мясоедов - один из самых ярких представителей реализма второй половины XIX века. Художник принимал участие в создании Товарищества передвижных художественных выставок. Живописец, график, теоретик искусства. Ему удалось создать великолепное произведение «Земство обедает», которая отражает жизнь крестьян и дворян в России в период глобальных реформаций, а также острые социальные проблемы. Знаковую картину Мясоедова «Земство обедает» художник написал в 1872 году. Полотно было представлено на II-й выставке «передвижников» и была благоприятно воспринята публикой. Критики оценили картину как «одну из лучших и наиболее содержательных работ на современную тему». Таким образом, картина стала не только визитной карточкой Мясоедова, но и одним из лучших образцов реализма передвижников. Через год после написания «Земства» Мясоедов продал полотно меценату и коллекционеру Третьякову, который попросил его чуть доработать картину. Итак. Картина строится на реформационной России. Как правило, местные самоуправления только начали реформироваться в земства. Это тихий провинциальный городок. Сюжет картины предельно прост. Художник решил отобразить несоответствие сословий и социальные различия через трапезу. На переднем плане художник изобразил здание районного совета, верхняя часть крыльца имеет подсказку-надпись «Уездная земская управа». Внутри здания губернского совета разворачивается поистине аристократическая сцена: там виден официант, переставляющий блюда и бутылки с вином. По всей видимости, депутаты закончили обед. Зритель не видит весь дом, видны только светлая стена и два окна с дверью. Главные герои – крестьяне, которые сидят на крыльце у здания. Они ждут «хозяев», которые в это самое время завершили свою аристократическую трапезу (наверняка с шампанским и фазанами). Ожидая депутатов, крестьяне тоже решили пообедать. Их трапеза скудна и скромна, по сравнению c обедом «сильных мира сего». Еда простая: у одного сухой хлеб, у другого - хлеб с солью и пучок зеленого лука. Главным героям картины художник придал характерные черты (где-то лукавство, где-то благородство, а где-то обида). Главный посыл художника – передача яркого контраста между бедностью и богатством. Крестьяне думают об одном и том же и с горечью понимают, что справедливости у здания «Управы» им не добиться. https://telegra.ph/file/989c32dc9d6bda0b34c13.jpg

"Автопортрет с символами Vanitas" 1651 г. Девид Бейли

"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. С 50-х годов ХХ века картина Камиля Коро «Итальянка, или женщина с жёлтым рукавом» не выставлялась публично. Запертая в частных коллекциях, она пропала из виду. О ней начали забывать. Да и сам Коро существовал в общественном сознании как пейзажист по преимуществу. Однако в начале 2013 года в художественном мире произошла в некотором роде сенсация: стало известно о завещании скончавшегося в 2011 году Люсьена Фрейда – одного из наиболее дорогих художников своей эпохи и внука родоначальника психоанализа Зигмунда Фрейда. В завещании Люсьен Фрейд упоминал о благодарности английскому народу за гостеприимство, оказанное его еврейско-немецкой семье: когда-то она вынуждены была бежать от нацистов и нашла в Англии новую отчизну. Вещественным выражением этой благодарности стали несколько бронзовых скульптур Эдгара Дега и еще картина, которую сам Фрейд приобрёл в 2001 году на аукционе и с тех пор она украшала верхний этаж его дома в Лондоне. Люсьен Фрейд хотел, чтобы после его смерти она стала национальным достоянием Британии. Этой картиной была «Женщина с жёлтым рукавом» Коро. Французский художник XIX века Жан-Батист Камиль Коро (1796 – 1875) известен, прежде всего, как один из прямых предшественников импрессионизма, писавший лирические пейзажи. Его портреты – в основном поздние работы, и некоторые из них не менее значительны, чем его пейзажная живопись, хотя и менее известны. Интересно, что Коро, за редкими исключениями, почти не писал мужчин. Большинство его портретов – женские. Можно даже говорить об особом женском типе Коро – немного холодном, меланхолическом и совершенно чуждом всякого заигрывания со зрителем. Все «девушки Коро» погружены в себя, задумчивы и отстранённо-мечтательны. Таковы героини его знаменитых картин «Прерванное чтение» и «Ателье», таковы портреты племянниц художника Мари-Луизы Лауры Сеннегон, в замужестве госпожи Филибер Бодо, и Луизы Клер Сеннегон, будущей госпожи Шармуа, таков и последний шедевр 78-летнего Коро «Дама в голубом». Так что «тёмный, прямой и взыскательный взгляд» (воспользуемся строчками Марины Цветаевой) и плотно сжатые губы «Итальянки с жёлтым рукавом» не являются в творчестве Коро чем-то исключительным. Скорее, эти черты отражают его психологические предпочтения и, возможно, его собственный характер – закрытый, целеустремлённый и цельный. Трижды в своей жизни Коро путешествовал по Италии – в 1820-х, 1834-м и 1843-м. Именно там его талант окреп и освободился от сковывающих условностей французской Академии; в Италии Коро, можно сказать, нашёл себя. Он воздавал должное не только прелести итальянской природы, но красоте римских женщин. Сохранилось письмо художника к другу его молодости Абелю Осмону, фрагмент из которого уместно процитировать: «По-моему, римлянки – самые красивые женщины в мире… Их глаза, плечи, руки и бёдра превосходны. В этом они лучше, чем наши… Но, с другой стороны, им далеко до грации и любезности француженок… Как художник, я предпочитаю итальянку; но в вопросах, касающихся чувственности отношений между мужчиной и женщиной, - я однозначно выбираю француженку». КамильКоро Портрет Романтизм _history

Встреча с незнакомцами 2009 Санг Ик Сео Корейский художественный музей, Сеул В картинах художника фантазии сочетаются с реальностью, часто с элементами юмора. Мы сталкиваемся с пространством нового повествования через акт «созерцания», как кролик, уносящий Алису в страну чудес. Образы из фильмов, повседневной жизни, литературы или воображения Сео вызывают новые пространства и повествования. Просмотр его картин подобен чтению сказки. Прогулка по его картине заставляет зрителя улыбаться своим остроумием и юмором. Сам художник говорит: "Мы живем не только в поверхностном и материальном мире, а ещё и в воображаемом мире или, возможно, между этими двумя сферами. Я комбинирую эти два мира в своих картинах, чтобы показать подлинность повседневной жизни. Повседневная жизнь, которая определяет, из чего я состою или что доказывает, кто я есть. Мои картины становятся театральной постановкой, где могут сосуществовать повседневная жизнь и воображение."

Художник Ческидова Ольга Александровна Родилась в 1943 году в Томске. С 1949 года проживает в г. Санкт-Петербурге. С 1955 по 1963 г. обучалась в СХШ при Академии художеств СССР г. Ленинграда. Училась живописи, рисунку, композиции у известных педагогов — А. П. Кузнецова, Л. С. Шолохова, Н. И. Андрецова, А. Ф. Булыгина. В 1969 году закончила обучение в ЛВХТУ им. В. И. Мухиной на отделении интерьер мастерской профессора В. А. Петрова. По распределению работала в Росторгрекламе Ленинграда, где ею были придуманы и осуществлены интерьеры магазина Бронза по Садовой улице, выставочные залы для показа моделей одежды на Суворовском проспекте, витрины магазинов на Невском и Московском проспектах. С 1970 года О. А. Ческидова работет в проектном институте. Ею были разработаны комплексные решения интерьеров дома Советов в Уфе, ресторанов, кафе и баров в Северодвинске. С 1973 г. работает в художественном фонде при Союзе художников СССР Ленинграда. В 1976 г. поступает в Молодежную секцию ЛОСХ. С 1982 г. член Союза художников . Действительный член Петровской Академии наук и искусств. Член ассоциации искусствоведов (АИС) общероссийская общественная организация историков искусства и художественных критиков. Лауреат международного фонда «Культурное достояние». Лауреат Международного художественно-просветительского проекта в честь 700-летия прп. Сергия Радонежского. В 1988 г. Ольга Александровна организует свою персональную мастерскую при Союзе художников СССР и выполняет творческие заказы и ведет авторский надзор в созданных ею интерьерах, под её руководством работают художники разных профилей. Основные проекты: дворец культуры, библиотеки, рестораны (г. Степногорск), политехнический институт (г. Тула), сеть ресторанов (г. Архангельск), дворец культуры профсоюзов (г. Мурманск), комплекс культурных объектов (г. Минеральные Воды). Много время уделяет станковой живописи: пейзажу, натюрморту и портрету. Постоянная участница выставок юбилейных ,зональных, всероссийских, тематических, персональных в Санкт-Петербурге и других городах России. Её работы находятся в частных коллекциях России и за рубежом — в Германии, США, Англии, Китае и других странах.

Савелий Сорин (1878-1953) «Автопортрет» 1942 бумага, карандаши. савелий_сорин –––––––––––––––– Художника Савелия Сорина называли «трижды прославленным». В самом деле, сначала он прославился как портретист на родине, в России. Потом, когда ему после Октябрьского переворота пришлось эмигрировать во Францию, он и там добился большого успеха и прославился. Наконец, спасаясь от фашистского нападения, он переехал в США, где его причислили к «Галерее величайших художников Америки».

Исаак Левитан - В крымских горах (1886) Левитан умело чередовал различные техники. К слову, он рисовал весьма талантливые натюрморты («Лесные фиалки и незабудки») и портреты («Портрет Софьи Петровны Кувшинниковой»), но они очевидно мало привлекали художника и чести быть нарисованным Левитаном удостаивались немногие – близкий друг Чехов, возлюбленная Кувшинникова, редкие запавшие в душу знакомцы вроде А.А. Грошевой, сам Левитан, зафиксировавший себя в нескольких автопортретах и… те, кто мог за них заплатить. Лишь на пороге голода Левитан принимал постылые сердцу «портретные» предложения.

Исаак Левитан - Автопортрет (1890-е) За три года до смерти Левитан напишет: «Я никогда еще не любил так природу, не был так чуток к ней, никогда еще так сильно не чувствовал я это божественное нечто, разлитое во всем, но что не всякий видит, что даже и назвать нельзя, так как оно не поддается разуму, анализу, а постигается любовью. Без этого чувства не может быть истинный художник...».

Рене Магритт был помешан на шляпах Какая деталь в картинах Рене Магритта особо выделяется, кочуя из одного полотна в другое? Правильно, это – шляпа-котелок. Великий сюрреалист не просто так выбрал эту деталь – за котелком стоит любопытное переплетение исторического времени с воображением бельгийского художника. За свою жизнь Магритт нарисовал около 2000 картин, в 50-ти из которых появляется шляпа. Художник рисовал ее в промежутке между 1926 и 1966 годами, и она стала отличительной чертой творчества Рене. Раньше шляпу-котелок носили обычные представители буржуазии, которые не особо желали выделяться из толпы. «Котелок... не удивляет», – сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, [спрятанный] в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться». Шляпы-котелки были введены в моду специально для британского среднего класса, во второй половине 19 века. В начале 20 века котелок стал одной из самых поп

Художницы 19-го века, которые открыли женщинам путь в мир искусства Пришлось пройти долгий путь, прежде чем мужчины и женщины достигли паритета в мире искусств. В последние десятилетия художницы добились больших успехов, все чаще показывая свои труды в музеях, галереях и на международных выставках. Но современные художницы не были бы там, где они находятся сегодня, если бы не их предшественницы из 19-го века. Тогда деятельницы искусства начали активно съезжаться в Париж, чтобы получать образование. Мария Башкирцева. В студии. 1881.

Жизнь и смерть Василия Верещагина. Василий Верещагин (1842-1904) – один из наиболее выдающихся художников-баталистов в истории живописи. Родился в дворянской семье в Череповце, как и все его братья был отправлен в военно-учебные заведения, а именно – в Александровский кадетский корпус, после чего учился ещё в Морском кадетском корпусе, откуда выпустился в звании мичмана. Однако после окончания военной учёбы Василий не идёт служить, а поступает в петербургскую Академию художеств. Следующие несколько лет он проводит в разъездах между Петербургом и Парижем. По приглашению генерал-губернатора молодой художник едет в 1867 году в только взятый русскими войсками Самарканд. Тут то и начинается не только путь Верещагина как серьёзного живописца, но и путь его, как баталиста и… солдата. После того как восставшие туркестанцы окружают и штурмуют недавно захваченный город, художник попадает в осаду вместе с небольшим гарнизоном русских солдат.

Символический разбор картины. «Цветы в стеклянной бутылке на мраморном постаменте» Ян Давидс де Хем Помимо живописных достоинств, картина содержит немало символов. Итак, цветы символизируют бренность. Поэтому Ян де Хем изображает внизу букета частично увядшие растения. Так мастер ещё больше подчеркивает быстротечность времени. Яркий цветок тюльпана — символ расточительности. Ведь в Голландии XVII века считалось, что выращивание тюльпанов — дело крайне хлопотное и затратное. Но в то же время в букете мы видим полевые цветы, которые ассоциировались со скромностью и душевной чистотой. А улитка, между прочим, символ грешной души. И здесь это можно трактовать так: грешной душе (улитке) важно в суетной жизни не забывать о благочестии и скромности. И только тогда бессмертная душа (бабочка) попадет в рай. В конце концов именно бабочка села на подсолнух — символ Творца. Значит, такая душа будет в буквальном смысле рядом с Богом.

«Пруд с кувшинками (Японский мостик)» 1899г. Картина написана в сине-зеленых тонах и производит умиротворяющее впечатление. На первом плане мы видим заросшую гладь пруда. В воде отражаются осока и деревья, которые растут на берегу. Они же видны на заднем плане. Изящный мостик в стиле Хокусая визуально делит полотно на две части. Он и в тени, и освещен солнцем одновременно. Мостик напоминает о присутствии человека в этой идиллической картине. По нему хочется пройтись, полюбоваться на открывшийся вид. Водная гладь создает перспективу, уводя взгляд к заднему плану. Там глубину создают густые деревья. Они вместе с травой раздвигают пространство ввысь своими вертикальными линиями. Этот контраст находит повторение в отражении на воде - между крупными блоками горизонтальных кувшинок, художник пишет небольшими вертикальными мазками отражение деревьев и травы в воде. Благодаря такому приему, в картине чувствуется простор, и есть ощущение воздуха, несмотря на ее небольшие размеры.

Тамара Лемпицка "Автопортрет в зеленом Бугатти" (1929) Легенда гласит, что редактор самого влиятельного модного журнала Германии была сражена наповал видом богемной деятельницы искусства, выходившей из своего автомобиля перед роскошной гостиницей в Монте-Карло. Элегантная, независимая и эмансипированная, она выглядела идеальной ролевой моделью для продвинутых читательниц журнала, поэтому редактор тут же заказала Лемпицкой ее автопортрет для обложки следующего номера издания. Легким движением руки Тамара превратила свой маленький желтый «Рено» в сверкающий хромированный «Бугатти», справедливо рассудив, что он будет куда лучше оттенять ее аристократический лоск. Она не учла лишь одну маленькую деталь: до 1963 года автомобили этой марки выпускались с правосторонним рулем. Впрочем, это не помешало «Автопортрету в зеленом Бугатти» с обложки популярного журнала наделать много шума и получить титул «гимн современной женщине».

"Дневная Грёза" Данте Габриэль Россетти, 1880 > Лондон, Музей Виктории и Альберта Почти каждая натурщица Россетти становилась его любовницей. Друзья художника между собой называли их "красотками Россетти". Но были в его жизни женщины, становившиеся не просто "эпизодами" и не только натурщицами, а музами. Их было три. Элизабет Сиддал стала первой серьезной любовью художника, она послужила моделью для самых романтичных и возвышенных картин. С нее живописец писал Беатриче – бессмертную возлюбленную Данте. Кроме того, он написал бесконечное множество портретов Элизабет. Особую роль в судьбе Россетти сыграла Фанни Корнфорт – бывшая проститутка. Она была полной противоположностью Элизабет. Чувственная, и даже несколько вульгарная, Фанни внесла в творчество Россетти элемент "приземленности". Последней большой любовью Россетти стала Джейн Моррис. В ее образе для него слились обе любви – земная и небесная. Её портрет "Дневная Грёза", относится к наиболее выразительным портретам, когда-либо созданным Россетти.

Картина «Безжалостная красавица». 1893 г. Автор Джон Уильям Уотерхаус. Картина посвящена героине одноимённой баллады Джона Китса. Иллюстрирует следующие строки: «И, вздыхая, меня увлекала в свой приют между сказочных скал, и там её скорбные очи поцелуями я закрывал».

Шишкин Иван Иванович - Автопортрет 1886г. В 1858 — 1859 годах Шишкин часто бывает на Валааме, суровая, величественная природа которого ассоциировалась у юноши с природой родного Приуралья. В 1860 году за два валаамских пейзажа Шишкин получает Большую золотую медаль и право на заграничную командировку. Однако он не спешит за границу и весной 1861 года отправляется в Елабугу, где много пишет на природе, “от которой только может быть существенная польза для пейзажиста”.

Вестоницкая Венера Вестоницкая Венера — «палеолитическая Венера», обнаруженная в Дольни-Вестонице в Моравии 13 июля 1925 г. и в настоящее время выставленная в Моравском музее города Брно (Чехия). Является древнейшей известной науке керамической статуэткой. Высота статуэтки — 111 мм, ширина — 43 мм. Принадлежит граветтской культуре* и датируется различно — между 29 тыс. и 25 тыс. гг. до н. э. При томографическом исследовании на статуэтке обнаружен древний отпечаток детской руки, оставленный еще перед обжигом. *Археологическая культура позднего палеолита

"Вечер в Каире" 1870 г. Иван Константинович Айвазовский Частная коллекция. В 2015 году на русских торгах аукциона Sotheby's была заявлена одна из редких картин Айвазовского не на морскую тему – «Вечер в Каире». Эстимейт установили в рамках 1,5-2 миллионов фунтов стерлингов, торги были назначены на 2 июня. Однако Национальное центральное бюро Интерпола в России направило в Великобританию запрос с требованием снять картину с торгов, поскольку в 1997 году она была похищена из частной коллекции в Москве. Судьба картины до похищения известна: полотно находилось в коллекции московского собирателя Дедова. В 1940-е он продал ее Ивану Носенко, занимавшему пост наркома судостроительной промышленности. После смерти Носенко картина перешла в собственность его вдовы. В 1997 году 80-летняя Тамара Георгиевна ожидала внучку с продуктами. Вместо нее пришлось встретить грабителей. Из квартиры вынесли работы Айвазовского, Саврасова, Шишкина. «Вечер в Каире» оценивается как самый дорогой экземпляр коллекции. Впервые полотно всплыло в 2013 году всё на том же Sotheby's. Сын Тамары Георгиевны, дипломат Владимир Носенко опознал один из лотов аукциона и заявил об этом. Полотно было снято с торгов до дальнейшего выяснения обстоятельств. В следующем году аукционный дом получил ответ на запрос из московского ОВД, в котором сообщается: «в материалах уголовного дела отсутствует описание, фотографии и какие-либо другие официальные документы, которые могли бы дать возможность сравнить картину, похищенную в 1997 году у потерпевшей Носенко Т.Г., с картиной, представленной на аукционе Сотбис в 2013 году». То есть доказать, что этот «тот самый Айвазовский», не представляется возможным. Таким образом, с юридической точки зрения ситуация для бывших владельцев оказалась практически безнадежна. Страсти вокруг картины разгорались нешуточные. Представители Sotheby's заявили, что картина не числится ни в списке украденных предметов искусства, составленном Министерством культуры России, ни в международном Art Loss Register. Однако аукционисты связались с «предположительно бывшим владельцем картины» и договорились о выплате определенного процента со стоимости лота. Похоже, в Sotheby's тоже не были уверены в чистоте происхождения картины и понимали, что такой способ решить проблему оптимален для всех. Однако российские и, возможно, британские правоохранители иначе посмотрели на это дело. МВД и Интерпол настойчиво требовали снять картину с торгов. Утром 2 июня 2015 года за несколько минут до начала торгов картина таки были снята. ИванАйвазовский Романтизм _history

Символы в живописи и их значения - Черный цвет используется для обозначения смерти или зла. В то время как белый означает жизнь и чистоту. - Собака часто выступает за верность или преданность. - Лестница может представлять отношения между небом и землей или вознесением. Еще символизирует поддержку, приобретение знаний и достижение моральной зрелости. - Ласточки, изображенные возле святого сооружения, могут символизировать отступников или грешников. Ласточка, в греческой мифологии — птица, посвященная Афродите, а в христианской символике — символ жажды духовной пищи и считается одним из воплощений Иисуса Христа. - Топор - почти универсальный символ решающей силы и власти. Также топор атрибут некоторых христианских святых мучеников, например апостола Матфея.

Ловис Коринт "Автопортрет с женой и бокалом" (1902)

Картина «Охотники на привале». 1871 г. Василий Григорьевич Перов. На картине изображены три охотника, которые ведут между собой разговор. Главной чертой картины являются психологические портреты героев: один из них (слева) — пожилой, опытный охотник, видимо, из оскудевших дворян с увлечением и страстью рассказывающий о своих охотничьих «подвигах», второй (на втором плане) — средних лет, в русской крестьянской одежде, недоверчиво и с ухмылкой слушающий охотничьи байки своего собеседника, третий же (справа) — одетый «с иголочки» доверчивый молодой новичок, с трепетом выслушивающий россказни первого охотника, настолько заморочившими его, что он даже забывает зажечь папиросу в правой руке заготовленным в левой огоньком.

"Серый мерин" 2003 г. Люсьен Фрейд Частная коллекция. «Серый мерин» - одна из поздних работ Люсьена Фрейда, которая затесалась между стройными рядами обнаженных человеческих тел, кажется, по какому-то недоразумению. При первом взгляде на это полотно даже сложно поверить, что оно принадлежит кисти того самого Фрейда, который на своих полотнах снимает с моделей оболочку за оболочкой, не оставляя в конце концов даже тела – одну лишь сердцевину. И только когда возникает безотчетное желание прикоснуться к изображению (удивительная особенность, объединяющая большинство работ художника), все сомнения отпадают – это и в самом деле Фрейд. В отличие от людей, по отношению к которым художник в своих работах, суждениях и определениях часто бывал довольно безжалостен, к животным он всю жизнь относился особенно трепетно и нежно. Что, впрочем, неудивительно, ведь в определенный период жизни Фрейда животные были его единственными друзьями. Когда семья Фрейда переехала из Германии в Англию, мальчик на долгое время замкнулся в себе. Люсьен плохо знал английский язык, из-за чего его дразнили сверстники, и тогда он стал искать утешения в общении с природой. С тех пор лошади и собаки окружали художника всю жизнь. Он часто укладывал своих собак рядом со спящими обнаженными натурщиками, создавая на картинах неуловимую ауру безмятежности и полного доверия. Когда Люсьен увлекся живописью, родители будущего художника восприняли это с большим энтузиазмом. Настолько большим, вспоминал потом Фрейд, что он даже стал подумывать о том, чтобы отказаться от карьеры художника и стать жокеем или ветеринаром. И, несмотря на то, что живопись все же взяла верх, лошади навсегда остались едва ли не самой сильной его любовью. В 60-х годах Фрейд каждую свободную минуту проводил на скачках, а позже часто бывал в конюшнях Дворцовой кавалерии, рисуя королевских скакунов. ЛюсьенФрейд Анимализм Натурализм _history

Новая Ева 1924 Шандор Бортник Венгерская национальная галерея Бездуховность - новый облик библейской героини в 20 веке. Венгерский художник, график и плакатист, педагог. Творчество Ш. Бортника, в значительной степени, сформировалось под влиянием кубизма, экспрессионизма и конструктивизма. Бортник хорошо известен своими коммерческими плакатами. За свою долгую творческую карьеру работал со многими венгерскии и международными клиентами. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history

Портрет Ольги Константиновны Лансере 1910 Зинаида Серебрякова Частная коллекция Это портрет жены брата художницы. Зинаида Серебрякова — русская художница, участница объединения «Мир искусства», одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи. Как художница Серебрякова сформировалась в Петербурге. Исследователи подчёркивали влияние «пушкинской и блоковской муз», на Серебрякову. Широкую известность принёс Серебряковой автопортрет («За туалетом», 1909, Государственная Третьяковская галерея).

Ян Стен "Танцующая пара" (1663) В работе представлены все пять чувств человека. Музыка здесь воплощает слух, танец – зрение, прикосновения танцоров – осязание, еда – вкус, а её запах и аромат табака – обоняние. Ян Стен часто изображал себя среди персонажей своих картин. Тут он включил автопортрет в левую часть композиции, представив себя в виде мужчины, который кончиками пальцев касается подбородка сидящей рядом дамы.

​О бартер-боте для обмена вещей на произведения искусства В телеграме появился бот, который меняет обычные вещи на произведения искусства: https://t.me/freshortrashbot Это бартер-бот, через который любой из вас может обменять обычные вещи от кроссовок до ноутбука на реальные произвествения искусства, будь то картина, скульптура или еще какие-то авторские предметы. Что важно: 1) бот полностью бесплатный; 2) не надо вводить какую-либо финансовую информацию; 3) можно найти друзей или создать комьюнити по интересам (между городами). Очень интересная затея и с точки зрения потребителя. Еще раз ссылочка: https://t.me/freshortrashbot Меняйтесь и будьте счастливы. https://telegra.ph/file/183e1c4e7e3fd997415cb.jpg

Чтоб вы понимали уровень исполнения коллекции Топоровского - несколько моих знакомых, вовсе не специалистов в области русского авангарда, не зная подоплеки этой всей выставки, отправились глядеть на те картины. Все же музей-то их выставлял авторитетный, а директор этого музея была на слуху как куратор всяких хороших штук про современное искусство. Так вот, обалдели даже не специалисты. Комментарии и впечатления были в духе “да вы его это, вы чего?” - особенно зрителей привели в восторг развеселые расписные торбы и прялки от Казимира Малевича. Московский галерист Емельян Захаров тогда написал о «невыносимом ощущении испанского стыда, которое охватывает тебя целиком, когда ты находишься в этом зале». Это еще что, Топоровский дома гостям показывал деревянные головы, которых Малевич понавырезал. Обещал потом тоже выставить. Выставка выставлялась, а вопросов становилось все больше с каждым днем. Музей отбивался, отвечая на все запросы о том, что за экспертиза подтвердила авторство что-то типа “у нас все документы в порядке” и вообще обещал открыть потом еще одну, большую-пребольшую выставку коллекции Топоровского. Зрители недоумевали, эксперты похохатывали, журналисты вели расследование, Топоровский раздавал интервью в своей особой манере. Постепенно выяснили, что все-все-все, что плел Топоровский - концентрированная брехня от начала до конца, то есть, буквально, начиная даже от темы его диплома в университете и он не специалист по Наполеону, как всем рассказывал. Что те эксперты, на которых ссылался Топоровский не видели его в глаза, что каталог выставки из Харьковского музея 1992 года, в котором, вроде как, Топоровский скупил еще часть своей коллекции и который предъявлял как доказательство подлинности коллекции, подделка уровня бэ - туда просто вклеили другие работы поверх настоящих и прочее прекрасное. И вот это наконец убедило правительство закрыть выставку и начать расследование. Бельгийские журналисты в интервью с министром культуры сетовали, что Бельгия стала международным посмешищем, специалисты по авангарду возмущались тем, как дискредитируется наследие великих русских художников, музею был нанесен колоссальный репутационный урон, директора из музея выгнали, коллекция Топоровского была арестована, а он сам рассказывал о травле, организованной преступной группой искусствоведов, пока в 2019 году не присел за мошенничество, отмывание денег и торговлю краденым. Ну и сидит по сей день, вроде бы. Прикольно, в общем, хоть кино снимай. Интересно еще и то, что при современном уровне технологий и экспертиз удалось одним пусканием пыли в глаза и забалтыванием Топоровскому удалось пролезть в музей такого уровня. Мне кажется, что я примерно представляю типаж этого человека - сталкивалась полтора раза в жизни с такими. И тут ты или успеешь убежать или попадешь под гипноз и не то что в прялку Малевича поверишь, а вступишь в секту, уйдешь в рабство и что угодно, поэтому я даже сочувствую Катрин де Зегер и верю, что она не специально.

«Венера из Холе-Фельс» Венера из Холе-Фельс — древнейшая из известных науке палеолитических венер, обнаруженная в 2008 г. в пещере Холе-Фельс близ немецкого города Шельклингена. Статуэтку нашла команда ученых из Тюбингенского университета под руководством профессора Николаса Конарда. О находке было официально заявлено в журнале Nature. Возраст — в промежутке между 35 и 40 тыс. лет; принадлежит ориньякской культуре. Является древнейшим признанным произведением искусства верхнего палеолита и доисторического фигуративного искусства вообще. Находка «Венеры из Холе-Фельс» отодвигает дату появления первой известной скульптуры, и в целом древнейшего примера фигуративного искусства, на несколько тысячелетий назад. Таким образом, подобные произведения искусства создавались на протяжении всего ориньякского периода.

Австрийский художник Хайнц Шольнхаммер (Heinz Scholnhammer) • В картинах художника присутствуют яркие черты романтизма – все объекты картин художника безупречны. • При этом все они исполнены не в своем привычном обличье, а так, как видит их художник – с его чувствами и эмоциями, вызванными созерцанием того или иного предмета или события. А это уже характеристика, указывающая на импрессионизм. • Критики так и не сумели определиться между двумя этими стилями, поэтому, такие работы было принято относить к стилю «романтический импрессионизм». • Но и это еще не все. Более поздние картины автора относят к направлению гиперреализма – холсты отображают вполне объективную реальность, однако не копируют в точности обстановку. Другими словами, художник добавляет некоторые штрихи, которые, как он считает, помогут наилучшим образом прочувствовать момент, изображенный на картине. мастерство

​О бартер-боте для обмена вещей на произведения искусства В телеграме появился бот, который меняет обычные вещи на произведения искусства: https://t.me/freshortrashbot Это бартер-бот, через который любой из вас может обменять обычные вещи от кроссовок до ноутбука на реальные произвествения искусства, будь то картина, скульптура или еще какие-то авторские предметы. Что важно: 1) бот полностью бесплатный; 2) не надо вводить какую-либо финансовую информацию; 3) можно найти друзей или создать комьюнити по интересам (между городами). Очень интересная затея и с точки зрения потребителя. Еще раз ссылочка: https://t.me/freshortrashbot Меняйтесь и будьте счастливы. https://telegra.ph/file/183e1c4e7e3fd997415cb.jpg

"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории мировой живописи художник-еврей*, немного испанец, немного доминиканец, он все же известен как французский художник-импрессионист. Его искренне любили и уважали все друзья-художники и литераторы, независимо от темперамента и художественных принципов. Он обладал завидным внутренним стержнем, особой силой духа и характера, и, должно быть, золотой тенью – звездами импрессионизма стали те, кто работал рядом с ним и кого он перезнакомил друг с другом. Этот автопортрет написан в то время, когда Писсарро открывает французам Сезанна. Приглашает молодого художника, которого никто не воспринимает всерьез, к себе в дом, настойчиво рекомендует включить его работы в экспозицию выставок импрессионистов, дает Полю уроки, которые тот не забудет никогда. Для обоих художников это было время перемены стиля и взаимного обогащения художественными идеями. Писсарро учится по-сезанновски моделировать объем цветом и прорабатывать композицию, а Сезанн наконец-то впускает свет в свою палитру и избавляется от черного цвета. Свой автопортрет Писсарро пишет так же, как если бы это был холм в Понтуазе или уходящая вдаль дорога в Лювесьенне. Не водную гладь и не колышущиеся деревья, которые меняют форму от порывов ветра, а некую непоколебимую основательность, чье настроение меняется, а суть неизменна. Здесь та же неуловимая игра солнечного света, те же короткие мазки и ощущение живого мира. При этом нужно понимать, что Писсарро в 1873 году всего 43 года, война уже позади, а первая выставка импрессионистов состоится только через год. Это время надежд и дерзких экспериментов, время, когда старые художественные принципы и стандарты трещат по швам. А Писсарро… Он всегда был мудрым старцем, холмом, скалой и дорогой. *У евреев существует запрет на изображение визуальных образов: «не делай себе кумира и никакого изображения того, что на небе вверху, что на земле внизу, и что в воде ниже земли», вторая заповедь. В синагогах не встретишь фресок или скульптур. Британский искусствовед Вальдемар Янушчак считает, что до Писсарро никто из евреев этот запрет не нарушал, а потому до него не было художников-евреев. КамильПиссарро Импрессионизм _history

​​️Сегодня в 20:00 «Эшколот» покажет онлайн-экскурсию по выставке Брейгелей в «Новом Иерусалиме».   ️Минкультуры планирует провести Санкт-Петербургский международный культурный форум в очном формате. Мероприятие планируется провести 11-13 ноября.   ️Международная книжная ярмарка Non/fictioN22 пройдёт с 24 по 28 марта в московском Гостином дворе.   ️Последние дни успеть в Государственный Эрмитаж на выставку «Психея, душенька...»   Музей прослеживает историю развития образа Психеи в античности и русском классицизме.   В классической мифологии Психея — прекрасная молодая девушка – воплощение человеческой души. Она часто изображалась в виде девушки с крыльями, летящей птицы или бабочки. А история об Амуре и Психеи — воплощение искренней любви. Амур и Психея, 1800–1803, Мрамор Государственный Эрмитаж Пост. в 1815 из бывшего собрания Жозефины Богарне в Мальмезоне Фото: Государственный Эрмитаж https://telegra.ph/file/8e15445acee34e8ae557f.jpg

«Ярд» 1961г. Аллан Капроу «Ярд» американского художника Аллана Капроу ознаменовал новую эру в истории искусства. Художник заполнил открытый задний двор нью-йоркской галереи Марты Джексон до краёв чёрными резиновыми автомобильными шинами и пригласил желающих присоединиться к игровой площадке, где можно было резвиться, прыгая и бегая подобно детям. Его культовое искусство инсталляции открыло новые, сенсорные впечатления для посетителей и позволило им наслаждаться каждой минутой, проведённой там. Капроу также привнёс импровизацию и групповое участие в своё искусство, приблизив его к реальности обычной жизни, тем самым объяснив, что жизнь гораздо интереснее искусства. А грань между искусством и жизнью должна быть как можно более зыбкой и, возможно, нечёткой.

Тут сейчас будет о довольно спорной выставке и о смерти, поэтому вы, если что, пролистайте это дело просто. Меня тут, видимо, как эксперта по любым вопросам, пару раз попросили высказаться на тему выставки “Body Worlds”, которая сейчас проходит на ВДНХ и которую, что особо иронично, пытаются закрыть деятели, относящие себя к коммунистической партии. И, хоть я обычно не лезу в современность, тут решила поддаться и ответить. В двух словах, о чем тут речь: в Москву снова приехала выставка немецкого анатома Гунтера фон Хагенса, на которой все экспонаты собраны из частей настоящих человеческих тел. И, конечно, это вызывает множество вопросов, диалогов и, куда без них, скандалов. Гунтер фон Хагенс в 1977 году изобрел особый способ консервации анатомических препаратов, который называется пластинацией - это когда воду и липиды в биологических тканях заменяют смолами и полимерами. Вот описание процесса от автора: “Этот метод я изобрёл случайно в 1977 году, когда был ассистентом в Анатомическом институте Гейдельбергского университета. Я спрашивал себя, рассматривая выставленные препараты, залитые полимером, почему их заливают, а не вводят полимер внутрь? Тогда-то мне и пришла в голову идея пропитать препараты биополимером при помощи вакуума. Для этого препарат сначала нужно погрузить в ледяной ацетон. Когда в результате диффузии вода в тканях заменится ацетоном, вещество следует погрузить в биополимер. Ацетон вакуумным способом откачивается, и его место в тканях заполняется силиконом. После этого с веществом можно работать как с художественным материалом”. Тело как художественный материал. А нужно ли нам такое? Ну, начнем с того, что человеческое тело - штука безумно интересная. Анатомия как наука появилась в эпоху Возрождения и первым анатомом был вовсе не врач, а наш любимый художник Леонардо да Винчи. Он вскрыл, разобрал на запчасти и описал с точки зрения механики более тридцати трупов. За ним следовала целая плеяда выдающихся анатомов, которые разбирали устройство человеческого тела, то и дело открывая что-то новое и потрясающее - то риолановы аркады, то вормиевы кости, то евстахивеву трубу или капсулу Глиссона какую. Каждая крохотная мышца, косточка, связочка, из которых собрано это чудо, наше тело, в результате кропотливой работы и бесконечных зарисовок десятков, сотен ученых были описаны и поняты. Надо ли говорить насколько огромный вклад это внесло в медицину? Но еще интереснее то, что это все оказалось огромным вкладом в искусство. Я не зря выше там про зарисовки написала - между врачами и художниками издавна существует тесная связь, и как раз в эпоху Возрождения художники и врачи входили обычно в один цех и имели общего покровителя - святого Луку. Художники эпохи Возрождения учили анатомию не по атласам и манекенам, а именно что по трупам и даже иногда их воровали с кладбищ под покровом ночи. Проблема воровства покойников докторами и рисовальщиками встала в какой-то момент настолько остро, что на захоронениях даже начали устанавливать специальные приспособления - клетки или тяжелые плиты, которые не под силу было быстро взломать или перетащить. В случае же с работами Гунтера фон Хагенса, который себя считает продолжателем традиций анатомов эпохи Возрождения и даже специально, чтоб это подчеркнуть, постоянно носит черную шляпу, как это было принято у анатомов тех времен, мы имеем дело с донорами, которые добровольно при жизни завещали свои тела. То есть это свободное выражение воли людей, которые, видимо, слишком буквально восприняли идею попадания в музеи после смерти.

​​️Знакомьтесь с лауреатами IX Премии The Art Newspaper Russia. ️Chanel создаст Международный культурный фонд. Объявлено об учреждении премии CHANEL Next Prize и заключении долгосрочного союза с ГЭС-2 в Москве.   ️Биеннале Performa 21 пройдет с 12 по 31 октября в Нью-Йорке полностью на открытом воздухе.   ️21 марта с 12:00 до 20:00 в Доме творчества Переделкино пройдет Всемирный День Поэзии. Зарегистрироваться на Всемирный день Поэзии. Выставка визуальной поэзии молодого художника Александра Гордеева будет идти в белом зале Дома до 21 марта.   На выставке будут представлены работы Александра Гордеева из цикла «Изучение асемического письма». Этот метод художник определяет как универсальный язык, который позволяет стимулировать чувственное восприятие информации. Большинство работ Александр создает двумя руками, таким образом исследуя возможности полушарий мозга. Фото: Александр Гордеев https://telegra.ph/file/f40c05d0451dad5d9fac4.jpg

"Автопортрет на границе между Мексикой и Соединенными Штатами" 1932 г. Фрида Кало Частная коллекция, Нью-Йорк.

​О бартер-боте для обмена вещей на произведения искусства В телеграме появился бот, который меняет обычные вещи на произведения искусства: https://t.me/freshortrashbot Это бартер-бот, через который любой из вас может обменять обычные вещи от кроссовок до ноутбука на реальные произвествения искусства, будь то картина, скульптура или еще какие-то авторские предметы. Что важно: 1) бот полностью бесплатный; 2) не надо вводить какую-либо финансовую информацию; 3) можно найти друзей или создать комьюнити по интересам (между городами). Очень интересная затея и с точки зрения потребителя. Еще раз ссылочка: https://t.me/freshortrashbot Меняйтесь и будьте счастливы. https://telegra.ph/file/183e1c4e7e3fd997415cb.jpg

Картина «Портрет мадам Икс». 1884 г. Автор Джон Сингер Сарджент. Дама в чёрном вечернем платье с бретельками из драгоценных камней. На первой версии одна из бретелек была кокетливо спущена. Портрет характерен контрастом между бледной кожей с тёмным платьем и фоном.

Японский подход Современный японский художник Хироаки Мияяма родился в 1955 году, окончил университет Цукуба в Токио, живет и работает в пригороде столицы. Является главой издательской студии «УЦУСИ», членом Международной ассоциации художников Printsaurus, преподавателем художественного отделения школы Мацудо префектуры Тиба. Работает в технике гравюры. Работы Хироаки Мияяма выставлены в музеях Токио, Вашингтона, Иерусалима и Москвы. Каждый гравюра - результат филигранной работы мастера (один офорт печатался с 7-8 досок), а фоном часто служит сусальное золото или серебро. Благодаря сложной технике многоразовой печати, его произведения, полны цветовых нюансов и фактурной проработки. Художник разбавляет растительные мотивы образами людей, но делает это тоже по-японски деликатно, полунамеком.

"Дождь, пар и скорость. Большая западная железная дорога" 1844 г. Уильям Тёрнер Лондонская Национальная галерея. «Дождь, пар и скорость», картину, изображавшую мчащийся по мосту Мейденхед над Темзой поезд, очень любили импрессионисты. В каком-то смысле, именно из этого тумана, окружающего поезд, они и сами появились. Но, конечно, Тёрнер не мог знать, что противопоставление скорости нового и замедленности уходящего – это и противопоставление грядущего импрессионизма и исчерпавшей себя академической живописи. Клод Моне через несколько десятков лет создаст свою вокзальную серию. Англию в те годы охватила настоящая железнодорожная лихорадка. Тёрнер изобразил ее в своем ключе, без любования «железным конем». Не машину он написал, а скорость. Поезд – словно неутомимый яростный зверь - мчится вперед, за ним все скрыто в дымке. Кажется, поезд появляется из ниоткуда, взрезая пространство, несется прямо на нас, а после умчится в никуда. Сверкающая сфера на передней части паровоза – словно распахнутая пасть, это самый яркий элемент картины. «Перед нами ослепляющее видение или мимолетная реальность?» – спрашивает посетивший выставку обозреватель The Times. Мимолетная реальность? Вы тоже чувствуете, что скоро здесь будут импрессионисты? Лодка с людьми по левую сторону от поезда, призрачные фигуры танцующих девушек, застывший пахарь с плугом справа, силуэт зайца на рельсах, – всё это кажется элементами уходящего мира, уступающего место новому, скоростному. Но при этом, и лодки, и танцующие девушки, и пахарь с плугом, и влажный туман, в котором все они практически растворены – вне времени, они есть и будут даже после того, как промчится этот поезд. Им не угнаться за этой скоростью, но поезд уйдет, а они – останутся. Противопоставлением «новое – уходящее» картина близка к настроению знаменитого «Последнего рейса фрегата “Отважный”». Некоторые исследователи сопоставляют колористику этой картины с работами Рембрандта. «Он – мастер в изображении тонкой грани между утренней зарей и полднем, грани, которая обычно ускользает», – признавал заслуги голландца в виртуозном владении цветом и светом художник, посвятивший себя «богу-солнцу». УильямТёрнер Романтизм _history

​​️В «Гараже» в Москве начинают работу сразу три новые выставки. ️«Выбирая дистанцию: спекуляции, фейки, прогнозы в эпоху коронацена» ️«Невидимый звук»  Давида Кларбаута ️«Настоящее время, несовершенный вид»   ️Фестиваль набережных «ВолгаФест» открыл прием заявок на участие в паблик-арт-программе для художников, дизайнеров и архитекторов. Тема 2021 года — «Преграды».   ️Парк Горького запускает проект по защите птиц «Крылатые соседи». 03 апреля посетителям парка предложат раскрасить гигантские скворечники вместе с уличным художником Сергеем Овсейкиным, прогуляться с бердвотчером  Марией Монаховой и послушать лекции в честь Международного дня птиц.   ️Лувр выложил в открытый доступ все произведения из своей коллекции: 480 000 работ можно посмотреть совершенно бесплатно.   ️В Исторический музей из Италии привезли гравюры Альбрехта Дюрера   В экспозиции «Альбрехт Дюрер. Шедевры гравюры из собрания Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии» представлены 146 гравюр мастера, в том числе такие хиты, как «Меланхолия I», «Адам и Ева» и все листы из серии «Апокалипсис».   В конце XV века родной город Дюрера Нюрнберг был одним из центров книгопечатания в Европе, так что его гравюры выходили огромными тиражами. Успех композиций Дюрера привел к появлению подделок: резчики по всей Европе безо всякого стеснения копировали гравюры. На выставке можно увидеть и работы итальянского гравера Маркантонио Раймонди, с кем Дюрер судился из-за того, что тот подделывал его гравюры. Суд Дюрер выиграл.     Альбрехт Дюрер. «Адам и Ева». 1504. Фото: Государственный Исторический музей https://telegra.ph/file/f56ca78ef1da33bdc05d6.jpg

Невероятно красивые и наполненные жизнью картины Альфредо Родригеса Профессиональным художником Родригес стал в 1968 году, рисуя на заказ картины из жизни американских индейцев. Его портреты и жанровые сцены из жизни индейцев и белых поселенцев, золотоискателей и ковбоев снискали международную известность. Он передает дух эпохи, перенося зрителя в яркий и красочный мир американского Запада. Свой стиль живописи Родригес определяет как традиционный классический реализм плюс немного импрессионизма. мастерство

«Автопортрет с желтыми лилиями» 1907г. Наталья Гончарова Гончарова написала автопортрет в своей московской мастерской, на стене – ее картины импрессионистического периода без рам. Изображения на этих полотнах наполнены бурным движением мазков, словно стремящихся за пределы холстов. Стихия красок торжествует над предметной средой, которой противопоставлена еще более энергичная, экспрессивная живопись переднего плана. Белоснежная с голубыми и розовыми рефлексами блуза, обрамленная синим контуром, подобна белому загрунтованному холсту, на котором изображены желтые лилии. Цветы уподобляются полыхающему в руках художницы факелу. Стремительные мазки огненных красок вызывают ассоциации с живописной манерой основоположника экспрессионизма Винсента Ван Гога, с которым Гончарова вступает в творческий диалог. Букет в грубой руке героини служит метафорой ее могучего творческого темперамента. Гончарова – одна из первых «амазонок авангарда», женщин-художников новой формации. На автопортрете – она прежде всего творец.

Интересный спор Моцарт и Гайдн были однажды приглашены на обед. Первый — известный весельчак и охотник выпить — предложил второму пари, что тот сыграет на фортепиано сочинённый другом этюд. Гайдн согласился на пари с тем, что проигравший выставит полдюжины шампанского. Моцарт подошёл к конторке, набросал несколько нотных строчек и подал Гайдну. Тот, взглянув на написанную музыку, нашёл её очень лёгкой для исполнения и сел играть. Вдруг он воскликнул: — Как же я могу это играть? Мои обе руки заняты исполнением пассажей на разных концах фортепиано, а между тем одновременно я должен брать ноты в средней клавиатуре — это невозможно! — Позвольте, сказал Моцарт, — я сыграю. Сев за фортепиано, он стал играть. Дойдя до, казалось бы, технически невозможного места, он, к удивлению всех, нагнулся и прижал носом нужные клавиши. Присутствующие разразились хохотом. Гайдн был курносым, а Моцарт же наоборот — длинноносым. Гайдн спор проиграл и поплатился шестью бутылками шампанского.

В Финляндии в конце девятнадцатого века случился самый настоящий золотой век искусства - это был период ухода от Российской империи и избавления от шведского влияния, поэтому появилась острая необходимость понять себя, разобраться со своей национальной идентичностью. Художники, писатели, композиторы обратились кто к сказкам и мифам, кто к народной жизни, кто к красотам северной природы. Вышло все у них очень хорошо - один только Аксели Галлен-Каллела чего стоит. Одновременно с этим произошла еще важная штука - появилась идея о важности образования для всех и, например, в Школу Финского Художественного общества (ныне это Академия изящных искусств) стали принимать женщин. А они как давай туда поступать, да еще и объединились в художественное сестринство. Вот про одну из представительниц первого поколения финских профессиональных художниц и расскажу. Там про каждую надо обязательно, но сегодня будет Элин Клеопатра Даниэльсон-Гамбоджи, финская реалистка с шведскими корнями. У нее на картинах очень много женщин - маленьких и больших, за работой и на отдыхе, в одиночестве, с друзьями или с детьми. Покуривают после завтрака, устраивают пикник на побережье, читают вслух, рубятся в картишки - целая энциклопедия всякой женской жизни. Конечно, она написала много прекрасных пейзажей, ей это хорошо давалось тоже, но портреты и жанровые сценки, на мой личный вкус, интереснее. Кстати, вот ее автопортреты какие хорошие - проницательный прямой взгляд, а будто рассмеется сейчас.

Сидящий обнаженный мужчина (автопортрет) 1910 Эгон Шиле Музей Леопольда, Вена Невозможно уйти от традиционной живописи дальше, чем Шиле с его автопортретами. Его работы и сегодня, спустя столетие, шокируют и потрясают. В 1910 году ему было всего лишь 20 лет, но к этому времени он выставлял работы уже в течение двух лет. В «Автопортрете в виде сидящего обнаженного» художник раздет, его тело - странное, нездорово бледное на белом фоне. Как будто он существует в пустоте, неспособный соединиться ни с чем вне себя. Удивительный симбиоз нового взгляда сквозь калейдоскоп Микеланджело и Родена — youtube.com/watch