Большое обновление уличного искусства в Екатеринбурге: Яндекс Карты вместе с...

Климт вообще был художником ищущим. Если взять ранние его работы, сложно будет представить, что рисовал их и полотна знаменитого «Золотого периода» один и тот же человек. Впрочем, и «в золоте» художник не планировал задерживаться слишком долго – идти дальше помешала не старому ещё Климту смерть. Классическое построение фигур, привычная композиция, «традиционные» сюжеты, свойственные ему в начале карьеры, отошли со временем на второй план. Но именно работа оформителя, судя по всему, оказала большое влияние на формирование мастера. Разделение переднего и заднего плана с последующим «размытием» последнего (причина этого кроется не в лени художника, а в выделении таким образом происходящего на переднем плане) является очень характерным для Климта. Наиболее очевидным это становится, когда «в кадре» появляется человеческая фигура – художник тут же забывает о происходящем на заднем плане. Природа – жизнь и поэтому интересует Климта, но женщина для него является высшим воплощением жизни – именно поэтому на полотнах

Василий Верещагин - Дервиши в праздничных нарядах (1870) Именно в Туркестане состоялась одна из первых выставок художника, после чего Василий отправился в путешествие по территории современной Киргизии и Западного Китая, где создал зарисовки «типов», которые будут даваться ему не хуже батальных полотен. Верещагин за долгую творческую жизнь запечатлеет большое количество подобных «типов» – непортретных зарисовок людей, обычно облачённых в национальные одежды: «Богатый киргизский охотник с соколом» (1871), «Буддийский лама на празднике в монастыре» (1875), «Жители западного Тибета» (1870-е), «Факиры» (1876), «Японский нищий» (1904) и др. Национальный колорит так и сквозит через одежды и сюжеты, которые неизменно присутствуют несмотря на явное позирование «моделей». Каждый из героев как бы занят своим делом – будь то попрошайничество, игра на дудочке, разговор.

​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ 300К В МЕСЯЦ Художник - проводник прекрасного в этот мир! И если Вы увлечены этим искусством, вы априори достойны успешной профессиональной деятельности! Я Арон Оноре, и мой путь к успеху в мире искусства не был простым и быстрым, я не сразу пришел к тому, что вообще могу зарабатывать на этом. И сейчас встречаю большое количество художников с таким же мнением! Можно сказать, что жизнь сама привела меня к профессии художника. И, спустя годы, меня стали часто просить научить рисовать гиперреализм. Так и появилась Школа гиперреализма и росписи стен Арона Оноре. За годы творческой деятельности я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнаете, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке: http://aron-onore-school.ru/ https://telegra.ph/file/838ef97d59679502e5560.jpg

Карильон (карийон, фр. carillon) Карильон - очень редкий инструмент. Он состоит из многочисленных колоколов, настроенных по хроматическому ряду, с диапазоном от двух до шести октав, которые играющий может приводить в действие, используя педали и рычаги. Звучание его зависит от формы колоколов, сплава, из которого они отлиты, материала и веса колокольных языков, акустики колокольни. Ну, и от качества настройки, разумеется. Этот инструмент постоянно проигрывал в борьбе за место в церкви органу или фортепьяно, но это не мешало ему производить большое впечатление. Риверсайдский карильон находится в церкви в Нью-Йорке и был подарен церкви семьёй Рокфеллеров. Он включает в себя 74 колокола, самый массивный из которых весит 20 тонн. Это самый большой карильон в мире, он весит более 100 тонн, что делает его одним из самых больших когда-либо построенных музыкальных инструментов.

«Радости бала» 1715–1717 гг. Антуан Ватто Мастер так называемых галантных сцен, Антуан Ватто, кажется, сумел отразить в своём творчестве все стороны жизни своего общества – от интимных будуарных сюжетов и прогулок до светских раутов и всевозможных увеселений. Не прошёл он мимо и такого явления как бал. Балы во Франции были явлением значимым и роскошным. Это прекрасный повод показать себя, посмотреть на других, потанцевать и повеселиться. Ватто был свидетелем, как бал стал доступен и другим сословиям, менее привилегированным. Полотно несёт черты стиля живописца – большое свободное пространство, обязательно обрамлённое какими-либо объектами, как в данном случае торжественными арками, природа, напоминающая театральные декорации, некрупные фигуры людей и световые пятна, гармонично распределяющие акценты по полотну. А главная заслуга картины – это дух галантности, который свидетельствует о вершине творчества Ватто, передающий неуловимое ощущение изысканного, утончённого и искусного.

"Завтрак" 1924 г. Наталья Сергеевна Гончарова Государственная Третьяковская галерея. Большинство исследователей сходятся в том, что «Завтрак» – не типичная для Натальи Гончаровой картина. Как правило, художница не особо жаловала бытовой жанр. Но, видимо, попробовать свои силы в нем решила. Одно дело – не любить, другое – не уметь. Гончарова написала «Завтрак» и убедилась, что умеет. Перед нами сцена, наполненная глубоким психологизмом. Тщательно выстроенная внутренняя драматургия позволила сделать мгновенный слепок истории жизни нескольких людей. Учитывая, что начинала свой путь Наталья Гончарова с импрессионистических картин, многочисленные завтраки импрессионистов ее явно не обошли стороной. А пикантность ситуации не дает забыть о скандально известном «Завтраке» Мане, изображавшем обнаженную женщину в компании двух одетых мужчин. У Гончаровой все одеты, но всё тайное – оно столь явное… Перед нами стол в саду, семейная пара и их гости. Видимо, недавно закончили завтракать. Служанка несет большое блюдо с фруктами. Такова видимость. А что за ней? Безусловным центром картины является усатый мужчина за столом, всё происходит вокруг него. Хозяин дома? Скорее всего. С какой плотоядно-сладострастной, масляной ухмылкой он смотрит на даму в розовом. Они с «розовой» словно в одной плоскости, а «голубая» - вероятно, жена - отстранена, она на обочине. У нее усталый вид, ей, похоже, давно приелись шашни супруга, в ее лице ни малейшего намека на ревность – полное равнодушие и отстраненность с легкой нотой скепсиса. Небрежно отставив руку с сигаретой, она наклонилась в сторону «розовой», скорее всего, говорит что-то типа «какие нынче погоды стоят», скорее всего, подразумевает «как это, право, скучно, и сколько вас таких было-перебыло»… Но «розовая» сейчас не способна ее услышать, она вся устремлена к «усатому», наклон тела, слегка вытянутая в его сторону шея, взгляд, даже кончики туфель. Кстати, о туфлях – ноги здесь исполняют свой показательный танец. Мужская нога, возможно, мгновение назад касалась нынче скрещенных, но неумолимо направленных к нему ног «розовой». А дама в голубом, скрестив ноги под собственным стулом, осталась в стороне. Сладострастие, грех, пресыщенность витают над столом. Руки мужчины сжимают сорванные цветы – он, вероятно, специалист в этом деле, в срывании цветов. Пейзаж соответствует: непосредственно за «черным человеком» – иссохшие деревья, в то время как по сторонам – зеленая буйная листва. Обратим внимание на правый угол. Вопиюще глупого вида юнец – кто он? Младший брат «розовой»? Сын? Племянник? Послушный и не сводящий с нее взгляда. Или же, напротив, воспитанник хозяев, влюбленный в любовницу «усатого»? Девушка в белом – искренняя, печальная и, кажется, понимающая больше, чем надо для спокойных снов на заре туманной юности. Она повернута к молодому фанту, носок ее туфельки тоже смотрит в его сторону, но ни во взгляде, ни в позе не читается любовное томление. Скорее осознание, что ей его не избежать. Возможно, о ее браке с этим глупцом уже договорено? Про собаку, забравшуюся на стул подле «усатого» и повернутую оскаленной пастью к даме в розовом, Марина Цветаева сказала: «собака есть, но не пёс, а бес». Собака нас отсылает к «Завтраку» Сезанна. У Сезанна яблоко – символ греха и обольщения – в руках у женщины. Здесь же женщина – служанка – вносит целое блюдо с фруктами, словно окончательно обозначая происходящее. Она одета в строгое черно-белое одеяние. Явление служанки вносит в картину ритуальный элемент, создает ауру жертвоприношения. НатальяГончарова _history

Жак Луи Давид так здорово писал портреты Наполеона, что тот назначил его своим личным придворным художником. Должность хорошая, но к ней прилагалось одно небольшое условие - запрет на частные заказы. И действительно, зачем тебе писать еще кого-то, если тебе позволено писать целого Наполеона! Только вот заказы от Наполеона случались не так часто, как хотелось бы художнику и поэтому он втихушку иногда соглашался исполнить что-нибудь налево. Князь Николай Борисович Юсупов был ценителем и коллекционером живописи,а особо ему по душе приходился неоклассицизм, видным представителем которого и был Давид. Юсупов был личным консультантом по вопросам покупки произведений искусства Екатерины II и Павла I, был дружен с Ангеликой Кауфман, Помпео Батони, Антуаном-Жаном Гро и многими другими маститыми и популярными художниками своего времени. Он-то и смог убедить Давида написать для него картину, посулил огромные деньги и даже позволил художнику самостоятельно выбрать сюжет. А тот и выбрал. Это картина о том, как влюбленная древнегреческая поэтесса Сафо млеет от любви к прекрасному юному лодочнику Фаону. Однажды Фаон перевозил саму Афродиту на остров Лесбос и не взял с нее платы, за что Афродита наградила его сосудом с благовониями, имевшим чудесную силу - все женщины отныне влюблялись в прекрасного юношу. Не устояла и уже немолодая Сафо, но юноша отверг ее любовь и Сафо разбежавшись, прыгнула с Левкадийской скалы. Вероятно, эту знаменитую скалу мы и видим на картине вдалеке. Амур зажигает огонь любви, Фаон стоит ужасно самодовольный, а то, что вы видите на лице у Сафо - это вдохновение, переходящее в любовный экстаз. На коленях у нее свиток, на котором она на древнегреческом выводит первые строки одной из своих од, а над ними написано “посвящение Фаону”. Правда, в оригинале никакого посвящения Фаону нету, да и сам этот Фаон ни разу в ее лирике не встречается и считается, что эту ее последнюю трагическую любовь придумали более поздние авторы, которые на тему влюбленности Сафо в лодочника периодически сочиняли комедии, а стихи ее, как известно, и вовсе обращены к женщинам. Вот перевод полного текста оды от Гавриила Державина: Счастлив, подобится в блаженстве тот богам, Кто близ тебя сидит и по тебе вздыхает, С тобой беседует, тебе внимает сам И сладкою твоей улыбкой тайно тает. Я чувствую тот миг, когда тебя с ним зрю, Тончайший огнь и мраз, из жил текущий в жилы; В восторгах сладостных вся млею, вся горю. Ни слов не нахожу, ни голоса, ни силы. Густая темна мгла мой взор объемлет вкруг, Не слышу ничего, не вижу и не знаю; В оцепенении едва дышу — и вдруг, Лишенна чувств, дрожу, бледнею,— умираю. В общем, картину Давид успешно написал, передал Юсупову и она уехала в Санкт-Петербург. Там и живет поныне - можно пойти поглазеть на бленеющую-умирающую Сафо в Эрмитаже.

Краткая биография Архипова Абрама Ефимовича (1862-1930) Абрам Архипов (настоящая фамилия Пыриков) родился в небогатой семье крестьян в Рязанской области. Интерес к живописи у мальчика возник с детских лет. Первыми его учителями стали местные и приезжающие иконописцы. В 1877 юноша поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ). Его учениками были Перов, Саврасов, Поленов. С 1904 - член Союза русских художников. Преподавал в МУЖВЗ, ГСХМ (бывш. Императорское Строгановское училище), Вхутемасе. Начинал с создания жанровых сцен, затем обратился к лирическому пейзажу. Мастерски сочетал настроенческие пейзажи с эмоциональным состоянием изображаемых людей. Большое внимание уделял «социальной повестке» (например, картина «Прачки» 1890-е гг). Более всего запомнился лучезарными портретам крестьянок, в которых широкими мазки и яркими, чистыми, сочными цветами создавал образы людей, полных здоровья и радости.

Картины Юстины Копаня Польская художница Юстина Копаня пишет свои полотна маслом на больших холстах. Она говорит, самое главное, это передать на картине, то настроение, эмоции и воспоминания, которые она переживала во время создания картины. Юстина пытается показать окружающий нас мир немного по-другому, с другой точки зрения, отличной от той, с которой мы привыкли смотреть на этот мир, показать атмосферу того момента, который врезался ей в память. Сама Юстина говорит, что как картина, так и кисть требуют краски и она ее не жалеет. Большое количество краски на холсте создает рельеф, так рождается пастозная живопись. Сами работы больше напоминают импрессионизм, без особого внимания к деталям, но очень чувственные. Её картины показывают удивительное понимание и мастерство в использовании масляных красок. Она тщательно смешивает цвета и позволяет аудитории рассматривать каждый мазок в каждой из ее работ.

​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси Аукционы в марте 2021 года принесли несколько неожиданных сюрпризов. Вновь заявил о себе криптовалютный рынок. На этот раз один из его игроков за внушительную сумму купил целиком самое большое в мире полотно, которое автор планировал продать частями. «Воин» Жана-Мишеля Баскии стал самым дорогим произведением западного искусства, проданным в Азии. А антипандемическое заявление Бэнкси установило рекорд для его работ. Осенью прошлого года британский художник Саша Жафри попал в книгу рекордов Гиннеса как создатель самой большой в мире картины под названием «Путешествие человечества». Теперь она продана на аукционе за не менее внушительную сумму в 62 миллиона долларов. Такой результат поставил Жафри на четвёртое место в списке самых дорогих из ныне живущих мастеров — после Джеффа Кунса, Дэвида Хокни и цифрового художника Бипла. Покупателем стал французский крипто-бизнесмен Андре Абдун. Выручка от продажи картины пойдёт на благотворительность. Произведение занимает площадь в 1580 квадратных метров, что приблизительно соответствует двум теннисным кортам. Жафри создавал его в течение восьми месяцев, когда застрял на карантине в пятизвёздочном отеле Atlantis The Palm в Дубае. Холсты он размещал на полу танцевального зала гостиницы. Картина навеяна детскими рисунками — художник просил детей со всего мира нарисовать их впечатления во время пандемии. 44-летний Жафри получил работы более чем из 140 стран. Первоначально он планировал разделить картину на 70 частей и продать на четырёх аукционах. Но теперь, благодаря Андре Абдуну, для неё будет построен музей и открыт благотворительный фонд. Картина «Воин», которую Жан-Мишель Баския написал в 1982 году, установила новый рекорд среди произведений западного искусства, проданных в Азии. Она ушла на аукционе Christie’s в Гонконге за 41,8 миллиона долларов США. Предыдущим рекордсменом была абстракция немецкого художника Герхарда Рихтера. В октябре прошлого года на Sotheby’s за неё выложили 27,7 миллиона долларов. Продажа картины Баскии стала аукционом одного лота перед лондонско-гонконгским марафоном произведений XX века, сюрреализма и современного искусства. Фокусом торгов стала работа Бэнкси «Тот, кто меняет игру» (2020), которую продавали в пользу сотрудников и пациентов университетской больницы Саутгемптона. Художник даже получил особое разрешение от Красного Креста на использование культового знака организации в своей работе — подобные просьбы удовлетворяются редко. Предварительная оценка картины кол...ась от 2,5 до 3,5 миллионов фунтов стерлингов, и когда ставки достигли 5-ти миллионов, торги несколько замедлились. Однако они вновь оживились, когда в битве остались двое участников. Они шли нос к носу с шагом в 200 тысяч фунтов стерлингов, и в конце концов победитель предложил 14,8 миллиона. С учётом премии окончательная цена составила 16,8 миллиона фунтов стерлингов или 23,2 миллиона долларов США. Это не только впечатляющий вклад в благое дело, но и новый аукционный рекорд для Бэнкси. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/25ffc61083c73277f5828.jpg

Голова 1918 Джино Северини ГМИИ им. А.С. Пушкина Итальянский художник, график и скульптор известен как представитель футуризма и кубизма. В 1913–1914 годах художник ненадолго уезжает в Италию, но вскоре возвращается в Париж. В этот период Северини оказывается захвачен идеями кубофутуризма, уделяя при этом большое внимание разработке «научного» метода в искусстве. Отражением этих поисков и есть эта картина. Она была написана в Париже в период увлечения художника математикой. Северини удалось создать аналитическую концепцию, построенную главным образом на сдвигах изображенного на картине пространства и предметов, на смещениях и диспропорциональных соединениях различных пространственных фрагментов. Кроме того, особую роль у Северини играют цвет и «эффект мозаичного дробления» объектов окружающего мира. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Спящие 1866 Малый дворец, Париж, Франция Эротическая картина французского художника-реалиста Гюстава Курбе. Также известна по названиям «Две подруги» и «Лень и похоть». Картина написана по заказу турецкого дипломата и коллекционера конца эпохи Османской империи — Халила Паши. Картину не разрешалось выставлять напоказ вплоть до 1988 года. Одной из натурщиц этой картины была Джоанна Хиффернан, которая в то время служила моделью Джеймсу Уистлеру. Также она была возлюбленной Уистлера, но после «Спящих» их отношениям пришёл конец, а Уистлера и Курбе поссорились. Как бы там ни было, эта картина оказала большое влияние на искусство XIX века: после публичной демонстрации.

​​Эксперты выяснили, почему одна картина Пикассо стареет быстрее других Международная команда экспертов выяснила, почему одна из четырех картин Пабло Пикассо, годами находившихся в одних условиях, состарилась быстрее, чем другие. Учёные утверждают, что их проект — один из первых в своём роде. В нём сочетаются исследования химических свойств материалов с наблюдениями за механическими повреждениями. Это прорыв в усилиях консерваторов по предотвращению деградации картин. Он позволяет сохранить произведения, контролируя состояние окружающей среды. Исследование было сосредоточено на четырёх картинах, вдохновленных «Русскими балетами» Сергея Дягилева. Пикассо создал работы всего за несколько месяцев, работая в студии друга в Барселоне в 1917 году. В этот период художник мерсеризовал хлопковые холсты и закупал материалы — в том числе масляные краски на основе высыхающих масел, таких как льняное и подсолнечное, а также животный клей, которым он покрывал полотна — у ограниченного числа поставщиков. До 1970 года эти работы хранились в семейном доме Пикассо и впоследствии были переданы в дар музею художника в Барселоне. То есть на протяжении всего времени они подвергались идентичным воздействиям окружающей среды. Поэтому персонал учреждения забеспокоился, когда обнаружилось, что одна из работ, «Сидящий человек», оказалась повреждена сильнее, чем три другие. «Всю окрашенную поверхность картины покрыли трещины, — сказала Лаура Фустер-Лопес, профессор консервации Политехнического университета Валенсии. — Это похоже на русло пересохшей реки, где видны расселины и складки на поверхности». Чтобы разгадать загадку, музей в 2017 году инициировал трёхлетний исследовательский проект ProMeSa. Деньги выделило Министерство науки и инноваций Испании. В команду вошли консерваторы, эксперты по механическим повреждениям и специалисты по неинвазивным методам исследования из Италии, Канады и Дании. Сходство между составом и возрастом произведений, а также тот факт, что они никогда не разделялись, позволило учёным выделить переменные, чтобы точно определить, какие материалы вызвали деградацию. Команда прибегла как к химическим анализам, так и неинвазивным методам (рентген, инфракрасное излучение и рефлектография) для изучения различных слоёв — от краски на поверхности до грунтового слоя на холсте. Портрет «Бланкита Суарес» Пабло Пикассо написал в тот же период, что и «Сидящего человека». Обе картины хранились в доме художника, а потом одновременно были переданы в музей. Однако «Бланкита» сохранилась существенно лучше. Исследователи обнаружили, что для «Сидящего человека» Пикассо взял холст с более плотным плетением и покрыл его более толстым слоем грунта из животного клея. Эти два фактора привели к тому, что когда картины подвергались воздействию переменной влажности, возникало большое внутреннее напряжение. А химические реакции между определёнными пигментами и связующими веществами вызывали разрушение красок. В результате красочный слой постепенно потрескался. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/28b1361415353c8e8097b.jpg

удожник Эугенио Эдуардо Дзампиги (Eugenio Eduardo Zampighi) родился в октябре 1859 года в Модене (Италия). Живописью увлёкся в раннем детстве и в возрасте 13 лет поступил в Академию Дизайна. В начале 1884 года Eugenio Eduardo Zampighi перебрался во Флоренцию, где начала писать жанровые картины о жизни простых итальянцев. Главными героями его картин стали хорошие знакомые и друзья, а потом и просто прохожие на улицах. Художник старался показать красоту повседневной жизни – с некоторой долей иронии, ярко и весело, с большим желанием поделиться радостью. Не удивительно, что очень скоро у творчества Эугенио Эдуардо Дзампиги появилось большое количество поклонников, а в последующем и последователей. Умер художник в 1944 году в городе Моранелло, а его картины сегодня можно увидеть в самых известных музеях мира.

​​Сегодня Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина отмечает 110 лет со дня открытия! Несколько фактов о музее: ️В конце 1896 года в столичной печати были опубликовали условия конкурса на составление проекта здания для Музея изящных искусств имени императора Александра III при Московском университете, который по просьбе университета проводила петербургская Академия художеств. Ранее проекты и инициативы создания музея в Москве не раз выдвигались общественностью, но воплотить эту идею удалось Ивану Цветаеву. ️ Над основанием и открытием музея в 1912 году работал выдающийся учёный-историк, искусствовед и профессор Московского Университета Иван Цветаев (отец Марины и Анастасии Цветаевых). ️Музей обязан своей историей и коллекцией «всему обществу», которое поддерживало создание художественно-образовательного общедоступного музея: от царской семьи и меценатов до покровителей искусства и купечества. ️В оформлении музейной экспозиции Ивану Владимировичу помогали художники и архитекторы: Фёдор Шехтель, Игорь Грабарь, Константин Коровин и другие деятели культуры. ️Музей обладает крупнейшей коллекцией: большое собрание гипсовых слепков с произведений Античности, Средних веков и эпохи Возрождения; 350 тысяч произведений живописи; 150 тысяч единиц хранения графики; 200 тысяч экспонатов нумизматики; декоративно-прикладное искусство и другие сокровища. Самый лучший способ отметить это событие — сходить на постоянную экспозицию и просто полюбоваться ее изяществом. «Сикстинская Мадонна» Рафаэля на выставке «Шедевры Дрезденской картинной галереи» в ГМИИ им. А.С. Пушкина. 1955 г Наши поздравления! https://telegra.ph/file/3e8d504416724db025a90.jpg

Морфинистка 1894 Сантьяго Рузиньол Музей Кау Ферра, Ситжес, Испания Каталонский постимпрессионист. В Барселоне постоянно посещал кафе «Четыре кота». Здесь с ним познакомился Пикассо, на которого Рузиньол оказал большое влияние. Пикассо написал более двадцати портретов Рузиньола. Рузиньол был яркой фигурой барселонской богемы, инициатором каталонского модернизма, активным участником движения за культурное возрождение Каталонии.

Буря на Северном море 1865 Айвазовский Феодосийская картинная галерея имени Айвазовского Это большое произведение, его площадь около 6 м². Написано художником очень быстро — за пять дней. Бури и кораблекрушения были любимым мотивом Айвазовского. Он говорил, что из шести тысяч картин, написанных им, четыре тысячи посвящены морским бурям и кораблекрушениям. «Буря на Северном море» — одно из самых значительных произведений И. К. Айвазовского на тему борьбы человека со стихией. В этой работе в полной мере проявилось высокое мастерство художника. Картина поражает виртуозной техникой исполнения и эмоциональной насыщенностью. Мастерски изобразил рваные тучи, ураганный ветер, корабль среди огромных волн и полную луну, проглядывающую сквозь черные тучи и освещающую ярким светом бушующие волны, гибнущее судно и группу обессиливших людей на обломках мачт. Впечатляет и эпический размах, и особый напряженный колорит.

Возьмите своего сына, сэр! 1856 Форд Мэдокс Браун Британская галерея Тейт, Лондон Незаконченная картина художника-прерафаэлита, начата в 1851 году. На картине изображена женщина, только что родившая ребенка и протягивающая новорождённого его отцу. Маленький тонкогубый рот приоткрыт, демонстрируя зубы. Демонстрация зубов в контексте викторианской культуры символизирует женскую обиду и агрессию. За спиной на зелёных в звёздный рисунок обоях висит небольшое круглое зеркало, в котором отражается обстановка комнаты и отец ребенка в костюме и шляпе, протягивающий руки, чтобы взять ребенка. Зеркало было заимствовано как отсылка к «Портрету четы Арнольфини». Название картины означает не бытовую просьбу подержать ребенка, а требование к отцу признать своего сына. Изображение ребенка и складок простыни, в которую он завернут, напоминает иллюстрацию из медицинских трактатов того периода, изображающего плод и внутренности в разрезе.

После кросса 1935 Самохвалов Русский музей Девушку с картины После кросса называли советской Венерой. Большое, плотное тело, титанически сильное — как и другие тела на картинах Самохвалова. На его эскизах работницы в облегающих майках, сквозь которые проступают твердые груди. Кажется, что их тела существуют вне секса. Их руки — это руки, которые строят новый мир. Самохваловские тела — титанические, на них держится советский мир, причём во всех смыслах. Но боюсь, что Самохвалов, когда писал своих женщин, имел ввиду другое. Проведите простой эксперимент: ладонью заслоните тело и вглядитесь в лицо девушки — лик с раскопок в Помпеях, бархатные манящие глаза, засасывающий взгляд. А теперь, обратите внимание: голова как будто прилеплена к нему. Героиня всего лишь вытирает спину — приобретает эротический оттенок. Она здесь для того, чтобы усладить взгляд смотрящего, но не чтобы действовать, — её тело ей не принадлежит.

"Концерт в яйце" (1516) - картина, ранее считавшаяся копией с утраченного оригинала Иеронима Босха. Ныне признана работой последователя, основанной на одном из рисунков Босха. Одна деталь картины говорит о том, что это поздняя копия либо дорисовка картины. Если обратить внимание на развёрнутую книгу, то можно увидеть, что это ноты и текст песни композитора Томаса Крекийона. Композиция была написана в 1549 году, но издана только в 1561 — спустя 45 лет после смерти Иеронима Босха. Босх изобразил нереально большое яйцо, из которого прорастают два дерева. На дереве слева корзина с фруктами и птицы, а на безжизненном дереве справа висит змея - все это отсылка к садам Эдема.

Л.М.Эндаурова (1853-1938) - младшая сестра известной русской художницы Елизаветы Бём. Любовь не стала столь же известной, как сестра, но её тонкие акварели с изображением растений поражают умением видеть в каждом цветке живой мир природы и мастерски передавать его на бумаге. Большое место в творчестве художницы занимала работа над акварелями для открытых писем. Ведь там, где цветы и стихи – там душевное волнение, грезы и мечты. Поэтому художница и создавала удивительно изысканные и символичные композиции – нежные цветы, растения, а рядом пожелтевшие старинные свитки, напоминающие пергамент, на которых начертаны стихи известных поэтов: В.А.Жуковского, А.А.Фета, Н.И.Гнедича, А.Н.Майкова, К.Д.Бальмонта и других. Такие акварели, репродуцированные на почтовые карточки, были невероятно востребованы, быстро раскупались и переиздавались значительными тиражами. Сегодня поэтические акварели Любови Меркурьевны - раритет для знатоков и коллекционеров. художник открытка живопись галерея вневремени искусство лебедиЛеонардо

Отправление на рынок 1859 Констан Тройон Холст, масло. 260,5 × 211 см Эрмитаж, Санкт-Петербург Картина французского художника, одного из ведущих представителей барбизонской школы (группа французских художников-пейзажистов. Имя школа получила по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где длительное время жили Руссо, Милле и некоторые другие представители группы). Раннее утро, в лучах взошедшего солнца женщина на ослике, с навьюченными на него корзинами с ягнятами, двигается на рынок в сопровождении мужчины на лошади, с ними также идёт небольшое стадо овец и коров. Слева на пригорке виден дом с соломенной крышей. Слева внизу стоит подпись художника и дата: C. Troyon 1859. В Салоне 1859 года картина вызвала значительный резонанс, её хвалил в прессе А. Дюма-сын; молодой Клод Моне писал своему учителю Эжену Будену: «Там также есть „Отправление на рынок“. Оно показывает эффект тумана на восходе солнца. Оно великолепно и, главное, полно света».

​​️Концерты, выставки и спектакли в Москве смогут проходить без ограничений при проходе зрителей по QR-кодам. Маски и перчатки можно будет не надевать ️В Еврейском музее и центре толерантности сменился исполнительный директор. ️Выставка «Энди Уорхол и русское искусство» в Санкт-Петербурге в пространстве «Севкабель порт»предлагает сравнить работы Энди с произведениями его последователей. ️Стала известна программа Венецианского кинофестиваля. В рамках смотра покажут картины из 59 стран Супер новость для тех, кто ещё не был на фестивале: ️Фестиваль искусств «Вдохновение» проходит с 22 июля по 1 августа на ВДНХ. За 6 дней на территории ВДНХ состоится большое количество мероприятий – театральных премьер, перфомансов и показов самых интересных спектаклей со всей России. Скачайте этот буклет! https://telegra.ph/file/8ad988a6a4d6dcc14bf34.jpg

"Шкаф" Мария Искьердо, 1952 > Мехико, Музей национального искусства Главное место в творчестве художницы занимают сюжеты и образы, укорененные в повседневности, народных празднествах и религиозности: семейные портреты, цирковые сцены, домашние алтари, незатейливые натюрморты, размещенные на фоне пейзажа. Внутреннее пространство обычного шкафа, обрамленное полупрозрачными кружевными занавесками, предстает волшебным миром, где простые предметы обретают магическое значение. Керамическая ваза становится мифическим «древом жизни», занимают свое место атрибуты традиционной праздничной обрядности – наполовину сгоревшие свечи в подсвечниках, апельсины с цветными бумажными флажками, ящик с ростками пшеницы и игрушечные фигурки, а сквозь небольшое квадратное окошко открывается вид на морское побережье.

"Наводнение в Пор-Марли" 1872 г. Альфред Сислей Национальная галерея искусства, Вашингтон. Наводнение в деревне Пор-Марли 1876 года было событием трагическим и чрезвычайным. Художник жил неподалеку и приехал писать затопленную деревеньку, где он уже наблюдал разлившуюся Сену четырьмя годами ранее. Но увидел совсем не горе и отчаянье. Наводнение в Пор-Марли Сислей изобразил на 6 картинах – и везде это абсолютная гармония, тихая и переливающаяся вода, в которой отражается небо, очень земные и очень надежные здания, которые ласково освещает солнце, уже привыкшие и уже занятые самыми повседневными делами местные жители. Они всего лишь плавают за покупками на лодках и обсуждают новости, стоя у самой кромки воды. Так что почти ничего не случилось. Ощущение гармонии, которое неизменно вызывают картины Сислея, никак не связано с сюжетом и внешним настроением изображенного пейзажа. Гармония – внутреннее состояние самого художника. Наводнение, заснеженные садовые дорожки, деревенская церковь, насосные станции, старые акведуки и новые мосты – Сислей сходу определился с теми местами, в которых ему будет хорошо. Нашел их однажды лет в 25 – и до 60-ти ничего для него не поменялось. Парижские бары, шумные бульвары, респектабельные рестораны и сомнительные кабаре даже в ранней юности Альфреда не занимают. Он слишком застенчив, задумчив и робок, чтобы чувствовать себя здесь уверенно и радостно. Критик Арман Сильвестр еще в 1873 году (за год до первой выставки импрессионистов!) написал вступление к каталогу, издаваемому Полем Дюран-Рюэлем: «На первый взгляд трудно определить, что отличает картину господина Моне от картины Сислея и манеру последнего от манеры Писсарро. Небольшое исследование скоро покажет вам, что господин Моне самый умелый и самый смелый, господин Сислей самый гармоничный и самый нерешительный, господин Писсарро самый правдивый и самый наивный…» Смелый критик, который часто участвовал в заседаниях молодых художников в кафе «Гербуа», умудрился подобрать самые точные слова-формулы к каждому из художников, о которых писал. Эти формулы будут работать с удивительной точностью на протяжении жизни каждого. И Сислей будет неизменно гармоничным и нерешительным. АльфредСислей Пейзаж Импрессионизм _history

"Белошвейки в парке" Адольфо Гиард Ларраури, 1884-1885 Художник Адольфо Гиард родился в Бильбао в семье фотографа, выходца из Франции. В 18 лет он переехал в Париж и поступил в Академию Коларосси, где познакомился со многими известными художниками. Так, одним из его близких друзей стал Эдгар Дега, оказавший большое влияние на испанского живописца. Картина «Белошвейки в парке» относится как раз к парижскому периоду, времени увлечения импрессионизмом. В Париже Гиард создал целую серию картин, персонажами которых стали швеи, работающие на открытом воздухе. Художнику удалось передать атмосферу кропотливого труда: головы даны в резком наклоне, взгляды сосредоточены на шитье. Женские фигуры изображены у глади пруда, под густой тенью деревьев. Живописный язык Гиарда отличает узнаваемая цветовая палитра, в которой преобладают изумрудно-голубые оттенки.

Три женщины в церкви 1878—1882 Вильгельм Лейбль Кунстхалле, Гамбург Картина в стиле реализма немецкого художника. Автор выбрал моделей из местных крестьянок, которые позировали ему в течение трёх лет. Молодая горничная Анна Штабер согласилась позировать художнику потому, что была больна и не могла работать. Вскоре после начала работы над картиной, в 1878 году, скончался пастор, разрешивший живописцу трудиться в храме. Его преемник потребовал прекратить использовать храм в качестве мастерской. Ситуация разрешилась после вмешательства Луитпольда Баварского (принц-регент Баварии, третий сын короля Людвига I и брат короля Максимилиана II). Композиция и реалистичное изображение на полотне оказали большое впечатление на современников, включая Винсента Ван Гога, который выразил признание её автору. В письме к матери художник пишет: «То как я трудился над этой картиной, стоило мне больших усилий, но, по словам тех, кто видел её, она является лучшим из всего, написанного мной ранее».

"Кенгуру из Новой Голландии" 1772 г. Джордж Стаббс Национальный морской музей, Гринвич. Не ценителям анималистической живописи портрет животного может показаться мало занимательным: просто кенгуру, да и с небольшими изъянами. Но тем не менее картина имеет не только художественную и историческую ценности. В ее истории скрывается целый пласт научных открытий, международных отношений и просто приключений. Сэр Джозеф Бэнкс был участником первого корабельного плавания британцев, посвященного исключительно географическим открытиям. Это знаменитое путешествие капитана Джеймса Кука по Тихому океану, проходившее в 1768-1771 годах. Бэнкс был одной из ключевых фигур в развитии европейского естествознания, натуралист и ботаник, покровитель науки и искусства. В течении двух лет Стаббс писал для него эти две картины. На суд британской публике полотна были представлены в 1773 году в Королевской Академии. Именно здесь англичане впервые смогли увидеть и познакомиться с таким экзотическим животным, как кенгуру из Новой Голландии — это первое название Австралии, которое дали ей голландские мореплаватели в начале XVII в. Забавно, что сам Стаббс никогда не видел кенгуру, а при работе над портретом ориентировался на описания тех, кому посчастливилось в живую лицезреть сумчатое. Ему предоставили шкуру и череп убитого животного, и он, как профессиональный знаток анатомии отлично справился с заданием «удаленно», не считая мелких недочетов (к примеру, неправильные уши). Отныне первооткрывателями кенгуру для европейского мира считаются три человека: Джеймс Кук, Джозеф Бэнкс и Джордж Стаббс. «Кенгуру из Новой Голландии» имеет целую историю борьбы за владение, которая произошла уже в наши дни. Все время картина хранилась у потомков жены Бэнкса. Но 2012 году министр культуры Англии Эд Вейзи, узнав о предстоящей продаже портретов кенгуру и Динго на аукционе за 9,3 млн австралийских долларов анонимному покупателю, объявил о временном запрете на вывоз полотен. Картины были национальным достоянием, и британские власти не планировали прощаться с столь ценными экземплярами. Это дало возможность телеведущему и зоологу Дэвиду Аттенборо (David Attenborough) начать акцию по сбору денег «Сохраним нашего Стаббса». Денег не хватало, и картину собиралась приобрети Национальная галерея Австралии. Срок окончания запрета подходил к концу, и тут в ноябре 2013 года произошло небывалое везение. Фонд семьи Эяля Офера (израильского корабельного магната и миллиардера) пожертвовал на сборы 1,5 миллиона фунтов стерлингов. Это превысило сумму, предложенную австралийцами, и дало возможность Национальному морскому музею в Гринвиче выкупить два портрета. Бизнесмен объяснил свой поступок тем, что картины имеют прямое отношение к британскому мореплаванию, а значит им самое место в морском музее. Изображение Кенгуру кисти Стаббса имеет большое значение не только для искусства Великобритании, но и Австралии. Сэр Рон Рэдфорд — директор Национальной галереи Австралии, выражая желание приобрети портреты животных, в 2013 году говорил, что этот кенгуру более 50 лет служил образцом для множества художников, которые и понятия не имели как он выглядит на самом деле. Героя картины растиражировали с помощью гравюр, а позже работа стала одной из иллюстраций в книге о первом путешествии Кука по Тихому океану. Существует мнение, что кенгуру стал символом Австралии благодаря именно Стаббсу, а также тому факту, что это животное не умеет двигаться назад (на самом деле умеет, просто делает это крайне редко), а значит оно — символ прогресса. К тому же кенгуру на первом гербе Новой Голландии изображен на основе портрета британского анималиста. ДжорджСтаббс Анимализм Романтизм _history

Коллекции Морозовых в Париже Сегодня в Фонде Louis Vuitton в Париже открывается новая выставка, на которой будут представлены 200 работ импрессионистов и модернистов из коллекции Морозовых. Михаил и Иван Морозовы собрали большое количество произведений искусства за первую четверть прошлого века. Являясь покровителями как русских, так и европейских художников, эти двое отстаивали многих французских мастеров, которые впоследствии стали определять современное искусство в том виде, в каком мы его знаем. арт_новости

Михаэль Свертс "Чума в Афинах" (1654) В 430 году до н.э. во время Пелопонесской войны, в Афинах распространилась загадочная болезнь, названная афинской чумой. Умер каждый четвертый житель города-государства. Ученые до сих пор спорят о том, какое же заболевание вызвало эпидемию, унесшую 30 тысяч жизней. Болезнь началась в Эфиопии, затем перекочевала в Египет, а уже потом попала в Афины через порт Пирей. Историк Фукидид подробно описал проявления заболевания. Одним из симптомов был внутренний жар у больных, который заставлял многих прыгать в колодцы, где они и находили свою погибель. Люди принимали смерть среди улицы и даже в храмах. Большое количество умерших не позволяло совершать погребение. Началась паника, за которой последовало беззаконие, нарушение моральных норм. Фукидид отмечает: «Все бросились к чувственным наслаждениям, считая, что жизнь и богатство скоротечны и ничего не стоят».

Цветы 1913 Константин Коровин Русский живописец импрессионист, театральный художник, педагог и писатель. Академик живописи (с 1905 г.). Главный декоратор и художник московских театров (с 1910 г.). Значительное место в творчестве Коровина занимает Крым, где в Гурзуфе художник построил по своему проекту дачу. Двухэтажная вилла была построена на месте бывшей харчевни и своими чёткими геометрическими формами свидетельствовала о наступлении эпохи конструктивизма в архитектуре. На протяжении 1910—1917 годов художник подолгу жил на гурзуфской даче. Особенно после несчастья с сыном, когда Коровин надолго уехал в Гурзуф (в 1913 году сын художника попал под трамвай и лишился стопы). Скоропостижно скончался на одной из улиц Парижа от сердечного приступа 11 сентября 1939 года; Большое количество работ хранится в Русском музее.

Мадонна с гвоздикой 1478 Леонардо да Винчи Старая пинакотека, Мюнхен картина, которую многие искусствоведы приписывают молодому Леонардо да Винчи. Предположительно, создана Леонардо в бытность его учеником в мастерской Верроккьо. И действительно, существуют параллели с работами учителя, однако в композиции и стиле уже чувствуется рука гения. Над сложным многообразием одеяния, которое цветовой гаммой сочетается с причудливой горной цепью на заднем плане, возвышается благородно поднятая глава Марии. Никакое чувство не проникает наружу, нарушая совершенные черты лица, только небольшое подобие улыбки играет на губах. Слегка затуманен будто нежным дымчатым покрывалом её лик — доведенное Леонардо до совершенства в поздние годы творчества сфумато создаёт впечатление отдаления и отрешённости. В противоположность спокойной Мадонне, младенец Иисус изображен в энергичном движении. Он буквально дрожит от возбуждения, пытаясь схватить красную гвоздику, которую держит в своей грациозной руке его мать.

Большие балерины. Балет Ц. Пуни "Дочь Фараона" 1922 Серебрякова Частное собрание Эта работа Зинаиды Серебряковой интересна своим декоративным и цветовым решением. Композиция - характерная для многих работ художницы - взгляд сверху, большое пространство пола, задний план менее проработан, фигуры кадрированы. Балерин здесь мы видим практических во всех стадиях одевания, от поправляющей пуанту танцовщицы справа до практически обнаженной девушки на дальнем плане. В целом композиция построена вокруг кольца балетной пачки девушки в центре. Будто бы вся суматоха перед выход вращается вокруг нее, однако сама балерина спокойна и неподвижна. Несмотря на то, что костюм ее не полон - она обнажена по пояс, - создается впечатления, что девушка уже на сцене, раскинула руки в танцевальном жесте, опустила глаза и готовится сделать первые па. Она уже преобразилась, погрузившись в мир танца.

The girl who — уникальный телеграм-канал, где публикуются полностью готовые капсулы из Zara, H&M, Mango и не только. Особенно полезно подписаться перед обновлением зимнего гардероба. _who

"Молитва перед обедом" 1744 г. Жан Батист Симеон Шарден Государственный Эрмитаж. «Молитва перед обедом» - одна из самых известных картин Шардена, жанровая сценка из жизни того социального слоя, который художник досконально знал по собственному жизненному опыту и любил – небогатого и добродетельного французского мещанства. Масштаб картины совсем невелик (чуть менее чем 40 на 50 см), что полностью соответствует её камерному, «уютному» содержанию. Молодая мать, разливая суп, учит детей произносить молитву перед вкушением пищи. Старшая девочка, как видно, уже имеет такой навык, и всё внимание благочестивой (но без всякой елейности и приторности) матери сосредоточено на младшем ребёнке. Композиция картины проста и незатейлива: на тёмном нейтральном фоне ярко выступают накрытый белой скатертью стол и три освещенных человеческих фигуры. С проникновенной теплотой Шарден выписывает скромную обстановку жилища, тихое семейное счастье, нити взаимопонимания, возникающие между матерью и детьми в процессе двух вполне обыденных и вместе с тем наиважнейших дел – еды и молитвы. А был ли мальчик? Дискуссионным вопросом является пол изображенного на картине младшего ребёнка, которого мать учит молитве. Некоторые искусствоведы небезосновательно полагают, что это мальчик. Аргументируется это, во-первых, тем, что в XVIII ст. маленьких мальчиков и девочек одевали совершенно идентично. Так, например, современный американский культуролог Карин Калверт свидетельствует, что традиция одевать маленького мальчика в платье существовала вплоть до конца XVIII века: «Мальчики, до того как надевали костюм мужчины, проходили через три четко обозначенные стадии: первые 3-4 года в юбочках, следующие 3-5 лет – в детских штанишках и еще 2-3 года – в слегка облегченном варианте взрослого костюма». Вторым аргументом в пользу того, что в «Молитве перед обедом» изображен ребенок мужского пола, является «мальчишеская» игрушка – барабан, повешенный на спинку стула. Однако такой известный специалист по творчеству художника, как Инна Немилова, автор книги «Симон Шарден и его картины в Государственном Эрмитаже» (1961), не сомневается, что перед нами – две девочки. «Молодая мать, разливая суп, одновременно старается заставить двух дочерей повторить слова предобеденной молитвы. (…) Большой творческой удачей Шардена является изображение младшей девочки. С исключительной тонкостью переданы как чувства ребенка, так и характерные для него поза и движение». Большое количество копий картины свидетельствует не только о непрерывном творческом поиске Шардена, но и том, что «Молитва перед обедом» пользовалась успехом у современников. Этот интерес к картине Шардена является частным случаем важнейшей для середины XVIII века тенденции: отходу от традиций придворно-парадной живописи и демократизации искусства. СимеонШарден Рококо _history

П.В.Петров Деревня П.В.Петров (1950-2012) - известный живописец, заслуженный художник Чувашской Республики. Излюбленный жанр Петра Варфоломеевича - пейзаж, для которого характерна лаконичная живописная манера, ритмически отточенная статичная композиция, изыскано строгий колорит. Пейзажи художника – сочиненные композиции, в основу которых легли размышления, наблюдения, воспоминания и этюды с натуры. Чаще всего в них изображены сельские виды, деревеньки, околицы или городские окраины. В произведении «Деревня» мы видим нагромождение будто игрушечных домиков, а вокруг открытое пространство. Фигуры людей либо исчезают, либо так вписаны в фон, что их будто нет. Небольшое поселение окружает пустота, что усиливает острое чувство одиночества, словно эта деревня одна во всем мире под холодным сумрачным небом. Преобладание строгих вертикальных линий точно приковывает наше внимание именно к этой точке во времени и пространстве. В этот момент рождается особенная тоска, которая влечет в иной мир и говорит об одиночестве человека перед лицом вечности. арт галерея искусство живопись лебедиЛеонардо зима снег малаяРодина милыйдом вневремени

"Портрет Вари Адоратской" 1914 г. Николай Иванович Фешин Варенька Адоратская – племянница подруги и ученицы Николая Фешина, казанской художницы и меценатки Надежды Сапожниковой. «Портрет Вари» – одна из самых, а возможно самая удачная реализация детской темы у Фешина. Как только публика увидела эту картину, ее сразу же стали сравнивать с «Девочкой с персиками» Валентина Серова. Они действительно очевидно перекликаются. В обоих случаях детский портрет – это не просто ребенок в интерьере, это полное отсутствие сюсюкающего умиления и глоток свежего воздуха, это воплощенный мир детства – чистого, светлого и дающего надежду всем нам. Фешин использует экстравагантный композиционный приём: девочка сидит на столе. Это придает картине особую прелесть и подчеркивает обособленность пространства – радостного, светлого, яркого, в котором любимому ребенку можно многое. Это – защищенный мир (между тем, на дворе 1914 год, Первая мировая война). Лицо Вареньки сияет чистотой и ясностью детского мироощущения, натюрморт на переднем плане сочетает легкую небрежность и беспорядок (здесь играл ребенок!) и удивительную завершенность. Это не парадный портрет, это – часть жизни живой, подвижной, возможно, несколько стеснительной девочки с пытливым взглядом. Сама Варя вспоминала: «Мне было тогда 9 лет, я была довольно застенчива и дика…» Начиная с «Портрета Вади Адоратской», художник часто обращался к форме композиционного портрета-картины. Но перед нами ни в коем случае не «портрет на фоне аксессуаров». Сама девочка и детали интерьера неразделимы – это та обстановка, в которой только и может жить ребенок с таким ясным взглядом. Помимо смысловой нагрузки, интерьер выполняет и важную цветовую задачу. Удивительно, что такой светлое, радостное пространство, говорящее о здоровой, счастливой жизни, создано, по сути, серым цветом. Но серый Фешина – это цвет спокойствия и благополучия, рассеянный свет дня, он дышит, живет и переливается, словно перламутр, это светлый фон, создающий защищенность. Яркие акценты вносят чистые цвета оранжевого, желтого и голубого. Градация холодных цветов доходит до черного, теплых – до солнечного. Самый светлый штрих – белоснежное платье девочки – приобретает особую теплоту на прохладном фоне стен. Фешин довольно часто использовал такой технический контраст: достаточно сдержанная палитра и экспрессия нанесения мазков и наложения цвета. Великолепно передана игра фактур: гладкая кожа, тонкое платьице, прозрачный стакан, блестящий чайник, матовые фрукты и прохладная ваза. На самом деле, Фешин писал Варю не в детской, а в мастерской Надежды Сапожниковой. Повзрослевшая Варвары Адоратская вспоминала, что позировать ей было не очень-то удобно, постоянно немели ноги. Отец Вари отказался приобрести портрет, и его забрала себе Надежда Сапожникова. После смерти она завещала картину ее героине. В ГМИИ Татарстана портрет был передан в 1964 году. Детская тема занимает большое место в наследии Фешина. Особенно часто он писал свою дочь Ию. Уже эмигрировав в США, Фешин напишет парафраз к «Портрету Вари Адоратской», импрессионистическую картину «Ия с дыней». Сонная Ия в ночной рубашке сидит на столе, в руках у нее дыня, возле нее фруктово-цветочный натюрморт, фоном служит драпировка. Девочка тоже смещена от центра в сторону. В американской картине четко противопоставлены плотность портрета и натюрморта: фрукты осязаемые, густо написанные, а девочка кажется светящейся, полупрозрачной. НиколайФешин Портрет _history

​​«Новую» работу Караваджо, прежде оценённую в 1500 евро, продают в Испании Региональное правительство Мадрида получит право первенства среди покупателей во время продажи картины, которую считают произведением художника-суперзвезды XVI века Микеланджело Меризи да Караваджо. Работа, известная как «Коронование терновым венцом», была снята с аукциона прошлой весной. Основанием стало заявление кураторов Национального музея Прадо о «достаточных стилистических и документальных свидетельствах», указывающих на её подлинность. Власти испанской столицы недавно присвоили картине охранный статус, объявив её объектом культурного интереса. Произведение должно было уйти с молотка на торгах Ansorena 8 апреля 2021 года с начальной ценой всего в 1500 евро. В онлайн-каталоге аукционного дома было указано, что небольшое полотно принадлежит кисти художника из круга испанского живописца XVII века Хосе де Риберы. Впоследствии испанское правительство наложило запрет на экспорт этой работы. «Коронование терновым венцом» принадлежит трём детям основателя мадридской школы дизайна IADE Антонио Переса де Кастро и художницы Мерседес Мендес Аттард. Учитывая то, что произведение взято под охрану, владельцы должны сообщить правительству о любой его продаже. Сейчас реставрацией, аутентификацией и последующим выходом картины на рынок заведует коммерческая галерея Colnaghi, базирующаяся в Лондоне и Нью-Йорке. Первоначально заключить частную сделку с семьёй Перес де Кастро Мендес пытался итальянский дилер Джанкарло Чиарони. Он предложил за работу свыше полумиллиона евро до запланированного аукциона. «Colnaghi сделают всё, что в их силах, но картину всё равно должно будет тщательно изучить правительство. Вероятность того, что её купит испанское государство, очень высока. Но сумма сделки будет не такой высокой, как на международном рынке. В таких случаях очень сложно установить ценность, поскольку это результат бесчисленного количества переменных», — заявил Чиарони. В своём недавнем заявлении правительство Мадрида поддержало версию о том, что «Коронование терновым венцом» принадлежит кисти основоположника караваджизма: «Информация, появившаяся за последние несколько месяцев, вкупе с исследованиями, которые провели эксперты, подтверждает теорию о том, что это — работа Караваджо». А в британской газете The Guardian произведение охарактеризовано как «пример совершенства и живописного мастерства итальянского натурализма», который оказал большое влияние на мадридскую школу живописи XVII века. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/582e1a2dc751390536b8e.jpg

Так-так-так. Продолжаем тему с Абрамцевским кружком? Название, конечно, смешное - кружок. Кажется, что что-то совсем небольшое и неважное. Вот пишу вам об этом и думаю, сколько же всего еще хочется рассказать и показать, чтобы вы понимали, как русское искусство и культура развивались, как все было связано между собой. Но ладноооо, обо всем по порядку. Вернемся к Абрамцевскому кружку. Значит, придумывает его Савва Мамонтов, предприниматель, который занимался строительством железных дорог. Человек далеко не бедный. Была у него усадьба не очень далеко от Москвы, там, кстати, сейчас очень классный музей (http://www.abramtsevo.net/index.php). И вот в этой усадьбе он собирает свет мира искусства того времени. И все с удовольствием приезжают. Абсолютное большинство картин и скульптур конца 19 - начала 20 века, которые вам известны, прошли через усадьбу в Абрамцево. Просто поверьте на слово, дальше увидите. Почему вообще этот кружок такой важный? Почему я, искусствовед, столько вам о нем рассказываю? Фамилии какие-то называю? Мамонтов, на самом деле, сделал то, что никому до него ранее не удавалось. Он поднял значимость русского искусства в глазах своих же соотечественников. Да и не только искусства, но и русской культуры, в целом - сказок, поверий, народных промыслов, истории, литературы. Помните, про Прахова вам написала, что он в Италии с Мамонтовым был? Фамилия реально забавная, сложно не запомнить. Так вот. Прахов тут зачем вообще? Помимо того, что он, точнее, его женасвязаны очень сильно Врубелем? (и про это тоже расскажу) Прахов был тем человеком, который приносил художникам всякие интересные артефакты, рассказывал историю России и не только, тем самым давая им материал для размышлений, вдохновения и творчества. Вот вам в качестве иллюстрации портрет его жены кисти Васнецова. Смотрите на интерьер. Видите, сколько всего там явно не из конца 19 века? Ну и на жену тоже посмотрите, может, напомнит вам что-то или кого-то (немного интриги, все обязательно расскажу) PROабрамцевскийкружок

​​️Турецкий музей Трои и «Википедия» создаст информационный цифровой ресурс для музея «ВикиТроя». В «ВикиТрое» можно будет найти информацию про легенду о Трое, об истории и музее, посвященном ему. ️Назван самый популярный автор у слушателей аудиокниг за последние пять лет. ️ 24 февраля в White Room Foundation состоится открытие выставки «Звонок Другу». ️Новая система мониторинга охватит всю территорию археологического парка в Помпеях из-за изменения климата. Древнеримский город Помпеи уничтожило извержение Везувия в 79 году н. э. В городе сохранилось большое количество образцов архитектуры и фресковой живописи. Сейчас Помпеи — музей по открытым небом и объект Всемирного наследия ЮНЕСКО. В 2019-м Колизей начал разрабатывать систему мониторинга, которую должны ввести в эксплуатацию в 2022 году. ️Во Владимире откроют реставрационный центр. В 1158 г. князь Андрей Боголюбский на высокой горе над рекой Клязьма заложил белокаменный Успенский собор на месте деревянного как символ Владимиро-Суздальского княжества. В Успенском Соборе хранятся подлинные фрески иконописцев 15 века Андрей Рублева и Даниила Чёрного. Именно здесь хранилась икона Владимирской Богоматери, которая сейчас хранится в Третьяковской галерее. Собор и стенопись причислены к всемирному наследию ЮНЕСКО. Это национальное достояние России. В чем проявляется величие: В 1410 году Владимир подвергся очередному набегу ордынского войска и необходимо вспомнить о подвиге ключаря Успенского Собора грека Патрикия. Он сохранил тайну спрятанных богатств и не выдал местонахождение укрытых людей. За это он принял лютую гибель. Эти события реалистично представлены в фильме Андрея Тарковского «Андрей Рублёв». Роль Патрикия исполнил Юрий Никулин. https://telegra.ph/file/bc28e07ab8b6ac2c308fa.jpg

21 апреля в галерее ARTSTORY открылся выставочный проект Наташи Шалиной «Письма из детства». В экспозиции представлены живописные произведения, а также винтажные объекты, живопись по ткани, инсталляция. Все работы — это размышления и воспоминания о детстве: светлом времени, полном радости и игр, а порой страхов и переживаний. Автор создает собственную вселенную, которую населяют меланхоличные персонажи в красивых старомодных платьях и их куклы, которые кажутся миниатюрными копиями самих героев. Шалина подчиняет своему искусству все пространство выставочных залов, вовлекая зрителя в большое путешествие, в игру с собственной памятью, предлагая полностью погрузиться в мистический мир давно ушедшего времени на первой персональной выставке в Москве. Москва,Старопименовский переулок, д.14 (м.Пушкинская, м. Маяковская) www.art-story.com Вход по билетам (200 руб.; лицам до 18 лет – 100 руб.; детям до 7 лет, пенсионерам и льготным категориям – бесплатно).

Гравюры. Rebecca Vincent — признанная художница, хорошо известная на северо-востоке Англии и имеющая коллекционеров и почитателей по всему миру. Гравюры художницы выставлены в избранных, престижных британских галереях. "Многие из клиентов — верные коллекционеры, которые годами наслаждаются моими принтами в своих домах. Они создали реальную связь со мной и моим искусством. Мне доставляет большое удовольствие знать, что я привношу красоту и радость в их повседневную жизнь».

Охота на ягуаров 1890-е Суходольский П.А. Калужский музей Художник предпочитает использование гармоничного колорита, свойственного академической живописи, детально воспроизводит предметы одежды и быта героев. Большое внимание уделено воспроизведению пейзажа, а также правдоподобному изображению животных. Наибольшую известность получили его произведения в жанре пейзажа. Образ родной деревни Жёлны Мосальского уезда Калужской губернии неоднократно появлялся в работах художника, за картину, ему посвященную, получил большую золотую медаль в Академии художеств. При пристальном взгляде на картину ощущается ее синтетичность, нацеленная на создание гармоничного красочного изображения, приятного для размещения в интерьере. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Йолокост Израильский художник Шахак Шапир создал фотопроект «Йолокост». Работа призвана пристыдить молодых людей, которые для развлечения устраивают «танцы на костях» и делают веселые селфи на фоне Мемориала жертвам холокоста в Берлине. Мемориал представляет собой большое пространство, заставленное монотонными серыми блоками, блуждая среди которых человек может ощутить страх, тревогу, тоску и ужас. Снимки для своего проекта художник брал из социальных сетей, а затем переносил счастливые лица делающих селфи людей на фотографии нацистских концлагерей. Художник решил также оставить и оригинальные подписи авторов этих фотографий, и количество лайков от других людей. Искусство или нет?

Бассейн в гареме 1875 Жан-Леон Жером Эрмитаж, Санкт-Петербург Гарем в исламском обществе означал запретную часть дома, предназначенную для женщин. Находясь под впечатлением от поездок по Ближнему Востоку, Жан-Леон Жером избрал темой своей картины именно сцену в гареме, когда темнокожая служанка предлагает кальяны двум белым наложницам султана у бассейна в турецкой бане. Жером как представитель европейского живописного искусства уделял большое внимание изображению женской наготы и вообще красоте человеческого тела, что противоречило исламским традициям, в то время как свидетелем данной сцены художник не был, да и не мог стать. Картина, написана по заказу великого князя Александра Александровича (будущего императора Александра III), использовалась в рекламе виски, вызвавшей критику, но уже теперь со стороны христиан из-за своего сексуального подтекста. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

«Среди волн». Иван Айвазовский написал большое полотно «Среди волн» (1898) в 81 год. Работа над картиной размером 284×429 сантиметров заняла у мэтра всего 10 дней. Когда художника спросили, в чем секрет его продуктивности в столь солидном возрасте, он сослался на опыт: мол, а вы попробуйте писать море 60 лет кряду.

"Венеция. Северный вид на мост Риальто со стороны Фондамента-дель-Карбон" 1760-е Франческо Гварди Частная коллекция. «Венеция. Северный вид на мост Риальто со стороны Фондамента-дель-Карбон» составляет знаменитую пару с другой ведутой – «Венеция. Мост Риальто с палаццо деи Камерлинги». Эти монументальные пейзажи поразительно передают атмосферу Венеции того времени. Они имеют большое значение как для творчества Франческо Гварди, так и для всего искусства XVIII века. Обе картины написаны в середине 1760-х годов, и одна представляет взгляд с севера, вторая – с юга. Эти полотна можно назвать самыми яркими произведениями зрелого периода одного из последних представителей классической венецианской школы живописи. Художник подписал свои творения, – и это указывает на то значение, которое он придавал им. Любопытна и судьба этих двух пейзажей. Впервые они были куплены, скорее всего, у художника, в 1768 году молодым англичанином по имени Шалонер Аркдикон. Он совершал Гранд-тур – путешествие по Европе, обязательное для отпрысков аристократических и состоятельных британских семей. Спустя 123 года полотна приобрёл за 3 тыс. 850 фунтов стерлингов (в закрытой сделке через дом Christie’s) Эдвард Сесил Гиннесс, 1-й граф Айвори – исполнительный директор, а затем глава пивоваренной компании «Гиннесс» и страстный коллекционер. Шедевры передавались по наследству в его семье вплоть до 2011 года, когда были разделены. «Венеция. Северный вид на мост Риальто со стороны Фондамента-дель-Карбон» ушёл с молотка на аукционе Sotheby’s за 26,7 млн фунтов стерлингов (42,7 млн долларов). Временный запрет на продажу, установленный правительством Британии с тем, чтобы местные коллекционеры могли приобрести картину и оставить в стране, не помог – и она была выставлена на открытые торги. Ровно шесть лет спустя «Мост Риальто с палаццо деи Камерлинги» стал лидером вечерней распродажи произведений старых мастеров на Christie’s. Покупатель выложил 26,2 млн фунтов стерлингов (33,9 млн долларов), что стало максимальной суммой за картины любого из старых мастеров на аукционах в 2017 году. После того, как аукционист объявил победителя, в Большом зале Christie’s на Кинг-стрит в Лондоне раздались аплодисменты. ФранческоГварди _history https://t.me/pic_history2/267

​​Люблю нежно Новую Третьяковку, была множество раз и продолжу бесконечно ходить. Поэтому мне важно об этом сказать. Обращаюсь к пресс-службе Государственной Третьяковской галереи и лично к ее руководителю: Зельфира Исмаиловна, здание Новой Третьяковки после последнего недавнего ремонта качественно преобразилось, добавлено большое количество невероятных шедевров актуального искусства, сувенирная продукция достойного уровня, очень приятное кафе. Но сразу на входе меня с ребёнком не пустили со словами «на территорию музея нельзя с самокатом». Нельзя было оставить самокат даже в коридоре перед входом в холл. Охрана предложила оставить самокат совсем на улице. Согласитесь, это нонсенс? Прошу в ближайшее время рассмотреть возможность по изменению этого правила. Возможно Вам никто об этом не говорил, и вы даже не догадываетесь, какой дискомфорт это вносит в посещение галереи. Не знаю ни одну семью с детьми, у которых нет самоката. Если в коридоре напишите краской модным шрифтом «здесь место для колясок и самокатов», Новая Третьяковка наконец станет по-настоящему Новой. С надеждой на лучшее, сильно неравнодушный к современному искусству человек, Катя Горох, автор телеграм-каналов и https://telegra.ph/file/8bc68d2dab26fc3444e44.jpg

Золотой петух и курица XIX век Неизвестный художник Метрополитен-музей, Нью-Йорк Роспись на вертикальном свитке. Работа создана при помощи туши, красок и бумаги. Вместе с декоративными элементами высота произведения составляет 2 метра, ширина — 63 сантиметра. Работа представляет собой пример развития популярной темы, адаптированной из китайской живописи — «цветы и птицы» (жанр китайской пейзажной живописи, основным предметом которого являются растения, птицы, звери либо насекомые. Этот жанр оказал большое влияние на всё китайское прикладное искусство в Средние века). Также она есть мифологические символы бессмертия: солнце, горы, облака, сосны, журавли, черепахи, олени и грибы. В центре композиции расположены петух и курица, сидящие на дереве павловния и скале соответственно. Они символизируют богатство и будущее. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Лунная ночь 1898 Аксели Галлен-Каллела ГМИИ им. А.С. Пушкина Стиль художника Аксели Галлен-Каллела — финский художник шведского происхождения, наиболее известен по иллюстрациям к Калевале. Он писал монументальные панно, посвященные героям карело-финского эпоса. В его произведениях сочетались символическая трактовка образов, четкость изображения деталей с броскими цветовыми и композиционными ритмами. Важное значение в его сюжетных композициях играли пейзажные фоны. Создавал Галлен-Каллела и чистые пейзажи, в которых он часто представлял обобщенный цикл человеческой жизни-смерти вкупе с рождением-умиранием природы. Переезд В 1894 году Галлен-Каллела переехал в построенный им деревянный дом в Калеле, на берегу озера Руовеси в центральной Финляндии. Изображенный фрагмент деревянной постройки в пейзаже «Лунная ночь» имеет большое сходство с террасой дома художника. Можно предположить, что на картине представлено озеро Руовеси. Галлен-Каллела неоднократно писал виды с террасы своего дома. Особенности северного символизма Данный пейзаж в полной мере воплощает особенности северного символизма, где новые принципы изобразительного языка не только не противоречили традиционной реалистической манере, но и успешно уживались с ней в рамках одного произведения. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.