Цветущий куст сирени, увиденный мастером в Черниговской губернии, произвел на...

«Цветущий берег Которского залива. Столив»

Карильон (карийон, фр. carillon) Карильон - очень редкий инструмент. Он состоит из многочисленных колоколов, настроенных по хроматическому ряду, с диапазоном от двух до шести октав, которые играющий может приводить в действие, используя педали и рычаги. Звучание его зависит от формы колоколов, сплава, из которого они отлиты, материала и веса колокольных языков, акустики колокольни. Ну, и от качества настройки, разумеется. Этот инструмент постоянно проигрывал в борьбе за место в церкви органу или фортепьяно, но это не мешало ему производить большое впечатление. Риверсайдский карильон находится в церкви в Нью-Йорке и был подарен церкви семьёй Рокфеллеров. Он включает в себя 74 колокола, самый массивный из которых весит 20 тонн. Это самый большой карильон в мире, он весит более 100 тонн, что делает его одним из самых больших когда-либо построенных музыкальных инструментов.

Ветвь омелы 1790 Фрэнсис Уитли Сюжет картины, на первый взгляд, может показаться странным и непонятным, но это только если не знаешь обычая, который связан с ветвью омелы. Присмотритесь, под потолком подвешена веточка. Подвешенный к потолку пучок омелы (вечнозелёное кустарниковое растение) – традиционное рождественское украшение в Англии до распространения рождественской ёлки во второй половине XIX столетия. Считалось,что если мужчина и женщина оказывались под омелой, они могли поцеловаться. Происхождение обычая неизвестно, но есть предположение, что в нем отразились архаические свадебные обряды – согласно древнеримским историкам, омела использовалась в ритуалах друидов в дни зимнего солнцестояния. Они считали вечнозелёную омелу священным растением. В качестве рождественского украшения омела упоминается впервые в середине XVII века. Персону, случайно оказавшуюся под висящей веткой омелы, позволялось поцеловать любому. Отсюда происходит название «ветка поцелуев».

Борис Кустодиев "Голубой домик" (1920)

"Цветущий миндаль" Февраль 1890 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Посмотрите в хорошем качестве.

Купчихи в Кинешме 1912 Борис Кустодиев Киевский национальный музей русского искусства «Купчихи» стали одним из лучших созданий Кустодиева и открыли обширную серию его образов купчих, купцов, купеческого быта. В этих работах были сплавлены черты истории и современности, реальность и идеализирующая ее фантазия, «русский вкус» и навыки художника, обладающего широчайшей культурной основой, национальной и западноевропейской. В цветистую, театрализованную картину, передающую ощущение привычного, размеренного уклада провинциальной жизни, покоя, достатка, здоровья, уверенности молодых купчих в себе, Кустодиев внес ноты мягкой иронии. Образ, созданный им, на редкость целен, его героини неотделимы от окружающей среды и ни в какой иной обстановке не могли бы существовать так естественно. Все вместе — и яркое зрелище, и воплощение своеобразия русской жизни.

Борис Кустодиев "Купец" ("Старик с деньгами") (1918)

О двух картинах Кустодиева: На террасе 1906 Русская Венера 1926 Нижегородский государственный художественный музей Картина "Русская Венера" была написана Кустодиевым в 1925—1926 годах на обратной, перевёрнутой стороне полотна «На террасе», созданного ещё в 1906 году и запечатлевшего чаепитие семьи художника. Позже, картина была повреждена во время затопления Горьковского художественного музея. Отреставрирована известным реставратором Барановым. Он устранил подтеки механическим способом и при помощи растворителей. Более серьезную проблему, утрату красочного слоя, решил, применив метод ретуши. Соорудил специальный подрамник, таким образом, что стала доступна зрителям и вторая сторона полотна с картиной «На террасе», на которой Борис Михайлович в 1906 году изобразил свою семью. Полотно написано незадолго до смерти. Оно подводит итог как поискам идеала народной красоты, так и всему творчеству мастера.

Святой Себастьян 1493—1494 Пьетро Перуджино Эрмитаж, Питер Картина итальянского художника эпохи Раннего Возрождения. Портрет раннехристианского святого Себастьяна, пронзённого стрелами по приказу римского императора Диоклетиана. На стреле, застрявшей в шее, имеется подпись художника на латыни: «PETRUS PERUSINUS. PINXIT» (Петрус Перузинус писал), сделанная золотой краской. Ведущий научный сотрудник отдела западноевропейского искусства Эрмитажа Т. К. Кустодиева, описывая картину, отмечала: "Особое внимание художник сосредоточил на лице Себастьяна. Это характерный, раз навсегда избранный мастером тип лица и его выражение: миловидные правильные черты, некоторая женственность образа, большие, томные глаза, пушистые кудри, рассыпанные по плечам. Одна-единственная стрела, использованная с чисто умбрийской склонностью к декоративности, указывает на то, о каком святом идёт речь."

"Срывайте розы поскорее" 1909 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная коллекция. «Срывайте розы поскорее» — живописная работа Уотерхуса 1909 года, посвященная теме скоротечности времени, красоты женщины и окружающего мира. Это не первая попытка создания картины с таким содержанием: годом ранее он написал одноименное, но менее известное полотно. Живопись и литература неразлучны в творчестве Уотерхауса, и вдохновением для него может послужить одна лишь строка. Тема женщин и цветов была востребована среди прерафаэлитов и английских романтиков, но Уотерхаус подходит к ней иначе. Он не просто любуется милыми глазу образами и предметами, а вкладывает философский смысл, буквально цитируя первое четверостишие стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика — английского поэта XVII века: Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью. Первая строка, как и само название картины, на английском звучит так: «Gather ye rosebuds while ye may», что дословно переводится как «срывайте розовые бутоны, пока можете». Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах. На фоне цветочной поляны изображены две девушки, срывающие цветки с розового куста и складывающие их в букет. Художник изобразил их, как античных нимф: они воплощение нежности, женственности и чистоты, они беззаботны и слились с природой. Именно таким слушательницам Геррик посвящает свои слова. Их головы склонились над цветами, их шеи и плечи чувственны и обнажены, но, как и цветы, эти девушки спокойны и бесстрастны. Платья их, как туники, легки и прозрачны, воздушными складками окутывают героинь, живописно передавая слова автора: Отбросьте скромность, и наряд Оденьте подвенечный; Пройдёт весна и сей обряд Вам ждать, быть может, вечно. Позади юных дев течет небольшая река — символ течения жизни и уходящего времени, и на другом берегу, вдалеке, среди кедровой рощи еще две женские фигуры: одна девушка наклонилась за цветком, а вторая стоит с поднятым передником, полным цветов. Вся картина выполнена в ярком весеннем колорите. Это синие горы на горизонте, свежая трава и темные кроны деревьев. Пыльно-розовое и васильковое платья — цветовая доминанта всей работы. Добавляют контраста насыщенные цвета волос девушек: золотисто-рыжий и иссиня-черный. Автор всеми художественными способами создает для зрителя ощущение свежести и абсолютной молодости, призывая радоваться каждому моменту. Интерес к живописи Уотерхауса после его смерти значительно снизился. Это привело к тому, что какое-то время его картины можно было приобрести за бесценок. Именно поэтому многие значимые полотна сейчас находятся в частных коллекциях, а не в государственных музеях. Такая же участь постигла работу «Срывайте розы поскорее», хотя ее история более чем туманна. Картина пропала из поля зрения практически на сто лет и была случайным образом обнаружена в одном из домов в Торонто. Когда владельцы приобрели дом у предыдущих хозяев, она уже висела на стене. Каким образом работа оказалась в Канаде, до сих пор никому не известно. На аукционе Sotheby's она была оценена в сумму от 1,75 до 2,5 миллионов долларов, но ее так никто и не приобрел. ДжонУотерхаус _history

Сел Иона у стен города и сидел надувшись и ждал чего будет - погибнет город или все таки нет. И тогда Господь, чтоб и Иона не грустил и солнышком ему голову не напекло, за ночь вырастил над Ионой кустик - вероятно, то была тыква или клещевина. Иона ужасно обрадовался кустику. Тогда Господь на следующую ночь кустик уморил и тот высох. Расстроился Иона, да так сильно, что начал просить о смерти. Ну, вообще, Иона такой специфический пророк, как вы наверное уже поняли - не только убегает от воли божьей, так и еще в любой непонятной ситуации не стоически терпит бедствия, огорчения или просто неприятности, а сразу молит о смерти. А это его даже ни разу в костер не бросили, львам не скормили и на дыбе не растянули, как бывало. А кончается все вот каким диалогом: “И сказал Бог Ионе: неужели так сильно огорчился ты за растение? Он сказал: очень огорчился, даже до смерти. Тогда сказал Господь: ты сожалеешь о растении, над которым ты не трудился и которого не растил, которое в одну ночь выросло и в одну же ночь и пропало: Мне ли не пожалеть Ниневии, города великого, в котором более ста двадцати тысяч человек, не умеющих отличить правой руки от левой, и множество скота?” В средневековье этот сюжет очень любили художники и поэтому он с потрясающей частотой встречается в книжной иллюстрации. Дело в том, что сам Иисус в Новом завете сравнивает себя с Ионой - как Иона тусовался в ките три дня и три ночи, так же и Сын Человеческий три дня и три ночи проведет в земле, а после воскреснет. И еще мне кажется, что этот пророк, Иона, он самый человеческий из всех - он то боится, то хулиганит, то ропщет и в его короткой истории столько живого. Вот совсем крохотная подборка картинок из рукописей и пара фресок из разных храмов и даже иранская книжная миниатюра XIV века, потому что пророк Иона (Юнус) актуален для мусульман тоже.

Вятский модник В 2018 году Женя Жуланова создала серию фото «Вятский модник». Виктору Казаковцеву из Кирова больше 70 лет, его называют «вятским модником». Виктор играл на баяне в доме культуры, любил сцену и яркие наряды. И когда его отправили на пенсию по инвалидности, он сделал своей сценой целый город. Каждое утро Виктор надевает один из своих кричащих нарядов (шьет и перешивает все сам) и дефилирует по центральным улицам Кирова. Виктор рассказывает, что за культпросветработниками в советское время следили партийные организации. Поэтому вне работы он позволял себе только шляпу и белые рубашки. Однажды, когда ехал на велосипеде мимо лесобазы, на него из кустов выпрыгнули несколько человек и избили практически до смерти. Били по почкам, по всему телу, но больше всего ногами по лицу. Почему он тогда не умер, Казаковцев до сих пор не понимает. Но понимает, за что били — за шляпу. «Я вспомнил, как нам запрещали яркие одежды, и сказал себе: Ну все, теперь я так буду одеваться, что лошади будут оглядываться». Искусство или нет?

"Сирень" 1900 г. Михаил Александрович Врубель Государственная Третьяковская галерея. На рубеже 19 – 20 веков Врубель работал нал циклом картин, который называют «Сказочным». В него входят картины «Пан», «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Жемчужная раковина» и «Сирень». Помимо присутствия на них сказочных существ, все эти работы объединяет время действия – ночь, из-за чего их еще называют ноктюрнами. Сумерки придают картинам особенный таинственный и сказочный колорит. К тому же ночные сюжеты позволяют художнику выжимать все возможности из своей любимой палитры: любых оттенки синего и фиолетового цветов. Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени. Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее. Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь. Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура. У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете». Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель. МихаилВрубель _history

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) — Русский и советский художник. Академик живописи ИАХ. Член Ассоциации художников революционной России. Портретист, театральный художник, декоратор. Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) was a Russian and Soviet artist. Academician of Painting and painting. Member of the Association of Artists of Revolutionary Russia. Portrait painter, theater artist, decorator.

"Лунная ночь" 1880 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. Талантливый российский пейзажист и портретист Иван Крамской сумел покорить сердца своих почитателей умением наделить практически любой сюжет, перенесенный им на полотно, невероятно мощной эмоциональной составляющей. Для этого он использовал все доступные ему средства — выразительный фон или его отсутствие, тщательно прорисованную мимику и позу персонажа, выверенное сочетание красок. Шедевры его кисти поражают зрителей даже по прошествии полутора сотен лет, и картина Крамского «Лунная ночь» — яркий тому пример. На полотне изображен укромный уголок старого парка, раскинувшегося подле пруда. На скамье под большим тополем, озаренная светом полной луны, сидит молодая женщина. Ее голова слегка наклонена, а взгляд задумчив — о чем грезит она, глядя на белые цветки лилии, замершие на водной глади? Какие мечты завладели ее мыслями в эту теплую лунную ночь? Рука женщины покоится на спинке скамейки, от позы веет умиротворенностью и покоем. Это ощущение подчеркивают плавные, почти струящиеся линии длинного белого платья и легкой шали-накидки. Кажется, будто свет исходит не от ночного светила, а от таинственной незнакомки, присевшей отдохнуть во время вечерней прогулки по парку. «Лунная ночь» — картина Крамского, созданная им в 1880 году. Работа над полотном была начата в 1879 г., и моделью для эскизов послужила А.И.Попова, ставшая впоследствии супругой Д.И.Менделева. На заключительном этапе работы над полотном в роли натурщицы выступила Е.А.Третьякова, которая была второй женой известного российского мецената и коллекционера С.М.Третьякова. Художник долго выбирал название для своего произведения, колеблясь между «Старыми тополями», «Волшебной ночью» и просто «Ночью». В итоге некоторое время он использовал для выставок последний вариант, который позже трансформировался в название, знакомое сегодня каждому почитателю таланта Крамского. На картине Крамского «Лунная ночь» природа предстает перед нами во всей своей первозданной красоте, которую подчеркивает образ молодой женщины в белых одеяниях. Создавая свой шедевр, Иван Николаевич постарался передать очарование летней ночи, наполненной тайной и безмятежностью, и это ему удалось благодаря искусной подаче игры света и тени. Там, где на пути лунных лучей встали густые кроны деревьев, парк погружен во тьму, и можно лишь угадывать, что скрывается за стволами деревьев и цветущим кустом. Природа скована сном, и ничто не в состоянии потревожить ее покой: на водной глади не видно ни малейшей ряби от ветерка, все замерло в ожидании утра… Современники Крамского высоко оценили это полотно: в 1880 году картина «Лунная ночь» стала экспонатом 8-й выставки, устроенной Товариществом передвижников, а после окончания выставки ее приобрел Сергей Третьяков. Сегодня картину Крамского «Лунная ночь» можно увидеть в Третьяковской галерее в Москве. ИванКрамской Реализм _history

Борис Кустодиев "Сенокос" (1917) На картине - разгар сенокоса, в котором участвуют, в основном, женщины. Сенокос был наиболее значимым событием в каждой деревне. Хотя эта работа была достаточно тяжёлой, на неё шли, как на праздник. И бабы и мужики наряжались на сенокос в самые красивые одежды, в то время как на уборку хлеба надевали всё самое худшее. Так писал про сенокос этнограф Василий Селиванов: "Бабы и девки имеют обычай для работы в лугах надевать на себя не только чистое белье, но даже одеваться по-праздничному. Для девок луг есть гульбище, на котором они, дружно работая граблями и сопровождая работу общей песней, рисуются перед женихами." Вечером сенокосцы играли на гармонях, пели песни, молодые водили хороводы. И всё это, несмотря на напряжённый труд в течение дня. По окончании сенокоса устраивался общий праздник. Для оплаты угощения продавали часть сена, а на вырученные деньги покупали чай, баранки и водку (выпивка за счёт общины называлась "мирское"), закуску приносил каждый свою.

У Музея современного искусства «Гараж» появится новое здание Им станет отреставрированный павильон «Шестигранник» в Парке Горького в Москве. Ранее он назывался «Машины и орудия» и был построен известными архитекторами Жолтовским, Кокориным и Парусниковым для Первой Всероссийской сельскохозяйственной и кустарно-промышленной выставки. В 1980-х годах павильон был разрушен в результате пожара и заброшен на многие годы. арт_новости

Балаганы 1917 Кустодиев Русский Музей Скачут ярмарочные черти и петрушки, бьют в барабаны скоморохи. Шумно, весело, интересно. Красочные сани извозчиков доставили степенную публику к началу гуляний. Плакаты обещают силачей и множество других увеселений. Рядом торговые ряды: горячий сбитень, блины, икра, холодная водка. Весь день будут вертеться карусели на потеху людям. А вокруг зима, деревья окутаны ослепительным инеем. Мороз. Весна еще только в надеждах... Балаган - непременный атрибут русских народных гуляний. Как ярчайший образец народного искусства, он для художника - главный источник вдохновения.

​Пока все подводят итоги года, мы хотим поделиться нашими планами на 2022 год. 16 января завершает работу выставка «Другие берега. Русское искусство в Нью-Йорке. 1924». Напомним, что в музее действует сеансовая система, и рекомендуем билеты приобретать заранее. • «Авангард: на телеге в XXI век» (3 февраля - 22 мая) Совместно с Ельцин Центром и Энциклопедией русского авангарда представим реконструкцию масштабной экспозиции авангардного искусства, забытой в Вятской губернии сто лет назад. Вы сможете увидеть заново открытые работы Василия Кандинского, Александра Родченко, Николая Фешина, Ивана Клюна, Александры Экстер и других мастеров. На третьем этаже музея расположится интерактивный спецпроект о транспортировке произведений искусства, подготовленный в партнерстве с арт-логистической компанией Fineartway. Вы сможете узнать, почему ящики для перевозки картин могут стоить несколько десятков тысяч рублей и как безопасно транспортировать хрупкую гипсовую скульптуру, картину на холсте или графический лист под стеклом, а также почему перевозка искусства — это тоже искусство. • «Автопортрет и портрет художника» (9 июня - 2 октября) Летом обратимся к жанру портрета, который на рубеже XIX–XX века переживал новый этап развития в русском искусстве. Выставка поможет проследить, как изображает себя сам художник и каким он представляется современникам. В экспозицию войдут работы Ильи Репина, Бориса Кустодиева, Роберта Фалька, Бориса Григорьева, Владимира Татлина и других художников. • Выставка работ Александра Савинова (20 октября - 22 января) Осенью представим персональную выставку Александра Савинова — яркого последователя символистской школы живописи наряду с Кузьмой Петровым-Водкиным, Виктором Борисовым-Мусатовым и Павлом Кузнецовым. Мастер развивал жанр картины-панно: с проработанным рисунком, узорами тканей, цветочными мотивами. Всегда рады видеть вас на наших выставках! Отмечайте в комментариях друзей, с которыми вы планируете к нам прийти в следующем году. другиеберега авангарднателеге портрет_автопортрет https://telegra.ph/file/cf2bbf779e6a2c47a5f1f.jpg

Зима. Вариант картины "Масленица" 1916 г. Борис Михайлович Кустодиев

ШколаОценки ОценкаИскусства В чётком соответствии с Вебленом, современное искусство уже лет 140, со времён сюрреалистов, вырождается в вещь-в-себе: его "могут понять" только избранные; чтобы стать избранным, нужно иметь много свободного времени - разбираясь в том, в чём разобраться крайне сложно; читать, слушать, обсуждать с другими такими же. Посещать выставки, вернисажи, аукционы. Читать специальную литературу и принадлежать к определённым кругам. При этом, несомненно, что искусство живо не только соц.реализмом: и в идеях не только примитивистов или футуристов, но и китча или альтмодерна есть не то чтобы здравое: но гениальное, фантастически далёкое от реальности, но при этом - про человека и общество. Но несомненно, что современное искусство - это передовая демонстративного потребления: род особой социальной манифестации собственного материального и морального статуса. Высший пилотаж полового отбора. В общем, это понт в кубической скрипке под присыпкой из Уорхолла. Я писал уже про оценку искусства, напишу ещё раз коротко несколько (моих - я в нём никто - мне можно) максим: 1. Оценка искусства - это искусство особого рода. 2. Оценка искусства - это оценка, прежде всего, авторов: и управление ими тоже. 3. Оценка искусства - деятельна. В нём нельзя быть сторонним наблюдателем, но придётся вовлечься в сюжет: либо меценатом, либо учеником, либо конкурентом, либо партнёром. 4. Искусство живёт грибницами. Нужно окно: времени, места-пространства, технологических возможностей. 5. Там, где нет жизни общества, нет искусства; верно и обратное. У нас, возможно, общество ещё не полностью мертво, но стремительно умирает. Имея, прежде всего, в виду именно элиту, как тот слой, который воспроизводит искусство. Искусство - это высший пилотаж надрыва и радости одновременно. На такое не способны мещане, солдафоны, расхитители бюджетов и прекрасные во всех отношениях дворники. 7. Современное искусство должно быть неотделимо от бизнеса и политики. Это не эскапизм, это прямо виляющее на принятие решений и на движение общества НЕЧТО, что задаёт повестку. Прямое общение социума с богом через юродивых, - через каналы, ответственные за спасение человечества. 8. Искусство - очень функциональная штука, иначе оно бессмысленно. Т.е. это такое безумие, которое рождает разумность. Безумно ведь изображать сцену охоты на быка на стене пещеры? Но тот, кто это сделал, смог организовать племя на охоту и обучать молодых втрое быстрее. Искусство-в-себе - это не искусство, это род ментального и духовного онанизма. Так что оценивает оценщик современного искусства? Да примерно то же самое, что и антиквар, только чуть более под другим соусом: провенанс: откуда-есть-пришло полотно (перформанс): т.е. место, куст, школа и конкретный автор; время, форма - в т.ч. форма - в игре с теми форматами, что удобны (или нет) сегодня для демонстрации: буквально - достаточно ли это трудно, чтобы повторить и достаточно ли это неудобно, чтобы при демонстрации оного сам факт демонстрации был оценён как прекрасный? Хороша ещё уникальность и социальный призыв. Бэнкси, уничтоживший картину сразу после её продажи, продал законченную уникальность. эстимейт: почём продавалось такое же, какой сейчас спрос на этот род форматов, можно ли его сделать ещё более сложным в плане финансовой услуги (токеном, например). И защитить как токен. Мода. Писк моды. Предвосхищение следующего толи писка, толи пука: такого всего таинственного - на кончике прям пера прям критика (он ещё не написал статью под эту картину, но точно напишет). Точнее. снимет ролик для влога. Задом-наперёд, так что зал будет из наполненного превращаться в пустой: и в нём останутся единицы, пришедшие с утра, но для нас это будут - единицы: как знатоки. Наши эльтер-эго в этом видео. Ведь мы не рабы. Рабыне мы. Как-то так там было. Аминь.

"Весна" 1921 г. Борис Михайлович Кустодиев Частная коллекция.

После того как полотно «Качели» Жана Оноре Фрагонара из Собрания Уоллеса расчистили, удалив слой потемневшего лака, его героиня с широко распахнутыми глазами выглядит еще более игриво и чувственно. Юрико Джэкалл, возглавляющая кураторский отдел музея и специализирующаяся на французском искусстве, называет «Качели» (около 1768) «самой выдающейся картиной в стиле рококо». Сочетание загадочности и эротизма в этом полотне давно пленяет публику. Реставратор Мартин Уайлд удалил пожелтевший лак и выцветшую ретушь. После расчистки скрытые прежде детали стали гораздо отчетливей, что позволяет увидеть картину в новом свете. Двое мужчин почти полностью скрыты кустами: в левой части композиции юноша вот-вот увидит, что кроется под шелковым платьем девушки, а справа пожилой мужчина раскачивает качели в едва уловимом намеке на занятие любовью. Благодаря реставрации на полотне Фрагонара прояснились многие детали. Корсаж девушки богато отделан кружевом, а грудь теперь очерчена более отчетливо. Девушка сидит на элегантных качелях, сделанных из позолоченного дерева и обитых дорогой красной тканью, — совсем не то, что ожидаешь встретить в дикой роще. Выражение ее лица приобрело поразительную живость, а в целом, как отмечает Джэкалл, она теперь выглядит «более чувственно». Хотя качели продолжали набирать высоту, одна из туфелек слетела с ее ноги. Создается впечатление, что это вовсе не случайность и что она сама скинула ее по направлению к своему юному поклоннику. Он в восхищении и онемении не сводит широко распахнутых глаз с приближающейся в полете девушки. Хотя левой рукой он галантно снимает свою шляпу, в движении правой угадывается страх. Но кто же этот мужчина справа? Расчистка показала, что он одет не в черные одежды епископа, а в синий костюм светского человека. Джэкалл предполагает, что сцена может изображать любовный треугольник с пожилым мужем и молодым любовником, что отражено в композиции картины. Либо мужчины могут быть отцом и сыном, охваченными страстью к одной женщине.

Борис Кустодиев (1878-1927) «Ярмарка» 1908 бумага, гуашь. 68x102 см Государственная Третьяковская галерея, Москва борис_кустодиев

Искусство - это определённо про любовь. Про любовь в избытке, если так можно сказать, любовь, которой хочется делиться. Были ли у художников свои музы? Ну конечно! Кстати, про них можете почитать здесь PROисториилюбви И часто благодаря этим музам искусство и создавалось. Борис Кустодиев, ученик Репина, написал свою музу, оставив ее образ с нами на века. Она ухаживала за художником, когда у него стала отниматься рука, она выхаживала его, когда ему становилось хуже (опухоль спинного мозга почти полностью обездвижила художника). И помогала ему продолжать писать картины! Он называл ее - дорогая Юлик. На этом портрете мы видим ее молодой и счастливой, написана картина задолго до трагических событий и болезни мастера. Свежий летний день в тихом уголке России, спокойствие и всепоглощающее счастье. «Дорогая Юлик» пережила Кустодиева на 15 лет, умерла в блокадном Ленинграде. В браке у них родилось трое детей. Кстати, внучка художника стала искусствоведом и работала в Эрмитаже. Видимо, один раз прикоснувшись к искусству, отказаться от этого наслаждения уже невозможно. PROинтересныефакты

️Вышел первый тизер к фильму «Чебурашка» по романам Эдуарда Успенского. Премьера фильма состоится 1 января 2023 года. ️Московский международный кинофестиваль пройдёт с 26 августа по 2 сентября ️Музейный город ВДНХ открыл уже более 20 выставочных площадок. ️28 июня в главном здании Пушкинского музея откроется выставка «Брат Иван. Коллекции Михаила и Ивана Морозовых» Мы увидим шедевры, принадлежавшие Ивану и Михаилу Морозовым: 73 работы из Эрмитажа, 71 — из Третьяковской галереи и 113 — из Пушкинского музея. В коллекции представлены работы Писсарро, Сислея, Ренуара, Моне, Гогена, Матисса, Пикассо, Васнецова, Коровина, Левитана, Шагала, Кустодиева, Серова, Виноградова, Сурикова и других художников. https://m.youtube.com/watch?v=PhmxrfBupPY

Борис Кустодиев (1878-1927) «Купчиха за чаем» 1918 холст, масло. 120x120 см Государственный Русский музей, Санкт-Петербург борис_кустодиев

Альбом «Борис Кустодиев» https://t.me/+jQ4oJ5Pr1rdiMzZi https://t.me/+jQ4oJ5Pr1rdiMzZi

Горный пейзаж с радугой 1809 Каспар Давид Фридрих Музей Фолькванг, Эссен Картина в стиле романтизма немецкого художника. На переднем плане картины на заросшей травой плоской скале изображён путешественник, прислонившийся к валуну и опирающийся обеими руками на трость; в стороне у его ног лежит, брошенный им, чёрный цилиндр. На мужчине белые штаны и красная рубаха, контрастирующие с коричневато-серым оттенком фона. Фасон одежды выдаёт в нём горожанина. По краям плоской скалы, склонившимися в сторону фигуры на валуне, изображены деревья или кустарники. Путешественник смотрит в овраг, который не виден зрителям, кажется потому, что покрыт туманом. Левая и правая восходящие горы покрыты хвойными лесами. В глубине среднего плана виден силуэт высокой горы, спрятавшейся в ночных сумерках. Небо покрывают густые тёмные облака, через щель в которых едва пробивается серебряный свет луны. Яркая радуга над силуэтом горы изображена серыми и жёлтыми красками. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Борис Кустодиев "На террасе" (1906)

Дмитрий Кустанович "Трактор на рассвете" (2016)

В честь 150-летия со дня рождения выдающегося оперного певца, Федора Ивановича Шаляпина, в течение всего 2023 года проводятся концерты, фестивали, выставки, презентации изданий и творческие встречи, посвященные артисту. Весной в Шереметевском дворце в Санкт-Петербурге открылась выставка «Царь Федор», летом проводится Шаляпин-фест: масштабный спектакль-променад, путешествие по шаляпинским местам с посещением всех пяти филиалов Музея театрального и музыкального искусства. В московском Музее-усадьбе Ф. И. Шаляпина (филиал Российского национального музея музыки) проходит выставка, посвященная певцу, где представлены экспонаты из Дома-музея Шаляпина на ул. Графтио: живописные полотна, рисунки и скульптура из коллекции артиста, работы крупнейших художников К. Коровина, Б. Кустодиева, Б. Григорьева, И. Бродского, В. Серова, В. Васнецова, подлинные мемориальные вещи. Особое место в экспозиции занимают рисунки и скульптуры, созданные самим Шаляпиным. Они рассказывают о нем не только как о музыканте, но и как о художнике. В Москве, в ресторане "Савой", состоялось светское образовательное мероприятие "Шаляпин. Элегия любви", организатором которого выступил европейский ювелирный дом StyleAvenue. Арт-партнером вечера стала художница Евгения Егоркина, представившая свои картины, на создание которых её вдохновили музыкальные произведения Шаляпина. Мазки красок в авторской технике Евгении льются как песня, пленяя своей красотой. Сочетание живописных чарующих образов на картинах художницы, сияние ювелирных украшений из уникальных авторских коллекций бутика StyleAvenue, исполнение произведений Шаляпина оперными артистами, увлекательная лекция о любви и творчестве певца создали неповторимую атмосферу вечера.

Казимир Малевич (1879-1935) «Весна - цветущий сад» 1928-1929 холст, масло. 44х65 см Государственная Третьяковская галерея, Москва казимир_малевич Галерея39

В 1904 году Казимир Малевич, молодой провинциальный художник-самоучка, впервые приехал в Москву, чтобы поступить в Училище живописи, ваяния и зодчества. Ни тогда, ни в последующие годы он не смог выдержать вступительные экзамены и должен был возвращаться в Курск. Но московские впечатления решили его судьбу. Здесь Малевич познакомился с новейшими достижениями русской живописи, а перебравшись в Москву в 1906 году, поступил в частное училище Фёдора Рерберга, высокообразованного педагога и поклонника Ренуара. Это было время расцвета русского импрессионизма; полотна Игоря Грабаря, Николая Тархова, Михаила Ларионова, Давида Бурлюка привлекали всеобщее внимание. Малевич пытался следовать этим образцам, но без особого успеха. Через четверть века, задумав устроить персональную выставку в Третьяковской галерее, он составил план показа ретроспективы своего творчества от импрессионизма до супрематизма. Но ранний импрессионизм представляли только небольшие этюды, и их качество автора не устроило. Единственная законченная картина – «Портрет родственницы» (1906, Стеделийк музеум, Амстердам) – осталась за границей после выставки в Берлине. И Малевич предпринял беспрецедентную акцию – написал заново ряд импрессионистических пейзажей, снабдив их вымышленными датами: 1903, 1904, 1906. «Весна – цветущий сад» получила дату «1904», времени первой поездки в Москву. «Весна – цветущий сад» не является авторским повторением ранней работы – ничего подобного в 1900-е годы Малевич не создавал. Она написана не дерзким самоучкой, подражающим последним новинкам, а зрелым мастером, уверенно ставящим и разрешающим творческие задачи. Важнейшим качеством импрессионизма как живописной системы Малевич считал свет. Он доминирует и в этом пейзаже, но передается с помощью цвета, а не тона (градаций темного – светлого), как это было в доимпрессионистические времена. Поэтому тени в картине голубые – стена домика слева, боковые части крыльца, чердачного окна, или синеватые – тени от деревьев, как и сами стволы. В картине много чистого цвета, он звучит мягко – красная крыша кажется нежно-розовой, а вот серых или серо-коричневых оттенков нет совсем. Еще одна особенность: все краски пейзажа, включая холодные (зеленый и голубой) приближены к теплой гамме – так передается ощущение солнечного тепла. Солнце не слепит, а нежно греет, привнося в скромный мотив гармонию и прелесть. Картина выполнена непосредственно на натуре, вероятнее всего, в окрестностях Москвы. Но Малевичу удалось внушить зрителям, что это Малороссия или окраина Курска, воспоминания о которых не покидали художника. И современники (за редким исключением) поверили в его мистификацию. Картину приобрела Третьяковская галерея, и она долгие годы считалась эталоном ранней живописи художника.

​​️«ГЭС-2» в Москве и студия «Тихая» в Нижнем Новгороде запустили проекты для одного зрителя. ️Арт-резиденция «Выкса» объявляет open-call на 2024 год. Заявки принимаются до 15 декабря ️В Лектории «Гаража» пройдут показы Фестиваля нового итальянского кино NICE совместно с Итальянским Институтом культуры в Москве. ️В Третьяковской галерее 24 ноября откроется выставка «Герои и современники Серебряного века». Бурная художественная жизнь породила множество направлений, во взаимодействии которых складывается образ эпохи. Проект рассказывает не только о главных персонажах художественной жизни обеих столиц, ставших воплощением понятия «Серебряный век», но и о незаслуженно забытых или не получивших должной известности художниках Фото: Б.М. Кустодиев. Японская кукла. 1908. ГТГ https://telegra.ph/file/1faed8cc01f69c0129c88.jpg

"Портрет Петра Капицы и Николая Семенова" 1921 г. Борис Михайлович Кустодиев Мемориальный Музей-кабинет Академика П.Л. Капицы, Москва. Однажды Федор Шаляпин, позировавший Кустодиеву, увидел в его мастерской двойной портрет. Двое румяных молодых людей, одетых консервативно и в то же время неуловимо щегольски. При галстуках и трубках (у одного – курительная, у другого – рентгеновская). В глазах – пытливый ум и спокойная уверенность. Лицо одного из них показалось Шаляпину знакомым: «вроде видел где-то, а где – шут знает». _history

Герои портрета с порога заявили, что они пока не знамениты, но непременно станут такими. Они хотели, чтобы Кустодиев – один из самых прославленных портретистов России – написал их здесь и сейчас. «И такие они бровастые, краснощекие (им и голод нипочем), такие самоуверенные и веселые были, что пришлось согласиться, – рассказывал Кустодиев Шаляпину. – Притащили они рентгеновскую трубку, с которой работали в своем институте, и дело пошло. Потом и гонорар принесли, знаете какой? Петуха и мешок пшена. Как раз заработали тогда где-то под Питером, починив какому-то хозяйчику мельницу». Молодые люди не обманули Кустодиева: спустя годы оба стали нобелевскими лауреатами. Один – Петр Капица (слева с курительной трубкой) – по физике. Другой – Николай Семенов – по химии. Наука пока не знает ответа на вопрос, чего в этой истории больше – очевидного или невероятного. То ли молодые ученые были настолько уверены в себе, что решили получить немного славы авансом. То ли легкая кустодиевская кисть стала для них благословением и принесла удачу. К слову, Капица и Семенов – уже на правах старых приятелей – появились и на другом полотне Кустодиева: «Праздник в честь II конгресса Коминтерна на площади Урицкого». Вот они, в самом центре композиции, наблюдают народное ликование с чисто научным интересом. И, кажется, видят, к чему все идет, даже без рентгеновской трубки. _history БорисКустодиев Портрет https://clck.ru/RqYSo

Кустодиев Б. М. Портрет военного. Этюд. 23x15 см. Холст, масло.

Борис Кустодиев (1878-1927). «Портрет И. Э. Грабаря», 1916 г. Этюд к картине «Групповой портрет художников общества "Мир искусства"». Картон, пастель. 106x71 см. Государственный Русский музей.

Борис Кустодиев (1878-1927) «Цветы» 1924 холст на фанере, масло. 68x57 см Калужский музей изобразительных искусств борис_кустодиев Галерея39