Эскизы колец познавательное практика

Приходи на курс от Skillbox «Профессия ювелирный дизайнер»! На курсе ты научишься: – разрабатывать дизайн украшений с нуля; – создавать детальные эскизы и макеты украшений; – разбираться в камнях, металлах, видах креплений, огранок и замков; – формировать свой стиль и учитывать тренды; – делать 3D-визуализацию в Rhinoceros; – работать с клиентами. После курса у тебя будет хорошее портфолио, состоящее из эскизных проектов и 3D-визуализаций украшений. Начать обучение на курсе — ответственное решение, и лучше познакомиться с курсом еще до покупки. Поэтому мы дарим тестовый доступ к первому модулю курса. Первые 3 месяца обучения БЕСПЛАТНО. Спеши! Сейчас действует специальная скидка на курс! Переходи: https://clc.am/NsqKbw и регистрируйся!

Приходи на курс от Skillbox «Профессия ювелирный дизайнер», где ты с нуля освоишь новую профессию в сфере работы с украшениями! После курса ты сможешь: – разрабатывать дизайн ювелирных украшений с нуля; – переносить эскизы в 3D и представлять их клиентам; – рассчитывать бюджет на создание украшения; – превращать идеи в модную коллекцию. Первые 3 месяца БЕСПЛАТНО — сначала учись, потом плати. Начать обучение на курсе — ответственное решение, и лучше познакомиться с курсом еще до покупки. Поэтому мы дарим тестовый доступ к первому модулю курса. Спеши! Сейчас действует специальная скидка на курс! Переходи: https://clc.am/RlVCVw и регистрируйся!

Балетная уборная. Снежинки 1923г. Русский музей, Санкт-Петербург Зинаида Серебрякова Одной из любимых тем художницы была подготовка балерин к спектаклю. В течение 3- х лет еженедельно Серебрякова рисовала многочисленные эскизы балерин в артистических уборных Мариинского театра. В картине «Балетная уборная. Снежинки» она изображает актрис в момент подготовки к балету «Щелкунчик». Особое внимание художница уделяет их эмоциям и нарядам, а также освещению. В артистической уборной перед началом спектакля заметное оживление. Среди балерин зритель может разглядеть и автора картины в балетной пачке. Иногда Серебрякова позировала себе перед зеркалом. На переднем плане картины она с лукавой улыбкой завязывает балетную туфельку. https://t.me/joinchat/TaAs8yTMlv62575I

"Композиция с крылатой нимфой, дующей на факел, среди тростника" Александр де Риквер, 1887 > Барселона, Национальный музей искусства Каталонии Александр де Риквер-и-Инглада – каталонский граф, художник, график, иллюстратор, один из лидеров каталонского модернизма. На формирование художественного стиля Риквера повлияли модернистские плакаты, творчество прерафаэлитов и японская гравюра. "Композиция с крылатой нимфой" отличается графичностью и декоративностью. Эта работа напоминает плакат. Изображение плоскостное и лаконичное, цветовые плоскости лишены тональных переходов, вокруг создана орнаментальная рама. Произведение написано темперой. Риквер наносил ее на холст тончайшим слоем, что еще больше роднит картину с рисунком или гравюрой. Риквер - разносторонний художник и интеллектуал, он работал так же в сфере декоративно-прикладного искусства, создавал ювелирные украшения и эскизы элементов мебели и керамики, был писателем и поэтом.

Мечтаешь о карьере ювелирного дизайнера? Пора действовать — запишись на курс от Skillbox «Профессия ювелирный дизайнер»! На курсе ты научишься создавать дизайн украшений и разрабатывать коллекции на уровне лучших ювелирных брендов, узнаешь, как делать эскизы, переносить их в 3D и рассчитывать бюджет. После курса ты сможешь стать универсальным ювелирным дизайнером и работать над частными заказами. Обучайся на практике из любой точки мира! Первые 3 месяца БЕСПЛАТНО — сначала учись, плати потом. Начать обучение на курсе — ответственное решение, и лучше познакомиться с курсом еще до покупки. Поэтому мы дарим тестовый доступ к первому модулю курса. Не упускай шанс обучиться со скидкой! Переходи: https://clc.am/e26IVQ и регистрируйся!

"За завтраком" 1914 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственная Третьяковская галерея. «Как же за завтраком, когда обед подают?», – удивлялись зрители. Но в доме Серебряковых был принят европейский режим питания, более физиологичный, чем привычный трехразовый, состоящий из завтрака, обеда и ужина. Утром подавался «маленький завтрак», а в полдень следовало то, что мы называем ланчем, плотный второй завтрак. О нем и речь. За столом изображены трое старших детей художницы. По дальнюю сторону – восьмилетний Женя, на переднем плане – Саша, которому 6-7 лет, справа двухлетняя Тата. Младшей, Катюше, за стол пока рано, она еще на руках у кормилицы. Отдельный персонаж – руки кого-то взрослого, разливающие суп. Мы не знаем, кто это – бабушка, няня или кухарка. Но именно ее руки добавляют уюта и ощущения защищенности картине. Дети не оставлены, они под присмотром, их кормят. Смотреть, как ест ребенок – особое, понятное каждой матери ощущение. Это о том, что дети здесь, рядом, с ними всё хорошо, они сыты и здоровы. Руки на этом портрете вообще написаны виртуозно: разливающие суп руки взрослой женщины, мягкие, пухлые ладошки Таты, длинные пальцы уже большого Жени, Сашина ладонь с зажатой в ней ложкой – еще не такая вытянутая, как у старшего брата, еще таящая отголоски детский пухлости, но уже гораздо более «взрослая», чем младенческая ладошка Таты. Композиция кажется спонтанной, но при этом очевидно, что она хорошо продумана и согласована. Помимо великолепной работы портретиста, обращает на себя внимание и натюрморт. Серебрякова отлично передает фактуру предметов: матовое сияние столового серебра, блестящий желтый бок кувшина, поджаристая корочка хлеба, контраст материалов, тяжесть деревянных стульев, мягкая белизна скатерти, соединяющая и предметы, и персонажей вокруг себя. Эта работа – одно из самых интимных и обаятельных произведений Серебряковой. Она на долгие годы стала образцом семейного и детского портрета. По словам Александра Бенуа, Зинаида Серебрякова, «не знает себе соперников» в этом жанре. Картина «За завтраком» возникла не на пустом месте. Предварительные портреты, эскизы – в них уже заметно мастерство, с которым Серебрякова пишет детей: материнская интонация бесконечной нежности и при этом ни малейшего намека на слащавость, сентиментальность, сюсюканье. Так ребенка видит любящая его мать, а не дамы в салоне, умиляющиеся над парадным вариантом абстрактного ангелочка в кудряшках. Если попытаться сравнить детские портреты Серебряковой с кем-то, то разве с классиками. Впрочем, сама она такой аналогией была бы возмущена до глубины души, потому что чрезвычайно скромно оценивала собственное дарование и боготворила классиков. ЗинаидаСеребрякова Реализм _history

"Зонтик" 1777 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Увлекательная «Санта-Барбара» «Санта-Барбара» – это не только бесконечная американская мыльная опера. В Испании XVIII века так же называлась королевская ковровая фабрика – мануфактура «Санта-Барбара» (или, сказать проще, фабрика святой Варвары). «Совпадение? Не думаю», – так и тянет пошутить, тем более что и задача у обеих Санта-Барбар была примерно одинаковой: на длительное время сделать людям красиво, а также приятно, весело и интересно. Испанская «Санта-Барбара» для этой цели выпускала гобелены – большие безворсовые ковры ручной работы с жизнерадостными сюжетами и исполненными изящества харизматичными героями. Такие гобелены могли занимать почти всю стену, и ими с удовольствием декорировали не только частные дома, но и королевские покои. Вот на такую фабрику гобеленов и устроился работать приехавший в конце XVIII века в Мадрид из Сарагосы молодой художник Франсиско Гойя (справедливости ради скажем – попал он туда не с улицы, а по протекции Франсиско Байеу, придворного художника и старшего брата жены Гойи Хосефы). Задачей Гойи было создавать рисунки, на основе которых «Санта Барбара» будет ткать гобелены. Какие же сюжеты могут подойти? Кстати сказать, во Франции примерно в это же время или чуть раньше фабрику гобеленов возглавлял коллега Гойи – знаменитый художник Франсуа Буше. Темы для гобеленов выбирались идиллические: у французов это были резвящиеся на лоне природы пастухи и пастушки, в Испании персонажами гобеленов тоже были люди из простонародья – махо и манолас. Махо – это представители испанских городских низов, весёлые, темпераментные и витальные. Они готовы в любой момент схватиться за нож, не дураки выпить и вообще довольно криминализированы (как всякие социальные «низы») и в то же время остаются хранителями народных традиций. Их страстных подруг называют «махи» (отсюда – название известных картин Гойи). «Махи» – женщины легкого нрава и таких же правил, что отличает их от «манолас» – приличных девушек строгих правил, этаких «благородных мах», впрочем, столь же безоглядно уверенных в собственной неотразимости. Во времена Гойи изображения махо, мах и манолас были чрезвычайно популярны. Их национальные наряды были так выразительны, ярки и красивы, что даже аристократки, женщины из знатных родов, очень любили время от времени, особенно во время карнавалов и светских вечеринок, наряжаться в народном духе. Это было модно, а в текущей политической ситуации еще и помогало сохранять национальную идентичность. Особой приверженностью к испанскому народному костюму отличалась небезызвестная герцогиня Альба. На ростовых портретах Гойи она, аристократка, как раз одета в испанском народном стиле. Картоны Гойи для «Санта-Барбары» Всего Гойя выполнил не менее шестидесяти монументально-декоративных панно, служащих эскизами для гобеленовой мануфактуры. Их отличает удивительная, не представимая в дальнейшем творчестве Гойи искрящаяся жизнерадостность, многообразие и звучность палитры. Гойя вдохновенно создаёт счастливую утопию «естественного человека» с опорой на глубоко народные образы и представления о мире – образы той среды, откуда вышел и он сам. Картоны Гойи едва не были утрачены. После создания шпалер эскизы, на основе которых делались гобелены, становились не нужны. Сам Гойя, чей ранний период исследователи назовут «гобеленовым», не очень любил эти работы, справедливо полагая, что способен на большее, и не собирался их хранить. Картоны были забыты и некоторое время их местонахождение оставалось не известным. В 1860-х они были случайно обнаружены в каком-то подвале и переданы в Прадо. Гобелен Гойи «Зонтик» «Зонтик» – один из самых жизнерадостных и красивых картонов Гойи. Он изображает молодую манолас, сидящую на траве с маленькой собачкой на коленях. День солнечный, и чтобы красотка не обгорела, её услужливо прикрывает зонтиком юный махо в бархатном костюме и головном платке, которые, наряду с широкополыми шляпами, любили носить молодые испанцы. ФрансискоГойя Романтизм _history

Игроки в карты конец 19-го века Луис Уэйн Сумашедший художник, писавший исключительно котиков. Луис Уэйн - английский художник, известный своими многочисленными изображениями антропоморфных котов, кошек и котят. А насчет "без ума" - это в прямом смысле. Луис Уэйн страдал шизофренией. В 23 Луис женится на гувернантке своих сестёр Эмили Ричардсон, которая была старше его на десять лет, и переезжает жить к ней. Вскоре у Эмили обнаруживается рак и умирает через три года после свадьбы. Во время болезни единственным утешением Эмили был домашний чёрно-белый котёнок Питер. Чтобы порадовать Эмили, Уэйн обучил его различным трюкам: кот носил очки и сидел смирно перед книгой, делая вид, что читает. В это время сам Луис начинает рисовать с него многочисленные эскизы. Позже Уэйн писал о Питере: «Ему собственно и принадлежит заслуга в моей карьере и становлении моей работы». Питер изображён на многих ранних работах художника.

Супрематистская композиция 1921 Иван Кудряшов Бумага, карандаш, акварель. 23,5 × 22,2 MoMA, Нью-Йорк Русский художник-авангардист, ученик Казимира Малевича. Кудряшов вместе с Лисицким изучал принципы сечения красок, преломления света в живописи и пространственного формообразования. В своих произведениях он активно разрабатывал тему полетов в космос. В концептуально связанных с теориями космизма работах Кудряшова геометрическая абстракция служит средством для рассказа о межзвездном пространстве, исполненном непостижимого вихреобразного движения и особенного цвета и света. Художник писал об этом: «исследуя супрематическую форму в движении, приходим к решению, что движение по прямой к какой-нибудь планете не может быть побеждено иначе, как через кольцеобразное движение промежуточных супрематических спутников, которые образуют прямую линию колец от спутника к спутнику». Пластическое воплощение космических полетов и космоса в живописи стало ведущей темой в творчестве Кудряшова.

Дизайн-эскизы. Сумки и рюкзаки. практика

Сердце Анд 1859 Фредерик Эдвин Чёрч Музей Метрополитен, Нью-Йорк Картина написана под влиянием впечатлений от второй поездки Фредерика Эдвина Чёрча в Южную Америку. Он посетил горные районы Эквадора. Результатом этой поездки были многочисленные рисунки и эскизы. Картина пользовалась большим успехом, и за три недели 12 тысяч человек заплатили взнос в 25 центов, чтобы посмотреть на неё. Картина была продана за 10 тысяч долларов — на тот момент, это была самая большая цена, когда-либо уплаченная за картину американскому художнику. Покупательницей картины была Маргарет Доус, которая в 1909 году завещала её Музею Метрополитен в Нью-Йорке. Стоит отметить, что Картина не соответствует какому-то определённому ландшафту, а представляет идеализированный вид, скомбинированный из нескольких впечатлений художника. На заднем плане изображён эквадорский вулкан Чимборасо. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Летний костёр на скагенском пляже" 1906 г. Педер Северин Крёйер Музей Скагенс, Скаген. Последняя масштабная работа Крёйера Огромный костер на скагенском пляже разведен в честь летнего равноденствия и праздника святого Ханса – аналог нашего дня Ивана Купалы. Эту картину называют завещанием, прощанием Крёйера. Художник чувствовал, что жить ему осталось недолго. Кажется, к этому костру он пригласил всех важных для него людей, с которыми пересекался в Скагене. Впервые задумка такой работы возникла у Крёйера еще в 1892 году. Воплотил он ее лишь 14 лет спустя. Окончательному варианту предшествовали наброски и эскизы. Интересно, что на картине мы видим три источника, дающих разный свет: это костер, луна и маяк вдалеке. Крёйер великолепно пишет блики и отблески, создаваемые этими тремя источниками. А вот солнца мы не видим. Если рассматривать символическую подоплеку, то нельзя не отметить, что под завершение жизнь Крёйера складывалась не особо солнечно: обострились психическое заболевание и невылеченный с юности сифилис, стремительно падало зрение, ушла жена… Крёйер нередко прибегал к жанру многофигурного портрета, при этом всегда умело выстраивал композицию и связи между персонажами, объединяя разрозненную толпу в единой целое, будь то промышленники, посетители галерей или рыбаки и их жены. ПедерКрёйер Реализм _history

"Три Грации" Питер Пауль Рубенс «Три грации» — одна из последних работ Рубенса, написанная в 1635 году, хотя над этой темой он думал с 1620 года и не раз делал эскизы. О значении и месте Рубенса в мировой художественной культуре: https://telegra.ph/Gomer-ot-zhivopisi-02-26

​​Еще два шедевра проявили себя благодаря другим картинам: ️Эксперты Национальной галереи Шотландии обнаружили возможно самый ранний портрет Винсента Ван Гога. ️University of Haifa’s Hecht Museum обнаружили эскизы Амедео Модильяни. ️ «Маяковский Fest 2022» пройдет на ВДНХ с 19 по 24 июля. ️Пушкинский музей продлевает выставку «Между землей и небом». ️28 июля в галерее «На Песчаной» откроется групповая выставка проектов «Любовь и слёзы» студентов и преподавателей программы «Комикс» Школы дизайна НИУ ВШЭ. ️В арке Образовательного центра ММОМА появилась новая работа современного искусства. ️В «Центре искусств. Москва» проходит выставка «Впереди свет», посвященная живописи Бориса Смирнова-Русецкого. Борис Алексеевич начал заниматься живописью в век модерна, поэтому природные, архитектурные формы в его произведениях до предела лаконичны и обобщены, а палитра отличается богатством. Однако искусство Смирнова-Русецкого посвящено исследованию духовных законов, управляющих мирозданием, что было близко художественному направлению символизма. Борис Смирнов-Русецкий. Огненные мысли. 1963, «Центр искусств. Москва» https://telegra.ph/file/caa3bbcd8cfaca692b3c0.jpg

В.Г.Игнатов (1922-1998) - один из самых известных и узнаваемых коми художников, работавший в области станкового искусства, сценографии, книжной иллюстрации, мультипликации и создания диафильмов. Василий Георгиевич был художником-постановщиком фильмов, ставших классикой отечественных мультипликаций: «Гадкий утенок», «Петушок – золотой гребешок», «Украденный месяц» и других. Работал на студии «Диафильм». Исполнил эскизы декораций и костюмов к спектаклям республиканских театров: «Яг-Морт», «Неприкаянная душа», «Усть-куломское восстание». В течение тридцати лет мастер работал над станковыми графическими циклами по теме коми легенд и сказаний. Ярким своеобразием графического стиля, глубоким проникновением в структуру фольклорного сюжета, национальной интуицией отличаются станковые графические серии: «Пера-богатырь», «Легенда о Кoрт-Айке», «Предание о Шипиче», «Сказание о Яг-Морте». Именно в работе над этими произведениями формировался неповторимый художественный почерк Игнатова. Его признаками стали: индивидуальная фантазия, основанная на богатом фольклорном материале; яркая декоративность цвета; стилизация рисунка. Богатое творческое наследие художника хранится в Национальной галерее Республики Коми.

​​Приглашаем в Дом-музей Марии Ермоловой на выставку «Великие противоположности. Мусоргский и Римский-Корсаков». успейте до 15 мая В этом году в России отмечают 185-летие со дня рождения Модеста Мусоргского и 180-летие со дня рождения Николая Римского-Корсакова, занимающих особое место в русской музыкальной культуре. Новый проект помогает совершить путешествие во вторую половину XIX века, когда обществом овладели идеи «национального духа» и «русского стиля» и возник небывалый интерес к древнерусскому искусству, фольклору, народному творчеству. В залах старинного особняка представлены более 50 предметов из фондов музея. Это эскизы декораций и костюмов к спектаклям, созданные Коровиным, Васнецовым, Симовым. Особое место занимают оригинальные костюмы к постановкам. В залах также представлены «Хованщина», «Борис Годунов» Модеста Мусоргского, а также сказочные и былинные сюжеты в музыкальном наследии Николая Римского-Корсакова. Мы с вами привыкли изучать музыку, слушая её. Работа команды Бахрушинского дала возможность визуализировать известные оперы с использованием интерактивных программ для всей семьи. Такой дополнительный формат дает возможность глубже изучить творческое наследие композиторов. ️ Купить билет здесь Посещение возможно по программе «Пушкинская карта». https://telegra.ph/file/5e2b9cdab4fbc6a53c825.jpg

Нобель, снежинки из России и женщина Красота и вдохновение - они вокруг нас. Нужно только обращать на это внимание Как когда-то, более 100 лет назад, это сделала Альма Пиль. И придумала «Морозные узоры». Ну, обо всем по порядку! Кто такая Альма Пиль? Это художник-дизайнер, единственная женщина, которая работала в фирме известного ювелира Карла Фаберже. Она придумала самое дорогое Зимнее яйцо (про него рассказывала тут). А еще сделала зимние узоры, точнее, снежинки неотъемлемой частью ювелирных украшений. Думаю, очевидно, что ее вдохновила природа Рабочий стол Альмы находился прямо возле окна. Там она красоту и уникальность ️ и разглядела. Эскизы украшений с зимними мотивами особенно пришлись по вкусу крупному нефтепромышленнику Эммануилу Нобелю, который работал в Российской империи. Да, фамилия - не совпадение. Он был племянником изобретателя динамита и основателя Нобелевской премии. Но была у Нобеля особенность… Эммануил устраивал приемы, на которых дарил гостям драгоценные подарки. И в 1911 году, как раз к очередному приему, сделал большой заказ фирме Фаберже - 37 брошей, но только с оригинальным и новым дизайном, который ранее никто не делал. Сказано-сделано! По эскизам Альмы Пиль были созданы уникальные произведения искусства из горного хрусталя, алмазов и платины. Серия эта получила название «Морозные узоры». А нефтепромышленник был так восхищен красотой ювелирных изделий, что даже выкупил права на дизайн. И потом заказывал себе «зимние» драгоценности. Такие зимние дела!️ В качестве иллюстрации - зимняя брошь Фаберже. PROинтересныефакты PROфаберже