«Фальшивое зеркало» (1928) — сюрреалистическая картина Рене Магритта. На...

Диего Веласкес | «Венера с зеркалом» | ок. 1644—1648 | Лондонская Национальная галерея 6 июня 1599 - деньрождения придворного живописца короля Филиппа IV. и крупнейшего представителя мадридской школы времён золотого века испанской живописи. youknowart art classicart artoftheday artwork arts artstagram artshow artlife artgallery instaart picture pictureoftheday искусство  творчество творение картина картинадня краскижизни др  диего  веласкес  венера

Ханс фон Аахен - Пара с зеркалом, 1596, масло, картон, 25 х 20 см, Музей истории искусств, Вена, Австрия Hans von Aachen - Couple with a mirror, 1596, oil, copper, 25 x 20 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

Савелий Сорин (1878-1953) «Портрет балетной артистки Евгении Никитиной» 1924 бумага на холсте, акварель. савелий_сорин Государственный Русский музей, Санкт-Петербург –––––––––––––––– Правительство Франции в 1924 году сделало Савелию Сорину предложение купить одну его работу - портрет балерины Евгении Никитиной («Девушка с зеркалом» или «Раздевалка танцовщицы»). Однако Сорин отказался продать этот портрет, так как уже обещал эту работу жене американского миллионера Отто Кона. А сам Кон позже от покупки отказался, в результате этот замечательный (огромный, в рост человека) акварельный портрет оказался в конце концов, на наше счастье, в Русском музее.

Уильям Хогарт "До" (1731) Эта повествовательная картина описывает момент соблазнения. Молодой человек в красных бриджах тащит девушку в кровать. Изо всех сил она пытается оттолкнуть его, волоча за собой туалетный столик с падающим зеркалом. Как ни странно, в открытом ящике стола обнаруживается книга «Практика благочестия», книга об ухаживании и любовное письмо. Внизу лает маленькая собачка, встревоженная суматохой.

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history

"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history

Балетная уборная. Снежинки 1923г. Русский музей, Санкт-Петербург Зинаида Серебрякова Одной из любимых тем художницы была подготовка балерин к спектаклю. В течение 3- х лет еженедельно Серебрякова рисовала многочисленные эскизы балерин в артистических уборных Мариинского театра. В картине «Балетная уборная. Снежинки» она изображает актрис в момент подготовки к балету «Щелкунчик». Особое внимание художница уделяет их эмоциям и нарядам, а также освещению. В артистической уборной перед началом спектакля заметное оживление. Среди балерин зритель может разглядеть и автора картины в балетной пачке. Иногда Серебрякова позировала себе перед зеркалом. На переднем плане картины она с лукавой улыбкой завязывает балетную туфельку. https://t.me/joinchat/TaAs8yTMlv62575I

"Не верится, что время так быстро пролетело! Хочется верить (а что еще остается в 58), что утром я проснусь и мне снова исполнится 18. Я тогда взгляну в зеркало и увижу там юную, красивую, полную сил и желания изменить этот мир девочку, по которой очень тоскую, по которой сняться мне сны. Не грусти, скажет мне сын, радуйся, скажут мне близкие, не парься, скажут мне незнакомые люди, но от этого мне легче не станет! А ведь утром я проснусь на день старше, но это не страшно, когда понимаешь, что это нормально. Надеюсь, что в следующей жизни, мне будет всегда 18!" Друзья, эта художница пишет не менее прекрасные портреты, чем слова о самой себе. Загляните, полистайте - https://t.me/armine_art. Каждый портрет не просто рукописная копия, но холст наполненный жизнью, историей и любовью к искусству и своим моделям!

"Автопортрет в виде аллегории живописи" 1630-е Артемизия Джентилески Королевское художественное собрание в Виндзорском замке. Среди всех автопортретов Артемизии Джентилески шедевром является именно этот – сравнительно поздний, британский. Контрастная светотень и характерный колорит напоминают об усвоенных ею в юности уроках Караваджо, а очень необычный ракурс объясняется просто: когда бы перед загрунтованным холстом, над которым работает Артемизия, стояло зеркало, то, слегка повернув голову, она бы увидела себя именно в таком положении. Если датировка картины верна, то здесь Артемизии должно быть около сорока пяти. Она мать четверых детей – двух умерших мальчиков и двух оставшихся в живых девочек, одна из которых незаконнорождённая, а вехи прожитой жизни Артемизии похожи на этапы авантюрного романа. В 12 лет она начала учиться живописи. В 17 была изнасилована своим учителем перспективы Агостино Тасси. В 18 пережила громкий судебный процесс в Риме, обиду на отца, на любовника и на всех мужчин скопом. В 19 скоропалительно вышла замуж за почти случайного человека и уехала во Флоренцию. Там, несмотря на скандальную славу, добилась успеха, покровительства семьи Медичи, дружбы с Галилеем и даже (первой среди женщин!) членства в Флорентийской академии изящных искусств. Однако вынуждена была довольствоваться частными заказами: общественных и хорошо оплачиваемых женщине не полагалось. Бросив всё, рискнула перебраться в Неаполь. Там боролась с дикими нравами художников-конкурентов и даже получила разрешение на оружие. Добилась долгожданного заказа на фресковую живопись в городке Пиццуоли. Продолжала терпеть недопонимание и финансовые трудности. Решилась на отъезд в Британию – страну с отвратительным климатом и отсутствующей художественной традицией. Артемизия – имя, данное ей при рождении, – в переводе с итальянского означает «полынь». Несмотря на феноменальную энергию и завидную силу духа, Артемизия испытала на своём веку немало горечи. «Автопортрет в виде аллегории живописи» – её манифест, утверждение права называться крупным художником. По тем временам это был чрезвычайно смелый замысел – изобразить в виде аллегории живописи себя, с перепачканными краской запястьями и кулоном в форме мертвой головы. Но Артемизия считала, что такое право она заслужила. Этот чудесный автопортрет написан ориентировочно в 1638-1639 годах, когда итальянка Артемизия перебралась в Англию, куда её настойчиво звал британский монарх Карл V. Он был первым из правителей Туманного Альбиона, по-настоящему увлечённых искусством, и жаждал собрать под сводами Винздорского замка как можно больше знаменитых европейских мастеров – испанцев, итальянцев, голландцев. На этой волне его придворным портретистом стал фламандец Антонис Ван Дейк; даже престарелый Орацио Джентилески, отец Артемизии, получил заказ на роспись потолка Гринвичской резиденции. Сама Артемизия до этого лет 20 не виделась с отцом: она никак не могла его простить. Англия смогла примирить их и вернуть на четверть века назад, когда они вместе – мастер и его помощница – работали над росписями римских церквей. В франко-итальянском фильме «Артемизия» (1997) есть даже кадр, где художница предъявляет отцу именно эту работу, автопортрет, и Орацио восклицает: «Ты стала потрясающей художницей, моя Артемизия!» АртемизияДжентилески Барокко _history

Малоизвестный автсрийский художник Йоханнес Гумпп написал пару своих тройных автопортретов. Смотрите, это автопортрет на котором художник пишет автопортрет. Мы глядим на затылок художника, тот глядит в зеркало, а с нарисованного холста глядит на нас, зрителей, еще один художник. Вероятно, так Гумпп рассказывает как размышляет о себе, вглядываясь в себя, отвернувшись от людей, но при этом демонстрируя себя же, но ненастоящего, приукрашенного, нарисованного. Вообще, такие изображения себя в мастерской или за работой любили писать художники начиная века с шестнадцатого - изображали себя как аллегорию живописи, например, и могли носить такой портрет с собой чтоб демонстрировать заказчикам степень своего владения мастерством. Удобно ведь. Но тут интересно то, что художник стоит спиной - он нас в свою мастерскую совсем не приглашает, наоборот, мы будто за ним подглядываем. А еще нас отделяют от мастера кошка с собакой, явно в процессе ссоры - то есть нам, зрителям, еще и не очень рады. Картины были написаны, вероятно, примерно в 1646 году. Находятся в галерее Уффици во Флоренции.

"Возьмите своего сына, сэр!" незаконченная картина художника-прерафаэлита Форда Мэдокса Брауна, начатая в 1851. На картине изображена женщина, только что родившая ребенка и протягивающая новорождённого его отцу. На бледном, измученном лице женщины лихорадочный румянец, а маленький тонкогубый рот приоткрыт, демонстрируя зубы. В зеркале за спиной женщины - отец ребенка, протягивающий руки. Моделью для картины послужила любовница и впоследствии вторая жена художника, Эмма Хилл. Работа над картиной была начата, когда художник и модель еще не состояли в браке, но после появления на свет первого, незаконнорожденного ребенка. По строгим порядкам викторианской Англии, подобные связи заслуживали порицания. В этой интерпретации название картины «Возьмите своего сына, сэр!» означает не бытовую просьбу подержать ребенка, а требование к отцу признать своего сына. По мнению историка искусства Маршии Пойнтон, картина намеренно парадоксальна и заключает в себе противопоставление жизни и смерти. Так, изображение ребенка и складок простыни, в которую он завернут, напоминает иллюстрацию из медицинских трактатов того периода, изображающего плод и внутренности женщины в разрезе. Считается, что художник окончательно забросил картину после смерти сына Артура, скончавшегося в июле 1857 года в возрасте десяти месяцев. Композиция полотна отсылает также к религиозным картинам, изображающим Мадонну с младенцем. На это указывает и зеркало, визуально образующее нимб вокруг головы матери, и рисунок обоев, напоминающий звёздное небо. Художник мог ссылаться на эту иконографию либо искренне, либо в ироничном контексте.

Возьмите своего сына, сэр! 1856 Форд Мэдокс Браун Британская галерея Тейт, Лондон Незаконченная картина художника-прерафаэлита, начата в 1851 году. На картине изображена женщина, только что родившая ребенка и протягивающая новорождённого его отцу. Маленький тонкогубый рот приоткрыт, демонстрируя зубы. Демонстрация зубов в контексте викторианской культуры символизирует женскую обиду и агрессию. За спиной на зелёных в звёздный рисунок обоях висит небольшое круглое зеркало, в котором отражается обстановка комнаты и отец ребенка в костюме и шляпе, протягивающий руки, чтобы взять ребенка. Зеркало было заимствовано как отсылка к «Портрету четы Арнольфини». Название картины означает не бытовую просьбу подержать ребенка, а требование к отцу признать своего сына. Изображение ребенка и складок простыни, в которую он завернут, напоминает иллюстрацию из медицинских трактатов того периода, изображающего плод и внутренности в разрезе.

"Фокусник" 1502 г. Иероним Босх Муниципальный музей, Сен-Жермен-ан-Ле. Оригинал картины Иеронима Босха «Фокусник» не сохранился, однако произведение дошло до нас в нескольких копиях, наиболее точную из которых можно посмотреть в Муниципальном музее пригорода Парижа Сен-Жермен-ан-Ле. Копия имеет прямоугольную форму, но специалисты почти не сомневаются, что оригинальная композиция была вписана в круг, т.е. имела форму тондо (от итал. rotondo – круглый), наподобие «Извлечения камня глупости» – другой известной картины Босха. Круг, по своей сути, напоминает выпуклое средневековое зеркало или линзу: всё, что попадает в его пределы, приобретает искажённые пропорции и формы, но при этом становится очень наглядным. Датировка Традиционно «Фокусника» относили к раннему периоду творчества Босха – между 1475 и 1480 гг. Считалось, что несколько неловко написанные фигуры и неправильное перспективное сокращение (особенно заметное в изображении стола) говорят о неуверенности руки начинающего мастера. Весьма примитивный рисунок, с одной стороны, может указывать на авторскую неопытность. Но, с другой стороны, и во времена творческой зрелости Босх часто прибегал к намеренной архаизации и примитивизации приёмов изображения, так что вопрос с датировкой «Фокусника» остаётся открытым. Дендрохронологический анализ сен-жерменской копии указывает, что она создана около 1502 года. Сюжет На фоне выщербленной каменной стены, верхняя часть которой поросла травой, шарлатан в черном цилиндре и красном плаще дурачит доверчивую публику. Зрители монолитной группкой расположились у другого края стола и с изумлением глядят, как фокусник извлекает изо рта одного из зевак лягушку. Но вот юноша, обнимающий свою спутницу, замечает неладное и указывает на это пальцем: стоящий рядом человек в монашеской одежде, прикидывающийся слепым, запустил руку в карман «поглотителя лягушек» и пытается вытянуть оттуда кошелёк. Вероятно, это сообщник фокусника и всё представление рассчитано на то, чтобы усыпить бдительность публики и воспользоваться её доверчивой рассеянностью. Фокусник зажимает в пальцах миниатюрный шарик, на столе видны еще несколько шариков и напёрстки. Из прикреплённой к поясу фокусника корзинки выглядывает голова совы – привычной для Босха аллегории зла и дьявольских козней. Лягушки (одна сидит на столе, другая – виднеется во рту у «жертвы» фокусника) тоже рассматривается как символ порока. Сложнее трактовать символическое значение собаки (некоторые полагают, что это обезьянка) под столом и аиста, поглотителя лягушек, темный силуэт которого виден в левом верхнем углу. Над кем насмехается Босх? Чаще всего «Фокусника» трактуют как жанровую сценку, сатира которой направлена и на фокусников-мошенников, и в еще большей степени – на доверчивых разинь, готовых поверить любому ловкому проходимцу. Некоторые специалисты проводят параллели между извлечением лягушки фокусником и церковной процедурой изгнания дьявола. При таком подходе картина «Фокусник» приобретает антиклерикальный смысл, становится сатирой на священнослужителей, почём зря дурачащих доверчиваю паству. Эта идея подкрепляется и теми аргументами, что платье фокусника похоже на красную кардинальскую сутану, а «униформа» его сообщника напоминает об одежде монахов-доминиканцев. Возможно, Босх обличает здесь продажу индульгенций – отпущение грехов за деньги. Загадочный человек в зелёном Специалисты заметили, что персонаж в зеленом головном уборе и такого же цвета плаще (он стоит почти у середины стола и смотрит прямо на зрителя) появляется и на других работах Босха, например, в «Распятой мученице». Предполагают, что он писался с кого-то из реальных знакомых Босха, но вряд ли этот человек был художнику другом, поскольку на картинах он показан скорее в негативном ключе. ИеронимБосх _history

Джованни Беллини и Тициан - первые живописцы Венецианской республики в 1483 - 1576 годах Тициан учился вначале у старшего из братьев Беллини — Джентиле, но когда тот заявил, что его ученик плох и ему никогда не стать художником, то перешел в мастерскую к младшему Беллини — Джованни, официальному живописцу Венеции. Кстати, после его смерти Тициан займет эту должность на долгих 60 лет. 1. Джованни Беллини "Девушка с зеркалом", 1515, Вена, Музей истории искусства 2. Тициан "Девушка с зеркалом", ок. 1515, Лувр

Джо, прекрасная ирландка 1860 Гюстава Курбе Национальный музей Швеции. Стокгольм Серия из четырёх портретов французского художника. Курбе один из крупнейших художников Франции на протяжении XIX века, ключевая фигура французского реализма. На всех четырёх портретах изображена рыжеволосая ирландская натурщица Джоанна Хиффернан (позировала Джеймсу Уистлеру и Гюставу Курбе. Была излюбленной моделью Уистлера и его любовницей), смотрящая в зеркало. Работы имеют небольшие различия в деталях и размерах, но их точная хронология неизвестна. Гюстава Курбе. Прозвище в названии указывает на близкую дружбу между художником и его моделью и упоминание имени модели является необычным для женских портретов.

Чёрный квадрат Русский художник Григорий Орехов создал скульптуру, вдохновленную самой известной работой Малевича — «Черным квадратом». Два больших квадрата с четырех сторон облицованы «зеркалом» — это листы полированной нержавеющей стали, изготовленной в студии скульптура. По словам Орехова, скульптура стала авторским продолжением философии деятелей культуры эпохи авангарда начала XX века. Посетители, проходящие через скульптуру, попадают на перепутье реальности и «бесконечного горизонта», который отражается в зеркальных поверхностях куба. Искусство или нет?

Пудрящаяся женщина 1889—1890 Жорж Сёра Галерея Курто, Лондон Яркий пример пуантилизма, изображена любовница художника Мадлен Кноблох. На стене позади молодой женщины была изображена бамбуковая рама с изображением вазы с цветами. В 2014 году с помощью инфракрасной спектроскопии изображения было обнаружено, что Сёра рисовал себя на своём мольберте, а объект на стене теперь считается зеркалом. Показав картину другу, Сёра по его совету закрасил свой портрет изображением стола и цветами. По иронии судьбы, этот скрытый портрет остался единственным известным автопортретом Сёра. Первым владельцем картины был известный французский публицист, художественный критик и торговец произведениями искусства Феликс Фенеон, который первым придумал выражение «неоимпрессионизм».

"Заросший пруд" Василий Поленов, 1879 > Москва, Третьяковская галерея Полотно не поражает нас буйством и разнообразием красок, будоражащих чувства. Наоборот, картина наполнена светом, покоем и умиротворением. Перед нами обыкновенный пруд, затерянный в тени вековых деревьев. Таких уголков много на территории нашей страны. Это нечто близкое и родное для каждого русского человека. Поэтому картина Поленова так и притягивает, возле нее отдыхаешь душой. Картина буквально утопает в зелени. Темно-зеленые кроны деревьев создают густую тень и дарят ощущение прохлады. Эта же зелень отражается в спокойной и неподвижной, словно зеркало, глади пруда.

Портрет Анны Андреевны Ахматовой 1914 Натан Альтман Как в зеркало глядела я тревожно На серый холст, и с каждою неделей Все горше и страннее было сходство Мое с моим изображеньем новым... Ко времени создания портрета Анна Андреевна Ахматова (1889–1966) уже была прославленным поэтом. Образ, созданный художником, сохранил ярко выразительную внешность Ахматовой и свойства оригинального характера, сочетающего особую закрытость, утонченность натуры и черты величавости и даже царственности. В обширной галерее портретов Ахматовой (от А. Модильяни до К. С. Петрова-Водкина) это произведение – одно из лучших. Художник создает образ экспрессивными живописными средствами: контрастами цвета, угловатостью линий, несколько кубизированными – в духе времени – формами.

Ларри Мадригал "Грязное зеркало" (2020)

Натюрморт с шахматной доской 1630 Любен Божен Лувр, Париж, Франция Один из наиболее ранних французских натюрмортов и один из самых известных натюрмортов, интригующий скрытыми в изображении смыслами. Приписывается художнику Любену Божену. Говорят, что картина таинственное, зашифрованное сообщение художника зрителю. Аллегория пяти чувств. Иногда сам натюрморт называют «Пять чувств». Зрение символизирует зеркало, слух — лютня и нотная тетрадь, вкус — хлеб и вино, обоняние — цветы, осязание — игральные карты и кошель (возможно, и шахматы тоже). Религиозная трактовка. Бокал с вином и хлеб связаны с евхаристией, гвоздика — символ Страстей Христа, сюда же можно отнести и стеклянную вазу, наполненную чистой водой, метафору девственности Марии, все они расположены на заднем плане. На переднем плане расположены предметы, олицетворяющие земные соблазны. Получается, что мирские наслаждения заслоняют человеку Бога.

Роберт Барретт Браунинг "Перед зеркалом" (1900)

Искусство — это зеркало реальности. А художник — его глашатай. Мы, человечество, столкнулись с новым явлением впервые за всю историю человечества. С одной стороны доступность информации в интернете развивает в человеке “цифровую амнезию”. Когда человек понимает, что в любой момент он может добыть информацию из интернета, то он начинает запоминать её хуже. Мы быстрее и лучше начинаем запоминать способ получения информации, а не ее суть. Но с другой стороны… Доступность информации в любой момент времени жизни, почти из любой точки на планете. На любом языке! На любую тему! Даже не выходя из дому! Ответ почти на любой вопрос! Ну разве не прелесть? Именно на эту ультрасовременную тему проходит выставка «Моя страница» в музее современного искусства Эрарта. 140 талантливейших художников, которые этим летом стали лучшими в конкурсе для начинающих художников VK Talents — взглянули на интернет и его влияние на повседневную жизнь. Кстати, если не хочется думать о социальной дистанции и билетах в СПБ, то посмотреть захватывающую экспозицию и познакомится с авторами можно в коротком ролике

Немецкий художник Томас Деманд работает на стыке скульптуры, архитектуры и фотографии. Он берет готовые изображения из прессы или технические съемки и реконструирует их из картона и бумаги, создавая макеты в натуральную величину, после чего фотографирует и разрушает. Воссозданные объекты настолько разные, что их точно стоит увидеть — номер Эдварда Сноудена в отеле аэропорта Шереметьево, лайнер Diamond Princess, где случился всплеск заражения коронавирусом, самый обычный газон и шесть синих глобусов (хотя, на самом деле, пять). Выставка Деманда «Зеркало без памяти» сейчас проходит в Музее современного искусства «Гараж». Там, кстати, можно будет увидеть еще выставку «Служба времени», объединившую высказывания художников о протяженности времени. Самое время заглянуть в Музей, если откладывали поход — увидеть работы без новогодней спешки и очередей. Подробности и билеты

Диего Веласкес "Венера перед зеркалом" (1651) Ранним утром 4 марта 1914 года британская суфражистка Мэри Ричардсон, вооружившись мясницким тесаком, несколькими точными взмахами распорола картину, находящуюся в лондонской Национальной галерее. За этот поступок Ричардсон получила прозвище «Убийца Мэри». Она заявила, что изрезала полотно в знак протеста против ареста коллеги-суфражистки. Однако, позже бунтарка призналась, что в значительной степени её спровоцировало «как посетители-мужчины пожирали глазами фигуру богини». Поступок Ричардсон привёл к тому, что многие художественных галереи и музеи Англии перестали пускать женщин. Британский музей был более либеральным, туда могли попасть женщины в сопровождении мужчин, которые несли ответственность за них. Даму без спутника допускали лишь при наличии рекомендательного письма от джентльмена, который ручался за её пристойное поведение. В местах, представляющих исторический интерес, действовало правило «никаких муфт, наручных сумок и тростей».

​​Музей «Гараж» объявил о планах на следующий год. Вот каким будет женский выставочный год в Музее. В первой половине года в «Гараже» пройдет ретроспектива авангардной нонконформистки Лидии Мастерковой, а одновременно новый масштабный проект представит немецкая художница Анне Имхоф, обладательницы «Золотого льва» 57-й Венецианской биеннале. Позднее откроют первые в России персональные выставки известной узбекской режиссерки и художницы Саодат Исмаиловой и Хелен Мартен. Для показа в Москве Мартен готовит многосоставные работы — пространственные ассамбляжи, вписанные в интерьеры бывшего кафе «Времена года». Кстати, сейчас в «Гараже» продолжаются выставки Томаса Деманда «Зеркало без памяти» и «Служба времени», объединившую высказывания художников о протяженности времени. Подробности и билеты   https://telegra.ph/file/a95e22af83cc014e649c1.jpg

"Зеркало над умывальником" 1908 г. Пьер Боннар В 1908 году французский писатель Андре Жид побывал на аукционе в Париже. "Выставляют Боннара, - описывал он этот эпизод в своем "Дневнике", - работа откровенно слабая, но пикантная; на картине обнаженная женщина одевается, где-то я это уже видел. Цена ползет мучительно медленно: 450, 455, 460. Вдруг кто-то выкрикивает: "Шестьсот!" - и я застываю в изумлении, ибо это был мой собственный голос. Я взглядом умоляю соседей перебить мою ставку - я вовсе не желаю становиться владельцем этой картины, - но чуда не происходит». Будущий Нобелевский лауреат приобрел другую картину (эта до 1919 года находилась в коллекции Ивана Морозова). Но мог бы купить и ее: в 1908 Пьер Боннар написал великое множество зеркал и купальщиц, он был одержим этим сюжетом и повторял его вновь и вновь. Некоторые полотна из его «туалетной» серии отличались лишь нюансами. Почти все они обладали патологическим шармом, очаровывая зрителя как бы вопреки его воле. Что заставило Андре Жида вскинуть руку со злополучной карточкой? Что в «Зеркале над умывальником» пленило такого мастера психологического портрета как Валентин Серов (художник считал это полотно главной драгоценностью Морозовского собрания)? Сюжет вторичен. Полка у зеркала по-мещански густо заставлена утварью – скорее натюрморт, нежели чувственное ню. И назойливая декоративность. И еще немного портрет (в девушке с чашкой угадываются черты будущей жены Боннара – Марты Бурсен). Кажется, эта картина страдает от перенаселения – персонажами, жанрами, посудой, мебелью. Словно этого мало, зеркало не расширяет пространство, а парадоксальным образом разрубает его, локализует эдакой рамой в раме. На первый взгляд, единственная безусловная удача этого клаустрофобического полотна – жемчужная палитра Боннара, его виртуозное владение цветом. Впрочем, есть еще кое-что. Картина эта многое дает, но еще больше обещает. Возможно, Жид и Серов каким-то особым творческим чутьем предугадывали эволюцию Боннара – так энтомолог умеет разглядеть в эстетически спорной куколке прекрасную бабочку. Некоторые биографы считают, что тесные интерьеры и перманентные водные процедуры связаны с психическим нездоровьем постоянной натурщицы Боннара: Марта боялась открытых пространств и была зациклена на гигиене. Не менее очевидно, что чистотой был одержим и сам Боннар, правда не в буквальном смысле этого слова. Годами он «оттирал» свою манеру от чужих влияний, выскабливал ее до полного исполнительского блеска, смывал пену сюжетов, жанров, манифестов, принципов, ограничений и школ. И «отмылся», придя сначала к чистому цвету, а позднее – чистому свету, который он сам называл «своим богом». Говорят, незадолго до смерти Пьер Боннар сообщил какому-то торговцу, что «открыл новую краску». А на вопрос «какую?», не моргнув глазом, ответил: «белую». Конечно, от того, что Боннар не состоялся как юрист и однажды ушел с многообещающей должности в прокуратуре, мир только выиграл. Но распорядись судьба иначе, можно не сомневаться: кристальной честности вышел бы прокурор. ПьерБоннар _history

Сергей Чеботарь (1956) «Зеркало» 1985 бумага на холсте, масло. 75х60 см Мурманский областной художественный музей сергей_чеботарь

Впереди нас ждут зимние будни. Вы можете себя порадовать интересными выставками. Специально для вас мы собрали подборку Арт-событий зимы’22. 1. «Михаиль Врубель» Эта выставка — одно из важнейших событий в мире искусства. Будет представлено более 300 произведений из 14 российских и зарубежных музеев. Дата: До 8 марта 2022 Место: Новая Третьяковка, Москва 2. «Авангард. На телеге в 21 век» Проект обращается к событиям бурного послереволюционного времени, когда советская власть активно сотрудничала с художниками-авангардистами. Будут показаны более 100 произведений ярких представителей русского авангарда. Дата: Февраль 2022 Место: Музей русского импрессионизма, Москва 3. Томас Деманд «Зеркало без памяти» Это первая выставка в России одного из самых значимых фотографов десятилетия. Заимствуя изображения разных событий из прессы и других источников, Деманд воспроизводит эти сцены в реальном масштабе из картона и бумаги, делая скульптуры, после чего фотографирует и разрушает. Дата: До 30 января Место: Музей современного искусства «Гараж», Москва. 4. «Альбрехт Дюрер. К 550-летию со дня рождения» Выставка приурочена к дню рождения крупнейшего мастера эпохи Возрождения. На выставке будет представлено 258 экспонатов, среди которых серии «Апокалипсис», «Страсти Христовы», «Триумфальная арка». Дата: До 28 марта Место: Эрмитаж, Санкт-Петербург 5. Бэнкси. Анонимный провокатор Арт-Экспо представляет уникальную выставку андерграундного художника из Великобритании Бэнкси (Banksy). Не только его произведения вызывают интерес, но и личность — это тайна, которую он до сих пор не открыл публике. Вас ждёт погружение в «уличную культуру» Великобритании. Будут представлены более 90 экспонатов художника, а также мультимедийный контент. Вы буквально побываете в мастерской граффиста. Дата: До 30 января Место: Лофт-проект «Этажи», Санкт-Петербург https://www.tretyakovgallery.ru/exhibitions/o/mikhail-vrubel/

Цирцея подаёт бокал Одиссею 1891 Джон Уильям Уотерхаус Галерея Олдема, Великобритания На картине изображена сцена из поэмы Гомера «Одиссея», где чародейка Цирцея предлагает Одиссею чашу с зельем, с помощью которого она пытается подчинить его своим чарам, поскольку у неё уже есть его команда. Одессея можно увидеть в зеркале, изображенном за троном Цирцеи, в то время как один из членов экипажа Улисса, волшебным образом превращенный в свинью, можно увидеть рядом с ногами Цирцеи Уотерхаус показывает, что Цирцея контролирует ситуацию, помещая её выше зрителя; её сиденье приподнято на ступеньку, а сама богиня нарисована с приподнятым подбородком, так что мы должны смотреть ей в глаза, когда она смотрит вниз. Таким образом, художник манипулирует позой Цирцеи, чтобы поставить её в положение превосходства. Кроме того, фон за Цирцеей указывает на силу, поскольку обрамляющие её формы (зеркало и подлокотники её кресла) создают эффект трона. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Обнажённая молодая женщина с зеркалом 1515 Джованни Беллини Дерево, масло. 62 × 79 см Музей истории искусств, Вена Картина итальянского художника эпохи Возрождения. Одна из последних работ итальянского живописца. В своём произведении Беллини предпринял попытку совместить пейзаж и фигуру и с помощью света создать целостное, почти мечтательное настроение, характерное для венецианской школы живописи. Спокойствие, ясная одухотворённость характерны для всех лучших работ зрелого периода Беллини. За окном виднеется пейзаж: густое синее небо, горы вдали и тонкая полоска низко висящего солнца. В данном случае художник, конечно, не имел намерения создать предмет религиозного почитания, хоть она и напоминает некоторые живописные произведения Беллини, представляющие Деву Марию; эта обнажённая являет светский идеал женской красоты. Ещё пару картин: Пиршество богов Портрет Дожа Леонардо

Тициан Вечеллио. «Женщина перед зеркалом», 1515 г.

​​Сегодня мир кинематографа отмечает 90 лет со дня рождения режиссера Андрея Арсеньевича Тарковского! В городах юношества Иванове и Юрьевце проходят выставки и мероприятия. ️Ивановский железнодорожный вокзал открыл выставку. Арт-проект является, с одной стороны, хроникой поездок Андрея Тарковского по Италии, Англии и Америке. И в то же время отражает духовные поиски, которые всегда возвращали режиссера в Россию и на «родину детства» — Юрьевец ️Культурный центр г. Юрьевца представляет выставочный проект «Тарковский. Поиск дома». Экспозиция включает документы, личные дневники, звуковые записи из архива режиссера. Авторы проекта — исследователи творческого наследия Андрея Тарковского: профессор Елена Раскатова и кандидат философских наук Мария Миловзорова. ️Аудиоспектакль «Около детства» подготовлен проектом «Место» в рамках кинофестиваля «Зеркало». https://telegra.ph/file/8f678185af29e7aefc8cd.jpg

​​️В «Иностранке» пройдут Дни Франкофонии. В фокусе Фестиваля этого года — Тунис, страна, принимающая Саммит Франкофонии в 2022 году. ️XVI Международный кинофестиваль им. А. Тарковского «Зеркало» пройдёт с 22 по 27 июля в городах Ивановской области. Специальные показы смотра пройдут в Москве. Программу опубликуем 07 июля. ️Музей архитектуры имени А. В. Щусева приглашает на выставку выставку фотографий современной архитектуры «Москва. Реальное». ️В Гонконге открылся Hong Kong Palace Museum. В музее представлены сокровища Дворцового музея в Запретном городе. Многие выставляются в Гонконге впервые, другие никогда не были представлены публике. Музей представляет шедевры искусства и культуры Китая и будет работать в направлении международных проектов и культурного обмена. Построенный на центральной оси Пекина, Запретный город свидетельствует о его важности для китайской политики и культуры. Дворец ранее не раз придавался реконструкции, но нынешний облик приобрёл во время правления Династии Цин (17-20 вв). В это время Китай налаживал международные связи, сохраняя древние традиционные ценности. На выставке Entering the Forbidden city: Architecture, Collection and Heritage представлено более 100 значимых работ из Дворцового музея, которые проливает свет на архитектуру и коллекции музея, а также на деятельность мультикультурного двора Династии Цин. Surrounded by Antiquities, from Twelve Ladies, Qing dynasty, Kangxi or Yongzheng period, 1709-32 Hanging scroll, ink and colour on silk The Palace Museum https://telegra.ph/file/6e226b2b4fbb8b6e1f445.jpg

Патрисия Гузман — художница-самоучка из Мексики и участница ARTLIFE FEST 2022. В своём творчестве она обращается к образам представителей коренных мексиканских народов: их мировоззрение пробудило ее интерес ещё в юности, когда она читала книги Карлоса Кастанеды. Увидев ее картины, не каждый зритель сразу догадается, что они написаны акварелью. Вплоть до мельчайших деталей художница максимально достоверно передаёт следы времени, оставленные на лицах ее героев. Сложная текстура кожи, глубина взгляда и филигранно схваченная уникальная мимика в ее портретах свидетельствуют о многогранности акварельной техники, о ее безграничном изобразительно-выразительном потенциале. Узнать больше о профессиональном пути и творческих исканиях Патрисии Гузман вы сможете на страницах нового, юбилейного выпуска журнала ARTLIFE MAGAZINE, а своими глазами посмотреть в манящее зеркало таинственной индейской души — на 5-ом фестивале ARTLIFE FEST 2022 в сентябре.

Lookbook С 2014 по 2018 года художница Анастасия Богомолова создавала проект «Lookbook». На сайте художницы: «Заглянуть в косметичку, чтобы обнаружить там старую мамину помаду, тени и румяна. Наугад вытащить из кладовки чемодан с обувью и найти там пару дефицитных югославских туфель, купленных еще в 1980-х. Разворошить кучу коробок в семейном сарае, чтобы отыскать прежний мамин гардероб и костюмы старшей сестры — главным образом разноцветные платья, как приобретенные в советском универмаге, так и сшитые в ателье или дома. Ребенком, едва дождавшись, когда квартира опустеет, я точно так же открывала в шкаф, поочередно примеряла каждый из нарядов и выхаживала перед зеркалом, представляя себя взрослой. Достигнув возраста, когда мама родила меня, я вновь достаю эти ныне никому не нужные вещи, которые можно надеть сейчас, не страшась быть застигнутой врасплох. Я крашусь помадой, осыпающейся с губ и обжигающей кожу. Вытаскиваю из швейной машинки кульки с отрезами бабушкиной ткани, которую та хранила десятилетиями и из которой так ничего и не успела сшить. Я перелистываю журналы мод, выпущенные в 1970-х и 1980-х и сформировавшие в 1990-е мои первые представления о красоте и женской репрезентации. Я становлюсь перед зеркалом, желая восстановить в памяти образы всех женщин моей семьи сразу, чтобы понять, какими они видели свое тело, свою сексуальность. Я повторяю этот ритуал снова и снова, следуя заученным позам, вторя ракурсам. А после я раскраиваю куски старой ткани и превращаю их в новые наряды — не в чужие, не из маминого гардероба, но в мои собственные, в платья про меня». Искусство или нет?

Ханс фон Аахен - Пара с зеркалом, 1596, масло, картон, 25 х 20 см, Музей истории искусств, Вена, Австрия Hans von Aachen - Couple with a mirror, 1596, oil, copper, 25 x 20 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

В этом состоянии Мане пишет свою самую загадочную картину, новые толкования к которой предлагают арт-критики до сих пор – «Бар в «Фоли-Бержер». Мане редко требует сюжетной и символической трактовки образов – многие элементы на его картинах появлялись лишь потому, что того требовал живописный закон произведения. Мане часто играл с фактурами и цветами, а не рассказывал истории. Но только не в этой картине. Пространство, созданное Мане в этой картине, совершенная иллюзия, нереальность которой начинаешь осознавать, только когда вглядываешься в нарочитые несоответствия. Предлагаем начинать список загадок картины прямо с жанра. Портрет? Похоже, но слишком сложно для портрета, хоть на нем и изображен конкретный человек – барменша Сюзонн, которую завсегдатаи «Фоли-Бержер» хорошо знали. Для бытовой сцены здесь тоже слишком много загадок-отражений: зеркало, отражающее толпу, бутылки, отражающиеся в зеркале в неправильном порядке, отражение мужчины, на месте которого по логике стоим именно мы, зрители. Держитесь крепче, мы стоим в воздухе! В зеркале это видно. Все эти оптические иллюзии заставляют взгляд зацепиться и идти дальше – искать несоответствия психологические. Привлекательная девушка за барной стойкой – это маркетинговый ход подобных увеселительных заведений. Своим видом она должна остановить проходящего и заставить его купить бокал шампанского, но она смотрит сквозь нас, она отрешена и выключена из происходящего. А вот в отражении она же, но совсем с другими очертаниями фигуры, более плотная и округлая, ведет себя так, как должна бы, или так, как вела себя минуту назад – наклоняется к мужчине. Социальные искусствоведы ищут в ее образе схожесть с товаром, который продается так же, как и выпивка в баре, а в ее грусти находят реакцию на такое положение. Классическое искусствоведение видит в положении ее рук аналогии с древними изображениями Божьей матери и Христа. Но ни одно предположение не подтверждается самим художником и не оказывается очевидным. Он взывает к активности зрительского взгляда, не давая ответов на наши вопросы. Мане 20 лет только тем и занимается, что меняет глаза зрителя, растит в них новое восприятие живописи. И в конце жизни художник создает произведение, которое запустит новый процесс в отношениях между творцом и зрителем – совместное творчество и создание смыслов. _history ЭдуарМане Импрессионизм

Начало 1920-х годов – нелегкое в жизни и творчестве Зинаиды Серебряковой время. Серия автопортретов этих лет – своеобразная душевная и творческая реабилитация художницы: после смерти мужа, гражданской войны, после двухлетнего профессионального бездействия. Автопортреты этих лет лишены ликующей радости ранних автопортретов. Образ художницы в них печален, взгляд испытующе задумчив, позы просты и статичны. В этом автопортрете Серебрякова запечатлевает себя с кистью в руке, перед мольбертом – но не работающей, а отрешенной, застывшей перед зрителем в грациозной и нерешительной позе. Пространство портрета продлено зеркалом, в котором художница отражается со спины в ином смысловом подтексте: это отражение активно и энергично. Оно являет нам художницу в процессе работы, в движении порывистом и вдохновенном – в жизнеутверждающем жесте сильного и не зависимого от любых невзгод характера.