Фантастические иллюстрации и миниатюрные скульптуры

"Иней" Игорь Грабарь,1905 > Ярославль, Художественный музей На полотне «Иней» представлена настоящая волшебная сказка зимнего леса, увиденная солнечным морозным утром. На фоне голубого неба застыли белесые деревья, свесив свои тонкие серебристые, замороженные ветви. Живописец увидел и удивительно тонко передал на холсте нежно-звучный хрустальный образ. Сам он о любимом зимнем явлении говорил следующее: «Немного на свете таких потрясающих по красочной полифоничности моментов, как солнечный день инея, где цветовая гамма, ежеминутно меняясь, окрашивается в самые фантастические оттенки, для которых на палитре не хватает красок». Колорит полотна строится на сочетании белого оттенков голубого, яркими акцентами выступают насыщенные темно-серые тона. Манера написания картины малыми, как бы вибрирующими мазочками отчасти напоминает приемы пунктуализма. В целом «Иней» прекрасно передает невероятное ощущение нежности и воздушности этого скованного холодом состояния природы.

"Птичий насест" Гектор Джакомелли, ок.1880 > Балтимор, Музей Уолтерса Гектор Джакомелли – французский акварелист, гравер и иллюстратор, итальянец по происхождению. Он получил громкую известность, создавая виньетки, заставки и сложные иллюстрации для роскошных французских и английских изданий. Особенно красивы его композиции, в которых изображены цветы и различные породы птичек, которых он изображал с удивительной правдоподобностью и изяществом. "Птичий насест" – самое знаменитое панно художника, в нем проявилась нежная декоративность и последовательное чередование цветовых ритмов. Двадцать четыре зяблика сидят в ряд на жердочке. Искусство живописца здесь очевидно в талантливой передаче особенностей крошечных птиц, которых он наделяет забавной смышленостью. Этот рисунок интересен милой, затейливой композицией и игривым настроением. Непринужденность линий и легкие колористические сочетания создают впечатление "незаконченности", добавляя шарма произведению.

Мистические иллюстрации художника Карлоса Пальмы Кручага завораживают. Сказка, которая оказалась реальной и живой. Давайте вместе посмотрим, что же рисует фантазия и кисть художника из Чили.

«Бизнес для мамочки» начала ХХ века Именно дочь вдохновляла легендарного модельера Жанну Ланвен (1867 – 1946). До неё детская одежда была лишь упрощенной версией одежды для взрослых. Ланвен же начала создавать одежду специально для детей. И не только! А начинала свою карьеру с она дизайна дамских шляпок. Специального образования у Ланвен не было, рисовать она не умела. Создавала модели методом «наколки», иллюстрации с готовых изделий делали художники. Ланвен - королева рукавов. Им она уделяла наибольшее внимание, экспериментируя с их формой и декором. Любимый цвет Ланвен – «цвет ночного неба». В историю моды вошёл как «синий Ланвен». Также она часто работала с пудровым и насыщенно-желтым. Открыла несколько собственных фабрик по окраске тканей, стремясь добиться нужных ей оттенков, например, названного в честь дочери «розового Полиньяк». В честь тридцатилетия дочери выпустила аромат Aprège. Рисунок для него создал Поль Ириб по мотивам фотографии, на которой Жанна танцует с маленькой дочерью.

Николай Алексеевич Богатов (1854—1935) — русский художник, график, занимался литографией, работал в области пейзажа и портрета, иллюстрировал произведения русской классики и фольклора. Н. А. Богатов исполнил иллюстрации (литографии) к произведениям Ф. М. Достоевского, М. Ю. Лермонтова и других писателей.

Пока почти снято видео про Передвижников и пишется следующий текст про одну восхитительную художницу, мне приснилось, что меня поймали где-то хитрые люди начали пытать вопросами - много ли я вспомню художниц совершенно никуда не подглядывая. Проснулась по кругу имена вспоминая, вспомнила немало, даже жаль что никто никогда в здравом уме такого и не спросит. Зато вот вопрос - а сколько вы, мои дорогие друзья, их вспомните? Можно даже безо всяких временных рамок, но, давайте договоримся, и без подглядываний сильных. Кто пришел на ум - тех и пишите в комментарии. Пересчитаем, новых откроем. Повторяться можно! И картинки нести тоже! В качестве иллюстрации - картина Хелены Шерфбек будет.

Дюрер настолько погрузился в материал, готовя иллюстрации для учебника по фехтованию, что сам стал довольно опасным бойцом.

Принцесса Тувстарр в лесу Тарн 1913 Джон Бауэр Музей в Мальмё, Швеция Картина, одна из самых значительных работ Бауэра, была впервые опубликована в коллекции сказок «Среди гномов и троллей» в 1913 году в качестве иллюстрации над которыми Бауэр работал с 1907 по 1915 гг. И сделала его одним из самых известных сказочных художников Швеции. В правильно нарисованном лесу все примерно одного и того же цвета — мох, стволы деревьев и ветки елей, все — какое-то мягкое и серьезное, а иногда в лесной чаще мелькает посредине что-то серое, и бурое, и зеленое, но зелени очень мало. Если хочешь, сажаешь, например, в лес принцессу. Она всегда в белом и очень маленькая, и у нее длинные золотистые волосы. Ее лучше поместить в самом сердце лесной чащи или в золотом сечении. Картины и иллюстрации Бауэра выполнены в стиле романтического национализма; Когда Бауэру было 36 лет, он, его жена Эстер и их сын Бенгт утонули в озере Веттерн на юге Швеции.

"Ад" Сандро Боттичелли, 1480 > Ватикан, Ватиканская апостольская библиотека Данная работа, была написана в 1480 году, когда Боттичелли находился на пике славы. Полное название картины – «Бездна ада». Она является одной из иллюстраций произведения Данте «Божественная комедия». Алессандро заработал много денег, после путешествия в Рим по приглашению папы. Он вёл разгульный и безответственный образ жизни, что привело к нищете. Ему пришлось вернуться на родину, где начал размышлять над своим образом жизни. В процессе он зачитывается работами своего современника Данте Алигьери. Художник посвятил много лет на написание иллюстрации к произведению Данте – картины «Ад». Следуя описанию поэта – 9 кругов составляют ад. Причём чем дальше круг, тем он уже и тем ужаснее грех, совершённый человеком. Боттичелли в точности следовал описанию поэта и изобразил ад в виде воронки, сужающейся к центру земли, где свое заточение проводит Люцифер.

Норман Роквелл "Переезд из родного дома" (1954) «Я хотел выразить то, что чувствует отец, когда его дети покидают дом», — говорил Роквелл об этой иллюстрации. Отец и сын сидят на скамье в ожидании поезда, который увезет сына в колледж. Сын восторженно ждет прибытия поезда, который отвезет его в новую, взрослую жизнь. Прямо противоположное чувство испытывает отец — он заметно поник, сжимая незажженную сигарету и шляпу в руках. Отцу ничего не остается делать, кроме как ждать неминуемого прибытия поезда, который увезет его сына далеко от родного дома.

Реалистичные рисунки. Американская художница Карла Миалинн (Karla Mialynne). Изначально девушка начинала работать цветными карандашами. Позже к ним добавились маркеры и акриловые краски. В результате рождались гиперреалистичные картины на всевозможные темы, начиная от портретов знаменитостей, заканчивая изображениями животных. Ее иллюстрации используются в рекламах, для украшения панелей смартфонов и оформления календарей. Для того, чтобы ни у кого из зрителей не возникало сомнения в подлинности картины или предметов, которыми они были нарисованы, Karla Mialynne всегда выкладывает возле рисунка ряд карандашей и маркеров, которыми была написана работа.

Песня Песней 1893 Гюстав Моро Яркий представитель живописи символистов. В качестве тем для своих работ он выбирал мистические, библейские и фантастические темы. Его картины оказали сильное влияние на творения фовистов, а также сюрреалистов. Мы видим прекрасную женщину. Она облачена в великолепный наряд, который позволяет максимально любоваться красотой ее тела. Перед нами настоящая восточная богиня. Блеск драгоценных камней и роскошь тканей будоражат своим великолепием. С другой стороны, кажется, что перед нами не живой человек, а настоящая статуя времен античности. Грандиозная колонна на заднем плане и ступени, более похожие на пьедестал, усиливают это впечатление. Моро считал, что он в своих работах хранит традиции. Каждая его картина – настоящий шедевр, который хочется рассматривать. В его творениях нет ни одной лишней детали. Все они помогают понять общий замысел художника. Неслучайно живописец стал предвестником модернистов.

Сел Иона у стен города и сидел надувшись и ждал чего будет - погибнет город или все таки нет. И тогда Господь, чтоб и Иона не грустил и солнышком ему голову не напекло, за ночь вырастил над Ионой кустик - вероятно, то была тыква или клещевина. Иона ужасно обрадовался кустику. Тогда Господь на следующую ночь кустик уморил и тот высох. Расстроился Иона, да так сильно, что начал просить о смерти. Ну, вообще, Иона такой специфический пророк, как вы наверное уже поняли - не только убегает от воли божьей, так и еще в любой непонятной ситуации не стоически терпит бедствия, огорчения или просто неприятности, а сразу молит о смерти. А это его даже ни разу в костер не бросили, львам не скормили и на дыбе не растянули, как бывало. А кончается все вот каким диалогом: “И сказал Бог Ионе: неужели так сильно огорчился ты за растение? Он сказал: очень огорчился, даже до смерти. Тогда сказал Господь: ты сожалеешь о растении, над которым ты не трудился и которого не растил, которое в одну ночь выросло и в одну же ночь и пропало: Мне ли не пожалеть Ниневии, города великого, в котором более ста двадцати тысяч человек, не умеющих отличить правой руки от левой, и множество скота?” В средневековье этот сюжет очень любили художники и поэтому он с потрясающей частотой встречается в книжной иллюстрации. Дело в том, что сам Иисус в Новом завете сравнивает себя с Ионой - как Иона тусовался в ките три дня и три ночи, так же и Сын Человеческий три дня и три ночи проведет в земле, а после воскреснет. И еще мне кажется, что этот пророк, Иона, он самый человеческий из всех - он то боится, то хулиганит, то ропщет и в его короткой истории столько живого. Вот совсем крохотная подборка картинок из рукописей и пара фресок из разных храмов и даже иранская книжная миниатюра XIV века, потому что пророк Иона (Юнус) актуален для мусульман тоже.

Ищем иллюстраторов, чтобы обучить профессии с нуля до уровня PRO. За 12 месяцев вы научитесь создавать коммерческие иллюстрации, персонажей и анимацию и сможете зарабатывать от 80 000 рублей! На курсе возможна отсрочка платежа на шесть месяцев - первый платеж через полгода. Через 12 месяцев вы сможете: – Рисовать в цифре и от руки Освоите графические редакторы, чтобы создавать векторные и растровые изображения. – Выстраивать композицию Узнаете базовые принципы композиции и перспективы, научитесь использовать академические правила рисунка и эффектно выходить за их рамки. – Работать с цветом Научитесь использовать палитру, придавать настроение персонажу и рисунку с помощью цвета. – Создавать коммерческие иллюстрации Научитесь делать иконки, рекламную и книжную иллюстрацию. – Делать анимацию Сможете оживлять изображения в After Effects и правильно встраивать анимацию в проект. Переходите по ссылке, чтобы узнать подробности о курсе и забронировать место со скидкой: https://clc.am/m7BJlQ

"Судьбы животных" 1913 г. Франц Марк Базельский художественный музей. В 1914 году Франц Марк затеял большой и дерзкий проект: совместно с Альфредом Кубином, Паулем Клее, Эрихом Хекелем и Оскаром Кокошкой проиллюстрировать Библию. За собой Марк оставил ту часть Библии, в которой идет речь о сотворении мира. Совсем скоро началась война и проект не состоялся, но если бы кто-нибудь сейчас задумал поискать среди картин экспрессионистов иллюстрации к Библии, ему бы эта затея удалась. Работами Франца Марка можно смело иллюстрировать сотворение мира: «Борьба форм», «Сон» , «Тироль». А вот картиной «Судьбы животных» можно библейскую историю (и вместе с ней историю мира) завершать. Марк безразлично пролистал остальные разделы Библии – и сразу после сотворения взялся за апокалипсис. Это единственное предельно экспрессионистское полотно художника: напряженное, отчаянное, пророческое, тревожное. Раньше его животные всегда были мечтой о рае, о естественности и гармонии, они спали и пили воду, паслись и смотрели в небо, а здесь они охвачены ужасом, они погибают, на них сыплется огненный град и падают деревья, земля уходит у них из-под ног. У картины есть подзаголовок, придуманный самим Марком и записанный с обратной стороны полотна: «Деревья показывают свои кольца, а животные - свои жилы». Страшно, что и одни, и другие делают это только после смерти. И даже если бы этого страшного поэтичного подзаголовка не было, смысл произведения не нуждался бы в объяснениях. 1913-й – до начала первой Мировой войны остался год, по Европе со скоростью эпидемии распространяется страх и растет предчувствие большой трагедии. Художники-экспрессионисты чувствительней простого человека – они уже несколько лет только и делают, что усиливают контрасты цветов на своих полотнах, изламывают до неестественности жесты персонажей и нагнетают напряжение в композиции. Они чувствуют беду и умножают это чувство в десять раз в живописи. Одним из самых сильных языков эмоций для Марка, как и для многих художников-авангардистов этого времени, оказывается цвет. «Синий – это мужской принцип, строгий и духовный. Желтый – женский принцип, мягкий, радостный, чувственный. Красный – жестокий, тяжелый цвет материи, который постоянно преодолевается первыми двумя!» - писал художник в письме другу Августу Макке. Синяя лань в «Судьбе животных» абсолютно ясно на языке Марка читается как воплощение духовности и мирового порядка. А красный огненный вихрь, обрушившийся на нее – это материя, которую невозможно уже преодолеть, которая побеждает, разрушая истинную жизнь, закономерную и гармоничную. ФранцМарк Экспрессионизм _history https://t.me/pic_history2/172

Еще пара слов про Апокалипсис вдогонку к прошлому посту - хочу вам показать с чего начались иллюстрации к этому тексту. На дворе был примерно 780 год, когда монах по имени Беат из Ль...ы (это в Испании) составил Комментарии к Откровению Иоанна Богослова, чем изрядно подогрел интерес к нему. До Беата Откровение периодически комментировали, но как-то без особой страсти, а монах собрал этакую компиляцию из более ранних толкований, дополнил ее, развернул некоторые важные пункты и, главное, снабдил свою версию забористыми картинками. Считается, что за эту работу Беат взялся для того чтоб обучать монахов по книгам и еще для того, чтоб поддержать и подбодрить небольшие и не слишком сильные на тот момент христианские общины, которые выживали на Пиренейском полуострове, где почти повсеместно доминировали мусульмане. Там как раз в 711 году арабы набежали на вестготское государство и завоевали практически весь полуостров, организовав потом Кордовский эмират и стало понятно всем бедным христианам, что Иоанн Богослов в Откровении под “Зверем” совсем не Римскую империю имел в виду, а Халифат, а Вавилон этот противный не город Рим, а город Кордова. В общем, легло идеально - как я и писала ранее, Апокалипсис - действительно творение на все времена и на любую эпоху, когда страшно. К слову, конец света Беат примерно назначил на 801 год, хотя и предупредил, что прогноз может быть неточным. Как пишет Жак ле Гофф в “Рождении Европы”, “Благодаря Беату в Европе появился первый настоящий триллер”. И действительно, работа Беата настолько поразила воображение современников, что число копий этого текста, да еще и с иллюстрациями, стремительно росло. До технологий, вроде тех, которыми пользовался Дюрер создавая свой цикл гравюр, еще далеко - тиражную печать еще не придумали, так что все делалось вручную. До наших дней дошло 35 копий этой книги, не все, конечно, полные, но зато 27 из них богато иллюстрированы. Первую книгу, скорее всего, разрисовал сам Беат, следующие рисовались под его руководством, а дальше уже более поздние художники поняли, что так можно и радостно продолжали дело, давая волю фантазии - картинки, конечно, копировались, но каждый был рад добавить чего-нибудь пугающего от себя. Лучшие мастера брались за эту работу, демонстрируя каких высот они добились в своем деле. Там еще и карта мира есть!

Наталья Макаренко (1985) иллюстрации к сборнику сказок Сергея Козлова "Ёжик и его друзья" 2019 бумага, акварель, смешанная техника наталья_макаренко

"Письмо" 1891 г. Мэри Кассат Собрание Честера Дэйла, Нью-Йорк. «Письмо» — одна из десяти цветных гравюр Кассат, посвященных жизни современной женщины. Эту серию художница представила на своей первой персональной выставке в галерее Поля Дюран-Рюэля в 1891 году. Простые и в то же время изящные работы, выполненные в техниках «сухая игла» и «акватинта», очаровали парижскую публику. Скупой на комплименты Камиль Писсарро назвал их технически безупречными и удивительными по колориту. А ведущий исследователь творчества художницы Аделин Брискин считает гравюры самым значительным вкладом Кассат в историю мировой живописи. Оттиски гравюры «Письмо» сейчас хранятся в нескольких музеях. Кассат заинтересовалась графикой во время поездки в Италию в 1871 году. Она брала уроки у Карло Раймонди, руководителя отдела гравюры Пармской академии живописи. Но дальше обучения дело тогда не пошло. Спустя восемь лет Дега предложил Кассат вместе создать серию иллюстраций для журнала «День и ночь». Художница работала в мастерской наставника, где был печатный пресс и другие приспособления, необходые для создания офортов. В журнале эти иллюстрации не вышли: Дега внезапно разорвал договоренности, и проект закрылся. Созданные к тому времени работы Кассат представила на пятой выставке импрессионистов в 1880 году. К гравюрам она вернулась только через 10 лет. «Письмо» иллюстрирует одно из важнейших занятий образованных и обеспеченных женщин конца XIX века. Дамы использовали письма не только для общения с родственниками и друзьями. Домоводство и социальные коммуникации (различные заказы, ответы на приглашения и проч.) тоже были завязаны на переписке. Мы видим молодую женщину, которая сидит за столом и запечатывает только что написанное письмо. В ней чувствуется сдержанная красота и достоинство. Глаза женщины выражают решимость и безысходность одновременно. Скорее всего, это письмо далось ей трудно. Как и другие работы серии, «Письмо» создано под впечатлением от японского графического искусства, в частности, ксилографий Утагавы Хиросигэ. Кассат уплощила пространство и исказила перспективу, чтобы максимально приблизить зрителя к изображению. Элементы композиции уравновешены с помощью цвета (пестрое платье и обои vs однотонная поверхность стола, бумаги и конверта). Черты лица и черные волосы выдают в женщине азиатку. А вот антураж комнаты характерен для Франции времен Кассат. Откидной столик, изображенный на гравюре, принадлежал самой художнице. «Письмо» отличается не только композиционной упорядоченностью и гармоничным цветовым решением. Кассат проявила свой талант рисовальщика и владение линией, которое так восхищало в ней Дега. Гравюра, пусть и опосредованно, рассказывает о положении современниц Кассат, живших в мире многочисленных социальных табу. Художница и сама страдала из-за несправедливых ограничений. В «Письме» Кассат передала хорошо знакомое ей чувство щемящей грусти. МэриКассат _history

Марко Мельграти — иллюстратор родом из Италии сотрудничает с Washington Times, GQ, Marie Claire, Boston globe и другими газетами и журналами, а также различными рекламными агентствами. Его ёмкие и хлёсткие диджитал-иллюстрации высмеивают пороки и нравы современного общества, что принесло Марко известность и репутацию современного карикатуриста. В работе Марко использует цифровые инструменты, и делится знаниями и навыками со студентами. Вы сможете посмотреть работы художника на ARTLIFE FEST 2021 с 25 по 31 октября : ​​https://artlife-fest.com/ ​​ картины_ARTLIFE художники_ARTLIFEFEST2021

Лора Гульшани — французская художница родом из Канады. Она создаёт работы для Burberry, Chanel, Missoni, Salvatore Ferragamo, Vogue, участвует в выставках в Канаде, Великобритании, Франции и Испании, работает в качестве приглашённого иллюстратора на Неделях моды в Париже, Милане и Лондоне. Её экспрессивный и яркий авторский стиль, который отличается подчёркнутой детализацией, невероятно востребован в модной индустрии, а использование акриловых и масляных красок позволяет ей превращать иллюстрации в произведения искусства Работы Лоры Гульшани будут представлены на ARTLIFE FEST 2021 в Манеже с 25 по 31 октября

"Лидия Эммет" 1892 г. Уильям Меррит Чейз Бруклинский музей, Бруклин. Для своего времени это один из самых дерзких женских портретов. До сих пор так писали только мужчин: уверенный поворот, выставленная вперед нога, энергичное и свободное положение руки. Ван Дейк, Веласкес, Рубенс, все написанные ими короли и принцы, со шпагами и плащами, званиями и титулами. За 20 лет до Чейза подобную дерзость позволял себе только Эдуар Мане, смягчая ее все же веером, сценическим костюмом с испанскими корнями и более нежным поворотом тела. В остальных же случаях дамам на портретах положено было левой рукой придерживать платье, теребить платок, укачивать младенца, сжимать зонтик или веер. Нежным полукругом изгибать ее в крайнем случае. Но художницу Лидию Эммет необходимо было написать именно так. В 1892 году Лидия Эммет (ей 26 лет!) принимала участие в росписи свежеотстроенного Женского здания на готовящейся Всемирной колумбовой выставке в Чикаго. Выставка состоится через год и станет самой масштабной и посещаемой за всю историю. Лидия, бывшая ученица Уильяма Чейза, уже вернулась к тому времени из Парижа, где училась, из Живерни, где жила некоторое время в колонии американских импрессионистов, поклонников-последователей Клода Моне. Теперь Лидия Эммет – помощница Чейза и преподаватель начального курса в его летней школе в Лонг-Айленде. Она получила первый заказ на иллюстрации к детской книге, когда ей было 16 лет, стала академиком в 45 лет, разработала эскиз медали Американского географического общества, рисовала иллюстрации для журнала Harper’s Bazaar, создавала витражи для Луиса Тиффани, написала портрет первой леди Лу Гувер, который сейчас находится в Белом доме. Одним словом, веер, платок и зонтик – абсолютно посторонние для нее вещи. По портрету Лидии Эммет можно составлять подробный список живописцев, которыми восхищался Чейз, от которых с удовольствием перенимал технические находки, по которым цитировал кружева и платье, позу модели и композицию картины. И все это вместе оставалось бы ловким реверансом в сторону Веласкеса, Ван Дейка, Уистлера, если бы не эта гендерная дерзость. И еще одно: эта длинная розовая лента, пересекающая вертикально всю фигуру Лидии, написана одним тягучим, виртуозным, вызывающе точным мазком. УильямЧейз Портрет _history

Маргарета Капсия - первая известная финская художница. Она родилась в Швеции, вроде бы, в голландской купеческой семье, вышла замуж за священника и жила в Стокгольме. После Северной войны супруги переехали в финский город Вааса, а потом в Турку, где Маргарета и прославилась как лучшая в своем поколении мастерица церковной живописи, оформляла целые церкви, делала иллюстрации к Библии и писала портреты знатных особ за много денег. Поэтому вот алтарный образ, Иисус и ученики, исполненный ей в 1725 году. Все очень кривое, но хорошее! Ничего о том, кто и когда художницу учил не нашла и, судя по ее наивной манере, она видела что-то из образцов итальянской живописи и даже кого-то голландского, а вот училась всему, скорее всего, сама. Этой зимой картину, кстати, отреставрировали и теперь она в Национальном музее Финляндии обновленная и прекрасна ждет нас всех.

Я когда-то рассказывала, что голландская живопись началась с Робера Кампена, а вот на художников поколения Кампена и Жана Фуке, повлиял, конечно, более ранний мастер. Имени его мы не знаем, поэтому его величают в честь его главного заказчика, Джона Ланкастера, герцога Бедфордского - Мастером Бедфорда, или еще в честь его самой известной работы, как раз сделанной для того самого заказчика - Мастером Часослова Бедфорда. Более того, неясно работал художник один или их там целая мастерская была, но, в любом случае, сейчас говорят о целом направлении в иллюстрации и живописи, который этот мастер задал в XV веке. Располагалась мастерская художника (или художников) Париже, приписывается ему (или им) примерно семь книг. В украшении книг не скупились на золото и дорогую синюю краску, в них хватает необычных решений, видно, что рисующий все вот это очень много чего видел - от европейского до византийского искусства, а еще не лишен чувства юмора. И, вроде бы, все так нагружено подробностями, куча деталей, где вдруг образовалось свободное место - там буйно разрастаются цветочные орнаменты, а так легко и радостно от этих иллюстраций. Манускрипт, который сегодня рассматриваем, был создан по заказу все того же графа Бедфорда в честь его женитьбы на Анне Бургундской. Потом его передарили племяннику Бедфорда, девятилетнему Генриху VI, последнему королю Англии из династии Ланкастеров, перед получением французской короны. Дарили очень торжественно, даже упоминание об этом добавили в саму рукопись по личной просьбе графа. Потом книга кочевала от владельца к владельцу (сплошь графья да короли), пока не попала в 1786 году к английскому книготорговцу Джеймсу Эдвардсу, который не просто чах над ней, а заказал антиквару и писателю Ричарду Гоу сделать описание драгоценной книги. А тот взял и написал монографию, в которой подробно объяснил, что происходит на каждой из 59 миниатюр. Это была первая книга об иллюминированных рукописях, как минимум, на английском языке и так началось их изучение. Книгу о книге положу вот сюда.

"Девка" 1903 г. Филипп Андреевич Малявин Государственная Третьяковская галерея, Москва. Сложно определить точно, то ли Малявин увековечил и популяризовал во всем мире колоритный, манящий образ русской крестьянки, то ли малявинские бабы, ставшие уже именем нарицательным, обессмертили имя художника. В любом случае, подавляющее большинство наиболее впечатляющих и известных картин Малявина импрессионистским образом фиксируют самую суть, чистую эссенцию сильных, а где-то и могучих, но прекрасных в своей ошеломляющей мощи женщин из народа. В этом отношении Малявина традиционно считают последователем Цорна, который также много полотен посвящал любованию простой, дородной, первозданной красоте крестьянских девушек. И если шведский коллега Малявина предпочитал писать их ню, выдвигая на первый план эротизм деревенских нимф, то малявинские бабы – монументы во плоти, подлинные иллюстрации к классическому некрасовскому определению про горящую избу и коня на скаку. Хотя и у него проскакивают пара-тройка обнаженных селянок. Но у Малявина их нагота – скорее естественная, необходимая составляющая сюжетов, бесконечно далекая от подчеркнутой чувственности цорновских наяд. 50 оттенков красного Размеры холстов для крестьянских портретов Малявин подбирал соответствующие: в среднем метр на полтора, а то и все два, как в данном случае. В течение какого-то времени он ищет композиционное решение, которое позволит в полной мере воплотить его благоговение и трепет перед сокрушительным темпераментом женщин из русских селений, и его фирменным ракурсом становится «взгляд снизу». Благодаря этой точке зрения крестьянки будто бы вырастают из нижней части холста, нависая над зрителем доминирующими, захватывающими дух величественными статуями. Проработке нарядов своих моделей Малявин уделяет даже большее внимание, чем их лицам. В 1895 году он в первый раз изображает крестьянскую девушку в красном одеянии, и с тех пор он пускает в ход все мыслимые оттенки этого цвета, ставшего его любимым, именным красочным выбором. Что довольно логично: в старославянском языке «красный» означало «красивый», и все самые лучшие, праздничные наряды крестьянок обязательно содержали какой-либо из его тонов. Разумеется, позировать художнику они предпочитали в одеждах «на выход». Видимо, палитра красного, помимо всего прочего, предоставляла Малявину всю необходимую ему силу экспрессии. Поэтому он часто использует его и для прорисовки заднего плана портретов, буквально заливая алым заревом все полотно. На этом фоне особенно четко контрастируют дробные, мозаичные мазки сарафанных узоров, где-то даже занося Малявина на территорию художника Климта. Отменно поддается его кисти и шелковистый отлив одеяний в скупом отблеске свечи, озаряя холст мягким, деликатным сиянием. Скор на расправу Была в стиле работы Малявина еще одна черта, усиливающая его родство с заграничным коллегой-импрессионистом Цорном – небывалая скорость создания портретов с натуры. Подобно шведу, он умел выдавать готовое полотно практически за один сеанс, чем приводил в трепет свидетелей этого иллюзиона. «Когда я приехал, то застал его в мастерской вместе с четырьмя или пятью бабами, разодетыми в цветные сарафаны. Бабы ходили по мастерской, а Малявин быстро зарисовывал их движения в огромный альбом, – вспоминает художник Грабарь. – На мольберте у него стояла законченная большая картина, изображавшая баб, а у стен стояло еще несколько холстов, также с фигурами баб. Владея хорошо рисунком и чувствуя форму, Малявин позволял себе роскошь таких фокусов и трюков, на которые немногие способны. Так, картина, которая стояла у него на мольберте – три толстолицых бабы, – была начата им без рисунка и без какой-нибудь наметки композиции, прямо красками по чистому холсту, притом с глаза одной из этих баб».

Иллюстрации на стенах. Художницу зовут Tanya Bonya. Молодая мама из Киева. Обратим внимание на определенные ее работы, а именно на те, что она создает на стенах. Она отдаёт предпочтение нежным и спокойным оттенкам, которые складываются в воздушные и свежие изображения цветов и листьев. Поклонников творчества Тани набралось уже не мало, в инстаграме на нее подписано более 182 тысяч человек. «Я художник-иллюстратор и я живу творческом. С детства окружающие внушали мне, что добиться многого рисуя не получится и нужно выбрать более практичную профессию. На сегодняшний день могу сказать, что это не так. Когда ты по-настоящему что-либо любишь и усердно работаешь над этим все обязательно получится!»

Британский fashion-иллюстратор и участница ARTLIFE FEST 2021 Поппи Уоддилав создаёт картины, вдохновлённые красотой настоящего момента. Она использует в работе масло, акварель и тушь. Её иллюстрации отличаются живой манерой исполнения, мягкими линиями и чистыми цветами. Элегантные и современные работы пользуются большой популярностью и регулярно появляются на выставках и страницах журналов Vogue и Tatler.

С 25 по 31 октября в Центральном выставочном зале «Манеж» пройдёт крупнейшее арт-событие 2021 года – IV Международный интерактивный фестиваль современного искусства ARTLIFE. В течение недели посетители увидят более 350 работ от 64 художников из 23 стран мира. ⠀ В этом году ARTLIFE FEST познакомит публику с шедеврами художников и скульпторов, выполненными в разных техниках и стилях — от академизма и гиперреализма до digital- и fashion-иллюстрации. ⠀ Тема фестиваля — «Путь новой реальности» — будет раскрыта не только через экспозицию, но и через лекции экспертов и мастер-классы по живописи. В числе спикеров бесплатного лектория — главный редактор журнала Esquire Russia Сергей Минаев, писатель и публицист Александр Цыпкин, дизайнер Артемий Лебедев, вице-президент Российской академии художеств Василий Церетели, основатель Askeri Gallery Полина Аскери и другие. ⠀ Вход бесплатный. Получить электронный билет и познакомиться с программой выступлений спикеров и проведения мастер-классов можно на официальном сайте.

Цветущий куст сирени, увиденный мастером в Черниговской губернии, произвел на него настолько сильное впечатление, что художник тут же приступил к работе. В лунном свете проступили очертания души сиреневого куста – дриады. Врубель работает мастихином (тонкой стальной пластиной), позволяющим накладывать краску гранеными мазками. Благодаря этой технике гроздья сирени как бы растут из глубины темного пространства и превращаются в фантастические кристаллы, сверкающие при луне. Если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени. Когда Врубель был болен и находился в больнице, в Академии художеств открылась выставка Дягилева. На открытии присутствовал государь. Увидев картину Врубеля “Сирень”, государь сказал: – Как это красиво. Мне нравится. Великий князь Владимир Александрович, стоявший рядом, горячо протестуя, возражал: – Что это такое? Это же декадентство… – Нет, мне нравится, – говорил государь, - Кто автор этой картины? – Врубель - ответили государю. Обернувшись к свите и увидев графа Толстого, вице-президента Академии художеств, государь сказал: – Граф Иван Иванович, ведь это тот, кого казнили в Нижнем? (Имеется в виду Всероссийская выставка в Нижнем Новгороде где в 1896 году два панно Врубеля не допустили к участию, сочтя их «чудовищными» и не пригодными к экспонированию).

Е.А.Лещенко (род.в 1952 году) - заслуженный художник Украины, победитель международного биеннале 1998 года. По собственному определению, Евгений Александрович является основателем направления «Paradise art», то есть «райское искусство». По данным некоторых влиятельных изданий, является одним из самых высокооплачиваемых художников Украины. Имеет несколько высоких ценовых рекордов на ведущих мировых аукционах. Каждое полотно мастера - это небольшая метафора или притча, которая несет свой вполне объяснимый и понятный посыл. Его фантастические композиции, построенные на единстве цветных узоров, образов людей, животных и растений, отражают взаимосвязь всего живого на Земле. Эти картины-сказки приглашают хотя бы на время отрешиться от будничной суеты и вспомнить о своей давней детской мечте, вернуться в мир детских фантазий, ощущений и впечатлений, а намеренно перенасыщенный колорит призван отвлечь от повседневного круговорота новостей, забот и стрессов. Он захватывает взгляд зрителя и ведет по лабиринтам извилистых линий картин от образа к образу, уводя в полуфантастический, полуреальный мир воображения художника. художник новыйвзгляд живопись галерея колорит искусство лебедиЛеонардо вневремени играцвета арт

Игорь Олейников (1953) иллюстрации к стихотворению Николая Кольцова «Косарь» 1836 г. игорь_олейников Раззудись, плечо! Размахнись, рука! Ты пахни в лицо, Ветер с полудня! https://telegra.ph/Aleksej-Kolcov-Kosar-11-04

Иллюстрации Дэмиена Хёрста для альбома Дрейка появились в NFT Британский художник Дэмиен Херст, который недавно разработал обложку альбома Дрейка «Certified Lover Boy», объявил, что превращает ее в 10 000 NFT Ethereum. Согласно Decrypt, те, кто является держателем коллекции The Currency Херста, которая была запущена этим летом, получили новые NFT бесплатно. NFT под названием «Большие надежды» не были выставлены на публичную продажу. Херст объяснил в серии из десяти твитов, почему он так поступил, заявив: «Все, что сделано хорошо — это искусство. При поддержке и благословении Дрейка я создал этот бесплатный подарок на День Благодарения для всех владельцев Currency NFT; он основан на обложке альбома, которую я сделал для Дрейка». Каждая из 10 000 частей NFT соответствует обложке с эмоджи 12 беременных женщин. арт_новости

Так-так-так. Продолжаем тему с Абрамцевским кружком? Название, конечно, смешное - кружок. Кажется, что что-то совсем небольшое и неважное. Вот пишу вам об этом и думаю, сколько же всего еще хочется рассказать и показать, чтобы вы понимали, как русское искусство и культура развивались, как все было связано между собой. Но ладноооо, обо всем по порядку. Вернемся к Абрамцевскому кружку. Значит, придумывает его Савва Мамонтов, предприниматель, который занимался строительством железных дорог. Человек далеко не бедный. Была у него усадьба не очень далеко от Москвы, там, кстати, сейчас очень классный музей (http://www.abramtsevo.net/index.php). И вот в этой усадьбе он собирает свет мира искусства того времени. И все с удовольствием приезжают. Абсолютное большинство картин и скульптур конца 19 - начала 20 века, которые вам известны, прошли через усадьбу в Абрамцево. Просто поверьте на слово, дальше увидите. Почему вообще этот кружок такой важный? Почему я, искусствовед, столько вам о нем рассказываю? Фамилии какие-то называю? Мамонтов, на самом деле, сделал то, что никому до него ранее не удавалось. Он поднял значимость русского искусства в глазах своих же соотечественников. Да и не только искусства, но и русской культуры, в целом - сказок, поверий, народных промыслов, истории, литературы. Помните, про Прахова вам написала, что он в Италии с Мамонтовым был? Фамилия реально забавная, сложно не запомнить. Так вот. Прахов тут зачем вообще? Помимо того, что он, точнее, его женасвязаны очень сильно Врубелем? (и про это тоже расскажу) Прахов был тем человеком, который приносил художникам всякие интересные артефакты, рассказывал историю России и не только, тем самым давая им материал для размышлений, вдохновения и творчества. Вот вам в качестве иллюстрации портрет его жены кисти Васнецова. Смотрите на интерьер. Видите, сколько всего там явно не из конца 19 века? Ну и на жену тоже посмотрите, может, напомнит вам что-то или кого-то (немного интриги, все обязательно расскажу) PROабрамцевскийкружок

Февраль — «горячий» месяц для fashion-иллюстраторов по всему миру, ведь именно в этом месяце проходят недели моды. ⠀ Каждый иллюстратор по-своему отображает происходящее на подиумах, т.к. иметь свой узнаваемый авторский стиль в мире моды очень важно. ⠀ К примеру, участница ARTLIFE FEST 2021, fashion-иллюстратор из Великобритании Поппи Уоддилав использует в работе масло, акварель и тушь. ⠀ Элегантные и современные работы пользуются большой популярностью и регулярно появляются на выставках и страницах журналов Vogue и Tatler. А сама художница передаёт знания и навыки, читая лекции для студентов Saint Martins, в университете Кингстона, Вестминстерском университете и Лондонском колледже моды. ⠀ Если вы хотите перенять навыки и опыт художницы, у нас для вас отличные новости. Совсем скоро в ARTLIFE ACADEMY стартует новый авторский онлайн-курс Поппи Уоддилав, во время которого вы сможете узнать все секреты ее авторской техники и начать свой путь в мир fashion-иллюстрации.

Ольга и Андрей Дугины «Храбрый портняжка». Иллюстраторы: Ольга Дугина, Андрей Дугин. Автор: Людвиг Бехштейн. Пересказ: Леонид Яхнин. Год издания 2011. Иллюстрации из книги.

Адольф фон Менцель, графика Адольф фон Менцель (Adolph Friedrich Erdmann von Menzel)(1815 - 1905) - классик немецкой живописи, один из лидеров романтического историзма, чьи работы славятся реалистической правдой и высоким техническим мастерством. Первую известность Адольф получил в 1833 году за тетрадь рисунков, исполненных пером и изображавших «Жизнь художника». Жизнь самого Менцеля всецело была посвящена творчеству. По свидетельствам современников Адольфа фон Менцеля он был очень маленького роста, что создавало в нем немало комплексов, он слыл достаточно замкнутым человеком, у него было всего лишь несколько близких друзей. Он никогда не был женат, но был очень близок с семьей своей сестры. В своем творчестве художник сочетал самые противоположные стили - от радикального реализма до импрессионизма - пейзажи, жанровые сцены и исторические иллюстрации. Тем не менее он является признанным лидером романтического историзма, сочетавший блестящий дар живописца и рисовальщика с добросовестностью ученого-историка.

​​«Говорят, в Питере много художников, разного уровня, но делятся они на два типа: одни снимают просторные студии с видом на финский залив и творят другие рисуют на оборотной стороне обоев, потому что холст нынче дорогой. Но что есть у всех общего – это смартфон. Любой. И именно смартфон становится холстом для современных художников. Цифровых. И так сотни и тысячи творческих людей, всех возрастов и локаций, начинают создавать свои арты с гаджетом в руках. Потом гаджет вырастает в планшет, графический. … А там – рисование от заката до рассвета и, что важно, работы этих счастливчиков сейчас востребованнее, чем написанные красками на холсте. Это глоток свежего воздуха для творческих натур, а освоить этот цифровой холст и кисти вы можете за ТРИ часа уже завтра. Мастер-класс топового цифрового художника страны сегодня ваш подарок! На нем можно через 3 часа освоить цифровую иллюстрацию и начать брать платные заказы. Не пропустите, даже если для вас зарисовки лишь хобби для души — тогда пусть ваше хобби приводит в восторг окружающих» МАСТЕР-КЛАСС ПО ЦИФРОВОЙ ИЛЛЮСТРАЦИИ УЖЕ ЗАВТРА – регистрируйся! https://telegra.ph/file/1de02ba18e002c0db3efc.jpg

Первые инкунабулы во многом были похожи на рукописные книги — они печатались шрифтами, изготовленными вручную, их украшали многочисленные рисунки и многоцветные заставки, в них, как и в старых рукописях, отсутствовали титульные листы. По мере развития технологий книгопечатания это сходство утрачивалось. Шрифты для инкунабул начали отливать из специально подобранных сплавов, в книгах появились титульные листы и иллюстрации, созданные печатным способом — гравюры. С каждым годом появлялись всё новые типографии, в которых печатали инкунабулы — во Франции, Италии, Испании, Польше и многих других европейских странах. Увеличивалась их производительность, а с ней — и тиражи. Так, печатник Антон Кобергер (Anton Koberger) основал в Нюрнберге крупную типографию, в которой было больше 100 работников и 24 печатных станка. Печатники Средневековья активно экспериментировали с форматами инкунабул. Они издавали как компактные карманные книги для ежедневного чтения, так и большие фолианты. Johannes Müller, Regiomontanus

Ну-с, продолжаем про коронационные альбомы. Вы, наверное, слышали, что Москву называют первопрестольной? Это связано, в том числе, и с тем, что именно здесь короновались, точнее, венчались на царство, цари и императоры. Как проходила церемония? Началом церемонии служило шествие императора с Красного крыльца в Успенский собор, далее он зачитывал Символ веры, после чего на императора возлагались мантия и корона, а священнослужители проводили обряд миропомазания. После монарх входил в алтарную часть через Царские врата, там причащался. Далее он покидал стены Успенского собора и в сопровождении подданных отправлялся в Архангельский и Благовещенский соборы, где должен был поклониться святым мощам предков и святых. День коронации завершался вечерним обедом, который давался в Грановитой палате. И все это отражалось в коронационных альбомах. Правда, создано было их не так много. Самый пышный, конечно, альбом Елизаветы Петровны. Сразу после ее коронации были составлены два варианта коронационных альбомов, включавшие рукописный текст описания и иллюстрации. Первый вариант альбома, который был подносным и был выполнен в технике акварели, был предназначен императрице Елизавете Петровне. Второй же был выполнен черной тушью и был отправлен в Петербург в Академию наук для изготовления гравюр и подготовки печатного текста. Описание коронации было закончено в 1746 (через 5 лет после восшествия на престол!!!). Однако вместо обещанных четырех языков, альбом был напечатан только на двух: русском и немецком. Первоначально было издано 600 экземпляров на русском и 300 экземпляров на немецком. Позже было допечатано еще 1200 экземпляров на русском. Коронационный альбом Елизаветы Петровны был последним законченным подобным изданием XVIII века. Коронационный альбом включает в себя: сюжеты коронационного обряда, изображения императорских нарядов и регалий и портретное изображение императрицы. Смотрите на картинках выше PROинтересныефакты

1.Концептуальность искусства. Картина мира, рисуемая художником есть не отражение окружающего мира, но лишь личностная точка зрения художника на этот мир. Этот очевидный факт лишний раз подтверждает концептуальность любого вида искусства, равно как и бессмысленность термина «концептуальное искусство», обо другого искусства попросту не бывает. Другое дело, что шаманы от искусства придали выражению «концептуальное искусство» какой-то особый смысл - но эти приемы «развода лохов» находятся уже вне компетенции искусства. Евгений Гегузин/Evgeny Gegouzin. Три Грации Макбета/Three Graces of Macbeth. 2022. Холст/акрил. 100х100 см.
2.Символизм искусства. Символизм лежит в основе любого вида искусства и именно символизм позволяет искусству существовать в виде единого целого. Формы этого символизма весьма разнообразны, как разнообразны и попытки избавиться от него, продиктованные банальным непониманием ситуации. Именно символы являются теми первичными образами, которые рождали неотделимые друг от друга сознание и материя, и которые, будучи вечной и неуничтожаемой сущностью, не соответствуют принципу «плодитесь и размножайтесь». Символизм искусства является преградой для всех попыток вульгаризации его и превращения в иллюстрации неких животных подходов. Евгений Гегузин/Evgeny Gegouzin. Купание Ангела/Angel’s Bathe. 2022. Холст/акрил. 100х100 см
3.Концептуальный символизм как течение визуального искусства характеризуется последовательной позицией в вопросах визуальной реализации идей, базируясь на принципах древнееврейского искусства и постулатах концептуализма 20-го века. Отсюда не только специфическая техника и колористика, но также и форма, и внешний вид объектов, и подача материалов художником. Концептуальный символизм является течением междисциплинарным и охватывает не только визуальные искусства, но и иные области знаний. Однако, идеи концептуального символизма не всегда соответствуют сиюминутным представлениям человека о природе, поскольку основаны на универсальных принципах организации мироздания. Например, в арт объектах этого течения активно используется форма круга наряду с броуновским хаосом и элементами рельефа, что позволяет приблизить изображение к реальности. Евгений Гегузин/Evgeny Gegouzin. Полет Валькирий/Walkurenritt. 2021. Холст/акрил. 100х100 см
4.Элитарность искусства и поп-арт. Непонимание и невостребованность искусства широкими массами есть явление закономерное, так как потребность в искусстве обусловлена у масс с одной стороны обезьянничеством, а с другой стороны - удовлетворением чисто животных инстинктов, типа секса и голода. Такое доступное искусство или, по-другому, поп-арт имеет не только тиражный, а следовательно коммерческий смысл, но и достаточно примитивный художественный уровень. Человечество, вообще, живет прошлым и это видно, прежде всего, в искусстве, которое и сегодня тяготеет к образам былого. Элитарность есть одно из неотъемлимых качеств, зависящих вовсе не от искусства, как такового, а от его восприятия. Евгений Гегузин/Evgeny Gegouzin. Мечты/Dreams 2021. Холст/акрил. 100х100 см Например, рассматривая арт-объекты концептуального символизма, подлинный эстет обратит внимание на их универсальное звучание, с отсутствием градации живое/неживое, эстет же мнимый - заведет разглагольствования о характере живописи.
Дополнительная информация www.newlineart.com

Картина участника ARTLIFE FEST 2022 Марко Мельграти «Visitors» отсылает нас к одноименному научно-фантастическому сериалу 80-х годов. Работа создана в диджитал-формате с использованием программы «Photoshop». Марко увидел забавные снимки туристов в интернете, которые будто пытаются удержать Пизанскую башню для эффектного кадра. Именно эту традицию с фото у достопримечательности художник отразил в своей иллюстрации. Марко повторил один из многих снимков туристов, добавив в него элементы своего авторского стиля.

В.Г.Игнатов (1922-1998) - один из самых известных и узнаваемых коми художников, работавший в области станкового искусства, сценографии, книжной иллюстрации, мультипликации и создания диафильмов. Василий Георгиевич был художником-постановщиком фильмов, ставших классикой отечественных мультипликаций: «Гадкий утенок», «Петушок – золотой гребешок», «Украденный месяц» и других. Работал на студии «Диафильм». Исполнил эскизы декораций и костюмов к спектаклям республиканских театров: «Яг-Морт», «Неприкаянная душа», «Усть-куломское восстание». В течение тридцати лет мастер работал над станковыми графическими циклами по теме коми легенд и сказаний. Ярким своеобразием графического стиля, глубоким проникновением в структуру фольклорного сюжета, национальной интуицией отличаются станковые графические серии: «Пера-богатырь», «Легенда о Кoрт-Айке», «Предание о Шипиче», «Сказание о Яг-Морте». Именно в работе над этими произведениями формировался неповторимый художественный почерк Игнатова. Его признаками стали: индивидуальная фантазия, основанная на богатом фольклорном материале; яркая декоративность цвета; стилизация рисунка. Богатое творческое наследие художника хранится в Национальной галерее Республики Коми.

Шампанское и риск Давайте разбираться, почему тот, кто не рискует, не пьет шампанского? История связана с гусарами Какой гусар без шампанского, правда? И с вдовой Клико. Был такой винодел - Франсуа Клико. Шампанское делал хорошее, но с осадком. Никто не вечен, так что, когда винодел ушел в мир иной, семейное дело в свои руки взяла его супруга, а теперь уже вдова Клико. И она придумала, как сделать шампанское идеально прозрачным Шампанское от вдовы сразу стало пользоваться популярностью, но были нюансы. Бутылки игристого напитка, хранившиеся в погребе вдовы Клико, часто взрывались в самый неожиданный момент и могли серьезно поранить того, кто находился рядом. Так что женщины еще и защитный костюм придумала, чтобы в погреб спускаться. Отсюда и фраза про риск - чтобы добыть шампанское, надо рискнуть А гусары? А гусары вошли в Париж после победы над Наполеоном и там напиток распробовали. И его стали активно завозить в Российскую империю. Правда, стоил напиток дорого, 10 рублей (умножайте на 1000, чтобы пересчитать на нынешние цены), так что и пили его по особым случаям И напиток был знаком достатка и благополучия, потому что далеко не каждый мог себе его позволить. Такие дела В качестве иллюстрации - литографии начала 19 века. Дамы и гусары танцуют гавот PROинтересныефакты

Как вы там? Не замерзли? Пока готовлю лекции для закрытого клуба и с опаской смотрю на улицу, наслаждаясь домашним теплом, вспомнила, что уже рассказывала вам про тепло в русских домах. Думаю, самое время повторить эту историю! Ведь, «Чтобы не мерзнуть, на зиму нужно уезжать в Россию» И это слова не про сегодня. Это воспоминания французской художницы Виже-Лебрен, которая в конце 18 века пережидала французскую революцию при русском дворе. Француженка называла температуру в домах «весенней», восхищалась тёплом внутри домов и приятными запахами. Ведь комнаты окуривали уксусом и мятой, а ко многим богатым домам ещё и примыкали собственные зимние сады, где круглый год цвели цветы (извините за тавтологию) Слова из ее воспоминаний: «В Санкт-Петербурге можно вообще не заметить холодов, если с наступлением зимы совсем не выходить из дома, настолько у русских усовершенствованы способы поддержания тепла. Печи везде столь хороши, что в каминах, по сути дела, нет никакой необходимости; это не более чем предмет роскоши. На лестницах и в коридорах воздух такой же, как и в комнатах, двери между которыми держат открытыми без всякого от сего неудобства» Кстати, книга называется -Воспоминания г-жи Виже-Лебрен о пребывании ее в Санкт-Петербурге и Москве. 1795-1801 Очень интересный взгляд иностранца на жизнь в России с бытовыми подробностями В качестве иллюстрации - ее автопортрет PROинтересныефакты PROискусство18века

Возвращаемся в рабочий и познавательный ритм после новогодних каникул и череды застолий И начнем с интересного факта про пиры. Считайте, сами из-за пиршественного стола недавно вылезли И если вам кажется, что было слишком много застолий, то я вас разочарую. Новогодние праздники по сравнению с пиром на Руси - детские забавы. Итак, понравилось бы нам, современным людям, на царском пире 17 века? Сомневаюсь! Пир длился по 10-20 часов. Еды было не просто много, а очень много. Начиналось застолье с закусок - соленья, копченья, квашения. Икру, кстати, не жаловали - она была едой для простых людей, не царской. Разве что «заморская», баклажанная, могла появиться на царском столе. считался деликатесом, который привозили из Индии (как сохраняли его свежесть - вопрос ). После шли мясо и рыба. Но выносили не каждому по порции - нет. Были вертела и блюда с целыми свиньями, лебедями, кукушками, осетрами, быками, рысями. Чем больше приготовленная туша, тем интереснее она была нафарширована - целыми птицами, начиненными гречкой и овощами, например. Потом в ход шли пироги И только после всех этих роскошеств - суп. Ну а в конце - сладкое ???? Обязательно красивое, точнее, очень красивое. Сахарный Кремль или дерево с пряниками Всего на пиру подавалось около 500 блюд Понятно, что люди столько съесть не могли… Но для этого было решение! Существовали специальные комнаты, где можно было освободить желудок, пощекотав горло фазаньим пером, и продолжить есть. А и еще! Вместо салфеток использовали капустные листы P. S. Как вы праздники провели? Отдохнули? Я все равно немного работала. Провела несколько экскурсий, лекцию (первую в этом году) в закрытом клубе, написала для вас много интересного на ближайшее время В клуб, кстати, можно вступать️ у нас герой следующих 4 недель - Суриков. А в качестве иллюстрации к истории про пиры - картина Константина Маковского. Боярский свадебный пир в 17 века. 1883 На картине ошибка! Какая - скоро расскажу PROинтересныефакты

Нобель, снежинки из России и женщина Красота и вдохновение - они вокруг нас. Нужно только обращать на это внимание Как когда-то, более 100 лет назад, это сделала Альма Пиль. И придумала «Морозные узоры». Ну, обо всем по порядку! Кто такая Альма Пиль? Это художник-дизайнер, единственная женщина, которая работала в фирме известного ювелира Карла Фаберже. Она придумала самое дорогое Зимнее яйцо (про него рассказывала тут). А еще сделала зимние узоры, точнее, снежинки неотъемлемой частью ювелирных украшений. Думаю, очевидно, что ее вдохновила природа Рабочий стол Альмы находился прямо возле окна. Там она красоту и уникальность ️ и разглядела. Эскизы украшений с зимними мотивами особенно пришлись по вкусу крупному нефтепромышленнику Эммануилу Нобелю, который работал в Российской империи. Да, фамилия - не совпадение. Он был племянником изобретателя динамита и основателя Нобелевской премии. Но была у Нобеля особенность… Эммануил устраивал приемы, на которых дарил гостям драгоценные подарки. И в 1911 году, как раз к очередному приему, сделал большой заказ фирме Фаберже - 37 брошей, но только с оригинальным и новым дизайном, который ранее никто не делал. Сказано-сделано! По эскизам Альмы Пиль были созданы уникальные произведения искусства из горного хрусталя, алмазов и платины. Серия эта получила название «Морозные узоры». А нефтепромышленник был так восхищен красотой ювелирных изделий, что даже выкупил права на дизайн. И потом заказывал себе «зимние» драгоценности. Такие зимние дела!️ В качестве иллюстрации - зимняя брошь Фаберже. PROинтересныефакты PROфаберже

Самое главное блюдо или зачем пекарю птицы? Или «Хлеб - всему голова». Какой рассказ про традиции без хлеба, правильно? Вот и я так думаю! Поэтому немного интересного про самый главный «фаст-фуд» дореволюционной России. Почему так? Потому что хлеб было удобно брать с собой на любые работы. Потому что его можно было есть на ходу (но так делали только крестьяне). На самом деле видов хлеба было огромное количество. Да и потребляли его тоже по нынешним меркам в промышленных масштабах. На одного крестьянин в день приходилось не менее 1,5 кг хлеба Если в деревнях хлеб готовили дома и не покупали, то в городах все же можно было это лакомство приобрести. И профессия пекаря была очень сложной и опасной! Тесто вымешивали вручную. В пекарнях было очень-очень жарко А еще и высокая опасность пожара и отравления угарным газом. Поэтому всегда в пекарнях стоял таз с водой и клетка с птичкой Зачем птицы, спросите вы? А это такая пожарная сигнализация … Если птица умирала от отравления газом или дымом, значит, пожар. В качестве иллюстрации - Илья Машков. Снедь Московская. Хлебы. 1924 P. S. Спасибо вам огромное за ответы! Все прочитала, взяла на заметку PROинтересныефакты

Поздравляю вас с праздником Крещения! И кратко расскажу, что отмечаем Считается, что в этот день Иисус Христос крестился в реке Иордан. Как это было? В начале нашей эры Иоанн Креститель, проповедник, у реки Иордан собрал людей, призывал к покаянию и смывал их грехи водой в реке. В момент этого таинства появился Иисус Христос и присоединился к тем, кто входил в воды Иордана. Согласно Евангелию в этот момент на Спасителя сошел Святой Дух в виде голубя, и голос с неба сказал: «этот человек — Сын Господа, который несет миру Его волю». Отсюда и второе название у Крещения - Богоявление. Главный символ праздника - вода. Это отсылка к тем далеким временам, когда произошло омовение Спасителя в водах Иордана. Считается, что вся вода в ночь на Крещение становится чудодейственной Отсюда купание в проруби и ажиотаж в банях А в качестве иллюстрации - неожиданная для главного мастера морских волн картина ️ Иван Айвазовский. Крещение. 1890е С праздником вас, дорогие! PROинтересныефакты

Вижу, что история с татуировкой императора понравилась Ну тогда ловите еще одну интересную историю про знак на теле. И про аферистку Начну немного издалека Есть ли у вас любимый фильм детства? Вот у меня (помимо «Чародеев») «Три мушкетера». Хотя и книгу обожала. Но не об этом! В «Трех мушкетерах» не последнюю роль играет некая Миледи, аферистка и женщина необыкновенной ангельской красоты. Согласно истории, рассказанной Дюма, на плече у Миледи было клеймо в виде лилии️ Надо сказать, Дюма любил историческую реальность приукрасить. На плече у Миледи если и было клеймо, то в виде латинской буквы «V». Именно так обозначали во Франции 17 века воров. Это все, конечно, очень интересно, но куда интереснее то, что Миледи действительно существовала. Только звали ее - Жанна де Валуа. И она была прямым потомком французского короля (правда, по линии внебрачных детей). А закончила свою жизнь, не поверите, в России И история с алмазными подвесками тоже была! Только вместо них в реальной жизни было ожерелье Рассказываю? Поставьте ️‍, если интересно А в качестве иллюстрации - портрет той самой аферистки. Мари Элизабет-Луиза Виже Лебрён. Портрет Жанны де Валуа, графини де ла Мотт (ок. 1780) PROинтересныефакты

Ну очень богатый художник ️ Раз в субботу я начну рассказывать про Иван Айвазовского в закрытом клубе, то ловите еще несколько интересных фактов про него Айвазовский был крайне востребованным художником, соотвественно, богатым. Проблем с финансами у него не наблюдалось Еще бы, он успел написать за жизнь 6000 картин! Сразу ли к нему пришел успех? Конечно, нет. Путь его был не простым. Но художник не унывал. Более того, придумал интересный рекламный ход - продавал недорогие открытки со своими картинами тем, кто не мог позволить себе большой холст ️ А еще Иван Константинович очень сильно любил шампанское, которым угощал всех гостей своего дома в Крыму И вместо десерта подавал на подносах картины А в качестве иллюстрации - фотография Ивана Айвазовского 1893 года со вставленной в раму настоящей, написанной маслом, картиной(размер картины — 10,6×7,3 см). Это фото,«инкрустированное» живописью, предназначалось Галусту Гульбенкяну, британскому финансисту и коллекционеру P. S. В общем, художник крайне интересный, так что лекции про него будут очень увлекательными чтобы их посмотреть - присоединяйся к клубу PROISKUSSTVO ️ PROайвазовский PROинтересныефакты

Трофейный экспонат Перед Днём Победы, еще одним важным майским праздником. И, кстати сказать, очень мною любимым, хочу рассказать вам про Великую Отечественную войну и искусство, а, точнее, про трофейное искусство. Слышали когда-нибудь такой термин? Трофейное искусство - это произведения, которые были похищены Вермахтом в период с 1939 по 1944 год. У Гитлера был план создать «Музей фюрера» в Линце, где все предметы искусства должны были храниться. Кто спас украденное искусство и вернул его музеям? Советская армия. Были специальные трофейные батальоны, которое искусство упаковывали и отправляли в различные пункты сбора в Европе. Часть произведений, например, из Дрездена, была вывезена в СССР. И нет, мы их не присвоили. А отреставрировали! Но в 1955 году было принято решение передать более, сейчас просто вдумайтесь в эту цифру, полутора миллионов спасенных экспонатов в ГДР В их числе была картина Рафаэля «Сикстинская мадонна». Уверена, вы ее видели в учебниках и интернете. Собственно, она в иллюстрации ️ P. S. Улыбаюсь, потому что знаю, как вас удивит все написанное выше… и это далеко не все, что могу вам рассказать ️ А еще радуюсь, что могу рассказывать вам про то, что мне самой важно. Мы должны помнить подвиги нашего народа. И знать свою историю и культуру Вступить в клуб PROISKUSSTVO и узнать еще больше интересного про русское искусство можно по этой ссылке Рафаэль. Сикстинская мадонна. 1512-1513 PROинтересныефакты PROзакрытыйклуб