ФЕДЕРИКО ОЛИВА (FEDERICO OLIVA), 1880-1920. ИТАЛИЯ.

Федерико Андреотти "Любовное письмо" (1880)

​Морфинистка — это серия из двух картин. Отношение к морфию в то время было недооценено и всё ещё считалось, что морфин, в отличие от опиума, наркомании не вызывает, ибо наркомания обусловлена исключительно «свойством желудка». Морфин использовался как обезболивающее во время войн, солдаты, побывавшие в лазарете, часто возвращались с войны наркоманами, что тогда ещё не вызывало озабоченности общества. Считалось частным случаем злоупотребления и получило название «солдатской болезни». https://telegra.ph/file/3bae4b900a18d4ed3dea7.jpg

Темная фигура 1938 год Федерико Кастельон «Whitney», Нью-Йорк Кастельон родился в Алхабии, Испания, учился в Мадриде и Париже, а поселился в Бруклине в Нью-Йорке. Был гравером-сюрреалистом, иллюстратором, художником и скульптором. По сути, художник-самоучка. Посещал посетил музеи Нью-Йорка поэтому на него повлияли и старые мастера и современные художники того времени включая Пабло Пикассо, Сальвадора Дали и Жоржа Руо. Примерно в это же время Кастельон познакомился с Диего Риверой, который рисовал фрески для Рокфеллер-центра. Он разглядел в нём талант и впоследствии устроил восемнадцатилетнему Кастельону его первую персональную выставку. Работы художника, действительно, ценны тем, что это первые образцы сюрреализма, созданные американцем.

"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека, Мюнхен. Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history

"Сдача Бреды" 1635 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Сдача Бреды» Диего Веласкеса – одно из наиболее знаменитых и значительных произведений европейской исторической живописи. Масштабное полотно (307 х 367 см) создавалось специально для новопостроенной королевской резиденции Буэн-Ретиро (к сожалению, разрушенной в ходе наступления на Мадрид французов в начале XIX века). Само название замка Буэн-Ретиро переводится с испанского как «благодатное уединение». Тем не менее, его оформление, которым занимался первый министр короля герцог Гаспар Гусман граф де Оливарес, было отнюдь не камерным, а чрезвычайно торжественным и парадным. «Сдача Бреды» являлась лишь одной из 20-ти больших картин, которые предназначались для Зала королевств, и должны были воспевать военные подвиги и завоевания испанского монарха (и патрона Веласкеса) Филиппа IV. Бреда – голланский город, важный стратегический пункт в войне Испании с Нидерландами. Протестантские по преимуществу Нидерланды стремились отстоять свою независимость от католической Испании. Но Мадрид, под чьей короной еще в начале XVII века объединялась чуть ли не половина территорий Старого и Нового света, не желал лишаться своей северной колонии. В 1625-м году героически сопротивлявшаяся Бреда была осаждена испанцами. Целых девять месяцев продолжалась осада. И всё-таки Бреда пала под напором испанцев. Веласкес показывает момент, когда комендант голландской крепости Юстин Нассауский с поклоном передаёт ключ испанскому адмиралу Амбросио Спиноле, который, в свою очередь, уважительно похлопывает противника по плечу. Изображая центральную группу, Веласкес почти буквально цитирует картину Питера Пауля Рубенса «Встреча Авраама и Мельхиседека» Мы видим не противостояние непримиримых соперников и не позорную сдачу города, а едва ли не акт подписания мира. Оба полководца преисполнены благородства и доблести: Веласкес трактует передачу ключей от Бреды почти как встречу между старыми друзьями. Только группы офицеров по обеим сторонам от них свидетельствуют, что здесь есть и победители, и побеждённые. Победители-испанцы изображены слева. Стройный ряд испанских копий смотрит в небо: их густота указывает на многочисленность испанцев, а то, что копья почти параллельны, – на их блестящую военную дисциплину. Нидерландцы слева, напротив, выглядят разрозненными и растерянными. Но испанец Веласкес очень бережно относится к чувству собственного достоинства противников: он не показывает их ни разбитыми, ни униженными. Кстати, «Сдача Бреды» еще известна под альтернативным названием «Копья», а в крайнем справа испанце (с закрученными усами, гордым взглядом и в шляпе с плюмажем) многие исследователи усматривают автопортрет художника. Ни Юстин Нассауский, ни Амбросио Спинола (с которым Веласкес был коротко знаком) не сумели оценить величественного искусства Веласкеса: ко времени создания картины (около 1635 г.) ни того, ни другого уже не было в живых. Но живопись сберегла их для истории. И теперь всякий, попав в залы мадридского Прадо, может собственными глазами взглянуть на одно из самых объективных исторических полотен во всей истории. Здесь ни одна сторона не показывается более правой или менее благородной, чем другая, а победитель и побеждённый демонстрируют невиданное между врагами взаимное уважение. ДиегоВеласкес Барокко _history

"Портрет Луиса Бунюэля" Сальвадор Дали, 1924 > Мадрид, музей Софии Дали познакомился с Луисом Бунюэлем в Королевской Академии Искусств в Мадриде, во время своего обучения в 1922-1926 годах. Бунюэль был одним из тех, кто в значительной степени повлиял на Сальвадора, так же как и Федерико Гарсиа Лорка – испанский поэт и драматург. Позднее Дали принял участие в съёмках двух фильмов Бунюэля: «Андалузский пёс» (1929) и «Золотой век» (1930). Портрет Луиса Бунюэля был написан, когда будущему режиссёру было 25 лет. Он изображён серьёзным и задумчивым человеком с пристальным взглядом, смотрящим в сторону от художника и зрителей. Картина выполнена в мрачноватых тонах. Сдержанные цвета создают атмосферу серьёзности и подчеркивают глубокомысленный взгляд.

Иван Айвазовский Вид Леандровой башни в Константинополе. 1848 Холст, масло. 58 × 45,3 см Третьяковка, Москва Картина написана в 1848 году под впечатлением от путешествия в Стамбул. На картине изображена Леандрова башня, построенная в XII веке на крохотной скале у входа в пролив Константинопольской гавани. Она издавна служила маяком и местом швартовки кораблей. Башня возвышается в центре пролива, на заднем плане видны корабли с белыми парусами и силуэты зданий Константинополя.

"Пара в кафе" 1885 г. Федерико Дзандоменеги Музей современного искусства, Риволи.

"Причёска" 1895 г. Федерико Дзандоменеги Частная коллекция.

В кафе «Новые Афины» XIX век Федерико Дзандоменеги Частная коллекция.

"Маки и бабочки" Май 1889 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Настоящий мастер сумеет отыскать сюжет для картины даже в самых простых вещах и явлениях. Таким мастером по праву можно назвать Винсента Ван Гога — любое его полотно, будь то зарисовка из уличной жизни или натюрморт, наполнены глубокой задумчивостью и скрытым восторгом перед красотой живой природы, предстающей перед нами в разнообразных обличьях. Картина Ван Гога «Маки и бабочки» — одна из многих композиций великого художника, которые привлекают зрителя гармоничностью линий и контрастными оттенками. На ней изображены цветки мака и пара бабочек, порхающих возле них. Это произведение живописец написал в сложный период своей жизни. Поссорившись в 1888 году с Гогеном, художник утратил душевное равновесие и обратился за помощью к врачам. Весной 1889 года он был помещен в лечебницу неподалеку от городка Сен-Рени, где провел целый год. На протяжении этого времени Ван Гог боролся с приступами депрессии и отчаяния, находя спасение в рисовании: неиссякаемым источником вдохновения для него служил живописный сад, в котором росли разнообразные деревья и цветы. Именно здесь он создал свои пейзажи с оливами и кипарисами, а также множество натюрмортов с цветами, в числе которых — картина Ван Гога, на которой изображены маки и бабочки. Искусствоведы отмечают созвучие этого полотна традиционной японской живописи. Художник словно скопировал традиционную манеру японских живописцев, изобразив все детали максимально декоративно. Издалека картина напоминает цветной эскиз, наспех набросанный в перерыве между работой над крупным холстом. Грубая неровная рамка, будто вышедшая из-под широкой кисти, обмакнутой в черную тушь, создает канву асимметричной композиции. Практически вся правая сторона картины Ван Гога «Маки и бабочки» заполнена художником, а в левой части он оставил почти пустое пространство, тронутое краской лишь в нескольких местах. Основная роль на картине Ван Гога «Маки и бабочки» отведена ярким контрастным пятнам, которые складываются в изображение пылающих красных маков, ярко-зеленой остролистной травы и нераспустившихся бутонов. Фоном для них служит лазурное небо, которое художник схематически изобразил несколькими широкими мазками. Две белых бабочки-капустницы, порхающих на клумбе с маками, служат противовесом крупным лепесткам цветков и составляют с ними единое целое. От картины веет спокойствием, которого можно достигнуть только во время созерцания живой природы. Картина Ван Гога «Маки и бабочки» хранится в Амстердаме в музее Винсента Ван Гога. Она стала источником вдохновения для многих современных художников и скульпторов, а ее многочисленные репродукции украшают интерьеры частных домов и деловых офисов. ВинсентГог Натюрморт Постимпрессионизм _history

Федерико Инфанте (1982) «The Search» 2021 холст, акрил. 122х102 см федерико_инфанте

"Северное сияние" Фредерик Эдвин Чёрч, 1865 > Вашингтон, Смитсоновский музей американского искусства При написании картины Чёрч использовал рисунок «Пик Чёрча, Арктика», сделанный Айзеком Израэлем Хейсом во время его полярной экспедиции 1860—1861 годов. Согласно подробному описанию, приведённому Хейсом в его книге «Открытое полярное море», а также в более поздней книге Чарльза Томлинсона, пик Чёрча находится на восточном побережье острова Элсмир, со стороны пролива Кеннеди, разделяющего северные канадские острова и Гренландию. Сам Чёрч был свидетелем северного сияния, которое можно было видеть с острова Маунт-Дезерт (штат Мэн) 23 декабря 1864 года. Он запечатлел его на картине «Северное сияние. Остров Маунт-Дезерт. Из Бар-Харбора, Мэн». Многие американцы, наблюдавшие это северное сияние, восприняли его как предзнаменование победы Севера в продолжавшейся гражданской войне — именно в качестве этого символа и была воспринята картина «Северное сияние», оконченная в 1865 году.

Ван Синвей "Поливающий цветы" (2013)

"Пряхи, или Миф об Арахне" 1650-е Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Перед нами масштабная картина, которую знаменитый социолог ХХ века Хосе Ортега-и-Гассет считал лучшей из поздних картин Веласкеса. Не избалованные всеобщим вниманием «Менины» с испанскими королевскими особами, а простонародных «Прях», написанных Веласкесом за три года до смерти (Прадо, где хранится полотно, датирует картину 1655 - 1660 гг), называет Ортега настоящей вершиной. Но для понимания картины, полное название которой «Пряхи, или Миф об Арахне», потребуется определённое интеллектуальное усилие. С первого взгляда не сразу и сообразишь, что именно перед нами происходит: никто из женщин не смотрит на зрителя, не посылает ему объяснительных сигналов. Позы прях на переднем плане настолько же реалистичны, насколько необычны. Обычно Веласкес писал королевских или придворных особ – они располагались лицом к зрителю и изображались в традиционной торжественной статике. А здесь мы видим героинь в ритмичном волнообразном движении. Некоторых – со спины. Других – наклонившимися, развернувшимися, присевшими – словом, полностью поглощенными работой. Помещение, где женщины заняты пряжей, темновато. Это заставляет вспомнить о ранних бодегонах Веласкеса – бытовых сценках, исполненных в манере Караваджо. А впереди, в смежной комнате, отделённой от нашей двумя массивными ступенями, потоком струится солнечный свет. Ортега-и-Гассет, кстати, полагал, что этот поток света, падающего слева, и есть протагонист (главный герой) картины. Свет щедро проливается на другую группу женщин в парадных пышных платьях. Рядом с ними располагаются музыкальные инструменты, а вся стена затянута гигантским дорогим гобеленом, изображение которого, при желании, тоже поддаётся расшифровке. Но прежде возникает вопрос: а что общего между этими двумя группками женщин? Чем они связаны? Почему эти два разнородных пространства Веласкес объединил? Причем не просто объединил, а подчинил принципу зеркальности. Композиционно эти группы аналогичны: по две героини справа и слева, а одна – впереди и несколько в глубине. Но уподоблены группы героинь на первом и втором планах только для того, чтобы тут же их противопоставить. «Здесь работают – там играют, здесь необработанная шерсть – там готовый гобелен, здесь отдёргивают портьеру, чтобы впустить свет, – там все залито светом, здесь крутится колесо прялки – там стоит виолончель, на которой никто не играет. Здесь пространство работы, ремесла, действия, там – созерцания, чистого искусства, - сравнивает искусствовед Марина Торопыгина, - две эти темы – ремесло и искусство – сопоставляются и в то же время как будто отражаются одна в другой». Однако оказывается, что связь между этими двумя группами персонажей, двумя разнородными мирами – гораздо глубже. Она не просто композиционная, но и смысловая. Дело в том, что, гобелен, который с таким вниманием рассматривают знатные дамы, рассказывает нам о… пряхах. Сравнительно недавно удалось установить, что изображение гобелена написано по мотивам картины Тициана «Похищение Европы». А это сразу же заставляет вспомнить о мифической пряхе Арахне. Согласно античной легенде, Арахна так возгордилась своим умением, что вызвала на поединок саму Афину – не просто богиню мудрости, но еще и изобретательницу веретена. Дерзость Арахны простиралась и дальше: она выткала на полотне эпизод из многочисленных любовных приключений отца Афины Зевса, а именно тот, где он похищает дочку сидонского царя Европу. Афина в назидание превратила Арахну в паука, чтобы ей вечно плести свою паутину (боязнь пауков так и называется – «арахнофобия»).

"Сельский крестный ход на Пасхе" 1861 г. Василий Григорьевич Перов Государственная Третьяковская галерея. В 1861 году незаконнорожденный сын прокурора из Тобольска, Василий Иванович Перов, получил золотую медаль Императорской академии художеств и право на заграничную поездку. Молодой талант «отблагодарил» академическое начальство и написал "Сельский крестный ход на Пасхе", картину «безнравственную, аморальную, дерзкую и глумливую». Зрители увидели в сюжете сатиру, а церковные власти обвинили художника в том, что тот выбрал из жизни единичный грязный эпизод и осознанно подчеркнул человеческие пороки и слабости. Представители Синода выразили протест и потребовали снять полотно с экспозиции. За создание «Сельского крестного хода на Пасхе» Перову прочили новую командировку – на Соловки. Мнения критиков разделились: одни увидели в художнике защитника народа и обличителя социальных пороков, другие – рисовальщика неприглядных сторон жизни, который убивает высокое искусство. Пока в обществе бушевали споры, меценат Павел Третьяков выкупил картину, выставил в галерее и силой авторитета защитил Перова от недовольства властей. Василий Перов видел героев будущих полотен с раннего детства. Внебрачный ребенок не имел права на титул и состояние отца и до конца жизни не избавился от денежных проблем. Поэтому талантливый художник выбирал для полотен знакомые и волнующие сюжеты: деревенский быт, попрошайничество, дележ наследства, пьяный разгул. Перов стал основоположником живописного направления критического реализма. Калеки и нищие, инвалиды войны и крестьяне в лохмотьях, изможденные дети и беспробудные пьяницы оживали на холстах и рассказывали о голоде, грязи и серости больше, чем сатирические памфлеты. Чем же не угодила картина «Сельский крестный ход на Пасхе» власти и духовенству? Зритель видит нестройное пьяное шествие с иконами и хоругвями на фоне хмурого весеннего деревенского пейзажа. Из крестьянской избы вываливается паства со священником. Духовное убожество персонажей затмевает физическое. Священник в праздничном облачении глядит осоловевшим взглядом, наступил на пасхальное яйцо, опустил крест и едва стоит на ногах. Рядом двое крестьян – один пытается встать на ноги, другой спит беспробудным сном. Молодая крестьянка с обшарпанной иконой в руках поет молитву и направляется в иную от процессии сторону. На крыльце хозяйка дома поливает водой и пытается привести в чувство упившегося мужа. Старичок в лохмотьях несет перевернутую икону и не замечает конфуза. Художник удивительно передал состояние трех персонажей во главе процессии, крестьян в праздничной одежде - двое пьяны и веселы, а третий, обращенный к зрителю спиной, окутан четко читаемым ореолом трезвости и осуждения происходящего безобразия. Пасмурный весенний пейзаж, голые ветви деревьев, лужи и грязь под ногами усиливают настроение, а пейзаж с глубокой перспективой показывает – путь к храму долог и утомителен и участники шествия точно не доберутся в «приличном виде». Так что за послание спрятал Перов в картине «Крестный ход на Пасхе» - злую критику духовенства и существующего образа жизни или отражение бытовых крестьянских реалий? Священники не получали зарплату от Российской империи, поэтому для увеличения дохода придумали ритуал пасхального «славления»: отправлялись по крестьянским подворьям, заходили в избы и исполняли церковные песнопения. Сельский крестный ход на картине Перова проходит в «светлую седьмицу» - неделю после празднования Пасхи. Процессия неделю месила грязь, волочилась по дворам в ожидании денежных пожертвований. Крестьяне, для которых весенняя пора была голодной и тяжелой, считали шествие «обдираловкой», приберегали остатки продовольствия и расплачивались с попами спиртным, а после выпроваживали гостей из избы. Перов не писал сатирический сюжет, «Сельским крестным ходом на Пасхе» художник показывает обыденную крестьянскую жизнь в период реформ 1861-го года без пафосного драматизма и прикрас. На холсте ожила Россия времен отмены крепостного права: хмурая и грязная страна, которая утонула в невежестве и безверии. ВасилийПеров Реализм

Герцог Урбино Федерико да Монтефельтро широко известен даже далёким от истории искусства людям, благодаря хрестоматийному профильному портрету кисти Пьеро делла Франческа (ок. 1470). У герцога был сломан нос и выколот правый глаз, но портрет это тактично скрывает.

​​️В «Иностранке» пройдут Дни Франкофонии. В фокусе Фестиваля этого года — Тунис, страна, принимающая Саммит Франкофонии в 2022 году. ️XVI Международный кинофестиваль им. А. Тарковского «Зеркало» пройдёт с 22 по 27 июля в городах Ивановской области. Специальные показы смотра пройдут в Москве. Программу опубликуем 07 июля. ️Музей архитектуры имени А. В. Щусева приглашает на выставку выставку фотографий современной архитектуры «Москва. Реальное». ️В Гонконге открылся Hong Kong Palace Museum. В музее представлены сокровища Дворцового музея в Запретном городе. Многие выставляются в Гонконге впервые, другие никогда не были представлены публике. Музей представляет шедевры искусства и культуры Китая и будет работать в направлении международных проектов и культурного обмена. Построенный на центральной оси Пекина, Запретный город свидетельствует о его важности для китайской политики и культуры. Дворец ранее не раз придавался реконструкции, но нынешний облик приобрёл во время правления Династии Цин (17-20 вв). В это время Китай налаживал международные связи, сохраняя древние традиционные ценности. На выставке Entering the Forbidden city: Architecture, Collection and Heritage представлено более 100 значимых работ из Дворцового музея, которые проливает свет на архитектуру и коллекции музея, а также на деятельность мультикультурного двора Династии Цин. Surrounded by Antiquities, from Twelve Ladies, Qing dynasty, Kangxi or Yongzheng period, 1709-32 Hanging scroll, ink and colour on silk The Palace Museum https://telegra.ph/file/6e226b2b4fbb8b6e1f445.jpg

Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history https://t.me/pic_history2/134

"Сдача Бреды" 1635 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Сдача Бреды» Диего Веласкеса – одно из наиболее знаменитых и значительных произведений европейской исторической живописи. Масштабное полотно (307 х 367 см) создавалось специально для новопостроенной королевской резиденции Буэн-Ретиро (к сожалению, разрушенной в ходе наступления на Мадрид французов в начале XIX века). Само название замка Буэн-Ретиро переводится с испанского как «благодатное уединение». Тем не менее, его оформление, которым занимался первый министр короля герцог Гаспар Гусман граф де Оливарес, было отнюдь не камерным, а чрезвычайно торжественным и парадным. «Сдача Бреды» являлась лишь одной из 20-ти больших картин, которые предназначались для Зала королевств, и должны были воспевать военные подвиги и завоевания испанского монарха (и патрона Веласкеса) Филиппа IV. _history