Фердинанд Георг Вальдмюллер (1793-1865) «Ожидаемая» 1860 дерево, масло. 81х63...

"Вечер в Каире" 1870 г. Иван Константинович Айвазовский Частная коллекция. В 2015 году на русских торгах аукциона Sotheby's была заявлена одна из редких картин Айвазовского не на морскую тему – «Вечер в Каире». Эстимейт установили в рамках 1,5-2 миллионов фунтов стерлингов, торги были назначены на 2 июня. Однако Национальное центральное бюро Интерпола в России направило в Великобританию запрос с требованием снять картину с торгов, поскольку в 1997 году она была похищена из частной коллекции в Москве. Судьба картины до похищения известна: полотно находилось в коллекции московского собирателя Дедова. В 1940-е он продал ее Ивану Носенко, занимавшему пост наркома судостроительной промышленности. После смерти Носенко картина перешла в собственность его вдовы. В 1997 году 80-летняя Тамара Георгиевна ожидала внучку с продуктами. Вместо нее пришлось встретить грабителей. Из квартиры вынесли работы Айвазовского, Саврасова, Шишкина. «Вечер в Каире» оценивается как самый дорогой экземпляр коллекции. Впервые полотно всплыло в 2013 году всё на том же Sotheby's. Сын Тамары Георгиевны, дипломат Владимир Носенко опознал один из лотов аукциона и заявил об этом. Полотно было снято с торгов до дальнейшего выяснения обстоятельств. В следующем году аукционный дом получил ответ на запрос из московского ОВД, в котором сообщается: «в материалах уголовного дела отсутствует описание, фотографии и какие-либо другие официальные документы, которые могли бы дать возможность сравнить картину, похищенную в 1997 году у потерпевшей Носенко Т.Г., с картиной, представленной на аукционе Сотбис в 2013 году». То есть доказать, что этот «тот самый Айвазовский», не представляется возможным. Таким образом, с юридической точки зрения ситуация для бывших владельцев оказалась практически безнадежна. Страсти вокруг картины разгорались нешуточные. Представители Sotheby's заявили, что картина не числится ни в списке украденных предметов искусства, составленном Министерством культуры России, ни в международном Art Loss Register. Однако аукционисты связались с «предположительно бывшим владельцем картины» и договорились о выплате определенного процента со стоимости лота. Похоже, в Sotheby's тоже не были уверены в чистоте происхождения картины и понимали, что такой способ решить проблему оптимален для всех. Однако российские и, возможно, британские правоохранители иначе посмотрели на это дело. МВД и Интерпол настойчиво требовали снять картину с торгов. Утром 2 июня 2015 года за несколько минут до начала торгов картина таки были снята. ИванАйвазовский Романтизм _history

Фердинанд Георг Вальдмюллер "Путь в новую жизнь" (1848)

Как отделаться от парня за 10 дней? Ну или дольше, но чтоб наверняка? Особенно, если парень этот – самый модный художник Вены и ваша жена без памяти влюблена в него. Вот уж задачка не из легких! Изящный выход из этой щекотливой ситуации нашёл Фердинанд Блох-Бауэр - муж той самой без памяти влюбленной барышни. Он заказал Густаву Климту (именно об этом художнике идёт речь) портрет своей жены. И предложил контракт на баснословную сумму. Контракт был очень сложный. Адель нужно было позировать, и позировать, и позировать. А Густаву – смотреть, и смотреть на неё. Около ста эскизов написал Климт к этому портрету. И закончил работу над ней за четыре года. И так Климту она надоела, что ни о каком романе не могло быть и речи. А мир обрёл великолепный «Портрет Адели Блох-Бауэр».

"Взгляд в бесконечность" 1911 г. Фердинанд Ходлер Частная коллекция. В 1910 году Фердинанд Ходлер получил заказ на картину, которая могла бы украсить лестницу недавно отстроенного Кунстхауса в Цюрихе. Работа предстояла грандиозная – художнику понадобилось 3 года, чтобы ее завершить. Первая версия полотна размером 4,5 на почти 9 метров провисела в музее совсем недолго, 3 месяца. Она оказалась слишком громоздкой. Сейчас на этот грандиозный «неудачный» вариант можно посмотреть в Базеле. Со всеми переработками и редакциями, исправлениями и пробами у Ходлера получилось 5 практически одинаковых картин – и одна из них, тоже довольно немаленькая, находится сейчас в частной коллекции. Эта работа – практически манифест ходлеровского художественного метода, концентрированная эстетическая программа его знаменитого параллелизма. Женские фигуры разворачивают то ли в пространстве, то ли во времени какой-то ритуальный танец, символизируя и живое человеческое движение, и сам ритм этого движения. Поза каждой уникальна (кстати, Ходлеру действительно позировали пять разных натурщиц), но вместе они создают симметричную жестовую композицию, которую легко продолжить. Например, по горизонтали: продолжая бесконечный танец за пределы полотна, мысленно дорисовывая эту цепь танцовщиц. А еще – по вертикали: следуя за взглядом каждой из пяти женщин. Все они смотрят в разные стороны, раздвигая для нас пределы картины. Ходлер любил синий цвет и был уверен, что только его можно без раздражения воспринимать на холстах большого размера. Но психическое равновесие зрителя, конечно, не единственная причина, по которой художник выбирает синий. «Синий – это цвет, который, как и море, как и небо, говорит мне о чем-то н...альном, о трансцедентном и величественном», - писал Ходлер. В каких-то нескольких сотнях километров, в тот же год, когда Ходлер получил заказ на «Взгляд в бесконечность», Василий Кандинский написал книгу «О духовном в искусстве». И тоже трактовал синий цвет как духовный и возвышенный. Но больше чем синий цвет Ходлер любил только женщин – всех тех земных красавиц, с которыми жил и которыми восхищался, своих бесконечных любовниц и удивительных жен, но и женщину вообще. Женщина для него – духовная опора, надежда этого мира, талисман и носительница тонко отстроенной, хрупкой внутренней гармонии. Женщина – источник всего живого, центр бесконечного жизненного цикла. И лучшее, что она может сделать – это просто существовать и иногда танцевать. На портретах и символических композициях Ходлера они танцуют почти всегда – даже когда замирают в привычной позе или просто держат цветок в руках, это кажется частью длинного, сосредоточенного танцевального, сакрального жеста. При этом музы Ходлера, которые на много лет задерживались в его мастерской и в его жизни, отнюдь не были украшением гостиных, усладой мужских глаз и живыми манекенами. Образованные и одаренные, они водили автомобили, фотографировали, коллекционировали живопись, исполняли свободные танцы и расписывали фарфор. Отводя взгляд от несущейся под колесами дороги, от восхищенных зрителей или кропотливой работы, поднимали глаза в небо, смотрели в бесконечность. ФердинандХодлер Символизм _history

"Безумие Хуаны Кастильской" Лоренцо Валлес, 1867 > Мадрид, Прадо Рожденная третьим ребенком в семье короля Арагона Фердинанда II, Хуана стала королевой и получила в мужья одного из самых завидных женихов того времени – герцога Бургундии Филиппа Красивого. Хуана и Филипп поженились, когда ей было 17. Филипп развлекался с придворными дамами, Хуана ревновала его: устраивала сцены, калечила любовниц. И все со страшными скандалами и нервными срывами. Пошли слухи, что молодая жена не здорова. В 28 лет Филипп скончался. Выпил холодной воды после игры в мяч, простудился и умер. В 26 Хуана стала вдовой, окончательно расстроившись психикой. Она не отходила от его тела, противилась похоронам. По её приказу гроб неоднократно вскрывался. Она хотела удостовериться, что тело не похищено. Мертвого мужа она ревновала не меньше, чем живого, поэтому в похоронной процесии не было женщин. Болезнью дочери воспользовался её отец. Он назначил себя регентом, а законную королеву поместил в монастырь.

Картины Георгия Харченко Вы можете приобрести работы художника. Вот его инстаграм: https://instagram.com/georgy__art?igshid=uiwtne6nyuqs

"Смеющийся кавалер" 1624 г. Франс Хальс Собрание Уоллеса, Лондон. «Смеющийся кавалер» – это пышный портрет молодого человека, стоящего в нарочито небрежной позе на простом сером фоне. В правом верхнем углу указан его возраст, 26 лет, и дата написания картины – 1624 год. Эта работа уникальна среди мужских портретов Франса Хальса, благодаря богатой цветовой палитре. Особо обращает на себя внимание яркий костюм натурщика – дублет с причудливой вышивкой белой, золотой и красной нитью и позолоченная рукоять рапиры, выглядывающая из-под левого локтя. Ни личность молодого человека, ни предназначение портрета наверняка неизвестны, однако некоторые важные подсказки исследователям может дать ослепительный костюм. Мотивы вышивки на дублете идентифицированы как распространённые в те времена эмблемы и символы удовольствия и любовных мук – стрелы, пылающие рога изобилия и узы влюблённых. Эти намёки на любовные интриги и ухаживания дают основания предполагать, что перед нами свадебный портрет. Однако для него не найдено парное изображение. Также высказывалось предположение, что некоторые элементы на костюме (особенно кадуцей, атрибут римского бога Меркурия) указывают на занятие торговлей. Авторитетный искусствовед Питер Бисбоер недавно предположил, чтобы натурщиком был Тилеман Ростерман, богатый торговец текстилем из Гарлема. К 1624 году Хальс уже написал несколько одиночных и парных портретов, а также групповой портрет «Банкет офицеров Гарлемской стрелковой гильдии св. Георгия». Последний, пожалуй, самая известная работа живописца, демонстрирующая его виртуозную способность передавать жизненную силу и дух своих моделей. Представительный вид «Смеющегося кавалера» объясняется тем, что художник поместил его в непосредственной близости к зрителю и изобразил с низкой точки. Рука, упирающаяся в бедро, также является отличительной особенностью мужских портретов Хальса – так он показывал уверенность натурщиков в себе. Кроме того, эта поза придаёт картине визуальную глубину. Портрет выполнен разными мазками – от тонких сливающихся штрихов на лице до более широких, свободных мазков на костюме. Детали тонкого кружева издалека выглядят тщательно проработанными, но вблизи оказываются быстрым наброском. Может показаться, что широкие линии руки и складки драпировки над животом мужчины были написаны за несколько секунд быстрыми длинными штрихами. Есть что-то чрезмерное в сочетании румяного лица и массы шелков и кружев. Герой портрета реален и нереален одновременно. К началу XIX века творчество Хальса было практически забыто. Несмотря на это, холст «Смеющийся кавалер» стал объектом яростной битвы между Ричардом Сеймуром-Конуи, 4-м маркизом Хартфордом и бароном Джеймсом де Ротшильдом на парижском аукционе в 1865 году. Первый победил, заплатив королевскую сумму в 51 тысячу франков (ныне около 3 тыс. долларов). Это событие оказалось поворотным моментом в репутации художника, интерес к которому начал возрождаться. Свободная, спонтанная техника и иллюзия мимолётного снимка сделали картину привлекательной для коллекционеров и художников викторианского периода. Последние стремились именно к такому ощущению реализма – без лощёной фактуры и гладкого нанесения краски. Влияние Хальса заметно в широких мазках Эдуара Мане и его последователей-импрессионистов, а Джеймс Эббот Макнейл Уистлер подражал голландцу в своей работе «Композиция в светло-розовом и чёрном. Портрет Теодора Дюре» (ок. 1883). Первоначально картина называлась просто «Портрет мужчины», но на выставке Королевской академии в 1888 году она уже значилась как «Смеющийся кавалер». Несмотря на то, что человек на ней на самом деле не смеётся и не является кавалером, изображение излучает веселье, бодрость и долю чванства. Среди составляющих такого настроения – низкая точка обзора, ослепительная техника, закрученные кверху усы, блеск в глазах и надменная поза молодого человека. ФрансХальс Барокко _history

Георгий Курасов "Шахматы" (2002)

​​1 июня 2021 года впервые за сорок лет открылась для посещения церковь Преображения Господня Кижского погоста. Церковь была закрыта с 1980 года. Церковь Преображения Господня в Кижах. Фото: Игорь Георгиевский. Источник: culture.gov.ru https://telegra.ph/file/3fb250861682770fce039.jpg

Фердинанд Вальдмюллер "Ожидаемая" (1860)

Георгий Курасов "Тени" (2006)

"Орфей, ведущий Эвридику из преисподней" 1861 г. Камиль Коро Музей изящных искусств, Хьюстон. Картина Камиля Коро «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» – пожалуй, самое волнующее из всех живописных воплощений древнего мифа. Пронзительная нежность её тончайшей серебристо-зеленоватой гаммы сопоставима разве что со скрипичной увертюрой к опере «Орфей и Эвиридика» Кристофа Виллибальда Глюка. Согласно мифу, воспроизводимому в «Георгиках» Вергилия, лесная нимфа Эвридика была покорена музыкой и пением влюблённого в неё Орфея. Но счастье взаимной любви длилось недолго. Когда Эвридика с подругами-дриадами водила хороводы в роще, её ужалила смертоносная змея. Потерявший жену Орфей был безутешен. Он решает отправиться в подземное царство и вымолить у Аида и Персефоны отпустить Эвридику с ним. Его музыка помогла ему быть убедительным. Лишь одно условие было выдвинуто легендарному певцу: не оглядываться – иначе Эвридика умрёт. Но Орфей не вытерпел. Он повернулся удостовериться, что любимая следует за ним, и лишился Эвридики, теперь уже навсегда. У Камиля Коро есть и менее известная картина «Орфей оплакивает Эвридику», рисующая предпоследний акт свершившейся драмы (финалом которой станет растерзание Орфея обезумевшими вакханками). А картина «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» показывает зрителю тот момент, когда еще жива надежда, когда Орфей держит свою лиру в высоко поднятой руке, как путеводный факел, озаряющий путь, а мрачные тени подземного царства тают в предутреннем тумане. Пейзаж для Коро в этой картине оказывается, как ни удивительно, намного важнее главных персонажей. Коро был настоящим виртуозом в передаче переходных состояний природы – этих туманов, которые вот-вот рассеются, но могут и угрожающе сгуститься. Или этих коротких минут, которые уже и не ночь, но и еще и не утро – недаром его называли «певцом рассвета», а президент Французской Республики Наполеон III шутил: «Чтобы понять этого художника, придётся слишком рано вставать». В изображении Царства теней нет ничего пугающего или резкого – только призрачность, только прозрачность. Достичь этой невероятной зыбкости Коро помогали валёры – тончайшие переходы тонов в пределах одного цвета. Известен афоризм художника «Валёры – прежде всего!». Коро еще будут называть «поэт деревьев». Его деревья – особые, узнаваемые. Они написаны тонкой кистью, мазками и помельче, и покрупнее. Разные размер и плотность мазка дают возможность показать, как волнуется крона деревьев, как подрагивают на ветру листья. Мы смотрим на неподвижное полотно и – о, чудо! – ощущаем вибрацию воздуха и трепет листвы. После импрессионизма этому больше не принято удивляться. Но Коро начал писать за несколько десятилетий до экспозиций импрессионистов, а к ним самим отнёсся настороженно: называл «бандой», отговаривал своего ученика и тёзку Камиля Писсарро участвовать в их выставках. И, тем не менее, лирический пейзаж Коро делает его самым близким предтечей имперессионизма. Коро пришлось снести немало нападок за верность собственной манере, за свой незапланированный авангардизм. Им долго и высокомерно пренебрегал официальный Салон. Картины Коро развешивали в самых тёмных залах выставок Салона, где его валёры мудрено было разглядеть, а о его великолепных деревьях обидно утверждали, что это-де «какая-то грязная мыльная пена». В действительности живые деревья в царстве мертвых – чудесная живописная находка Коро. Он видел в создании пейзажей высшую и единственную цель собственной жизни. Ради неё он отрёкся от радостей супружества – по сути, сознательно отказался от счастья Орфея и Эвридики. «У меня, – признавался Коро, – есть единственная цель, которой я намерен следовать всю жизнь, – писать пейзажи. Это решение не подлежит изменению и не позволяет мне связывать себя узами брака». КамильКоро МифологическаяСцена Романтизм _history

"Портрет Карла I, короля Англии, в трёх ракурсах" Антонис ван Дейк, 1635 Среди картин Ван Дейка традиционно обращает на себя внимание «Тройной портрет Карла I». Идея произведения была взята у Лоренцо Лотто, который написал «Портрет мужчины в трех ракурсах». Но Ван Дейк, конечно, не был плагиатором и не утратил вдохновения: заимствование идеи имело практическое значение, так как по картине Ван Дейка должны были сделать бюст монарха, который не мог находиться при этом лично. Для изготовления бюста нужен был качественный портрет в нескольких ракурсах. Основная цель художника состояла в наиболее точном изображении головы короля. На холсте Ван Дейка он изображен утонченным мужчиной с задумчивыми, печальными глазами. С правой стороны можно видеть жемчужную сережку — обычное украшение для знатного мужчины той эпохи. По центру монарх облачен в красное, он придерживает рукой голубую ленту из атласа, на ней висит орден, Малый Георгий. С левого ракурса выделяется палец короля, продетый сквозь ту же ленту.

В 1906 году Сезанн написал ещё два варианта этого портрета, оба они фигурируют под названием «Садовник Валье». Основные отличия этих вариантов: Валье изображён на фоне стены, и на голове у него шляпа с закруглённой тульей. Первый вариант сразу после написания был выставлен в галерее Воллара и продан в галерею "Мальборо" в Лондоне, где 2 февраля 1954 года его за 180 000 швейцарских франков купил швейцарский бизнесмен и коллекционер Эмиль Георг Бюрле. После смерти Бюрле его наследниками был основан фонд его имени, за счёт средств которого был открыт публичный музей, в собственность которого было передано всё собрание Бюрле. Второй вариант остался незаконченным (заметны значительные участки непрокрашенного холста) и долгое время находился в мастерской художника. В галерею Воллара картина была передана лишь 14 сентября 1926 года, спустя 20 лет после смерти художника. 23 марта 1927 года её купил лондонский арт-дилер С. Фрэнк Ступ, у которого картина в 1933 году была куплена для галереи Тейт.

"Апофеоз святого Фомы Аквинского" 1631 г. Франсиско де Сурбаран Музей изящных искусств, Севилья. «Апофеоз Фомы Аквинского» – огромная, почти пятиметровая картина, написанная Сурбараном в 1631-м году для Коллегии св. Фомы в Севилье. Когда-то она венчала собой алтарь доминиканского монастыря, к которому относилась Коллегия, а сейчас представлена в севильском Музее изящных искусств. Есть некоторый парадокс восприятия: для нас Сурбаран ассоциируется в первую очередь с практически монохромными одиночными композициями, скупыми и строгими, с резкой светотенью. Но современники художника его величайшей работой считали как раз «Апофеоз Фомы Аквинского» – не вполне по-сурбарановски многофигурный и многоцветный. Композиция с её разделением на два яруса – схематична, но такая «двухчастность» земли и неба была в искусстве времен Сурбарана традиционной. К тому же Сурбарану удалось идеально сбалансировать монументальность форм и внимание к мельчайшим подробностям. По всей вероятности, тему картины Сурбарану внушили заказчики. «Апофеоз Фомы Аквинского» посвящён торжественному основанию Коллегии св. Фомы, которое произошло в 1517 году. На покрытом пурпурным бархатом столе внизу картины лежит Акт основания Коллегии. В нижнем ярусе мы можем видеть её учредителей – императора Карла V и кардинала Диего де Деса. За спиной короля стоят коленопреклоненные знатные граждане Севильи, а за спиной кардинала – монахи-доминиканцы. Что касается верхнего яруса, то в нём сосредоточены все те, кто осуществляет, так сказать, небесный патронат над Коллегией. На облаке справа – Христос и Дева Мария. Напротив них, слева, – Бог Отец, который, оживлённо жестикулируя, беседует со святым Домиником. Голубь, осеняющий крыльями голову св.Фомы (в центре композиции), традиционно олицетворяет Дух Божий, или, согласно менее распространённой версии, - божественное вдохновение, снизошедшее на Аквината. Теолог Фома Аквинский, чьё учение было положено в основу доктрины католической церкви, изображён с пером и книгой в руках. Вокруг него расположены другие именитые книжники: справа – святые Иероним и Августин, слева – Амвросий и Георгий. Их жесты красноречиво указывают на то, что сейчас они сверяют по книгам какие-то теологические тонкости. Особое восхищение вызывает то, как реалистически достоверно написаны действующие лица. Сейчас мы просто оцениваем то, насколько они индивидуализированы и конкретны, а современники Сурбарана – узнавали в них своих знакомых. В круглом лице Фомы с высоким лбом они видели эконома Коллегии Нуньеса де Эскобара, друга художника; в человеке за спиной короля – служителя Гонсалеса де Абре. Во втором слева монахе-доминиканце, изображённом в профиль, некоторые искусствоведы видят самого Сурбарана. Как известно, художник не оставил автопортретов, поэтому искать Сурбарана инкогнито на его картинах исследователи продолжают уже несколько столетий. Доминиканец с «Апофеоза Фомы Аквинского» пока (до появления каких-либо новых фактов или методов исследования) конкурирует в плане идентификации со святым Лукой с «Распятия» 1639-го года из музея Прадо. ФрансискоДеСурбаран РелигиознаяСцена Барокко _history

Еще тут есть: Райский сад с изгнанием из него (обратите внимание на трехликого Бога, такие изображения были в ходу как раз до XVI века, потом за них художников очень гоняли) Вавилонская башня (с одной хулиганской деталью), животные, покидающие Ноев ковчег (тут вы найдете три послепотопных Ноя сразу - и жертву приносящего и возделывающего виноградники и пьяненького накануне неудачного пранка его сына Хама), Благовещение, выполненное как житийная икона, Давид с арфой, пораженный страстью к Вирсавии в окружении миниатюр с изображением святого Павла, Страсти Христовы, Сошествие в Ад, совершенно сказочный Хлодвиг, получающий fleur de lys, свой новый герб с лилиями (на самом деле ирисами), от своей жены Клотильды, а еще, конечно, сам заказчик, Джон Ланкастер, молящийся перед Святым Георгием в невероятном синем плаще, украшенном орденом имени самого себя (это орден король Эдуард III придумал в 1348 году, но кто скажет, что это анахронизм!) и жена заказчика, Анна, молящаяся Святой Анне, конечно же.

Георг Шольц (10 октября 1890 – 27 ноября 1945) — немецкий художник. Шольц быстро стал одним из лидеров «Новой вещественности» — группы художников, практиковавших наиболее циничную форму реализма. Известными представителями этого течения были Макс Бекман, Георг Гросс и Отто Дикс, в своих работах Шольц некоторое время соперничали с ними по ярости посыла. Однако к 1925 году его подход к картинам стал мягче и в чём-то ближе к неоклассицизму, что видно в таких работах как «Автопортрет перед рекламной тумбой» (1926) — первый в галерее выше. После прихода в 1933 году к власти в Германии Гитлера и национал-социалистов Шольц быстро потерял работу преподавателя. Его творчество было объявлено дегенеративным искусством, в 1937 году его произведения были изъяты в рамках кампании по «очищению» немецкой культуру, а самому художнику в 1939 году было запрещено рисовать.

Юрий Георгиевич Чистяков (1931-2001). "Дельта Селенги. Вечерняя зорька" Акварель, бумага. Yuri Georgievich Chistyakov (1931-2001). " The Selenga Delta. Evening dawn " Watercolor, paper.

Скульптор Донателло 1. Бронзовый барельеф Мадонна с младенцем, 1443 год 2. Памятник Гаттамелате 3. Св. Георгий Победоносец 4. Св. Марк 5. Юдифь и Олоферн Полное имя — Донато ди Никколо ди Бетто Барди (ок. 1386 — 13 декабря 1466, Флоренция) — итальянский скульптор эпохи Возрождения, основоположник индивидуализированного скульптурного портрета. Изучение памятников греко-римской пластики умерило его реалистические стремления, поэтому у него можно выделить два стиля: реалистический и классический.

Большой город 1917 Георг Гросс Превращение городов в гигантские метрополии было одной из самых любимых тем художников XX в., к которым принадлежал и Георг Гросс. В стремлении запечатлеть эти быстрые перемены Гросс изображает Берлин в самый разгар Первой мировой войны в экспрессионистском стиле с преобладанием красного цвета. В построении сцены использованы приёмы кубизма и футуризма — утрированная перспектива и наложение фигур, — передающие лихорадочный ритм городской жизни. Но в противоположность триумфальному мироощущению других художников, личный фронтовой опыт автора придаёт его произведению апокалиптический характер, выявляя безумие человека и стремление к самоуничтожению. С приходом нацистов к власти полотно «Метрополис» экспонировалось на выставке «Дегенеративное искусство». Вскоре после этого оно было среди произведений, проданных нацистским режимом в галерею Фишера в Люцерне в рамках сбора средств для программы перевооружения. Сейчас картина находится в Музее Тиссен-Борнемиса в Мадриде

"Мужчина за чтением у лампы" 1814 г. Георг Фридрих Керстинг Винтертурский художественный музей.

Святой-всадник на западном фасаде справа от главного входа. Церковь Святого Георгия. Курбиново, Северная Македония. XII век. The Holy Horseman is on the western facade to the right of the main entrance. St. George's Church. Kurbinovo, North Macedonia. XII century.

​​Автопортрет Рембрандта за 198 миллионов долларов покупают Нидерланды Правительство Нидерландов готово заключить многомиллионную сделку с семейством Ротшильдов, которое занимается коллекционированием произведений искусства. Предмет договора — автопортрет Рембрандта ван Рейна стоимостью в 198 миллионов долларов. Власти страны готовы потратить эту сумму (включая 170 миллионов долларов из государственной казны) с тем, чтобы картина навсегда осталась «общественной собственностью в Нидерландах». Автопортрет под названием «Знаменосец» (De Vaandeldrager), который художник голландского Золотого века написал в 1636 году, на протяжении веков находился в руках частных коллекционеров. В их число входили король Англии Георг IV и клан Ротшильдов, который владел картиной с 1844 года. Семья готова отказаться от заветного портрета за 175 миллионов евро (198 миллионов долларов). Покупка ещё не завершена, поскольку правительству Нидерландов необходимо одобрение парламента. Деньги поступят из трёх источников: фонд Рейксмузеума в Амстердаме внесёт 10 миллионов евро (или 11 миллионов долларов), ещё 15 миллионов евро (17 миллионов долларов) поступят от Ассоциации Рембрандта. Остальные 150 миллионов евро будут выплачены деньгами налогоплательщиков. После приобретения «Знаменосца» Рембрандта государство планирует отправить его в турне по стране. После него картина займёт постоянное место в Галерее почета Рейксмузеума. Она уже выставлялась там в 2019 году, когда семья Ротшильдов впервые заявила о намерении продать её. Сразу после этого Франция установила запрет на экспорт автопортрета, объявив его национальным достоянием. Однако французскому правительству пришлось отказаться от права на выкуп картины, поскольку оно не смогло собрать необходимые средства. Тогда в игру вступили Нидерланды. «Благодаря этому совместному приобретению мы делаем одну из самых красивых работ Рембрандта доступной для всех. После столетнего путешествия „Знаменосец“ теперь навсегда вернётся домой», — говорится в заявлении министра образования, культуры и науки Нидерландов Ингрид ван Энгельшофен. Она добавила, что работа навсегда останется собственностью государства. «Знаменосец» считается исторически и художественно значимым произведением искусства. Это одна из первых картин, которые Рембрандт создал, став независимым художником. Они проложили путь к художественному прорыву, вершиной которого стал знаменитый шедевр «Ночной дозор». Знаменосцы сражались на передовой в Восьмилетней войне, которая в конечном итоге привела к основанию Нидерландов в 1648 году. «Это тот момент, когда Рембрандт стал Рембрандтом! Качество картины и тот факт, что она знаменует собой художественный прорыв, делают её беспрецедентной работой мастера», — сказал о работе Тако Диббитс, генеральный директор Рейксмузеума. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/649ac582fc5ec32a1ff29.jpg

Андрей Симаков (1980) «Георгий Победоносец» 2021 холст, масло. 120х90 см андрей_симаков

Георгий Курасов

1. «Дон Хуан де Калабасас», ок. 1628-29, Художественный музей Кливленда. 2. «Придворный шут по прозвищу Барбаросса», 1637-40 — шут, хваставшийся своими военными талантами, за что получил прозвище в честь алжирского пирата Хайр-ад-Дин Барбароссы. Шут изображён в турецком красном костюме. Портрет незакончен. 3. «Шут по прозвищу дон Хуан Австрийский», ок. 1632 — прозвище дано шуту в честь знаменитого полководца, побочного сына Карла V, поэтому он изображён с атрибутами парадного портрета военачальника — с доспехами, и пейзажем битвы на заднем плане. 4. Придворный карлик с книгой в руках («Карлик дон Диего де Аседо по прозвищу Эль Примо»), 1644 — по своему сложению Эль Примо (прозвище означает «Кузен») относится к лилипутам непропорционального карликового роста. Происхождение подобной аномалии — последствия тяжёлого рахита, перенесённого в раннем детстве и вызывающего нарушение минерального обмена в растущем организме. Но такие люди, как правило, хорошо учатся, получают образование, обзаводятся семьями. Эль Примо занимал особое место среди придворных шутов: он происходил из древнего дворянского рода и принадлежал к ближайшей свите короля, сопровождая его в поездках по стране. Карлик считался образованным человеком, любил литературу и сам сочинял стихи. Кроме своих шутовских обязанностей, он имел почетную должность в канцелярии королевской печати, да и на портрете он изображён с книгой в руках. Известно, что Эль Примо стал героем мелодраматической истории, когда ревнивый смотритель королевского дворца убил кинжалом свою жену за связь с ним. 5. «Шут Хуан де Калабасас», ок. 1637-39 — шут изображён с высохшими тыквами-погремушками (исп. калабасы, откуда и его прозвище), которые традиционно являются атрибутом глупости. Второе название картины — Эль Бобо («дурак») из Кории. Считается самым ранним из этой серии портретов Веласкеса. 6. Придворный карлик Франсиско Лескано по прозвищу «Дитя из Вальескаса», ок. 1643-45 — неряшливо одетый подросток с крупной головой, большим зобом и постоянно открытым ртом. Одутловатое лицо с седловидным носом, широко расставленные глаза, низкий лоб и непропорционально короткая фигура с толстыми кривыми ножками — характерные признаки больного кретинизмом. Эта болезнь, как правило, связана с резко сниженной функцией щитовидной железы, что вызвано недостаточным потреблением йода с пищей. Кретинизм часто встречается в горных районах с эндемическим распространением зоба. Именно в такой деревушке Вальекас, неподалеку от Мадрида, родился Франциско Лескано. Известно, что Франциско Лескано принадлежал принцу Балтазару Карлосу и умер в 1649 году в возрасте двадцати двух лет. 7. Карлик, сидящий на полу, ок. 1643-44 — шут правителя Фландрии кардинал-инфанта Фердинанда. Причиной физических недостатков Себастьяна де Морра явилась тяжёлая наследственная болезнь, называемая ахондроплазия, при которой нарушается рост хрящевых и костных тканей. Поэтому у Морра так нарушены все пропорции тела. Но умственные способности, психика и сексуальные способности у таких людей остаются совершенно нормальными. По свидетельствам современников, де Морра был на редкость умный и ироничный человек, к тому же отличавшийся феноменальной физической силой и любвеобильностью.

​​️Дом музыки в Будапеште, построенный по проекту Sou Fujimoto Architects, откроется 23 марта.   Японский архитектор Су Фудзимото черпал вдохновение в синергии между звуком и природой. Крупнейший европейский городской культурный комплекс станет новой достопримечательностью столицы Венгрии.   Миссия Дома музыки в Венгрии — сделать музыку неотъемлемой частью жизни каждой семьи, ребенка и взрослого.   ️Ретроспектива немецкого классика современного искусства Георга Базелица проходит в Центре Помпиду. Художник начинал карьеру в ГДР и прославился своими экспрессивными картинами.   ️08 февраля в Музее Победы откроется новая выставка «Герои в небе и на земле».   Временная экспозиция посвящена летчикам-штурмовикам 6-го Гвардейского штурмового авиаполка и бойцам трагически известной 2-й Ударной армии. ️В Туле появятся филиалы трех российских музеев: ️Театрального музея имени А.А. Бахрушина ️Политехнического музея ️Музея древнерусской культуры и искусства имени Андрея Рублева.     Создание филиала в Туле станет значимым событием в рамках празднования 75-летия Музея имени Андрея Рублева. https://telegra.ph/file/05285aaebd864978103fe.jpg

Георгий Ряжский "Рабфаковка" (1926)

​​️23 и 24 апреля в ГЭС-2 пройдут бесплатные лекции, беседы и игры от ассоциации юристов, медиаторов и переговорщиков.   ️В Царском селе создали VR-версию Янтарной комнаты.   ️В конце апреля к 475-летию со дня рождения Сервантеса, Дню испанского языка и Всемирному дню книги, в Библиотеке иностранной литературы пройдёт фестиваль «Дни Сервантеса».   Откроет фестиваль Праздник Розы и Книги, который уходит корнями в 18 век. Так называют день Святого Георгия — покровителя Каталонии.   Праздник отмечают в Каталонии, автономном регионе Испании. По традиции в этот день мужчины дарят любимым женщинам розу, а женщины мужчинам — книгу. Утром каждый читатель получит в подарок книгу и розу.    Программа   ️23 апреля в Петербурге в галерее One’s Mind откроется выставка работ молодых художников «Fragile! Осторожно: хрупкий груз! VOL. 2».   Наша подруга и прекрасная художница Валерия Витвицкая представит скульптурную инсталляцию «Шепсес Анх: живой образ». Ключевым принципом данной работы является миф: маска хищного кошачьего животного и руки девушки, а также  визуальный и смысловой контраст: сочетание черного твердого и матового с розовым, жидким и глянцевым, сочетание сильного и опасного хищника с уязвимым и незащищенным состоянием.   Валерия рассуждает на тему женственности, гармонии женского и мужского начал.   https://telegra.ph/file/51457d13ff857386b2ffb.jpg

Святой Георгий - астронавт https://tanjand.livejournal.com/3557940.html

Георгий Курасов (1958) «Ожидание» 2022 холст, масло. 121х121 см георгий_курасов

Памятник Кристоферу Марло сравнивают с монстром из «Пиратов Карибского моря» Показательная история. Рассказ том, как народ во всем мире относится к современному искусству. Читайте. Скульптура, сделанная из переплетенных полос переработанной стали, вызвала явное недовольство жителей Кентербери из-за отсутствия черт лица. Среди тех, кто выражает свое неодобрение, бывший лорд-мэр Джордж Меткалф, который считает, что Марло заслуживает лучшего. «Я не возражаю против того, чтобы была статуя, но я хочу, чтобы она выглядела как реальный человек — иллюстративное, образное изображение Марло — чтобы люди могли его по-настоящему оценить. «Многие известные люди родились в Кентербери, но он, вероятно, самый известный — он родился в том же году, что и Шекспир, и работал с ним над некоторыми из его пьес. Марло — один из самых известных драматургов елизаветинской эпохи. Загадочно погиб в возрасте 29 лет. Его зарезали в таверне. Меткалф также обеспокоен предложением установить скульптуру в башне Святого Георгия — остатках церкви, где крестили Марло. Он считает, что такое «чудо» в центре города приведет к вандализму. Проект понравился? Ведь Марло – многоликий и таинственный. Он был шпионом, поэтом, драматургом. Лорду Меткалфу, главному критику композиции, 85 лет. Что значит его мнение? Мудрость? Или косность?

В.Г.Игнатов (1922-1998) - один из самых известных и узнаваемых коми художников, работавший в области станкового искусства, сценографии, книжной иллюстрации, мультипликации и создания диафильмов. Василий Георгиевич был художником-постановщиком фильмов, ставших классикой отечественных мультипликаций: «Гадкий утенок», «Петушок – золотой гребешок», «Украденный месяц» и других. Работал на студии «Диафильм». Исполнил эскизы декораций и костюмов к спектаклям республиканских театров: «Яг-Морт», «Неприкаянная душа», «Усть-куломское восстание». В течение тридцати лет мастер работал над станковыми графическими циклами по теме коми легенд и сказаний. Ярким своеобразием графического стиля, глубоким проникновением в структуру фольклорного сюжета, национальной интуицией отличаются станковые графические серии: «Пера-богатырь», «Легенда о Кoрт-Айке», «Предание о Шипиче», «Сказание о Яг-Морте». Именно в работе над этими произведениями формировался неповторимый художественный почерк Игнатова. Его признаками стали: индивидуальная фантазия, основанная на богатом фольклорном материале; яркая декоративность цвета; стилизация рисунка. Богатое творческое наследие художника хранится в Национальной галерее Республики Коми.

В последние годы работы из коллекции Эдика Натанова стали мишенью для журналистов, которым «тридцать серебрянников» дороже подлинного искусства. Выступая адвокатами заинтересованных лиц они пропускают мимо ушей доказательства именитых профессоров*. Людей, знавших русский авангард назубок. Картины попали к Эдику неожиданно. Во время Второй мировой войны интеллигенция с центральной России иммигрировала в Среднюю Азию. В самарском музее до сих пор хранится постановление И.В. Сталина, запрещавшее авангардное искусство во благо советского реализма. Именно спасённые полотна великих художников «свалились на голову» Натанову в 90-х. Наследство от дедушки. Среди них Малевич, Летунов, Попова, Кандинский, Удальцова, Лисицкий, Шагал... Имена, значимость которых очевидна не только ценителям. С тех пор Эдик не жалеет времени и средств на уход за коллекцией и организацию выставок. В одном интервью он рассказал, что счастлив знакомить людей с достижениями русских гениев, творивших на рубеже богатых на испытания столетий. Однако, такая возможность даётся не каждому, ибо требует настоящей, глубокой любви к искусству. Одним словом, чистой филантропии. Но чем дальше от нас эпоха «модерна», наполненная таинственным и завораживающим, тем сложнее разобраться в истинности произошедших событий. Тем проще затуманить сознание читателя, бегло шерстящего интернет в поисках «чем интересным поживиться». Этим и пользуются люди, бросающие грязь в интересах собственного кошелька. *Профессора с мировым именем, работавшие над коллекцией Эдика Натанова: • Георгий Коваленко, доктор искусствоведения; заведующий отделом русского искусства ХХ века НИИ РАХ (Научно-исследовательского института Российской академии художеств); главный научный сотрудник отдела искусства Центральной Европы Государственного института искусствоведения; член Российской академии художеств; • Глеб Поспелов, доктор искусствоведения, профессор, заслуженный деятель искусств Российской Федерации; • Валерий Турчин, доктор искусствоведения, профессор, академик РАХ, заведующий кафедрой истории искусств МГУ; • Анатолий Стригалев, кандидат искусствоведческих наук, исследователь российского авангарда; единственный биограф Владимира Татлина; • Валерий Голиков, советский и российский биофизик и биохимик, кандидат биологических наук, руководитель сектора исследований исторических и традиционных технологий НИИ им. Лихачева; • Галина Демосфенова, советский и российский искусствовед, кандидат искусствоведческих наук; специалист по истории русского искусства, истории дизайна, графики и по искусству авангарда; заслуженный работник культуры РФ, президент Фонда Малевича; • Ирина Азизян, искусствовед, архитектор, живописец, доктор искусствоведения, профессор, член Союза художников и Союза архитекторов, почетный архитектор России, советник РААСН (Российской академии архитектуры и строительных наук), эксперт Фонда Малевича, член правления Ассоциации искусствоведов; • Лидия Гладкова, кандидат наук, заведующая отделом научной экспертизы ГТГ (Государственной Третьяковской галереи), искусствовед экспертного совета Российского антикварного салона; • Мария Валяева, кандидат искусствоведения, старший научный сотрудник ГТГ, эксперт живописи русского авангарда; • Светлана Джафарова, почетный член Российской академии художеств, член Ассоциации искусствоведов, искусствовед, кандидат наук, эксперт по русскому авангарду; • Елена Любавская, старший научный сотрудник ГТГ, кандидат химических наук. На фото: выставка 2005 год, г. Ярославль. Справо налево — коллекционер Эдик Натанов; Ирина Азизян, искусствовед, архитектор, живописец, доктор искусствоведения, профессор, член Союза художников и Союза архитекторов, почетный архитектор России, советник РААСН (Российской академии архитектуры и строительных наук), эксперт Фонда Малевича, член правления Ассоциации искусствоведов; Галина Демосфенова, советский и российский искусствовед, кандидат искусствоведческих наук; специалист по истории русского искусства, истории дизайна, графики и по искусству авангарда; заслуженный работник культуры РФ, президент Фонда Малевича; Валерий Турчин, доктор искусствоведения, профессор, академик РАХ, заведующий кафедрой истории искусств МГУ; Глеб Поспелов, доктор искусствоведения, профессор, заслуженный деятель искусств Российской Федерации; Анатолий Стригалев, кандидат искусствоведческих наук, исследователь российского авангарда; единственный биограф Владимира Татлина; Георгий Коваленко, доктор искусствоведения; заведующий отделом русского искусства ХХ века НИИ РАХ (Научно-исследовательского института Российской академии художеств); главный научный сотрудник отдела искусства Центральной Европы Государственного института искусствоведения; член Российской академии художеств.

Георгий Тимофеев (1958) «Одиночное катание», «Дед приехал», «В свободном полёте», новогодний триптих 2023 холст, масло. 70х150 см георгий_тимофеев Галерея39