Филипп Кубарев

Диего Веласкес | «Венера с зеркалом» | ок. 1644—1648 | Лондонская Национальная галерея 6 июня 1599 - деньрождения придворного живописца короля Филиппа IV. и крупнейшего представителя мадридской школы времён золотого века испанской живописи. youknowart art classicart artoftheday artwork arts artstagram artshow artlife artgallery instaart picture pictureoftheday искусство  творчество творение картина картинадня краскижизни др  диего  веласкес  венера

Если у вас есть 5 минут, и вы любите танцы, то обязательно посмотрите работу ниже. В 2017 году художник адаптировал отрывок из одноименной оперы-балета "Галантная Индия" Жана Филиппа Рамо (фр. композитор) в сотрудничестве с танцорами крампа*. * Крамп — современный танец, зародившийся в гетто Лос-Анджелеса в 90-е. В атмосфере беспорядков (избиение людей, репрессии со стороны полиции), молодые танцоры стали выражать через танец напряженность физического, социального и политического тела страны. Автор: Clément Cogitore https://www.youtube.com/watch?v=9h9HP-VOJv4&list=FLIJYvYVJxJfVsNWRn9trq4w&index=6 https://www.youtube.com/watch?v=9h9HP-VOJv4&list=FLIJYvYVJxJfVsNWRn9trq4w&index=6

Филипп Кубарев "Сон-мечта солдата" (2008)

Вдохновляемся великолепными работами современного художника Виктора Филиппова мастерство

"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history

"Триумф Вакха" 1629 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Картину «Триумф Вакха» Диего Веласкес написал, что называется, на спор. Но удивительным было даже не это, а тот факт, что до сего момента художнику не приходилось обращаться к мифологической живописи, которую так любила его эпоха – эпоха барокко. Картины мифологической тематики пользовались гигантской популярностью: ими украшали ратуши и замки, суды и университеты, гостиные и спальни. Вспомнить хотя бы старшего современника Веласкеса – Рубенса, который отдал аллегорической живописи чрезвычайно щедрую дань! Но 30-летнего Веласкеса античный антураж оставлял равнодушным. Почему же Веласкес создал «Триумф Вакха»? До 23 лет Веласкес жил в Севилье и там писал в основном бодегоны – реалистичные бытовые зарисовки в какой-нибудь таверне или харчевне. Иногда его упрекали: что же ты, дескать, всё малюешь гуляк да пьяниц, изобразил бы бога или героя какого! Но юный Веласкес придумал в ответ замечательную формулу, которой потом руководствовался всю жизнь: «Лучше быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном». А уже в 24 года художник оказался в Мадриде и долгое время писал исключительно портреты. Практически сразу он получил звание придворного живописца короля Филиппа IV. Веласкес был очень молод, но король – на 6 лет моложе. Филипп приблизил его к себе, устроил Веласкесу мастерскую прямо в своих покоях. Любил сидеть там и наблюдать, как художник работает. Не позволял портретировать себя никому, кроме Веласкеса. Давал ему одно придворное звание за другим. Не разрешал уезжать надолго, потому что очень скоро начинал скучать по своему камергеру и другу. И, конечно, у прочих художников это вызывало огромную ревность. При дворах европейских монархов традиционно работали приглашённые итальянцы, воспитанные на культуре античности. Они плели против Веласкеса интриги. Однажды взволнованный король пришёл в мастерскую к своему фавориту и заявил с порога: «Они говорят, что ты умеешь хорошо рисовать только лица! Неужели это правда?» Ответом Веласкеса и стала картина «Триумф Вакха» (известная также под испанским названием Los Borrachos – «Пьяницы»). С убедительной наглядностью он показывал заносчивым итальянцам: «Не только лица! И тела тоже! И композицию могу выстроить не хуже, чем на ваших античных фризах. И Вакха написать не менее живым и соблазнительно-хмельным, чем ваш хвалёный Караваджо!» В чем своеобразие картины Веласкеса «Триумф Вакха»? Но и в несвойственном ему мифологическом жанре Веласкес остался Веласкесом: античную вакханалию он скрестил с испанским бодегоном, высокое – с низким. Как правило, свита Вакха состоит из вакханок и сатиров. А Веласкес решил поместить бога вина и страсти среди простых крестьян, помятых и побитых жизнью, в простой одежде и с обветренными лицами. Его Вакх – белотелый, немного рыхлый. По нынешним меркам, его тело можно назвать слегка «поплывшим», а вот сатир позади него – мускулист и смугл. Противопоставляя их, Веласкес показывает, что он большой мастер своего дела (и чужого тела): он может передавать и сложные ракурсы, и разнообразные позы, и различающееся «агрегатное состояние» человеческой плоти. Вакх Веласкеса сидит на бочке с вином – это его трон. Нагота его прикрыта складками ткани «королевских» цветов – белого и пурпурного. На его голове – венец из виноградных листьев, а сам Вакх коронует кого-то из своих особенно ярых почитателей, отметившегося на ниве пития и разврата, таким же виноградным венком. Крестьяне пришли к божеству с просьбой облегчить их тяжелую жизнь. А Вакх даровал им вино – самый доступный способ забыть о горестях и печалях. Большая плоская чаша в руках у центрального персонажа (в шляпе) написана притягивающе-реалистичной. Кажется, что глядя на глянцевую поверхность вина, можно ощутить его прохладу и терпкий аромат. Взгляд обрадованного пьяницы направлен прямо на нас. Он улыбается так широко и по-свойски, что буквально «затягивает» зрителя в пространство картины, требуя разделить с ним его веселье и питьё. ДиегоВеласкес Барокко МифологическаяСцена _history

"Безумие Хуаны Кастильской" Лоренцо Валлес, 1867 > Мадрид, Прадо Рожденная третьим ребенком в семье короля Арагона Фердинанда II, Хуана стала королевой и получила в мужья одного из самых завидных женихов того времени – герцога Бургундии Филиппа Красивого. Хуана и Филипп поженились, когда ей было 17. Филипп развлекался с придворными дамами, Хуана ревновала его: устраивала сцены, калечила любовниц. И все со страшными скандалами и нервными срывами. Пошли слухи, что молодая жена не здорова. В 28 лет Филипп скончался. Выпил холодной воды после игры в мяч, простудился и умер. В 26 Хуана стала вдовой, окончательно расстроившись психикой. Она не отходила от его тела, противилась похоронам. По её приказу гроб неоднократно вскрывался. Она хотела удостовериться, что тело не похищено. Мертвого мужа она ревновала не меньше, чем живого, поэтому в похоронной процесии не было женщин. Болезнью дочери воспользовался её отец. Он назначил себя регентом, а законную королеву поместил в монастырь.

Предположительно, в 1445 году португальский художник Нуну Гонсалвеш написал здоровенный полиптих, который называют Алтарем святого Винсента. Нуну Гонсалвеш - ужасно загадочная личность. Не известно ни когда он родился, ни когда умер, и не слишком понятно где он выучился рисовать, потому что в пятнадцатом веке в Португалии он был такой вот один - ни до него, ни одновременно с ним, на даже долго после в Португалии таких мощных живописцев не было. Ну вот разве что известно, что в 1428 году в Португалию приехал Ян ван Эйк в качестве участника посольства, что прибыло сватать Изабеллу Португальскую за Филиппа Доброго, и затусил в Лиссабоне на целый год. Но успел ли он поучить Гонсалвеша чему-нибудь или хотя бы был ли с ним знаком - об этом можно только гадать. Известно, что Гонсалвеш между 1450 и 1472 годами был придворным художником. Про него почти позабыли, настолько, даже считали вымышленным персонажем. Упоминания его эпичного полиптиха в исторических хрониках остались - в трактатах шестнадцатого века его описывали как картину, созданную для часовни Святого Винсента в Лиссабоне, но считалось, что если такая работа и существовала, то точно давным давно погибла - то ли во время Иберийской унии, когда Габсбурги набежали на Пиренейский полуостров и им не понравилось, что на картине изображены члены королевской семьи, но не той; то ли дело было во время Великого лиссабонского землетрясения, когда вообще погибло все подряд, от королевских дворцов, музеев, библиотек и трети населения Лиссабона до португальских колониальных амбиций. В общем, стала история про какую-то здоровенную и очень классную картину постепенно забывающейся сказкой и так было до тех пор, пока в 1882 году вдруг ее не нашли случайно в хранилище монастыря Сан Висенте де Фора. Вообще, конечно, эта находка поразила всех. Было не совсем понятно чего это нашли, но то что это невероятный шедевр было ясно всем и сразу. Исследователи бросились разбираться и, собственно, пришли к выводу, что вот он, легендарный алтарь Нуну Гонсалвеша. К слову, больше никаких его картин до нас не дошло. Иногда щекастенький портрет Жуаны Португальской еще приписывают кисти Гонсалвеша, но, вроде уже договорились, что его, скорее всего, написал какой-то неизвестный ученик художника. На пяти створках высотой 2,2 метра изображены вообще все. За створками закрепились названия (слева направо) - Монахи, Рыбаки, Инфант, Архиепископ, Рыцари и Реликвия. Инфант и Архиепископ шириной 128 сантиметров, все остальные - по 64 см, написано все это темперой и маслом на дубовых панелях. Имя, под которым нынче картина известна, дал ей в 1910 году португальский исследователь Жозе де Фигейреду, который, собственно, предположил, что тут все поклоняются Святому Винсенту и все понятно. Фигейреду написал о картине огромный подробный труд и был проделанной работой очень доволен. Но через пятнадцать лет в обсуждение ворвался другой исследователь, Жозе Сарайва, и заявил, что Фигейреду не прав и на самом деле главный во всей тусовке на панно - дон Фернанду, святой инфант. Фернанду был шестым сыном короля Жуана I, с детства религиозным и кротким юношей, которого за его такую кротость Папа Римский даже сделала кардиналом. В 35 лет Фернанду и его братья отправились в Северную Африку и попытались захватить Танжер, а в итоге нарвались на превосходящие силы противников и Фернанду попал в плен к злым маврам. Там его обижали, отказывались менять на других заложников, отправили в итоге работать рабом в конюшни, где он заболел и умер. Поэтому его в 1470 году причислили к святым. И вот, Жозе Сарайва настаивал на том, что на полиптихе юноша в черном, который стоит перед святым преклонив колено - это главный персонаж всего повествования, Святой Фернанду, покровитель Лиссабона, и его чествование всеми-всеми, включая и Святого Винсента, который его принимает где-то, вероятно даже в раю.

"Неизвестная" 1883 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. «Кто она?», – спрашивали его. «Неизвестная», – лаконично отвечал Крамской. Давайте разбираться. Куртизанка? Содержанка высокопоставленного человека? А может, возлюбленная самого императора? Или все же литературная героиня? Дочь художника? Признаемся сразу, точного ответа мы не знаем. После Крамского осталось немало дневников и писем. Ни единого упоминания о работе над этой картиной в них не встречается. На 11-ю выставку передвижников не рекомендовали приводить юношей и молодых девушек. Дело в том, что среди народнических, обличительных картин, словно гостья из другого мира, затесалась «Неизвестная» Крамского. Изящно и подчеркнуто богато одетая красивая женщина, в чьем взгляде таится высокомерие и еще что-то трудно вербализируемое. «Кокотка в коляске!» – обошелся без поиска глубоких смыслов художественный критик Владимир Стасов. Общественное мнение такую версию в основном поддержало, потому что именно из-за этой картины был установлен эдакий возрастной ценз 16+. Неприлично-с! В ней видели Анну Каренину, Настасью Филипповну и даже «Незнакомку» Блока, хотя стихотворение было написано гораздо позже. А что же прообразы из реальной жизни? Самая распространенная версия озвучена Стасовым. Кокотка, куртизанка, содержанка. В пользу этого – подчеркнуто роскошный наряд. Высший свет уже вводил в моду «изысканную простоту»: аристократы разорялись, поэтому особым шиком стало не гнаться за модой слишком стремительно. В то же время купеческие дочери и куртизанки часто могли себе позволить «всё лучшее сразу». А поскольку вход в высшее общество для них был закрыт, они особенно старательно наряжались для прогулок. Но Дмитрий Андреев, специалист по костюмам эпохи Александра II, утверждает, что дама на окончательной версии картины одета не только богато, но и с безупречным вкусом. Нувориши и их женщины так не одевались… Немало и мелодраматических версий, пытающихся пролить свет на имя дамы в модной шляпке «франциск». История про невиданной красоты крестьянку Матрену Саввишну, на которой женился дворянин Бестужев, после бросил ее, и она умерла, вообще заслуживает того, чтобы стать сюжетом сериала на пару сотен серий. Минус традиционный – отсутствие каких бы то ни было доказательств того, что на картине изображена Матрена. Мы не знаем имя, но есть кое-то, что мы можем утверждать. Крамской рассказал нам историю об одиночестве, о противостоянии одиночки и толпы, о презрении, которое возвращает социуму презираемая им. Эти темы мы встречаем и в других работах художника. ИванКрамской Портрет Реализм _history

Саломея с головой Иоанна Крестителя около 1530 Лукас Кранах Масло на панели. 87 × 58 см Музей изящных искусств, Будапешт Легенда, которая стала классическим сюжетом в живописи. Мать Саломеи, Иродиада, состояла в связи с братом своего мужа Филиппа (Ирода Боэта), за что публично осуждалась Иоанном Крестителем. Осуждение, вероятно, и послужило причиной заключения, а в дальнейшем и казни Иоанна. Танец юной Саломеи на праздновании дня рождения Ирода Антипы привёл к тому, что Антипа согласился выполнить любое её желание, и, будучи научена своей матерью, Саломея потребовала убить пророка Иоанна Крестителя, и после казни ей была принесена на блюде его голова. Святыня, глава Иоанна Предтечи, хранится на Афоне. 11 сентября, в память усекновения главы святого Иоанна Крестителя Церковью установлен праздник и строгий пост, как выражение скорби христиан о насильственной смерти великого Пророка.

Ответ. Пи́тер Па́уль Ру́бенс (28 июня 1577, Зиген (город в Германии) —30 мая 1640, Антверпен (город во Фламандском регионе Бельгии)) —нидерландский (фламандский) живописец, один из основоположников искусства барокко, дипломат, коллекционер. Ему легко удавалось налаживание связей при дворах, где он писал портреты титулованных особ. Художник выступал послом межу Англией и Испанией, пытаясь примирить враждующие государства и подписать соглашение о заключении мира. В марте 1630 г. английский король Карл I удостоил живописца рыцарского звания. В августе 1631 г. то же самое сделал король Испании Филипп IV. Таким образом, Питер Пауль Рубенс дважды посвящен в рыцари.

"Богоматерь Сухого Дерева" 1465 г. Петрус Кристус Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. Небольшая панель «Богоматерь Сухого Дерева» была приписана Петрусу Кристусу в 1919 году. В XX веке одним из её владельцев был первый федеральный канцлер Германии Конрад Аденауэр, а с 1965 года картина входит в собрание Музея Тиссена-Борнемисы в Мадриде. Иконография этого произведения очень необычна, и сам живописец прибегал к ней лишь однажды. Но впоследствии этот мотив использовали его коллеги, в частности, Питер Классен – в своём триптихе для церкви Святой Вальбурги в Брюгге, датированном 1620 годом. Тематика картины непосредственно связана с Братством Богоматери Сухого Дерева, членами которого Петрус Кристус и его жена Гаудицина стали между 1458-м и 1463 годами. Это общество, упомянутое в документе от 1396 года, собиралось в собственной часовне в монастыре францисканцев в Брюгге, разрушенном во время религиозных войн в 1578 году. В Братстве состояли герцоги Бургундские, аристократы, члены семей высшего класса и богатые предприниматели. В одном из документов XVIII века утверждалось, что содружество основал герцог Филипп III Добрый. Якобы, Богоматерь с Младенцем явились ему в стволе сухого дерева перед битвой с французами. Правитель помолился этому образу о победе и разбил врага. В благодарность он и основал это Братство. На самом же деле оно существовало ещё до рождения Филиппа. Вполне вероятно, что панель «Богоматерь Сухого Дерева» заказал один из членов общества для домашних богослужений или художник написал её для себя. Ключ к иконографической интерпретации работы можно найти в Книге пророка Иезекииля. Слова «…Я, Господь, [...] зеленеющее дерево иссушаю, а сухое дерево делаю цветущим…» были истолкованы как прямая отсылка к первородному греху и роли Марии как Новой Евы. Сухое дерево отождествляется с Древом Познания, которое засохло после падения первых людей, но вновь расцвело с Непорочным зачатием Христа, почитаемым членами Братства. В этой небольшой картине Христос символически представляет Искупителя – он держит земную сферу, увенчанную крестом. В придачу, изогнутые и переплетённые сухие ветви дерева принимают форму венца, который явно указывает на его будущие Страсти. Висящие на ветвях пятнадцать золотых букв «А» означают «Аве, Мария» («Радуйся, Мария»). Число 15 было связано с чётками, по которым читались молитвы Богородице – заступнице человека перед Богом. Судя по тщательности отделки, картина была задумана как ценный коллекционный предмет. На это указывают также материалы и текстуры. Фигуры со скруглёнными головами и чётко выраженными чертами являются примером высокого мастерства Кристуса. Создавая типажи, он явно вдохновлялся работами Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена, у которого художник позаимствовал манеру выражения эмоций. Влияние обоих живописцев ярко проявляется в заключительном периоде творчества Кристуса, к которому относится и эта панель. ПетрусКристус Возрождение _history

"Сдача Бреды" 1635 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Сдача Бреды» Диего Веласкеса – одно из наиболее знаменитых и значительных произведений европейской исторической живописи. Масштабное полотно (307 х 367 см) создавалось специально для новопостроенной королевской резиденции Буэн-Ретиро (к сожалению, разрушенной в ходе наступления на Мадрид французов в начале XIX века). Само название замка Буэн-Ретиро переводится с испанского как «благодатное уединение». Тем не менее, его оформление, которым занимался первый министр короля герцог Гаспар Гусман граф де Оливарес, было отнюдь не камерным, а чрезвычайно торжественным и парадным. «Сдача Бреды» являлась лишь одной из 20-ти больших картин, которые предназначались для Зала королевств, и должны были воспевать военные подвиги и завоевания испанского монарха (и патрона Веласкеса) Филиппа IV. Бреда – голланский город, важный стратегический пункт в войне Испании с Нидерландами. Протестантские по преимуществу Нидерланды стремились отстоять свою независимость от католической Испании. Но Мадрид, под чьей короной еще в начале XVII века объединялась чуть ли не половина территорий Старого и Нового света, не желал лишаться своей северной колонии. В 1625-м году героически сопротивлявшаяся Бреда была осаждена испанцами. Целых девять месяцев продолжалась осада. И всё-таки Бреда пала под напором испанцев. Веласкес показывает момент, когда комендант голландской крепости Юстин Нассауский с поклоном передаёт ключ испанскому адмиралу Амбросио Спиноле, который, в свою очередь, уважительно похлопывает противника по плечу. Изображая центральную группу, Веласкес почти буквально цитирует картину Питера Пауля Рубенса «Встреча Авраама и Мельхиседека» Мы видим не противостояние непримиримых соперников и не позорную сдачу города, а едва ли не акт подписания мира. Оба полководца преисполнены благородства и доблести: Веласкес трактует передачу ключей от Бреды почти как встречу между старыми друзьями. Только группы офицеров по обеим сторонам от них свидетельствуют, что здесь есть и победители, и побеждённые. Победители-испанцы изображены слева. Стройный ряд испанских копий смотрит в небо: их густота указывает на многочисленность испанцев, а то, что копья почти параллельны, – на их блестящую военную дисциплину. Нидерландцы слева, напротив, выглядят разрозненными и растерянными. Но испанец Веласкес очень бережно относится к чувству собственного достоинства противников: он не показывает их ни разбитыми, ни униженными. Кстати, «Сдача Бреды» еще известна под альтернативным названием «Копья», а в крайнем справа испанце (с закрученными усами, гордым взглядом и в шляпе с плюмажем) многие исследователи усматривают автопортрет художника. Ни Юстин Нассауский, ни Амбросио Спинола (с которым Веласкес был коротко знаком) не сумели оценить величественного искусства Веласкеса: ко времени создания картины (около 1635 г.) ни того, ни другого уже не было в живых. Но живопись сберегла их для истории. И теперь всякий, попав в залы мадридского Прадо, может собственными глазами взглянуть на одно из самых объективных исторических полотен во всей истории. Здесь ни одна сторона не показывается более правой или менее благородной, чем другая, а победитель и побеждённый демонстрируют невиданное между врагами взаимное уважение. ДиегоВеласкес Барокко _history

"Тарквиний и Лукреция" 1568–1571 гг. Тициан Вечеллио Музей Фицуильяма, Кембридж Популярные у художников сюжеты - Лукреция и Тарквиний, а затем и самоубийство Лукреции, римлянки, чье имя с древности было синонимом женского целомудрия. Конкретно эта картина была написана для Филиппа II Испанского в XVI веке. Древнеримский историк Тит Ливий рассказывает нам, как сын последнего царя Рима поразился и не смог стерпеть того, насколько честна и целомудренна была Лукреция, жена его сослуживца. Прокравшись к ней домой, он взял ее силой, тем самым обесчестив всю семью - в том числе и свою. Лукреция совершила самоубийство, что вызвало небывалые недовольство и печаль у народа, после чего Тарквиний Старший вместе с жестоким сыном и остальными членами семьи был изгнан из Рима. После этих событий римляне поняли, что больше не хотят иметь царскую власть в своем государстве и организовали ту самую республику - с сенатом, консулами и форумом. Данный пост любезно предоставлен автором канала про латынь и Древний Рим. Там вы можете найти больше интересных исторических фактов про быт римлян и их императоров, а также почитать этимологические разборы современных слов. Все просто, понятно и с юмором. Более того - скоро во всех книжных ожидается полноценная книга по истории Рима за авторством владельца канала.

Культовый в узких кругах петербургский художник Филипп Казак и его картины

Четыре времени года . Картины итальянского живописца XVI века Джузеппе Арчимбольдо (Giuseppe Arcimboldo) известны практически каждому — даже тем, кому его имя кажется совершенно незнакомым. Художника прославили портреты, составленные из тысяч цветов, фруктов, овощей и прочих щедрых даров природы. Сегодня часть наследия Арчимбольдо можно увидеть в 3D-формате — благодаря скульптурам американского художника и кинорежиссера Филиппа Хаасе (Philip Haas). Композиция Four Seasons — четыре пятиметровые скульптуры, каждая из которых аллегорически представляет одно из времен года. "Портреты" времен года составлены из цветов, тыкв, фруктов, ...в деревьев (все сделано из раскрашенного стекловолокна), и в каждом из них легко опознать, какой именно сезон он изображает.

Менины 1656 Диего Веласкес Прадо, Мадрид Полотно изображает сцену написания Веласкесом совместного портрета испанского короля Филиппа IV с его супругой и племянницей Марианной Австрийской в присутствии их дочери инфанты Маргариты Терезы со свитой. Сложная и загадочная композиция картины поднимает вопросы об иллюзии и реальности, а также о неопределённости связи между зрителем и персонажами. «Менины» общепризнанно считаются одной из самых важных и наиболее тщательно изученных картин в истории западного искусства. По словам итальянского мастера барокко Луки Джордано она представляет собой «теологию живописи», а президент Королевской академии художеств сэр Томас Лоуренс назвал её «подлинной философией искусства»[2]. По одной из современных оценок, это «высшее достижение Веласкеса — самоосознанная и тщательно выверенная демонстрация пределов живописи; возможно, самое глубокое высказывание о её возможностях из когда-либо сделанных»

В центре сцены стоит пятилетняя инфанта Маргарита (1). Её сопровождают фрейлины из самых именитых семей — донья Исабель де Веласко (2), приготовившаяся к реверансу, и донья Мария Агустина Сармьенто де Сотомайор (3), подающая инфанте красный кувшин на золотом подносе, преклонив колено. Справа от инфанты два карлика, служившие придворными шутами: страдающая ахондроплазией Марибарбола (Мария Барбола (4)) из Германии и Николас Пертусато (5) из Италии, тормошащий ногой сонного мастифа. Позади них стоит компаньонка инфанты донья Марсела де Уйоа (6) в траурном одеянии, беседующая с её личным охранником (7). На заднем плане в дверях виден дон Хосе Ньето Веласкес (8), гофмейстер королевы в 1650-е годы и хранитель королевских гобеленов. Сам Веласкес (9) изображён слева от сцены у мольберта с огромным холстом. Король Филипп IV (10) с королевой Марианной (11) в отражении зеркала .

"Девка" 1903 г. Филипп Андреевич Малявин Государственная Третьяковская галерея, Москва. Сложно определить точно, то ли Малявин увековечил и популяризовал во всем мире колоритный, манящий образ русской крестьянки, то ли малявинские бабы, ставшие уже именем нарицательным, обессмертили имя художника. В любом случае, подавляющее большинство наиболее впечатляющих и известных картин Малявина импрессионистским образом фиксируют самую суть, чистую эссенцию сильных, а где-то и могучих, но прекрасных в своей ошеломляющей мощи женщин из народа. В этом отношении Малявина традиционно считают последователем Цорна, который также много полотен посвящал любованию простой, дородной, первозданной красоте крестьянских девушек. И если шведский коллега Малявина предпочитал писать их ню, выдвигая на первый план эротизм деревенских нимф, то малявинские бабы – монументы во плоти, подлинные иллюстрации к классическому некрасовскому определению про горящую избу и коня на скаку. Хотя и у него проскакивают пара-тройка обнаженных селянок. Но у Малявина их нагота – скорее естественная, необходимая составляющая сюжетов, бесконечно далекая от подчеркнутой чувственности цорновских наяд. 50 оттенков красного Размеры холстов для крестьянских портретов Малявин подбирал соответствующие: в среднем метр на полтора, а то и все два, как в данном случае. В течение какого-то времени он ищет композиционное решение, которое позволит в полной мере воплотить его благоговение и трепет перед сокрушительным темпераментом женщин из русских селений, и его фирменным ракурсом становится «взгляд снизу». Благодаря этой точке зрения крестьянки будто бы вырастают из нижней части холста, нависая над зрителем доминирующими, захватывающими дух величественными статуями. Проработке нарядов своих моделей Малявин уделяет даже большее внимание, чем их лицам. В 1895 году он в первый раз изображает крестьянскую девушку в красном одеянии, и с тех пор он пускает в ход все мыслимые оттенки этого цвета, ставшего его любимым, именным красочным выбором. Что довольно логично: в старославянском языке «красный» означало «красивый», и все самые лучшие, праздничные наряды крестьянок обязательно содержали какой-либо из его тонов. Разумеется, позировать художнику они предпочитали в одеждах «на выход». Видимо, палитра красного, помимо всего прочего, предоставляла Малявину всю необходимую ему силу экспрессии. Поэтому он часто использует его и для прорисовки заднего плана портретов, буквально заливая алым заревом все полотно. На этом фоне особенно четко контрастируют дробные, мозаичные мазки сарафанных узоров, где-то даже занося Малявина на территорию художника Климта. Отменно поддается его кисти и шелковистый отлив одеяний в скупом отблеске свечи, озаряя холст мягким, деликатным сиянием. Скор на расправу Была в стиле работы Малявина еще одна черта, усиливающая его родство с заграничным коллегой-импрессионистом Цорном – небывалая скорость создания портретов с натуры. Подобно шведу, он умел выдавать готовое полотно практически за один сеанс, чем приводил в трепет свидетелей этого иллюзиона. «Когда я приехал, то застал его в мастерской вместе с четырьмя или пятью бабами, разодетыми в цветные сарафаны. Бабы ходили по мастерской, а Малявин быстро зарисовывал их движения в огромный альбом, – вспоминает художник Грабарь. – На мольберте у него стояла законченная большая картина, изображавшая баб, а у стен стояло еще несколько холстов, также с фигурами баб. Владея хорошо рисунком и чувствуя форму, Малявин позволял себе роскошь таких фокусов и трюков, на которые немногие способны. Так, картина, которая стояла у него на мольберте – три толстолицых бабы, – была начата им без рисунка и без какой-нибудь наметки композиции, прямо красками по чистому холсту, притом с глаза одной из этих баб».

​​️Выставка «Шедевры русского искусства из американских коллекций», организованная нью-йоркской галереей ABA, пройдет в Москве с 9 ноября по 12 декабря. В Российской академии художеств представят около 70 произведений русского искусства руки Филиппа Малявина, Константина Коровина, Николая Рериха, Михаила Ларионова, Александра Яковлева и других мастеров. ️Саунд-художник Билл Фонтана записал голос Нотр-Дама. Мировая премьера аудиоработы под названием «Отголоски Нотр-Дама» пройдёт в Париже в июле следующего года. ️Фонд «Свет» поддержит грантами инклюзивные программы в музеях. ️День народного единства в «Царицыне» в этом году пройдет онлайн. Можно будет послушать лекции об истории национальных маскарадов, увидеть фильм о музейной коллекции, послушать концерт классической музыки и даже посетить семейное онлайн-чаепитие вместе с музеями Русского Севера, которое состоится 4 ноября. ️Неизвестные рисунки Франца Кафки впервые представлены публике Сам писатель требовал сжечь их после его смерти. Сегодня они находятся в открытом доступе на сайте Национальной библиотеки Израиля. Фото: рисунок чернилами Франца Кафка с надписью на старинном немецком шрифте Kurrent, Национальная библиотека Израиля https://telegra.ph/file/35ce676c0a05810cf06f5.jpg

Филипп Малявин (1869-1940) «Крестьянская девушка за вышиванием» 1893 холст, масло. 62х76 см Государственный Русский музей, Санкт-Петербург филипп_малявин

Филиппо Палицци "Раскопки Помпей" (1870)

Портрет инфанты Марии Терезы Около 1651—1654 Диего Веласкес Метрополитен-музей, Нью-Йорк Картина скорее всего является фрагментом изначального портрета Инфанты в полный рост. В последние годы жизни Веласкеса его манера работы с цветом стала более свободной и яркой. В этом новом для художника стиле был написан и «Портрет инфанты Марии Терезы». Дочь короля Испании Филиппа IV Мария Тереза стала предполагаемой наследницей престола в 1646 году. Титулованные женихи со всей Европы желали получить портрет молодой инфанты, когда она достигла брачного возраста. Образ Марии Терезы в парике с лентами-бабочками, возможно, стал шаблоном для создания копий портрета ассистентами Веласкеса, поскольку им приходилось справляться с большим спросом на портреты молодой принцессы. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Портрет принцессы Леониллы Ивановны Витгенштейн, урожденная Барятинская 1843 Франц Ксавер Винтерхальтер Музей Гетти, Лос-Анджелес, США Мастер светского и придворного портрета, создал единственную в своём роде галерею принцесс и аристократок практически всех стран Европы. На картине видим фрейлину петербургского двора из рода Барятинских. Блистала в салонах пушкинского времени южной красотой, запечатлённой на известных портретах. Дожив до 101 года, установила рекорд долгожительства среди высшей аристократии царской России. В Париже Винтерхальтер был назначен придворным художником Луи-Филиппа, короля Франции, который доверил ему писать портреты своей многочисленной семьи. Винтерхальтер выполнил для него более 30 заказов. Этот успех принёс художнику репутацию знатока аристократической портретной живописи, способного, мастерски сочетая точность портретного сходства с едва уловимой льстивостью, изображать государственную помпезность в живой современной манере. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Мадонна с четками" 1655 г. Бартоломе Эст... Мурильо Национальный музей Прадо, Мадрид. «Мадонна с четками» (вариант названия «Мадонна с розарием»; rosarium – традиционное название католических четок) была написана Б.Э.Мурильо в 1650-х годах в Севилье, а в начале ХIX в. приобретена королем Карлом IV для коллекции дворца Эскориал в Мадриде. Ныне хранится в собрании музея Прадо. В композиции и колорите «Мадонны с четками» много традиционного. С помощью света фигуры рельефно выделяются на тёмном фоне. В одеянии Мадонны используются только канонические для облачения Пресвятой Девы цвета – белый, синий и красный. Глубокие складки и заломы ткани выписаны в духе итальянского академизма, с которым испанцы были неплохо знакомы. И тем не менее, руку Мурильо в «Мадонне с четками» можно узнать почти безошибочно. Так происходит благодаря открытому художником новому типажу. Проживший всю свою жизнь в столице Андалусии Севилье, Мурильо увековечил в картинах характерную красоту жительниц Южной Испании. Его черноглазые грациозные Мадонны имеют узнаваемый облик с их безупречными чертами и кротким взглядом. К нововведениям Мурильо принадлежит идея покрыть голову Мадонны прозрачной газовой вуалью и снабдить её четками. Однако в преувеличенно идеальных образах Мадонн художник отдаёт дань не только религии, но и коммерции. Еще в начале XVII века король Филипп ІІІ провозгласил Пресвятую Деву патронессой Испании, а «непорочное зачатие» – защитой страны от внешних врагов и внутренних угроз. Многочисленные монастыри мгновенно отреагировали на этот, по сути, политический акт заказом картин соответствующего содержания. И Мурильо одним из первых стал разрабатывать «золотую жилу». Стремление угодить усредненному вкусу заказчика выхолащивает внутреннюю напряжённость творчества. Некоторые из Мадонн Мурильо, с точки зрения искусствоведов, «поражают удивительной душевной аморфностью», а в самих картинах отмечается вялость формы и банальность колорита. О «Мадонне с чётками» этого сказать нельзя. Она не «аморфна» - всего лишь наивно-серьезна. Это как нельзя лучше отражает народные представления о Пресвятой Деве, характерные для пресловутой испанской религиозности. Мадонна в сентиментальном сознании простых испанцев всегда идеальная красавица с нежным лицом и белыми ручками, а Младенец обязан быть миловидным, пухлым и кудрявым. Вот почему, какие бы претензии ни выдвигали ценители, с народной точки зрения, Мурильо всегда был и остается идеальным выразителем религиозного содержания. Пресвятую Деву Мурильо писал бессчетное число раз. Но это отнюдь не превращало мастера в штамповщика. В книге Елены Вагановой «Мурильо и его время» (1988) можно встретить ценное наблюдение о том, насколько виртуозно он разнообразит лица своих Мадонн в рамках одного и того же андалузского типа: «Нет ни одной Марии, которая походила бы на другую. Постоянно варьируются такие детали, незначительные для канона догмата, но принципиально важные для физиогномики, как глаза (их припухлость, открытость, величина разреза), лоб (чуть покатый или прямой), нос (длиннее, короче, разная форма крылье), рот (конфигурация и положение губ), подбородок, округлость щек. И возникает эффект присутствия многих лиц в одном». БартоломеМурильо РелигиознаяСцена Барокко _history

​​️Президентский фонд культурных инициатив выделил 20 млрд рублей на музейные проекты в 2023–2024 годах. Прием заявок на первый конкурс 2023 года начнется в октябре. ️Галерея Уффици подала судебный иск против французского модного дома Jean Paul Gaultier из-за использования образа со знаменитой картины Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» в последней коллекции бренда ️Скверу у главного входа в ГМИИ им. Пушкина присвоено имя Ирины Антоновой. ️Госдума приняла правительственный законопроект, устанавливающий критерии для определения значимости объектов культурного наследия. ️Французский художник Филипп Паррено спроектировал сцену для показа Louis Vuitton на Неделе моды в Париже. Паррено стал не единственным художником, приглашенным для сотрудничества на Неделю моды. Испанский художник Сантьяго Сьерра спроектировал залитый грязью подиум для показа Balenciaga, а Ёситомо Нара разработал для Стеллы Маккарти сцену с цветными блоками в Центре Помпиду. https://telegra.ph/file/65eefb6636c51eb499f7e.jpg

«Мадонна делла Лоджиа» (или «Мадонна с младенцем») – известное произведение, созданное представителем флорентийской школы Сандро Боттичелли в 1467-68 годах: это одна из первых картин, отнесенных искусствоведами к эпохе раннего Ренессанса. Картина отражает определяющие аспекты христианского искусства: во времена тотальной безграмотности важно было показывать и воспевать главных героев христианской веры, наглядно преподносить их истории, представлять символику. Из-за некоторых деталей картина не была единодушно атрибутирована как произведение Боттичелли: гениальный флорентиец не подписывал свои работы, хотя в пору Ренессанса личность художника уже имела значение, и мастера начали ставить автографы на своих работах. Но не Боттичелли: он подписал, как подтверждено к настоящему моменту, лишь одну картину - "Мистическое Рождество". Что же касается «Мадонна делла Лоджиа», в настоящее время большинство критиков, в том числе такой эксперт, как Адольфо Вентури, определенно идентифицируют картину как одну из первых известных работ мастера. К моменту ее создания мастеру было около 22-23 лет. Некоторое время считалось, что произведение было создано Филиппино Липпи, сыном фра Филиппо Липпи – учителя Сандро Боттичелли. Однако если обратиться к датам, эта версия не имеет оснований: на время написания картины Филиппино было около 10 лет, и вряд ли мальчик смог бы создать настолько совершенную работу – даже при таком гениальном отце-художнике. Боттичелли стремился не только увековечить божественный лик Марии, Матери Иисуса, но и отразить красоту новой эпохи, характерной для Европы. Картина содержит ряд ключевых моментов и атрибутов, которые определяют символику картины. Так, Младенец Иисус тянется обнять мать за шею, а Мадонна смотрит сверху вниз: ее взгляд может быть интерпретирован как любовь к человечеству в целом. Такая композиция характерна для работ Донателло, которая впоследствии была отточена Филиппо Липпи, чьим преемником стал Боттичелли. Последний привнес свою любовь к доминированию контуров, ярким драпировкам и более плавным, чем у учителя, линиям. Архитектурные детали картины также важны - они демонстрируют идеи Ренессанса: Боттичелли изображает лоджию как ранний греко-римский проект, тем самым подчеркнув стремление восстановить утраченные знания тех времен (к слову, вращаясь в просвещенном обществе при дворе Медичи, художник выучил греческий - после падения Константинополя во Флоренции было много беженцев-греков). В религиозном же контексте изображенная художником архитектурная конструкция символизирует прочные основы христианской веры и крепкие опоры, на которых она построена. «Мадонна делла Лоджиа» стала отправной точкой для дальнейшей работы Боттичелли над образом Божьей Матери. СандроБоттичелли РелигиознаяСцена Возрождение _history

"Аллегория музыки" 1500 г. Филиппино Липпи Берлинская картинная галерея. «Аллегория музыки» (другое название «Эрато»), хранящаяся в Берлинской картинной галерее, – поздняя картина Филиппино Липпи, которую в отечественном искусствоведении долгое время было принято упоминать в контексте отнюдь не восторженном. Наследие Филиппино в целом оценивалось ниже творчества его отца Филиппо Липпи. К примеру, фундаментальная 6-томная «Всемирная история искусств» уделила младшему Липпи не много не мало – единственный абзац, завершающийся вердиктом: «В последние годы жизни он пришел к вычурной манерности, что дает себя знать в «Аллегории музыки». Возможно, так и есть. Но не стоит забывать универсальное правило, что любые недостатки являются продолжением достоинств. Некоторая вычурность Липпи (которую, под другим углом зрения можно было бы назвать изысканностью или изяществом) нашла много поклонников в искусстве маньеризма. _history

Живописный жанр аллегории (от греч. ἀλληγορία – иносказание) предполагает, что абстрактные понятия можно выразить посредством конкретных зрительных образов. Аллегория сообщает отвлечённому образу пластическую ясность. И это уже задача не только чисто живописная, но и умозрительная – как, с помощью каких визуальных средств можно передать образ музыки? Для Липпи таким образом служит женская фигура, данная в грациозном развороте, которая свои длинным шарфом опутывает шею лебедю. Линейное решение фигуры почти идентично рисунку Филиппино Липпи, хранящемуся в Британском музее и изображающему греческую музу любовной поэзии, поэтому «Аллегорию музыки» также иногда называют «Эрато». По другой версии, в «Аллегории музыки» показаны персонажи античного мифа о рождении Кастора и Поллукса от связи земной женщины Леды и бога Зевса, принявшего облик Лебедя. Крылатые купидоны-путти, без сомнения, могли сопровождать как Эрато в её искусстве, так и Леду в её любовной истории. Не напоминает ли берлинская «Эрато» Филлипино Липпи нам картину более известную? Так и есть. Произведения Леонардо да Винчи, изображающие Леду и лебедя, появились всего на несколько лет позже «Аллегории музыки», и есть основания полагать, что здесь имеет место прямое влияние: Леонардо мог видеть работу своего старшего коллеги Филиппино. Кстати, по мысли Леонардо да Винчи, «живопись превосходит музыку и господствует над нею, ибо она не умирает после своего рождения, как несчастная музыка, наоборот, она остается в бытии». Тематику «Аллегории музыки» Филиппино Липпи поддерживают детали в левой части композиции: позади Эрато оставлены лира, «растущая» из оленьей головы, и сиринга – многоголосая флейта, состоящая из нескольких скреплённых между собой трубок, изобретение и излюбленный инструмент лесного бога Пана. Но есть в берлинской «Эрато» нечто напоминающее о музыке с гораздо большей выразительной силой, нежели детали предметной наглядности. Это – ритм. То, без чего музыка принципиально не возможна. Ритм – значит, повторение. Взгляните, как регулярно повторяется в ритме линий «Аллегории музыки» мотив завитка: петлями завивается шарф героини, вторя изгибающимся лебединым шеям и изрезанной линии берега. Закручиваются складки розово-пурпурного хитона. Сине-лиловая развевающаяся на ветру накидка – гиматий – напоминает античные рельефы с пляшущими и извивающимися от вина и страсти вакханками, которые художники эпохи Возрождения часто использовали в качестве образца для изображения драпировок. Эти ритмические находки Филиппино со временем найдут продолжение в живописи маньеризма, не случайно Вазари писал, что Липпи «обогатил искусство красотой и нарядностью». _history ФилиппиноЛиппи АллегорическаяСцена Возрождение

"Сдача Бреды" 1635 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Сдача Бреды» Диего Веласкеса – одно из наиболее знаменитых и значительных произведений европейской исторической живописи. Масштабное полотно (307 х 367 см) создавалось специально для новопостроенной королевской резиденции Буэн-Ретиро (к сожалению, разрушенной в ходе наступления на Мадрид французов в начале XIX века). Само название замка Буэн-Ретиро переводится с испанского как «благодатное уединение». Тем не менее, его оформление, которым занимался первый министр короля герцог Гаспар Гусман граф де Оливарес, было отнюдь не камерным, а чрезвычайно торжественным и парадным. «Сдача Бреды» являлась лишь одной из 20-ти больших картин, которые предназначались для Зала королевств, и должны были воспевать военные подвиги и завоевания испанского монарха (и патрона Веласкеса) Филиппа IV. _history

Новый петух Нотр-Дама Восстановление фигурки петуха на шпиле Собора Парижской Богоматери является важным этапом в процессе восстановления этого исторического здания, которое понесло серьезные повреждения в результате пожара 2019 года. Новый петух становится символом надежды и возрождения, а также продолжает традицию хранения священных реликвий. Интересно отметить, что в старом петухе содержались важные священные артефакты, включая шип Тернового Венца, частицу мощей святой Женевьевы и святого Дионисия Парижского. Эти священные предметы имеют особое значение для католической традиции, и их помещение в нового петуха продолжает связывать Собор с его религиозным наследием. Сам факт того, что новый петух представляет собой не просто символ бдительности и воскресения Христа, но и феникса, добавляет драматизма и символизма в восстановлении Нотр-Дама. Феникс, обвитый огненными перьями, становится метафорой возрождения после катастрофы. Главный архитектор, Филипп Вильнев, подчеркнул важность выживания оригинала, видя в этом луч света в трудных временах. Его слова отражают стремление сохранить и восстановить не только физическую структуру Собора, но и его духовное значение. Интересное решение о выставлении оригинального петуха в новом музее также придает этому проекту художественный и исторический контекст. В конце концов, вопрос о том, какой петух красивее и лучше, скорее всего, зависит от индивидуальных предпочтений и восприятия красоты, а также от понимания исторической ценности каждого из них в контексте Нотр-Дама. | Культурные каналы