Фотография вдохновляет Если вы интересуетесь фотографией, то должны наверняка...

VLADEY X проведет первый в 2021 году тематический аукцион — LOVE. Художественные высказывания звёзд российского искусства на тему любви будут выставлены и проданы на аукционе в субботу, 13 февраля. Как обычно, артбиржа VLADEY X начнется в 15.00. Среди топовых лотов выделяются работы: ️Олег Голосий «Вдвоем» 1990 года (Лот 9) ️Дубосарский и Виноградов «Паучок» 2004 года (Лот 8) ️Василий Слонов LOVE из проекта «Light my fire» (Лот 7), фотография ️Сергей Братков «Любовное отражение» 2009 года (Лот 5) ️Валерий Чтак «Любовь топора не требует» 2017 года (Лот 16) ️и другие! Владимир Овчаренко: «Наступил 2021 год, ковид отступает и VLADEY продолжает еженедельно радовать коллекционеров и любителей искусства новыми шедеврами. Тематические торги всем понравились, и в преддверии праздников мы подобрали великолепные подарки, их можно сделать любимому человеку, а можно порадовать и себя. Дарить искусство - что может быть лучше?” VLADEY X LOVE Живой аукцион с онлайн-участием 13 февраля 15:00 Каталог https://vladey.net/ru/auctions/xlove

Но вернемся к художникам пока. Недавно интернет облетела фотография статуи Микеланджело (я ее ниже прикреплю), с вот такой вот подписью: “В предплечьях есть одна очень маленькая мышца, которая сокращается только при поднятии мизинца. Моисей Микеланджело приподнимает мизинец, поэтому эта крошечная мышца сокращается. 10 вниманий к деталям из 10!” - ну и понимаете, что это самое внимание к деталям было бы невозможно без досконального изучения и глубинного понимания анатомии человека. Я тут как-то рассказывала про художников-назарейцев, которые отказались по идеологическим соображениям от такого изучения анатомии и, не смотря на все достоинства их живописи, тела на их картинах выглядят как сосиски. И такими же сосисками выглядят герои картин до повального интереса к анатомии. Выставка Хагенса - редчайшая возможность поглядеть как устроено человеческое тело для тех, кто не студент-медик. Мне, кстати, кажется довольно интересным то, что Хагенс не называет себя художником (хотя есть версия, что его не принял артмир из-за этических сложностей) - он просто показывает зрителю как велико и восхитительно творение совсем другого автора - Природы, ну или, если хотите - Бога. То есть, не смотря на все этические сложности и обсуждения этой выставки как чего-то мрачного и зловещего, мне кажется, что она не про смерть, а про жизнь. У меня дома есть несколько анатомических атласов, основная часть из них - это анатомия для художников, но, конечно, самые потрясающие - это атласы медицинские. Атлас Френка Неттера, который я умыкнула у своего брата-врача, является буквально моей настольной книгой, в нем миллион закладок и он всегда под рукой. А тут приехала возможность поглядеть на все это трехмерное, настоящее. Да, действительно жутковато осознавать, что там настоящие тела, хоть и залитые пластиком по особой технологии. Но, с другой стороны, у нас в Пушкинском музее лежит мумия, а в Кунсткамере вообще заспиртованные младенцы. А еще есть церковь из костей, катакомбные святые, анатомические препараты, скелеты в музеях и еще миллион всего - и это тоже настоящие тела, но просто к ним как-то уже привыкли, а тут свежее нарушение табу. Отсюда и беспокойство - за нарушением табу, если это воспринимать так, следует какая-нибудь кара, поэтому и предлагают выставку закрыть как бы чего не вышло неконтролируемого. Приветствую дискуссию и отзывы тех, кто там побывал, потому как вопрос мне кажется сложным, но интересным.

«Генерал Бернардо де Гальвес» В конце прихожей в отеле Galvez в городке Галвестон, штат Техас, висит портрет Бернардо де Гальвеса, испанского полководца, который помогал американским войскам во время Гражданской войны. Также, в его честь, назван сам город. Несмотря на то, что Гальвес умер в 1786 году, слухи о его призраке появились еще при жизни. Гости и служащие отеля утверждали, что глаза на портрете следовали за ними, когда те шли по коридору. Одним из самых странных аспектов являлось то, что Гальвес, не позволял фотографировать свой портрет без «разрешения». Люди утверждали, что любая фотография, сделанная без разрешения, получается размытой, или на ней получаются необъяснимые шары и полосы.

Картошка В 2010 году ирландский фотограф Кевин Эбош создал снимок органической картофелины и продал его за миллион евро. Фотографию приобрёл бизнесмен из Европы — его имя не раскрывается. Известно, что Эбош с покупателем выпивали вино и после нескольких бокалов бизнесмен заявил, что хочет купить снимок. Фотография ирландской картошки на черном фоне выполнена в фирменном стиле Эбоша. Фотограф прославился портретами звезд — от Йоко Оно до Джонни Деппа — сделанными именно на черном фоне.  Искусство или нет?

​​ Вы в курсе, что мишек в лесу написал НЕ ШИШКИН! Первое селфи сделано в 1839 году Какая САМАЯ просматриваемая ФОТОГРАФИЯ? Свежий познавательно-развлекательный канал с ежедневными интересными фактами об искусстве https://t.me/pro_iskusstvo_pro P.S. Участвуй в викторинах и проверяй свои знания) https://telegra.ph/file/817972ffa9a00d5d4d6e9.mp4

"Муза, вдохновляющая поэта" 1909 г. Анри Руссо Базельский художественный музей. «Муза, вдохновляющая поэта», – не кто иная как возлюбленная Аполлинера Мари Лорансен, художница и гарвер. Соответственно, поэт – это сам Гийом Аполлинер. Портрет написан после знаменитого приёма у Пикассо, устроенного в честь Таможенника – прозвище Руссо, 15 лет проработавшего на парижской таможне. Руссо был большим любителем такого жанра как портрет-пейзаж. Относительно этой картины сохранилась фотография, раскрывающая способ работы художника. На фото запечатлен Руссо у картины, на которой практически полностью прописан фон и оставлено чистое пространство для фигур, которые он вписывал в последнюю очередь. Базельский портрет – это уже второй вариант. Дело в том, что Мари Лорансен просила изобразить у их ног турецкие гвоздики, символ поэтов. Руссо неоднократно посещал Ботанический сад, делал наброски, а в конце концов всё перепутал и «воткнул» в землю у ног поэта и музы левкои – символ смерти и забвения. Говорят, Мари устроила грандиозный скандал. Кстати, не стоит также забывать, что Мари Лорансен была барышней чрезвычайно стройной, с осиной талией, о чем по портрету догадаться, прямо скажем, непросто. На вопрос, почему он изобразил мадмуазель Лорансен в таком виде, Руссо невозмутимо ответил: «Так ведь большому поэту нужна большая муза!». Впрочем, другие источники утверждают, что чувство юмора у Мари возобладало над женским возмущением, и она дико хохотала, глядя на свое изображение. Но забирать его домой Аполлинер все же не рискнул. Картина оставалась у Руссо и попала на глаза русскому меценату и коллекционеру Сергею Щукину, который купил ее для своего собрания. Так «Поэт и Муза» на фоне левкоев» попали в Россию. И вот незадача – то ли Аполлинер по-новому взглянул на картину, то ли Мари перестала сердиться, но вскоре поэт пришел к Руссо с намерением забрать портрет. Что делать, пришлось писать новый! Нельзя не заметить, что во втором варианте исправлены не только цветы. Мари выглядит не такой крупной, и платье безусловно подчеркивает наличие талии – не осиной, конечно, но по сравнению с первым вариантом она, по крайней мере, имеется. Кстати, Фернанда Оливье, подруга Пабло Пикассо, Мари недолюбливала и язвительно констатировала, что с возрастом та становится всё больше похожа на свой портрет работы Руссо. Да и сам Аполлинер в базельском варианте кажется более «прилизанным», аккуратным. Если в первом варианте, с левкоями, образы Аполлинера и его Музы максимально индивидуализированы, в некоторой степени гротескны, укрупнены – словно мы смотрим на них, поднеся к холсту лупу, то второй вариант – попытка написать салонную картину. Украшения Мари в первом варианте – однозначно из живых цветов. Вся композиция несет некий отпечаток античности. На втором же портрете фигуры и лица изображенных схематичны, шею Мари обвивает просто некое украшение, пейзаж тоже усреднен, схематизирован, кроны деревьев четко образуют арку, под которой представлены объекты. Руссо вообще очень почитал академическую живопись и искренне верил, что он «тоже такой». Авангардизм он считал, по большому счету, баловством, недоумевал, «зачем Робер (Делоне – ред.) сломал Эйфелеву башню» и стремился писать салонную живопись, что не особо удавалось. Зато удавалось значительно большее. В этом смысле сопоставление двух вариантов «Поэта и Музы» очень интересно, поскольку наглядно демонстрирует, как в версии с гвоздиками стало чуть меньше Таможенника, чуть больше салона. АнриРуссо Примитивизм _history

Rob Ritchie (Роб Ричи) создает великолепные натюрморты в стиле гиперреализм сочетающие в себе гармонию цвета, тени и композиции. Картины настолько натуральны, что кажется это высококачественная фотография, но это картины маслом. Стоит заметить, что Rob Ritchie учился писать картины самостоятельно, без специализированного образования, но под влиянием работ старых мастеров, отточил своё мастерство. мастерство

​​Приглашаем на «Призракологию постсоветских пространств». В HSE ART GALLERY сегодня в 19:00 состоится открытие групповой выставки: 60 художников, среди которых студенты и преподаватели Школы дизайна НИУ ВШЭ, а также независимые авторы. Выставка — тотальная инсталляция: не то обжитой подъезд, не то захламленная квартира, наполненная работами художников, где графика, скульптура, видео, фотография и живопись осмысляют постсоветское пространство. Кураторки выставки — Александра Кузнецова и Софья Афанасьева. Подробнее. ️HSE ART GALLERY, ул. Малая Пионерская, 12. м. Павелецкая. ️Вход свободный. https://telegra.ph/file/97acaf71e09a26d7f0ea4.jpg

Среди огромного количества невнятного контента в Телеграме иногда удаётся отыскать настоящий бриллиант, причём в прямом смысле. Кажется, Jewellery Digest – лучший на сегодняшний день канал, посвящённый ювелирным украшениям. Это не скучный каталог ювелирных изделий, а полноценный онлайн-журнал с качественными текстами и фотографиями, рассказами о знаменитых украшениях и их владельцах, оперативным освещением главных новостей индустрии, эксклюзивными превью новых коллекций и даже историями о драгоценностях, изображённых на портретах. Недавно, к примеру, они рассказывали про колье Анны Болейн, которое оказалось не так просто, как может показаться на первый взгляд. В общем, рекомендуем подписаться!

​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие «Дама с веером» — последний женский портрет знаменитого венского художника Густава Климта. Его героиня соблазнительно и с удивительной самоуверенностью смотрит вдаль. Эта яркая картина вновь выставлена в Вене спустя более века. Она представлена на специальной выставке в Верхнем Бельведере вместе с другими поздними работами мастера. Вскоре после смерти Густава Климта в 1918 году в мастерской художника была сделана фотография. На ней изображены две картины, каждая на своём мольберте — это «Дама с веером» и незаконченная работа «Невеста». Вторая была предоставлена Бельведеру в долгосрочную аренду. Но первая — яркое и мастерски выполненное изображение женщины с обнажённым плечом — исчезла 101 год назад. Она была вывезена из Австрии при невыясненных обстоятельствах. Возвращение «Дамы с веером» в Вену — важное событие, ведь это уникальное дополнение к наследию Густава Климта. В честь этого случая Бельведер организовал небольшой, но громкий показ, посвящённый заключительному этапу творчества культового венского художника. В одном зале с «Дамой…» выставлены другие портреты, относящиеся к этому периоду. «Дама с веером» была последней картиной, над которой Климт работал в 1917 году. Он практически завершил её — за исключением нескольких деталей. И если на большинстве его портретов изображены светские дамы, то здесь, вероятнее всего, он написал неизвестную модель. Этот портрет — вариация на тему венской красоты, один из излюбленных сюжетов художника. Эта соблазнительная незнакомка, которая, скорее всего, была танцовщицей, кажется успешной и уверенной в себе. Её голова высоко поднята, плечо обнажено, а открытая грудь заслонена веером. Женщина смотрит мимо зрителя за пределы полотна. Картина демонстрировалась в Вене всего лишь раз — на выставке искусств и ремёсел Kunstschau в 1920 году. С тех пор её судьбу трудно проследить. По данным Бельведера, в 1960-х годах эту работу купил у вдовы промышленника Рудольф Леопольд — венский коллекционер и основатель музея Леопольда. Остаётся невыясненным, когда холст в конечном итоге покинул Австрию и был продан ценителю из США. Последний раз «Дама с веером» экспонировалась в Кракове в 1992 году. Два года спустя ценное произведение было продано на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 миллиона долларов. На тот момент это стало рекордом для работ Климта, когда-либо выставленных на торги. Между тем, Федеральное управление памятников Австрии так и не выдало лицензию на экспорт этой важной картины. По словам директора Бельведера Стеллы Роллиг, нынешний владелец ничего не знал о том, что вывоз «Дамы с веером» был незаконным. И сейчас Австрия дала гарантии анонимному коллекционеру, что его сокровище вернётся неприкосновенным. «Он очень хотел показать эту картину в Бельведере, показать её здесь, в контексте нашей коллекции работ Климта, и снова сделать её доступной для публики», — сказала она. Среди других картин в экспозиции — незавершённые «Невеста», «Амалия Цукеркандль», «Адам и Ева» и «Дама в белом». В октябре к ним присоединятся новые экспонаты, которые продемонстрируют интерес Климта к восточноазиатскому искусству и его влияние на творчество австрийского мастера. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b11aae8078613b208f5c6.jpg

Concept 477. Concept 477 концептуального архитектора и дизайнера из Москвы Романа Власова. Проект поражает своей футуристичностью, в нем мастерски сочетаются ландшафтный дизайн и архитектура. Роман вдохновляется творчеством Захи Хадид, всемирно известного архитектора, чьи работы уникальны своей смелостью и масштабностью творческих решений. Один из главных принципов Хадид – стремление к органичности форм, который проявлен и в объекте Власова. Белые мягкие линии постройки являются продолжением темных и острых скал. Реализуя новые проекты, архитектор вдохновляется идеей создания чего-то уникального и оригинального. Свои архитектурные концепции Власов воспринимает как личное исследование формы и как процесс развития творческого мышления. «Я реализую свой поток видений в архитектурных формах. Куда это приведет – время покажет».

Рейн ll В 1999 году немецкий фотограф и художник Андреас Гурски создал работу «Рейн ll». Художник сделал снимок Рейна в пасмурную погоду. Фотография входила в коллекцию из шести снимков Рейна под номером два — поэтому её так и назвали «Рейн II». На фотографии запечатлены два зелёных берега, между которыми течёт река, в водах которой отражается пасмурное небо Дюссельдорфа. Изначально на фотографии присутствовал не только Рейн, но и люди, выгуливающие своих собак, а также завод. Чтобы отсечь всё лишнее, художник удалил и завод, и людей с собаками в Фотошопе. Фотография была продана с молотка в 2011 году на аукционе Christie’s за 4,34 миллиона долларов. Это одна из самых дорогих фотографий в мире. Искусство или нет?

Дорога к морю В 1980 году фотограф Мануэль Литран запечатлел дорогу к морю во Франции, которая была выложена трупами 140 собак. Хозяева бросили своих собак на произвол в летнюю жару без еды и воды, так как не нашли на кого их оставить во время отпуска. А представители общества защиты животных усыпили, так как не было места в приютах. По просьбе фотографа 140 собак, усыплённых только за два дня, были выложены на трассе, ведущей к морскому курорту. «Я не спал по ночам, я был шокирован этой картиной», — вспоминает фотограф. Фотография вызвала резонанс. Во Франции были утверждены законопроекты о запрете на эвтаназию животных без медицинских показателей. Искусство или нет?

"Портрет Винсента ван Гога, рисующего подсолнухи" 1888 г. Поль Гоген Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Полотно «Ван Гог, рисующий подсолнухи» может служить одним из самых ярких напоминаний о том, что двум поистине творческим натурам крайне тяжело уживаться вместе. Тем более, в таком крохотном пространстве, как знаменитый Желтый дом, где Гоген провел вместе с Ван Гогом несколько «незабываемых» недель в конце 1888 года. Это время стало для обоих художников очень продуктивным в творческом плане, но назвать их отношения добрососедскими никак нельзя. Почти всем необходимым их снабжал брат Ван Гога Тео, и Гогену пришлось стать фактически нянькой для Винсента, удивительно беспомощного в бытовых вопросах и мало обращавшего внимание на беспорядок. Гоген, который и так жаловался на то, что Тео купил его, «как проститутку», не мог добиться взаимопонимания ни уговорами, ни скандалами, ни ультиматумами. Кроме того, художники еще и все время соперничали друг с другом – и на творческом, и на любовном фронте. По одной из версий, главный конфликт между ними, закончившийся отрезанным ухом и отъездом Гогена, произошел как раз из-за женщины. При таких сложных отношениях неудивительно, что за все время, прожитое вместе, художники написали только по одному портрету друг друга. Ван Гогу было гораздо интереснее писать кресло друга, чем его самого. Что же касается работы Гогена, то здесь можно усмотреть не столько дань уважения таланту коллеги, сколько саркастическую усмешку в его адрес. Художника раздражала страсть Ван Гога к желтому цвету и его одержимость подсолнухами. Интересно то, что Гоген изобразил Винсента, словно глядя на него сверху вниз. Впрочем, для живописца, позже изобразившего себя с нимбом, такой взгляд на окружающих не кажется удивительным. Мужчина на этой картине мало похож на того Ван Гога, к которому мы привыкли благодаря его автопортретам (и немногочисленным фотографиям). Гоген наделил его крупными и грубоватыми чертами лица, оставив узнаваемой лишь ярко-рыжую бороду. ПольГоген Портрет Импрессионизм _history

Архитектурная фотография Даниэль Гарай Аранго - колумбийский фотограф, специализирующийся на архитектуре и уличной фотографии в черно-белом цвете. Аранго редактирует черно-белые архитектурные фотографии с помощью эстетики изобразительного искусства В ходе своей карьеры он разработал свой собственный уникальный стиль, наряду с тщательной методологией, и выставлял свои работы в Австралии, США, Испании и других странах по всему миру Поделитесь в комментариях своими впечатлениями от этих фотографий

​​️Ярмарка Art Basel упростила правила для иностранных посетителей. ️В Музеях Кремля открылась выставка «Франция и Россия. Десять веков вместе». Выставка организована в перекрестный год межрегионального сотрудничества России и Франции ️Радиостанция «Орфей» запустила первую в России медиаплатформу академической музыки. Платформа бесплатная для пользователей ️Музейный квартал планируют создать в бывшем военном городке в Новосибирске. ️7 новых выставок представил MAMM в честь своего 25-летия! Одна из них — «Первоцвет. Ранний цвет в российской фотографии. 1860—1970-е годы». Выставка также является кратким конспектом истории русской фотографии на протяжении столетия. В то же время экспозиция позволяет проследить, как менялась жизнь в стране, переживавшей исторические и социально-политические катастрофы, и то, какую разную роль в течение этого периода играла фотография. Фото: Сергей Прокудин-Горский. Портрет Льва Толстого. 23 мая 1908. Фототипия. Собрание МАММ https://telegra.ph/file/0f1eafb42e70f7e11b5de.jpg

"Застольная молитва" 1951 г. Норман Роквелл Частная коллекция. Когда в 1955 году журнал «The Saturday Evening Post» провел опрос своих читателей, какая иллюстрация Нормана Роквелла им больше всего нравится, то большинство назвали картину «Застольная молитва». Эта работа была написана ко Дню Благодарения и долгие годы оставалась олицетворением святого для американцев праздника. Опубликованная в журнале в 1951 году иллюстрация Норманна Роквелла точно передавала атмосферу послевоенного времени в Америке и сопровождалась текстом: «Наш мир – не самое счастливое место в наши дни». Вторая Мировая война перевернула сознание людей и очередной раз доказала как «призрачно все, в этом мире бушующем». После всемирного хаоса пришли растерянность, страх и безнадежность – неумолимые последствия войны. Картина Роквелла отвечала на многие вопросы американцев: как, пройдя через насилие и жестокость, сохранить веру в любовь и доброту и где взять силы, чтобы снова доверять людям и смотреть в будущее с надеждой? Ответ пришелся по душе многим американцам – источник силы художник видит в идущей от самого сердца молитве-благодарности за дар жизни. Идея сюжета появилась благодаря одной из читательниц «The Saturday Evening Post». В 1950 году миссис Эрл в своем письме описала сцену, очевидицей которой она стала. Она красочно поведала, как на ее глазах в кафе вбежала веселая молодая женщина с маленьким озорным мальчиком. Эта парочка сразу привлекла внимание всех посетителей своим радостным и возбужденным настроением. Когда они, довольные собой, сели за столик, то, ничуть не смущаясь переполненного зала и соседей по столику, на несколько минут застыли в молитве. Затем они с воодушевлением принялись за свой обед. Впечатленный рассказом, Роквелл написал эту сцену так достоверно, словно сам ее увидел, только для большей выразительности вместо молодой женщины художник изобразил бабушку с внуком. Каждый раз, когда художник загорался идеей, им овладевала патологическая страсть к совершенству и картина «Застольная молитва», как и многие другие, была тщательнейшим образом спланирована. Вначале сцена была разыграна в кафе на Тайм-сквер на Манхеттене. Оставшись недовольным сделанными там фотографиями, Роквелл выбирает кафе на вокзале, а чтобы точно изобразить обстановку, он даже привозит столики и стулья из кафе в свою студию. Неутолимое желание достоверности вынудило его сфотографировать двор железной станции в Ренселларе недалеко от Нью-Йорка, который на окончательном варианте виднеется за окном. В работе над картиной Роквелл, как обычно, выступает в роли режиссера спектакля: он придумывает сцену, подбирает моделей, антураж и кроме подготовительных эскизов делает сотню фотографий. Он считал, что фотография очень хорошо передает спонтанность и экспрессию. В этой картине Роквелл даже использовал прием фотографов «глубокий фокус», в котором первый и второй планы переданы с гипер-реалистичной ясностью. Для картины художнику позировали его любимые модели: молодой человек, сидящий спиной к окну, – старший сын художника Джерри, рядом с ним за столиком с сигаретой сидит ученик Роквелла, Дон Уинслоу. Картина Нормана Роквелла «Застольная молитва» стала самым дорогим произведением американского реалистического искусства - в 2013 году она была продана на аукционе Сотбис за 46 млн. долларов. НорманРоквелл Реализм _history

"Дама с веером" 1917 г. Густав Климт Частная коллекция. «Дама с веером» – один из последних женских портретов Густава Климта. Он работал над картиной в 1917 году – незадолго до смерти, которая наступила из-за пневмонии после перенесённого инсульта. Однако прежде художник успел закончить работу – за исключением нескольких незначительных деталей. Если на большинстве портретов Климта изображены светские дамы, то здесь он написал модель, личность которой до сих пор остаётся загадкой. Соблазнительная незнакомка, скорее всего, была танцовщицей. Она выглядит успешной и уверенной в себе: голова высоко поднята, плечо обнажено, а открытая грудь заслонена веером. Женщина смотрит мимо зрителя за пределы полотна. Этот портрет – вариация на тему венской красоты, один из излюбленных сюжетов художника. В нём одновременно отражено влияние японского искусства, модного в эпоху модерна, и самобытный стиль самого Климта. Жёлтый фон напоминает его картины «золотого» периода, такие как «Портрет Адели Блох-Бауэр I» или «Поцелуй». Красочные птицы и вьющиеся цветы отражают характерное для мастера обильное использование цвета и орнамента. Фон имитирует японские ксилографии с их яркими стилизованными узорами. Богато украшены также платье героини и веер, который она держит в руках. Такое множество декоративных элементов вызывает ощущение, будто Климт балансирует между искусством и ремеслом. Комбинация этих двух составляющих отражает тенденции, которые начали набирать обороты на заре XX века. Они охватили живопись, архитектуру, текстиль, дизайн интерьеров и ювелирное дело, вытолкнув декоративные ремёсла из тени и в центр внимания. Ощущение беззаботности, которое создают цвет и орнаменты в «Даме с веером», подчёркивают великолепие центральной фигуры. В результате картина стала гимном как самой женщине, так и миру, который её окружает. Полотно было обнаружено в 1918 году в мастерской Густава Климта вскоре после его смерти. Сохранилась фотография, на которой запечатлены две работы – незавершённая «Невеста» и «Дама с веером». Первая была предоставлена музею Бельведер в долгосрочную аренду, а вторая была вывезена из Австрии при невыясненных обстоятельствах. В Вене «Даму с веером» публика видела всего лишь раз – на выставке искусств и ремёсел Kunstschau в 1920 году. С тех пор она исчезла на многие годы. По данным Бельведера, в 1960-х годах её купил у некой вдовы промышленника Рудольф Леопольд – венский коллекционер и основатель собственного музея. Однако непонятно, как портрет затем был вывезен из Австрии и продан ценителю из США. После этого «Дама с веером» экспонировалась в Токио в 1991 году и в Кракове годом позже. В 1994-м ценное произведение было продано на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 миллиона долларов. На тот момент это стало рекордом для работ Климта, когда-либо выставленных на торги. Однако покупатель понятия не имел, что Федеральное управление памятников Австрии так и не выдало лицензию на экспорт этой важной картины. В 2021 году – через сто лет после первой демонстрации в Вене – коллекционер захотел показать работу в австрийской столице вновь. Государство дало ему гарантию, что вернёт полотно неприкосновенным, и сияющий образ стал центром небольшой, но важной выставки «Дама с веером. Последние работы Густава Климта» в Бельведере. ГуставКлимт Модерн _history

​​Фотография в мире искусства На нашем YouTube-канале ARTLIFE TV вышло новое видео — «Круглый стол. Фотография в мире искусства» с участниками фотохудожественного проекта «ГРОМ». Фотохудожник Ольга Мичи, историк фотографии Алексей Логинов и искусствовед Артём Логинов обсудили с арт-продюсером Крестиной Ланцовой историю великих кадров, концепцию фотопроекта «Жилища будущего», будущее фотографии и многое другое. https://telegra.ph/file/aa7cd2303a6cf07d8459f.jpg

Еженедельный новостной дайджест ARTLIFE. Собираем самые интересные события из мира современного искусства. Этикет и искусство На YouTube-канале ARTLIFE TV вышло интервью с международным экспертом по этикету Татьяной Поляковой. Must watch этой недели. Реэкспозиция Пушкинского музея ГМИИ им. А.С.Пушкина объявил о масштабной реэкспозиции залов старых мастеров. Теперь в музейном пространстве больше света, как и задумывалось основателем и архитектором. Ставки на искусство Новый тест на оценку произведения искусства. На этот раз — Клод Моне. OnlyFans и Венские музеи Facebook постоянно усложняет публикацию контента, в том числе по соображениям защиты от порнографиии. Вот как Венские музеи вышли из положения, чтобы публиковать обнаженную натуру из своей коллекции. Фотография: прошлое, настоящее и будущее YouTube-канал ARTLIFE TV выпустил видео о фотографии. В формате круглого стола участники фотохудожественного проекта «ГРОМ» и арт-продюсер Крестина Ланцова обсудили фотографию.

Обещала рассказать о великолепной выставке, посвящённой образу женщины в советской фотографии «И это всё о ней…» В экспозиции 50 лучших работ репортажной, уличной и портретной фотографии 1920-х–1990-х из коллекции Галереи Люмьер. Восхитительно осознавать, как менялся образ женщины и женственности: «спортсменка, комсомолка и просто красавица», «жена и мать», «боевая подруга», «хранительница домашнего очага» и далее, далее. Фотография начинает развиваться с 1920 года и обретает свой эстетический язык, становясь языком идеологии и отражением тенденций в обществе. К 1950 году появляется клубная фотография, а к 1960 годам фотография разделяется на официальные тенденции и неофициальные творческие поиски. Я лично получила огромное удовольствие от выставки. Глядя на фотографии, чувствуешь сильную связь поколений, которые переживали те же чувства, наслаждались тем же утрешним солнцем и шли по той же Красной площади с сердцем полным надежды и веры в завтрашний день.

Музыкальное искусство обладает уникальным свойством: с помощью звуков оно доносит до слушателя мысли и чувства композитора. Конечно, каждый по-своему воспринимает и понимает музыку, составляет собственное мнение о ее содержании в соответствии со своими взглядами, вкусами, опытом. ️ В начале декабря в сети состоялась премьера документального фильма «Музыка души и рэп реальной жизни», который за несколько дней набрал почти полмиллиона просмотров. Это искренний, эмоциональный фильм, который вдохновляет начинающих музыкантов и профессионалов, зевак на улице и искушенных слушателей в филармонии, приверженцев классической музыки и любителей современных течений. Героев картины объединяет любовь к музыке, инициатива и желание выступить на ежегодном музыкальном фестивале Ural Music Night в Екатеринбурге. Молодым музыкантам и энтузиастам проекта – участникам уникального социального эксперимента, удается создать несколько новых групп, каждая из которых, возможно, станет знаменитой и поведет за собой поколения. Посмотреть фильм можно тут https://www.youtube.com/watch?v=iUv72F35sr8

Музейный экспонат и посетитель нашли друг друга. Представьте, что вы пришли полюбоваться на произведения искусства, а наткнулись на свое изображение. Именно так произошло с героями на этих фотографиях.

Голос огня 1967 Ньюман Национальная галерея Канады Абстрактная картина американского художника Барнетта Ньюмана. Написана акриловыми красками на холсте. Композиция из трёх вертикальных полос одинакового размера. Наружные полосы окрашены в синий цвет, а центральная — в красный. Картина была создана в рамках специального заказа Всемирной выставки 1967 года, проходившей в Монреале (Канада). «Голос огня» был частью павильона США. Картина демонстрировалась вместе с другими символами американского прогресса, космической капсулой «Аполлона» и красно-белыми полосатыми парашютами «Аполлона», фотографиями Луны и крупномасштабными фотографиями кинозвёзд. Покупка «Голоса огня» Национальной галереей Канады в 1989 году за $1,8 млн вызвала бурю споров. Некоторые жители Оттавы издевались над ней, нося полосатые футболки и галстуки, имитировавшие картину.

"Зимняя гармония" 1890-е Джон Генри Твахтман В начале девяностых годов 19 века художник Джон Генри Твахман приобретает ферму неподалеку от городка Гринвич в Коннектикуте. Это позволяет ему совмещать жизнь в тихой сельской местности, о которой он давно мечтал, с преподавательской деятельностью в Нью-Йорке, куда от его владений было буквально рукой подать. Вскоре после переезда Твахман напишет в письме своему близкому товарищу и коллеге Уиру о том, что более всего его вдохновляет смена времен года, а в особенности – зима: «Теперь я отчетливо понимаю, насколько важно постоянно жить за городом, в каждое из времен года. Нам нужен снег, и как можно больше. Природа никогда не бывает настолько очаровывающей, как в моменты, когда идет снег. Вокруг стоит такая тишина, и вся земля, кажется, будто укутана покрывалом... Весь мир убаюкивается до полного безмолвия». Вместе с фермерскими угодьями Твахтману достается тихий пруд, окруженный деревцами. Художнику настолько полюбился каменистый ручей Хорснек, впадающий в этот водоем, что он становится частым героем картин Джона Генри. Запечатлевая один и тот же пейзаж в разные поры года, а иногда и в разные дни одного и того же сезона, он оттачивает мастерство в передаче едва уловимых изменений в природе, освещении, погоде. В отличие от работ его французских современников, зимние пейзажи Твахтмана часто монохромны, с приоритетом белого и лишь редкими вкраплениями цвета. Особенно в сравнении с куда более щедро расцвеченными зимними видами ортодоксальных европейских импрессионистов вроде Альфреда Сислея, Камиля Писсарро и Клода Моне. Живопись Твахтмана ограничена и в рамках тематики. Панорамным пейзажам он предпочитает крупный план. Насколько редко он пишет залитые солнцем ландшафты, настолько нечасто (проще сказать – никогда) привлекали его вечерние сумерки. Конек художника – зима во всех ее проявлениях: от почти полностью укрытых снегом бескрайних далей до живописания всех возможных стадий его таяния. Осеннее буйство красок едва вписывалось в его эстетику. «Зимняя гармония» – один из наиболее известных «портретов» облюбованного Твахтманом вида на свой пруд. Среди прочих он выделяется как раз нехарактерным для его снежных ландшафтов цветовым многообразием. В кои-то веки в ход идет практически вся палитра: одних только оттенков синего и лилового не счесть. Да еще желтизна жухлой травы, проступающей сквозь снег, и ржавые остатки листвы на деревцах, и намеки на оттенки зеленого в веточках хвои. Но на этом сходство с французскими импрессионистами заканчивается. В отличие от них, Твахтман работает не раздельными мазками, густо покрывающими полотно, не оставляя просветов, а применяет старую добрую лессировку, нанося почти сухие краски поверх первичной основы. Его кисть свободно порхает по холсту, так что основные оттенки и штрихи просвечивают сквозь прерывистую, неравномерную текстуру верхнего слоя. Это приближает его манеру к тонализму, создавая ощущение интимности и уюта, присущее картинам художника Уира и поздним работам пейзажиста Джорджа Иннесса. ДжонГенриТвахтман Пейзаж Импрессионизм _history

Николай Фешин. Балерина Вера Фокина (1927) И фотография художника за работой над портретом

Творческая мастерская "Сундучок". Авторская одежда от Полины и Наташи. «Фотография, графический дизайн, моделирование, пошив, дизайн одежды, вязание, валяние, изготовление аксессуаров в различных техниках, работа с кожей — это не полный список наших интересов. Всё это — работа по созданию уникального, неповторимого образа девушки, женщины. Подчеркнуть индивидуальность, характер и Вашу самобытность — основные задачи нашей мастерской. Желание пробовать что-то новое есть всегда, так что этот список открыт...»

Космический телескоп «Хаббл» сделал самый крупный снимок Вселенной! Международная группа ученых опубликовала фотографию под названием «3D-DASH», на которой запечатлены самые редкие и далекие галактики Вселенной. Такие изображения помогают астрономам наблюдать за уникальными явлениями и познавать таинственный космос. ⠀ Исследователи получили фотографию с помощью новой технологии DASH — ее обзор в 8 раз больше, чем у стандартного «поля зрения» телескопа «Хаббл». Такой метод работает за счет «склеивания» нескольких снимков, полученных раннее. Фотография появилась в середине XIX века, но до сих пор активно развивается, создавая новые направления в искусстве. Следующий шаг — творческий взгляд на необъятную Вселенную! Хотели бы увидеть космос своими глазами?

Креативная жидкая фотография Джека Лонга https://tanjand.livejournal.com/3589625.html

Плесень Художница Дарья Федорова выращивает плесень и создает «картины» в чашке Петри. Во время обучения в Британской высшей школе дизайна она получила задание придумать концепцию выставки и решила собрать микроорганизмы со всего, к чему прикасалась в течение дня. Вышел проект с фотографиями культур в чашках Петри. С тех пор художница выпустила много проектов, связанных с бактериями и микроорганизмами: она выращивала культуры на слепке собственного лица и брала на анализ смывы с икон из московских церквей. Комментарий художницы: «Цель моей деятельности — найти красивое в некрасивом, связать две области: науку и искусство. Бактерии окружают нас с момента зачатия и до самой смерти, без них жизнь человека была бы невозможна — точно так же, как и искусство находится всегда в непосредственной близости, негласно помогая и делая жизнь насыщеннее и ярче». Искусство или нет?

В Галерее Люмьер открылась выставка Владимира Степанова «В тени высоток». В экспозицию вошло более пятидесяти черно-белых авторских отпечатков московского периода (1957–1965 гг.). Москвичам до сих пор дороги те узкие переулки, купеческие усадьбы и уютные дворики – о такой Москве рассказывает фотография Степанова. Нежная, романтическая, искренняя Москва

1 мая галерея авторской фотографии Reportage открывает свою первую выставку «Репортаж» в Музее Парка Горького В одном пространстве 14 российских фотографов, которые снимают по всему миру и конструируют новый культурный код современности, расскажут единую историю о природе, городе и человеке Проект объединит авторов галереи, работающих в различных жанрах — это архитектурная, пейзажная, модная, сюрреалистическая, убран, портретная и анималистическая фотография Что: выставка «Репортаж» Где: Музей Парка Горького, ул. Крымский Вал, д. 9, стр. 11 Когда: 1 мая – 19 мая

Центр визуальной культуры Béton представляет выставку «Япония. Другой мир» Выставочный проект представит 70 оригинальных работ японских фотоателье конца ХIХ века, гравюры, скульптуры, уникальные аутентичные доспехи самураев и шлем судзи кабуто В XIX веке «невиданный архипелаг» открылся миру. И именно фотография во многом стала символом выхода Японии из изоляции. ️На выставке представлены уникальные фотографии, раскрашенные вручную.  ️Украшением экспозиции станут традиционные цветные гравюры укиё-э – японская ксилография.   ️Экспозицию дополнят и аутентичные предметы Страны восходящего солнца. 13.12.2023 – 4.02.2024 ЦВК «Béton» Москва Якиманская набережная 2к1

Сегодня немного о моей работе этого года, друзья К сожалению, заниматься искусством, как раньше, уже не получается и не получится неизвестное время. Это вызывает определенные негативные чувства и эмоции, но я стараюсь искать во всём плюсы. Многое потеряло смысл. Наверное, поэтому продолжаю искать его в прошлом и рассказываю об этом вам, чтобы хоть как-то не падать духом. Но и в настоящем я его вижу и радуюсь за тех, кто продолжает создавать и показывать. Если бы у меня было больше времени, то этот канал лопался от рассказов. Спасибо, что вы здесь. Я прочитала новую книгу Полины Музыки и скоро поделюсь впечатлениями. Книгу можно купить у нее, написав в инсте. Полина меня очень вдохновляет! Художницы

Ну очень богатый художник ️ Раз в субботу я начну рассказывать про Иван Айвазовского в закрытом клубе, то ловите еще несколько интересных фактов про него Айвазовский был крайне востребованным художником, соотвественно, богатым. Проблем с финансами у него не наблюдалось Еще бы, он успел написать за жизнь 6000 картин! Сразу ли к нему пришел успех? Конечно, нет. Путь его был не простым. Но художник не унывал. Более того, придумал интересный рекламный ход - продавал недорогие открытки со своими картинами тем, кто не мог позволить себе большой холст ️ А еще Иван Константинович очень сильно любил шампанское, которым угощал всех гостей своего дома в Крыму И вместо десерта подавал на подносах картины А в качестве иллюстрации - фотография Ивана Айвазовского 1893 года со вставленной в раму настоящей, написанной маслом, картиной(размер картины — 10,6×7,3 см). Это фото,«инкрустированное» живописью, предназначалось Галусту Гульбенкяну, британскому финансисту и коллекционеру P. S. В общем, художник крайне интересный, так что лекции про него будут очень увлекательными чтобы их посмотреть - присоединяйся к клубу PROISKUSSTVO ️ PROайвазовский PROинтересныефакты

Продуктивные передвижники Кстати, вы заметили, сколько я пишу и рассказываю вам про искусство второй половины 19 века? А все почему? Да потому что этот период был для наших художников ну очень продуктивным. Думаете, потому что люди хотели добавлять красоты в жизнь? Это, конечно, да. Но есть еще один очень важный нюанс, благодаря которому мы сейчас любуемся шедеврами второй половины 19 века в музеях ️ И этот нюанс - «Передвижники» точнее, Товарищество передвижных художественных выставок. Что это такое? Объединение художников, которые, в буквальном смысле, «передвигали» свои выставки по стране, показывая искусство в разных городах. И у «передвижников» было условие - на каждую выставку художники должны были представить новую картину! ‍ Вообще «передвижники» были, если говорить современным языком, бизнес единицей. У них имелись и своя касса, свой устав,свое правление. Ну и цели у них были очень благие: ● предоставление жителям провинций возможности знакомиться с русским искусством и следить за его успехами ● развитие любви к искусству в обществе ● облегчение для художников сбыта их произведений Получается, бизнесмены А, ну и к денежному вопросу! Знаю, вы его любите За 25 лет своей непрерывной работы Товарищество заработало 2 000 000 рублей. Картин продали на 1 100 000 рублей. Откуда остальные 900 000, спросите вы? А вход на выставки тоже был платным Надеюсь, вы удивились а то про них часто очень скучно рассказывают, а самое интересное упускают. В качестве иллюстрации - фотография передвижников. Тут столько известных уже нам имен! И Крамской, и Репин, и Савицкий, и Шишкин, и Суриков, и Поленов … P. S. А я напоминаю, что у меня есть небольшие видео про искусство наших художников - Саврасова (его картина была на первой выставке, кстати!), Айвазовского и Врубеля. Посмотреть можно тут ️ PROинтересныефакты