Французская художница РБ Мирьям (RB Myriam) Пишет гиперреалистичные картины...

Будущее/идеал В 2013 году американская художница Тара Субкофф создала перфоманс «Будущее/идеал». В перфомансе приняла участие актриса Милла Йовович. Её на 6 часов поместили в стеклянный короб, где она занималась своими делами на виду у многочисленных зрителей, не обращая на них никакого внимания. Её единственная связь с внешним миром — айфон, через который она заказывала доставку товаров из интернет-магазинов. Вначале Йовович с радостью распаковывала все покупки, пока её «стеклянный домик» не оказался полностью завален коробками. Завершился перформанс словами Миллы: «Нет, это уж слишком! Не понимаю, как всё это здесь оказалось! На самом деле мне не нужно столько всего!» Искусство или нет?

​​️Объявлен шорт-лист IX Ежегодной премии The Art Newspaper Russia. Лауреаты будут названы на торжественной церемонии весной 2021 года в Москве в Гостином Дворе.   ️С 27 января в Третьяковской галерее на Крымском валу для публики открыта выставка «Лаборатория Будущего. Кинетическое искусство в России».   Экспозиция показывает широкую панораму развития кинетизма в России в 60–70-х годах, прослеживая его связь с авангардистскими экспериментами начала века и художественными практиками современности. ️В галерее Lazy Mike в Малом Кисельном переулке в Москве пройдет выставка «Курортный роман» Романа Манихина.   ️C 27 по 31 января BRAFA Art Fair пройдет в формате BRAFA in the Galleries.   Постоянные участники ярмарки в разных странах станут амбассадорами BRAFA на местах, то есть проведут пятидневные выставки, которые будут включать отобранные для брюссельской ярмарки работы. «Хикимаю» — традиция выщипывать брови и затемнять лоб чернилами среди японских аристократок известна с 8 века. Она просуществовала 11 веков до «золотой реставрации Мэйдзи», когда правительство рекомендовало срезать косички и не носить традиционные прически: курс на запад в самом расцвете культуры. Так что, трендовая техника «скульптурирования» не так уж и нова. Моя знакомая живет в Японии и говорит, что до сих пор, если ты приходишь в салон красоты, то первое, за что возьмётся стилист, посадив тебя в кресло — брови! Японцы считают, что именно с помощью бровей можно добиться любого выражения лица.   Французская галерея Yann Ferrandin представляет японскую маску театра Но периода Эдо,18-19 век. Фото: Hughes Dubois https://telegra.ph/file/4a786945534f2132d19f9.jpg

​​️Пушкинский проведет молодежную конференцию про цифровую революцию и инклюзию в театре. ️Опубликован традиционный список Time 100 Next, посвященный будущим лидерам общества по версии журнала. В список вошли два художника — Салман Тур и Амоако Боафо. ️14 марта в «Центре искусств. Москва» пройдёт весенний концерт «Песни птиц». ️Берлинская художница-концептуалист Мария Айххорн будет представлена в национальном павильоне Германии на Венецианской биеннале 2022 года. ️Венецианское биеннале пройдет с 23 апреля по 27 ноября 2022 года. https://telegra.ph/file/68443a829795c96849ca6.jpg

"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор американка Мэри Кассат сделала в одиннадцатилетнем возрасте, когда, побывав на Всемирной выставке в Париже, решила стать художницей. С тех пор ей приходилось отстаивать его, сталкиваясь с сопротивлением едва ли не на каждом шагу. Ее семья – сплошь преуспевающие банкиры, финансисты, промышленники – была против. Американское общество – в те годы бесконечно далекое от идей гендерного равноправия – было против. В 1861 году семнадцатилетняя Мэри поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. И встретилась со снисходительным пренебрежением менторов: в те времена было принято считать, что единственное искусство, необходимое девушке – это умение правильно оттопыривать мизинец, поднимая чашку чая. Позднее, оказавшись в Париже, Мэри Кассат обнаружила, что «раскованная» Европа не далеко ушла от пуританской Америки: в Парижскую школу изящных искусств женщин не принимали. Она училась практически самостоятельно – перебиваясь частными уроками, копируя полотна старых мастеров в Лувре, в одиночестве, наперекор всему. Ей нравилось рисовать. Но еще больше Мэри Кассат нравилось выбирать самой. В историю она вошла не только как одна из трех «гранд-дам импрессионизма» (наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон), но и как завзятая суфражистка – всю свою жизнь Мэри Кассат боролась за предоставление женщинам избирательных прав. Всемирную известность художнице принесла несколько неожиданная для столь эмансипированной особы тема: материнство и детство. Не имея своих детей (отказ от брака – еще один осознанный выбор Мэри Кассат), она как одержимая рисовала чужих. Возможно, таким образом, она компенсировала что-то в психологическом плане. Или делала это по идейным соображениям: Мэри Кассат без устали боролась со стереотипами, а феминистка, которую не интересуют дети – это стереотип. Не исключено, впрочем, что она просто любила детей: в конце концов, не всякий фанат, ну скажем, футбола выходит на поле сам. 1890-е годы, когда была написана картина «Мать и дитя», были для Кассат периодом уверенности, зрелости, признания. Ее роман с импрессионизмом испустил к тому времени дух. Художница, всегда стремившаяся к самостоятельности, переплавила все, чему училась – сначала у Коро и Жерома, а позднее – у Моне и Сезанна, в свою собственную, вполне узнаваемую манеру. Взглянув на эту работу, трудно не вспомнить пастели Эдгара Дега – давнего друга и наставника Кассат. Впрочем, у этих двоих было слишком много общего (оба питали слабость к пастели, оба были без ума от японской гравюры, оба были убежденными холостяками, оба под конец жизни практически ослепли). Так что здесь можно говорить не о влиянии, а о творческом родстве, почти мистической связи. Эксперименты с композицией, настроением, цветом остались позади – это вполне иконографическое изображение. У младенца не столько лицо, сколько лик. Остальное отдано на откуп скупой беглой штриховке. Отчасти это дань увлечению минималистичной восточной графикой. Отчасти – смысловой акцент. Ребенок явно накормлен, здоров и не обделен материнской лаской. Остальное, включая избирательные права женщин, не так уж важно. МэриКассат Импрессионизм _history

"Парижское кафе" 1875 г. Илья Ефимович Репин Частная коллекция. Как мог Репин написать какое-то там парижское кафе, когда на него после «Бурлаков» возлагали надежды как на певца народных чаяний и обличителя угнетателей?! Прогрессивная российская общественность негодовала. Крамской возмущался: «Я думал, что у вас сидит совершенно окрепшее убеждение относительно главных положений искусства, его средств и специально народная струна». Корней Чуковский в своих великолепно написанных воспоминаниях о Репине, изданных, однако, следует учитывать, в Советском Союзе, утверждал, что «Репин везде видел бурлаков». Не совсем верное замечание, прямо скажем. Видел Репин и французскую вольницу. Он стал пенсионером Императорской Академии художеств, получив за дипломную картину «Воскрешение дочери Иаира» Большую золотую медаль Академии и право на 6-летнюю стажировку в Италии и Франции. С восторгом говорил Репин о том, что французская живопись отбросила академические и публицистические рамки. «Царит наконец настоящее французское, увлекает оно весь свет блеском, вкусом, легкостью, грацией…», – в стороне от этого «настоящего французского» не остался и Репин. Картина оказалась скандальной не только для русских. Французская публика тоже была сконфужена. Обратимся к сюжету: празднично-легкомысленная атмосфера вечернего шумного кафе, блеск и обаяние парижских развлечений, волнующая атмосфера светской жизни. Кажется, празднично-расслабленный гул достигает наших ушей. Кто-то читает, кто-то разговаривает, официант разносит напитки. В центре внимания – женщина на переднем плане, с зонтом в руках. В чем же загвоздка? А в том, что дама пришла в кафе одна! Интересно, что на одном из предварительных эскизов она была изображена стоящей, явно кого-то ожидающей. Конечно, это совсем иное настроение, в окончательном варианте Репин от него отказался. Героиня его картины отнюдь не стоит, скромно опершись о стул и ожидая, пока явится ее сопровождение. Неотразимая в своей самоуверенности, горделивая, с вызовом как во взгляде, так и во всей позе, красавица с соболиными бровями представляет собой центр картины, всё крутится вокруг нее. Что означает ее двусмысленное положение? Почему она одна? Эмансипе? Кокотка в поисках клиента? С каким негодованием на нее взирает пышно одетая дама справа! А вот усатый мужчина подле нее с большим интересом смотрит в ту же сторону. А два франта вообще поспешно покидают заведение, оскорбленные до глубины души таким развратом – женщина (!) одна (!) явилась в кафе! Один из них отвернулся и, похоже, зевает – ему такое видеть не впервой, второй же, «как денди лондонский одет», не может отвести глаз от бесстыдства эдакого и пятится чуть ли не спиной вперед. Как тут не вспомнить явление народу дерзкой «Олимпии» Мане двенадцатью годами раньше? Тот же бесстыдный взгляд и эротизм, который не в изгибах женских прелестей, а в непередаваемой дерзости и свободе изображенной. Если Олимпию называли лежащей Венерой современности, то женщину Репина иные критики окрестили урбанистической Венерой. Позировала для нее актриса Анна Жидюк. Картину Репин выставил на Парижского Салоне весной 1875 года. Вероятно, под влиянием общественного мнения, дружно скандировавшего «Скандал, скандал!» (хоть русские и французы видели разные поводы для своего негодования), Репин уже готовую картину «подправил», сделав ее скромнее. Дерзкий взгляд девушки он погасил, заставив ее опустить глаза – и она уже казалось жертвой, а не нарушительницей заведенных приличий. ИльяРепин Реализм _history

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.

"Майский сад" Мария Оки Девинг, 1895 > Вашингтон, Смитсоновский музей Мария Оки Дьюинг – американская художница, жена художника Томаса Дьюинга, изобрела жанр натюрморта на открытом воздухе, часто выполняла фоны на картинах мужа. Девинг писала цветы в естественной среде, создавая у зрителя ощущение реального присутствия в зарослях домашнего парка. "Майский сад" – одно из самых знаменитых полотен художницы. Композиция проникнута поэтическими чувствами и лиризмом. В этих простых на первый взгляд розах и гвоздиках, погруженных в зеленую листву, Девинг открыла поразительное богатство тончайших красочных оттенков. Цветы расположены непринужденно и свободно. Бутоны намечены легкими мазками кисти, что придает изображению возвышенность и свежесть. Девинг словно создавала "портреты" растений. Она наделяла цветы одухотворенностью и считала, что их красота более абстрактная и глубокая, чем человеческая.

"Белая летучая мышь" Лючия Хеффернан Лючия Хеффернан – современная художница из Тайваня, которая в настоящее время живет в США. Она создает картины с животными в юмористической манере. Основа творчества Хеффернан – увлечённость исследованием жизни животных. Лючия старается дать животным голос и личность. Художники-анималисты иногда любят немного пошутить. Такова серия работ о мышатах, которая вызывает море позитива и умиления у зрителей. Представляя в своем творческом воображении, что могут вытворять эти грызуны в той или иной ситуации, Лючия Хеффернан придает им человеческие черты поведения. Среди персонажей художницы есть кошки, кролики, поросята и другие животные. Мир живой природы загадочный и увлекательный. И мы имеем уникальную возможность познавать его и посредством анималистической живописи. Однако, участь художников-анималистов почти всегда незавидна. Они практически никогда не оказываются среди прославленных мастеров живописи, а их картины не ценятся высоко на аукционных торгах.

​​️С 26 февраля в Галерее Алины Пинской откроется выставка «Артефактов» Франциско Инфанте и Нонны Горюновой.   ️HBO анонсировал сериалы и документальные фильмы 2021 года ️Эрмитаж и Cartier представляют выставку отреставрированных шедевров. Пять лет «дружбы домами» Эрмитажа и Cartier: российский музей и французская ювелирная фирма создали уникальную реставрационную программу, итоги которой показывают на выставке. ️Третьяковская галерея запустила новый интерактивный цифровой проект «Моя Третьяковка». Учить русское искусство можно теперь бесплатно, любуясь на 1096 выложенных шедевров! Фото: Крамской Иван, Неизвестная, 1883, Поступило от Народного комиссариата иностранных дел (ранее собрание П.И. и В.А. Харитоненко), ГТГ. https://telegra.ph/file/04b071d52c0a30ab832b7.jpg

Внимание родителям!!! Давно мечтали, чтобы ваш ребёнок с интересом ходил в музеи? Тогда предлагаем вашим детям погрузиться в мир искусства и культуры с нами. Сегодня мы предоставляем 4 коротких курса по 8 занятий: 1. Русская культура и искусство: от Киевской Руси до Новейшего времени. 2. Женщины в искусстве: о художницах. 3. Музеи мира: история создания и коллекции. 4. Культурология: введение в теорию культуры. Первые три курса направлены на детей от 9 до 13 лет. А последний от 12 до 16 лет. Для подробностей _levkovskaia С отзывами и преподавателем курсов можно познакомиться здесь: https://instagram.com/daria_levkovskaia?igshid=1q2dt0nsohof1

Набережная В 2005 году английский скульптор Рэйчел Уайтред создала инсталляцию «Набережная». Работа состоит из 14 000 полупрозрачных белых полиэтиленовых коробок (которые являются слепками внутренней части картонных коробок). Работа была вдохновлена ​​опытом, полученным после смерти её матери. Просматривая её вещи, прежде чем упаковывать их, художница была поражена эмоциональной значимостью скромной картонной коробки, размышляя о том, как она часто присутствует в важных моментах жизни людей. Также считается, что её поездка в Арктику тоже повлияла на создание инсталляции. Искусство или нет?

Внимание родителям!!! Давно мечтали, чтобы ваш ребёнок с интересом ходил в музеи? Тогда предлагаем вашим детям погрузиться в мир искусства и культуры с нами. Сегодня мы предоставляем 4 коротких курса по 8 занятий: 1. Русская культура и искусство: от Киевской Руси до Новейшего времени. 2. Женщины в искусстве: о художницах. 3. Музеи мира: история создания и коллекции. 4. Культурология: введение в теорию культуры. Первые три курса направлены на детей от 9 до 13 лет. А последний от 12 до 16 лет. Для подробностей _levkovskaia С отзывами и преподавателем курсов можно познакомиться здесь: https://instagram.com/daria_levkovskaia?igshid=1q2dt0nsohof1

Эталон В середине 90-х французская художница Мирей Порт создала работу «Реинкарнация святой Орлан». В рамках акции художница изменила своё лицо во имя искусства с помощью нескольких пластических операций в соответствии со стандартами, заданными шедеврами мировой живописи. Лоб от Моны Лизы, подбородок от Венеры Боттичелли. Целью художницы было показать, как индивидуальность растворяется в образе, соответствующем коллективным представлениям о красоте. Искусство или нет?

Вкус Марины Абрамович В 2017 году художница Марина Абрамович выпустила пирожные макароны, которые «точь-в-точь как она». «Моя бабушка, раннее утро, варится кофе, — говорит художница в сопровождающем релиз пирожных видео. — Запах кофе был по всему дому. Дальше я вспоминаю ароматы свежего базилика, тмина, семян кардамона и экзотические запахи путешествий, в которых я бывала, вулканов и водопадов, которые я исследовала, я вспоминаю раннее утро, когда видишь линию моря, встречающего океан, и океан, встречающий небо. Всё это — в моих макаронах». Совместная работа Абрамович и производителя luxury-десертов Kreëmart была представлена на арт-ярмарке Frieze в Лондоне.  Макароны имени Марины Абрамович продавались в лондонском универмаге Harrods. Искусство или нет?

Кошки 1913 год Наталья Гончарова Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк Русская художница-авангардист. Представительница лучизма. Жена Михаила Ларионова — один из основоположников русского авангардизма. Живописью начинает основательно заниматься с 1906 года и отходить от импрессионизма присущего ранним её работам, увлекается фовизмом. Вскоре она пробует себя во многих других направлениях живописи: кубизм, лучизм и примитивизм. Пересечение стилей мы, как раз и наблюдаем в картине "Кошки".

Портрет Ольги Константиновны Лансере 1910 Зинаида Серебрякова Частная коллекция Это портрет жены брата художницы. Зинаида Серебрякова — русская художница, участница объединения «Мир искусства», одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи. Как художница Серебрякова сформировалась в Петербурге. Исследователи подчёркивали влияние «пушкинской и блоковской муз», на Серебрякову. Широкую известность принёс Серебряковой автопортрет («За туалетом», 1909, Государственная Третьяковская галерея).

"Завтрак" 1924 г. Наталья Сергеевна Гончарова Государственная Третьяковская галерея. Большинство исследователей сходятся в том, что «Завтрак» – не типичная для Натальи Гончаровой картина. Как правило, художница не особо жаловала бытовой жанр. Но, видимо, попробовать свои силы в нем решила. Одно дело – не любить, другое – не уметь. Гончарова написала «Завтрак» и убедилась, что умеет. Перед нами сцена, наполненная глубоким психологизмом. Тщательно выстроенная внутренняя драматургия позволила сделать мгновенный слепок истории жизни нескольких людей. Учитывая, что начинала свой путь Наталья Гончарова с импрессионистических картин, многочисленные завтраки импрессионистов ее явно не обошли стороной. А пикантность ситуации не дает забыть о скандально известном «Завтраке» Мане, изображавшем обнаженную женщину в компании двух одетых мужчин. У Гончаровой все одеты, но всё тайное – оно столь явное… Перед нами стол в саду, семейная пара и их гости. Видимо, недавно закончили завтракать. Служанка несет большое блюдо с фруктами. Такова видимость. А что за ней? Безусловным центром картины является усатый мужчина за столом, всё происходит вокруг него. Хозяин дома? Скорее всего. С какой плотоядно-сладострастной, масляной ухмылкой он смотрит на даму в розовом. Они с «розовой» словно в одной плоскости, а «голубая» - вероятно, жена - отстранена, она на обочине. У нее усталый вид, ей, похоже, давно приелись шашни супруга, в ее лице ни малейшего намека на ревность – полное равнодушие и отстраненность с легкой нотой скепсиса. Небрежно отставив руку с сигаретой, она наклонилась в сторону «розовой», скорее всего, говорит что-то типа «какие нынче погоды стоят», скорее всего, подразумевает «как это, право, скучно, и сколько вас таких было-перебыло»… Но «розовая» сейчас не способна ее услышать, она вся устремлена к «усатому», наклон тела, слегка вытянутая в его сторону шея, взгляд, даже кончики туфель. Кстати, о туфлях – ноги здесь исполняют свой показательный танец. Мужская нога, возможно, мгновение назад касалась нынче скрещенных, но неумолимо направленных к нему ног «розовой». А дама в голубом, скрестив ноги под собственным стулом, осталась в стороне. Сладострастие, грех, пресыщенность витают над столом. Руки мужчины сжимают сорванные цветы – он, вероятно, специалист в этом деле, в срывании цветов. Пейзаж соответствует: непосредственно за «черным человеком» – иссохшие деревья, в то время как по сторонам – зеленая буйная листва. Обратим внимание на правый угол. Вопиюще глупого вида юнец – кто он? Младший брат «розовой»? Сын? Племянник? Послушный и не сводящий с нее взгляда. Или же, напротив, воспитанник хозяев, влюбленный в любовницу «усатого»? Девушка в белом – искренняя, печальная и, кажется, понимающая больше, чем надо для спокойных снов на заре туманной юности. Она повернута к молодому фанту, носок ее туфельки тоже смотрит в его сторону, но ни во взгляде, ни в позе не читается любовное томление. Скорее осознание, что ей его не избежать. Возможно, о ее браке с этим глупцом уже договорено? Про собаку, забравшуюся на стул подле «усатого» и повернутую оскаленной пастью к даме в розовом, Марина Цветаева сказала: «собака есть, но не пёс, а бес». Собака нас отсылает к «Завтраку» Сезанна. У Сезанна яблоко – символ греха и обольщения – в руках у женщины. Здесь же женщина – служанка – вносит целое блюдо с фруктами, словно окончательно обозначая происходящее. Она одета в строгое черно-белое одеяние. Явление служанки вносит в картину ритуальный элемент, создает ауру жертвоприношения. НатальяГончарова _history

Румынская художница Анка Булгару (Anca Bulgaru) Художница испытывает огромную любовь к природе, откуда и черпает темы для своих картин. Бесспорно ее творчество связано с ее родной Румынией. ⠀ Особое место занимают натюрморты из цветов. Из всего разнообразия Анка отдает предпочтение сирени и изображает эти цветы так, словно их только что срезали, собрали в букет и поместили в цветочную вазу. Картины наполнены солнцем, светом и красками всех цветов радуги. Художнице удается точно передать краски букетов, отчего цветы становятся реальными. мастерство

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history

Картины Юстины Копаня Польская художница Юстина Копаня пишет свои полотна маслом на больших холстах. Она говорит, самое главное, это передать на картине, то настроение, эмоции и воспоминания, которые она переживала во время создания картины. Юстина пытается показать окружающий нас мир немного по-другому, с другой точки зрения, отличной от той, с которой мы привыкли смотреть на этот мир, показать атмосферу того момента, который врезался ей в память. Сама Юстина говорит, что как картина, так и кисть требуют краски и она ее не жалеет. Большое количество краски на холсте создает рельеф, так рождается пастозная живопись. Сами работы больше напоминают импрессионизм, без особого внимания к деталям, но очень чувственные. Её картины показывают удивительное понимание и мастерство в использовании масляных красок. Она тщательно смешивает цвета и позволяет аудитории рассматривать каждый мазок в каждой из ее работ.

Слон и мышь играют в шахматы: скульптура из песка Кто из нас не помнит басню Крылова, в которой моська лаяла на слона, чтобы доказать окружающим, что она сильна? А вот недавно скульптор Рей Виллафан и художница Сью Беатрис совместными усилиями создали чудесную работу - «‎Слон играет в шахматы с мышью ». Привычный сюжет получил новую интерпретацию: интеллектуальный поединок показал, что шансы равны у всех, независимо от массы тела. Идея свести за игральным столом слона и мышь - прекрасна, ведь подобные аллегории всегда вызывают живой интерес. Исполнение задуманного тоже на высоте - мастерам удалось создать скульптуру из песка, при этом и слон, и мышь выполнены в натуральную величину. Да и сами образы очень реалистичны: с первого взгляда кажется, что мультяшные персонажи ожили перед зрителем.

Музей съедобной земли В 2012 году русская художница Машару начала создавать проект «Музей съедобной земли». Сейчас в музее 400 видов земли, которые можно попробовать. В коллекцию входят образцы из более чем 30 стран, в том числе из США, Мексики, Морокко, Германии, Белоруссии, России и Кыргызстана. Работа предлагает зрителям пересмотреть собственные знания о еде и культурных традициях, а также исследует предпосылки и причины феномена поедания земли. Искусство или нет?

Эту историю мне прислала замечательная художница Армине Х. Удивительно, как жизнь иногда подкидывает нам такие повороты: "Итак, напишу интересную историю, в неё сложно поверить, но это история полностью правдивая. Некоторое время назад, мне поступил заказ на портрет пастелью, человек который его заказал, хотел подарить его своему дорогому другу на 23 февраля. В итоге он отправил мне фотографию, и я приступила к работе, но по ходу написания портрета я почувствовала, что лицо человека мне очень знакомое, что где-то я его раньше видела. Тогда я загрузила его фотографию через сервис Яндекс.Картинки и оказалась в шоке, выяснилось, что его разыскивают родственники через сервис Жди Меня! Все данные по поиску я передала Заказчику, и он сразу же передал это своему другу, а вот что было дальше, я не знаю, но надеюсь, что все хорошо! А что думаете вы, Заказчика свела со мной судьба или счастливый случай?" Узнайте продолжение этой и других историй портретов на канале художницы — https://t.me/armine_art

Зеркальная коробка В 2016 году швейцарская художница Мило Муаре показала перфоманс «Зеркальная коробка» в Лондоне. На художницу, стоявшую на лондонской улице, была надета зеркальная коробка. В ходе перфоманса художница позволяла прохожим трогать свои половые органы и грудь через отверстие в этой коробке. Художница комментирует: «Я выступаю за права женщин и сексуальное самоопределение. У женщин, как и у мужчин, есть сексуальность. Женщины решают, когда они хотят, чтобы их трогали, а когда — нет». Мило Муаре была задержана лондонской полицией. Искусство или нет?

Балетная уборная. Снежинки 1923г. Русский музей, Санкт-Петербург Зинаида Серебрякова Одной из любимых тем художницы была подготовка балерин к спектаклю. В течение 3- х лет еженедельно Серебрякова рисовала многочисленные эскизы балерин в артистических уборных Мариинского театра. В картине «Балетная уборная. Снежинки» она изображает актрис в момент подготовки к балету «Щелкунчик». Особое внимание художница уделяет их эмоциям и нарядам, а также освещению. В артистической уборной перед началом спектакля заметное оживление. Среди балерин зритель может разглядеть и автора картины в балетной пачке. Иногда Серебрякова позировала себе перед зеркалом. На переднем плане картины она с лукавой улыбкой завязывает балетную туфельку. https://t.me/joinchat/TaAs8yTMlv62575I

​​Угадайте художницу по описанию ⠀ В юности эту флорентийку изнасиловал учитель рисования. С тех пор все ее картины наполнилось местью к мужскому полу и страданием. Первая в истории феминистка и женщина, которую приняли во флорентийскую академию искусств. ⠀ Эта девушка влюбилась в знаменитого французского художника, брала у него уроки рисования и стала его музой. Однако, вышла замуж за его брата. Знаменитой она тоже стала. ⠀ Она писала много цветов и была женой знаменитого фотографа, который создавал ее портреты в стиле ню. Критика приписывала картинам этой американки сексуальный подтекст, который она, разумеется, отрицала. ⠀ Она попала в жуткую аварию и не смогла выносить ребёнка. При этом вышла замуж за своего кумира и стала знаменитой на весь мир благодаря своей аутентичности. Муж ей постоянно изменял, но и она обладали меняющейся в зависимости от ситуации ориентацией. Хотите узнать больше о великих художницах? Приглашаем вас на Артлекцию «5 великих художниц, которые должен знать каждый». Когда: 1 апреля в 19:00 по мск. Автор и ведущая лекции: искусствовед Влада Никифорова. Регистрируйтесь по ссылке и получайте чек-лист в подарок. https://telegra.ph/file/a57b8e1ae9d5800058ae4.jpg

"Не верится, что время так быстро пролетело! Хочется верить (а что еще остается в 58), что утром я проснусь и мне снова исполнится 18. Я тогда взгляну в зеркало и увижу там юную, красивую, полную сил и желания изменить этот мир девочку, по которой очень тоскую, по которой сняться мне сны. Не грусти, скажет мне сын, радуйся, скажут мне близкие, не парься, скажут мне незнакомые люди, но от этого мне легче не станет! А ведь утром я проснусь на день старше, но это не страшно, когда понимаешь, что это нормально. Надеюсь, что в следующей жизни, мне будет всегда 18!" Друзья, эта художница пишет не менее прекрасные портреты, чем слова о самой себе. Загляните, полистайте - https://t.me/armine_art. Каждый портрет не просто рукописная копия, но холст наполненный жизнью, историей и любовью к искусству и своим моделям!

"Автопортрет в виде аллегории живописи" 1630-е Артемизия Джентилески Королевское художественное собрание в Виндзорском замке. Среди всех автопортретов Артемизии Джентилески шедевром является именно этот – сравнительно поздний, британский. Контрастная светотень и характерный колорит напоминают об усвоенных ею в юности уроках Караваджо, а очень необычный ракурс объясняется просто: когда бы перед загрунтованным холстом, над которым работает Артемизия, стояло зеркало, то, слегка повернув голову, она бы увидела себя именно в таком положении. Если датировка картины верна, то здесь Артемизии должно быть около сорока пяти. Она мать четверых детей – двух умерших мальчиков и двух оставшихся в живых девочек, одна из которых незаконнорождённая, а вехи прожитой жизни Артемизии похожи на этапы авантюрного романа. В 12 лет она начала учиться живописи. В 17 была изнасилована своим учителем перспективы Агостино Тасси. В 18 пережила громкий судебный процесс в Риме, обиду на отца, на любовника и на всех мужчин скопом. В 19 скоропалительно вышла замуж за почти случайного человека и уехала во Флоренцию. Там, несмотря на скандальную славу, добилась успеха, покровительства семьи Медичи, дружбы с Галилеем и даже (первой среди женщин!) членства в Флорентийской академии изящных искусств. Однако вынуждена была довольствоваться частными заказами: общественных и хорошо оплачиваемых женщине не полагалось. Бросив всё, рискнула перебраться в Неаполь. Там боролась с дикими нравами художников-конкурентов и даже получила разрешение на оружие. Добилась долгожданного заказа на фресковую живопись в городке Пиццуоли. Продолжала терпеть недопонимание и финансовые трудности. Решилась на отъезд в Британию – страну с отвратительным климатом и отсутствующей художественной традицией. Артемизия – имя, данное ей при рождении, – в переводе с итальянского означает «полынь». Несмотря на феноменальную энергию и завидную силу духа, Артемизия испытала на своём веку немало горечи. «Автопортрет в виде аллегории живописи» – её манифест, утверждение права называться крупным художником. По тем временам это был чрезвычайно смелый замысел – изобразить в виде аллегории живописи себя, с перепачканными краской запястьями и кулоном в форме мертвой головы. Но Артемизия считала, что такое право она заслужила. Этот чудесный автопортрет написан ориентировочно в 1638-1639 годах, когда итальянка Артемизия перебралась в Англию, куда её настойчиво звал британский монарх Карл V. Он был первым из правителей Туманного Альбиона, по-настоящему увлечённых искусством, и жаждал собрать под сводами Винздорского замка как можно больше знаменитых европейских мастеров – испанцев, итальянцев, голландцев. На этой волне его придворным портретистом стал фламандец Антонис Ван Дейк; даже престарелый Орацио Джентилески, отец Артемизии, получил заказ на роспись потолка Гринвичской резиденции. Сама Артемизия до этого лет 20 не виделась с отцом: она никак не могла его простить. Англия смогла примирить их и вернуть на четверть века назад, когда они вместе – мастер и его помощница – работали над росписями римских церквей. В франко-итальянском фильме «Артемизия» (1997) есть даже кадр, где художница предъявляет отцу именно эту работу, автопортрет, и Орацио восклицает: «Ты стала потрясающей художницей, моя Артемизия!» АртемизияДжентилески Барокко _history

Гея, 1966 г. Ли Краснер МоМА, Нью-Йорк Американская художница, которую дома называли Леной, родилась в семье эмигрантов из села Шпиков Тульчинского района Винницкой области, покинувших Украину за несколько лет до рождения дочери. Краснер сейчас рассматривается как ключевая фигура переходного периода в абстракции, которая связывала искусство начала 20-го века с новыми идеями послевоенной Америки, и ее работы высоко ценятся на аукционах. Ли Краснер и Джексон Поллок познакомились друг с другом в 1942 году после того, как они оба были выставлены в галерее Макмиллена. Летом 1945-го они поженились в церкви с двумя свидетелями. Ли Краснер и Джексон Поллок стали прототипами главных героев романа американской писательницы Ивлин Тойнтон «Современное искусство» (2000).

"Муза, вдохновляющая поэта" 1909 г. Анри Руссо Базельский художественный музей. «Муза, вдохновляющая поэта», – не кто иная как возлюбленная Аполлинера Мари Лорансен, художница и гарвер. Соответственно, поэт – это сам Гийом Аполлинер. Портрет написан после знаменитого приёма у Пикассо, устроенного в честь Таможенника – прозвище Руссо, 15 лет проработавшего на парижской таможне. Руссо был большим любителем такого жанра как портрет-пейзаж. Относительно этой картины сохранилась фотография, раскрывающая способ работы художника. На фото запечатлен Руссо у картины, на которой практически полностью прописан фон и оставлено чистое пространство для фигур, которые он вписывал в последнюю очередь. Базельский портрет – это уже второй вариант. Дело в том, что Мари Лорансен просила изобразить у их ног турецкие гвоздики, символ поэтов. Руссо неоднократно посещал Ботанический сад, делал наброски, а в конце концов всё перепутал и «воткнул» в землю у ног поэта и музы левкои – символ смерти и забвения. Говорят, Мари устроила грандиозный скандал. Кстати, не стоит также забывать, что Мари Лорансен была барышней чрезвычайно стройной, с осиной талией, о чем по портрету догадаться, прямо скажем, непросто. На вопрос, почему он изобразил мадмуазель Лорансен в таком виде, Руссо невозмутимо ответил: «Так ведь большому поэту нужна большая муза!». Впрочем, другие источники утверждают, что чувство юмора у Мари возобладало над женским возмущением, и она дико хохотала, глядя на свое изображение. Но забирать его домой Аполлинер все же не рискнул. Картина оставалась у Руссо и попала на глаза русскому меценату и коллекционеру Сергею Щукину, который купил ее для своего собрания. Так «Поэт и Муза» на фоне левкоев» попали в Россию. И вот незадача – то ли Аполлинер по-новому взглянул на картину, то ли Мари перестала сердиться, но вскоре поэт пришел к Руссо с намерением забрать портрет. Что делать, пришлось писать новый! Нельзя не заметить, что во втором варианте исправлены не только цветы. Мари выглядит не такой крупной, и платье безусловно подчеркивает наличие талии – не осиной, конечно, но по сравнению с первым вариантом она, по крайней мере, имеется. Кстати, Фернанда Оливье, подруга Пабло Пикассо, Мари недолюбливала и язвительно констатировала, что с возрастом та становится всё больше похожа на свой портрет работы Руссо. Да и сам Аполлинер в базельском варианте кажется более «прилизанным», аккуратным. Если в первом варианте, с левкоями, образы Аполлинера и его Музы максимально индивидуализированы, в некоторой степени гротескны, укрупнены – словно мы смотрим на них, поднеся к холсту лупу, то второй вариант – попытка написать салонную картину. Украшения Мари в первом варианте – однозначно из живых цветов. Вся композиция несет некий отпечаток античности. На втором же портрете фигуры и лица изображенных схематичны, шею Мари обвивает просто некое украшение, пейзаж тоже усреднен, схематизирован, кроны деревьев четко образуют арку, под которой представлены объекты. Руссо вообще очень почитал академическую живопись и искренне верил, что он «тоже такой». Авангардизм он считал, по большому счету, баловством, недоумевал, «зачем Робер (Делоне – ред.) сломал Эйфелеву башню» и стремился писать салонную живопись, что не особо удавалось. Зато удавалось значительно большее. В этом смысле сопоставление двух вариантов «Поэта и Музы» очень интересно, поскольку наглядно демонстрирует, как в версии с гвоздиками стало чуть меньше Таможенника, чуть больше салона. АнриРуссо Примитивизм _history

Родилась Элин Клеопатра в 1861 году в финской деревне Ноормаркку. Ее отец занимался сельским хозяйством и детство Элин провела на ферме своей семьи, но в 1866 году случился неурожай и голод, ферма разорилась, ее пришлось продать и отец художницы застрелился, а мать осталась с двумя дочерьми. Элин с детства страстно интересовалась рисованием и поэтому в пятнадцать лет она отправилась в Хельсинки, где жили ее тетя и дядя, чтоб учиться в школе искусств. Одновременно она стала подрабатывать росписью фарфора и ходить на курсы в академию Адольфа фон Беккера, где научилась писать маслом. А, собственно, фон Беккер, который основал первую школу живописи в Финляндии и вообще был другом и учеником Густава Курбе, Элин выделял из своих учеников и даже купил у нее несколько картин, что художницу очень вдохновило. В 1880 году случилась ее первая выставка и в том же году она получила диплом учителя рисования и потом даже преподавала рисунок в разных школах по всей Финляндии. Кстати, представительницы небольшого художественного сестринства все были учителями рисования и благодаря их работе выросло потом еще одно поколение отличных художников. Вообще, в те времена получить степень педагога для художника часто было выгоднее, чем просто называться художником - так можно было меньше беспокоиться за свою финансовую независимость. В 1883 году художница отправилась в Париж чтоб продолжать учебу, поработала там в мастерской Огюста Родена, слушала лекции заслуженных художников, училась и тусовалась, как все нормальные художницы в Париже в те годы. Потом Даниэльсон-Гамбоджи ездила на пленэры в Бретань, вернулась в родную деревню Ноормаркку, открыла там студию и занялась преподаванием, каждое лето отправлялась в гости в колонию художников Эннингебю, которую устроил на Аландских островах пейзажист Виктор Вестерхольм. В 1895 году году Элин получила стипендию на обучение во Флоренции и путешествие по Италии, в результате которого она в тридцать шесть лет познакомилась со своим мужем, Рафаэлло Гамбоджи. Он тоже был художником, был моложе Элин на тринадцать лет и сначала у них была продуктивная совместная работа и они открывали вместе свои выставки по всей Европе и явно неплохо влияли друг на друга. А потом супружеская жизнь как-то не заладилась и муж решил уйти к подруге Элин, а затем надолго попал в психиатрическую лечебницу. Во время Первой мировой войны Элин осталась в Италии и потеряла возможность ездить на родину. В 1919 году она заболела пневмонией и умерла в итальянской коммуне Антиньяно. Ее на какое-то время позабыли в Финляндии, но сейчас она считается одной из главных представительниц того самого золотого века финского искусства.

Ковры и животные Британская художница Дебби Лоусон работает где-то между двух- и трёхмерным измерением, создавая диких животных, которые появляются из старых ковров. Художница делает своих животных с нуля, используя мелкую проволочную сетку и защитную липкую ленту, после чего покрывает их коврами, создавая иллюзию, что существо слилось с висящим ковром. Искусство или нет?

Она вдохновляла Дольче Габана и Пикассо, хотя всю жизнь прожила в украинском селе. Укротительница фантастических тварей и наивная художница Мария Примаченко.

"Маленькая девочка в синем кресле" 1878 г. Мэри Кассат Национальная галерея искусства, Вашингтон. Один из первых и лучших детских портретов Кассат, который, к тому же, зафиксировал переход художницы от реалистичной манеры живописи к импрессионизму. Эту картину вместе с десятью другими работами Кассат представила на четвертой, дебютной для нее выставке импрессионистов в апреле 1879 года. В создании «Маленькой девочки в синем кресле» непосредственным образом участвовал Эдгар Дега. Художники познакомились в 1877 году. Дега не только предложил американской коллеге выставляться с импрессионистами, но стал ее другом и наставником. Для картины позировала дочь одного из друзей Дега. Брюссельский грифон, изображенный в одном из кресел, — подарок художнице, который преподнес опять-таки Дега. Декоративная порода собак полюбилась Кассат во время путешествия в Антверпен в 1873 году. Обзаведясь первым щенком, она не расставалась с собаками этой породы до конца жизни. Позже Кассат неоднократно писала портреты женщин и детей, держащих на руках ее грифонов. В письме известному парижскому арт-дилеру Амбруазу Воллару Кассат призналась, что Дега помогал ей работать над фоном «Маленькой девочки в синем кресле». Многолетние исследования, проводившиеся в Национальной галерее искусства (Вашингтон), где хранится картина, подтвердили, что на ней есть следы кисти Дега. Кассат хотела представить картину в американском павильоне Всемирной выставки в Париже (1878 год), которая стала знаковым событием того времени. К примеру, соотечественник художницы Томас Эдисон презентовал там свои новые изобретения — мегафон и фонограф. Художница направила жюри «Маленькую девочку в синем кресле» и еще одну работу, название которой до сих пор неизвестно. «Неопознанную» картину включили в экспозицию, а вот детский портрет в импрессионистском стиле отклонили. Узнав об этом, Кассат была в ярости. Картина долгое время находилась в частных руках, пока в 1983 году тогдашние владельцы, чета Меллонов, не подарили ее вашингтонскому музею. Что же не понравилось жюри американского павильона, но восхитило зрителей выставки импрессионистов и до сих пор пленит любителей живописи? Сюжет картины предельно прост. Маленькая девочка, которая только что, судя по всему, бегала по комнате, расположилась в ярко-синем кресле. Взгляд у ребенка слегка недовольный. Девочке скучно, она, раскинув ноги в стороны, практически сползает с кресла, как часто делают непоседливые дети. Юбка задрана, колени оголены — приверженцев академической живописи, скорее всего, смущала именно «телесность» картины. Во второй половине XIX века детей все еще изображали как ангелочков — в чинных позах, в рюшках и со спокойным ясным взглядом. Импрессионизм, который декларировал «искренность в искусстве», отвергал такой подход. Кассат была одной из тех, кто стал изображать детей принципиально по-новому, в их «естественной среде». При помощи ограниченной палитры красок, широких мазков и ассиметричной композиции Кассат придала картине внутреннюю динамику. Свет, входящий в комнату через расположенные сзади двери, оживляет текстуру и рисунок неодушевленных предметов. Этот визуальный эффект усиливают энергичные мазки, с помощью которых выполнены бессистемно расставленные синие кресла и коричневато-серый пол. В противовес мебели девочка и собака изображены в состоянии покоя. Зрителям понятно, что художница «выхватила» момент между играми. Наклонная плоскость изображения и «обрезка» кресел выдают в картине влияние Дега и японской графики. Теоретики искусства называют «Маленькую девочку в синем кресле» одной из самых дерзких для своего времени иллюстраций детства. Картина Кассат передает то чувство несправедливости и беспомощности, которое ощущает подвижный ребенок, скованный социальными ограничениями взрослого мира. МэриКассат Импрессионизм _history

Американская художница Алисса Кари (Alissa Kari) и её прекрасный цветочный мир. мастерство

"Женщина, ловящая блоху" 1638 г. Жорж де Латур Лотарингский исторический музей, Нанси. «Женщина, ловящая блоху», представленная в Историческом музее города Нанси (административного центра Лотарингии – родины Латура), была обнаружена и атрибутирована сравнительно недавно и сразу же породила дискуссии. Спор касался в первую очередь содержания: чем именно занята полуобнажённая малопривлекательная женщина на картине? И как следует понимать смысл этого неожиданного и шокирующего своей приземлённостью живописного сюжета? Некоторые брались утверждать, что героиня полотна, прижав подбородок к груди и соединив кисти в области солнечного сплетения, перебирает четки. Такая интерпретация вменяла картине религиозный смысл. Однако большинство сошлось на том, что женщина сосредоточена на занятии более прозаическом, хотя и обычном для быта времён Латура – она пытается раздавить пальцами пойманное насекомое. Удивительна здесь не блоха: французская живопись того времени подобных сюжетов избегала, но их вполне можно встретить в живописи фламандской, с которой Латур был знаком. Не был редкостью в XVII веке подобный сюжет и у испанцев – вспомнить хотя бы «Вшивого» или «Туалет» Бартоломе Эст...а Мурильо. Удивительнее другое: «Женщина, ловящая блоху» – единственная из известных картин Латура, где дана обнажённая натура. Правда, вполне допустима мысль, что прочие работы художника, изображающие неприкрытую человеческую плоть, до нас не дошли: сгорели в большом Люневильском пожаре или же попросту затерялись. Но всё равно остаётся вопрос, почему эта, по сути, бытовая сцена производит столь мрачное впечатление? Ведь не преувеличивая можно сказать: все использованные выразительные средства направлены именно на создание гнетущей атмосферы. И сама картина в качестве первой непосредственной реакции не вызывает ничего, кроме омерзения и желания немедленно отстраниться от происходящего. Мы видим здесь привычный для Латура тёмный колорит, его псевдо-караваджиевскую контрастную светотень. Видим любимые Латуром киноварно-красный акцент и неизменную для него горящую свечу. Но здесь и близко нет эффектности и эмоциональной открытости Караваджо. Наоборот: героиня закрыта, как «вещь в себе». Она погружена в своё малопритяное дело, а её лицо не выражает ничего. На нём написана какая-то почти аутичная эмоциональная отрешённость. Это изумляет и озадачивает: какова здесь интонация Латура, что хочет он нам сказать? Как и большинство героинь Латура, «Женщина, ловящая блоху» с её крупным туловищем, круглым животом и тяжелыми ступнями – некрасива. Её нагота не внушает мыслей о пороке, но и не пробуждает чувства прекрасного, подобно обнажённым античным изваяниям и живописи Возрождения. Возможно, это далёкое от привлекательности тело лишь притча о неизбывном человеческом одиночестве? Возможно, цель мрачного и мощного искусства Латура – раз и навсегда избавить зрителя от его прекраснодушных иллюзий? Во всяком случае, споры о смысле картины «Женщина, ловящая блоху» утихнут еще не скоро. ЖоржДеЛатур Барокко _history

Абстрактное искусство. Mahnoor Shah (Мажнур Шах) – современная пакистанская художница, также известная как “Мано”. Родилась в 1991 году, в Исламабаде, в Пакистане. Окончила национальный колледж изобразительного искусства и дизайна в Лахоре. Получила диплом по специальности: история искусства, дизайн, история исламской архитектуры. Любимые среды: масло, акрил, цветные карандаши и смешанная техника. Работает в жанре: иллюстрация, фигуративная живопись, портреты в стиле абстрактного экспрессионизма. “Моя философия, по крайней мере в этом возрасте, проста: искусство должно быть доступным…, доступным и удивительным!”

"Расстрел императора Максимилиана I" 1868 г. Эдуар Мане Кунстхалле, Мангейм. Эдуар Мане занимал четкую гражданскую позицию и был ярым политическим спорщиком. Во время Франко-Прусской войны, например, он остается в осажденном Париже, идет добровольцем на его защиту и по вечерам, голодный, больной и измученный, тяжело переживает вести о гибели друзей, скучает от разлуки с женой и ведет яростные споры с Эдгаром Дега. Сходятся в итоге на том, что не прощают бегства Золя из Парижа, мирятся. Но это будет уже в 1870 году, когда война положит конец правлению Наполеона III, а Эдуара Мане доведет до нервного срыва. А за несколько лет до этого недовольство Мане-француза правлением императора прорвется лишь в одной напряженной, политически-заряженной картине. «Расстрел императора Максимилиана» был обречен – такую картину не отправишь в Салон и даже не покажешь на собственной выставке. Ее запретили – и до самой смерти Мане полотно не видел никто, кроме близких друзей художника. Здесь не обойтись без предыстории. «Расстрел» - это быстрая, дерзкая и вполне конкретная реакция на одну из самых постыдных кампаний Наполеона III: тщеславное завоевание Мексики, политический переворот и позорное бегство французской армии из этой заокеанской страны. Наполеону хотелось провернуть что-то вроде египетской кампании своего знаменитого родственника, а заодно подобраться поближе к Америке. Французская армия свергла местного правителя Мексики и усадила править здесь марионетку Наполеона III, императора Максимилиана. Все бы ничего, история не оригинальная и не новая, но только французов надолго не хватило: содержать армию в Мексике оказалось дорого и совершенно нелогично. Армию вернули домой, а императора Максимилиана оставили разбираться с мексиканцами. Когда мексиканцы расстреляли чужака Максимилиана и французские газеты об этом сообщили, Эдуар Мане задумал новую картину, свой единственный шедевр на основе исторического события. Страстный исследователь творчества Мане и один из лучших современных британских арт-критиков Вальдемар Янушчак говорит: «В истории современного искусства есть всего две картины, на которых с достаточной силой и эффектом запечатлены события своего времени: «Герника» Пикассо и «Расстрел» Мане». Мане удалось не просто рассказать о событии, а вовлечь в него зрителя. Глухую серую стену на заднем плане Мане выстроит только в третьей версии картины (на первых версиях-эскизах за расстрельной группой простирался сухой, лаконичный пейзаж), солдаты тоже сначала были одеты в сомбреро и вполне походили на мексиканцев. Потом, переодев солдат во французские мундиры, Мане бросит вызов и обвинит французов в соучастии, а французского императора – в убийстве. Это его черты должны были опознать современники в лице того солдата, который готовит ружье к финальному выстрелу в упор. Это он, Наполеон III, - убийца Максимилиана. Но кроме зевак, наблюдающих из-за забора за казнью, на картине присутствует еще один наблюдатель, который был рядом и ничего не сделал, чтобы помешать. Это вы. Это вы отбрасываете тень в нижней части картины и спокойно наблюдаете за казнью императора Максимилиана. Каждый из нас. ЭдуарМане Реализм _history

Женская грудь Техасская художница Кэсси Арнольд на днях представила свою новую работу, которая представляет собой вязаные топы, имитирующие формы груди женщины после родов. «В своей работе сейчас исследуются невысказанные и табуированные темы. Это темы выкидыша, грудного вскармливания, изменений женского тела, и все они находят отражение в моем творчестве, а следовательно — побуждают нас к открытому диалогу». Искусство или нет?

Искусство многолико. Heather Hansen – удивительный художник из Нового Орлеана, которая не просто рисует картины, а делает это всем телом, в танце, зажав по бруску древесного угля в каждой руке. Хезер чаще создает картины в студии, но время от времени делает показательные выступления, где творит свои шедевры. Толпы поклонников собираются вокруг, чтобы посмотреть, как художница извивается по белому полотну в порыве вдохновения. Несмотря на то, что Хезер работает в одной единственной технике, картины получаются каждый раз разные, поражая окружающих своей лаконичностью и симметричностью. Рисовать в такой манере Heather Hansen начала случайно. Она одинаково любила графику и танцы, поэтому всегда старалась уделить обоим увлечениям равное количество времени. Постепенно художница приспособилась танцевать во время рисования, а потом и вовсе объединила эти 2 направления искусства, создав свою собственную разновидность творчества.

Phoebe Anna Traquair (1852-1936) - художница ирландского происхождения, получившая международное признание за свою роль в движении искусств и ремесел в Шотландии в качестве иллюстратора, живописца и вышивальщицы. Ее работы включали в себя крупномасштабные фрески, вышивку, эмалевые украшения и книжную иллюминацию. В 1920 году стала первой женщиной, избранной в Королевскую шотландскую академию. художник иллюстрация живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо

Портреты на перьях. Кристи Мисайлдин (Krystle Missildine) — художница-самоучка из Праттвилл, Алабама, США, которая очень любит искусство и животных. Художеством вплотную начала заниматься в 2011 году, после рождения дочери и выхода в декрет. Одной из ее одержимостей в рисовании стали работы, которые она выполняет на птичьих перьях диких индеек и больших попугаев Ара. «Прежде чем наносить краску на такой небольшой и тонкий холст, я должна убедиться в том, что мои мазки будут нежны и точны. Я использую акриловые краски и крошечные кисти, перья, с которыми я работаю, выпали естественным путем, многие из них были подарены мне владельцами попугаев, а некоторые я получила от своих собственных пяти птиц».

Реалистичные рисунки. Американская художница Карла Миалинн (Karla Mialynne). Изначально девушка начинала работать цветными карандашами. Позже к ним добавились маркеры и акриловые краски. В результате рождались гиперреалистичные картины на всевозможные темы, начиная от портретов знаменитостей, заканчивая изображениями животных. Ее иллюстрации используются в рекламах, для украшения панелей смартфонов и оформления календарей. Для того, чтобы ни у кого из зрителей не возникало сомнения в подлинности картины или предметов, которыми они были нарисованы, Karla Mialynne всегда выкладывает возле рисунка ряд карандашей и маркеров, которыми была написана работа.

​​Голова болит, а руки делают или как перестать терпеть Не знаю, что нами движет, когда мы пытаемся заглушить тяжелые приступы мигрени простыми анальгетиками. А иногда и вовсе соглашаемся перетерпеть в тишине и темноте наедине с болью, не принимая никакие препараты. Так поступила и эта девушка, картину которой вы сейчас наблюдаете. Опытный специалист сказал бы, что на лицо серьезное неврологическое заболевание. Что же чувствовала эта художница? Что происходило у нее внутри? Изначально головная боль была ненавязчивой. Появлялась от громкой музыки, тяжелой работы или резких зловонных запахов. Такое можно и без таблеточек потерпеть, не так ли? Но дальше было только хуже... Подобные картины говорят о высоком дискомфорте человека в таком состоянии. В эти периоды люди становятся более раздражительными и недовольными. Страшно смотреть на эти цифры, но важно знать, что приступы мигрени могут длиться до 3х суток. И по всей России достаточно большой процент населения страдает от этого заболевания. Чтобы уменьшить количество таких страдающих людей, был создан социальный проект «Будь на шаг впереди мигрени». Его цель — предупредить людей, что заболевание крайне коварно. Но мигрень можно и нужно лечить. Друзья, если вы или ваши близкие страдаете мигренями, не терпите и не ждите! Обязательно ознакомьтесь с информацией на сайте впереди-мигрени.рф. Здесь вы можете найти не только советы по облегчению симптомов заболевания, но главное – подобрать клинику со специалистами по головным болям в вашем городе и записаться на прием. Не терпите головную боль! Материалы созданы при поддержке ООО «Новартис Фарма» ad novartis Id: 239164 https://telegra.ph/file/623df0b0dda242a726e0e.jpg

Канат В 2015 году русская художница Таус Махачева создала перфоманс «Канат». Человек, раскачиваясь и напряженно балансируя, без страховки идет по проволоке, натянутой над горной пропастью. В руках у него картина крупного формата. Его действие и цель: нести искусство в открытом мире. Канатоходец пересекает ущелье в горной местности Дагестана, используя произведения искусства дагестанских художников вместо балансирующего шеста и складывает их в конструкцию, которая является метафорой музейного хранилища. Балансирование картин над пропастью отображает хрупкое равновесие постсоветской субъективности, возрождающейся в поисках баланса между традиционным прошлым и национальным, местной и современной культурой. Искусство или нет?

"Актриса Маргарита" Нико Пиросмани, 1909 При жизни художнику едва хватало на хлеб и краски. Он умер от голода в подвале одного из грузинских домов. Лишь после смерти стал мировой знаменитостью. Маргарита де Севр – французская певица и танцовщица. Увидев ее на афише, Пиросмани был покорен. В этот же вечер он написал картину «Актриса Маргарита», где изобразил девушку в своей манере примитивизма, выполненную на черной клеенке. Пиросмани отправлял к актрисе огромные повозки с цветами. Для этого он продал последнее – долю в молочной лавке. Позже об этом напишет Паустовский в рассказе «Простая клеенка» и споёт Пугачева в хите «Миллион роз». Эта мелодия любви закончилась, так и не развившись. Маргарита уехала с богатым любовником, даже не попрощавшись с Нико. Но история имела удивительное продолжение. В 1968 году «Актриса Маргарита» выставлялась в Лувре. Перед портретом долго стояла пожилая женщина – та самая Маргарита.

Джет-арт Американская художница Таринан фон Анхальт создаёт картины силой турбоактивного двигателя самолёта, расплёскивая краску возле холста так, чтобы она подхватывалась горячей струёй из авиадвигателя и попадала на полотно. Художнице приходится преодолевать силу ураганного ветра и сильный жар, которые извергаются из жерла двигателя. Клиенты готовы платить 50 000$, чтобы только посмотреть процесс работы художницы. Искусство или нет?

Художница Дарья Львова и ее картины

Художница «понимающая» цветы. Анна Коттеррилл (Anne Cotterill 1933г. - 2010г.) художница, рисовавшая только цветы, родилась в семье полковника. Получила образование в Эдинбургском колледже искусств, будучи аспирантом получила в награду стажировку в Париже. Спрос на картины со временем стал превышать предложение, они раскупались еще до начала открытия выставки. В 2006 году стала самым продаваемым художником Англии рисующим только цветы. Художница почти всё своё творчество посвятила изображению прекрасных настольных букетов. Она всегда утверждала, что у цветов есть собственное сознание, а также характер и душа. А чтобы это было заметнее, она выбирала для роскошных букетов полевых цветов самые простые сосуды: чашки, керамические кружки, кувшины и стеклянные банки. И намеренно создавала на картинах спокойные однотонные фоны, которые лишь оттеняли трогательную красоту и нежность цветочных бутонов.

«Мечта» («Рафаэла на зеленом фоне» 1927г.). Тамара де Лемпицка — американская художница с польскими корнями, некоторое время жила в Санкт-Петербурге. Работала в стиле ар-деко, возникшем в 1920-30-х годах и впитавшем дух «века джаза». «Мечта» была написана в плодотворный парижский период и после торгов 2011 года оказалась самым дорогим из творений художницы. Цена: $8,5 млн.