Франсуа Милле "Сборщицы колосьев" Реализм начала ХХ века был направлен на...

Джон Эверетт Милле - Мариана, 1851, красное дерево, масло, 59,7 × 49,5 см, Британская галерея Тейт, Лондон, Великобритания John Everett Millais - Mariana, 1851, oil on panel (mahogany), 59.7 cm × 49.5 cm, Tate Britain, London, UK

Джон Эверетт Милле Офелия. 1851—1852 Ophelia. Холст, масло. 76,2 × 111,8 см Галерея Тейт, Лондон

Джон Эверетт Милле "Мыльные пузыри" (1886) В 1887 компания по производству мылу A&F Pears выкупила у Милле права на картину и сделала из неё рекламу своей продукции. До сих пор картина ассоциируется в Великобритании с рекламой мыла. Милле подвергся жесткой критике со стороны многих искусствоведов на предмет того, возможно ли совместить рекламу и искусство.

​​Название музея Орсе изменят в знак уважения к его основателю Министерство культуры Франции анонсировало переименование всемирно известного парижского музея. Формальное утверждение соответствующего правительственного декрета состоится в ближайшее время. Таким образом будет отмечена роль бывшего президента Франции Валери Жискар д’Эстена в создании институции. Запомните новое название: «Музей д’Орсе — Валери Жискар д’Эстен» (Musee d’Orsay-Valery Giscard d’Estaing). Присоединённый к нему в 2010 году в качестве филиала Музей Оранжери сменит название аналогичным образом. Напомним, Музей Орсе (или музей д’Орсе) — это «перепрофилированный» вокзал с таким же названием. Здание 1900-го года планировали снести, но во времена президентства Жоржа Помпиду возникла идея о переустройстве его в музей. Проект реализовывали во время правления преемника Помпиду — Валери Жискара д’Эстена, который был активным сторонником создания культурного учреждения. Музей Орсе открылся в 1986 году — президентом тогда уже стал Франсуа Миттеран. А нынешнее переименование одобрено президентом Франции Эмманюэлем Макроном — инициатива возникла в 2020 году после того, как Жискар д’Эстен умер в возрасте 94 лет (тест на COVID-19 был позитивным). Сокровища музея Орсе — крупнейшая в мире коллекция полотен французских импрессионистов. А главный акцент музея Оранжери — Овальный зал с серией из 8-ми масштабных полотен, «Кувшинок» Клода Моне. Собственно, в свое время здание оранжереи было специально перестроено для представления этого проекта. Очевидно, команде двух культурных институций предстоит огромная работа по переизданию каталогов и сувенирной продукции. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/f493c61d31f95a9b19e6c.jpg

Гея, 1966 г. Ли Краснер МоМА, Нью-Йорк Американская художница, которую дома называли Леной, родилась в семье эмигрантов из села Шпиков Тульчинского района Винницкой области, покинувших Украину за несколько лет до рождения дочери. Краснер сейчас рассматривается как ключевая фигура переходного периода в абстракции, которая связывала искусство начала 20-го века с новыми идеями послевоенной Америки, и ее работы высоко ценятся на аукционах. Ли Краснер и Джексон Поллок познакомились друг с другом в 1942 году после того, как они оба были выставлены в галерее Макмиллена. Летом 1945-го они поженились в церкви с двумя свидетелями. Ли Краснер и Джексон Поллок стали прототипами главных героев романа американской писательницы Ивлин Тойнтон «Современное искусство» (2000).

"Женщина с зонтиком" 1875 г. Клод Моне Национальная галерея искусства, Вашингтон. Клод Моне честно признавался, что кроме живописи и садоводства ни на что больше не годен. И пожалуй, хуже всего ему удавалась роль мужа, особенно в первый раз. Камилла Моне оказалась одной из самых несчастных и печальных женщин во всей истории живописных героинь и жен художников. 18-летняя натурщица Камилла Донсье, дочь торговца, позировала юному красавчику Моне для картины «Женщина в зеленом», одной из самых успешных и стремительно прославившихся. Картину не просто приняли в Салоне, но и удостоили нескольких лестных отзывов. Камилле приятно, Моне счастлив, они молоды, влюблены и им кажется, что все прекрасное в их жизни только начинается. Следующие несколько отчаянных лет Камилла и Клод живут в сырых, холодных комнатах, часто без света и отопления и очень часто без еды. Бывает, что Ренуар приезжает к ним в гости, чтобы писать вместе с Клодом (в том числе - и Камиллу), и привозит немного хлеба – на несколько дней хватает. Иногда среди ночи они собирают вещи и бегут из очередного сельского домика, зная, что наутро не смогут заплатить хозяину долг за несколько месяцев. Клод работает с утра до вечера, как одержимый, не получая ни одобрения в официальном Салоне, ни признания среди заказчиков. Его картины не покупают. Хотя бы за 30, за 50 франков – он готов получить любые копейки. Когда Камилле придет время рожать, Моне уедет искать вдохновения – не очень-то похоже на безумную любовь. Издалека он будет в письмах умолять Фредерика Базиля выслать голодной Камилле денег, взывая к его человеколюбию, а вернувшись ненадолго, почти с удивлением обнаружит, что ребенок его по-настоящему радует. Отец и тетка Моне, узнав о его любовнице, отказывают в содержании и требуют бросить и возлюбленную, и новорожденного сына. Клод пишет Камиллу взахлеб, постоянно – и почти на всех портретах в глазах Камиллы такая бездонная пропасть и такая непоправимая печаль, что опознавать ее среди моделей художника можно именно по этой безнадежности. Она умрет в 32 года, в 1879-м, в страшных мучениях, всю заботу о ней во время тяжелой болезни возьмет на себя другая женщина, Алиса Ошеде, которая к тому времени будет в доме Моне чувствовать себя полноправной хозяйкой. Пройдет больше 10 лет – и призрак Камиллы с зонтиком Моне случайно увидит, возвращаясь вечером после пленэра в своем саду в Живерни. На насыпи, на фоне огромного неба, стояла его падчерица Сюзанна. «Вылитая Камилла в Аржантее! Завтра придем сюда, ты мне будешь позировать!» Он ставит Сюзанну в нужную позу, запрещая шевелиться и гонясь за призраком давно ушедшей за горизонт Камиллы. Он в ярости пинает ногами один из двух этюдов (1 и 2), рвет холст, Сюзанна теряет сознание от зноя, Моне в отчаянии – у него ничего не получается. У женщины с зонтиком, повернутой влево, и у женщины с зонтиком, повернутой вправо, не видно лица. Критики в один голос заявляют, что это шедевры, по сравнению с первой картиной, написанной в Аржантее, более динамичные, идеально уравновешенные, мастерски исполненные и создающие ощущение живописной целостности. Но когда видишь все три рядом, трудно отделаться от мысли, что безликие, застывшие в правильных позах правая и левая женщины – два неподвижных призрака той легкой, внезапно повернувшейся к художнику, тревожной, еще живой, но уже готовой скрыться за холмом Камиллы. КлодМоне Импрессионизм _history

"Мариана" 1851 г. Джон Эверетт Милле Тейт Британия, Лондон. Английский доктор Уильям Эктон в книге «Функции и расстройства репродуктивных органов» заявлял, что женщина по природе своей не может испытывать сексуального влечения. Ее естественные потребности – заботиться о детях и доме, и если бы муж не выказывал желания близости, она и не стремилась бы к ней. Сексуальные отношения для женщины – вынужденная необходимость, которая позволяет сделать мужчину счастливым. Доктора Эктона считали вольнодумцем и либералом, потому что он в принципе заговорил о сексуальности, проституции и вопросах полов. И его мнение в викторианской Англии разделяли многие. Художники-прерафаэлиты начали писать женщин так, что утверждение доктора Эктона уже не казалось таким очевидным. В самых неожиданных состояниях и ситуациях за их усталостью, задумчивостью, испугом, печалью, даже за предсмертным вздохом скрывается страсть и невольная соблазнительность жестов. Пока еще жертвы и мученицы собственных желаний, женщины прерафаэлитов получают разрешение их ощущать. Когда в 1851 году на выставке Академии художеств Джон Эверетт Милле представил картину «Мариана», к ней крепилась табличка с четверостишием из одноименного стихотворения Альфреда Теннисона: Как жизнь пуста! — она сказала. — Он не придет и впредь. А я устала, так устала, Уж лучше умереть! Мариана – героиня пьесы Шекспира «Мера за меру», ее отверг жених после того, как девушка лишилась приданого, а вместе с ним и любимого брата. Она поселилась в полном одиночестве в фермерском доме, окруженном рвом. Ее дни похожи один на другой: шуршат мыши и чирикают воробьи, ночь сменяет день, все вокруг поросло мхом и медленно погружается в запустенье. Но предательство жениха и невозможность быть с ним рядом только добавили силы чувствам Марианы: «его несправедливая жестокость, вместо того чтобы угасить страсть, сделала ее, как препятствие в потоке, еще более бурной и необузданной». Милле пишет обманутую девушку здесь, в уединении, в тишине, в ожидании, в мольбе о смерти вместо такой жизни. Она оторвалась от вышивки, чтобы размять спину, но этот простой жест исполнен страсти. Да только слепой не увидел бы в нем ежесекундное, изматывающее, напряженное, нерастраченное желание. Милле, как и его друзья-прерафаэлиты, выбирал литературные сюжеты, чтобы говорить о современности. Эти трое изрядно встряхнули викторианское общество, затянутое, как в жесткий корсет, в свод правил и приличий. В буквальном смысле, кстати, корсеты тоже начали трещать по швам: на картинах прерафаэлитов женщины появляются вовсе без этой детали гардероба и с распущенными волосами – дресс-код, допустимый только в супружеской спальне, но уж точно не в залах Королевской академии. Его Мариана вглядывается в пейзаж за окном – и там запросто могло бы оказаться унылое английское осеннее поле. Пустой, безлюдный, равнодушный мир – бессменная, лишенная примет времени декорация к женскому страданию. Мариана страдает не только от внешней жестокости, но скорее от внутренней потребности быть любимой, от жара, который распаляется тем сильней, чем безнадежней становится ее положение. Прерафаэлиты вернули женщине способность чувствовать, испытывать сексуальные желания, быть главной участницей собственной жизни и главным распорядителем собственного тела. Это не та женщина, о которой писал доктор Эктон. Эта женщина жаждет любви и близости и готова добиваться своего. На одной из таких женщин вскорости Джон Эверетт Милле женится. И кто знает, решилась бы Эффи Рёскин на скандальный развод с первым мужем ради любви к Милле, если бы он не был тем самым художником, который пишет женщин без корсетов и с распущенными волосами. ДжонМилле _history

"Яркие глаза. Портрет Ефимии "Эффи" Грей" 1877 г. Джон Эверетт Милле Абердинская художественная галерея, Эбердин.

"Портрет мадам Рекамье" 1800 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. Изображение мадам Рекамье специалисты считают, во-первых, лучшим портретом кисти Жака-Луи Давида, а во-вторых, эталонным примером стиля ампир в станковой живописи. Забавно, что сама Жюли Рекамье осталась недовольна картиной, из-за чего она так и не была дописана. Жюли Аделаид Рекамье (J. A. Recamier) – знаменитая на рубеже XVIII и XIX веков светская красавица и хозяйка знаменитого салона, который в эпоху Директории был главным центром парижской интеллектуальной жизни. Здесь встречались, флиртовали и до хрипоты спорили лучшие люди своего времени: писатель Шатобриан и критик Сент-Бёв, маршал Бернадот (будущий король Норвегии и Швеции) и романистка мадам де Сталь. Литература тут встречалась с политикой, а умная, образованная и, чего греха таить, чертовски привлекательная хозяйка умело модерировала общение между людьми нередко противоположных и даже враждебных взглядов. Среди воздыхателей Жюли числились брат Наполеона Люсьен Бонапарт, принц Август Прусский и еще многие. Слава мадам Рекамье очень скоро перешагнула границы Франции, а имя её перешло в разряд нарицательных. О ней говорили в Италии и Австрии, Англии и Германии. В далёкой России в начале XIX века «северной Рекамье» называли Александру Осиповну Смирнову, принимавшую у себя, развлекавшую и опекавшую лучших представителей русской литературы, включая Пушкина, Лермонтова и Гоголя. А проделавшая то же через 100 лет Зинаида Шаховская, в чьей гостиной встречались Бунин, Ходасевич, Замятин, Набоков, сетовала: о ней не перестают злословить, дескать, Шаховской всё не дают покоя лавры Рекамье. «Век не салонов, а гостиных. Не Рекамье – а просто дам», – писал о своём времени Блок. Её личная жизнь была необычна. Когда Жюли исполнилось 16, к ней посватался 42-летний богатый банкир Рекамье, некогда страстно влюблённый в её мать. Очень скоро они с Жюли повенчались, но близкий круг знал, что между супругами никогда не было интимной близости, а отношения в семье больше напоминали уважительное доверие между отцом и дочкой. Поговаривали, Жюли и в самом деле могла быть дочерью банкира Рекамье, который пошёл на неординарный шаг с женитьбой, чтобы в случае возможных политических потрясений его состояние перешло к его самому близкому человеку – Жюли. Возможно, именно поэтому Давид решил изобразить 23-летнюю мадам Рекамье в образе босоногой античной девственницы-весталки. Стиль ампир (многие его проявления станут называть «стилем Рекамье», как когда-то рококо называли «стилем Помпадур») как нельзя лучше соответствовал этому замыслу. Мадам полулежит на кушетке, напоминающей античные ложа. После портрета этот предмет мебели войдёт в моду, ампирную кушетку так и будут называть: «Рекамье». Белое платье с высокой линией талии похоже на тунику. Давид написал его без всякой современной отделки, чтобы оно выглядело по-гречески лаконичным и простым. Высокая прическа из кудрей «в греческом стиле», популярном в период Директории, по сравнению с «монархическими» пудреными париками кажется образцом естественности. Правда, Жюли была недовольна, что её черные от природы волосы Давид, увлёкшийся зелено-оливковой гаммой, ради цветовой гармонии сделал каштановыми. Давид писал «Портрет Рекамье» перфекционистски медленно и долго: то свет падал не оттуда, то настроение было не то. Капризная красавица устала ждать и поручила писать себя другому художнику – Франсуа Жерару. А Давид взревновал и сказал, что раз так, то он не станет завершать портрет: «У женщин свои причуды, мадам, а у художников – свои». Торшер и лампу на картине дописывал уже ученик Давида, Энгр. Впрочем, именно в этой аскетичной незавершённости, в гулком пустом пространстве, избавленном от громоздкой мебели и драпировок, сейчас видят главную прелесть картины, ведь они делают обаяние Рекамье еще более волнующим. ЖакЛуиДавид Классицизм _history

"Пейзаж в Арле-дю-Нор" 1874 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. В искусстве Коро был практически самоучкой. Не получив профессионального образования, он развивал свои художественные способности просто потому, что ему нравилось путешествовать и воспроизводить на холсте и бумаге свои впечатления от увиденных мест. Примерно так высказался о Коро один из его ближайших друзей – художник Шарль Франсуа Добиньи. Но это, конечно, неправда: Kopo очень много работал, чтобы добиться прославившего его удивительного мастерства в пейзаже и, видимо, именно из-за любви к путешествиям художник выбрал жанр, который не пользовался одобрением в академических кругах. В середине XIX века в Париже сложилась группа художников, объединенных любовью к природе. Каждое лето они покидали Париж и уезжали в маленькую деревушку Барбизон, где писали свои бесконечные этюды. Коро сблизился и подружился с некоторыми из них и стал часто наведываться в Барбизон, неизменно привозя оттуда свои прекрасные пейзажи. Пейзаж в Арле-дю-Нор был начат на пленэре во время путешествия на северо-восток Франции, предпринятого для сбора материала; позднее он был закончен в мастерской. Это произведение зрелого мастера. Его композиция говорит о близком знакомстве Коро с творчеством Моне и, конечно, о влиянии Добиньи, с которым художника связывала крепкая дружба. К середине века Коро уже был признанным пейзажистом. КамильКоро Пейзаж

"Портрет Франсуазы" 1946 г. Пабло Пикассо Музей Пикассо, Париж. Этот небольшой карандашный рисунок, выполненный Пабло Пикассо в 1946 году, – один из самых лирических и чувственных портретов Франсуазы Жило. И, пожалуй, самый реалистичный из них. Пикассо создал этот рисунок в самом начале их отношений, в период, исполненный нежности и искреннего обожания. Несколько лет спустя, когда союз с Франсуазой уже начнет трещать по швам, Пикассо будет безжалостно сминать и искажать черты ее лица на своих картинах, как это уже бывало с ее предшественницами. О Франсуазе Жило чаще всего говорят как о единственной возлюбленной Пикассо, которая нашла в себе силы уйти от него первой. Они встретились в Париже в 1943 году, когда художник еще жил с Дорой Маар. Франсуаза стала его «послевоенной» любовью, нервные и заряженные драмой отношения с Дорой окончились вместе с войной. Очень юная и очень живая Франсуаза стала для Пикассо воплощением новой жизни и новой надежды. На момент знакомства ей исполнился 21 год, он был на 40 лет старше. Некоторое время Пикассо и Жило обитали в Париже, но после войны он увез новую музу на юг Франции. Жениться на ней художник не мог, поскольку официально все еще состоял в браке с Ольгой Хохловой. Тем не менее, Франсуаза прожила с ним почти 10 лет и родила от него двоих детей – Клода и Палому. Хоть и недолго, но их семья была по-настоящему счастливой, а дети служили для обоих родителей мощным источником вдохновения. Счастливые времена, однако, довольно быстро закончились. Франсуазу все сильнее раздражали властность и деспотичность Пикассо. Он требовал от нее постоянного внимания, ревновал к друзьям и лишал Франсуазу возможности развивать собственный талант. При этом сам Пикассо оставался патологически неверным и проводил много времени с Мари-Терез Вальтер и их общей дочерью Майей. Их расставание было неизбежным, и именно тогда Пикассо показал себя с самой отвратительной стороны. Не в силах смириться с тем, что женщина посмела от него уйти, он опустошил их общий дом, прихватив с собой множество вещей Франсуазы, ее коллекцию книг, подаренные им рисунки, адресованные ей письма, в том числе и от Анри Матисса. Последним мстительным ударом Пикассо стало то, что он использовал все свое влияние, чтобы Франсуазу выгнали из ее галереи. К счастью, в отличие от других возлюбленных Пикассо, Франсуаза Жило не сломалась и не повредилась рассудком ни во время их совместной жизни, ни после разрыва. Более того, она жива до сих пор и ведет весьма насыщенную жизнь для своего почтенного возраста. Расставшись с Пикассо, Жило наконец смогла в полной мере раскрыться в своем творчестве и написала несколько книг (в том числе о своей жизни с Пикассо). В 1970 году она вышла замуж за вирусолога Джонаса Солка (изобретателя вакцины от полиомиелита) и счастливо прожила с ним 25 лет до самой его смерти. ПаблоПикассо Графика _history

"Лоренцо и Изабелла" 1849 г. Джон Эверетт Милле Художественная галерея леди Левер, Ливерпуль.

"Зонтик" 1777 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Увлекательная «Санта-Барбара» «Санта-Барбара» – это не только бесконечная американская мыльная опера. В Испании XVIII века так же называлась королевская ковровая фабрика – мануфактура «Санта-Барбара» (или, сказать проще, фабрика святой Варвары). «Совпадение? Не думаю», – так и тянет пошутить, тем более что и задача у обеих Санта-Барбар была примерно одинаковой: на длительное время сделать людям красиво, а также приятно, весело и интересно. Испанская «Санта-Барбара» для этой цели выпускала гобелены – большие безворсовые ковры ручной работы с жизнерадостными сюжетами и исполненными изящества харизматичными героями. Такие гобелены могли занимать почти всю стену, и ими с удовольствием декорировали не только частные дома, но и королевские покои. Вот на такую фабрику гобеленов и устроился работать приехавший в конце XVIII века в Мадрид из Сарагосы молодой художник Франсиско Гойя (справедливости ради скажем – попал он туда не с улицы, а по протекции Франсиско Байеу, придворного художника и старшего брата жены Гойи Хосефы). Задачей Гойи было создавать рисунки, на основе которых «Санта Барбара» будет ткать гобелены. Какие же сюжеты могут подойти? Кстати сказать, во Франции примерно в это же время или чуть раньше фабрику гобеленов возглавлял коллега Гойи – знаменитый художник Франсуа Буше. Темы для гобеленов выбирались идиллические: у французов это были резвящиеся на лоне природы пастухи и пастушки, в Испании персонажами гобеленов тоже были люди из простонародья – махо и манолас. Махо – это представители испанских городских низов, весёлые, темпераментные и витальные. Они готовы в любой момент схватиться за нож, не дураки выпить и вообще довольно криминализированы (как всякие социальные «низы») и в то же время остаются хранителями народных традиций. Их страстных подруг называют «махи» (отсюда – название известных картин Гойи). «Махи» – женщины легкого нрава и таких же правил, что отличает их от «манолас» – приличных девушек строгих правил, этаких «благородных мах», впрочем, столь же безоглядно уверенных в собственной неотразимости. Во времена Гойи изображения махо, мах и манолас были чрезвычайно популярны. Их национальные наряды были так выразительны, ярки и красивы, что даже аристократки, женщины из знатных родов, очень любили время от времени, особенно во время карнавалов и светских вечеринок, наряжаться в народном духе. Это было модно, а в текущей политической ситуации еще и помогало сохранять национальную идентичность. Особой приверженностью к испанскому народному костюму отличалась небезызвестная герцогиня Альба. На ростовых портретах Гойи она, аристократка, как раз одета в испанском народном стиле. Картоны Гойи для «Санта-Барбары» Всего Гойя выполнил не менее шестидесяти монументально-декоративных панно, служащих эскизами для гобеленовой мануфактуры. Их отличает удивительная, не представимая в дальнейшем творчестве Гойи искрящаяся жизнерадостность, многообразие и звучность палитры. Гойя вдохновенно создаёт счастливую утопию «естественного человека» с опорой на глубоко народные образы и представления о мире – образы той среды, откуда вышел и он сам. Картоны Гойи едва не были утрачены. После создания шпалер эскизы, на основе которых делались гобелены, становились не нужны. Сам Гойя, чей ранний период исследователи назовут «гобеленовым», не очень любил эти работы, справедливо полагая, что способен на большее, и не собирался их хранить. Картоны были забыты и некоторое время их местонахождение оставалось не известным. В 1860-х они были случайно обнаружены в каком-то подвале и переданы в Прадо. Гобелен Гойи «Зонтик» «Зонтик» – один из самых жизнерадостных и красивых картонов Гойи. Он изображает молодую манолас, сидящую на траве с маленькой собачкой на коленях. День солнечный, и чтобы красотка не обгорела, её услужливо прикрывает зонтиком юный махо в бархатном костюме и головном платке, которые, наряду с широкополыми шляпами, любили носить молодые испанцы. ФрансискоГойя Романтизм _history

Портрет Жозефины, жены Наполеона 1801 Франсуа Жерар Эрмитаж, Питер Полноростовой портрет жены Наполеона Бонапарта Жозефины Богарне. Она сидит на диване на открытой террасе резиденции Жозефины замка Мальмезон. Картина написана по заказу самой Жозефины для Мальмезона. "Как не похожа жена Наполеона в жераровской картине на торжественно выставляющих напоказ себя и свои регалии царствующих особ прежних времён. Её платье лишено какой бы то ни было пышности, украшения почти отсутствуют. Это, конечно, совсем новый тип парадного портрета. Картина крепко построена на испытанной формуле золотого сечения, причём Жерар позаботился о том, чтобы найти такое окружение, где прямые углы были бы скруглены. Поэтому-то столь важное место занимают бархатные подушки, среди которых написана Жозефина" — отмечал главный научный сотрудник Отдела западноевропейского изобразительного искусства Эрмитажа, доктор искусствоведения А. Г. Костеневич в своём очерке французского искусства XIX — начала XX века.

Шпалера "Крестница фей" Франция, Париж, между 1876 - 1888 гг. Мастерская: Королевская шпалерная мануфактура Гобеленов; Готлиссная мастерская Эдуара Фламана и Франсуа Мюнье Автор картона: Мазеролль, Алексис Жозеф. 1826-1889; Автор картона: Фавр, Огюст (российский герб) Время создания: между 1876 - 1888 гг. Материал: шерсть, шелк, золоченая нить Техника: шпалерное ткачество Размеры: 428х746 см Шпалера подарена французским правительством императору Николаю II по случаю его коронации 25 апреля 1896 г. Шпале́ра (гобелен) — один из видов декоративного искусства, стенной односторонний безворсовый ковёр с сюжетной или орнаментальной композицией, вытканный вручную перекрёстным переплетением нитей. Шпалеры выполняли из шерсти, шёлка, иногда в них вводились золотые или серебряные нити. Со средних веков и вплоть до XIX века практиковался выпуск шпалер сериями, в которые объединяли композиции, связанные одной темой. Такой набор шпалер предназначался для украшения помещения в едином стиле.

Долина покоя 1858-1859 Джон Эверетт Милле Галерея Тейт, Лондон «Могилы. Сумерки. Ограда. Жуткие очертания деревьев. Монахини. Католики. Сегрегация по половому признаку. Религиозность. Хозяйка и служанка, властные взаимоотношения, возможно, более глубокая эмоциональная кабала. Женский труд. Кого-то хоронят или эксгумируют. Два венка. Глубоко-тёмная земля. Трупы, тайны, заговор, страх. Это картина, которая вырывает все ограничения» На полотне сцена на кладбище почти в сумерках. За кладбищенской стеной видна невысокая часовня с колоколом. На переднем плане две католические монахини. Одна из них сидя на надгробной плите в скрещенных пальцах держит розарий и с тоскливым взглядом обращена к наблюдателю картины. Вторая монахиня лопатой роет могилу, рядом с ней лежит кирка. Предплечья и тело работающей напрягаются под тяжестью земли.

Отправление на рынок 1859 Констан Тройон Холст, масло. 260,5 × 211 см Эрмитаж, Санкт-Петербург Картина французского художника, одного из ведущих представителей барбизонской школы (группа французских художников-пейзажистов. Имя школа получила по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где длительное время жили Руссо, Милле и некоторые другие представители группы). Раннее утро, в лучах взошедшего солнца женщина на ослике, с навьюченными на него корзинами с ягнятами, двигается на рынок в сопровождении мужчины на лошади, с ними также идёт небольшое стадо овец и коров. Слева на пригорке виден дом с соломенной крышей. Слева внизу стоит подпись художника и дата: C. Troyon 1859. В Салоне 1859 года картина вызвала значительный резонанс, её хвалил в прессе А. Дюма-сын; молодой Клод Моне писал своему учителю Эжену Будену: «Там также есть „Отправление на рынок“. Оно показывает эффект тумана на восходе солнца. Оно великолепно и, главное, полно света».

"Прерванный сон" Франсуа Буше, 1750 > Нью-Йорк, Метрополитен-музей Развитие искусства в эпоху рококо тесно связано с именем известного французского художника Франсуа Буше. Как ярчайший представитель и верный поклонник этого изящного стиля, в работе Буше отдавал предпочтение утонченным возвышенным аллегориям, нежным пейзажам, пасторальным и жанровым сценкам. На опушке леса, в тени густых деревьев, прекрасную пастушку сморила полуденная дремота, однако, сон продлится недолго, к юной красавице уже подкрался юноша, решивший подшутить над девушкой, слегка пощекотав травинкой. На лужайке пасется стадо овец, а вдалеке можно различить окраину небольшого села. Образы на картине традиционно приукрашены и идеализированы художником. Реалистичность в живописи эпохи рококо отходила на второй план, уступая место утрированной красоте и безупречному совершенству.

"Бульвар Сен-Мишель" Начало XX века Жан-Франсуа Рафаэлли ГМИИ имени А. С. Пушкина. Картина «Бульвар Сен-Мишель» переливается всеми оттенками серого и жёлтого — мерцающее тёпло-жемчужное небо, серовато-охристый коридор из стен, ведущих к громаде Пантеона, сизая, серебристая, грязно-лимонная земля — и поверх всего россыпь сияюще-жёлтых мазков: точек фонарей, квадратов светящихся окон, длинных бликов на влажной мостовой. По всем признакам — тема, свежий цвет, лёгкий длинный мазок, этюдная небрежность письма — эта работа должна быть импрессионистской, но классики импрессионизма с этим соглашаться не хотели. Да и самого Жана-Франсуа Рафаэлли — ученика академиста Жерома, итальянца по крови и парижанина по рождению — в своих рядах видеть не хотели. Масштабное участие Рафаэлли в пятой выставке импрессионистов привело к тому, что группу покинул один из родоначальников движения — Клод Моне, заявивший, что устроители «открыли двери малярам-самоучкам». Вместе с ним в выставке отказались участвовать и такие «монстры» импрессионизма, как Ренуар, Сислей и Сезанн. Строго говоря, винить в этом расколе стоит не столько Рафаэлли или Гогена, живопись которого тоже чрезвычайно не нравилась Моне, сколько Дега, который не просто пригласил их на выставку, но и отобрал для экспонирования целых 37 работ Рафаэлли. Нелюбовь Моне и прочих «отцов-основателей» к живописи Рафаэлли можно понять — при всём увлечении импрессионизмом, этот мастер пишет не столько «первое впечатление» от вечера, осени, бульвара, сколько продуманную и выверенную имитацию «первого впечатления». Анализ его работ позволяет почувствовать, как он оценивает художественные приёмы своих предшественников и коллег, выбирая у кого позаимствовать колорит, у кого – композицию, у кого – манеру писать толпу, чтобы получить в целом самостоятельный, но в деталях чрезвычайно эклектичный продукт. Впрочем, нельзя не признать, что при всей вторичности и компилятивности это очень обаятельная живопись. Возможно, дело в том искреннем удовольствии от собственного мастерства, которое художник и сейчас транслирует зрителю. Рафаэлли Импрессионизм _history

Отдыхающая девушка 1752 Франсуа Буше Старая пинакотека, Мюнхен Известнейшая картина в собрании «Старой пинакотеки» и одна из лучших работ Франсуа Буше, который, будучи придворным живописцем Людовика XV, изобразил богатую сладостями и утехами жизнь той эпохи. На картине фаворитка короля Людовика XV и модель художника. Фигура юной Луизы О’Мерфи показана в очень необычной и сложной позе. Спинка софы неудобно высока для такого положения тела и ноги, так вожделенно утопающие в подушках, не в состоянии служить опорой изогнутому телу. Буше мастерски решил эту проблему и очень занимательно представил движение и немногочисленные предметы на картине.

Путешествие на Марс Louis Vuitton продолжает серию книг о путешествиях, на этот раз речь идет о далеком пункте назначения: Марсе. Для создания TRAVEL BOOKS MARS бренд объединил французского писателя Сильвена Тессона и бельгийского иллюстратора комиксов Франсуа Шуитена, чтобы создать вымышленную историю о 22 веке, где экспоненциальный рост населения и глобальное потепление превратили бывшие обитаемые земли в пустыни. В книге мужчина и женщина — возможно, Адам и Ева новой эры — отправляются на Марс, чтобы посмотреть, сможет ли планета быть пригодной для жизни. арт_новости

Глаз - круг первый 1960 Ли Краснер 2,36 x 4,87 метра Галерея Роберта Миллера, Нью-Йорк Такие художники, как Краснер, в «век тревожности», после второй мировой войны, в годы свободного джаза и нового расцвета поэзии эти художники отошли от принятых конвенций и дали живописи новую силу. Их творчество сформировало беспрецедентный период в искусстве — абстрактный экспрессионизм. Движение людей рисующих быстро, широкими мазками, разбрызгивающих краску банками и ведрами ради полнейшего высвобождения эмоций. Большие размеры полотен, колористический хаос должны были выразить внутренний мир спонтанно, иррационально, показать свободу художника от контроля разума. Радикальные творения американских абстракционистов пересмотрели характер живописи и были предназначены не просто для эстетического любования, но как акт двухсторонних столкновений между художником и зрителем.

Ответ. «Прогулка заключённых» — картина Винсе́нта Ви́ллема Ван Гога, написанная в феврале 1890 года. Копия с гравюры «Острог» Гюстава Доре, сделанную для книги Б. Жерральда «Лондон» (1872). В конце декабря 1888 года у Ван Гога произошёл первый приступ душевной болезни, вскоре припадки стали повторяться, и он добровольно отправился в психиатрическую лечебницу Святого Павла. В лечебнице провёл с мая 1889 по май 1890. Находясь в больнице, Ван Гог не мог писать с натуры, поэтому он начал использовать литографии, гравюры и чёрно-белые репродукции других художников в качестве натуры для своих произведений. В частности, в этот период он делает копии с гравюр Милле, Рембрандта, Делакруа и Домье.

​​️Лекционный цикл к юбилею Фёдора Достоевского продолжится в Федоровской библиотеке. ️Еврейский музей представил бесплатную публичную программу к выставке «Снег на траве». ️Внутри Северного речного вокзала появился «черный ящик» воспоминаний. Инсталляция «Комната особого назначения» Александра Бродского и группы авторов рассказывает историю строительства канала Москва — Волга. ️На съемках сериала Кристофер Уокен закрасил граффити Бэнкси. Граффити было создано специально для сериала «Нарушители». ️«Новый Иерусалим» покажет историю французской живописи глазами знаменитого русского коллекционера. 20 ноября 2021 года в музее «Новый Иерусалим» откроется выставка «Французский вкус князей Юсуповых» с живописью французских мастеров из собрания музея-усадьбы «Архангельское» Выставку представит крупнейшее частное собрание 18 – первой трети 19 века, принадлежавшее дипломату, директору Эрмитажа и Оружейной палаты князю Николаю Борисовичу Юсупову и его потомкам. Проект предлагает новый взгляд на историю коллекционирования, рассказывая об истоках этого явления в России. Фото: Франсуа Буше, Испуганная купальщица, 1736, Музей-усадьба Архангельское https://telegra.ph/file/673475e1daa6d533737fe.jpg

«Портрет Дианы де Пуатье» («Купающаяся дама») 1570 Франсуа Клуэ Национальная галерея искусства, Вашингтон В свои шестьдесят лет, Диана де Пуатье была удивительно хороша собой и выглядела не старше, чем тридцатилетняя молодая женщина. О пластике в 16-м веке не могло быть и речи) Злые языки утверждали, что Диана де Пуатье заключила сделку с дьяволом… Живописные портреты Клуэ отличаются насыщенностью цвета. Он стремился передать духовный мир портретируемого, проникнуть в сферу его внутренних переживаний. Прекрасная дама, сидящая в ванне. Диана была старше короля на двадцать лет, но, несмотря на это, сумела надолго сохранить его пылкую любовь. На бортике ванной, чуть ниже левой руки женщины, Франсуа Клуэ оставил свою подпись. Это одна из двух дошедших до нас подписных картин мастера. За спиной купальщицы открывается домашний интерьер — с повседневными заботами прислуги, наполненный движениями и звуками, что резко контрастирует с фигурой этой идеально-прекрасной и задумчиво-отрешенной женщины.

Аврора и Кефал 1733 Франсуа Буше Музей искусства Нанси, Франция Мифологический сюжет из «Метаморфоз» Овидия (Книга VII). Молодой охотник Кефал, муж Прокриды, против своей воли был похищен богиней Авророй. Сопротивляясь богине, охотник отправляется обратно к жене, в плен роковой судьбы: Кефал случайно смертельно ранил Прокриду, приняв её за зверя. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно. Буше смягчил историю, сведя её к гармоничному союзу Авроры и Кефала, благодаря чему изчез драматический аспект сюжета. Подняв томный взор на обольстительную богиню, юноша не оказывает ей сопротивления. Буше не раз возвращался к этой теме в течение своей карьеры.

Безработные 1931 Эрнст Нойшуль ГМИИ им. А.С. Пушкина Картина относится к пику творчества Нойшуля, когда после учебы в пражской и венской Академиях художеств, путешествий по Европе, Азии, Африке и Америке, с 1922 года он долго жил в Берлине. Там в 1927 и 1932 годах состоялись его персональные выставки, на последней из которых полиция конфисковала его произведения. Нойшуль развивал в своих работах традиции реалистической живописи, обращаясь к актуальным темам из жизни рабочего класса. Критики сравнивали его произведения с работами Милле. Берлинская революционная группа «Роте Фане» и ее идейный вдохновитель Александр Дурпус стремились направить творчество художника в русло социалистического реализма. Будучи антифашистом, в 1934 году Нойшуль эмигрировал в Чехию. В 1935 году посетил СССР. В Москве в ГМНЗИ была организована его персональная выставка, на которой демонстрировалась данная работа. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Альфред Джейкоб Миллер (1810-1874) «Crow Indians Attacking a Buffalo with the Lance Near the Sweet Water River» бумага, акварель, гуашь, карандаш. 23х36 см Частное собрание альфред_джейкоб_миллер

"Вершина любви" 1875 г. Джон Эверетт Милле Частная коллекция.

"Утро" 1742 г. Франсуа Буше Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид.

Франсуа Буше (1703-1770) «Похищение Европы» 1747 холст, масло. 231х274 см Собрание Уоллеса, Лондон, Великобритания франсуа_буше

Первые сюрреалистические картины Дали напишет в 1928 году, спустя два года. А сейчас, в 1926, он как раз заканчивает Художественную академию в Мадриде (на выпускной экзамен он сначала не явится, а потом явится, но откажется сдавать). Дали 22 года, он еще студент, но его первая выставка уже принесла обнадеживающие отзывы критиков и первые деньги. Его картинами восхищаются друзья, в него верит отец, да не просто верит, а решает подарить сыну в честь первого успеха поездку в Париж. Отправляясь в столицу художественной жизни, в эпицентр всего грандиозного, что сейчас происходит в искусстве, Дали берет с собой «Женщину у окна в Фигерасе», чтобы показать Пикассо. В мастерскую знаменитого испанца он отправится прежде, чем доберется до Лувра. Пикассо для него в это время (да и долгое время после) – главный художник, беспрекословный гений, «лучший поэт» современности и ориентир. Дали экспериментирует с кубизмом и пуризмом несколько лет, тренируется разбирать изображение на части (этот опыт визуального конструктора перерастет для него потом в собственный художественный метод двойственных изображений). Но кроме мастерской Пикассо юный каталонец посещает несколько музеев и важных мест на художественной карте – и среди них дом Милле в Барбизоне и музей в Бельгии ради картин Вермеера. Эти двое – Милле и Вермеер – виновники и спонсоры самых значительных детских эстетических впечатлений Сальвадора. «Анджелюс» Милле в школьном коридоре заставлял девятилетнего Дали испытывать сильнейшее наслаждение и сильнейшую тревогу, одержимость скрытыми в этом полотне загадками будет сопровождать художника всю жизнь. Репродукция «Кружевницы» Вермеера висела в кабинете отца Дали – и волновала воображение Сальвадора не меньше. Главный инструмент кружевницы, центр композиции, точка наибольшего внимания, которой на самом деле нет – невидимая игла. И, конечно, «Женщина у окна в Фигерасе» - попытка разгадать эту детскую тайну, попытка зайти с другой стороны и отыскать невидимую иглу. Женщина на его картине плетет кружева при помощи тех же инструментов, что и кружевница Вермеера 250 лет назад – те же деревянные коклюшки. Только чтобы кружево получилось, необходимы булавки – ими утыкана подушечка под руками вермееровской мастерицы. А вот женщина Дали обходится без них – ее кружево сплетается без единой иглы. Довести загадку до абсурда, ответить на несуществующее, усугубив это несуществующее. Посмотреть в упор на то, чего нет, и тщательно это задокументировать. Очень в духе будущего сюрреалиста Дали. СальвадорДали Сюрреализм _history https://t.me/pic_history/2221

Джон Эверетт Милле - Мариана, 1851, красное дерево, масло, 59,7 × 49,5 см, Британская галерея Тейт, Лондон, Великобритания John Everett Millais - Mariana, 1851, oil on panel (mahogany), 59.7 cm × 49.5 cm, Tate Britain, London, UK

Шампанское и риск Давайте разбираться, почему тот, кто не рискует, не пьет шампанского? История связана с гусарами Какой гусар без шампанского, правда? И с вдовой Клико. Был такой винодел - Франсуа Клико. Шампанское делал хорошее, но с осадком. Никто не вечен, так что, когда винодел ушел в мир иной, семейное дело в свои руки взяла его супруга, а теперь уже вдова Клико. И она придумала, как сделать шампанское идеально прозрачным Шампанское от вдовы сразу стало пользоваться популярностью, но были нюансы. Бутылки игристого напитка, хранившиеся в погребе вдовы Клико, часто взрывались в самый неожиданный момент и могли серьезно поранить того, кто находился рядом. Так что женщины еще и защитный костюм придумала, чтобы в погреб спускаться. Отсюда и фраза про риск - чтобы добыть шампанское, надо рискнуть А гусары? А гусары вошли в Париж после победы над Наполеоном и там напиток распробовали. И его стали активно завозить в Российскую империю. Правда, стоил напиток дорого, 10 рублей (умножайте на 1000, чтобы пересчитать на нынешние цены), так что и пили его по особым случаям И напиток был знаком достатка и благополучия, потому что далеко не каждый мог себе его позволить. Такие дела В качестве иллюстрации - литографии начала 19 века. Дамы и гусары танцуют гавот PROинтересныефакты