"Иней" 1904 г. Игорь Эммануилович Грабарь Вятский художественный музей им. В.

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

Венера и Тангейзер Отто Книлле 1873 Музей Берггрюна, Берлин А история вот о чём. Согласно германскому народному преданию, направлявшийся на состязание певцов поэт Тангейзер встретил на своем пути богиню Венеру, которая завлекла его к себе в грот. Тангейзер провел с богиней любви в забавах и развлечениях семь лет. Пресытившись наслаждениями, поэт вспомнил о душе и, убоявшись ада, расстался с возлюбленной и совершив паломничество в Рим, где просил у папы отпущения грехов. Папа с негодованием отверг эту просьбу и подчеркнул, что скорее его папский посох даст свежие побеги, чем Бог простит такого великого грешника. Опечаленный Тангейзер с горя вернулся к божественной Венере. Тем временем жезл расцвел, и папа послал объявить об этом Тангейзеру, но к тому времени поэт уже вернулся в грот Венеры. Таким образом, отвергнутый папой грешник за свое раскаяние получил прощение от Бога, а папа запятнал свое имя излишней суровостью.

​​Российский художник выпустил линейку «невидимой» одежды. Коллекция как переосмысление изоляции. Андрей Артюхин, российский мультидисциплинарный художник и дизайнер, выпустил коллекцию одежды invisible.2.0.2.0, сочетающую в себе новые технологии и самые актуальные смыслы. «История вдохновлена городом и временем, «невидимыми людьми», кто растворился в окружающей среде, у кого нет лица, только фон. Изоляция — это не только люди в масках, но и ребята, которые доставляют еду, они заполнили города. Но мы их не замечаем», — прокомментировал автор. Коллекция играет со смыслами. Униформа — это всегда брендинг. Но очень часто форма делает людей лишь фоном нашей жизни, частью городской среды. Коллекция создана с использованием материалов RFID, блокирующей сигналы: полупрозрачная экранирующая ткань полностью блокирует GSM, 3G, LTE, Wi-Fi, Bluetooth сигналы мобильных телефонов. Материалы расположены в манжетах, рукавах, карманах — они защищают и делают невидимыми ваши смартфоны, ноутбуки, гаджеты, электронные часы, фитнес-трекеры. В этой одежде вы буквально невидимы. Подробнее https://telegra.ph/file/d81a70500d1479d7eaf50.jpg

"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Летом 1888 года Винсент Ван Гог живет на юге Франции, в Арле, где пишет самые знаменитые свои картины. В июне художник решил отправиться к морю – в маленькую рыбацкую деревушку Сент-Мари-де-ла-Мер. Винсент надеялся, что морской воздух поправит его слабое здоровье, которое с каждым годом лишь ухудшалось из-за недоедания и алкогольных возлияний. В недельную поездку Ван Гог взял с собой три холста и несколько листов бумаги. Картина «Море в Сент-Мари» стала одним из двух морских пейзажей, написанных художником во время этого «отпуска». На третьем холсте Винсент изобразил белые деревенские домики. В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет. Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле. Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым». ВанГог Постимпрессионизм Марина _history

Олег Анастасов (1965) «Иней» 2005 холст на двп, масло. 46х70 см олег_анастасов

"Иней" Игорь Грабарь,1905 > Ярославль, Художественный музей На полотне «Иней» представлена настоящая волшебная сказка зимнего леса, увиденная солнечным морозным утром. На фоне голубого неба застыли белесые деревья, свесив свои тонкие серебристые, замороженные ветви. Живописец увидел и удивительно тонко передал на холсте нежно-звучный хрустальный образ. Сам он о любимом зимнем явлении говорил следующее: «Немного на свете таких потрясающих по красочной полифоничности моментов, как солнечный день инея, где цветовая гамма, ежеминутно меняясь, окрашивается в самые фантастические оттенки, для которых на палитре не хватает красок». Колорит полотна строится на сочетании белого оттенков голубого, яркими акцентами выступают насыщенные темно-серые тона. Манера написания картины малыми, как бы вибрирующими мазочками отчасти напоминает приемы пунктуализма. В целом «Иней» прекрасно передает невероятное ощущение нежности и воздушности этого скованного холодом состояния природы.

«Женщина с цветком» 1929г. Грант Вуд Картина содержит все авторские стилистические черты художника– главная героиня изображена крупным планом, чёткая линия рисунка, точная прорисовка, присутствие аллегорических символов. На полотне живописец изобразил свою мать. Ей здесь 71 год, и Вуд написал мать очень реалистично и максимально правдиво. Зритель сразу может отметить характерный «возрастной» цвет лица, глубокие морщины треугольником, уставший взгляд, старческие руки и редеющие седые волосы. Особенная худоба модели также характерна для пожилого человека. Передник, который был в моде десяток лет назад, ещё одна красноречивая отсылка к возрасту героини. Самый неожиданный элемент в картине – цветок в руках женщины. Читая название, мы ожидаем увидеть какое-нибудь цветущие живописное растение. Однако сразу замечаем, что мать художника держит трёхполосную сансевиерию в коричневом глиняном горшке. Сам живописец утверждал, что этот выбор не случаен - растение символизирует прямолинейный характер его мамы.

Ночное 1905—1908 Архип Куинджи Государственный Русский музей, Санкт-Петербург На холме над рекой пасутся лошади. Ярко освещённая луной лента реки уходит вдаль, окружённая бескрайними просторами равнин. В окончательной версии картины силуэты и расположение лошадей были изменены — по-видимому, в целях достижения большей выразительности и «ритмичности линейных очертаний». Картина «Ночное», считающаяся неоконченной, была написана Куинджи в последние годы его жизни, и она рассматривается как своеобразное завещание художника — в некотором смысле, его прощальное произведение. Запрещённое искусство — подробно

Похищение Прозерпины Мраморная скульптура Джованни Бернини, создавалась в 1621—1622 годах, когда скульптору было 23 года. Находится в галерее Боргезе (Рим). Высота статуи 295 см. «Я победил мрамор и сделал его пластичным, как воск…», — писал Джованни Бернини. Была у богини Деметры юная прекрасная дочь, Прозерпина. Отцом Прозерпины был громовержец Зевс. Однажды Прозерпина вместе со своими подругами резвилась в цветущей долине. Не знала она, какая судьба ей уготована отцом её Зевсом. Он отдал её в жены мрачному своему брату Плутону, властителю царства теней и умерших, и с ним должна была жить Прозерпина во мраке подземного царства. Плутон видел, как резвилась Прозерпина, и решил её тут же похитить. Он упросил богиню Гею вырастить цветок необыкновенной красоты. Прозерпина увидала цветок и протянула к нему руку. Но только сорвала она цветок, как разверзлась земля, и появился мрачный Плутон на золотой колеснице. Он схватил юную Прозерпину и скрылся в недрах земли. Только вскрикнуть успела Прозерпина. Никто не видел, как похитил Плутон девушку, лишь бог солнца — Гелиос. Услыхала крик Прозерпины Деметра. Стала всюду искать она свою дочь, но нигде не нашла. На десятый день пришла она к богу Гелиосу и стала молить его, чтобы он сказал, кто похитил Прозерпину. Гелиос обо всем рассказал скорбящей матери. Разгневалась Деметра, что Зевс отдал Прозерпину в жены Плутону без её ведома. Она покинула Олимп и приняла вид простой смертной. Но Деметра была богиней плодородия, и без неё всякий рост на земле прекратился. Листья на деревьях завяли и облетели, травы поблекли, цветы засохли. Не было плодов в садах, и не зрели в виноградниках тяжелые сочные гроздья. Замерла жизнь на земле. Гибель грозила всему людскому роду. Ничего не оставалось Зевсу, как повелеть Плутону отпустить Прозерпину на землю к матери. Плутон согласился отпустить Прозерпину, но предварительно дал ей проглотить зерна граната, символ брака. С тех пор Прозерпина две трети года живет с матерью, а одну треть проводит со своим мужем, Плутоном.

"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history

​​️Еврейский музей и центр толерантности представляет выставку «Маленькое искусство» с работами Левитана, Поленова, Репина, Серова и Малевича. Эта выставка — собрание работ, которые обычно остаются в запасниках (в папках, на полках) после того, как для показа отобраны главные, «убедительные» предметы. Чаще всего на вернисажи не попадают вещи маленького размера, но иногда они сохраняют то, что о даровании художника понимать важнее всего. ️На ВДНХ открылась бесплатная выставка о женском репродуктивном здоровье.   ️ЮНЕСКО подготовило отчет о воздействии локдауна на музейный сектор.   Во время пандемии было временно  закрыто 90% музейных институций — 85 тыс. музеев и галерей.   ️Галерея Люмьер открылась после переезда в новом пространстве на Большой Полянке в Москве.   Галерея запустила на новой площадке Lumiere Club — просветительский проект, который включает в себя курс по истории искусства фотографии и международного арт-рынка, клуб с лекциями и экскурсиями на новой площадке.   ️Музей Прадо получил в постоянную коллекцию самую раннюю известную работу Франсиско Гойи.   Работа приобретена Фондом друзей Прадо за €3,3 млн и подарена музею в честь 40-летия основания фонда. Гойя создал картину во время своего двухлетнего пребывания в Италии и представил ее на конкурс, проводившийся пармской Академией художеств.   P. S. Если вы не смотрели шедевральный фильм о Гойя, то обязательно посмотрите! Не пожалеете! Очень забавно наблюдать за прямолинейностью мастера по версии режиссёра. Фото: Франсиско Гойя, Ганнибал-победитель впервые смотрит на Италию с высоты Альп, 1771, холст, масло. Музей Прадо, Испания https://telegra.ph/file/3fb0bf3a0d9fa83948416.jpg

Молодой Варфоломей около 1895 Александр Головин Холст, масло, усиленное золотом 101 × 142 см Русский советский художник, сценограф, декоратор, народный артист. Работал обычно темперой и пастелью; создавал колоритные пейзажи и натюрморты, а также портреты, часть из которых можно назвать художественными документами, в других присутствует и модерн, и начало импрессионизма. В Третьяковской галерее хранится автопортрет (1912), согласно почтовой открытке издательства «Аврора». Индивидуальный стиль Головина складывался в процессе работы над театральными постановками. Не забылись и парижские впечатления: на творчество художника заметное влияние оказали французские постимпрессионисты. Создавая образ, Головин акцентирует плоскость, активно использует декоративную выразительность цвета, сложный линейный ритм. Холст "Молодой Варфоломей" продан за 386 500 долларов США в июне 2016.

Нумизмат 1904 Вильгельм Хаммерсхёй Национальный музей, Осло Датский художник, представитель символистского направления в живописи. Полотна Хаммерсхёя часто изображают домашние интерьеры. Работы его полны тишины, покоя и меланхолии. Изображения большей частью переданы серой, белой, зелёной или синей краской, а также оттенками этих цветов. Художник преклонялся перед творчеством американца Джеймса Мак-Нейла Уистлера. Мы готовы представить себе какой угодно скрытый смысл в работах художника. В чем их секрет? Самого Хаммерсхёя трудно назвать словоохотливым человеком. Его круг общения, как утверждают искусствоведы, ограничивался родственниками и ближайшими друзьями. Именно они и становились героями его полотен. Художник много путешествовал, видел картины современников-импрессионистов и постимпрессионистов, но оставался верен своему монохромному безмолвному миру. От начала карьеры и до конца в его картинах присутствует одна и та же логика и однородность.

Маслянистая гладь Темзы, темное небо в желтых искрах, дым над водой, за которым смутно угадываются очертания Челси. Это сновидческое полотно прекрасно характеризует творческий метод Уистлера, который считал, что предназначение живописи – не фиксировать реальность, а передавать впечатления от нее. В 1877 немногие разделяли его взгляды. Особенно разозлила «падающая ракета» Джона Рескина – художника, писателя, историка живописи и весьма авторитетного арт-критика. «Я много слышал о бесстыдстве и самомнении кокни, – писал Рескин в лондонской прессе. – Но не думал, что мне доведется увидеть, как самодовольный скоморох станет требовать двести гиней за то, что плеснул из горшка с краской в лицо публике». Уистлер не захотел мириться с публичной поркой и подал на Рескина иск за клевету. Когда адвокат Рескина спросил в суде, сколько времени Уистлер работал над картиной, тот ответил: «Два дня». «И за два дня работы вы хотите получить 200 гиней?!» - «Нет, - парировал Уистлер, - я хочу получить эту плату за знания, которые добывал всю свою жизнь». Суд признал Джона Рескина виновным в клевете. Однако вместо требуемых 1000 фунтов Уистлер получил символическую компенсацию в четверть пенса.

Жимолость 1876 Вильям Моррис Этот тип абстрактного искусства называется: "Криволинейный абстракционизм". Он сильно связан с кельтским искусством, в котором используется ряд абстрактных мотивов, включая узлы, чересстрочные шаблоны и спирали (включая трискеле или трискелион). Мотивы не были изобретены кельтами, многие другие ранние культуры использовали эти орнаменты на протяжении веков. Тем не менее, справедливо сказать, что кельтские дизайнеры вдохнули новую жизнь в такие узоры, сделав их более замысловатыми и сложными. Позже они вернулись в 19-м веке и особенно проявились в книжных обложках, тканях, обоях и ситцевых рисунках, подобных работам Уильяма Морриса и Артура Макзмурдо. Криволинейная абстракция также характеризуется таким понятием, как «бесконечная картина» — широко распространена в исламском искусстве.

"Юпитер и Фетида" 1811 г. Жан Огюст Доминик Энгр Музей Гране, Экс-ан-Прованс. «Зевс и Фетида» Энгра – «дипломная работа», подводившая итог стажировке в Риме, куда его направила парижская Академия изящных искусств. Он стремился сделать картину максимально благодатной и «богоугодной», поясняя, что «она должна за милю источать запах амброзии». Энгр отправил завершающую «посылку» (так называют его работы, отправленные из Рима в Париж в рамках стажировки) на Салон. Вердикт был безжалостен: лицо Зевса назвали недостаточно благородным, к телосложению Фетиды тоже упреков было достаточно. В основу картины положен мифологический сюжет. Морская нимфа Фетида влекла и Зевса, и Посейдона. Но предсказание гласило, что рожденный ею сын превзойдет в силе своего отца. Боги решили воздержаться от возможной сыновней конкуренции и отдали Фетиду замуж за смертного Пелея. От этого брака родился Ахилл. Картина изображает Фетиду, пришедшую к Зевсу и умоляющую защитить ее сына в противостоянии с Агамемноном в Троянской войне. Фетида склонилась у колен верховного бога, обхватив их одной рукой, вторая вытянута вверх и касается его бороды. Трон Зевса висит в облаках, фигуры Зевса и Фетиды резко контрастируют. Фигура Зевса темная, мощная, словно слившаяся с троном, левой рукой он опирается на кучевые облака. Взгляд его устремлен вдаль, кажется, что он даже не слышит Фетиду. Ее же фигура вся состоит из плавных линий. Даже то, что ставили Энгру в упрек – неестественно вытянутая левая рука Фетиды, ее чересчур запрокинутая голова и кажущаяся слишком полной по этой причине шея – выполняет свою функцию. Рука – словно воплощение мольбы и потаенной нежности, а вся фигура в целом, в том числе странный изгиб шеи – воплощает безудержную устремленность, словно эта диагональ, в которой Фетида расположена по отношению к Зевсу, включила в себя все ее чаяния, всю ее жизнь. Справа от Зевса – орёл, один из атрибутов бога. Слева мы видим лежащую на облаке и наблюдающую за происходящим фигуру Геры, супруги Громовержца. Как известно, она была весьма ревнивой богиней… Но здесь ее взгляд спокоен – она знает, что Зевс не внемлет мольбам Фетиды. А вот интимная подробность, которую видим мы, от Геры скрыта. Соприкасающиеся пальцы ног Зевса и Фетиды вносят очень теплую, глубоко лирическую и эротическую ноту в настроение картины. ДоминикЭнгр МифологическаяСцена Классицизм _history

Жизнь Мунка была исполнена непрерывного борения с самим собой, он испытывал страх перед женщинами и влечение к ним. Они представлялись ему вампирами, жаждущими крови. Одновременно отвратительными и притягательными. Дагни Юль занимала особое место в его жизни: она была племянницей премьер-министра Норвегии, а еще до приезда в Берлин, где Мунк поселился и устроил мастерскую в 1893 году, послала ему свою фотографию, чтобы его «заинтриговать». У нее были тяжелые веки, загадочная улыбка и ласкающие взор формы. Она была таинственна, непредсказуема и неразборчива в связях. Она позировала ему для ряда глубоких и ярких картин – «Ревности», «Мадонны», «На следующий день». Во время их романа она представлялась Мунку и чувственной богиней, и матерью, и святой. Она бросила его ради польского поэта, а несколько лет спустя погибла в номере тбилисского Гранд-отеля, застреленная другим любовником.

"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». БастьенЛепаж _history

​Композиционный центр картины служил предметом многочисленных дискуссий. Искусствовед Хосе Лопес-Рей находит три таких центра: в инфанте, художнике и отражении королевской пары в зеркале. Лео Штейнберг, соглашаясь с тройственностью композиционного центра, считает причиной его неустойчивости намеренно скрытые линии перспективы, хотя точка схода в локтевом сгибе стоящего в дверях Ньето определяется довольно строго по продолжению линии пересечения правой стены и потолка. Глубина сцены создаётся с помощью линейной перспективы, частичного перекрытия разноудалённых слоёв и использования светотени, тщательное исполнение которой искусствовед Кеннет Кларк считает ключевым фактором для создания композиции. Свет из окна справа освещает передний план сцены и, по замечанию Мишеля Фуко, невидимую область перед ней, где находятся король, королева и зритель. Хосе Ортега-и-Гассет делит пространство на три части: ближний и дальний планы, освещённые естественным светом, и затемнённый между ними средний. Солнечный свет блестит на золотых волосах карлицы, но поворот головы не фокусирует внимание зрителя на её лице. Таким же приёмом не акцентируются черты лица доньи Исабель — свет лишь мягко касается её щеки, оставляя в тени внешность и платье. Инфанта, напротив, ярко освещена. Лицо обрамлено лёгкими прядями волос, отделяющими её от всего прочего на картине; свет моделирует объёмную геометрию формы, подчёркивая корсет с лифом и юбку с кринолином; тень резко контрастирует с яркой парчой — всё это притягивает к маленькой фигурке основное внимание зрителя. https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2a/Diego_Vel%C3%A1zquez_Las_Meninas_Die_Hoffr%C3%A4ulein_Schema_rus.png

Томас Лоуренс "Красный мальчик" (1825) Семилетний мальчик на картине - Чарльз Уильям Лэмбтон, представитель влиятельной британской семьи. Его дед, Чарльз Грей, позже станет премьер-министром Великобритании, а отец - депутатом парламента. Отец заплатил художнику 600 гиней за написание этого портрета, что было огромной суммой денег, эквивалентной сегодня около $ 60 000. В начале этого года Национальная галерея приобрела работу за более чем $ 10 млн. Изначально художник "нарядил" мальчика в желтый цвет, однако герой сливался с коричневым фоном камня на заднем плане. В итоге победил багряно-красный оттенок, придавший лоск юному джентльмену. К сожалению, судьба мальчика сложилась трагически: он скончался от туберкулеза в возрасте 13 лет. "Красный мальчик" стала первой картиной, которую поместили на британские почтовые марки в 1967 году.

Ноктюрн в синем и золотом: Старый мост в Баттерси 1872 — 1875 Джеймс Уистлер Галерея Тейт, Лондон Картина с вечерним пейзажем и феерверком полна атмосферного эффекта. Для дополнительного эффекта деревянный мост написан выше, чем в реальности. Сегодня этого моста уже нет. Серия Ноктюрнов Уистлера, частью которой была эта картина, получила известность в 1877 году, когда влиятельный критик Джон Рёскин посетил выставку этой серии в Гросвенорской галерее. Он написал разгромную статью в которой обвинил Уистлера в том что тот "просит две сотни гиней, чтобы бросить горшок краски в лицо общественности". Это резко снизило стоимость работ художника. Уистлер подал в суд за клевету в 1878 году. Судья по этому делу, один барон Хаддлстон, вызвал смех в зале, когда он (очевидно, искренне) спросил Уистлера: «Какая часть картины является мостом?» Дело закончилось тем, что суд присудил Уистлер только один фартинг (название английской монеты в 1/4 пенни). После этого Уистлер объявил себя банкротом.

Атака 1899 Эдвард Исто Национальный музей Финляндии, Хельсинки Картина финского художника. Полотно — пример политического искусства, полный символизма и драматизма. Российский двуглавый орёл напал на девушку — олицетворение Финляндии. Женщина в бело-синей одежде, цвета Финляндии, а на пряжке её пояса — финский герб. Посвящена русификации Финляндии. Курильня, упавшая к ногам девы, представляет собой ушедшую эпоху благополучия. Эдвард Исто был малоизвестным художником, написавшим самую известную картину в Финляндии на политическую тему, навсегда оставшись в истории финского искусства благодаря именно этой работе.

"Сирень" 1900 г. Михаил Александрович Врубель Государственная Третьяковская галерея. На рубеже 19 – 20 веков Врубель работал нал циклом картин, который называют «Сказочным». В него входят картины «Пан», «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Жемчужная раковина» и «Сирень». Помимо присутствия на них сказочных существ, все эти работы объединяет время действия – ночь, из-за чего их еще называют ноктюрнами. Сумерки придают картинам особенный таинственный и сказочный колорит. К тому же ночные сюжеты позволяют художнику выжимать все возможности из своей любимой палитры: любых оттенки синего и фиолетового цветов. Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени. Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее. Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь. Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура. У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете». Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель. МихаилВрубель _history

"Алжирские женщины" 1834 г. Эжен Делакруа Лувр, Париж. В 2008 году в Лувре в одном зале собрали всех знаменитых «Алжирских женщин» в изобразительном искусстве. Всего одна картина на этой выставке принадлежала Делакруа, а весь остальной гарем принадлежал Пабло Пикассо. В течение двух лет Пикассо создал 15 вариаций этого мотива и десятки эскизов и набросков. В одном из интервью он сказал: «Если бы Делакруа увидел мои работы, я бы ему сказал вот что: вы писали, имея в виду Рубенса, но сделали как Делакруа. А я писал, имея в виду вас, но тоже сделал нечто свое». Когда корабль французской дипломатической миссии, в составе которой был и Делакруа, отплывал в Марокко, у художника уже определенно сформировался свой взгляд на искусство. Но до сих пор по части цвета и контрастных сочетаний лучше Рубенса он ничего не встречал и не признавал. А в Марокко и Алжире он увидел все эти цвета и рефлексы вживую, увидел насыщенный свет и прозрачные тени, увидел ослепительный, роскошный, величественный Восток, о котором фантазировал в «Смерти Сарданапала». В жизни Делакруа, не особо богатой на судьбоносные события, поездка на Восток оказалась не только живописным, но философским прозрением. По сравнению с динамичными и даже надрывными композициями предыдущих полотен Делакруа, «Алжирские женщины» - само спокойствие и нега. Как будто время в этом измерении движется медленно или счет ему никто просто не ведет. Здесь нет ни сюжета, ни действия, ни истории, ни символа. Чистая живопись. Покидая Марокко и прибывая в Алжир, Делакруа тосковал только об одном: что не смог поближе увидеть местных женщин. Оказалось, что в Алжире все немного проще. Бывший капитан алжирского флота провел Эжена прямо в свой гарем – любуйся. В низкой, душной, пропахшей сладким кальянным дымом и чаем комнате полулежали три женщины. Они проводили здесь целые дни, они были частью этой комнаты. Что успевал – зарисовывал акварелью, иногда акварели не хватало и он делал пометки в блокноте: «нежно-голубой, зеленый, золотисто-желтый» - это про платок, «сиреневато-фиолетовые рукава, сиреневато-фиолетовое на плечах, на груди полосы фиолетовые, нежные» - это про рубашку. «Алжирские женщины» - алогичный, необъяснимый, волшебный магнит. Вольную копию с нее делал Огюст Ренуар (только по этой копии современники и могут судить сейчас о подлинной яркости красок у Делакруа, потому что его картина сохранилась плохо и потемнела), а потом написал по ее мотивам свою «Одалиску». Для Синьяка эта картина стала откровением «оптического смешения наиболее удаленных компонентов». О Пикассо все и так понятно – 15 картин, эротичных и прямолинейных, повторяющих основные линии композиции первоисточника, одна из которых стала самой дорогой картиной в мире и ушла с молотка за 180 млн. долларов. Спустя много лет Делакруа напишет о своих восточных каникулах: «Я жил там в двадцать раз интенсивнее, чем в Париже». ЭженДелакруа Романтизм _history

Венера Виллендорфская Автор неизвестен Известняк. Высота 11 см Музей естествознания, Вена Небольшая статуэтка обнаруженна в одном из древних захоронений граветтской культуры близ местечка Виллендорф в Вахау в Австрии 7 августа 1908 года. Возраст статуэтки насчитывает 29 500 лет. Почти ничего не известно ни о месте, ни о методе изготовления, ни о культурном назначении данной статуэтки. Фигура женщины выполнена в реалистическом стиле. Её грудь, живот и бёдра имеют большие округлые формы. Чётко выраженные линии подчёркивают пупок, половые органы и руки, сложенные на груди. На голове видны хорошо вырезанные волосы или головной убор; черты лица при этом полностью отсутствуют. Некоторые специалисты отождествляют её с Матерью-Землёй — хтонической богиней плодородия, почитавшейся в доиндоевропейской Европе. На 2005 год стоимость статуэтки оценивалась в 60 млн долларов.

Беспредметная картина № 80 «Черное на черном» 1918 Александр Родченко. Архив Александра Родченко и Варвары Степановой / MoMA‎ В Москве, через общих друзей Родченко знакомится с Тат­линым, одним из лидеров авангарда. Тот приглашает Родченко принять уча­стие в футуристической выставке «Магазин». Вместо вступительного взноса художника просят помочь с организацией — продавать билеты и рассказывать посетителям о смысле работ. Тогда же Родченко знакомится с Казимиром Ма­левичем, но к нему, в отличие от Татлина, симпатии не испытывает, да и идеи Малевича кажутся ему чужими. В ответ на «Белое на белом» Малевича Родченко пишет серию работ «Черное на черном». Эти, казалось бы, похожие работы решают противоположные задачи: с помощью монохромности Родченко использует фактуру материала в качестве нового свойства живописного искусства. Развивая идею о новом ис­кусстве, вдохновленном наукой и техникой, он вперые использует «нехудоже­ственные» инструменты — циркуль, линейку, валик.

Эхо и Нарцисс 1903 Джон Уильям Уотерхаус Художественная галерея Уокера, Ливерпуль, Великобритания Сюжет основан на мифе об Эхе и Нарциссе из «Метаморфоз» Овидия. Нарцисс был прекрасным сыном речного бога Кефиса и наяды Лириопы. Слепой прорицатель Тиресий предсказал, что Нарцисс доживёт до старости, если не посмотрит на себя. Нарцисс отвергал всех нимф и женщин, которые в него влюблялись. Одной из них была нимфа Эхо, которая могла только повторять чужие слова. Она была так расстроена его отказом, что стала чахнуть и истаяла так, что от неё остался лишь шёпот. Её молитвы были услышаны богиней Немезидой, которая заставила Нарцисса влюбиться в собственное отражение в бассейне с водой. Он продолжал смотреть на своё отражение, пока не умер. На том месте, где он умер, вырос цветок нарцисса. Картина изображает решающий момент легенды, когда Нарцисс впервые видит своё отражение, а несчастная охваченное любовью Эхо с тоской наблюдает, как он исполняет пророчество.

Louis Vuitton объединилась с LEGO, чтобы отпраздновать 200-летие со дня рождения основателя известного дома моды Louis Vuitton. Уникальный праздничный торт был создан с использованием 31 700 кирпичей разных цветов. Основной акцент торта — лицо Виттона, сделанное из белых, черных, лавандовых и розовых кубиков LEGO. Торт находится в специальном сундучке, который открывается в белых перчатках. Единственный в своём роде сундук имеет ряд роскошных ящиков с кобальтово-синей подкладкой для хранения тысячи кусков LEGO.

Правда ли, что у Синей Бороды был реальный прототип? Как сложилась судьба сестёр Бронте? Что почитать на выходных? Устраивайтесь поудобнее и открывайте неожиданные страницы биографии известных писателей вместе с каналом МАССОЛИТ. Уютная атмосфера, интересные факты о литераторах и их творениях, аннотации произведений художественной литературы и авторский взгляд на прочитанное. А также книги, книги и ещё раз книги. Подписывайтесь ️ https://t.me/massolit_nbb

Аврора и Кефал 1733 Франсуа Буше Музей искусства Нанси, Франция Мифологический сюжет из «Метаморфоз» Овидия (Книга VII). Молодой охотник Кефал, муж Прокриды, против своей воли был похищен богиней Авророй. Сопротивляясь богине, охотник отправляется обратно к жене, в плен роковой судьбы: Кефал случайно смертельно ранил Прокриду, приняв её за зверя. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно. Буше смягчил историю, сведя её к гармоничному союзу Авроры и Кефала, благодаря чему изчез драматический аспект сюжета. Подняв томный взор на обольстительную богиню, юноша не оказывает ей сопротивления. Буше не раз возвращался к этой теме в течение своей карьеры.

Фрина 1850 Гюстав Буланже Музей Ван Гога, Амстердам Фрина Феспийка была куртизанкой, которую на протяжении тысячелетий помнят за драматический суд, который она выиграла, обнажившись перед судьями. Фрина стала символом свободы в борьбе с сексизмом. Еще она была совершенной красавицей. Афиней писал, что шаловливым большим глазам и сладострастной фигуре Фрины не мог сопротивляться ни один мужчина. По словам Афинея, Фрину судили за преступление, караемое смертной казнью. Он писал, что Гиперид, её адвокат, сорвал платье Фрины посреди зала суда, чтобы показать судьям ее прекрасное тело. Он сказал, что только боги могли вылепить такое совершенное тело; значит, ее убийство или заключение в тюрьму будет рассматриваться как богохульство и неуважение к богам. Необыкновенная красота Фрины обернулась для нее славной победой. Фрина вышла из суда с триумфом, и ее история стала источником вдохновения для многих произведений искусства. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Афродита Анадиомена (др.-греч. Ἀφροδίτη Ἀναδυομένη, «выныривающая, выходящая из моря») — эпитет богини Афродиты, рождающейся из морской пены и выходящей на сушу, и иконографический тип её изображения в этот момент. Данная иконография прославилась во времена Античности благодаря несохранившейся картине Апеллеса и неоднократно повторялась мастерами последующих эпох. Варианты её названия: Афродита Анадиомена, Венера Анадиомена, Рождение Венеры, Venus Marina. Иконографический тип изображения рождающейся Афродиты, включал, таким образом, следующие элементы, которые могли использоваться в различных комбинациях: обнажённая богиня, морское побережье, вода, волны, пена, выжимание богиней своих мокрых волос, ракушка — одновременно средство передвижения и символ вульвы, то есть рождения и любви (ср. йони), атрибуты морской стихии — напр. дельфины, нереиды, помощники богини — служанки, оры, хариты, ветра (Борей, Зефир, проч.), купидоны.

Женщина с цветком 1929 Грант Вуд Музей Сидар-Рапидс, Айова Картина — яркий пример риджионализма: течение в американском искусстве 1930-х годов, помните, его же — "Американская готика". На картине Вуд изобразил свою родную мать — Хэтти Вуд, держащую трехполосную сансевиерию. Образ старой женщины в исполнении Вуда критики неоднократно сравнивали с Моной Лизой. Само растение было выбрано не случайно, сам Вуд впоследствии обосновал данный выбор тем, что его острые листья ассоциируются с прямолинейным характером матери художника. Картине свойственен авторский стиль Вуда — портрет крупным планом, прорисовка деталей. Задний план, в свою очередь, представляет собой ещё одну любимую тему художника — деревенский пейзаж. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Норман Роквелл 1926 Песня о любви Музей Индианаполиса На ней изображены два пожилых музыканта, играющих дуэтом на флейте и кларнете, в то время как молодая девушка отдыхает от уборки и слушает музыку. Название картины написано на папке для нот, по которым играют музыканты. «Песня о любви» иллюстрирует одну из постоянных тем в творчестве Роквелла: контраст молодости и старости через изображение задумавшейся молодой девушки и пожилых музыкантов. Хотя основное изображение прямолинейно и реалистично, как и большинство работ Роквелла, художник добавляет импрессионистский пейзаж за окном, демонстрируя разносторонность его таланта. Увлечение Роквелла старинными картами, которые он коллекционировал в большом количестве, проявляется в изображении старой карты, которая привязывает картину к сельской местности в Америке. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Мы прошли по Земле Датский художник Уффо Изолотто создал инсталляцию «Мы прошли по Земле» (We Walked the Earth). Художник превращает пространство в фермерский дом, заполненный кучами инструментов, взморника и конского навоза. При ближайшем рассмотрении все эти знакомые элементы на самом деле искажены: в одной из комнат висит мутировавшая ветчина, а по другим комнатам разбросаны незнакомые виды сельскохозяйственных культур, сочащиеся синей жидкостью. В центре этой инсталляции происходит драма жизни и смерти: в одной комнате мужчина-кентавр покончил с собой, и его можно найти повешенным на цепи. В соседней комнате женщина-кентавр лежит на полу, рожая кентавра-детеныша, который, кажется, имеет другой гибрид, чем его родители. Его человеческие руки преображаются в нечто неузнаваемое, одновременно обещающее будущее и предвещающее тяжелые времена. Комментарий художника: «Настоящее время, в котором мы живем, становится все более сложным и непредсказуемым, поскольку мы сталкиваемся с множеством сложных реалий, будь то экологические, политические или экзистенциальные. В воздухе много надежды и отчаяния, и я хочу воплотить это в реальность с помощью этой инсталляции». Работа представлена на 59-ой Венецианской биеннале современного искусства. Искусство или нет?

«Рождение Венеры» ~1485 г. Сандро Боттичелли Героиня полотна — римская богиня красоты, любви и плодородия Венера. Картина полна символов. Например, раковина — это символ женственности, женского лона, из которого рождается богиня. Венера печальна — почему? Дело в том, что Венера, едва успев обрести свободу и радость жизни, теряет их. Она перестаёт быть обычной девушкой и становится богиней. Больше о культовых полотнах великих художников узнаете на курсе «О чём молчат картины» от лектория Синхронизация. На курсе разберётесь, как великие художники создавали свои шедевры. В программе работы Фриды Кало, Анри Матисса, Сальвадора Дали и других гениев. Вы изучите биографию художника, главные особенности его стиля, его влияние на искусство и секреты лучших работ. Запомнить материал помогут памятки, тесты и статьи. По промокоду PICHISTORY скидка 20%. Промокод действует для всех курсов Синхронизации и суммируется с акциями на сайте Переходите по ссылке и покупайте курс дешевле! https://bit.ly/3QRS5m0

Живописный жанр аллегории (от греч. ἀλληγορία – иносказание) предполагает, что абстрактные понятия можно выразить посредством конкретных зрительных образов. Аллегория сообщает отвлечённому образу пластическую ясность. И это уже задача не только чисто живописная, но и умозрительная – как, с помощью каких визуальных средств можно передать образ музыки? Для Липпи таким образом служит женская фигура, данная в грациозном развороте, которая свои длинным шарфом опутывает шею лебедю. Линейное решение фигуры почти идентично рисунку Филиппино Липпи, хранящемуся в Британском музее и изображающему греческую музу любовной поэзии, поэтому «Аллегорию музыки» также иногда называют «Эрато». По другой версии, в «Аллегории музыки» показаны персонажи античного мифа о рождении Кастора и Поллукса от связи земной женщины Леды и бога Зевса, принявшего облик Лебедя. Крылатые купидоны-путти, без сомнения, могли сопровождать как Эрато в её искусстве, так и Леду в её любовной истории. Не напоминает ли берлинская «Эрато» Филлипино Липпи нам картину более известную? Так и есть. Произведения Леонардо да Винчи, изображающие Леду и лебедя, появились всего на несколько лет позже «Аллегории музыки», и есть основания полагать, что здесь имеет место прямое влияние: Леонардо мог видеть работу своего старшего коллеги Филиппино. Кстати, по мысли Леонардо да Винчи, «живопись превосходит музыку и господствует над нею, ибо она не умирает после своего рождения, как несчастная музыка, наоборот, она остается в бытии». Тематику «Аллегории музыки» Филиппино Липпи поддерживают детали в левой части композиции: позади Эрато оставлены лира, «растущая» из оленьей головы, и сиринга – многоголосая флейта, состоящая из нескольких скреплённых между собой трубок, изобретение и излюбленный инструмент лесного бога Пана. Но есть в берлинской «Эрато» нечто напоминающее о музыке с гораздо большей выразительной силой, нежели детали предметной наглядности. Это – ритм. То, без чего музыка принципиально не возможна. Ритм – значит, повторение. Взгляните, как регулярно повторяется в ритме линий «Аллегории музыки» мотив завитка: петлями завивается шарф героини, вторя изгибающимся лебединым шеям и изрезанной линии берега. Закручиваются складки розово-пурпурного хитона. Сине-лиловая развевающаяся на ветру накидка – гиматий – напоминает античные рельефы с пляшущими и извивающимися от вина и страсти вакханками, которые художники эпохи Возрождения часто использовали в качестве образца для изображения драпировок. Эти ритмические находки Филиппино со временем найдут продолжение в живописи маньеризма, не случайно Вазари писал, что Липпи «обогатил искусство красотой и нарядностью». _history ФилиппиноЛиппи АллегорическаяСцена Возрождение

Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». _history БастьенЛепаж https://t.me/pic_history/6353

Саврасов Алексей Кондратьевич, (1830-1897). «Зимний пейзаж. Иней», 1870-е. Воронежский областной художественный музей им. И.Н.Крамского.

Сказка из детства и роковые танцы Знаю, что вы любите истории любви. Поэтому неделю мы начнем с них PROисториилюбви Расскажу вам про роковую красавицу, хотя по фотографии так и не скажешь, да? Кто же она? Матильда Кшесинская. Прима-балерина Мариинского театра. Ее влияние на сцене было настолько сильным, что она даже получила прозвище «генералиссимус» русского балета. Была ли она талантлива? О да! Родившись в семье танцора Феликса Кшесинского, девочка с детства была окружена танцами и богемой. К этому приложились ее стальной характер и врожденный талант. Они и сделали ее абсолютной звездой ️ Ну ладно, не только они еще и влиятельные поклонники. Про них чуть позже … А пока расскажу про сказку из детства Матильды, которую близкие звали Малей, которая и определила ее судьбу Как-то раз в детстве Маля нашла в кабинете у отца перстень с сапфиром. Девочка примерила его на палец и стала любоваться переливами драгоценного камня на руке. Именно за этим занятием ее и застал отец, который рассказал Матильде, что перстень -это единственное, что осталось от их графского титула. Якобы бумаги на дворянство были утеряны, а вот украшение осталось. К чему эта история? А к тому, что Матильда с тех самых пор стала мечтать о том, чтобы стать дворянкой. Как минимум, графиней Отсюда и ее любовь в будущем к особам голубой крови, о которой буду рассказывать в следующих постах. P. S. Дорогие мои читатели, купившие курс по 10 векам русского искусства не забывайте добавляться в канал с лекциями! Если вам не пришел доступ, напишите в комментарии под этим постом, свяжусь с вами ️