Интересный спор Моцарт и Гайдн были однажды приглашены на обед. Первый...

"Капризница" 1718 г. Антуан Ватто Государственный Эрмитаж. Поэт Шарль Бодлер утверждал, что самое ценное в искусстве Ватто – его капризные, своенравные, но бесконечно элегантные женщины. «Капризница» из собрания Эрмитажа – безусловно, одна из них. В центре композиции, с небольшим смещением влево, сидит миловидная дама в струящемся черном платье. За её спиной игриво полулежит господин в красном берете с пером и, очевидно, заигрывает с девушкой. Но её напряжённо-прямая осанка и явное неудовольствие на лице свидетельствуют, что поклонник чересчур навязчив и уступать его напору героиня не расположена. Во всяком случае, сейчас. Флирт и ухаживания, проявления галантности – это вообще центральная тема рококо. И именно Ватто положил ей начало своими «галантными празднествами». «Капризница» также принадлежит к этому жанру. Нарядно одетые герои явно принимали участие в каком-то увеселении, а вот сейчас удалились от общества, чтобы прояснить отношения наедине. Однако, в отличие от абсолютного большинства сюжетов «галантных празднеств», где ухаживания совершаются к полному взаимному удовольствия, «Капризница» демонстрирует интересный психологический разворот – женское раздражение от навязчивого внимания. Развернувшись спиной к собеседнику, героиня проявляет высшую степень неучтивости. Этим она показывает, что относится к визави без всякого уважения. Мечтательный взгляд Капризницы устремлён вдаль. Некоторые даже предполагают – на некоего другого кавалера, которого она предпочла бы видеть рядом с собой. Ватто любил смешивать реальность и театр, наряжать друзей в театральные костюмы, которые он коллекционировал, и в таком виде рисовать их. Ему импонировала идея игрового смешения иллюзии и реальности, нравилось извлекать из этого взаимного проникновения неожиданные психологические эффекты. Всё это есть и в «Капризнице». Трудно отделаться от мысли, что героиня ощущает себя на сцене, перед полным зрительным залом, что она чересчур озабочена тем, как выглядит со стороны. Этому впечатлению подыгрывает даже пейзаж, покорно выполняющий роль кулис. В «Капризнице» есть то, за что Ватто ценят больше всего – некая умышленная недоговоренность. Загадочная будничность. Трактовка смысла картины вроде бы лежит на поверхности и в то же время – вызывает трудности, ускользает от окончательного понимания. Именно за это качество Ватто впоследствии выше всех прочих художников будут ценить символисты. Может быть, Капризница не отклоняет ухаживания, а наоборот – слушает оправдания и принимает извинения? Может быть, это не начало отношений, а их конец или явный кризис? Может быть, что-то вызвало ревность героини и герой (любовник?) вынужден оправдываться? Так или иначе, Ватто предстаёт перед нами мастером тонкого и затейливого психологического рисунка. Именно во внимании к личности и нюансам переживаний героини заключена ценность картины. Известный искусствовед Михаил Алпатов писал, что для её понимания стоит сравнить «Капризницу» с работами кого-нибудь из голландцев ХVII века: Ватто «интересуют в первую очередь не красивые вещи, не блестящие ткани, как многих голландцев, а характер и мимика людей». Но голландских мастеров Ватто в самом деле очень ценил и многому у них учился. Исследователи мягко укоряют художника за вольные или невольные заимствования: дескать, и наряды у него уж больно а-ля Франс Халс. А красный берет персонажа «Капризницы» - так и вовсе списан у Рембрандта. И все-таки нельзя не признать, что платье героини – само по себе маленький шедевр с бесконечным разнообразием переходов цвета, который лишь условно может быть назван черным. АнтуанВатто Рококо _history

"Я и моя деревня" 1911 г. Марк Захарович Шагал Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Шагал писал картину «Я и моя деревня» в Париже. Сюжет ее построен на зеркальном отображении. Справа мы видим профиль самого художника, напротив – профиль коровьей морды. Художник протягивает ей связку веток и цветов, которую трактуют как древо жизни. В верхней части картины эти зеркальные профили, словно мостом, соединены изображением Витебска. Шагал и корова присматриваются, «принюхиваются» друг к другу. Интересный метод «матрешки» позволил художнику изобразить внутри головы животного отдельную сцену с дояркой и коровой. В центре мы видим круг, соединяющий все элементы в единое целое и символизирующий круговорот жизни. Вокруг этого круга и разворачиваются события картины: дома Витебска, в том числе, стоящие на собственных крышах, доярка с коровой, перевернутая женщина и догоняющий ее мужчина с косой. В светлой перевернутой фигуре женщины ощущается сила, ее трактуют как символ плодородия. Она словно убегает от изображенного в темных тонах мужчины с косой. Не отсылка ли это к старухе с косой? Впрочем, эта погоня не создает ощущения угрозы, она выглядит естественной частью круга, естественной частью жизни. Картина в полной мере проявляет свойственное Шагалу умение соединять бытовое и сверхъестественное. В картине «Я и деревня» ощущаются отголоски фовизма – законы перспективы отправлены в утиль за ненадобностью, да и размеры не озабочены соответствием реальности, кубизма – разделение на сектора, декомпозиция, импрессионизма – нестандартное использование цвета. При этом картина максимально насыщена символами: знаки (коса, церковь, дерево жизни), форма (круг, матрешка). Многие исследователи определяют ее жанр как «бытовой символизм». Но правильнее сказать, что перекликаясь с различными направлениями живописи, картина все же выходит за рамки любого из них. Шагалу удалось воплотить свою цель «не быть похожим на кого-то, найти свой путь». МаркШагал _history

Вчера показала карту, а сегодня хочу немного добавить о ее авторе, Якопо де Барбари. Сведений о нем, кстати, совсем немного - та карта сразу его первое известное творение. Он был итальянским художником и гравером, переехавшим в Германию в 1500 году, став первым мастером Возрождения, прибывшим на постоянную работу в Северную Европу. Неизвестно когда он родился - где-то между 1450 и 1470 годами. Нормальный разброс, да? Есть версия, что он родился в Германии, потом переехал в юношестве в Италию, а потом уже только вернулся, но это не более, чем гипотезы. Кем были его родители, у кого он учился и откуда такой взялся - ничего из этого не ясно. У меня вообще обида какая-то на этого художника - за его немногочисленными сохранившимися работами видится какая-то масштабная, замечательная, очень развитая личность, дотошный мастер с изящным течением мысли, незаурядного таланта, ужасно интересный, но до нас не дошло ни дневников его, ни переписок. Ну, то есть, перед нами очевидно настоящий мастер ренессанса, который себя не ремесленником считал, а был натурально ученым, как использующим открытия современников, так и делающим собственные. Дюрер, вместе с которым он тусовался при дворе Фридриха Мудрого, считал, что у де Барбари где-то припрятана книжечка или трактатик, в котором описано что-то такое важное про рисование пропорций, какой-то секрет, который он стремился у Якопо выведать, а тот, из чистой вредности, не хотел делиться. Короче, Дюрер считал де Барбари читером. Книжечки, скорее всего, никакой и не было, просто не верилось Дюреру что вот такой вот талантливый перед ним художник сам по себе. Ну или просто де Барбари был себе на уме и любил подшучивать над окружающими и, надо думать, делал это довольно тонко. В общем, если вы классный художник или просто хороший человек - пишите дневники пожалуйста, порадуйте потомков. Осталось от де Барбари всего 12 живописных полотен, часть из которых - портреты знати. И представьте, одна из его картин - это вообще первый в Европе натюрморт, да притом сразу же натюрморт-тромплёй, обманка. Есть еще очень необычный портрет итальянского математика Фра Луки Пачоли с неизвестным знатным юношей, возможно, учеником. Пачоли демонстрирует чудо правильного треугольника, на доске у него написано “Евклид”, а еще у него есть все атрибуты настоящего геометра - циркуль, мел, угломер, грифельная доска и даже модель додэкадра на столе. Руку Пачоли держит на собственной книге, “Сумма арифметики, геометрии, отношений и пропорций”, изданной в 1494 году. А в гранях заполненного водой до половины ромбокубооктаэдра, подвешенного к потолку, якобы можно разглядеть отражение кусков венецианского Дворца дожей. Вот еще есть портрет знатного немца. Тоже не простой - это лицевая сторона, а на оборотной, внезапно, очень откровенное изображение обнаженных любовников. Их считают аллегорией скоротечности жизни, на то же самое намекает и восхитительно написанный сочный побег в стакане воды, который завянет так же скоро, как и юность.

Искусство по частям Мы уже рассказывали про NFT-искусство, но сейчас хотим привести один интересный пример владения не целым произведением, а лишь его частью. Видео-арт работу «89 Seconds at Alcazár» (2004) художницы Ив Суссман разбили на 2304 видеофрагмента и продали их в качестве уникальных экспонатов почти 300 коллекционерам со всего мира. Один фрагмент стоил $100−120, оригинальное видео целиком — около $200 000 Благодаря смарт-контракту каждый отдельный коллекционер, даже если он владеет только одним фрагментом, может запросить у других совладельцев-коллекционеров доступ на 24 часа к остальным частям и таким образом заново воссоздать всю работу А вы бы хотели купить произведение искусства по частям?

В средневековой иконографии есть один интересный мотив, который докочевал из манускриптов века этак десятого аж до эпохи Возрождения, эпично появившись на картинах Эль Греко - это Адовы Уста или Пасть ада. Это один из вариантов изображения, собственно, ада или вход в него. Ну, казалось бы, пасть и пасть. Зубастая, иногда похожая на песика. Но откуда оно такое взялось? В такую вот зубастую пасть попадают грешники на иллюстрациях к самым разным историям - от, конечно же, Христа, спускающегося в ад, картин Страшного суда до видений ирландского рыцаря Тундала, который допился до просветления и которого сопроводили посмотреть на загробную жизнь ангелы, после чего он, конечно же, начал вести праведную жизнь. Этот мотив еще не стоит путать с сатаной, который сидит в аду и закусывает грешниками! Считается, что появилось это изображение в Англии - оттуда большинство его ранних примеров, а в Англию просочился от викингов, у которых мир кончается Рагнарёком, когда из глубин морских всплывает чудовищный морской змей Ёрмунганд, из оков вырывается чудовищный волк Фенрир, а его чудовищные дети своими большими ртами проглатывают Луну и Солнце. Древнеанглийские стихотворения, одним из очень важных в принципе и нужных нам сегодня примеров, является Эксетерская книга, очень сильно крутятся вокруг тематики битв, морей, мореходства и всего вот этого. Нашла тут исследование, в котором говорится, что в древнеанглийской поэзии, например, насчитывалось 13 слов для обозначения битвы, 17 - для корабля и 25 для описания моря. И вот, видимо, поэтому, хорошо сложился в головах у английских художников мотив чудовища с большим ртом, большой битвы и ада и страшного суда. Эксетерская книга - это рукопись X века, в которой было записано порядка 120 текстов, среди них - стихотворения, жития святых, загадки и элегии, написанные в промежутке между XII и X веком и собранные вместе примерно в 990 году (могу положить в комментарии переводы, если кому надо). Книге не слишком повезло с одной стороны - ее подарил библиотеке Эксетерского собора первый местный епископ Леофрик в 1072 году и она каким-то образом стала частью хозяйственной жизни монастыря, поэтому часть страниц погибла - рукопись использовали, судя по оставшимся на ней следам, то как подставку под кружку, то колбасу на ней резали. Но, с другой стороны, то что книга была при деле, отчасти и помогло ей не потеряться и не быть проданной монахами в какой-то момент обнищавшего монастыря. Так вот, возвращаясь к чудовищным пастям, в Экстерской книге есть стихотворение про Кита. Некоторые исследователи считают, что как раз оно может помочь понять как трансформировался мотив чудовищного чудовища из эпосов викингов в христианские мотивы. Стихотворение отличное, в нем рассказывается про кита-сатану, который, притворяясь уютным островом, поджидает усталых моряков. Те видят его покрытую зеленью спину, манящие леса, спускаются на “землю”, разбивают лагерь, а тут их накрывает невидимым щитом и кит со всех сил пускается в глубины моря, топя бедняг. Вот так и грешники! Не знают, не думают и все погибнут! А еще этот кит, злокозненная рыба, когда голоден, то открывает свой чудовищный рот и испускает из него чудесное благоухание. И рыбы, учуяв его, очарованные, отовсюду плывут в этот рот и там обалдевшие болтаются, пока хитрый кит свой этот рот не захлопнет и не проглотит их. Вот так и грешники! Нувыпоняли. Поэтому большой рот, в который залезли глупые грешники для древнеанглийского художника и зрителя - штука очень понятная. Потом, как удачная находка, этот мотив расползается почти по всей Европе, за исключением, наверное, Италии, потому что них там своя иконография ада, восходящая к древнегреческим изображениям спускающийся в Аид героев.

Грант Вуд "Полуночная поездка Пола Ревира" (1931) Картина была посвящена событию, вошедшему в историю. Ночью 18 апреля 1775 года бостонский гонец и патриот Поль Ревир с огромной скоростью проскакал от Бостона до Ланкастера, чтобы сообщить всем о высадке англичан. Глядя на картину, не сразу замечаешь гонца, которому посвящено полотно. Картине принадлежит очень интересный рекорд - она изображает самую длинную дорогу в истории живописи. Действительно, мы видим, как она огибает композицию от края до края.

Живешь в ЗаМкадье?  Надоел Однотипный контент в телеграмме? Тогда советую залипнуть в один интересный канал. Дневник Русского Думера - Авторский телеграмм канал о провинции и непростой жизни в Регионах. Панельки , хрущевки , приятная атмосфера ждут только тебя

"Искушение святого Антония" 1490-е Иероним Босх Национальный музей Прадо, Мадрид. Житие святого Антония – одна из магистральных тем в творчестве Иеронима Босха. Помимо триптиха «Искушение святого Антония», представляющего жизнь христианского пустынника в разнообразных ситуациях и эпизодах, известны две одноимённых доски – первая хранится в Прадо, а вторая, атрибутированная Босху совсем недавно, – в Канзас-сити. Атрибуция мадридской доски время от времени оспаривается. Так, голландский исследовательский проект Bosch Research and Conservation Project не считает данное «Искушение св. Антония» подлинником, в то время как музей Прадо не ставит авторство Босха под сомнение. Изначально верхняя часть панели имела дугообразную (арочную) форму, но в XIX веке форма была изменена на прямоугольную при помощи добавления кусочков дуба по углам. Таким образом, в верхней части картина имеет более поздние дописи. Тема мадридской доски – медитация святого Антония, которого дьявол пытается отвлечь от молитвы, насылая разнообразных монстров. Святой показан на лоне природы, под сенью виртуозно изображённого полого дерева. Замкнутый округлый силуэт Антония со сплетенными в замок руками говорит о крайней степени концентрации святого. Ничто из происходящего вокруг не может отвлечь его от молитвы. Но что же всё-таки творится рядом? Свинья с миниатюрным колокольчиком в ухе лежит у ног Антония. Гибридное чудовище с птичье головой и корпусом, составленным из каменной башни и воронки, пытается ударить свинью молотом. Больше никто из чертей не пытается атаковать святого – ни рыба на ножках, ни гримасничающий в реке монстр. Многие чудовища поглощены своими делами: ставят мосты, тащат лестницу к дому святого. Несколько демонов тянут глиняный кувшин и льют из него воду на дерево позади святого Антония. Реставрация показала, что дерево на изначальном рисунке Босха было объято огнём. После реставрации можно различить отдельные искры и дым. Интересный вопрос – а видит ли вообще окружающих демонов святой Антоний? Некоторые исследователи склоняются к мысли, что нет. Их видим только мы – грешные люди, ведь, согласно фламандскому мистику Яну ван Рёйсбруку, жившему за 100 лет до Босха, «то, что мы созерцаем, – это то, что мы есть». ИеронимБосх РелигиознаяСцена _history https://t.me/pic_history2/233

Следующий год будет богат на королевские юбилеи. Во-первых, 70-летие восшествия на престол будет отмечать Елизавета II. Во-вторых, ровно 50 лет исполнится с момента коронации королевы Дании Маргрете II. Она унаследовала трон 14 января 1972 года, а 14 января 2022-го в музее дворцового комплекса Амалиенборг в Копенгагене откроется большая выставка «Ювелирная шкатулка королевы: 50 лет на троне в украшениях». Всего будут показывать более 200 экспонатов из коллекции датской королевы, включая рубиновую брошь в форме подковы, подаренную принцессе Маргрете в 1953 году отцом, чтобы отметить подписание Акта о престолонаследии, позволяющего женщинам занимать датский престол. Её она надевала в день, когда было объявлено о смерти короля Фридриха IX и восшествии на престол его дочери. Интересный факт: текст для аудиогида по выставке озвучила сама королева, которой принадлежат слова, сказанные в документальном фильме, посвящённом драгоценностям датской короны: «Мы считаем не караты, а века».

«Интересный студент». Маргарита Жерар (1761 — 1837) — одна из важнейших женщин-художниц 18 века, известная своими жанровыми сценами и небольшими портретами. Сейчас она представлена в Лувре, рядом с блестящим поколением женщин-художниц своего времени, с Аделаидой Лабиль-Гьярд, Энн Вальяер-Костер и Элизабет виже Ле Брюн. «Интересный студент» является одной из первых картин, представленных под единственным именем Маргарита Жерар, хотя не исключено, что Фрагонард (французский живописец и график) написал некоторые детали, такие как кот и собака в правом нижнем углу. Эта работа также дает дань уважения художнику: главная фигура изучает гравюру композиции Фрагонарда «Фонтан любви».

Очень интересный предмет, который исчез из нашей жизни, но! Если увидите в музее выставленный сервиз с чашками, блюдцами, тарелками и прочим, в нем обязательно будет и она - рюмочная передача:) Что это? Это чаша с узорным бортом. В нее опускались рюмки, ножки которых держались за изгибы борта. На дне был или колотый лед, или горячая вода - в зависимости от потребности и свойств напитка :) В России всегда умели устраивать пышные застолья PROчтоэто

Вы знаете, что этот год у нас - юбилейный? В этом году мы отмечаем 350 лет со дня рождения Петра 1, человека, который перевернул русское искусство и культуру, совершил настоящую революцию в умах людей. Так вот расскажу вам очень интересный факт. Вы когда-нибудь задумывались, как можно определить, в каком веке или десятилетии века был написан портрет, если дату художник не оставил и в архивах никаких упоминаний нет? Ну просто визуально? А сейчас расскажу)) Вот дам петровского времени, то есть первой четверни 18 века, можно было очень легко узнать по … прическам! Смотрите! Если у женщины волосы убраны и два завитка у лба - точно время правления Петра 1 PROинтересныефакты

Какого цвета слово «искусство»? Оно сладкое или кислит? Чем пахнет нота «ми»? И при чем тут синестезия? Синестезия — феноменальная особенность восприятия окружающего мира, когда разные сигналы и чувства становятся единым ощущением. Только 4% людей на планете обладают такой «способностью». Синестеты могут услышать цвет, нарисовать звук, придать объем буквам, увидеть настроение. Например, человек может не любить имя, так как видит его черным и скользким, или обожать запах бензина, напоминающий ему свежую выпечку. Интересный факт: «смешение чувств» воспринимается синестетами как абсолютная норма, и что остальные ощущают реальность так же. Русский художник Василий Кандинский был синестетом и часто рисовал свои картины, ощущая цвет через музыку. Так он создал свое произведение «Импрессия III». Существует мнение, что Винсент Ван Гог и Эдвард Мунк писали свои работы через смешения чувств. ⠀ И все-таки. Какого цвета слово «искусство» для вас?

Вчера побывала в театре «Балет Москва» на спектакле «Танцпол». Волнительная, чувственная, пластичная, очень красивая работа, я бы сказала — часовой танцевальный перформанс, который меня полностью погрузил в происходящее на сцене. «Танцпол» отсылает к танцевальным марафонам 1920-х, которые проходили в США во времена Великой депрессии. Чтобы заработать на хлеб, участники этих марафонов стремились победить в соревновании и не понимали, когда их силы оказывались на исходе. Интересный комментарий от хореографа этого спектакля Йеруна Вербрюггена: «Я хотел сделать что-то о танце. Танцуют все — будь то балет, или ночные клубы, или ритуальные танцы. Мне нравилась идея, что танец — это лекарство, но в то же самое время он может разрушить тебя, если ты не остановишься. Танец может быть чем-то прекрасным и чем-то мрачным одновременно». Внутри театра приятная камерная атмосфера. Рекомендую посетить https://baletmoskva.ru

Сегодня 12 апреля, день космонавтики. Была ли в искусстве эта тема отражена? Ну конечно:) Ловите картину! И интересный факт про неё, кто же вам еще такое расскажет Картину эту написал художник, не сказать, что ооочень прямо плодовитый на картины… но в чем же интерес? Юрий Константинович , автор произведения, был директором Третьяковской галереи. Ага, вот так:) и именно при нем появилась Новая Третьяковка, или Галерея на Крымском Валу. Точнее, открыла свои двери для посетителей. Историю здания рассказать? Кстати, делала даже на эту тему выставку когда-то…

Искусство - неотъемлемая часть нашей жизни. Человеку свойственно стремление украшать свою жизнь, окружать себя красотой. Интересный феномен - чем больше ты в искусстве понимаешь, чем больше знаешь, тем проще тебе это «красивое» находить и замечать. Даже в простых вещах. Даже в страшных событиях. Поэтому … Впереди нас ждет небольшой, но (как и всегда) увлекательный рассказ про творчество художника - миротворца - Василия Верещагина. В своих произведениях Верещагин утверждал ту же правду и реалистический метод, что и искусство передвижников. Но его искусство содержало и своеобразное отличие, сознавая которое Верещагин не вступал в товарищество, выступая сам от себя. Верещагин представлял тот тип художника, искусство которого осознавало свою близость к материалистической науке, к точным позитивным знаниям. Он считал, что только таким образом, исключая личные эмоции и художественную фантазию, изображая факты и явления так, как они являются эмпирическому глазу, можно донести до зрителя настоящую правду. Верещагин верил в прогрессивную силу такого воздействия, подчинив всю жизнь этой благородной миссии. Выполняя ее, он погиб на борту броненосца "Петропавловск" во время русско-японской войны в 1904 году. Также напоминаю, что я с командой подготовила для вас Гайд (он же краткий путеводитель) по этапам русского искусства. Чтобы его получить, нужно пройти небольшой опрос. Сразу станет понятнее, что там в искусстве и как развивалось, обещаю https://docs.google.com/forms/d/1_utBzaROD6RRHoZWhYE6e9N2zS4nQgeUaOch6dgMYbU/edit

Новости про Болонский процесс навеяли… PROинтересныефакты не совсем из мира искусства, скорее, культурологические. Но! Все знают, что МГУ - он же Московский Государственный университет - был основан благодаря М. В. Ломоносову. Произошло это во время правления императрицы Елизаветы Петровны. Так вот. Как вы думаете, сколько раз сам Ломоносов посетил МГУ? Ну ладно-ладно, сразу ответ - НИ РАЗУ! А первое здание МГУ находилось на месте нынешнего Государственного исторического музея. И еще такой интересный факт - изначально было только 3 факультета: философский, юридический и медицинский. Все начинали обучение на философском факультете, где получали базовое гуманитарное образование.

​За каждым великим художником стоит муза. Иногда даже не одна. Например, при рентгеновском исследовании «Данаи» Рембрандта выяснилось, что лицо героини полностью переписано. Она похожа на Гертье Диркс — гражданскую супругу Рембрандта. Но в ранней версии Даная была точной копией Саскии — первой жены художника. Почему он заменил на картине одну возлюбленную на другую — неизвестно. Но это интересный факт, который хочется рассказать друзьям, стоя перед картиной в Эрмитаже. Чтобы сделать знание таких фактов своей профессией, приходите на бесплатный двухдневный интенсив «Как стать искусствоведом» от «Правого полушария Интроверта»! Вы сможете: – Попробовать себя в роли искусствоведа и научиться анализировать любые произведения на примере картины Эжена Делакруа «‎Свобода, ведущая народ». – Узнать, кем работать с искусствоведческим образованием. – Понять, как трудоустроиться в арт-сфере. – Поучаствовать в розыгрыше места на профессиональном курсе «Искусствовед». Интенсив пройдет 13 и 14 июля в 19:00 мск. ️ Регистрируйтесь бесплатно прямо сейчас, количество мест ограничено: https://artforintrovert.cc/3P6cUtT https://telegra.ph/file/870260da4d8107f45a15e.jpg

Возможно, многие из вас знают, что в конце 18 века мода сделала очень интересный поворот. От пышных платьев и тугих корсетов отказались в пользу платьев в стиле антик. Как раз в таком и изображена Лопухина на портрете, который вы можете видеть выше. Есть у меня хорошая знакомая, который по совместительству ещё и очень талантливый дизайнер. Так вот на днях, во время очередного поиска чего-то новенького в свой гардероб, увидела у неё в коллекции одно платье и сказала - для меня энергетика прям как у Лопухиной! Мы стали обсуждать моду и то, как все циклично, дальше все как в тумане…в общем, платье уже у меня в шкафу (вы только посмотрите на него️ девочки меня сейчас поняли)! Надо сказать, что мы с Аней часто обсуждаем искусство. И одежду ее очень люблю, потому что она вся со смыслом, в каждом образе зашифрована особая энергетика и женственность

Многие думают, что искусство - это скучно. Помните эти унылые школьные походы в музеи, когда экскурсовод монотонно рассказывает историю искусства? Вот я помню, мне не нравилось. Детей, да и взрослых, можно заинтересовать только интересными фактами и подробностями. А дальше они сами втянутся, проверено Поэтому расскажу вам про макияж в 18 веке Дамам выходить без пудры, румян и белил было нельзя. В белила добавляли свинец, а это, сами понимаете, для кожи не очень полезно. Но не всегда дамы знали меру с «тональником» 18 века, поэтому в случае, если они вдруг переборщили с количеством макияжа, его снимали специальным ножиком, как художник снимает лишнее масло с холста Ну и румяна! Румяна должны быть обязательно. Кстати, очень хороший способ заинтересовать детей - рассказать подобный интересный факт и искать с ребёнком картины, на которых этот феномен изображён PROинтересныефакты

Продолжаем сбегать от реальности в сказки? Ну конечно же да! намеренно обхожу громкий скандал про икону (потому что - а судьи кто?) и рассказываю вам про «Спящую царевну», которую Васнецов писал 25 лет! И она тоже входит в «Поэму семи сказок». В этой картине смешались «Спящая красавица» Шарля Перро и «Сказка о мертвой царевне и семи богатырях» А.С. Пушкина. Кстати, будете показывать картину детям (можно и на экране телефона) - предложите разгадать, какой мотив из какой сказки взят. Сразу заинтересуются и почувствуют себя знатоками а это в процессе обучения ой как важно️ Сразу вам ответ - из Перро тут сам сюжет - весь двор уснул вокруг царевны. Из Пушкина - русский антураж. Ещё интересный момент - на будущее спасение указывают два образа - князя и княжны в венцах, они расположены прямо над кроватью уснувшей красавицы PROваснецов

Уезжаю в Санкт-Петербург на выходные. Поэтому хочу рассказать вам интересный факт про этот прекрасный город. Мы с вами говорили совсем недавно про Елизавету Петровну и дворцовые перевороты чуть-чуть затронули. Так вот.. Столицей Санкт-Петербург стал при Петре 1, а вот при Петре 2 столица была возвращена в Москву. Правда, ненадолго. В 30-е годы все вернулось на круги своя… Кто такой Пётр 2? А это сын царевича Алексея, сына Петра Великого от первого брака, которого сам Пётр казнил за измену. Николай Ге прекрасную картину с этим сюжетом написал … лекция скоро-скоро будет Иоганн Ведикинд. Портрет Петра II Алексеевича PROинтересныефакты

Как вы там? Не замерзли? Пока готовлю лекции для закрытого клуба и с опаской смотрю на улицу, наслаждаясь домашним теплом, вспомнила, что уже рассказывала вам про тепло в русских домах. Думаю, самое время повторить эту историю! Ведь, «Чтобы не мерзнуть, на зиму нужно уезжать в Россию» И это слова не про сегодня. Это воспоминания французской художницы Виже-Лебрен, которая в конце 18 века пережидала французскую революцию при русском дворе. Француженка называла температуру в домах «весенней», восхищалась тёплом внутри домов и приятными запахами. Ведь комнаты окуривали уксусом и мятой, а ко многим богатым домам ещё и примыкали собственные зимние сады, где круглый год цвели цветы (извините за тавтологию) Слова из ее воспоминаний: «В Санкт-Петербурге можно вообще не заметить холодов, если с наступлением зимы совсем не выходить из дома, настолько у русских усовершенствованы способы поддержания тепла. Печи везде столь хороши, что в каминах, по сути дела, нет никакой необходимости; это не более чем предмет роскоши. На лестницах и в коридорах воздух такой же, как и в комнатах, двери между которыми держат открытыми без всякого от сего неудобства» Кстати, книга называется -Воспоминания г-жи Виже-Лебрен о пребывании ее в Санкт-Петербурге и Москве. 1795-1801 Очень интересный взгляд иностранца на жизнь в России с бытовыми подробностями В качестве иллюстрации - ее автопортрет PROинтересныефакты PROискусство18века

Святки и колядки Были раньше развлечения, про которые мы сейчас уже забыли - перед Рождеством и Крещением гадать и колядовать. Называется этот период - Святки. Если с гаданием все более менее понятно, то вот слово «колядовать» - вызывает вопросы. Что это такое? Хождение по домам ряженых (в масках и вывернутых наизнанку шубах) и сбор угощений Колядовать нужно было минимум втроем! Традиционно есть три роли, без которых в колядки ну никак не обойтись. Первая и самая главная - звездарь. Он несет путеводную звезду на длинном посохе - это напоминание о Вифлеемской звезде, которая зажглась в небе в Рождественскую ночь. Второй важный в колядках человек - звонарь. По названию, думаю, понятно, что он идет с колокольчиком и звонит , оповещая всех, что пора выходить с «дарами» для колядующих. Третья роль - пожалуй, самая серьезная, - это мехоноша. Он несет мешок, в который все угощения и складывают Интересный момент - в руки колядующие ничего не берут, люди должны сами положить все в мешок. Если не было угощений, то клали деньги. Пока колядующие ходили по домам, они пели щедровки. И да, колядующих одаривали в обмен на песни и танцы. Просто так постучать в дверь было нельзя, надо было хозяев дома сначала развлечь, а только потом наполнять мешок Такая вот интересная и почти забытая традиция Константин Трутовский. Колядки в Малороссии. 1864 PROинтересныефакты

Зима Шишкина Что олицетворяет зиму лучше, чем заснеженный лес? Вот и Шишкин тоже думал, что лучшего образа этого времени года не найти Поэтому вашему вниманию картина Ивана Шишкина, которая называется «Зима». Написана она была в 1890м году. Теперь давайте к интересным деталям. За что мы любим Шишкина? За детали и поразительную четкость, с которой он прописывает каждый элемент на своих картинах. Как у него это получалось? Летом Шишкин работал на природе, иначе говоря, на пленэре. А вот зимой на пленэре не поработаешь … холодно Поэтому художник освоил фотографии! Ходил зимой на прогулку, делал фотофиксацию пейзажа, а потом работал с проявленными негативами в мастерской. Что еще сильно впечатляет на этой картине - это мастерски прописанный снег ️ если приглядитесь, то он очень разный. И еще интересный момент! Птичка! Слева от центра картины можете увидеть дерево. Вот там на ветке сидит Сразу ее зритель обычно не замечает, но! Это очень важная точка на картине, которая фиксирует наш взгляд и оживляет произведение. P. S. В закрытом клубе на лекциях, когда разбираем пейзажи художников, всегда обращаем на такие детали внимание PROинтересныефакты PROшишкин

Ну очень богатый художник ️ Раз в субботу я начну рассказывать про Иван Айвазовского в закрытом клубе, то ловите еще несколько интересных фактов про него Айвазовский был крайне востребованным художником, соотвественно, богатым. Проблем с финансами у него не наблюдалось Еще бы, он успел написать за жизнь 6000 картин! Сразу ли к нему пришел успех? Конечно, нет. Путь его был не простым. Но художник не унывал. Более того, придумал интересный рекламный ход - продавал недорогие открытки со своими картинами тем, кто не мог позволить себе большой холст ️ А еще Иван Константинович очень сильно любил шампанское, которым угощал всех гостей своего дома в Крыму И вместо десерта подавал на подносах картины А в качестве иллюстрации - фотография Ивана Айвазовского 1893 года со вставленной в раму настоящей, написанной маслом, картиной(размер картины — 10,6×7,3 см). Это фото,«инкрустированное» живописью, предназначалось Галусту Гульбенкяну, британскому финансисту и коллекционеру P. S. В общем, художник крайне интересный, так что лекции про него будут очень увлекательными чтобы их посмотреть - присоединяйся к клубу PROISKUSSTVO ️ PROайвазовский PROинтересныефакты

Крымский Эрмитаж Так как мои мысли заняты Айвазовским, ведь уже в субботу первая лекция про него в закрытом клубе, то расскажу вам про то, что он сделал помимо того, что написал 6 000 картин (вдумайтесь в эту цифру). И как жил Итак, в Крыму, в Феодосии, есть дом, где жил и творил художник. Крым он очень любил, большую часть времени проводил именно там. Построив в 1845 году себе дом, Айвазовский устроил там галерею, в которой выставил 49 своих работ. И эта выставка была доступна всем! В 1880 пристроил дополнительный корпус. Тоже для того, чтобы показывать там искусство ️ таким образом, музей Айвазовского стал первым! музеем одного художника в нашей стране. Были ли другие музеи с искусством, доступные для публики? Да, к тому времени существовали Эрмитаж и Румянцевский музеи. Получается, третьим стал музей Айвазовского После смерти художник завещал передать музей городу. Так и было сделано Такой вот он был интересный человек - художник и создатель музея. Хотя не только (но об этом в лекциях) Но ладно, теперь хочу задать вам вопрос Как вы считаете, чтобы разобраться в искусстве, нужно ли ходить в музеи? И как лучше - сходить в музей, а потом прочитать про картины, или наоборот, сначала разобраться в предмете, а потом осознанно смотреть? Мне вот кажется, что лучше сначала узнать про искусство, а потом уже осознанно идти в музей. Так ощущения совсем иные. И так знаешь контекст - почему, зачем и когда написали картину Пишите свое мнение в комментариях PROинтересныефакты PROайвазовский