«Испанский мотив»

Сумерки. Стога (этюд) 1899 Картон, масло. 17 x 23 см Нижегородский художественный музей В поздний период творчества Левитан обращается к спокойным, умиротворенным сюжетам. Любимым временем суток для художника становятся сумерки и поздний вечер. Темы полей и стогов в пейзаже не новы, к ним обращались и другие художники. Серия изображений стогов Моне вдохновила Левитана на колористические искания в конце 1890-х годов. Я публиковал ранее саму картину из Третьяковки «Сумерки. Стога», где художник обратился к излюбленному Моне мотиву, но решил её в ином ключе. Сегодня этюд к картине, из Нижнего Новгорода. Искусствовед Фаина Мальцева отмечала: "В сочетании лирического и эпического начала заключены неповторимое обаяние и трогательная нежность пейзажа «Сумерки. Стога». Сила воздействия этого произведения кажется неисчерпаемой именно потому, что оно способно вызвать широкий круг жизненных ассоциаций и вместе с тем донести до зрителя лирические чувства, пережитые пейзажистом перед лицом натуры."

Джон придёт и ты ничего не сможешь сделать. Потому что ничего не сможешь сделать. Картина на холсте по мотивам фильма «Джон Уик» от 450 руб. https://futuart.ru/all-products?keyword=джон+уик

Ракета (Стражи галактики) — Давайте кое-что уточним. Этот перец — наш трофей. Все вопросы решаются через нас. Иначе решаем их мы, причем чаще всего радикально. Картина на холсте по мотивам фильма «Стражи галактики» от 450 руб. https://futuart.ru/all-products?keyword=ракета

Симпсоны «Дети, вы старались изо всех сил и всё равно потерпели неудачу. Вывод: никогда не старайтесь.» — Гомер симпсон Картина на холсте по мотивам мультсериала «Симпсоны» от 450 руб. https://futuart.ru/all-products?keyword=симпсоны

Хан Соло - Не мог не заметить: у вас вся форма в дырках от лазера, а значит, или вы не убиваемый, или сняли её с мертвеца. Не, вы не имперцы. Нет, у вас мародёрский интерес. Так что я в деле. Картина на холсте по мотивам фильма «Соло. Звёздные войны: Истории» от 450 руб. https://futuart.ru/products/kartina-han-i-sokol-tysyacheletiya

Феликс Варламишвили Наиболее часты в творчестве Варламишвили бытовые зарисовки: сбор урожая, приготовление вина, ловля рыбы, заготовка дров. Казалось бы – что проще и что в этом удивительного? Удивительно то, что, повторяясь, художник умудряется не повторяться, ведь он создаёт в первую очередь настроение и ощущение вознаграждаемого труда, приятной усталости и взаимовыручки. Это и близко не похоже на картины уходящей эпохи передвижников – на полотнах люди не выглядят ни бедными, ни богатыми; ни счастливыми, ни несчастными – они умиротворены в делах своих. Хотя спины согнуты под грузом урожая, на лицах их блуждает выражение спокойной задумчивости. Перебравшись в 1928 году в Париж, художник использовал национальные мотивы для создание самобытного стиля, что принесло свои плоды – его картины выставлялись во Франции, Японии, США, Бельгии, Испании и даже в «экзотическом» Иране.

Концепт набора блочного конструктора по мотивам славянских сказок: российский художник Бизяев https://tanjand.livejournal.com/3227015.html

"Порыв ветра" Жан-Батист Камиль Коро, 1860-1870 > Москва, Пушкинский музей Камиль Коро вошел в историю французской живописи как создатель «пейзажа настроения». В картине «Порыв ветра» с ее мрачным небом, несущимися темными тучами, сбитыми в одну сторону ветвями деревьев и зловещим оранжево-желтым закатом все пронизано ощущением беспокойства. Женская фигура, прорывающаяся навстречу ветру, олицетворяет восходящую к традициям романтизма тему противостояния человека природной стихии. Тончайшие переходы оттенков коричневатого, темно-серого и темно-зеленого цветов, их плавные переливы образуют единый эмоциональный цветовой аккорд, передающий грозовую бурю. Изменчивость освещения усиливает настроение тревоги в воплощенном художником пейзажном мотиве.

"Заклинательница змей" Анри Руссо, 1907 > Париж, д'Орсе 1907 год стал переломным в творчестве многих французских художников – весной в Париже проходила выставка африканской скульптуры. Африканские мотивы стали проскальзывать в работах именитых мастеров. Осенью того же года Анри Руссо заканчивает работу, которую называет «Заклинательница змей». Лунной ночью на берегу реки женщина играет на свирели, призывая змей. Она обнажена, глаза широко раскрыты, длинные черные волосы распущены и опускаются до самых колен. По легенде о Мамми Вате (африканской повелительнице вод) для исполнения желания нужно призвать змею и суметь выдержать её взгляд. Неслучайно рядом с заклинательницей появляется розовая колпица, как олицетворение мечты. Одно неверное движение и змеи накинутся на птицу. Страхи могут уничтожить даже самую заветную мечту.

​​Загадочную надпись на «Крике» сделал сам Эдвард Мунк, доказывает исследование Кураторы Национального музея Норвегии пришли к выводу, что автором загадочной надписи, спрятанной на самой знаменитой картине Эдварда Мунка «Крик», был сам художник. Экспертам уже давно известно, что в верхнем левом углу есть мрачная фраза «Могло быть написано только сумасшедшим», но они не могли определить её происхождение. Надпись карандашом была добавлена на картину лишь через несколько лет после её завершения в 1893 году. Поэтому многие думают, что её сделал не художник, а кто-то другой. По словам куратора музея Маи Бритт Гуленг, некоторые эксперты даже считали, что это мог быть акт вандализма. «В 1904 году искусствовед и помыслить не мог, что подобную надпись на поверхности своего полотна мог сделать сам художник», — говорит Гуленг. Тексты на картинах — явление нередкое в истории искусства, если вспомнить о средневековых свитках или плашках на портретах. Однако этот едкий комментарий имеет совсем иную природу. «Эта надпись — не объяснение мотива, как в подобных случаях. Это замечание о психическом здоровье автора, а искусствовед никогда не ожидает, что художник сделает его сам», — поясняет куратор. Исследование надписи проходило в преддверии переезда картины в новый дом — Национальный музей Норвегии. Эксперты просветили картину инфракрасными лучами и сравнили почерки на полотне и в записных книжках Мунка. Всё указывает на то, что автором тревожной надписи был всё же сам художник. Искусствоведы полагают, что Мунк мог нацарапать «дополнение» к картине в ответ на критику, сопровождавшую первое представление работы норвежской публике в 1895 году. Глубокое состояние тревоги, которое вызывает эта композиция, заставило критиков бурно обсуждать душевное состояние художника. Некий студент-медик дошёл до того, что на примере картин доказывал, что Мунк не в своём уме — и это происходило во время дискуссии, на которой присутствовал сам автор. Глубоко задетый этим обвинением в психическом нездоровье, художник снова и снова возвращался к этому инциденту в разных письмах и заметках. «Мунк был сложным человеком, и причина, по которой он написал это, вероятно, столь же сложна, — говорит Гуленг. — Он стремился провоцировать публику, но в то же время хотел, чтобы его уважали. Для него было важно контролировать историю о Мунке как лично для себя, так и для общественности». новостиИОК https://telegra.ph/file/c4f6370073bf4e44fdd28.jpg

Исаак Левитан (1860-1900) «Деревня. Зима» ~1878 холст, масло. 23х34 см исаак_левитан Тульский музей изобразительных искусств –––––––––––––––– Ах, были бы у меня деньги, купил бы я у Левитана его "Деревню" - серенькую, жалконькую, затерянную, безобразную, но такой от нее веет невыразимой прелестью, что оторваться нельзя: все бы на нее смотрел да смотрел. До такой изумительной простоты и ясности мотива, до которых дошел в последнее время Левитан, никто не доходил до него, да не знаю, дойдет ли кто и после. А.П.Чехов

Жорж де Латур "Едоки гороха" (ок.1620) В 1975-м году в одном из швейцарских музеев были найдены две связанных по смыслу картины, изображающие старика и старуху. Оба ели горох из глиняных плошек. Автор обеих картин был не известен. Предположили, что, скорее всего, это две части одного полотна. Во-первых, сходство мотива: не так часто персонажи картин поглощают горох, да еще руками. Во-вторых, на обеих картинах был виден грубый вертикальный след разреза на одной из сторон. Оставалось установить автора. Стандартной процедурой в подобной ситуации является рассылка соответствующего запроса по всем европейским музеям: не содержится ли в их фондах чего-то подобного? Ответ пришел из французского Нанси. В их городском музее действительно имелась картина с такими персонажами. Но самое главное, на обороте было подписано «копия с де Латура». Швейцарские половинки соединили, отреставрировали и дали картине название «Едоки гороха», после чего её приобрела берлинская Художественная галерея.

​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg

"Бой быков" 1910 г. Петр Петрович Кончаловский Государственная Третьяковская галерея. «Бой быков» написан по мотивам испанских впечатлений. В Испанию Кончаловский ездил в 1910-х годах вместе со своим тестем Василием Суриковым. Именно эта поездка стала ключевой для его становления как художника, в ней Кончаловский обрел свой путь. Парадокс заключается в том, что «освободителями», как он сам их назвал, на этом новом пути стали французы – Сезанн, Матисс. Но первые полноценные самобытные работы художника – это изображения испанской корриды, которые сложно сопоставить с какими-либо работами европейцев. Кончаловский во время путешествия по Испании написал множество эскизов к этой картине. Окончательная версия существенно отличается от них. Причем художник убрал из картины именно то, что его особенно зацепило в реальности: «Меня поразила яркость красок: желтый песок, голубое небо и совершенно изумрудные тени». Действительно, один из предварительных вариантов картины, «Бой быков в Севилье» демонстрирует пронзительно голубое небо, его напряженный контраст с песчаной ареной и заполненными трибунами. От картины исходит ощущение густой, плотной энергии, она пышет зноем, волнует и завораживает. Но всё это безжалостно убрано из окончательного варианта. Кончаловский говорил, что хочет приблизить свой «Бой быков» к ярмарочному стилю, чтобы быки получились подобны лубочным медведям – большие, сильные, дикие. Чтобы они были страшные, но от них – не страшно. «Помните этих троицких игрушечников, которые всю свою жизнь резали из дерева какого-нибудь игрушечного медведя с мужиком? С какой простотой и силой передавали они самое существо зверя и человека, пуская в дело элементарнейшие средства, все сводя к двум-трем характернейшим деталям. Вот так именно, “по-мужицки”, “по-игрушечному” и хотелось мне дать быка во время боя», – пояснял он. Реминисценции народного творчества – вообще один из наиболее любимых неопримитивистами приемов. Именно за счет внесенных в окончательную картину поправок Кончаловский достигает этого стиля ярмарочности, эффекта игрушки. Пространство максимально приблизилось к зрителю и замкнулось. Не видно ни трибун, ни неба. Перед нами словно ярко раскрашенная коробочка с персонажами: багровая арена, алая ткань, черный бык с застывшим белым глазом, белая полоса на ограждении арены, не пересекающиеся с другими элементами цвета одежды тореадоров. Здесь нет движения, это слепок, момент без «до» и «после» – вопреки логике сюжета, который, по идее, говорит о движении. У Кончаловского получилось сделать «Бой быков» таким, как он запланировал. Мы знаем, что бык – страшен, что изображенная сцена – опасна. Более того, бой быков выходит за пределы корриды, становится боем со смертью, приобретая архетипическое величие. Но вот что удивительно – знание о том, что это страшно, не возбуждает страх. По той же причине, по которой мы не боимся игрушечного ярмарочного медведя. ПетрКончаловский Экспрессионизм _history

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history

Старейшие рисунки на скорлупе, 60 тыс. до н. э. В 2010 г. ученые в Южной Африке обнаружили склад из 270 фрагментов страусиных яиц, на которых были декоративные и символические орнаменты. Эти рисунки были созданы людьми из Ховисонс-портской культуры охотников и собирателей. «Центральным мотивом этих рисунков являются две параллельные линии, которые, видимо, огибали все яйцо», - считают ученые. Эти линии процарапаны по скорлупе и пересекаются под прямым или острым углом. Многократно повторяя этот рисунок, доисторические люди явно пытались передать какую-то мысль. Возможно, они таким образом стремились как-то обозначить себя или группу лиц. Проведенные учеными эксперименты показали, что окраска найденных фрагментов скорлупы является естественной, а не результатом применения каких-то красителей.

Александра Николаевна Якобсон (1903 - 1966). По мотивам сказки "Крошечка - Хаврошечка" . 1963 . Цветная литография . Alexandra Nikolaevna Yakobson (1903-1966). Based on the fairy tale "Kroshechka-Khavroshechka". 1963. Color lithography .

"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history

Испанский художник Кристобаль Леон (Cristóbal León) Он мастерски работает с пейзажами, сельскими и городскими, хотя именно в городе он чувствует себя наиболее комфортно и вдохновенно. мастерство

Японский подход Современный японский художник Хироаки Мияяма родился в 1955 году, окончил университет Цукуба в Токио, живет и работает в пригороде столицы. Является главой издательской студии «УЦУСИ», членом Международной ассоциации художников Printsaurus, преподавателем художественного отделения школы Мацудо префектуры Тиба. Работает в технике гравюры. Работы Хироаки Мияяма выставлены в музеях Токио, Вашингтона, Иерусалима и Москвы. Каждый гравюра - результат филигранной работы мастера (один офорт печатался с 7-8 досок), а фоном часто служит сусальное золото или серебро. Благодаря сложной технике многоразовой печати, его произведения, полны цветовых нюансов и фактурной проработки. Художник разбавляет растительные мотивы образами людей, но делает это тоже по-японски деликатно, полунамеком.

«Бизнес для мамочки» начала ХХ века Именно дочь вдохновляла легендарного модельера Жанну Ланвен (1867 – 1946). До неё детская одежда была лишь упрощенной версией одежды для взрослых. Ланвен же начала создавать одежду специально для детей. И не только! А начинала свою карьеру с она дизайна дамских шляпок. Специального образования у Ланвен не было, рисовать она не умела. Создавала модели методом «наколки», иллюстрации с готовых изделий делали художники. Ланвен - королева рукавов. Им она уделяла наибольшее внимание, экспериментируя с их формой и декором. Любимый цвет Ланвен – «цвет ночного неба». В историю моды вошёл как «синий Ланвен». Также она часто работала с пудровым и насыщенно-желтым. Открыла несколько собственных фабрик по окраске тканей, стремясь добиться нужных ей оттенков, например, названного в честь дочери «розового Полиньяк». В честь тридцатилетия дочери выпустила аромат Aprège. Рисунок для него создал Поль Ириб по мотивам фотографии, на которой Жанна танцует с маленькой дочерью.

В Люксембургском саду 1876 Адольф Менцель ГМИИ им. А.С. Пушкина Парижская тема мастера — непритязательная бытовая уличная сценка или камерный сюжет, которые разворачиваются на фоне пейзажа. Художник охотно обращался к мотивам подобного рода. Произведение «В Люксембургском саду» относится к позднему периоду творчества мастера, когда художник стал уделять основное внимание передаче эффектов освещения и создал целую серию живописных этюдов, пронизанных воздухом и светом. Стилистика и живописная манера свидетельствуют о влиянии на формирование Менцеля французских импрессионистов, современников художника, а мотив центральной группы заставляет вспомнить характерный стаффаж полотен Ренуара. Это одно из самых тонких по цвету произведений немецкого мастера. Запрещённое искусство — подробно

"Старый рынок в Руане" 1898 г. Камиль Писсарро Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Писсарро приезжал в этот город уже три раза, прекрасно знал его и изучил, казалось, все мотивы и привлекательные места. Но ехать с мольбертом в Руан после Моне – завидная смелость и профессиональная дерзость. Камиль Писсарро понимает, что каждый, кто в Париже увидит его руанские полотна, вспомнит о знаменитой серии Моне, которая несколько лет назад с успехом распродавалась прямо с выставки в галерее Поля Дюран-Рюэля. А значит, нужно подойти к Руанскому собору совсем с другой стороны, но и не делать при этом вид, как будто собора не существует вовсе. Тогда Камиль Писсарро прячет грандиозную, древнюю, настойчиво привлекательную для приезжего художника достопримечательность за простые городские постройки. Не такие величественные и сакральные, не такие важные. Так, будто он ходит мимо этого собора всю жизнь, будто он вырос и состарился в Руане. С этой точки обзора Писсарро написал в Руане три картины. Только эта является частью музейной экспозиции, две другие – в частных коллекциях. Художник писал сыну из Руана, что нашел прекрасное место, с которого можно написать не только улицу, но и рынок. Писсарро ждет пятницы, пока на городском рынке начнется рабочий день. Это «оконный период» Писсарро, когда он почти не выходит на пленэр из-за прогрессирующей болезни глаз. В последние несколько лет жизни он просто смотрит в окно и наслаждается возможностью иногда менять эти окна и вид за ними – у Писсарро наконец-то появились деньги для путешествия. В этой цельной картине со сжатым пространством две совершенно разные по техническому исполнению области. Одна – собор, нечеткий, текущий и призрачный в толще воздуха. Классический импрессионизм, реверанс в сторону юношеских находок. Вторая область – это мир рынка, шумный и яркий, устойчивый и наполнившийся в солнечном свете тяжестью и объемом. Несколько пятен чистого цвета на козырьке и на крышах прямо по улице Эписери уводят Писсарро далеко от мерцающих стен собора. Некоторые критики видят на этом руанском рынке геометрическую гармонию, которая предвещает скорое и настойчивое изменение живописной философии, которая предвещает кубизм. Писсарро вернулся в Париж – и Поль Дюран-Рюэль тут же купил у него за полторы тысячи франков картину с видом руанского рынка. КамильПиссарро Импрессионизм _history

"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств, Хьюстон. «Если бы я продавал только хорошие картины, я бы умер с голоду», - шутил Ренуар. Натюрморты он писал как раз для того, чтоб выжить. Они отлично продавались и создавались очень легко. Ренуар отдыхал, набрасывая свежесорванные цветы, как другие отдыхают, танцуя или попивая вино. Но этот натюрморт особенный. Это натюрморт-посвящение, натюрморт-признание. Эдуару Мане. Реминисценция первая: гравюра. На заднем плане ренуаровского натюрморта – гравюра к картине, о которой сейчас мало кто знает. В XIX веке ее считали произведением Веласкеса и она находилась в Лувре вместе с другими испанскими шедеврами, попавшими в музейные залы в качестве наполеоновских военных трофеев. Мане был в восторге от Испании и Веласкеса, он написал десятки полотен, вдохновленный испанскими мотивами, испанскими костюмами, композицией и мотивами испанских художников. Сейчас полотно приписывают зятю Веласкеса Хуану Батисте Мартинесу дель Масо или просто Мадридской школе. Но ту гравюру, которая оказалась внутри «Натюрморта с букетом и веером», абсолютно точно сделал Эдуар Мане. Реминисценция вторая: цветы. Если бы не было гравюры, все остальные переклички можно было бы считать слегка надуманными, но Ренуар сам узаконил дальнейшие поиски аллюзий. Букет на скандальной картине Эдуара Мане «Олимпия» слишком большой, критики не преминули упрекнуть художника в нарушении пропорций. Зато его невозможно не заметить: это смысловой центр картины, который превращает обыкновенное изображение обнаженной женской натуры в весьма недвусмысленный сюжет: за букетом где-то там, в гостиной, на пороге, за дверью, мужчина, которого вот-вот должна принять Олимпия, обнаженная Олимпия. Этот букет наверняка запомнили все: и критики, брызжущие ядовитыми упреками в неприличности, и молодые импрессионисты, которые назвали Мане своим учителем. Букет для натюрморта Ренуар собирал по своему вкусу, но обернул его точно в такую же, как у «Олимпии», плотную белую бумагу. Реминисценция третья: веер и книги. Япония стала для французов не меньшим откровением и художественным потрясением, чем Испания. Композиционные решения, цветовые находки, рисунок японских гравюр – все это буквально проросло в импрессионизм. Моне, Ван Гог, Сезанн и конечно Ренуар скупали стопки восточных пейзажей в художественных лавках, развешивали их по стенам, впитывали и учились. «Я уверен, что японские пейзажи не лучше других. Только одно: японские художники сумели найти спрятанный клад», - восхищался Ренуар уже много лет спустя. На этом японо-фанатском объяснении можно было бы остановиться, если бы не книги и если бы не заданная уже необходимость искать Мане. В каждой детали. И Мане снова находится. За два года до того, как Ренуар взялся собрать все эти знаковые вещи на одной картине, Мане пишет портрет Эмиля Золя за рабочим столом. Наверняка Ренуар его видел и схватил оттуда на память пару книг и японские мотивы. Во всяком случае так могло быть. ПьерОгюстРенуар Натюрморт Импрессионизм _history

"Интерьер с футляром от скрипки" 1919 г. Анри Матисс Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). «Интерьер с футляром от скрипки» написан в Ницце. Юг Франции для многих художников оказывался целительным, Матисс – не исключение. Мотив окна – один из любимых у Матисса, причем его окно всегда открыто во внешний мир. Будь то окно, выходящее в сад, окно в пустом номере или даже окно с закрытыми ставнями – все равно Матисс найдет возможность открыть хотя бы небольшую форточку! «Оконные» сюжеты наполнены светом и умиротворением, они радостные и успокаивающие, дышащие свежестью озаренного солнцем то ли моря, то ли сада, то ли проникающего в окно неба. Друг-враг-соперник Матисса Пабло Пикассо говорил, что «в утробе у Матисса солнце». Написанные в Ницце картины это вполне подтверждают. Высокое окно, расширяющее пространство, лазурь неба, уплотняющаяся по линии перехода в море, совпадающий с небом и морем оттенок раскрытого футляра, из которого, вероятно, только вынули скрипку. Белоснежные, кажется, колышущиеся от морского свежего ветра, занавески и завораживающие взгляд солнечные лучи, падающие на пол сквозь узорные балюстрады огораживающего балкон бортика. Здесь всё дышит свежестью и радостью! Наследие поездок в Марокко – восточные арабески покрывают стены. На этой картине заметно виртуозное владение Матисса черным цветом, столь пугавшим импрессионистов. «Когда я не знал, какой цвет класть, я брал черный. Черный – это мощь», – заявлял Матисс. Впрочем, из-под его кисти черный – это всё, что ему будет угодно, в данном случае – тонкость, изящество и невесомость. Сам Матисс говорил, что у него нет теории, он накладывает краски, «пока это не станет хорошо», и всё, чего он хочет – это чтобы усталый человек, глядя на его картины, познал покой и радость. И, пожалуй, его окна открыты именно в эти состояния. Из знаменитых предшественников на Матисса существенное влияние оказал Делакруа, которому иногда удавалось, кажется, «приоткрыть окно» в свет, цвет и сияние. Окно, которое окончательно распахнет Анри Матисс. В Ницце Матисс познакомился с Ренуаром, которому очень приглянулись «оконные» картины. После встречи Ренуар, смеясь, просунул воображаемую кисть под колено и признался: «Я думал, что этот парень работает вот так… Это неправда… Он много трудится!..» АнриМатисс Фовизм _history

Рикардо Санз — испанский художник портретист и пейзажист. Его картина являются результатом различных влияний: первые картины вдохновлены баскским и французским импрессионистами, в диапазоне мягких и серых цветов, в которых присутствует влажная атмосфера его родного города. Считается что Ricardo Sanz продолжает традиции именитых художников, таких как Хоакин Соролья, Джон Сингер Сарджент и других.

"К родным" Леонид Пастернак, 1891 > Владимиро-Суздальский музей-заповедник Леонид Пастернак, отец известного поэта Бориса Пастернака, был популярным живописцем. Художник часто писал картины с неочевидным, загадочным сюжетом, который складывался из множества небольших, но важных деталей. Одной из таких работ было и представленное в экспозиции полотно «К родным». Оно посвящено теме семьи и материнства – одному из важнейших мотивов в творчестве Пастернака. Главная героиня картины – молодая женщина в глухом траурном наряде, сжимающая платок. Рядом с ней сидит девушка в цветастом платье. Вероятнее всего, это кормилица, которая держит на руках ребенка женщины. Они едут в поезде, в вагоне первого класса – на что указывает мягкий темный диван. Поэтому можно заключить, что героиня картины весьма состоятельна. Проанализировав эти детали, можно предположить, что изображенная на картине женщина – молодая вдова, которая едет «к родным» после похорон мужа.

"Смеющийся кавалер" 1624 г. Франс Хальс Собрание Уоллеса, Лондон. «Смеющийся кавалер» – это пышный портрет молодого человека, стоящего в нарочито небрежной позе на простом сером фоне. В правом верхнем углу указан его возраст, 26 лет, и дата написания картины – 1624 год. Эта работа уникальна среди мужских портретов Франса Хальса, благодаря богатой цветовой палитре. Особо обращает на себя внимание яркий костюм натурщика – дублет с причудливой вышивкой белой, золотой и красной нитью и позолоченная рукоять рапиры, выглядывающая из-под левого локтя. Ни личность молодого человека, ни предназначение портрета наверняка неизвестны, однако некоторые важные подсказки исследователям может дать ослепительный костюм. Мотивы вышивки на дублете идентифицированы как распространённые в те времена эмблемы и символы удовольствия и любовных мук – стрелы, пылающие рога изобилия и узы влюблённых. Эти намёки на любовные интриги и ухаживания дают основания предполагать, что перед нами свадебный портрет. Однако для него не найдено парное изображение. Также высказывалось предположение, что некоторые элементы на костюме (особенно кадуцей, атрибут римского бога Меркурия) указывают на занятие торговлей. Авторитетный искусствовед Питер Бисбоер недавно предположил, чтобы натурщиком был Тилеман Ростерман, богатый торговец текстилем из Гарлема. К 1624 году Хальс уже написал несколько одиночных и парных портретов, а также групповой портрет «Банкет офицеров Гарлемской стрелковой гильдии св. Георгия». Последний, пожалуй, самая известная работа живописца, демонстрирующая его виртуозную способность передавать жизненную силу и дух своих моделей. Представительный вид «Смеющегося кавалера» объясняется тем, что художник поместил его в непосредственной близости к зрителю и изобразил с низкой точки. Рука, упирающаяся в бедро, также является отличительной особенностью мужских портретов Хальса – так он показывал уверенность натурщиков в себе. Кроме того, эта поза придаёт картине визуальную глубину. Портрет выполнен разными мазками – от тонких сливающихся штрихов на лице до более широких, свободных мазков на костюме. Детали тонкого кружева издалека выглядят тщательно проработанными, но вблизи оказываются быстрым наброском. Может показаться, что широкие линии руки и складки драпировки над животом мужчины были написаны за несколько секунд быстрыми длинными штрихами. Есть что-то чрезмерное в сочетании румяного лица и массы шелков и кружев. Герой портрета реален и нереален одновременно. К началу XIX века творчество Хальса было практически забыто. Несмотря на это, холст «Смеющийся кавалер» стал объектом яростной битвы между Ричардом Сеймуром-Конуи, 4-м маркизом Хартфордом и бароном Джеймсом де Ротшильдом на парижском аукционе в 1865 году. Первый победил, заплатив королевскую сумму в 51 тысячу франков (ныне около 3 тыс. долларов). Это событие оказалось поворотным моментом в репутации художника, интерес к которому начал возрождаться. Свободная, спонтанная техника и иллюзия мимолётного снимка сделали картину привлекательной для коллекционеров и художников викторианского периода. Последние стремились именно к такому ощущению реализма – без лощёной фактуры и гладкого нанесения краски. Влияние Хальса заметно в широких мазках Эдуара Мане и его последователей-импрессионистов, а Джеймс Эббот Макнейл Уистлер подражал голландцу в своей работе «Композиция в светло-розовом и чёрном. Портрет Теодора Дюре» (ок. 1883). Первоначально картина называлась просто «Портрет мужчины», но на выставке Королевской академии в 1888 году она уже значилась как «Смеющийся кавалер». Несмотря на то, что человек на ней на самом деле не смеётся и не является кавалером, изображение излучает веселье, бодрость и долю чванства. Среди составляющих такого настроения – низкая точка обзора, ослепительная техника, закрученные кверху усы, блеск в глазах и надменная поза молодого человека. ФрансХальс Барокко _history

"Рожь" 1878 г. Иван Иванович Шишкин Государственная Третьяковская галерея. Картину Шишкина «Рожь» публика впервые увидела в год ее создания на VI передвижной выставке. Иван Крамской в письме к Репину, обсуждая экспонировавшиеся работы, заявил: «Я буду говорить в том порядке, в котором (по-моему) вещи по внутреннему своему достоинству располагаются на выставке. Первое место занимает Шишкина «Рожь»». Картина вдохновлена родиной художника – Елабугой. Сохранилось несколько карандашных эскизов, на одном из них есть пометка, недвусмысленно сообщающая нам, что «что хотел сказать автор»: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья благодать. Русское богатство». Перед нами типично русский пейзаж, призванный отразить эти состояния. Дорога – популярный мотив у русских художников. В исполнении Шишкина петляющая среди безбрежного поля ржи проселочная тропа обретает такую мощь и монументальность, что становится одним из символов русской жизни в целом. Тональность картины светло-спокойная, сдержанная. Кажется, глядя на нее, можно услышать напевы народных песен. Земля напоена зноем, ощущается сухой жаркий ветер, о нем говорят и волны, прокатывающиеся по колосящейся золотистой ржи, и затягивающие небо облака. Всё это создает предощущение грозы, которая, вполне возможно, разразится в ближайшее время. Структурирующим компонентом пейзажа выступают столь любимые Шишкиным сосны. Их стволы грациозны и монументальны, словно античная колоннада. Порхающие над самой тропой стрижи оживляют пейзаж. Едва виднеющиеся вдалеке головы шагающих людей, во-первых, демонстрируют необъятность просторов (люди кажутся крошечными), к тому же, связывают пейзаж и человека, утверждая, что перед нами не просто вид природы, а рассказ о том, «как на Руси живется» – в данном конкретном случае не обличающий, а скорее благостный, с интонацией любования. Всмотревшись пристальнее, привычно обнаружим свойственную Шишкину скрупулезность в изображении каждой травинки, каждого стебелька и былинки. Если рассматривать картину в свете общественных и художественных тенденций, то к концу 1870-х стало ясно, что на одном обличении передвижники далеко не уйдут. Возникла потребность в каких-то положительных идеалах, и пейзаж отлично заполнил эту лакуну. Дорога Шишкина на этой картине – это не дорога скорби (как, к примеру, «Владимирка» Левитана). В ней нет тоски и безысходности, она – не тупик. Настроение картины – скорее благодарение жизни, наслаждение безбрежным простором, любование восхождением духа. Это светлая дорога. Предтечей этой картины можно считать написанный почти десятилетием раньше «Полдень. В окрестностях Москвы». Здесь уже намечена та же тема: широта безбрежных просторов, радость простой жизни, озаренной светом и солнцем. Впрочем, идеализаций мы у Шишкина не найдем, он остается величайшим реалистом. Это не идеализация, а взгляд на русскую действительность с не особо привычной радостной стороны. ИванШишкин Реализм _history

Арлекин и смерть 1918 Константин Сомов Частная коллекция Позаимствовав из эффекты из итальянской комедии, Сомов указывает зрителю на их грустный саркастичный мотив, нежели на комический смысл. По его убеждению, все люди – это марионетки и призраки, которые постоянно веселятся. Они обречены на праздник всей жизни. Они пустые внутри и ничего не умеют делать, как веселиться. Под одеждами и масками скрываются колдовская сущность и смерть. Навеянные мысли не дают ему покоя, и он воплощает их на странном полотне под названием «Арлекин и Смерть». Здесь на первом плане улыбающийся скелет и его двойник – Арлекин. Позади обычная жизнь. Снизу влюблённые фигуры, символизирующие любовь. Смерть как будто бы протянула руку и готовится забрать своё. Картина демонстрирует расцвет жизни и эйфорию любви, однако, всему приходит конец с появлением смерти.

Поле 1973 Михаил Савицкий Михаил Савицкий ушел на фронт девятнидцатилетним. Он оборонял Севастополь все 250 дней, пока город держался. Когда Севастополь был взят, он попал в плен, прошел через 3 концлагеря: Дюссельдорф, Бухенвальд, Дахау. Большая часть работ художника - картины военной тематики. Одна из наиболее выдающихся — «Поле». Название с двойной символикой: с одной стороны, это поле жатвы, где колосятся хлеба, а с другой стороны, это поле военных действий. Багровое небо символизирует пожары. В 1941-м урожай жгли, чтоб не достался врагу. В его картинах часто отмечают ярко выраженные христианские мотивы. Тут золото колосьев неслучайно находится в цветовом сочетании с образами советских солдат. Очевидна аллюзия на слова Христа: «Если пшеничное зерно, пав в землю, не умрет, то останется одно; а если умрет, то принесет много плода». Теми семенами, которые падают в поле становятся жизни советских солдат. Они жертвуют собой ради последующих поколений.

"Испанский натюрморт" 1911 г. Анри Матисс Государственный Эрмитаж.

Буря на Северном море 1865 Айвазовский Феодосийская картинная галерея имени Айвазовского Это большое произведение, его площадь около 6 м². Написано художником очень быстро — за пять дней. Бури и кораблекрушения были любимым мотивом Айвазовского. Он говорил, что из шести тысяч картин, написанных им, четыре тысячи посвящены морским бурям и кораблекрушениям. «Буря на Северном море» — одно из самых значительных произведений И. К. Айвазовского на тему борьбы человека со стихией. В этой работе в полной мере проявилось высокое мастерство художника. Картина поражает виртуозной техникой исполнения и эмоциональной насыщенностью. Мастерски изобразил рваные тучи, ураганный ветер, корабль среди огромных волн и полную луну, проглядывающую сквозь черные тучи и освещающую ярким светом бушующие волны, гибнущее судно и группу обессиливших людей на обломках мачт. Впечатляет и эпический размах, и особый напряженный колорит.

Катание на санях в солнечный зимний день 1919 Петер Мёнстед Известный датский художник-реалист, признанный мастер пейзажа, представитель «Золотого века» датской живописи. С начала XX века и до самой смерти Мёнстед был одним из популярнейших и состоятельных живописцев. Его работы вряд ли можно отнести к академической пейзажной живописи, так как его творчество находилось под сильным влиянием французского импрессионизма. Художник рисует то, что видит, особенно часто поля, леса, сельские домики и дворы. Его пейзажи располагают к долгому созерцанию. Несмотря на многочисленные поездки по миру, полотна, в основном, написаны в Дании и изображают северные нетронутые пейзажи почти без человеческих фигур. Мастеру удалось постепенно развить виртуозную эскизную технику, которая в сочетании с традиционным ландшафтным или жанровым мотивом снискала ему широкую известность среди публики.

​​Портрет Максима Горького 2021 г. Sav45 Нижний Новгород. В Нижнем Новгороде торжественно открыли мурал с изображением Максима Горького работы испанского стрит-арт художника Sav45. Такой подарок городу к его 800-летию преподнес фестиваль "Культурный код" президентской платформы "Россия – страна возможностей". Картиной на фасаде здания недалеко от памятника писателю могут любоваться гости и жители города из самых разных точек. Один из лучших видов открывается с пешеходного моста неподалеку. Сам автор говорит, что для него Горький, имя которого носил Нижний, "был очень интересной и сильной личностью". Именно поэтому он решил сделать писателя героем своей работы. Вячеслав Гунин (он же Sav45) - испанский уличный художник родом из России. Он является победителем II Международного конкурса художественных фресок в Эстепоне, участником крупных международных фестивалей и выставок современного искусства, таких как L'Arcada Gallery, "Art Gallery Show Monaco", "Street Art Place Gallery", "Urban Nation Museum". Sav45 Портрет СтритАрт https://telegra.ph/file/cd3b5ca1b05ee55d51d9e.jpg

Рафаэль «Сикстинская мадонна». Картина хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене. У картины есть маленький секрет: задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов. А два ангелочка, изображенные на картине внизу, стали мотивом многочисленных открыток и плакатов.

Пьер Сюблейра "Навьюченное седло" (1727) Эрмитаж Картина, написанная по мотивам басни Лафонтена, изображает художника, который безумно ревновал свою жену. Ревнивец настолько боялся измены жены, что пытался сдержать ее пыл теми методами, что были ему доступны как художнику: перед отъездом он рисует осла на интимном месте у жены, наивно полагая, что картинка непременно сотрется во время любовных игр, если благоверная надумает ему изменить. Осел не спас несчастного художника от звания рогоносца, ведь у него были друзья – тоже художники. Один из которых «стер» осла, но взамен нарисовал нового. Выдала изменщиков деталь – любовник на осле пририсовал седло. Увидев навьюченное на ишака седло, мужу-рогоносцу оставалось признать ослом себя.

Жимолость 1876 Вильям Моррис Этот тип абстрактного искусства называется: "Криволинейный абстракционизм". Он сильно связан с кельтским искусством, в котором используется ряд абстрактных мотивов, включая узлы, чересстрочные шаблоны и спирали (включая трискеле или трискелион). Мотивы не были изобретены кельтами, многие другие ранние культуры использовали эти орнаменты на протяжении веков. Тем не менее, справедливо сказать, что кельтские дизайнеры вдохнули новую жизнь в такие узоры, сделав их более замысловатыми и сложными. Позже они вернулись в 19-м веке и особенно проявились в книжных обложках, тканях, обоях и ситцевых рисунках, подобных работам Уильяма Морриса и Артура Макзмурдо. Криволинейная абстракция также характеризуется таким понятием, как «бесконечная картина» — широко распространена в исламском искусстве.

Ретроспектива 2015 Френк Стелла Музей Уитни Американский художник, мастер постживописной абстракции (в духе «стиля резкой грани» (живопись, которая содержит фигуры с резкими, чёткими контурами)). Так же известен работами в направлении комбинированной живописи (направление современного искусства зародившееся в середине 1950-х годов, которое включает внедрение различных предметов в окрашенную поверхность холста). Самобытный стиль Стеллы начал складываться к концу 1950-х годов в цикле «черных картин», поверхности которых заполнены черными полосами, отделенными друг от друга узкими белыми промежутками. Вскоре (с 1960) последовали серии «алюминиевых» и «медных» картин — с полосами, написанными красками соответствующих металлических оттенков. Позднее придавал композициям рельефность, вводя в них обрезки стальных труб и проволочной сетки. Отдавал дань уважения конструктивизму: в 1982—1984 рисовал плоскостные и рельефные вариаций по мотивам графики Эля Лисицкого.

Луис Эгидио Мелендес (1716—1780) - испанский художник XVIII века, продолжатель лучших традиций мастеров испанского натюрморта. Луис Мелендес создал сорок четыре натюрморта, большинство которых ныне — достояние музея Прадо.

"Богоматерь Сухого Дерева" 1465 г. Петрус Кристус Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. Небольшая панель «Богоматерь Сухого Дерева» была приписана Петрусу Кристусу в 1919 году. В XX веке одним из её владельцев был первый федеральный канцлер Германии Конрад Аденауэр, а с 1965 года картина входит в собрание Музея Тиссена-Борнемисы в Мадриде. Иконография этого произведения очень необычна, и сам живописец прибегал к ней лишь однажды. Но впоследствии этот мотив использовали его коллеги, в частности, Питер Классен – в своём триптихе для церкви Святой Вальбурги в Брюгге, датированном 1620 годом. Тематика картины непосредственно связана с Братством Богоматери Сухого Дерева, членами которого Петрус Кристус и его жена Гаудицина стали между 1458-м и 1463 годами. Это общество, упомянутое в документе от 1396 года, собиралось в собственной часовне в монастыре францисканцев в Брюгге, разрушенном во время религиозных войн в 1578 году. В Братстве состояли герцоги Бургундские, аристократы, члены семей высшего класса и богатые предприниматели. В одном из документов XVIII века утверждалось, что содружество основал герцог Филипп III Добрый. Якобы, Богоматерь с Младенцем явились ему в стволе сухого дерева перед битвой с французами. Правитель помолился этому образу о победе и разбил врага. В благодарность он и основал это Братство. На самом же деле оно существовало ещё до рождения Филиппа. Вполне вероятно, что панель «Богоматерь Сухого Дерева» заказал один из членов общества для домашних богослужений или художник написал её для себя. Ключ к иконографической интерпретации работы можно найти в Книге пророка Иезекииля. Слова «…Я, Господь, [...] зеленеющее дерево иссушаю, а сухое дерево делаю цветущим…» были истолкованы как прямая отсылка к первородному греху и роли Марии как Новой Евы. Сухое дерево отождествляется с Древом Познания, которое засохло после падения первых людей, но вновь расцвело с Непорочным зачатием Христа, почитаемым членами Братства. В этой небольшой картине Христос символически представляет Искупителя – он держит земную сферу, увенчанную крестом. В придачу, изогнутые и переплетённые сухие ветви дерева принимают форму венца, который явно указывает на его будущие Страсти. Висящие на ветвях пятнадцать золотых букв «А» означают «Аве, Мария» («Радуйся, Мария»). Число 15 было связано с чётками, по которым читались молитвы Богородице – заступнице человека перед Богом. Судя по тщательности отделки, картина была задумана как ценный коллекционный предмет. На это указывают также материалы и текстуры. Фигуры со скруглёнными головами и чётко выраженными чертами являются примером высокого мастерства Кристуса. Создавая типажи, он явно вдохновлялся работами Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена, у которого художник позаимствовал манеру выражения эмоций. Влияние обоих живописцев ярко проявляется в заключительном периоде творчества Кристуса, к которому относится и эта панель. ПетрусКристус Возрождение _history

"Король Испании Карл IV и его семья" 1800 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Испанский король Карл IV, его супруга Мария Луиза Пармская, их разновозрастные и многочисленные «чада и домочадцы»… Перед нами знаменитый семейный портрет испанских монархов кисти придворного живописца Франсиско Гойи. Портрет, самую едкую и ёмкую характеристику которому дал французский поэт-романтик Теофиль Готье. Он сказал, что на этой картине видит не короля и королеву, а «булочника с женой, получивших крупный выигрыш в лотерею». «Семья короля Карла IV» – ода или насмешка? «Семья короля Карла IV» – парадный портрет, и в то же время в нём легко считывается ирония Гойи. С одной стороны, испанские правители, нынешние и будущие, показаны в блеске королевской славы. Гойя тщательно воспроизводит их одежду, обильно украшенную придворным ювелиром драгоценными камнями. Женские украшения, ордена короля (среди них – недавно учреждённый орден Марии Луизы и Золотого руна, а также Крест Непорочного зачатия) – всё это Гойя выписывает, кажется, с каким-то особым удовольствием. С не меньшим вкусом и знанием дела передана фактура тканей: тяжёлой золотой парчи, мягкого и вкрадчиво-матового бархата, лёгких кружев. Однако роскошь нарядов только оттеняет физические несовершенства героев. По воспоминаниям, король был феноменально рыхл, а королева-распутница – и вовсе безобразна. И Гойя не стремится дать их в идеализированном виде. Он изображает не богоподобных венценосцев, а заурядных смертных из плоти и крови. В демократической критике принято будет писать о семье Карла IV чуть ли не с отвращением: духовное убожество, мещанская заурядность, семья лавочников, вульгарность, невежество, вырождение и прочая, и прочая. В работе Гойи видели чуть ли не карикатуру. Вряд ли это и в самом деле так. Скорее, мы имеем дело с критической крайностью. А Гойя оставался художником, он создал остро-характерные портреты, раскрывающие в нём знатока человеческой природы. И, кстати, монархами портрет был воспринят благосклонно. Но вот что еще интересно: на этом портрете изображены люди, близкие по крови – король с королевой, три их дочери, три сына, внук, зять, сестра королевы и брат короля. Как это было принято среди европейских правящих династий, многие из них связаны двойной родственной связью: муж Марии-Луизы – одновременно её же кузен; брат короля Антонио Паскуаль был женат на королевской дочке, своей племяннице Марии Амалии (её на картине нет – она умерла за два года до её создания, в 1798-м; и может быть, это её Гойя изобразил отвернувшейся к стене?). Но несмотря на кровную близость, люди эти выглядят удивительно отчуждёнными, разрозненными, замкнутыми в себе, словно их собрала для позирования художнику простая случайность. А еще на картине есть тот, кто внимательно наблюдает за всеми ними. Автопортрет Гойи в картине «Семья короля Карла IV» Франсиско Гойя говорил: «Я признаю трёх учителей - Рембрандта, Веласкеса и природу». В этом парадном портрете короля Карла IV с его близкими есть прямая отсылка к веласкесовым «Менинам» – знаменитой картине-иллюзии, где в окружении королевских особ (инфанты Маргариты и отражающихся в зеркале короля и королевы, её родителей) кумир Гойи Веласкес изобразил себя самого за работой. Гойя здесь без стеснения подражает Веласкесу. Точно так же в групповое изображение семьи Карла IV Франсиско Гойя вписывает автопортрет: в затемнённом левом углу, позади королевских особ, за мольбертом, можно разглядеть по-рембрандтовски задумчивое лицо художника. ФрансискоГойя Портрет Романтизм _history

Дом и студия архитектора Рикардо Бофилла. В 1973 году испанский архитектор Рикардо Бофилл наткнулся на цементный завод в Каталонии, который представлял собой огромный комплекс зданий, под которыми также располагается почти 4 километра подземных туннелей! Бофилл решил выкупить весь комплекс эпохи Первой мировой войны вместе с его территорией и переделать его так, чтобы здесь можно было жить и работать. Архитектор отталкивался от промышленной формы, объединив в своем проекте элементы сюрреализма, абстракции и брутализма. На преобразование завода Бофиллу потребовалось 1,5 года, тогда же мастера восстановили сад и благоустроили всю территорию комплекса. Сейчас здесь располагается мастерская архитектора, архивные комнаты, резиденция для приема гостей и студия, а также рабочее пространство фирмы Бофилла, которое занимает 4 этажа одного из зданий. Проект находится в постоянном развитии. «У меня создается впечатление, что я живу в замкнутой вселенной, которая защищает меня от внешнего мира и повседневной жизни».

"Порыв ветра" 1860-е Камиль Коро ГМИИ имени А. С. Пушкина. Популярные истории о французском пейзажисте Камиле Коро нередко начинаются так: «Его жизнь была такой же безмятежной, как большинство его полотен». Конечно, насчёт биографии это обобщение немного натянуто. Но живопись Коро и вправду почти всегда – умиротворённая, природа – спокойная, настроение – просветлённое. Коро даже зиму никогда не писал: в это время года он работал только в студии, пользуясь эскизами, зарисованными летом. В Пушкинском музее изобразительных искусств хранится редчайший для творчества Коро образец: ненастье. Конечно, речь идёт о знаменитой картине «Порыв ветра». И это одна из самых выразительных работ Коро. Порыв ветра гнёт стволы и ветви деревьев и почти сносит женщину с пути. Небо здесь зловеще, желтые проблески заката тревожны, но главное, как и всегда у Коро, – деревья. Художник умел делать их живыми, передавать колыхание веток и вибрации листвы. В «Порыве ветра» ветви сгибаются под напором воздуха, а темные кроны рвутся и трепещут. И если вглядываться в картину долго, инстинктивно хочется зажмуриться, как делаем мы это в жизни при сильных порывах ветра. Маленькая человеческая фигурка выглядит пугающе одинокой перед лицом бури – так проявляется романтический мотив беззащитности человека перед Вселенной. Забавно, что самая редкая для Коро «ненастная» картина оказалась и одной из самых популярных. Ее благонамеренно копировали и беззастенчиво подделывали. Чаще, чем какую-либо другую. Но Коро, отличавшегося редкой в художественной среде добротой и щедростью, это не слишком расстраивало. В его биографии существует такая легенда. Однажды в мастерскую Коро зашёл его состоятельный почитатель, торжественно неся на вытянутых руках картину «Порыв ветра». Наверно, он хотел поблагодарить любимого художника. А может быть, разделить с ним радость приобретения. - Но это же не Коро! – изумился Коро. - Как не Коро?! Не может быть! Да я велю немедленно найти и арестовать того, кто всучил мне эту подделку! - Но постойте! – начинает беспокоиться Коро. – Вот так вот сразу арестовать? Зачем же? У него ведь, должно быть, семья, малые дети. - Ах, это совсем не важно! Он подделал картину и по закону и справедливости… - По закону?! Сейчас вам будет настоящий, законный, самый что ни на есть подлинный Коро! – и с этими словами художник выхватил из рук гостя подделку и размашисто начертил в углу свою подпись. КамильКоро Пейзаж Романтизм _history

"Осеннее утро в Эраньи" 1897 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. Камиль Писсарро был евреем и убежденным анархистом - читал революционные философские трактаты и учил детей внутренней свободе. Он отстаивал эмансипацию и социальное равенство. Его жизненные и политические взгляды однажды приняли отчетливые формы - и стали нерушимой внутренней основой до конца жизни. Он считал абсолютным злом капитализм, «ужасы нелепой цивилизации», банковские спекуляции и коммерцию. Уверенного, цельного, нерушимого Писсарро не меняли ни слава, ни деньги. Он купил дом в деревушке Эраньи - и растил там яблоневые деревья и овощи на грядках. Цветов совсем немного - только на небольшой клумбе под окном дома. Один критик заметил, что «кисть Писсарро похожа на лопату, которая с болезненным усилием ворочает землю». Такая уничижительная крестьянская метафора, направленная против Писсарро, делает честь критику - он смог найти образ, близкий художнику больше всего. Дикий, загорелый уроженец Антильский островов, Писсарро, обосновавшись во Франции, становится не столичным обитателем богемного Монмартра, а крестьянином, которого земля кормит. И буквально - не давая умереть от голода и вырастить детей, и на уровне образов и мотивов - ежедневно щедро одаривая летними рассветными солнечными пятнами, хрустящим инеем, ровными бороздами после вспашки, осенними листьями, прозрачными зимними сухими травами. Он буквально пишет то, что под ногами. При этом Писсарро не прост и не наивен, его называли учителем Поль Гоген и Поль Сезанн, те художники, которые определили все современное искусство. Самоучка Писсарро, не получивший академического образования, охотно учит молодых художников, в которых часто только он один и верит. Он делится идеями и опытом, формулирует в разговорах и письмах идеи импрессионизма так, что он действительно начинает превращаться в идейное художественное движение с понятными целями. «Изображайте сущность вещей, пытайтесь выразить ее любыми средствами, не думая о технике», - записал слова Писсарро один из его учеников Луи Ле Байль. Сезанн, уехавший жить отшельником и постигать суть прованских сосен, гор и крестьян, лучше всех усвоил эти уроки. А Писсарро оставался в Эраньи до конца жизни, не поменяв привычек и жизненного уклада даже в те времена, когда его картины раскупались в частные коллекции прямо на персональных выставках. Писсарро врос в деревенскую землю Эраньи и не сомневался в надежности и неисчерпаемой силе своего места обитания. Писатель Октав Мирбо сказал однажды о тихом гении художника: «Глаз художника, как и ум мыслителя, обнаруживает более важные аспекты вещей, их целостность и единство. Даже когда он рисует фигуры в сценах деревенской жизни, человека он всегда видит в общей земной гармонии, как человеческое растение. Чтобы описать драму земли и тронуть наши сердца, месье Писсарро не нуждается в неистовых жестах, сложных арабесках и зловещих ветвях на фоне ясного неба». КамильПиссарро Пейзаж Импрессионизм _history

Восхождение и спуск 1960 Морис Эшер После Второй Мировой Эшер обрел настоящую популярность. Его работы оказались оценены математиками. В период с 1950 по 1960 годы он создал свои наиболее известные картины в том числе и с невозможными конструкциями. Бесконечные лестницы — главный мотив этой картины, навеяны статьей Р. Пенроузов из "Британского журнала психологии" 1958 года. Прямоугольник внутреннего двора замкнут стенами здания, у которого вместо крыши – бесконечная лестница. Скорее всего, в этом доме живут монахи. Возможно, ежедневный ритуал предписывает им подниматься по ступеням несколько часов подряд. Кажется, если они устанут, им разрешается повернуть в обратную сторону и спускаться, вместо того чтобы подниматься. Однако оба направления, хотя и выразительны, но одинаково бесполезны. Двое непокорных индивидов в этот момент отказываются участвовать в ритуале. Эшер оказал огромное влияние на несчетное количество художников в разных странах мира. А математики особенно любят работы Эшера.

"Купальщики на отдыхе" 1877 г. Поль Сезанн Фонд Барнса, Филадельфия. У Сезанна есть картины, которые стали культовыми для нескольких поколений художников. Непризнанный, отвергаемый, намеренно игнорируемый критиками, Сезанн считался непостижимым гением среди своих: художников-импрессионистов, нескольких коллекционеров и нескольких писателей. «Купальщики на отдыхе» - одна из тех картин, которые именно для этой небольшой группы почитателей имели огромную ценность, обладали сверхъестественными свойствами. Она появилась впервые на Третьей выставке импрессионистов в 1877 году – Сезанн тогда представил для экспозиции щедрую подборку: 14 картин и 3 акварели. После того, как выставка закроется, работы Сезанна в Париже увидеть не удастся очень долго – целых 12 лет. А пока художник привычно собирает возмущенные отзывы журналистов, критиков и зрителей. На его защиту встают лишь несколько человек – именно в «Купальщиках» эти несколько защитников видят древнюю мощь, микеланджеловскую монументальность фигур, непостижимую гармонию объемов, цвета, свойственные старинной керамике. Восторженные коллеги Сезанна удивляются, как другие не видят внутренней силы работы, как позволяют придирками к анатомическим неточностям уничтожить самый смысл полотна. Почитатели в своем мнении единодушны, они видят одно и то же: молчаливую гармонию, преобразующее божественное присутствие, вместо несовершенств – осознанные совершенствования, которыми Сезанн исправляет видимое. Третья выставка импрессионистов закрылась – и Сезанн уходит со сцены, закрывается в мастерской, работает как одержимый, но прежде всего ищет тишины и покоя, чтобы отключить хор спорщиков и найти теоретическое обовнование своих взглядов, своего способа видения. И тут же у самого Сезанна и у его картины «Купальщики на отдыхе» появляется новый поклонник – неожиданный и спасительный. Жан Ренуар в книге об отце и его друзьях рассказывает историю о первом владельце «Купальщиков». Сезанн вышел из поезда на вокзале Сен-Лазар и нес картину подмышкой – ее увидел молодой человек, тут же высказавший восхищение насыщенными цветами, которые художник использовал для изображения трав и деревьев. Сезанн, не раздумывая, подарил картину молодому человеку. Скоро они снова встретятся – и будут близкими друзьями. Счастливым обладателем «Купальщиков» стал композитор, поэт и музыкант Эрнест Кабанер. Нищий, изможденный, эксцентричный – Кабанер был другом Рембо и Верлена, играл в кабаках на фортепиано и «Купальщиков» водрузил над своей кроватью. Сезанн ценил мысли и взгляды Кабанера, а несколько лет спустя взял на себя заботу о смертельно больном друге. Он уговорил коллег-художников пожертвовать по несколько картин, от себя добавил две – и на вырученные деньги обеспечил своему первому стихийному поклоннику небольшую пенсию. После смерти Кабанера «Купальщиков» купил Гюстав Кайботт. И вместе с другими картинами его знаменитой коллекции, которую Кайботт завещал государству после смерти, сезанновское полотно наконец предстало перед двумя важными судьями: директором Школы изящных искусств и директором Люксембургского дворца. Эти двое принимали от умершего Кайботта его несвоевременный и провокативный дар. Как бы ни раскачивали импрессионисты за прошедшие 20 лет упрямо следующую по проторенной дороге крепкую повозку академического искусства, она лишь немного сдвинулась с основного курса. Для «Купальщиков» Сезанна в стенах парижских музеев пока места не нашлось – коллекцию Кайботта приняли в дар не полностью и, конечно, без этой картины. В итоге ее продали за границу – сейчас картина в Америке. Но истории искусства и самому Сезанну не столь важно было местонахождение «Купальщиков»: художник повторит центральную фигуру в нескольких отдельных полотнах, Эдгар Дега купит одну из этих версий для своей коллекции, одной из первых покупок юного Пабло Пикассо будет раскрашенная акварелью авторская литография по мотивам «Купальщиков». Остановить это движение уже не представлялось возможным – Сезанн протоптал для современного искусства новую тропинку и пошел по ней пешком. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

"Портрет Луиса Бунюэля" Сальвадор Дали, 1924 > Мадрид, музей Софии Дали познакомился с Луисом Бунюэлем в Королевской Академии Искусств в Мадриде, во время своего обучения в 1922-1926 годах. Бунюэль был одним из тех, кто в значительной степени повлиял на Сальвадора, так же как и Федерико Гарсиа Лорка – испанский поэт и драматург. Позднее Дали принял участие в съёмках двух фильмов Бунюэля: «Андалузский пёс» (1929) и «Золотой век» (1930). Портрет Луиса Бунюэля был написан, когда будущему режиссёру было 25 лет. Он изображён серьёзным и задумчивым человеком с пристальным взглядом, смотрящим в сторону от художника и зрителей. Картина выполнена в мрачноватых тонах. Сдержанные цвета создают атмосферу серьёзности и подчеркивают глубокомысленный взгляд.

Эль Греко, Теотокопули Доменико (El Greco, (Kyriakos Theotokopoulos)). Эль Греко (дословно «Грек», Теотокопули Доменико) (Greco, El (Kyriakos Theotokopoulos)) (1541-1614 гг.), испанский живописец, скульптор и архитектор. Родился на Крите (часть Венецианской республики), отсюда прозвище - Грек. Обучался на Крите традиционной иконописи, после 1560 г. уехал в Венецию, где, возможно, учился у Тициана, а в 1570 г. - в Рим.

Pornhub создал туры по музейным коллекциям в стиле «классического ню» Споры по поводу обнаженной натуры, похоже, близятся к апогею. Платформа потокового видео для взрослых Pornhub запустила серию цифровых туров «Классическое ню», построенных на шедеврах из шести ведущих музеев мира. Цель — «побудить публику посещать, исследовать и снова влюбляться (или испытывать вожделение) в этих учреждениях культуры». Поклонники человеческого тела как художественного объекта могут либо просмотреть работы в интернете, либо самостоятельно пойти в музеи, вооружившись картой от Pornhub. Каждая работа сопровождается довольно ироничным (гм…) описанием, в котором есть определённая доля «взрослых» шуток, а также некоторая образовательная информация для страстных любителей искусства. О «Весне» Боттичелли, висящей в Уффици, например, сказано, что художник «написал это для чувака по имени Лоренцо Медичи, чтобы тот подарил своей новой невесте — предположительно, как средневековое средство для создания нужного настроения». Тем временем порноактриса и режиссёр Аса Акира записала аудиокомментарии к избранным произведениям, таким как «Турецкие бани» Энгра из коллекции Лувра. «Пора отказаться от этих скучных самостоятельно составленных туров, и вместе со мной насладиться каждым мазком этих эротических шедевров», — говорит она. Однако должны предупредить: пара порноактеров-любителей MySweetApple сняла для сайта Pornhub короткие видеоролики по мотивам нескольких ключевых работ из каждого музея, например, «Происхождение мира» Гюстава Курбе и «Обнажённого мужчины» Эдгара Дега. Они впечатляюще сделаны, но их определённо не стоит пересматривать на работе или в музейных галереях. новостиИОК _history https://t.me/pic_history2/151