История одной вещи. Фернан Леже. «Строители» «Шпалера – это подвижная фреска»...

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

О грехе и его соблазне (спойлер: история Лота и его дочерей) https://tanjand.livejournal.com/3582074.html

Венера и Тангейзер Отто Книлле 1873 Музей Берггрюна, Берлин А история вот о чём. Согласно германскому народному преданию, направлявшийся на состязание певцов поэт Тангейзер встретил на своем пути богиню Венеру, которая завлекла его к себе в грот. Тангейзер провел с богиней любви в забавах и развлечениях семь лет. Пресытившись наслаждениями, поэт вспомнил о душе и, убоявшись ада, расстался с возлюбленной и совершив паломничество в Рим, где просил у папы отпущения грехов. Папа с негодованием отверг эту просьбу и подчеркнул, что скорее его папский посох даст свежие побеги, чем Бог простит такого великого грешника. Опечаленный Тангейзер с горя вернулся к божественной Венере. Тем временем жезл расцвел, и папа послал объявить об этом Тангейзеру, но к тому времени поэт уже вернулся в грот Венеры. Таким образом, отвергнутый папой грешник за свое раскаяние получил прощение от Бога, а папа запятнал свое имя излишней суровостью.

​​Российский художник выпустил линейку «невидимой» одежды. Коллекция как переосмысление изоляции. Андрей Артюхин, российский мультидисциплинарный художник и дизайнер, выпустил коллекцию одежды invisible.2.0.2.0, сочетающую в себе новые технологии и самые актуальные смыслы. «История вдохновлена городом и временем, «невидимыми людьми», кто растворился в окружающей среде, у кого нет лица, только фон. Изоляция — это не только люди в масках, но и ребята, которые доставляют еду, они заполнили города. Но мы их не замечаем», — прокомментировал автор. Коллекция играет со смыслами. Униформа — это всегда брендинг. Но очень часто форма делает людей лишь фоном нашей жизни, частью городской среды. Коллекция создана с использованием материалов RFID, блокирующей сигналы: полупрозрачная экранирующая ткань полностью блокирует GSM, 3G, LTE, Wi-Fi, Bluetooth сигналы мобильных телефонов. Материалы расположены в манжетах, рукавах, карманах — они защищают и делают невидимыми ваши смартфоны, ноутбуки, гаджеты, электронные часы, фитнес-трекеры. В этой одежде вы буквально невидимы. Подробнее https://telegra.ph/file/d81a70500d1479d7eaf50.jpg

​​В России появился новый научный журнал о вопросах современного искусства. Музей «Гараж» выпустил первый номер рецензируемого научного журнала The Garage Journal. Первый номер — «Доступность и инклюзия в современном искусстве» — посвящен трудовому разнообразию в арт-среде, ее доступности для людей с инвалидностью, аутсайдерскому искусству и другим темам. The Garage Journal станет международной платформой для обсуждения: ️вопросов и проблем, связанных как с современными междисциплинарными гуманитарными исследованиями (инклюзия, научная этика, устойчивое развитие, миграция), ️так и с местом культурных институций в современном контексте. Материалы журнала можно найти в открытом доступе здесь https://telegra.ph/file/bb98b2013c16eb5f0d9ee.jpg

​​️Объявлен шорт-лист IX Ежегодной премии The Art Newspaper Russia. Лауреаты будут названы на торжественной церемонии весной 2021 года в Москве в Гостином Дворе.   ️С 27 января в Третьяковской галерее на Крымском валу для публики открыта выставка «Лаборатория Будущего. Кинетическое искусство в России».   Экспозиция показывает широкую панораму развития кинетизма в России в 60–70-х годах, прослеживая его связь с авангардистскими экспериментами начала века и художественными практиками современности. ️В галерее Lazy Mike в Малом Кисельном переулке в Москве пройдет выставка «Курортный роман» Романа Манихина.   ️C 27 по 31 января BRAFA Art Fair пройдет в формате BRAFA in the Galleries.   Постоянные участники ярмарки в разных странах станут амбассадорами BRAFA на местах, то есть проведут пятидневные выставки, которые будут включать отобранные для брюссельской ярмарки работы. «Хикимаю» — традиция выщипывать брови и затемнять лоб чернилами среди японских аристократок известна с 8 века. Она просуществовала 11 веков до «золотой реставрации Мэйдзи», когда правительство рекомендовало срезать косички и не носить традиционные прически: курс на запад в самом расцвете культуры. Так что, трендовая техника «скульптурирования» не так уж и нова. Моя знакомая живет в Японии и говорит, что до сих пор, если ты приходишь в салон красоты, то первое, за что возьмётся стилист, посадив тебя в кресло — брови! Японцы считают, что именно с помощью бровей можно добиться любого выражения лица.   Французская галерея Yann Ferrandin представляет японскую маску театра Но периода Эдо,18-19 век. Фото: Hughes Dubois https://telegra.ph/file/4a786945534f2132d19f9.jpg

Иероним Босх  Смерть скупца 1500 Иероним Босх (около 1450-1516)) - ярчайший представитель Северного Возрождения, художник, чья личность не перестаёт оставаться загадкой, а творчество - источником вдохновения для современных художников, дизайнеров и кинематографистов. Сюжет картины взят из популярного во временя Босха трактата «Искусство умирать», в котором смерть человека рассматривается как итог бездарно либо праведно прожитой жизни. А мерой вещей является то, принимает ли умирающий заветы Христа или отвергает их. Перед такой же дилеммой оказывается и персонаж картины Босха. Зрителю открывается спальня со сводчатым высоким потолком и кроватью под пологом, на которой привстал измождённый умирающий. Смерть, традиционно изображаемая в виде скелета, завёрнутого в белый саван, заглядывает в его дверь. Она наводит на умирающего стрелу, но медлит в нерешительности. У скупца на смертном одре всё еще остаётся шанс на спасение. Накануне смерти он оказывается перед тем же выбором, который искушал его при жизни: деньги или спасение, кошелёк или вечная жизнь. С одной стороны ангел, заботливо поддерживающий больного сзади, указывает на распятие в арке оконного проёма под потолком. С другой стороны, дьявол в обличье невиданного монстра протягивает ему денежный мешок. И хотя Новый завет предостерегает о том, что «не можете служить Богу и маммоне» (обогащению), скупец отворачивается от ангела и инстинктивно тянет руки за мешком с деньгами. Вокруг резвятся разнообразные темные существа. Очевидно, это духи преисподней, слетевшиеся, чтобы склонить умирающего на свою сторону. Но окончательный выбор всё еще не сделан. Пока стрела смерти не пущена, у скупого остаётся шанс отвергнуть дьявола и последовать за ангелом в рай. художник Босх живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо

​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство обедает» Мясоедова Григорий Мясоедов - один из самых ярких представителей реализма второй половины XIX века. Художник принимал участие в создании Товарищества передвижных художественных выставок. Живописец, график, теоретик искусства. Ему удалось создать великолепное произведение «Земство обедает», которая отражает жизнь крестьян и дворян в России в период глобальных реформаций, а также острые социальные проблемы. Знаковую картину Мясоедова «Земство обедает» художник написал в 1872 году. Полотно было представлено на II-й выставке «передвижников» и была благоприятно воспринята публикой. Критики оценили картину как «одну из лучших и наиболее содержательных работ на современную тему». Таким образом, картина стала не только визитной карточкой Мясоедова, но и одним из лучших образцов реализма передвижников. Через год после написания «Земства» Мясоедов продал полотно меценату и коллекционеру Третьякову, который попросил его чуть доработать картину. Итак. Картина строится на реформационной России. Как правило, местные самоуправления только начали реформироваться в земства. Это тихий провинциальный городок. Сюжет картины предельно прост. Художник решил отобразить несоответствие сословий и социальные различия через трапезу. На переднем плане художник изобразил здание районного совета, верхняя часть крыльца имеет подсказку-надпись «Уездная земская управа». Внутри здания губернского совета разворачивается поистине аристократическая сцена: там виден официант, переставляющий блюда и бутылки с вином. По всей видимости, депутаты закончили обед. Зритель не видит весь дом, видны только светлая стена и два окна с дверью. Главные герои – крестьяне, которые сидят на крыльце у здания. Они ждут «хозяев», которые в это самое время завершили свою аристократическую трапезу (наверняка с шампанским и фазанами). Ожидая депутатов, крестьяне тоже решили пообедать. Их трапеза скудна и скромна, по сравнению c обедом «сильных мира сего». Еда простая: у одного сухой хлеб, у другого - хлеб с солью и пучок зеленого лука. Главным героям картины художник придал характерные черты (где-то лукавство, где-то благородство, а где-то обида). Главный посыл художника – передача яркого контраста между бедностью и богатством. Крестьяне думают об одном и том же и с горечью понимают, что справедливости у здания «Управы» им не добиться. https://telegra.ph/file/989c32dc9d6bda0b34c13.jpg

Как вам аудиоформат разборов? Многим из вас удобней слушать, а не читать длинные посты. Если вы из таких, то загляните в наш второй канал «Искусство слышать». Каждый день мы публикуем по одной картине, интересного материала уже очень много. Ждём вас в гости https://t.me/audiokartiny

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.

Клоун на ярмарочной сцене (Роспись для Бургтеатра, Вена) (1892) Густава Климта Одной из важных вех в творчестве художника стала работа над оформлением столичного Художественно-исторического музея. В 1988 году художник получает императорский «Золотой крест», а в 1892 году, после смерти отца, на его плечи ложится забота о семье. В это же время Густав начинает вырабатывать свой «фирменный» неповторимый стиль. В 1897 году Климт становится президентом Венского сецессиона – художественного объединения, не имевшего манифеста и объединённого лишь общим желанием развивать новые стили, проводить художественный обмен с художниками других стран и продвигать творчество членов объединения. В этот период Климт создаёт ряд пейзажей, ставших впоследствии классическими.

Феликс Варламишвили Полотна Феликса Варламишвили мгновенно врезаются в память, а их сюжеты, перетекая с одной картины на другую, создают мир «законсервированных» воспоминаний, в котором нет разницы куда идти – кругом благодатный труд, пышные всходы урожая и полные сети рыбы. Видимо такова грузинская живопись, квинтэссенцией или, точнее, наиболее знаковой фигурой которой является Пиросмани; она тяготеет к визуальной простоте (которая часто – нарочитая кажимость), к почвенничеству, к радостям жизни (даже тяжёлый труд не кажется таким тяжёлым при взгляде на многие полотна). И Феликс Варламишвили (1903-1986), проведший большую часть жизни в эмиграции, в большей степени грузинский национальный художник, чем французский, что роднит его с другим эмигрантом, уроженцем Российской империи – Марком Шагалом. Как Шагал забрал с собой родной Витебск, так и Варламишвили, даже рисуя венецианские пейзажи, всю жизнь оставался верным Грузии.

Исаак Левитан Лесное озеро (1890-е) Исаак Ильич Левитан родился в 1860 году в местечке Кирбаты и, прожив совсем недолгую жизнь, умер на сороковом году с наступлением 20-го века. Иногда кажется, что история или некая иная могущественная рука вырвала из жизни тех, кто не смог бы перенести испытаний грядущими русскими революциями, оставив их творчество, далёкое от политики и от мира дольнего чистым и незапятнанным. И Левитан один из таких людей. Несмотря на формальную принадлежность к течению передвижников, его картины начисто лишены почти обязательного обличения язв современного передвижникам общества; мрачных и прекрасных в своей безжалостности к зрителю сюжетов.

Рене Магритт был помешан на шляпах Какая деталь в картинах Рене Магритта особо выделяется, кочуя из одного полотна в другое? Правильно, это – шляпа-котелок. Великий сюрреалист не просто так выбрал эту деталь – за котелком стоит любопытное переплетение исторического времени с воображением бельгийского художника. За свою жизнь Магритт нарисовал около 2000 картин, в 50-ти из которых появляется шляпа. Художник рисовал ее в промежутке между 1926 и 1966 годами, и она стала отличительной чертой творчества Рене. Раньше шляпу-котелок носили обычные представители буржуазии, которые не особо желали выделяться из толпы. «Котелок... не удивляет», – сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, [спрятанный] в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться». Шляпы-котелки были введены в моду специально для британского среднего класса, во второй половине 19 века. В начале 20 века котелок стал одной из самых поп

"Порыв ветра" Жан-Батист Камиль Коро, 1860-1870 > Москва, Пушкинский музей Камиль Коро вошел в историю французской живописи как создатель «пейзажа настроения». В картине «Порыв ветра» с ее мрачным небом, несущимися темными тучами, сбитыми в одну сторону ветвями деревьев и зловещим оранжево-желтым закатом все пронизано ощущением беспокойства. Женская фигура, прорывающаяся навстречу ветру, олицетворяет восходящую к традициям романтизма тему противостояния человека природной стихии. Тончайшие переходы оттенков коричневатого, темно-серого и темно-зеленого цветов, их плавные переливы образуют единый эмоциональный цветовой аккорд, передающий грозовую бурю. Изменчивость освещения усиливает настроение тревоги в воплощенном художником пейзажном мотиве.

"Концерт в яйце" Иероним Босх, 1480 > Лилль, Дворец изящных искусств Это одна из самых загадочных картин Босха. На полотне изображено огромное яйцо с трещинами, в одной из которых сидят 10 человек. Они как бы формируют желток яйца, который в Нидерландах традиционно ассоциируется с глупостью. Люди, вероятно, символизируют разные виды сумасшествия, так как на картине есть ещё несколько знаков, отсылающих к глупости, безумию и злу. Например, воронка на голове музыканта в очках – знак шарлатанства или же алхимии, которую Босх осуждал. В другой трещине виден дьявольского вида лютнист и темнокожий человек, что крадёт кошелёк у одного из музыкантов. Другие символы зла на картине: сова, вороны, обезьяна и инструментальная музыка. Помимо основного сюжета, на картине присутствует ещё множество мелких деталей. В левой нижней стороне картины из трещины появляется человеческая рука, которая пытается достать рыбу, при этом за происходящим наблюдает кошка. Ещё левее – адский пожар. Справа внизу – маленькие фигуры людей.

Внимание родителям!!! Давно мечтали, чтобы ваш ребёнок с интересом ходил в музеи? Тогда предлагаем вашим детям погрузиться в мир искусства и культуры с нами. Сегодня мы предоставляем 4 коротких курса по 8 занятий: 1. Русская культура и искусство: от Киевской Руси до Новейшего времени. 2. Женщины в искусстве: о художницах. 3. Музеи мира: история создания и коллекции. 4. Культурология: введение в теорию культуры. Первые три курса направлены на детей от 9 до 13 лет. А последний от 12 до 16 лет. Для подробностей _levkovskaia С отзывами и преподавателем курсов можно познакомиться здесь: https://instagram.com/daria_levkovskaia?igshid=1q2dt0nsohof1

Жорж де Латур "Едоки гороха" (ок.1620) В 1975-м году в одном из швейцарских музеев были найдены две связанных по смыслу картины, изображающие старика и старуху. Оба ели горох из глиняных плошек. Автор обеих картин был не известен. Предположили, что, скорее всего, это две части одного полотна. Во-первых, сходство мотива: не так часто персонажи картин поглощают горох, да еще руками. Во-вторых, на обеих картинах был виден грубый вертикальный след разреза на одной из сторон. Оставалось установить автора. Стандартной процедурой в подобной ситуации является рассылка соответствующего запроса по всем европейским музеям: не содержится ли в их фондах чего-то подобного? Ответ пришел из французского Нанси. В их городском музее действительно имелась картина с такими персонажами. Но самое главное, на обороте было подписано «копия с де Латура». Швейцарские половинки соединили, отреставрировали и дали картине название «Едоки гороха», после чего её приобрела берлинская Художественная галерея.

Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951 Самые известные художники-реалисты Среди живописцев, создававших свои произведения в реалистичной манере есть много достойных мастеров. И все же, среди самых известных художников-реалистов особо выделяются: Густав Курбе — основоположник современной реалистичной живописи, многие картины которого вызывали негативную реакцию не только критиков, но и значительной части французского общества. Илья Репин — один из величайших русских художников всех времен, непревзойденный отечественный мастер портретного, бытового и исторического жанров. Эдвард Хоппер (Edward Hopper) — крупнейший представитель американского реализма, автор множества картин с изображением сцен из жизни обычных жителей США. Томас Уильям Робертс (Thomas William Roberts) — австралийский живописец, один из основателей Гейдельберской школы, воспеватель быта сельских жителей родной страны.

Внимание родителям!!! Давно мечтали, чтобы ваш ребёнок с интересом ходил в музеи? Тогда предлагаем вашим детям погрузиться в мир искусства и культуры с нами. Сегодня мы предоставляем 4 коротких курса по 8 занятий: 1. Русская культура и искусство: от Киевской Руси до Новейшего времени. 2. Женщины в искусстве: о художницах. 3. Музеи мира: история создания и коллекции. 4. Культурология: введение в теорию культуры. Первые три курса направлены на детей от 9 до 13 лет. А последний от 12 до 16 лет. Для подробностей _levkovskaia С отзывами и преподавателем курсов можно познакомиться здесь: https://instagram.com/daria_levkovskaia?igshid=1q2dt0nsohof1

​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на публике Крупная работа Винсента Ван Гога парижского периода, которая более века находилась в частной коллекции одной французской семьи, будет выставлена на всеобщее обозрение впервые с момента её написания весной 1887 года. «Уличная сцена на Монмартре» — часть очень редкой серии, изображающей знаменитую «Мулен де ла Галетт», возвышающуюся над городом на вершине холма. Цикл был написан в течение двух лет, которые художник провёл в одной квартире со своим братом Тео на улице Лепик. Картина была приобретена французским коллекционером в 1920 году и с тех пор переходила из поколения в поколение в одной семье. Полотно никогда не одалживали для публичных выставок, несмотря на то, что оно было внесено в семь каталогов. Теперь «Уличная сцена на Монмартре» будет выставлена в Лондоне, Амстердаме и Париже. А в марте её продадут на аукционе Sotheby’s. Ожидается, что работу купят не меньше, чем за 5−8 миллионов евро. «Очень немногие картины Ван Гога „периода Монмартра“ остаются в частных руках. Большинство же находится в коллекциях престижных музеев по всему миру, — представительница аукционного дома Орели Вандевоорд. — Появление на рынке работы такого калибра из такой знаковой серии, несомненно, станет крупным событием». Клаудиа Мерсье из аукционного дома Mirabaud Mercier, связанного с продажей, назвала работу «пленительной». На картине изображена ветряная мельница на Монмартре, разрушенная в 1911 году, а также вход в «Мулен де ла Галетт», увенчанный декоративными фонариками, и карусель за деревянным забором. Монмартр, также известный как Ла-Бют, Холм, в то время быстро превращался из пригородного поселения в район развлечений. Среди парижан всё большую популярность набирали его кафе, а у поколения художников, интеллектуалов и писателей — его богемная атмосфера. Два года, которые Ван Гог провёл в Париже (с 1886-го по февраль 1888-го), прежде чем уехать в Арль, принято считать основополагающими для его более позднего уникального стиля. На него оказали влияние такие импрессионисты, как Клод Моне и Камиль Писсарро, а также молодая генерация художников, включая Поля Синьяка, Эмиля Бернара и Анри де Тулуз-Лотрека. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/974e0fec3fde7f6cc6d83.jpg

«Сотворение животных» 1550г. Якопо Тинторетто Живопись Якопо Тинторетто - уникальное явление благодаря театрально-сценическим эффектам, необычным композиционным решениям, включающим неожиданные ракурсы, и свободной манере письма. Картина «Сотворение животных» относится к ранним работам художника. Живописец изобразил классический ветхозаветный библейский сюжет — момент создания богом животного мира. Композиционное решение Тинторетто заимствует у тициановского полотна «Вакх и Ариадна». Здесь почти тот же пейзаж на фоне, но в отличие от работы Тициана небесный свод, по которому движется летящая фигура Создателя, окутанная золотым свечением, еще погружен в полумрак. Из-под Его рук стремительно вырываются птицы, на земле «толпятся» только что рожденные божественной волей мелкие звери, а за Ним следуют крупные животные, среди них даже единорог. Тинторетто уделил особое внимание рыбам, прорисовывая их так, что можно определить к какому виду они относятся.

История проклятого платья Анны Бейкер В небольшой комнате Особняка Бейкеров, за стеклом висит белое свадебное платье с кружевным воротником, а под ним стоят туфельки, как если бы девушка разулась и вышла буквально пять минут назад. Но служители дома-музея клянутся, что по ночам платье бьется и беснуется в шкафу в тщетной попытке выбраться из стеклянного плена. Дом возвели для американского предпринимателя Илиаса Бейкера, дочерью которого являлась Анна Бейкер. Она влюбилась в человека, который был ниже ее по статусу. Отец наотрез отказался отдавать свою дочь за какого-то безродного бедняка. Анна заявила, что в таком случае вообще не выйдет замуж. У Анны было куплено свадебное платье. Его позаимствовала её знакомая, которая надела платье на свою свадьбу. Тогда Бейкер то ли от зависти, то ли от злости прокляла подругу. После этого платье отправилось в шкаф, оставаясь там до самой смерти Анны. После дом превратили в музей, работники которого клянутся, что в ночи платье хочет вырваться наружу.

​​Недавно обнаруженная картина соратника Климта установила рекорд Картина соучредителя Венского сецессиона Карла Молля «Белый интерьер» (1905) более столетия находилась в руках одной семьи. Теперь она произвела фурор на аукционе Freeman’s в Пенсильвании: при эстимейте в 300−500 тысяч долларов работа ушла с молотка за 4,7 миллиона. Это рекорд не только для произведений самого художника, но и для аукционного дома. За «Белый интерьер» сражались несколько участников торгов онлайн и дюжина ценителей по телефону. Все они находились в разных уголках мира. В итоге работа досталась частному калифорнийскому коллекционеру, который, как сообщается, намерен в будущем выставить её в Neue Galerie в Нью-Йорке. Предыдущий рекорд для картин Карла Молля составляет «скромных» 385 тыс. 653 доллара, а самый дорогой лот, который прежде продавал Freeman’s, оценивался в 3,1 миллиона долларов. Это была Императорская белая нефритовая печать периода Цяньлун. Карл Молль относительно малоизвестен за пределами своей родной Австрии. Тем не менее, он был одним из ведущих художников в Вене на рубеже XX века. В 1897 году живописец стал соучредителем Венского сецессиона вместе с Густавом Климтом, Отто Вагнером и Йозефом Хоффманом. Они отошли от конформизма Венской академии изящных искусств, чтобы продвигать новые формы творчества. Молль писал в основном пейзажи и натюрморты, вдохновлённые французским неоимпрессионизмом. Но его кисти принадлежат также безмятежные и элегантные внутренние сцены, которые он создавал на протяжении всей своей карьеры. «Белый интерьер», написанный в 1905 году, — одна из таких картин. На полотне изображена одинокая женская фигура в центре богато украшенной гостиной. Дама в свободном длинном белом платье стоит спиной к зрителю, расставляя букет жёлтых тюльпанов в старинной вазе. В этой сцене ощущается домашнее умиротворение, которое ей придаёт мягкий рассеянный свет. Молль вдохновлялся живописью Яна Вермеера, чьё творчество только что было заново открыто в начале XX века. Композиция тщательно сбалансирована и подчеркнута горизонтальной линией гладкого обеденного стола в центре. Красивым контрастом выступают две высокие стеклянные витрины, размещенные по сторонам холста на переднем плане. Отдельное внимание стоит уделить героине картины. Хотя Молль предпочёл скрыть её лицо, это — не анонимный персонаж. Художник изобразил Берту Цукеркандль, которую называли «кукловодом венской культурной сцены». Она была одной из значимых фигур Вены на рубеже веков и ярым сторонником австрийского модерна, который защищала во множестве своих статей в социал-демократической газете «Wiener Allgemeine Zeitung». Будучи замужем за известным анатомом, Цукеркандль проводила еженедельный салон (один из последних в Европе), где принимала многих знаменитостей того времени, таких как Густав Климт и Стефан Цвейг. «Белый интерьер» был выставлен в Берлине в начале 1905 года, а в следующем году — в Музее Фолькванг в Эссене. Последний публичный показ картины прошёл на знаменитой Венской художественной ярмарке, где она демонстрировалась вместе с культовым «Поцелуем» Густава Климта. Там её приобрёл частный коллекционер, и в течение столетия работа хранилась у его потомков. В середине 1970-х годов семья переехала из Германии в США, и теперь владельцы решили продать шедевр. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7249c86598c0815f7d3c2.jpg

Шалость Джотто Джотто расписал базилику Святого Франциска в XIII веке, а в 2011 году реставраторы разглядели дьявола в облаках на одной из фресок: для этого пришлось приблизиться вплотную к сцене, которая изображает смерть святого Франциска. Если смотреть на фреску, стоя на полу, в ней нет ничего вопиющего. Но стоило лишь вооружиться стремянкой, как справа в облаках был обнаружен профиль с хитроватой усмешкой, носом крючком и даже рогами. Возможно, живописец хотел таким образом подшутить над своим недругом, придав дьяволу его черты.

«Смерть Инессы де Кастро» 1834г. Карл Брюллов История Инессы поражает своим драматизмом. Будучи придворной дамой, она влюбилась в инфанта, наследника португальского трона. Тайно обвенчавшись, они скрывали такой брак, тем более что у инфанта была невеста. Прознав реальную причину отказа сына жениться, король Афонсу IV решил убить его тайную жену. Но увидев женщину и своих внуков, молящих о пощаде, смиловался. Именно этот момент и отобразил на холсте Брюллов. Картина написана в ярко выраженной академической манере – «говорящие» жесты, скульптурные фигуры. Кульминацией картины выступает высветленное автором лицо Инессы, молящее и несчастное. Ещё более усугубляют щемящее впечатление дети, приникшие к матери. Лицо короля невозмутимо, но он опасается глядеть на нежеланную невестку. Лишь стража равнодушно глядит на правителя и ждёт его указаний. Известно, что Афонсу, который нуждался в «правильном» в политическом плане браке сына, поставил дело государства выше личных чувств, и Инесса потом всё таки была убита.

Что символизируют насекомые в живописи Цикада - символ молитвы, святилища и надежды. Гусеница - символизирует жизненный цикл, возрождение. Муха - символ гниения, истощения, разложения, смерти. Муха, нависшая над церковным чиновником или дворянином, указывает на неисполнение обязанностей. Муха, парящая над девушкой или благородной женщиной, предполагает бесстыдство или женщину, склонную к похотливым поступкам. Оса - указывает на присутствие зла. Пчела, ползающая на кусочке гниющего плода, символизирует наступление болезни и смерти. Часто изображается, чтобы напомнить зрителю о собственной смертности.

​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg

"Купальщицы" 1911 г. Илья Иванович Машков Частная коллекция. В 2013 году «Купальщицы» Машкова были проданы на аукционе русского искусства Christie`s за 6,7 миллионов долларов. Картина создана на грани неопримитивизма, фовизма и кубизма. В отличие от коллег по сообществу «Бубновый валет», Машков не особо жаловал кубизм, отдавая свое внимание и кисть фовистическому буйству красок. Но здесь довольно очевидно разделение фигур на составные части, груди «зеленой» – конусообразные, на спине у «фиолетовой» вообще прекрасный геометрический узор. И все же главным остается цвет. В данном случае речь даже не об оттенках: женские тела просто написаны зеленым и фиолетовым. «Неадекватное» для академизма использование чистого цвета – методика не только Машкова. «Почему Вава зеленая?» – позже будут спрашивать критики и зрители, глядя на портрет второй жены Марка Шагала. В то время нередко русские авангардисты, увлеченные французскими направлениями в искусстве и французскими художниками – Сезанном, Матиссом, – писали чистыми цветами в противовес сторонникам академического течения, которые смешивали на палитре цвета, чтобы добиться нужного «оттенка телесности». Но пришедшие на смену им живописцы не желали следовать канонам, они создавали свои, следующим же шагом их разрушая. У Машкова с изображением женских тел вообще интересная история. Он это дело любил и писал обнаженных женщин практически всю жизнь. Как правило, они напрочь лишены изящности, зато написаны объемно. Художник словно специально подчеркивает их массу, телесность, плоть искрится и переливается, нередко благодаря цветовым решениям. Критика воспринимала такие эксперименты очень неоднозначно. Его обвиняли в том, что натурщицы «все в синяках и кровоподтеках; одна вишневая, как будто купалась в настойке, и на самом неудобном месте желтый туз, вырезан сердечком». Известно, что иногда Машков пресловутое «я художник, я так вижу» писал с натуры, предварительно раскрасив своих натурщиц в соответствующие цвета. Чаще он применял все же переливы цветов, а не чистый «ненормальный». Он явно склонен к натурному изображению, то есть творческое преобразование реальности для Ильи Машкова начинается не в момент прикосновения кисти к холсту, а еще на этапе взаимодействия с собственно реальностью. При этом представитель академизма Константин Маковский считал, что «среди русских «Матиссов и Ван Гогов» наиболее впечатляющее дарование все-таки — москвич Илья Машков...А если уступает Матиссу и Ван Гогу в четкости красочного рисунка и умении «гармонировать» диссонансы, которыми поражают французы, то самым «цветом» может соперничать с любым лауреатом крайнего модернизма». ИльяМашков _history

Диптих Мэрилин - Энди Уорхол Сюжет и объекты: Портрет Стиль: Поп-арт Техника: Шелкография, Акрил Материалы: Холст Дата создания: 1962 Размер: 205.4×289.5 см Местонахождение: Тейт Британия, Лондон В девять лет Энди заболел хореей Сиденгама (также известной как «пляска святого Витта») и несколько месяцев провел в постели. Мать, которая ухаживала за Уорхолом, искала любые способы развлечь и отвлечь мальчика, но больше всего ему были по душе книжки-раскраски. За каждую аккуратно раскрашенную страницу Джулия давала сыну кусочек шоколада. Спустя много лет Энди напишет свою первую картину, в которой, как и во всех последующих, безошибочно угадываются отголоски его детской любви к раскраскам. Четко очерченные черные контуры и области, ровно заполненные чистым цветом, стали одной из главных особенностей творчества художника.

Неприличная скульптура Bad Dog от Ричарда Джексона Эпатажную скульптуру установил возле калифорнийского музея Orange County Museum of Art американский скульптор Ричард Джексон. Скульптура называется Bad Dog, и изображает огромного черного лабрадора, который пристроился у одной из стен музея и бесстыдно поднял заднюю лапу. «Плохая собака» хоть и достигает 8,5 метров в высоту, но все же является щенком, который хулиганит там, где ему вздумается. Стоя в характерной позе, задрав заднюю лапу, песик преспокойно мочится на здание музея, время от времени выпрыскивая на стену краску соответствующего цвета. Этот пикантный нюанс скульптор реализовал для того, чтобы уже ни у кого не оставалось сомнений, что же здесь такое происходит.

«Параболическая баллада» На 8 марта всегда показывают «Москва слезам не верит» - фильм, где отлично передан дух времени. Помните, кадры, где Людмила с Катериной гуляют по Москве и слышат, как молодой поэт читает свои стихи? «Ничего не понимаю», - резюмирует Людмила. А ведь это история жизни Гогена: Судьба, как ракета, летит по параболе Обычно — во мраке и реже — по радуге. Жил огненно-рыжий художник Гоген, Богема, а в прошлом — торговый агент. Чтоб в Лувр королевский попасть из Монмартра, Он дал кругаля через Яву с Суматрой! Унесся, забыв сумасшествие денег, Кудахтанье жен, духоту академий. Он преодолел тяготенье земное. Жрецы гоготали за кружкой пивною: «Прямая — короче, парабола—круче, Не лучше ль скопировать райские кущи?» А он уносился ракетой ревущей Сквозь ветер, срывающий фалды и уши. И в Лувр он попал не сквозь главный порог— Параболой гневно пробив потолок! <…> 1959 год Андрей Вознесенский (отрывок)

"Аллегория живописи" Ян Вермеер, 1667 Считается, что картина относится к одной из последних работ художника. Само название говорит о том, что Вермеер имел ввиду аллегорическое изображение живописи, её символический образ. Картина наполнена символами: занавес на переднем плане напоминает театральный и говорит об искусстве постановки, маска на столе также говорит о некой театральности живописи. Исследователи картины, изучив костюм художника, пришли к выводу, что Вермеер изобразил самого себя. Модель, с которой Вермеер пишет картину, также наделена атрибутами-символами: лавровый венок на голове, который является символом победы, труба – символ славы, в руках у девушки томик историка Фукидида, что говорит о том, что живопись ищет вдохновение в истории и исторических достижениях. Существует и предположение, что девушка-муза на этой картине – жена Вермеера. Ян Вермеер очень дорожил этой работой и не продавал её даже в те времена, когда у него накопилось много долгов и пошатнулось материальное положение.

"Завтрак" 1924 г. Наталья Сергеевна Гончарова Государственная Третьяковская галерея. Большинство исследователей сходятся в том, что «Завтрак» – не типичная для Натальи Гончаровой картина. Как правило, художница не особо жаловала бытовой жанр. Но, видимо, попробовать свои силы в нем решила. Одно дело – не любить, другое – не уметь. Гончарова написала «Завтрак» и убедилась, что умеет. Перед нами сцена, наполненная глубоким психологизмом. Тщательно выстроенная внутренняя драматургия позволила сделать мгновенный слепок истории жизни нескольких людей. Учитывая, что начинала свой путь Наталья Гончарова с импрессионистических картин, многочисленные завтраки импрессионистов ее явно не обошли стороной. А пикантность ситуации не дает забыть о скандально известном «Завтраке» Мане, изображавшем обнаженную женщину в компании двух одетых мужчин. У Гончаровой все одеты, но всё тайное – оно столь явное… Перед нами стол в саду, семейная пара и их гости. Видимо, недавно закончили завтракать. Служанка несет большое блюдо с фруктами. Такова видимость. А что за ней? Безусловным центром картины является усатый мужчина за столом, всё происходит вокруг него. Хозяин дома? Скорее всего. С какой плотоядно-сладострастной, масляной ухмылкой он смотрит на даму в розовом. Они с «розовой» словно в одной плоскости, а «голубая» - вероятно, жена - отстранена, она на обочине. У нее усталый вид, ей, похоже, давно приелись шашни супруга, в ее лице ни малейшего намека на ревность – полное равнодушие и отстраненность с легкой нотой скепсиса. Небрежно отставив руку с сигаретой, она наклонилась в сторону «розовой», скорее всего, говорит что-то типа «какие нынче погоды стоят», скорее всего, подразумевает «как это, право, скучно, и сколько вас таких было-перебыло»… Но «розовая» сейчас не способна ее услышать, она вся устремлена к «усатому», наклон тела, слегка вытянутая в его сторону шея, взгляд, даже кончики туфель. Кстати, о туфлях – ноги здесь исполняют свой показательный танец. Мужская нога, возможно, мгновение назад касалась нынче скрещенных, но неумолимо направленных к нему ног «розовой». А дама в голубом, скрестив ноги под собственным стулом, осталась в стороне. Сладострастие, грех, пресыщенность витают над столом. Руки мужчины сжимают сорванные цветы – он, вероятно, специалист в этом деле, в срывании цветов. Пейзаж соответствует: непосредственно за «черным человеком» – иссохшие деревья, в то время как по сторонам – зеленая буйная листва. Обратим внимание на правый угол. Вопиюще глупого вида юнец – кто он? Младший брат «розовой»? Сын? Племянник? Послушный и не сводящий с нее взгляда. Или же, напротив, воспитанник хозяев, влюбленный в любовницу «усатого»? Девушка в белом – искренняя, печальная и, кажется, понимающая больше, чем надо для спокойных снов на заре туманной юности. Она повернута к молодому фанту, носок ее туфельки тоже смотрит в его сторону, но ни во взгляде, ни в позе не читается любовное томление. Скорее осознание, что ей его не избежать. Возможно, о ее браке с этим глупцом уже договорено? Про собаку, забравшуюся на стул подле «усатого» и повернутую оскаленной пастью к даме в розовом, Марина Цветаева сказала: «собака есть, но не пёс, а бес». Собака нас отсылает к «Завтраку» Сезанна. У Сезанна яблоко – символ греха и обольщения – в руках у женщины. Здесь же женщина – служанка – вносит целое блюдо с фруктами, словно окончательно обозначая происходящее. Она одета в строгое черно-белое одеяние. Явление служанки вносит в картину ритуальный элемент, создает ауру жертвоприношения. НатальяГончарова _history

Румынская художница Анка Булгару (Anca Bulgaru) Художница испытывает огромную любовь к природе, откуда и черпает темы для своих картин. Бесспорно ее творчество связано с ее родной Румынией. ⠀ Особое место занимают натюрморты из цветов. Из всего разнообразия Анка отдает предпочтение сирени и изображает эти цветы так, словно их только что срезали, собрали в букет и поместили в цветочную вазу. Картины наполнены солнцем, светом и красками всех цветов радуги. Художнице удается точно передать краски букетов, отчего цветы становятся реальными. мастерство

Ограбление музея в Цюрихе В феврале 2008 года вооруженные люди ворвались в музей Собрание Фонда Эмиля Бюрле в Цюрихе, Швейцария, и похитили 4 шедевра, общей стоимостью 140 миллионов долларов. Это самая крупная кража произведений искусства в швейцарской истории. Картина «Маковое поле близ Ветёйя» Клода Моне была одной из похищенных картин. Также преступники унесли такие шедевры, как «Людовик Лепик и его дочери» Эдгара Дега, «Цветущие ветви каштана» Винсента Ван Гога и «Мальчик в красном жилете» Поля Сезанна. Картины Ван Гога и Моне были быстро обнаружены полицией и их вернули в музей, остальные бесследно исчезли.

Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа, который немного историк, так окажется, что он, почему-то, считает себя специалистом именно по Наполеону. Я как-то задавала вопрос людям причастным - это личность Наполеона приманивает таких оригиналов или происходят с ними трансформации в процессе работы, но ответа, конечно же, не последовало. (Только пожалуйста, если вдруг меня читают специалисты по Наполеону, вы не обижайтесь, это я так шучу). Собственно, я сейчас читаю интервью одного занятого товарища, который надурил кучу искусствоведов, журналистов и вообще целый бельгийский музей изящных искусств. Захватывающее интервью, скажу я вам. Да и история отличная, хоть ей уже и три года. Некий Игорь Топоровский, секретный советник всех президентов прямо с университетских лет, тайный агент всех агентств, теневой дипломат, друг всех генсекретарей по переписке и лично, бельгийский бизнесмен сложных бизнесов и, в целом, широкий специалист по мутным делам (без единого подтверждения, конечно же), оказался собирателем русского авангарда. При том не какого-то то там вашего в каталогах-резоне записанного, а совершенно неизвестного, никем не виданного, но очень важного - в его коллекции оказались и Кандинский и Малевич и амазонки Попова с Гончаровой и Экстер и прочий Родченко. В общем, художники первой линии авангарда. И все - уникальное и секретное. Что уже странно, ведь и правда бывает, что находят какую-то неизвестную картину известного художника и долго ее изучают, проверяют, так и сяк вертят, а потом танцуют и поют обнявшись, а тут прям оптовая поставка. То есть, чтоб вы понимали масштаб, Топоровский говорил, что он планирует представить в будущем публике сотни работ авангардистов. Сотни! Ну, бывает, насобирал и радуется - так что же теперь. А вот что - он, видимо, благодаря своему какому-то совершенно змеиному обаянию и уникальному таланту пудрить мозги умудрился втереться в доверие директору музея изящных искусств Катрин де Зегер и устроить выставку “шедевров” в Генте. Там было всего 24 шедевра из заявленных сотен, но открытие было громким и привлекло внимание по всему миру. По легенде, часть коллекции Топоровскому досталась от родственников жены, а часть он скупил буквально на барахолке за Эрмитажем, где в 90е чуть ли не из ларьков продавали по рублю авангард. Там правда проблема вышла - “родственники” жены официально ответили на запросы, что такой женщины в принципе не знают, а вот распродажи коллекции Эрмитажа, кстати, почему-то, в Одессе - ну тут даже комментарии излишни. Авангард и правда очень долго был не в чести, но если бы его вот так распродавали, то это было бы, как минимум, известно хоть кому-то, тем же музейным работникам, коллекционерам, историкам. Но нет - все в тумане, а сама легенда периодически менялась. Короче, следов собирательской деятельности Топоровского в России никто так не обнаружил. Ну, кроме истории про пару искусствоведов-жуликов, которые продавали поддельный авангард и с которыми Топоровский сотрудничал, а после проходил свидетелем по уголовному делу. Не ясно так же как коллекционер умудрился незаметно перетащить через границу пять сотен заявленных картин. Сам Топоровский эти и еще целую гору несостыковок объясняет просто - у вас, говорит, просто заговор искусствоведов, ведь если все вот это великолепие попадет на рынок, то искусство подешевеет, а злые и хитрые искусствоведы не хотят такого и плетут интриги. И хотел он передать свою коллекцию русским музеям, но вы же знаете, какие там змеи подколодные - испугались, не взяли. Потом еще оказалось, что Топоровский по половине европейских музеев пробежался со своим собранием, но нигде его не воспринимали всерьез.

Поль Деларош "Казнь Джейн Грей" (1833) Леди Джейн Грей царствовала всего девять дней в качестве королевы Англии. После смерти Эдуарда VI в 1553 году она была свергнута Марией Тюдор, сводной сестрой Эдуарда. 17-летняя леди Джейн была обезглавлена на Тауэр-Хилл 12 февраля 1554 года. Деларош показывает последние мгновения ее жизни: Джейн с завязанными глазами спрашивает: "Что мне делать? Где плаха?" К месту казни ее ведет сэр Джон Бриджес, лейтенант Тауэра. Ее верхняя одежда уже снята и собрана на коленях фрейлины, которая упала на землю. Позади нее вторая фрейлина стоит лицом к стене, не в силах смотреть. Справа в ожидании стоит палач.

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history

"Гора Сент-Виктуар" 1887 г. Поль Сезанн Институт искусства Курто, Лондон. Сезанн жил одновременно с художниками-импрессионистами, участвовал в первой и третьей выставках, организованных «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов», он выходил на пленэры вместе с Писсарро и избавлялся от темных красок под его влиянием. Но именно пейзаж – тот художественный жанр, в котором Сезанн оказался самым неимпрессионистичным художником своего времени. И дело тут не в палитре и не в технике. Сезанн терпеть не мог теорий искусства – он как будто всегда боялся случайно увязнуть в одной из чужих стройных систем мировоззрения. В последние 20 лет жизни, сведя общение с художниками, писателями и семьей в основном почти к эпистолярному, он с удовольствием закрылся в небольшой студии и занялся поисками своей «земли обетованной». В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит этим картинам когда-нибудь оказаться на стенах Лувра. Нет-нет, он давно уже не грезит о славе и Лувре – он просто мучительно хочет выполнить одновременно несколько важных для себя задач: дать зрителю почувствовать красоту мест, столь близких и волнительно прекрасных для него лично, передать исключительно собственные эмоции и переживания от увиденного и при этом освободить изображение от всего лишнего и вскрыть через него логику природы, найти непреходящее, вечное – то, что присутствует на картинах старых мастеров. И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору Сент-Виктуар в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными. Эту картину Сезанн показал своим землякам на выставке, устроенной в Эксе в 1895 году Обществом художников-любителей. Они уже давно начали подумывать, что возможно Сезанн – не просто сумасшедший лицедей и к нему стоит присмотреться, решились в конце концов попробовать. Уже не ждущему признания художнику это предложение очень польстило. Он отправил на выставку две свои картины, увидев которые, смелые и прогрессивные художники-любители сразу забыли о желании быть смелыми и понять Сезанна – они повесили картины повыше, над входной дверью, чтоб в глаза сильно не бросались. Единственным человеком, который выразил художнику восторг от «Горы Сент-Виктуар», был сын местного бакалейщика Жоашим Гаске, начинающий поэт, позже написавший книгу о Сезанне. Растроганный Поль подарил юному Жоашиму картину. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

Винсент ван Гог Цена бессмертия Винсент Ван Гог навсегда изменил историю искусства. Его картины не были признаны при жизни, однако сейчас о них говорит весь мир. Судьба художника так же удивительна и интересна, как и сама живопись автора, и эта история должна быть услышана. Источник: Как читать искусство

«Женщина с головой из роз» 1935г. Сальвадор Дали Работа наполнена символами, надеждами и страхами художника. На фоне звездного предрассветного неба две подруги в обычной, очень женской ситуации: примерка нового наряда. Наряд не готов, спадающая ткань, трансформируясь в цепкие мужские руки, не желает отпускать тонкую фигуру. Вторая подруга задумалась над рисунком будущего наряда. Хрупкость моделей удачно подчеркнута яйцом на белой неустойчивой доске. Интересен задний план полотна. Одинокая мужская фигура внимательно разглядывает собачью голову со скалами на макушке. Скалы - препятствие, собачья голова - пугающая верность. Препятствие, сложность, трудность - верность для мужчины всегда была одним из страхов в отношениях с женщинами. Страх и притягательность греха, с одной стороны, привлекательность и искушение, с другой. Восходящее солнце скоро разрушит иллюзию. Длинные тени исчезнут. Женские фигуры вернут себе земные черты, страхи исчезнут, готовые вернуться в любой момент.

Супрематическая композиция. 1916 Малевич Частная коллекция Cамое дорогое произведение русского искусства. Малевич оставил свои картины на сохранность перед отъездом в СССР в 1927 году Герингe немецкому архитектору. И тот вывез это и другие полотна из нацистской Германии, где их бы сожгли как «дегенеративное искусство». В 1958 году картину продали музею Стеделик в Амстердаме. Когда в 2003 г. музей выставлял полотна Малевича в США, наследники художника оспорили права музея распоряжаться ими. После 4-летнего суда стороны пришли к мировому соглашению. Музей уступил наследникам пять значимых картин из своего собрания. 3 ноября 2008 года на аукционе Sotheby's картина была продана неизвестному за $60 млн, став одной из самых дорогих картин в истории, написанной русским художником. 16 мая 2018 года на аукционе Christie's в Нью-Йорке она была выставлена вновь, и оказалась проданной за $85 млн. Покупатель остался анонимным. Это самая дорогая сделка в истории для картин российских художников.

​​Christie’s продал JPG-файл масштабного коллажа как токен за $69 млн NFT-мания: 11 марта на онлайн-аукционе Christie’s файл «Каждый день. Первые 5000 дней» в формате JPG, созданный цифровым художником Майком Винкельманном, известным как Beeple, был продан за 69,3 миллиона долларов. За час до завершения торгов было подано более 180 заявок. Цена стала новым максимумом для произведения искусства, которые существуют лишь в цифровом виде. Она превзошла аукционные рекорды «физических» картин таких мастеров, как Уильям Тёрнер, Жорж Сёра и Франсиско Гойя. Продажа коллажа Бипла длилась две недели и началась со ста долларов. Ещё за несколько секунд до окончания аукциона за работу давали менее 30-ти миллионов долларов. Но вал ставок, поступивших в последний момент, заставил организаторов продлить торги ещё на две минуты, и окончательная цена составила почти 70 миллионов. За коллаж сражались 33 участника торгов, а Бипл в результате вошёл в тройку самых дорогих из живущих художников после Джеффа Кунса и Дэвида Хокни. Работа «Каждый день. Первые 5000 дней», которую Christie’s объявил «уникальным произведением в истории цифрового искусства», представляет собой коллаж из всех изображений, которые Бипл размещает в Интернете ежедневно, начиная с 2007 года. Художник, который сотрудничал с Louis Vuitton и такими поп-звездами, как Джастин Бибер и Кэти Перри, создаёт дерзкие визуальные комментарии о жизни в XXI веке. Коллажированный JPG-файл Бипла был создан или «отчеканен» в виде «невзаимозаменяемого токена» (nonfungible token или NFT) в феврале. Безопасная сеть компьютерных систем, которая регистрирует продажу в «цифровом гроссбухе», известном как блокчейн, даёт покупателям доказательства подлинности и права собственности. Большинство из них платят криптовалютой эфириум (Ethereum). «Каждый день» был первым NFT, который продал Christie’s, и аукционный дом заявил, что принимает платежи в эфирах, что также стало первым случаем в 255-летней истории фирмы. Тодд Левин, советник по искусству из Нью-Йорка, видевший продажу «Спасителя Мира» Леонардо да Винчи за 450 миллионов долларов, сказал, что у него «смешанные эмоции» по поводу рекорда Бипла. «С одной стороны, очень интересно стать свидетелем исторической поворотной точки, — сказал эксперт. — С другой стороны, вовлечённые суммы могут исказить и повредить зарождающийся рынок». Christie’s провёл свой аукцион в момент, когда мир искусства попал под стремительный натиск спекулятивного рынка NFT. Стоимость произведений, отчеканенных во невзаимозаменяемых токенах, недавно резко выросла на таких специализированных сайтах, как Open Sea, Nifty Gateway, Super Rare и Makers Place и теперь не соответствует суммам на остальном арт-рынке. NFT также стал шансом для начинающих художников. На прошлой неделе анонимная группа «Сожжённый Бэнкси» продала уникальный NFT — цифровую копию принта Бэнкси «Идиоты» (2006). Продавцы заявили, что сожгли оригинальную работу стоимостью в десятки тысяч долларов в ходе «церемонии», которую транслировали на YouTube и Twitter. Всё, что осталось, — это сертифицированный блокчейном NFT «Идиотов». Этот токен ушёл за 382 тысяч долларов, что в три раза выше цены любого оригинала из ограниченного тиража «Идиотов» на аукционе. Победителем торгов стал пользователь с ником GALAXY, который немедленно выставил своё приобретение на продажу. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/866914a1d8e26f73fa2c9.jpg

«Девушка в центре внимания» Цифровая копия известной картины «Девушка с жемчужной сережкой» разрешением 10 гигапикселей была создана в рамках проекта «Девушка в центре внимания» музея Маурицхёйса в Гааге. Для этого использовался микроскоп Hirox 3D со сложным механизмом, который сделал 9100 фотографий с детализацией до 4 микрон, и позволил увидеть различия в высоте слоёв краски. В результате чего была получена «топографическая» карта поверхности полотна. В дополнение к современной уникальности стоит отметить, что эта картина - не просто портрет, а «Трони» - разновидность живописного портрета, где фокусировались на необычном выражении лице модели или деталях костюма. К примеру, привлекающий внимание тюрбан на голове девушки, краска для которого стоила дороже золота, потому что была сделана из полудрагоценного камня - лазурита. Подобные истории о картинах, уникальных предметах разных эпох и необычных находках вы увидите на VIOLITY Удивляйте друзей невероятными историями вместе с VIOLITY!

"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума, если бы не закончил эту серию из 20 полотен. Это была настоящая одержимость, которую у него могли вызвать только деревья, кувшинки, стога или цветы. Он часто совершал невероятные поступки, чтобы сохранить в нужном ему виде объект своей одержимости: платил крестьянину, чтобы тот весной оборвал листья на дубе в соответствии с первоначальным зимним эскизом, мостил дорогу рядом со своим домом, чтобы пыль не оседала на его цветах, выкупал стога сена, когда их собирались убирать с поля, устраивал эффектный спектакль для директора вокзала, чтобы тот задержал отправку поезда и обеспечил необходимое количество дыма на перроне. Над серией «Тополя» Моне работал всю весну и лето 1891 года, для чего выкупил островок Крапивный, с которого открывался нужный ему вид. Он грузил на тележку штук 20 – 30 холстов, вез их к месту лучшей точки зрения и работал над каждым из них в разное время суток. Иногда освещение менялось так быстро, что некоторые состояния длились всего минут 7. Когда солнце перемещалось, художник быстро искал среди уже начатых работ нужную, чтобы успеть оставить на ней несколько необходимых цветовых акцентов или поменять полностью. Моне сам изобрел этот метод и сам же переживал с ним самые отчаянные моменты творческого бессилия. Однажды он в ярости швырнул в воду и холст, который долго не находился, и краски с кистями. Ушел. Вернулся. Полез в реку доставать хотя бы кисти и краски. Как-то утром, прикатив к острову свою тележку с будущими шедеврами, Моне обнаружил, что тополя пометили для вырубки. Конечно, он заплатил, чтобы их не рубили, пока серия не будет окончена. Это самая «шумная» серия Моне. И в «Стогах», и в «Руанском соборе» от одной картины к другой меняется освещение, меняется плотность воздуха и цвет каменной кладки или поля. А тополя прекрасны еще и своей податливостью ветру – они шелестят листьями и скрипят старыми стволами в каждый схваченный момент. Сила ветра или отражение деревьев в реке – это новые измерения, в которых Моне заставляет меняться свои тополя. Художник всегда мечтал, чтобы его серии оставались единым целым, занимая целую стену в музее или в частной коллекции. Ему был очень ценен этот эффект прожитого в одном музейном зале светового дня. Ни одна из серий Клода Моне, за исключением «Кувшинок», для которых он сам придумал специальный музей, не собрана в одном месте. Даже в салоне Поля Дюран-Рюэля «Тополя» не задержались надолго и были распроданы, а сейчас они по всему миру – от Нью-Йорка до Токио. За эту же картину в 2011 на аукционе Кристис неизвестный американец заплатил 22,5 млн. долларов. КлодМоне Импрессионизм _history

​​️Сегодня в 20:00 «Эшколот» покажет онлайн-экскурсию по выставке Брейгелей в «Новом Иерусалиме».   ️Минкультуры планирует провести Санкт-Петербургский международный культурный форум в очном формате. Мероприятие планируется провести 11-13 ноября.   ️Международная книжная ярмарка Non/fictioN22 пройдёт с 24 по 28 марта в московском Гостином дворе.   ️Последние дни успеть в Государственный Эрмитаж на выставку «Психея, душенька...»   Музей прослеживает историю развития образа Психеи в античности и русском классицизме.   В классической мифологии Психея — прекрасная молодая девушка – воплощение человеческой души. Она часто изображалась в виде девушки с крыльями, летящей птицы или бабочки. А история об Амуре и Психеи — воплощение искренней любви. Амур и Психея, 1800–1803, Мрамор Государственный Эрмитаж Пост. в 1815 из бывшего собрания Жозефины Богарне в Мальмезоне Фото: Государственный Эрмитаж https://telegra.ph/file/8e15445acee34e8ae557f.jpg

«Писающий мальчик или Маннекен-Пис» Жером Дюкенуа Старший Одна из наиболее известных достопримечательностей Брюсселя представляет собой миниатюрную бронзовую статую-фонтан в виде нагого мальчика, писающего в бассейн. Когда точно возник Маннекен–Пис, как называют его брюссельцы, неизвестно. Зато по этому поводу сложено немало легенд. Самая сказочная из них рассказывает о шалуне, который не постыдился облегчиться прямо на крыльце дома, принадлежащего фее. Хозяйка была очень рассержена и превратила малыша в статую. Сама скульптура за годы своего существования приобрели много традиций. Например, в праздничные дни ей заменяют струю воды вином или пивом. А одной из основных традиций является регулярная смена одежд Жюльена. Именно так зовут известного шалуна. Он уже поменял несметное количество нарядов. Смена его гардероба - целое событие, а одежды для него тщательно подбираются. Обычно они подарены известными или авторитетными личностями.

Жак Луи Давид так здорово писал портреты Наполеона, что тот назначил его своим личным придворным художником. Должность хорошая, но к ней прилагалось одно небольшое условие - запрет на частные заказы. И действительно, зачем тебе писать еще кого-то, если тебе позволено писать целого Наполеона! Только вот заказы от Наполеона случались не так часто, как хотелось бы художнику и поэтому он втихушку иногда соглашался исполнить что-нибудь налево. Князь Николай Борисович Юсупов был ценителем и коллекционером живописи,а особо ему по душе приходился неоклассицизм, видным представителем которого и был Давид. Юсупов был личным консультантом по вопросам покупки произведений искусства Екатерины II и Павла I, был дружен с Ангеликой Кауфман, Помпео Батони, Антуаном-Жаном Гро и многими другими маститыми и популярными художниками своего времени. Он-то и смог убедить Давида написать для него картину, посулил огромные деньги и даже позволил художнику самостоятельно выбрать сюжет. А тот и выбрал. Это картина о том, как влюбленная древнегреческая поэтесса Сафо млеет от любви к прекрасному юному лодочнику Фаону. Однажды Фаон перевозил саму Афродиту на остров Лесбос и не взял с нее платы, за что Афродита наградила его сосудом с благовониями, имевшим чудесную силу - все женщины отныне влюблялись в прекрасного юношу. Не устояла и уже немолодая Сафо, но юноша отверг ее любовь и Сафо разбежавшись, прыгнула с Левкадийской скалы. Вероятно, эту знаменитую скалу мы и видим на картине вдалеке. Амур зажигает огонь любви, Фаон стоит ужасно самодовольный, а то, что вы видите на лице у Сафо - это вдохновение, переходящее в любовный экстаз. На коленях у нее свиток, на котором она на древнегреческом выводит первые строки одной из своих од, а над ними написано “посвящение Фаону”. Правда, в оригинале никакого посвящения Фаону нету, да и сам этот Фаон ни разу в ее лирике не встречается и считается, что эту ее последнюю трагическую любовь придумали более поздние авторы, которые на тему влюбленности Сафо в лодочника периодически сочиняли комедии, а стихи ее, как известно, и вовсе обращены к женщинам. Вот перевод полного текста оды от Гавриила Державина: Счастлив, подобится в блаженстве тот богам, Кто близ тебя сидит и по тебе вздыхает, С тобой беседует, тебе внимает сам И сладкою твоей улыбкой тайно тает. Я чувствую тот миг, когда тебя с ним зрю, Тончайший огнь и мраз, из жил текущий в жилы; В восторгах сладостных вся млею, вся горю. Ни слов не нахожу, ни голоса, ни силы. Густая темна мгла мой взор объемлет вкруг, Не слышу ничего, не вижу и не знаю; В оцепенении едва дышу — и вдруг, Лишенна чувств, дрожу, бледнею,— умираю. В общем, картину Давид успешно написал, передал Юсупову и она уехала в Санкт-Петербург. Там и живет поныне - можно пойти поглазеть на бленеющую-умирающую Сафо в Эрмитаже.

"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history