Итак, небольшая подборка его работ (почему-то выходит только вразнобой и...

​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство обедает» Мясоедова Григорий Мясоедов - один из самых ярких представителей реализма второй половины XIX века. Художник принимал участие в создании Товарищества передвижных художественных выставок. Живописец, график, теоретик искусства. Ему удалось создать великолепное произведение «Земство обедает», которая отражает жизнь крестьян и дворян в России в период глобальных реформаций, а также острые социальные проблемы. Знаковую картину Мясоедова «Земство обедает» художник написал в 1872 году. Полотно было представлено на II-й выставке «передвижников» и была благоприятно воспринята публикой. Критики оценили картину как «одну из лучших и наиболее содержательных работ на современную тему». Таким образом, картина стала не только визитной карточкой Мясоедова, но и одним из лучших образцов реализма передвижников. Через год после написания «Земства» Мясоедов продал полотно меценату и коллекционеру Третьякову, который попросил его чуть доработать картину. Итак. Картина строится на реформационной России. Как правило, местные самоуправления только начали реформироваться в земства. Это тихий провинциальный городок. Сюжет картины предельно прост. Художник решил отобразить несоответствие сословий и социальные различия через трапезу. На переднем плане художник изобразил здание районного совета, верхняя часть крыльца имеет подсказку-надпись «Уездная земская управа». Внутри здания губернского совета разворачивается поистине аристократическая сцена: там виден официант, переставляющий блюда и бутылки с вином. По всей видимости, депутаты закончили обед. Зритель не видит весь дом, видны только светлая стена и два окна с дверью. Главные герои – крестьяне, которые сидят на крыльце у здания. Они ждут «хозяев», которые в это самое время завершили свою аристократическую трапезу (наверняка с шампанским и фазанами). Ожидая депутатов, крестьяне тоже решили пообедать. Их трапеза скудна и скромна, по сравнению c обедом «сильных мира сего». Еда простая: у одного сухой хлеб, у другого - хлеб с солью и пучок зеленого лука. Главным героям картины художник придал характерные черты (где-то лукавство, где-то благородство, а где-то обида). Главный посыл художника – передача яркого контраста между бедностью и богатством. Крестьяне думают об одном и том же и с горечью понимают, что справедливости у здания «Управы» им не добиться. https://telegra.ph/file/989c32dc9d6bda0b34c13.jpg

Символический разбор картины. «Цветы в стеклянной бутылке на мраморном постаменте» Ян Давидс де Хем Помимо живописных достоинств, картина содержит немало символов. Итак, цветы символизируют бренность. Поэтому Ян де Хем изображает внизу букета частично увядшие растения. Так мастер ещё больше подчеркивает быстротечность времени. Яркий цветок тюльпана — символ расточительности. Ведь в Голландии XVII века считалось, что выращивание тюльпанов — дело крайне хлопотное и затратное. Но в то же время в букете мы видим полевые цветы, которые ассоциировались со скромностью и душевной чистотой. А улитка, между прочим, символ грешной души. И здесь это можно трактовать так: грешной душе (улитке) важно в суетной жизни не забывать о благочестии и скромности. И только тогда бессмертная душа (бабочка) попадет в рай. В конце концов именно бабочка села на подсолнух — символ Творца. Значит, такая душа будет в буквальном смысле рядом с Богом.

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history

Спасибо всем, кто принял участие в опросах и в обсуждении! В общем, моя мысль о том, что все-все сразу возьмут и поймут где тут подделки оказалась несостоятельной. Я, в целях самоутешения, буду думать, что дело в том, что мы смотрели репродукции. Потому что, например, живопись Филонова живьем, конечно, выглядит совсем-совсем не так, как на фотке из интернета. Итак, правильный ответ в случае с Кандинским - это картинка номер 3, а в случае с Филоновым - 4 и 7.

Эту историю мне прислала замечательная художница Армине Х. Удивительно, как жизнь иногда подкидывает нам такие повороты: "Итак, напишу интересную историю, в неё сложно поверить, но это история полностью правдивая. Некоторое время назад, мне поступил заказ на портрет пастелью, человек который его заказал, хотел подарить его своему дорогому другу на 23 февраля. В итоге он отправил мне фотографию, и я приступила к работе, но по ходу написания портрета я почувствовала, что лицо человека мне очень знакомое, что где-то я его раньше видела. Тогда я загрузила его фотографию через сервис Яндекс.Картинки и оказалась в шоке, выяснилось, что его разыскивают родственники через сервис Жди Меня! Все данные по поиску я передала Заказчику, и он сразу же передал это своему другу, а вот что было дальше, я не знаю, но надеюсь, что все хорошо! А что думаете вы, Заказчика свела со мной судьба или счастливый случай?" Узнайте продолжение этой и других историй портретов на канале художницы — https://t.me/armine_art

Картины на бутерброде Художники Тае Китаката и Бриттани Пауэлл представили серию работ под названием «Sandwich Artist». Из колбасы, сыра, кетчупа и других ингредиентов художники собрали на ломтике хлеба упрощённые версии знаменитых авангардных полотен. Каждый бутерброд из серии содержит отсылку к работам конкретного художника. Творческая манера Пита Мондриана была воссоздана при помощи мозаики из белых прямоугольников сыра и редких цветных вставок из кусочков помидора и базилика (фото выше). Масштабные полотна Марка Ротко, ярчайшего представителя абстрактного экспрессионизма, иронично воспроизведены при помощи двух ломтиков сыра на пропитанном маслом хлебе (фото в комментах) Отсылку к хаотичным картинам Джексона Поллока можно найти на бутерброде с брызгами кетчупа и горчицы (фото в комментах). Искусство или нет?

Чаепитие 1903 Андрей Рябушкин Наиболее глубокое полотно Рябушкина на тему крестьянской жизни. Это совсем небольшая картина, но производит впечатление поистине неотразимое. "Они пьют чай. За столом, покрытым белой скатертью. Сосредоточено и молчаливо они пьют чай в прикуску, с блюдечка. Они пьют чай на фоне сумеречной стены тесной и сутулой избы и усталых неподвижных лиц за своей спиной. В их позах — что-то серьёзное, почти торжественное, словно они совершают за этим столом древний священный обряд. Именно таким "незаконченным" рисунком художник достиг силы настроения, которая убеждает нас, что его надо или принять целиком, или полностью отвергнуть. Эта целостность творчества обнаруживает качество таланта." Сергей Маковский

Павел Федотов "Все холера виновата" (1848) Небольшая домашняя пирушка, один гость свалился со стула, перебрав в напитках, а вокруг него суета: женщина растирает ему щеткой грудь, хозяин тянется со стаканом чаю, между двумя дамами идет жаркий, чуть ли не до драки, спор о необходимых средствах, а потерпевший меж тем лежит пластом, раскинув руки. На обороте картины художник написал шутливые стишки: «Как лукавого в грехах Наш брат укоряет Так, когда холеры страх В городе гуляет Все всему она виной Все холеры. Так иной Чуть до вкусного дорвется Не утерпит — так напрется, Что в здоровую-то пору Перварить желудку в пору. Так подчас забывши страх На приятельских пирах Выпьют одного вина По полдюжины на брата Смотришь худо кто ж вина Все холера виновата».

"Этюд натурщика" 1811 г. Теодор Жерико ГМИИ имени А. С. Пушкина. Небольшая картина «Этюд натурщика» попала в собрание ГМИИ из коллекции С.М. Третьякова. Несмотря на имя «Теодор Жерико» на табличке, полной уверенности в авторстве нет — великолепно сложенного усатого натурщика, позировавшего в мастерской наставника Жерико Пьера Герена, писали многие. Среди предполагаемых авторов «Этюда...» называли и Делакруа, и некоего неизвестного русского мастера (что сомнительно — всё-таки картина была приобретена в коллекцию Третьякова при посредничестве известного дома «Буссо и Валадон» за солидную сумму в 4 500 франков). Но, учитывая, что подписанного Жерико в наших музеях нет, да и просто работ Жерико в мире немного, будем относиться к этому портрету как к доказанной работе одного из первых французских художников-романтиков. Тем более, что все характерные признаки у этюда присутствуют: сложный разворот фигуры, резкий контраст света и тени, глубокая темнота фона, великолепная лепка формы, и, главное, предельная романтизация образа — всё, что так любил Жерико. Героя картины — растрёпанного хмурого человека с античным торсом и совершенно не античным лицом, легко представить и на поле боя, и на палубе корабля, и на покорённой вершине — в любом месте, позволяющем поспорить с судьбой или стихией и красиво победить или драматически погибнуть. Известно, что занимаясь у Герена, Жерико часто «улучшал» постановки, то приписывая натуре воображаемый фон, то усиливая контрастность света. Герен, известный живописью классической и скучноватой, терпел его эксперименты, но предостерегал от подобного остальных студентов: «Что вы стараетесь подражать ему. Пусть работает как хочет, в нем материала на трех-четырех живописцев, не то, что у вас». Вероятно, когда-то картина была светлее, но сейчас её краски изрядно изменились — причина в готовом красителе на основе битума, который был очень эффектен при написании теней, но со временем сильно потемнел. ТеодорЖерико Портрет Романтизм _history

"Интерьер, мать и сестра художника" 1893 г. Жан Эдуар Вюйар Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). «Интерьер, мать и сестра» - одна из самых дерзких работ Вюйара. В репродукции на первый взгляд очень легко спутать ее с цветной литографией: лица-маски и руки в один тон, четкий, почти декоративный, узор на обоях, сплошное черное пятно платья. Вюйар, увлеченный японским искусством и подготовивший к печати немало собственных гравюр, переносит в живописную работу визуальные эффекты, присущие цветной печати. При этом сохраняет фактуру масляного мазка в других частях картины, не давая нам шанса ошибиться со второго взгляда на работу. Это тонкая живопись. Но дерзость Вюйара даже не в техническом изяществе – эта небольшая работа настолько интимная, открывающая личные связи, мысли и отношения, что способна вызвать ощущение неловкости и беспокойства. Как будто вы случайно услышали ссору или исповедь, не предназначенную для ваших ушей. Женщины на этом странном двойном портрете – мать художника мадам Вюйар и его сестра Мари. Они находятся в пространстве, готовом довести кого угодно до приступа клаустрофобии. Если Мари разогнется, ей придется удариться о картинную раму. Этот эффект сдавленности, даже угрожающей подвижности пространства довершают падающие вперед комод и стол, подскочивший кверху пол. Наверняка, в пределы полотна попала только нижняя часть комнаты, но фигура Мари ясно дает понять, что все! Потолок тоже где-то неподалеку, он падает и висит просто над головой. Мари в этом пространстве неуютно, узор на обоях сливается с узором на ее платье – и стены поглощают ее фигуру, она теряется здесь, становится лишь частью интерьера. Это мир, в котором доминирует мать – именно она чувствует себя спокойно и уверенно. Это ее мир. Мадам Вюйар была на 27 лет младше мужа, отставного военного – и скоро осталась вдовой без средств к существованию и с двумя детьми, которых еще предстояло выучить и вырастить. И тогда она открыла швейную мастерскую, в которой работала сама и нанимала помощниц. В этом доме на ней держалось все. Мать за работой, ее заказчиц, выкройки, ножницы, узоры на тканях Вюйар будет писать постоянно. Он проживет с матерью до самой ее смерти (Вюйару будет 60 лет, когда матери не станет) – и эти швейные декорации будут интерьером его собственной взрослой жизни. Современные арт-критики находят такие небольшие личные работы Вюйара не только обнажающее, исповедально откровенными, но и социально острыми. Резкие перемены в обществе того времени способствуют поискам таких смыслов. Ну или хотя бы делают их оправданными. Это эпоха, когда женщины начинают работать и выбираться из кухонь, когда гендерные и социальные модели стремительно меняются. В другой работе Вюйара «Интерьер с рабочим столом» Мари, стоящая спиной, как будто вышла из стены мастерской – узор ее платья повторяется в нескольких элементах окружающего пространства. Она – лишь то, чем она занимается в этих стенах: монотонная, тихая, повторяющаяся работа, бесконечные узоры, от которых кружится голова. ЭдуарВюйар Постимпрессионизм _history

"Богоматерь Сухого Дерева" 1465 г. Петрус Кристус Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. Небольшая панель «Богоматерь Сухого Дерева» была приписана Петрусу Кристусу в 1919 году. В XX веке одним из её владельцев был первый федеральный канцлер Германии Конрад Аденауэр, а с 1965 года картина входит в собрание Музея Тиссена-Борнемисы в Мадриде. Иконография этого произведения очень необычна, и сам живописец прибегал к ней лишь однажды. Но впоследствии этот мотив использовали его коллеги, в частности, Питер Классен – в своём триптихе для церкви Святой Вальбурги в Брюгге, датированном 1620 годом. Тематика картины непосредственно связана с Братством Богоматери Сухого Дерева, членами которого Петрус Кристус и его жена Гаудицина стали между 1458-м и 1463 годами. Это общество, упомянутое в документе от 1396 года, собиралось в собственной часовне в монастыре францисканцев в Брюгге, разрушенном во время религиозных войн в 1578 году. В Братстве состояли герцоги Бургундские, аристократы, члены семей высшего класса и богатые предприниматели. В одном из документов XVIII века утверждалось, что содружество основал герцог Филипп III Добрый. Якобы, Богоматерь с Младенцем явились ему в стволе сухого дерева перед битвой с французами. Правитель помолился этому образу о победе и разбил врага. В благодарность он и основал это Братство. На самом же деле оно существовало ещё до рождения Филиппа. Вполне вероятно, что панель «Богоматерь Сухого Дерева» заказал один из членов общества для домашних богослужений или художник написал её для себя. Ключ к иконографической интерпретации работы можно найти в Книге пророка Иезекииля. Слова «…Я, Господь, [...] зеленеющее дерево иссушаю, а сухое дерево делаю цветущим…» были истолкованы как прямая отсылка к первородному греху и роли Марии как Новой Евы. Сухое дерево отождествляется с Древом Познания, которое засохло после падения первых людей, но вновь расцвело с Непорочным зачатием Христа, почитаемым членами Братства. В этой небольшой картине Христос символически представляет Искупителя – он держит земную сферу, увенчанную крестом. В придачу, изогнутые и переплетённые сухие ветви дерева принимают форму венца, который явно указывает на его будущие Страсти. Висящие на ветвях пятнадцать золотых букв «А» означают «Аве, Мария» («Радуйся, Мария»). Число 15 было связано с чётками, по которым читались молитвы Богородице – заступнице человека перед Богом. Судя по тщательности отделки, картина была задумана как ценный коллекционный предмет. На это указывают также материалы и текстуры. Фигуры со скруглёнными головами и чётко выраженными чертами являются примером высокого мастерства Кристуса. Создавая типажи, он явно вдохновлялся работами Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена, у которого художник позаимствовал манеру выражения эмоций. Влияние обоих живописцев ярко проявляется в заключительном периоде творчества Кристуса, к которому относится и эта панель. ПетрусКристус Возрождение _history

"Срывайте розы поскорее" 1909 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная коллекция. «Срывайте розы поскорее» — живописная работа Уотерхуса 1909 года, посвященная теме скоротечности времени, красоты женщины и окружающего мира. Это не первая попытка создания картины с таким содержанием: годом ранее он написал одноименное, но менее известное полотно. Живопись и литература неразлучны в творчестве Уотерхауса, и вдохновением для него может послужить одна лишь строка. Тема женщин и цветов была востребована среди прерафаэлитов и английских романтиков, но Уотерхаус подходит к ней иначе. Он не просто любуется милыми глазу образами и предметами, а вкладывает философский смысл, буквально цитируя первое четверостишие стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика — английского поэта XVII века: Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью. Первая строка, как и само название картины, на английском звучит так: «Gather ye rosebuds while ye may», что дословно переводится как «срывайте розовые бутоны, пока можете». Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах. На фоне цветочной поляны изображены две девушки, срывающие цветки с розового куста и складывающие их в букет. Художник изобразил их, как античных нимф: они воплощение нежности, женственности и чистоты, они беззаботны и слились с природой. Именно таким слушательницам Геррик посвящает свои слова. Их головы склонились над цветами, их шеи и плечи чувственны и обнажены, но, как и цветы, эти девушки спокойны и бесстрастны. Платья их, как туники, легки и прозрачны, воздушными складками окутывают героинь, живописно передавая слова автора: Отбросьте скромность, и наряд Оденьте подвенечный; Пройдёт весна и сей обряд Вам ждать, быть может, вечно. Позади юных дев течет небольшая река — символ течения жизни и уходящего времени, и на другом берегу, вдалеке, среди кедровой рощи еще две женские фигуры: одна девушка наклонилась за цветком, а вторая стоит с поднятым передником, полным цветов. Вся картина выполнена в ярком весеннем колорите. Это синие горы на горизонте, свежая трава и темные кроны деревьев. Пыльно-розовое и васильковое платья — цветовая доминанта всей работы. Добавляют контраста насыщенные цвета волос девушек: золотисто-рыжий и иссиня-черный. Автор всеми художественными способами создает для зрителя ощущение свежести и абсолютной молодости, призывая радоваться каждому моменту. Интерес к живописи Уотерхауса после его смерти значительно снизился. Это привело к тому, что какое-то время его картины можно было приобрести за бесценок. Именно поэтому многие значимые полотна сейчас находятся в частных коллекциях, а не в государственных музеях. Такая же участь постигла работу «Срывайте розы поскорее», хотя ее история более чем туманна. Картина пропала из поля зрения практически на сто лет и была случайным образом обнаружена в одном из домов в Торонто. Когда владельцы приобрели дом у предыдущих хозяев, она уже висела на стене. Каким образом работа оказалась в Канаде, до сих пор никому не известно. На аукционе Sotheby's она была оценена в сумму от 1,75 до 2,5 миллионов долларов, но ее так никто и не приобрел. ДжонУотерхаус _history

Небольшая жанровая сценка, изображенная Пабло Пикассо, называется «Свидание» (1900 г.) В 1900 году Пикассо впервые приезжает в Париж. Именно с переездом и связано создание этой небольшой картины. В этот период своего творчества художник часто обращается к мотиву свиданий, который он трактует как тему человеческой близости Пара изображена в замкнутом пространстве, в интерьере. Все второстепенные подробности опущены. Сами фигуры написаны выразительными цветовыми пятнами. Таким образом, между возлюбленными создается собственный маленький мир и зритель чувствует это напряжение чувств. Кстати, произведение хранится в ГМИИ им. Пушкина, в Москве, и у вас есть возможность его увидеть А какую историю за этим изображением видите вы?

Петербургский ангел. Петербургский ангел — это небольшая скульптура, скромно расположившаяся на одной из скамеек Измайловского сада. Его не сразу заметно, скромного вида дедушка, читающий книжку с обязательным атрибутом для Петербурга, зонтиком и самое главное у него есть крылья. Из далека кажется, что дедушка сидит с грустным видом, но стоит подойти поближе и вам будет подарена добрая улыбка. Автором этого чудесного произведения искусства является Роман Шустров. В саду добрый дедушка -ангел появился в 2012 году, выполнен из бронзы.

"Отравленные газом" Джон Сингер Сарджент, 1919 > Лондон, Ламбет Полотно было заказано британским мемориальным комитетом. Тема полотна – газовая атака. Первый раз газ хлор был использован германскими войсками под Ипром. Последствия были чудовищны – более 6000 солдат и офицеров задохнулись в своих траншеях и убежищах, огромное количество людей ослепло и получило страшные повреждения слизистых оболочек и органов дыхания, сделавшие их инвалидами на всю оставшуюся жизнь. На картине изображены солдаты, у которых из-за газовой атаки пострадали глаза. Они закрыты повязками и сильно обожжены хлором, поэтому видеть солдаты не могут. Выстроившись цепочкой и положив руку на плечо предшествующего, они медленно передвигаются к госпиталю, ведомые единственным помощником или санитаром. Вдали справа видна еще одна небольшая колонна солдат и офицеров, также ведомая санитаром. А вокруг прямо на земле лежит и сидит множество других пострадавших, очередь на осмотр врачом которых еще не пришла. На глазах у всех плотные повязки.

Небольшая шпаргалка – на что обращать внимание при рисовании глаз. Автор: Станислав Галай практика

Е.А.Лещенко (род.в 1952 году) - заслуженный художник Украины, победитель международного биеннале 1998 года. По собственному определению, Евгений Александрович является основателем направления «Paradise art», то есть «райское искусство». По данным некоторых влиятельных изданий, является одним из самых высокооплачиваемых художников Украины. Имеет несколько высоких ценовых рекордов на ведущих мировых аукционах. Каждое полотно мастера - это небольшая метафора или притча, которая несет свой вполне объяснимый и понятный посыл. Его фантастические композиции, построенные на единстве цветных узоров, образов людей, животных и растений, отражают взаимосвязь всего живого на Земле. Эти картины-сказки приглашают хотя бы на время отрешиться от будничной суеты и вспомнить о своей давней детской мечте, вернуться в мир детских фантазий, ощущений и впечатлений, а намеренно перенасыщенный колорит призван отвлечь от повседневного круговорота новостей, забот и стрессов. Он захватывает взгляд зрителя и ведет по лабиринтам извилистых линий картин от образа к образу, уводя в полуфантастический, полуреальный мир воображения художника. художник новыйвзгляд живопись галерея колорит искусство лебедиЛеонардо вневремени играцвета арт

Пропорции лица. Схема для начинающих В помощь начинающим я хочу предложить простую схему, которая поможет на начальном этапе обучения. Итак, что необходимо усвоить? 1. Форма головы больше похожа на яйцо, чем на шар. Со стороны подбородка голова уже, со стороны затылка — шире. 2. Уровень глаз расположен примерно посередине головы. 3. Уровень кончика носа находится примерно посередине между бровями и подбородком. 4. Губы будут располагаться примерно чуть выше середины между кончиком носа и подбородком. 5. Чтобы было проще рисовать всегда проводите серединную линию или ось симметрии. Эта линия делит рисунок головы пополам. Вам будет проще ровно рисовать левую и правую стороны головы. Ось симметрии поможет избежать кривизны в рисунке. познавательное практика

"Свежий кавалер" 1846 г. Павел Андреевич Федотов Государственная Третьяковская галерея. «Свежий кавалер» – картина, после которой Павел Федотов проснулся знаменитым. Еще недавно в моде были пышные исторические композиции, а Карл Брюллов снобистски убеждал Федотова, что тому недостаёт знаний и академической выучки, чтобы дерзать быть художником. Но к середине 1840-х в русской культуре сформировался мощный тренд не на возвеличивание, а на критику жизни. В литературе его подхватил Гоголь, в живописи – Федотов. В каком-то смысле «Свежий кавалер» – двоюродный брат гоголевского Хлестакова. Однако обо всём по порядку. Почему герой картины стоит в позе античного оратора? Что протягивает ему кухарка? Почему вокруг них такой чудовищный беспорядок? И кто кому – кавалер? Смысл сюжета в первые минуты ускользает от нас. Так происходит не потому, что Федотову не удалось в должной мере воплотить собственный замысел – как раз наоборот. Проблема в том, что минуло 170 лет и многие бытовые реалии ушли. А без них «Свежий кавалер» остаётся тёмным и непонятным. Яснее станет, если вспомнить, что альтернативное название картины– «Утро чиновника, получившего первый крестик». Итак, перед нами представитель чиновничьего племени в утренней домашней неприглядности. Его халат смахивает на римскую тогу, а папильотки в волосах – на лавровый венок. Античные отсылки и цезарева величественность позы курьёзны и жалки в тесноте и впечатляющей грязи обстановки. Наш герой недавно проснулся. И очевидно, его ночь была непростой. Кувшины, валяющиеся бутылки, объедки и рыбьи хвосты на полу недвусмысленно указывают на недавнюю попойку. Гитара намекает: было весело. Кухарка протягивает сапоги – оделись бы вы, дескать, барин. Помятый барин вместо этого тычет пальцем в свежего «Кавалера» – полученный накануне орден, основательный повод напиться. Прогрессивная критика XIX века вцепилась в этого федотовского персонажа, увидев в нём утрированное воплощение всех недостатков бюрократической крепостнической России. Доходило чуть не додемонизации. Владимир Стасов, известнейший критик и вдохновитель передвижников, красноречиво клеймил злобность, чванство, бездушие и «боготворение ордена»: «...Перед вами понаторелая, одеревенелая натура, продажный взяточник, бездушный раб своего начальника, ни о чем уже не мыслящий, кроме того, что тот даст ему денег и крестик в петлицу. Он свиреп и безжалостен, он утопит кого и что захочет, и ни одна складочка на его лице из риноцерсовой (от франц. rhinocéros– носорог) шкуры не дрогнет». Между тем никакого жесточайшего обличения в «Свежем кавалере» нет. Взгляд Федотова язвителен – но и только. Мы видим, что каморка нашего чиновника тесна, обставлена разнокалиберной мебелью и в целом довольно убога, а сапоги и халат дырявы. Взяточник как-то мелковат для подобных масштабных инвектив, да и с носорожьей свирепостью Стасов погорячился. Некоторые сторонники критического реализма в антикрепостническом запале пытались доказать, что герой Федотова негодяй. Он-де унижает слабого – свою кухарку (считается, что в картине есть и намёк на их сексуальную связь, житейское для своей эпохи дело). Однако симпатичная крепостная девка на картине – явно в более выигрышной позиции. Её красноречивый взгляд выражает смесь презрения и снисхождения к непутёвому барину, помпезная поза которого не демонстрирует превосходства, а всего лишь указывает на его профессиональную деформацию: где ж сыскать в России чиновника, который не страдал бы от маниакального тщеславия? Всё это подаётся скорее с мягким юмором, чем с уничижительнымсарказмом. Гоголь в «Ревизоре», был, пожалуй, порадикальнее в обличениях, чем художник Федотов. Забавно, что в реальности чиновничье фанфаронство оказалось опаснее, чем на картине. Например, один из цензоров совершенно всерьёз требовал от Федотова замалевать орден (высокую государственную награду!), дабы не подрывать сакральных устоев державы. ПавелФедотов Реализм _history | Слушать аудиоразбор

Венера Виллендорфская Автор неизвестен Известняк. Высота 11 см Музей естествознания, Вена Небольшая статуэтка обнаруженна в одном из древних захоронений граветтской культуры близ местечка Виллендорф в Вахау в Австрии 7 августа 1908 года. Возраст статуэтки насчитывает 29 500 лет. Почти ничего не известно ни о месте, ни о методе изготовления, ни о культурном назначении данной статуэтки. Фигура женщины выполнена в реалистическом стиле. Её грудь, живот и бёдра имеют большие округлые формы. Чётко выраженные линии подчёркивают пупок, половые органы и руки, сложенные на груди. На голове видны хорошо вырезанные волосы или головной убор; черты лица при этом полностью отсутствуют. Некоторые специалисты отождествляют её с Матерью-Землёй — хтонической богиней плодородия, почитавшейся в доиндоевропейской Европе. На 2005 год стоимость статуэтки оценивалась в 60 млн долларов.

Работа уникальной художницы XIX века снова превзошла ожидания аукционистов. Небольшая акварель викторианской миниатюристки Сары Биффин была продана за 9000 фунтов ($12.000), что почти удвоило предварительную оценку. Художница сотворила фурор. Родившись без рук и ног, она была участницей бродячего цирка, где ее прозвали «Чудом без конечностей». Свои работы она писала ртом.

Продолжаем историю про Поленова и Репина. Специально от меня для вас, мои дорогие читатели, необычная интерпретация событий вокруг Абрамцевского кружка - первой масштабной коллабрации русских художников, историков, литераторов, музыкантов. Итак, почему все-таки два этих художника? Прикрепляю их знаменитые картины. Казалось бы, ну что их могло связывать, если они такие разные? Как мы помним, они учились вместе. Вместе закончили Академию художеств и также вместе получили право отправиться в путешествие по Европе. Поленов отправляется в Рим, где и происходит его знакомство с одним из самых знаменитых меценатов конца 19 века - Саввой Мамонтовым. Кто такой меценат? Это человек, который способствует развитию науки и/или искусства. Именно таким был Савва Мамонтов. Так вот, меценат знакомится в Италии с Поленовым и приглашает его по возращении посетить свою усадьбу в Абрамцеве. Тем временем Репин…. дописывает своих бурлаков и отправляется в Париж на деньги Академии (пенсионерская поездка), по пути заезжает в Италию, где пересекается с Мамонтовым, и также получает то же самое предложение, что и Поленов. Вот так, в Италии, в начале 70-х годов 19 века, появилась идея создать Абрамцевский кружок. Конечно, изначально он так не назывался, у него вообще не было имени. Мамонтов просто приглашал разных художников к себе в усадьбу поработать и погостить. Был в Италии с Мамонтовым ещё один важный человек - Прахов. Историк искусств и археолог, вот он как раз будет одним из главных консультантов художников по части истории. To be continued :) PROабрамцевскийкружок

Врубель и жена Прахова Итак, продолжаем серию постов про Абрамцевский кружок и его участников Про Прахова вам писала, он был прям важным человеком в искусстве, со всеми общался и дружил, художников в гости приглашал. И как-то раз пригласил он в гости Врубеля, а там тот увидел его жену, Эмилию Прахову. Она тоже была близка к искусству, содержала салон (в переводе на современный язык - клуб по интересам), который посещали те, кто занимался оформлением Владимирского собора в Киеве. В общем, Врубель ее увидел и влюбился, портреты стал ее писать, ухаживать пытался. Надо сказать, что Эмилия его даже побаивалась:) ну а любовь осталась безответной, но вдохновляла художника. Врубель ее лицо взял за основу женского образа, который у него повторяется из картины в картину - большие глаза, пухлые губы. Нос подкорректировал только немного:) ну а когда с женой своей познакомился - Надеждой Забелой-Врубель, эти два образа смешал, и получилось то, что мы видим на всех его полотнах с женщинами. PROисториилюбви

Затопленная современность В 2018 году датский художник Асмунд Хавстин-Миккельсен создал проект «Затопленная современность». Он отправил на дно датского фьорда копию одного из самых важных зданий в истории французского модернизма — виллу Савой, построенную архитектором Ле Корбюзье в 1931 году. Копия виллы весит примерно 5,5 тонн. Для того чтобы поместить ее на дно, понадобился специальный кран, небольшая лодка и несколько рабочих. «…это критический комментарий к настоящему, попытка обратить внимание на важность того, что происходит сейчас в мире, и то, что мы будем делать с этим наследием в будущем», — говорит художник. Искусство или нет?

Небольшая кураторская экскурсия по выставке «Мумии Древнего Египта. Искусство бессмертия» До 31 мая в Пушкинском музее проходит первая полномасштабная выставка, посвященная мумиям Древнего Египта: более 400 экспонатов, большая часть которых еще не выставлялась и была доступна только специалистам. https://www.youtube.com/watch?v=RG5IjtW_E34

Валентин Серов "Окно" (1886) С августа 1884 года Серов гостит у Мамонтовых в Абрамцеве, а Ольга Трубникова, его возлюбленная, проводит лето в Псковской губернии. Они встретятся после долгой разлуки только летом 1886-го. Ольга приедет из Одессы в деревню Едимоново. И Валентин Серов задумает написать ее у окна. Эта небольшая картина – этюд к будущему портрету. Самой девушки на полотне еще нет. Но картина пропитана радостью предвкушения встречи с любимой. «Все, что я добивался, это той особой свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах», – говорил Серов.

Сразу обозначу - то, что пишу про Верещагина, относится исключительно к искусству и к тому, каким оно может быть разным. Аналогии с современностью проводить не нужно! Итак, классический батальный жанр, то есть картины, которые изображают военные действия, - обычно изображают триумф. У Верещагина все иначе. Он во многом наследует идеологию просветительства, мессианской идеи, искусство для него реализация важной просветительской идеи. А ведь он был великолепным пейзажистом. Верещагин говорил, что он не может писать пейзажи, так как это как красть время у солнца, когда нужно тратить энергию на просвещение общества. Он участвовал в войнах: в средней Азии, в русско-турецкой 1870х. Верещагин был документалистом и писал сериями. В своей "Туркестанской серии, которую, кстати, Третьяков купил полностью (это было условие художника) Верещагин с этнографической тщательностью изображает быт среднеазиатских народов — курение опиума, работорговли. В полотне "Двери Тамерлана" (Тимура) нас поражает застылость почти приравненных к дверям фигур стражников — неизменная, косная суть восточной жизни. Военные наблюдения Верещагин выразил в серии под названием "Варвары", включающей полотна “Нападают врасплох", "Представляют трофей", "Торжествуют". В документальности этих работ заключены сильные и слабые стороны метода художника. Их сила — в непосредственности, точности документального свидетельства. Их слабость — в отсутствии отбора, в умалении эмоционально-образного начала и психологической выразительности. В свете нынешних событий разбор картины "Апофеоз войны" оставлю за рамками блога. Или для личных встреч PROверещагин

Коллекционирование - что это такое вообще? Ооо, это отдельный мир в искусстве, целая Вселенная. Я искренне восхищаюсь коллекционерами, правда. Обычно широкая общественность их узнаёт только тогда, когда коллекция становится масштабной и дополняется известными шедеврами. Но мало кто знает, как она начинается. Итак, важнейшая характеристика коллекции - критерий качества - масштаб и оригинальность идеи. А вот начать собирать то, что другие считают сначала бессмысленным, а потом интересным и достойным коллекционирования - вот это высший пилотаж! И ещё … собрать коллекцию, имея деньги и консультантов - много ума не надо. А вот собирать ее, покупая произведения у наследников, на блошиных рынках, за границей, где вещи эти никому не нужны - вот это уровень. И разбираться в предмете очень важно, по-настоящему им гореть. Вы увлекаетесь коллекционированием?

Карп Бык карп — XVIII век; бык — 1763 Ито Дзякутю ГМИИ им. А.С. Пушкина Об авторе Ито Дзякутю происходил из семьи богатых торговцев и должен был продолжить дело отца, хотя считал себя не подходящим для этой работы по складу характера. С юности он интересовался живописью, брал уроки у мастера школы Кано, однако только в 40 лет смог оставить семейное дело и полностью посвятить время искусству Кисти Дзякутю принадлежат работы совершенно разные и по жанру, и по технике, но везде проявляется яркая индивидуальность этого художника. В окружающем мире его особенно привлекали насыщенные цвета, и поэтому он так любил писать разноцветных ярких петухов или жёлтых цыплят. Но даже в монохромных, выполненных только тушью работах, таких как «Карп» и «Бык», что представлены на выставке, художник подчёркивает эффектность контраста между глубоким чёрным цветом туши и белизной бумаги. Обращает на себя внимание и композиционное построение свитков: художник не боится приблизить объекты к первому плану и дать их фрагментарно. О произведении Дзякутю очерчивает мощное тело быка решительными мазками сухой кисти. А для написания плавников и хвоста карпа Дзякутю применил необычную технику судзимэ-гаки («складки»), которую считали неприемлемой крупные художники школы Кано. Техника судзимэ-гаки заключается в том, что художник пишет очень жидкой тушью, а мазки накладывает так, чтобы между ними оставалась небольшая полоса чистого листа. Три эксцентрика За смелость техники и неординарность подхода Ито Дзякутю причисляют к «трём эксцентрикам» эпохи Эдо. Кроме него, в их числе Нагасава Росэцу (1754–1799) и Сога Сёхаку (1730–1781). Все три художника признаны выдающимися живописцами своего времени. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Если бы детям показывали картины, связанные с тем, что им интересно, то искусство они бы полюбили сразу. Поэтому продолжаю рассказ про «Поэму семи сказок», чтобы вы потом могли передать свои знания и заинтересованность младшим по возрасту. Итак, еще одна картина Васнецова из этой серии - «Сивка-бурка». Создана она была уже после революции, в начале 1920-х годов. И здесь Васнецов обращается к теме любви, подчеркивая ее значимость и важность через мотив полета. Иван-дурак получил волшебного коня в награду за то, что исполнил последнюю волю своего отца. Именно на нем он взлетел к светелке царевны и поцеловал ее, тем самым доказал, что может быть претендентом на руку дочери царя. Как говорится: «Сказка - ложь, да в ней намек, добру молодцу урок». Так какой же здесь урок? Мне кажется, что такой - выход можно найти из любой ситуации, и за свое счастье можно и нужно бороться, даже иногда выходя за рамки разумного. PROваснецов

«Что он Гонзаге? Что ему Гонзага?» Был ли Рафаэль хорошо знаком с Элизабеттой? В отличие от многочисленных «Мадонн» и женских портретов, модели которых так и остались неизвестными (или, если их имена история сохранила, то роль в судьбе художника либо неясна совсем, либо же окутана легендами, в которых сложно отличить правду от вымысла), в случае с моделью этого портрета мы можем ответить утвердительно: да, Рафаэль знал её, и весьма близко. Но чтобы объяснить обстоятельства, в которых пересеклись герцогиня и Рафаэль, начать нужно с его отца – Джованни Санти. Как и сын, он был уроженцем итальянского города Урбино. Герцогом Урбино во время старшего Санти был кондотьер Федериго да Монтефельтро – выдающийся деятель эпохи Возрождения, военачальник, политик и ценитель искусств. Всем, кто интересуется живописью того периода, безусловно, хорошо памятен двойной портрет герцога Федериго и его жены Баттисты Сфорца, написанный Пьеро делла Франческа: увидев раз этот волевой профиль с выразительным изломом носа, его не скоро забудешь. У этого незаурядного правителя, задумавшего сделать из Урбино «идеальный город», «город-дворец», и состоял придворным художником Джованни Санти, отец Рафаэля. Шестым ребёнком герцога и его жены Баттисты был слабый и болезненный мальчик Гвидобальдо. Ему было лишь 10 лет, когда в 1482-м году скончался Федериго да Монтефельтро, но именно Гвидобальдо стал герцогом Урбино после отца, поскольку все дети, родившиеся до него, были девочками. В Национальной галерее Марке, в которую со временем трансформировался урбинский дворец, хранится династический портрет, на котором изображён Федериго и его маленький ангелоподобный наследник Гвидобальдо. Автора его мы точно не знаем: сначала считалось, что это Мелоццо да Форли, потом – Юстус ван Гент, сейчас более или менее единогласно предполагается, что портрет написал испанец Педро Берругете. Любопытней всего в этой картине детальное выписывание регалий: у Федериго на шее орден горностая, а под коленом – орден подвязки, а его маленький сын одет в платье, обильно покрытое крупными жемчужинами, его лоб и грудь украшают аметисты, напоминающие зодиакальные символы, а в руках Гвидобальдо держит скипетр Гонфалоньера (в Риме так называли главнокомандующего папскими войсками, во Флоренции – главу правительства и гаранта конституции), хотя по возрасту ему здесь не больше пяти лет. Итак, в 10 лет Гвидобальдо получил герцогство, а через 6 лет он задумал (или точнее, так решило его окружение) жениться. В невесты ему была выбрана наша героиня – Элизабетта Гонзага, сестра макграфа мантуанского. Она не отличалась особой красотой и была немного старше юного герцога да Монтефельтро, но влиятельные родственники сочли её прекрасной партией, и Гвидобальдо отправился на смотрины в Мантую. Иные беллетристы называют Элизабетту «перезрелой невестой» – по нашим временам, это смешно: Гвидобальдо было 16, а ей 17. Но если мы вспомним, как у Шекспира Парис, сватаясь к 14-летней Джульетте, говорит её сомневающемуся отцу, графу Капулетти: «Я матерей счастливых знал моложе…», нам станет понятнее это жестокое определение. При встрече Элизабетта поразила жениха разве что высоким, как для женщины, ростом. Известно, что после подписания в Мантуе всех документов, касающихся брачного договора, хилый Гвидобальдо решил покрасоваться в седле – и весьма неудачно. Норовистая лошадь скинула его на всём скаку, в Урбино герцог возвращался с переломами руки и рёбер и смещением шейных позвонков. Тем не менее, несмотря на неблагоприятные предзнаменования, громкая свадьба Элизабетты Гонзага и Гвидобальдо да Монтефельтро состоялась: из разных уголоков Италии съехалось более пятисот высокородных гостей, гуляния длились до глубокой ночи, а Джованни Санти в честь праздника даже сочинил и поставил трёхактную комедию в стихах, к которой сам написал декорации, и теперь стал считаться не просто художником, а чем-то вроде министра просвещения при герцогском дворе. Его сыну Рафаэлю в это время было около шести лет.

Возвращаемся в рабочий и познавательный ритм после новогодних каникул и череды застолий И начнем с интересного факта про пиры. Считайте, сами из-за пиршественного стола недавно вылезли И если вам кажется, что было слишком много застолий, то я вас разочарую. Новогодние праздники по сравнению с пиром на Руси - детские забавы. Итак, понравилось бы нам, современным людям, на царском пире 17 века? Сомневаюсь! Пир длился по 10-20 часов. Еды было не просто много, а очень много. Начиналось застолье с закусок - соленья, копченья, квашения. Икру, кстати, не жаловали - она была едой для простых людей, не царской. Разве что «заморская», баклажанная, могла появиться на царском столе. считался деликатесом, который привозили из Индии (как сохраняли его свежесть - вопрос ). После шли мясо и рыба. Но выносили не каждому по порции - нет. Были вертела и блюда с целыми свиньями, лебедями, кукушками, осетрами, быками, рысями. Чем больше приготовленная туша, тем интереснее она была нафарширована - целыми птицами, начиненными гречкой и овощами, например. Потом в ход шли пироги И только после всех этих роскошеств - суп. Ну а в конце - сладкое ???? Обязательно красивое, точнее, очень красивое. Сахарный Кремль или дерево с пряниками Всего на пиру подавалось около 500 блюд Понятно, что люди столько съесть не могли… Но для этого было решение! Существовали специальные комнаты, где можно было освободить желудок, пощекотав горло фазаньим пером, и продолжить есть. А и еще! Вместо салфеток использовали капустные листы P. S. Как вы праздники провели? Отдохнули? Я все равно немного работала. Провела несколько экскурсий, лекцию (первую в этом году) в закрытом клубе, написала для вас много интересного на ближайшее время В клуб, кстати, можно вступать️ у нас герой следующих 4 недель - Суриков. А в качестве иллюстрации к истории про пиры - картина Константина Маковского. Боярский свадебный пир в 17 века. 1883 На картине ошибка! Какая - скоро расскажу PROинтересныефакты

Уж замуж невтерпеж Была просьба рассказать про свадьбы ‍️ Итак! Вашему вниманию картина, которая показывает забытый нынче обычай - внимательный осмотр приданого невесты. Вообще приданое играло огромную роль при помоловке молодых! Чем лучше приданое, тем скорее девушка выйдет замуж Конечно, были невесты, которым в качестве приданого родители давали деньги, дворцы и фабрики, но давайте про средний класс. Что входило в приданое невесты? Одежда, мебель, посуда, текстиль (полотенца, постельное белье, скатерти), перины. После официальной помолвки описывали приданое! То есть была бумага, в которой было записано все, вплоть до чулок и нижнего белья. И каждая позиция должна была быть оценена в денежном эквиваленте. Описанное приданое привозили в дом жениха, где женская половина семьи внимательно бумагу с реальностью сверяла. Именно этот момент и изображен на картине Как видите, свекровь платьем из приданого невесты не очень довольна Иллюстрация - Василий Пукирев. Прием приданого в купеческой семье по росписи. 1873 PROинтересныефакты

Огонь, вода и неожиданный Айвазовский Иван Айвазовский - известный маринист, то есть художник, который писал морские пейзажи. Но не только их… У него было очень много батальных картин. Да-да, картин, изображающих войну. Но не на суше, а на море. Айвазовский же был не просто художником, а живописцем, который служил в Главном военном морском штабе. Рассмотрим одну из таких военных картин Ивана Константиновича - Чесменский бой, которая была создана в 1848 году. Произведение очень запоминающиеся, согласитесь! Пожар на фоне ночного неба. Очень драматично и контрастно. Но почему корабли горят? Рассказываю Для славы русского оружия Чесменское сражение было легендарным! Да что уж тут, весь мир это обсуждал. Во время русско-турецкой войны 1768-1774 годов в неравном бою в море была одержана победа над турецким флотом. За ночь он был почти полностью уничтожен. 26 наших кораблей победили 63 турецких ️ Как победили? Сожгли в Чесменской бухте корабли. Каким это было? Атака случилась ночью. Выход из бухты был загражден нашим флотом. А к турецким кораблям были направлены 4 брандера (небольших суда, наполненных порохом). Победу принес брандер Ильина - огонь с него перекинулся на турецкие корабли, которые за три часа были уничтожены. Собственно, момент пожара Айвазовский на картине и показывает. Тут, кстати, и люди есть - переднем плане слева турки, которым удалось спастись. P. S. Участники клуба и те, кто к нам планирует присоединиться - вы даже не представляете, сколько интересных и удивительных открытий вас ждет в лекциях про Айвазовского! буду рассказывать и про историю, и про религию, и про литературу, и про любовь Ну и напоминаю, что в боте вас ждет небольшая лекция про этого удивительного художника - смотреть видео ️ PROинтересныефакты PROайвазовский

Крымский Эрмитаж Так как мои мысли заняты Айвазовским, ведь уже в субботу первая лекция про него в закрытом клубе, то расскажу вам про то, что он сделал помимо того, что написал 6 000 картин (вдумайтесь в эту цифру). И как жил Итак, в Крыму, в Феодосии, есть дом, где жил и творил художник. Крым он очень любил, большую часть времени проводил именно там. Построив в 1845 году себе дом, Айвазовский устроил там галерею, в которой выставил 49 своих работ. И эта выставка была доступна всем! В 1880 пристроил дополнительный корпус. Тоже для того, чтобы показывать там искусство ️ таким образом, музей Айвазовского стал первым! музеем одного художника в нашей стране. Были ли другие музеи с искусством, доступные для публики? Да, к тому времени существовали Эрмитаж и Румянцевский музеи. Получается, третьим стал музей Айвазовского После смерти художник завещал передать музей городу. Так и было сделано Такой вот он был интересный человек - художник и создатель музея. Хотя не только (но об этом в лекциях) Но ладно, теперь хочу задать вам вопрос Как вы считаете, чтобы разобраться в искусстве, нужно ли ходить в музеи? И как лучше - сходить в музей, а потом прочитать про картины, или наоборот, сначала разобраться в предмете, а потом осознанно смотреть? Мне вот кажется, что лучше сначала узнать про искусство, а потом уже осознанно идти в музей. Так ощущения совсем иные. И так знаешь контекст - почему, зачем и когда написали картину Пишите свое мнение в комментариях PROинтересныефакты PROайвазовский

Васнецов младший Вижу, что про Аполлинария Васнецова вам узнать интересно С удовольствием немного про него расскажу! Надо сказать, что это большая редкость, когда художник не теряется в тени своего знаменитого родственника, а проходит свой весьма успешный путь. Итак! В 13 лет Аполлинарий остался сиротой. Так что его старшим товарищем, наставником, воспитателем стал старший брат - Виктор, наш с вами любимый сказочник. Он в тот момент учился в Академии художеств. Васнецов-младший идет по стопам брата, а, главное, знакомится со всеми его товарищами -художниками. Первым увлечением Аполлинария стала природа! Он даже чуть в Геологический институт не поступил Но все же решил отдать свою жизнь искусству. Первыми его шедеврами стали пейзажи. Один из них - «Родина», написанный в 1886 году, можете видеть в иллюстрации. Про Аполлинария говорили, что он «художник, который пишет по впечатлению». К вам вопрос Про него слышали когда-нибудь? Или большинство знает только Виктора Васнецова? PROинтересныефакты PROваснецов

Первый русский автопортрет или очень дерзкая картина Что ни день, то новые знания и интересные факты про искусство и культуру Итак, показываю вам первый русский автопортрет ️ То есть изображение художником самого себя. Почему это дерзкая картина? А потому что буквально за 30 лет до этого никто портретов то и не писал… светского искусства не существовало. А тут не просто портрет, выполненный художником, а изображение самого себя, да еще и с женой! Она, кстати, на тот момент была на 14 лет моложе супруга, хотя по картине и не скажешь… Скорее всего, Андрей Матвеев создал это произведение после своей учебной поездки в Европу. И подпись оставил очень самоуверенную: "Матвеевъ, Андрей, первый Русскiй живописецъ и его супруга. Писалъ самъ художникъ". Что еще интересно? Женщина тут по правую руку. А по этикетку это совсем не верно. Женщина должна стоять слева. Но давайте простим эту неточность живописцу. Он же хотел продемонстрировать свою прекрасную молодую супругу зрителям Кстати, это еще и первое произведение в истории нашего искусства, которое воспевает семейные ценности ️‍ P. S. Из всего искусства я больше всего люблю 18 век. Но отдаю себе отчет в том, что, чтобы его «прочувствовать», нужно знать, как развивалось наше искусство А вам как искусство 18 века? Нравится? Показать что-нибудь еще? Если да, ставьте Андрей Матвеев. Автопортрет с женой Ириной Степановной. Не ранее 1728 года PROинтересныефакты PRO18век

Первая запрещенная картина, историческая ошибка и самоубйиство. Часть 1 Новый день - новые знания про наше искусство и историю Как всегда - интересно! Итак, вы знали, что в искусстве тоже была цензура? Надо сказать, еще какая! Картина, которую вы видите в иллюстрации к посту, называется «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». 1883 -1885 Написано произведение Ильей Репиным. Так вот картина была запрещенной! Но об этом чуть позже давайте разберемся с сюжетом и немного с историей Что здесь изображено? Эпизод из жизни царя Ивана Грозного. Некоторые исторические источники пишут, что государь в сильном гневе нанёс смертельный удар своему сыну царевичу Ивану. А правда ли это? Ну, Репин в такой версии исторических событий не сомневался. Ведь об этом писали историки Ключевский и Карамзин. А они откуда взяли эту информацию? Из трактата «Московия» Антонио Поссевино, написанного в 1586 году. Антонио был папским легатом (то есть личным представителем) и секретарем ордена иезуитов. Что Поссевино делал в Московском царстве? Был посредником в переговорах между правителем Речи Посполитой (с которой мы очень долго воевали за выход к Балтийскому морю) и русским царем. Так вот Поссевино был тем, кто версию об убийстве Иваном Грозным своего сына в историю и «вписал». Но есть нюанс … В 20 веке, когда изучали останки царевича Ивана Ивановича, обнаружилось, что в них очень много ртути. Конечно, ее тогда использовали в качестве лекарства, но в умеренных дозах … Так что есть и вторая версия: царевича Ивана отравили а факты потом несколько исказили. Но вариант развития событий, согласно которому отец убивает своего сына, описанный папским представителем, прочно вошел в нашу историю и был очень популярен в 19 веке (да и сейчас тоже) Собственно, этот сюжет Репин на картине и живописал. Но как на это отреагировала власть и общество? Скоро расскажу! PROинтересныефакты PROживопись