Изображения цветов. Ви Данн-Харр (Vie Dunn-Harr), талантливый современный...

«Дрезденский алтарь» 1496—1497гг. Альбрехт Дюрер Сюжет центральной панели - поклонение Девы Марии Младенцу. Левая створка изображает святого Антония, он спокоен, несмотря на то, что окружен фантастическими существами, искушавшими его в пустыне. На правой створке - святой Себастьян. Его облик нетрадиционен: стрелы, которыми он был пронзен, отсутствуют, но на теле остались раны от них. Центральная панель помимо главной сцены содержит важные сюжетные детали. Так, рядом с Девой Марией на пю­питре помещена книга. Это аллюзия на Книгу Премудрости Соломона. Ангелы держат над головой Девы корону, что указывает на нее как на «Regina Coeli» (с латинского - «Царица Небесная»). Триптих, вопреки традиции, не предназначен для складывания, оборотные стороны его крыльев не расписаны. Алтарь предназначался для часовни замка Виттенберг, первоначально была выполнена лишь центральная его часть. Потом в связи с эпидемией чумы, к алтарю были добавлены две боковые панели с изображениями святых покровителей больных.

Баку 1927 Генрих Фогелер Старая и Новая Национальные Галереи, Берлин Фогелер представитель немецкого югендстиля (модерна). С 1923-го года Фогелер несколько раз ездил в Советский Союз. Впечатления о пребывании в СССР нашли отражение в таких «комплексных картинах» как «Баку». На картине отображены все события и изменения, которые выросли в столице Советского Азейбарджана на заре СССР. Живопись Фогелера начала 1930-х годов демонстрирует всё большее приближение к стандартам, заданным соцреалистическим методом изображения действительности. В 1931 художник получил приглашение в Советский Союз работать в Комитете по стандартизации, в 1932 году он был направлен на службу в бюро пропаганды в Ташкенте. Приход в Германии к власти нацистов сделал невозможным возвращение художника на родину. В сентябре 1941 года Фогелера как немца депортировали в Казахскую ССР, где он и скончался в Корнеевке в 1942 году.

А вот посмотрите на его трактовку изображения Товии, сына Товита, и ангела (я вот тут довольно подробно пересказывала эту ветхозаветную историю). Товия изображен совсем юношей и даже во втором варианте - буквально ребенком. Ангел ведет мальчика за собой, как старший товарищ. Оба героя смотрят друг на друга - архангел Рафаил сверху вниз, нежно, по родительски, а мальчик - завороженно. Картин, на которых Товия и Рафаил (или три архангела сразу - Рафаил, Михаил и Гавриил) возвращаются домой чтоб излечить Товита от слепоты, Боттичини написал штук семь. Вероятно, этот сюжет ему так нравился потому что он, будучи совсем юным, вступил в братство Архангела Рафаила. В общем, художник хоть и, если можно так сказать, вторичный, а все равно прекрасный.

Герасимов Александр Михайлович - Бомбейская танцовщица Герасимов имел дар легко схватывать портретное сходство и ощущал себя в первую очередь портретистом, хотя нередко обращался и к пейзажной живописи, создав ряд тонких и лиричных по настроению пейзажей ("Март в Козлове", 1914; "После дождя. Мокрая терраса", 1935, и др.). Среди его портретов, индивидуальных и групповых, со временем начинают преобладать изображения людей высокопоставленных, руководителей государства и партии. Его большие холсты, не лишенные плакатного пафоса, - "В. И. Ленин на трибуне" (1930), "И. В. Сталин и К Е. Ворошилов в Кремле" (1938), "Гимн Октябрю" (1942) и др. - становятся образцами официального стиля советской живописи. А с конца 1930-х гг. Герасимов не только живописец, но и официальный руководитель художественной жизни страны, жесткий хозяин, возглавлявший основные творческие организации: председатель правления Московского отделения Союза художников (1938-40), председатель оргкомитета Союза советских художников (1939-54)

Кошка с птенцом во рту 1885 Бруно Лильефорс Национальный музей, Стокгольм Этот художник один из лучших и самых ярких художников-анималистов Швеции конца XIX — начала XX века. Автор реалистических изображений животных и птиц в дикой природе. Его называют великим живописцем дикой природы, в работах мастера биологические принципы объединились с мастерством реалистического импрессионизма, наука стала частью искусства. Всю свою жизнь Лильефорс был азартным охотником, и часто изображал действия хищника и его жертва (например, охоту лисы на зайца, орлана на гагу, ястреба на тетерева и пр.). Его картины лишены сентиментальности. Влияние импрессионистов проявилось в его внимании к воздействию окружающей среды и света. Лильефорс был пионером изображения дикой природы в искусстве, установил стандарты анимализма и пейзажа, которые существенно повлияли на последующее развитие этого вида искусства в XX веке. А 1 марта, кстати, в России отмечают день кошек

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history

Изображения одежды на теле познавательное практика

"Бой быков" 1910 г. Петр Петрович Кончаловский Государственная Третьяковская галерея. «Бой быков» написан по мотивам испанских впечатлений. В Испанию Кончаловский ездил в 1910-х годах вместе со своим тестем Василием Суриковым. Именно эта поездка стала ключевой для его становления как художника, в ней Кончаловский обрел свой путь. Парадокс заключается в том, что «освободителями», как он сам их назвал, на этом новом пути стали французы – Сезанн, Матисс. Но первые полноценные самобытные работы художника – это изображения испанской корриды, которые сложно сопоставить с какими-либо работами европейцев. Кончаловский во время путешествия по Испании написал множество эскизов к этой картине. Окончательная версия существенно отличается от них. Причем художник убрал из картины именно то, что его особенно зацепило в реальности: «Меня поразила яркость красок: желтый песок, голубое небо и совершенно изумрудные тени». Действительно, один из предварительных вариантов картины, «Бой быков в Севилье» демонстрирует пронзительно голубое небо, его напряженный контраст с песчаной ареной и заполненными трибунами. От картины исходит ощущение густой, плотной энергии, она пышет зноем, волнует и завораживает. Но всё это безжалостно убрано из окончательного варианта. Кончаловский говорил, что хочет приблизить свой «Бой быков» к ярмарочному стилю, чтобы быки получились подобны лубочным медведям – большие, сильные, дикие. Чтобы они были страшные, но от них – не страшно. «Помните этих троицких игрушечников, которые всю свою жизнь резали из дерева какого-нибудь игрушечного медведя с мужиком? С какой простотой и силой передавали они самое существо зверя и человека, пуская в дело элементарнейшие средства, все сводя к двум-трем характернейшим деталям. Вот так именно, “по-мужицки”, “по-игрушечному” и хотелось мне дать быка во время боя», – пояснял он. Реминисценции народного творчества – вообще один из наиболее любимых неопримитивистами приемов. Именно за счет внесенных в окончательную картину поправок Кончаловский достигает этого стиля ярмарочности, эффекта игрушки. Пространство максимально приблизилось к зрителю и замкнулось. Не видно ни трибун, ни неба. Перед нами словно ярко раскрашенная коробочка с персонажами: багровая арена, алая ткань, черный бык с застывшим белым глазом, белая полоса на ограждении арены, не пересекающиеся с другими элементами цвета одежды тореадоров. Здесь нет движения, это слепок, момент без «до» и «после» – вопреки логике сюжета, который, по идее, говорит о движении. У Кончаловского получилось сделать «Бой быков» таким, как он запланировал. Мы знаем, что бык – страшен, что изображенная сцена – опасна. Более того, бой быков выходит за пределы корриды, становится боем со смертью, приобретая архетипическое величие. Но вот что удивительно – знание о том, что это страшно, не возбуждает страх. По той же причине, по которой мы не боимся игрушечного ярмарочного медведя. ПетрКончаловский Экспрессионизм _history

Чашки Петри, пульсирующие клетками Вена рубежа XIX–XX веков - интеллектуальный центр Австро-Венгерской империи, сердце познания и самопознания, эмансипации, синтеза передовой науки и самого утонченного искусства. В ее салонах собиралась интеллектуальная элита общества. Одним из самых модных таких салонов был дом четы Цукеркандель. Именно Эмиль Цукеркандель - анатом и антрополог показал молодому художнику Густаву Климту человеческие клетки под микроскопом. Климт был очарован этой красотой. А весь мир – очарован полотнами Климта, украшенными орнаментами на основе человеческих клеток. Например, на портрете Адели Блох-Бауэр орнаменты навеяны изображениями мужских и женских клеток. На картине «Надежда I» темно-синие одежды одного из персонажей украшены орнаментальным изображением сперматозоидов. А на картине «Даная» Климт, изобразил бластоцисты как метафору беременности. Чашки Петри с бьющимися тромбоцитами украшают и платье героини знаменитого «Поцелуя».

«Портрет Екатерины II» 1763г. Фёдор Рокотов Этот портрет был наиболее любим российской императрицей Екатериной II среди всех многочисленных ее парадных изображений. Он был приурочен к моменту коронации великой императрицы. Ее «золотой век» еще впереди, но на портрете она уже выступает как великая правительница. На картине можно найти все традиционные принципы парадного изображения, которые отсылают нас к классическим методам изображения царей, разработанных еще во времена Древнего Рима. На самом деле на полотне много отсылок к этому времени. Например, композиция картины с запечатленной на троне императрицей сразу указывает на ее главенствующее положение в обществе, недосягаемое для остальных смертных. Екатерина II изображена в профиль, что также характерно для античности. Ее лицо четко читается на фоне смутно видимой на заднем плане классической архитектуры с массивной колонной. Он выглядит совсем также, как и профили великих римских императоров на монетах и медалях времен античности.

"Гора Сент-Виктуар" 1887 г. Поль Сезанн Институт искусства Курто, Лондон. Сезанн жил одновременно с художниками-импрессионистами, участвовал в первой и третьей выставках, организованных «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов», он выходил на пленэры вместе с Писсарро и избавлялся от темных красок под его влиянием. Но именно пейзаж – тот художественный жанр, в котором Сезанн оказался самым неимпрессионистичным художником своего времени. И дело тут не в палитре и не в технике. Сезанн терпеть не мог теорий искусства – он как будто всегда боялся случайно увязнуть в одной из чужих стройных систем мировоззрения. В последние 20 лет жизни, сведя общение с художниками, писателями и семьей в основном почти к эпистолярному, он с удовольствием закрылся в небольшой студии и занялся поисками своей «земли обетованной». В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит этим картинам когда-нибудь оказаться на стенах Лувра. Нет-нет, он давно уже не грезит о славе и Лувре – он просто мучительно хочет выполнить одновременно несколько важных для себя задач: дать зрителю почувствовать красоту мест, столь близких и волнительно прекрасных для него лично, передать исключительно собственные эмоции и переживания от увиденного и при этом освободить изображение от всего лишнего и вскрыть через него логику природы, найти непреходящее, вечное – то, что присутствует на картинах старых мастеров. И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору Сент-Виктуар в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными. Эту картину Сезанн показал своим землякам на выставке, устроенной в Эксе в 1895 году Обществом художников-любителей. Они уже давно начали подумывать, что возможно Сезанн – не просто сумасшедший лицедей и к нему стоит присмотреться, решились в конце концов попробовать. Уже не ждущему признания художнику это предложение очень польстило. Он отправил на выставку две свои картины, увидев которые, смелые и прогрессивные художники-любители сразу забыли о желании быть смелыми и понять Сезанна – они повесили картины повыше, над входной дверью, чтоб в глаза сильно не бросались. Единственным человеком, который выразил художнику восторг от «Горы Сент-Виктуар», был сын местного бакалейщика Жоашим Гаске, начинающий поэт, позже написавший книгу о Сезанне. Растроганный Поль подарил юному Жоашиму картину. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории мировой живописи художник-еврей*, немного испанец, немного доминиканец, он все же известен как французский художник-импрессионист. Его искренне любили и уважали все друзья-художники и литераторы, независимо от темперамента и художественных принципов. Он обладал завидным внутренним стержнем, особой силой духа и характера, и, должно быть, золотой тенью – звездами импрессионизма стали те, кто работал рядом с ним и кого он перезнакомил друг с другом. Этот автопортрет написан в то время, когда Писсарро открывает французам Сезанна. Приглашает молодого художника, которого никто не воспринимает всерьез, к себе в дом, настойчиво рекомендует включить его работы в экспозицию выставок импрессионистов, дает Полю уроки, которые тот не забудет никогда. Для обоих художников это было время перемены стиля и взаимного обогащения художественными идеями. Писсарро учится по-сезанновски моделировать объем цветом и прорабатывать композицию, а Сезанн наконец-то впускает свет в свою палитру и избавляется от черного цвета. Свой автопортрет Писсарро пишет так же, как если бы это был холм в Понтуазе или уходящая вдаль дорога в Лювесьенне. Не водную гладь и не колышущиеся деревья, которые меняют форму от порывов ветра, а некую непоколебимую основательность, чье настроение меняется, а суть неизменна. Здесь та же неуловимая игра солнечного света, те же короткие мазки и ощущение живого мира. При этом нужно понимать, что Писсарро в 1873 году всего 43 года, война уже позади, а первая выставка импрессионистов состоится только через год. Это время надежд и дерзких экспериментов, время, когда старые художественные принципы и стандарты трещат по швам. А Писсарро… Он всегда был мудрым старцем, холмом, скалой и дорогой. *У евреев существует запрет на изображение визуальных образов: «не делай себе кумира и никакого изображения того, что на небе вверху, что на земле внизу, и что в воде ниже земли», вторая заповедь. В синагогах не встретишь фресок или скульптур. Британский искусствовед Вальдемар Янушчак считает, что до Писсарро никто из евреев этот запрет не нарушал, а потому до него не было художников-евреев. КамильПиссарро Импрессионизм _history

Поль Синьяк "Женщины у колодца" (1892) «Женщины у колодца» сделаны из конфетти» – столь уничижительную оценку дал этой картине Поль Гоген. В свое время именно он выгнал юного Синьяка с выставки импрессионистов, где тот вдохновенно делал наброски с Дега. «Здесь не копируют!», – заявил Гоген юнцу. Синьяк написал «Женщин» в разгар своего увлечения пуантилизмом – методом нанесения изображения с помощью отдельных точек контрастных чистых цветов.

open your eyes - здесь публикуют изображения с глубоким смыслом. Подпишись, тут есть над чем подумать.

Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс, «Лот и его дочери» (ок. 1613-1614) Стоимость: 58,2 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Сцена «Лот и его дочери» сэра Питера Пауля Рубенса с XIX века была включена во все основные каталоги картин художника. Но более столетия она скрывалась от публики в частных собраниях и была известна лишь по чёрно-белой фотографии. Прежде её владельцами были крупные антверпенские купцы, королевские особы и аристократы Европы, например, император Священной Римской империи Иосиф I и Джон Черчилль, первый герцог Мальборо. На аукционе в 2016 году иллюстрация к библейскому эпизоду соблазнения Лота его дочерьми стала самой дорогой работой старых мастеров за 250-летнюю историю Christie’s. Картину купил благотворительный фонд, который передал её в долгосрочную аренду Метрополитен-музею в Нью-Йорке. 4. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1611-1612) Стоимость: 76,5 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2002 Эта картина в конце XVII века вошла в коллекцию князя Лихтенштейна Ганса-Адама I и хранилась у его потомков до XIX века. Некоторое время её приписывали Франциску де Неве Младшему, затем Яну ван ден Хёке, одному из ассистентов Рубенса. В 2001 году было доказано, что это работа самого мастера барокко. Перед распродажей в июле 2002 года эксперты Sotheby’s оценили её в 4−6 миллионов фунтов стерлингов, однако в ходе торгов стоимость взлетела до 49,5 миллионов. Их выложил канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон. Впоследствии он передал полотно Художественной галерее Онтарио в Торонто. 3. Сандро Боттичелли, «Портрет юноши с медальоном» (ок. 1480) Стоимость: 92,2 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2021 До торгов в прессе муссировались сомнения о том, что картина принадлежит кисти самого Боттичелли. Однако они рассеялись после того, как неизвестный покупатель по телефону предложил окончательную цену. Глава отдела старых мастеров Sotheby’s Кристофер Апостол назвал все подозрения «отвлекающим манёвром». Искусствоведы были единодушны в том, что этот портрет длинноволосого юноши воплощает идеалы красоты Возрождения, а яркие краски и простота делают его «вечно современным». 2. Рембрандт ван Рейн, парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит (1634) Стоимость: 195 млн долларов Аукцион: закрытая сделка, 2016 Технически этим двум шедеврам Рембрандта не место в данном списке. Все приведённые здесь работы были проданы на открытых торгах, а свадебные портреты молодого купца и его невесты куплены в частной сделке. Её заключили Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже с бароном Ротшильдом, чей предок приобрёл картины в 1877 году. Эти изображения — единственные известные портреты Рембрандта в полный рост. Они были написаны когда самому мастеру было 28 лет. До продажи полотна в последний раз демонстрировались публике в Нидерландах в 1956 году. Теперь же оба музея-совладельца пообещали выставлять пару только вместе. 1. Леонардо да Винчи, «Спаситель Мира» (ок. 1500) Стоимость: 450,3 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Похоже, эта работа ещё многие годы будет удерживать лидерство среди самых дорогих произведений искусства в истории. Она же, судя по всему, станет одной из самых загадочных картин в мире. В 2016 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке её приобрёл неизвестный покупатель за невообразимую цену в 450 миллионов долларов. Позже СМИ уверенно назвали новым владельцем наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана. Однако после сенсационных торгов панель исчезла, породив множество слухов, предположений и фантастических теорий. Изображение Христа с полупрозрачным шаром в левой руке по-прежнему вызывает ожесточённые споры. Оно долгое время считалось копией, и окончательно было приписано гению Возрождения лишь после реставрации в 2006 году. Перед продажей картина выставлялась в 2011-м в Национальной галерее в Лондоне. Но даже после этого многие искусствоведы подвергают сомнению её атрибуцию. Жмите на ссылки в названиях! Первая часть вот тут. _history

В индонезийской пещере обнаружены старейшие в мире произведения искусства В пещерах на острове Сулавеси в Индонезии археологи обнаружили древнейшие наскальные рисунки. Радиоуглеродный метод датирования определяет возраст этих рисунков приблизительно в 40 тыс. лет. Среди петроглифов* в пещерах Сулавеси археологи выделяют рисунки диких копытных животных и трафаретные рисунки рук, сделанные путем выдувания краски вокруг прижатой к скале кисти. Находка в Индонезии говорит как о том, что искусство развивалось параллельно сразу в нескольких частях света, так и о том, что оно зародилось десятки тысяч лет назад. Исследователи точно не знают, что обозначают эти отпечатки рук. Возможно, это своеобразная подпись автора, а может, ранние признаки мистицизма. *Петро́глифы — выбитые или нанесённые краской изображения на каменной основе.

Картина «Вид Делфта». 1661 г. Автор Ян Вермеер. Картина очень четко делится по горизонтали на четыре части: набережная, вода, здания, небо. При этом для каждой части Вермеер использовал особенную технику. Например, для передачи блеска воды он воспользовался техникой пуантилизма, а для изображения камня смешивались неровные гранулы красок.

«Мальчик с юлой» 1738г. Жан Батист Симеон Шарден Интересно то, что свои изображения детей Жан Батист Симеон Шарден никогда не называл портретами. Вместо этого он употреблял такое определение, как «жанровая сцена». Как и взрослых, так и детей, живописец изображал непременно за каким-нибудь занятием. Действие помогало Шардену написать эмоции, сосредоточится на внутреннем мире. В картине преобладает зелёный колорит. Мастерское использование полутонов позволяет не только расставить акценты (например, розовый румянец) в работе, но и привнести дополнительные элементы, как косой солнечный луч на обоях или зеркальный стол. Представленная картина появилась на выставке в Салоне в 1738 году и удостоилась множества восхищённых отзывов. Популярность работы была такая, что Шарден создал ещё несколько полотен на данный сюжет.

Тональность Передача пропорциональных натуре тоновых и цветовых отношений может осуществляться в разных диапазонах светлоты и насыщенности красок палитры. Это зависит от общего состояния силы освещенности натуры и от удаления ее от рисующего. Чтобы передать это состояние, перед началом каждой работы с натуры художник предварительно выясняет, какими по силе света и силе цвета будут на этюде светлые и яркие пятна натуры. Так выдерживается тональный и цветовой масштаб изображения, в котором находят отражения тоновые и цветовые отношения предметов натурной постановки. АБВсловарь

«‎Портрет Петра III» Фёдор Рокотов Это яркий пример парадного портрета, выполненного талантливым художником с соблюдением всех правил и традиций изображения в стиле рококо. На картине присутствуют все важнейшие царские регалии — корона и скипетр, драгоценная горностаевая мантия, крытая золотистым бархатом. Но они изображены в стороне, а всю центральную часть занимает образ молодого властителя огромной страны. Его отнюдь не мужественная фигура облачена в плотно облегающий камзол, который только подчеркивает узость его хрупких плеч и намечающийся животик. Император подпоясан богатым золотистым кушаком, на котором сбоку висит крупная сабля или шпага с золотой рукояткой. Картина отличается богатейшей цветовой гаммой и тонко согласованным колоритом. Фигура императора четко вырисовывается на фоне грозового неба, а все малейшие детали его костюма тщательнейшим образом прописаны.

Медсестры Ричард Принс Современный американский художник-авангардист, перенявший талант эпатажа у Дали. Не стесняется в своих произведениях использовать чужие работы. Много сделал для антипропаганды рекламы. Однажды он заметил, что на обложках любовных романов очень часто встречаются изображения медсестер. Это наблюдение автор решил использовать в своем творчестве, и так на свет появилась серия картин «The Nurse Paintings», медсестры – сексуальные и не очень, опасные, печальные, сострадающие… На картинах использовал мрачно-кровавую палитру фона, а сами ангелы милосердия представали в совсем иной ипостаси… В произведениях делал акцент на темной стороне общества, развенчивал представления о морали и дискредитировал индустрию рекламы. Серия создавалась с 2002 по 2006 годы: за это время появились 42 картины. Художник сохранил оригинальные названия романов, которые стали названиями его работ: к примеру, «Своенравная медсестра» или «Иностранная медсестра»

«Автопортрет с желтыми лилиями» 1907г. Наталья Гончарова Гончарова написала автопортрет в своей московской мастерской, на стене – ее картины импрессионистического периода без рам. Изображения на этих полотнах наполнены бурным движением мазков, словно стремящихся за пределы холстов. Стихия красок торжествует над предметной средой, которой противопоставлена еще более энергичная, экспрессивная живопись переднего плана. Белоснежная с голубыми и розовыми рефлексами блуза, обрамленная синим контуром, подобна белому загрунтованному холсту, на котором изображены желтые лилии. Цветы уподобляются полыхающему в руках художницы факелу. Стремительные мазки огненных красок вызывают ассоциации с живописной манерой основоположника экспрессионизма Винсента Ван Гога, с которым Гончарова вступает в творческий диалог. Букет в грубой руке героини служит метафорой ее могучего творческого темперамента. Гончарова – одна из первых «амазонок авангарда», женщин-художников новой формации. На автопортрете – она прежде всего творец.

"Мопс в кресле" Альфред Дедрё, 1857 >Санкт-Петербург, Эрмитаж «Мопс в кресле» является одной из центральных картин в творчестве французского художника-анималиста Альфреда Дедрё. До сих пор не известно, что подтолкнуло художника к созданию полотна, ведь сразу виден пародийно-сатирический характер изображения. Развалившийся и задремавший в кресле с красно драпировкой мопс занимает центр картинной экспозиции. Рядом с ним находится небольшой столик с наполненным бокалом, а в ногах валяется помятый номер газеты «Le Figaro». Известно, в виде мопса изображён известный французский журналист Ипполит де Вильмессан, который возобновил выпуск той самой помятой газеты. В виде гончей же Дедрё изобразил изящного и утончённого графа Шарля де Монри, который был ближайшим другом Ипполита.

Молодой бык 1647 Музей Маурицхёйс, Гаага Пегая лошадь 1650-54 Музей Гетти, Лос-Анджелес Поттер Пауль Питерс — нидерландский художник, представитель золотого века голландской живописи — самая выдающаяся эпоха в нидерландской живописи, приходящаяся на XVII век.. Его творчество охватывает 130 картин, преимущественно пейзажей с детальным изображением домашних животных на лугах, жанровых картин и сцен охоты. Всемирную славу Паулюсу Поттеру обеспечили его изображения животных. Самой известной является большая картина «Молодой бык».

​​Свежие новости Выставочные планы Третьяковской галереи на июнь 2022: ️3 июня – 28 августа 2022 Святитель Николай Чудотворец. Иконы XIII–ХХ веков Инженерный корпус, Лаврушинский переулок, 12, 2-й этаж Святитель Николай архиепископ Мир Ликийских, — один из самых почитаемых святых христианского мира. На Руси святой Николай получил прозвания «угодник» и «скорый помощник». Ему было посвящено множество храмов, а его образы находились в каждой церкви. Святитель Николай покровительствовал и семье Третьяковых. На выставке будут представлены иконографические изводы, воспроизводящие чудотворные образы святителя Николая, которые сыграли заметную роль в русской истории и культуре: иконы Николы Зарайского и Николы Великорецкого, а также иконописные и резные реплики с деревянной статуи Николы Можайского. Ряд памятников экспонируются впервые. ️8 июня - 2 октября 2022 Петр Великий. Усы властелина Лаврушинский переулок, 10, зал 11 Камерная выставка, приуроченная к 350-летию со дня рождения Петра I, представляет около 30 произведений живописи, графики, скульптуры и книги. Экспозиция предлагает зрителям наглядный и весьма нетривиальный взгляд на портретные изображения Петра Великого, относящиеся к XVIII–XXI векам. ️ 16 июня – 14 ноября 2022 Василий Чекрыгин Новая Третьяковка, Крымский Вал, 10, зал 10 Расширенная экспозиция произведений Василия Чекрыгина знакомит с наследием едва ли не самого гениального художника-графика начала ХХ века. Графическими средствами мастер добивается впечатления прозрачности и эфемерности телесного начала, преображающегося в потоках света. ️29 июня – 18 сентября 2022 Велимир Хлебников. Король Времени Новая Третьяковка, Крымский Вал, 10, зал 10 Велимир Хлебников — выдающийся поэт начала XX века, прозаик, драматург, автор утопических теорий, вошедший в историю русской литературы как реформатор поэтического языка и один из основоположников футуризма в России. Региональные проекты: ️2 июня – 17 июля 2022 Сокровища Третьяковской галереи Якутск, Национальный художественный музей Республики Саха, ул. Кирова, 9, 2-й этаж Третьяковская галерея представляет крупный выставочный проект, приуроченный к празднованию 100-летия образования Якутской АССР. Представленные в экспозиции художественные произведения — это образцы классического русского и советского искусства. ️ 19 июня – 17 июля 2022 Выставка одной картины Калининград, Кафедральный собор, ул. Канта, 1 Проект, появившийся в 2018 году, откроется уже в четвертый раз. В этом году в Кафедральный собор приедет «Портрет сестер княжон А.Г. и В.Г. Гагариных» знаменитого художника-сентименталиста Владимира Боровиковского. Фото: ГТГ https://telegra.ph/file/ebd7a5f103fad5f830baf.jpg

"Женщины у колодца" 1892 г. Поль Синьяк Музей д’Орсе, Париж. ««Женщины у колодца» сделаны из конфетти», – столь уничижительную оценку дал этой картине Поль Гоген. Впрочем, Гоген уж точно не был «добрым ангелом» Поля Синьяка. В свое время именно он выгнал юного Поля с четвертой выставки импрессионистов, где тот вдохновенно делал наброски с Дега. «Здесь не копируют!», – заявил Гоген юнцу. Впрочем, Поля Синьяка это ничуть не смутило и не остановило в его исканиях. Синьяк написал «Женщин у колодца» в разгар своего увлечения пуантилизмом (он же – дивизионизм, неоимпрессионизм) – методом нанесения изображения с помощью отдельных точек контрастных чистых цветов. Работа эта было длительная и кропотливая и, честно говоря, не соответствовала темпераменту и устремлениям Синьяка. Метод пуантилизма, по его мнению, идеально подходил для монументальных декоративных панно. Да и основатель направления Жорж Сёра предпочитал масштабные полотна. Пуантилистский период у Поля Синьяка не было долгим, но оказал безусловно важное влияние на его становление. Полотно подчеркнуто декоративно. Обращает на себя внимание, что даже следуя неоимпрессионистической манере, Синьяк не останавливает время, подобно Сёра или тому, как это происходит на его собственной картине «Завтрак». Такие категории, как время и движение, здесь имеют место, женщина вдали не замерла, она именно идет, движется. Кувшин сейчас на веревке будет опущен в колодец, женщина слева явно пару минут назад присела на колодец. Точки Синьяка создают цвет и свет, делают изображение по-особенному нарядным, но не отменяют категорию времени и предполагают движение. Зыбкость точечного изображения у Синьяка вызывает ощущение не застывшего марева, а движущегося миража. Цвета использованы контрастные, поверхности окрашены чистым цветом. Синьяк - очень талантливый колорист, но в полной мере это проявится чуть позже, когда он заменит точку мазком и перестанет пытаться удержаться в рамках неоимпрессионистского «научного подхода». Его кисть – кисть эмоциональная, а не рассудочная (в отличие от Жоржа Сёра). Но ощущение особой легкости и умелое использование цвета заметны уже и в этой работе. ПольСиньяк Пуантилизм _history

Рим после эпохи Возрождения был центром притяжения для художников долгие века, местом, где случалось все самое важное, где можно было учиться у великих, и туда стремились мастера со всего мира - даже лучших выпускников Императорской Академии Искусств из России отправляли пожить в Риме за казенный счет. Так происходило примерно до девятнадцатого века, когда оказалось, что все самое интересное стало происходить во Франции. Но до того - Рим и только Рим. Для голландских и фламандских художников семнадцатого века путешествие в Рим и вовсе стало своего рода инициацией. Дело в том, что в 1604 году их земляк, художник и писатель Карел ван Мандер, опубликовал книгу, которая свела всех с ума и которая по сей день входит в перечень важнейших нидерландских книг. Это был трактат об искусстве, Шильдер-Бёк, что в переводе означает “Книга об искусстве” или “Книга об изображениях. Книга эта состоит из шести частей. 1. Основы благородного и свободного искусства живописи (тут вводная часть, где читателю рассказывают про основы. Например, объясняют, что такое пейзаж, композиция и драпировка). 2. Жизни выдающихся древних художников, включая египтян, греков и римлян (вольный пересказ избранных отрывков из “Естественной истории” Плиния). 3. Жизнь современных или современных прославленных итальянских художников (этот том, по сути, был переработанным и дополненным пересказом “Жизнеописания наиболее великих художников” Джорджо Вазари). 4. Жизни выдающихся нидерландских и немецких художников (тут уж ван Мандер работал сам и перечислил, снабдив биографическими зарисовками, несколько десятков важнейших мастеров Нидерладов и окрестностей; это том считается самым важным в его работе, а еще он самый длинный). 5. Комментарий к Метаморфозам Овидия (казалось бы, внезапно, но на самом деле тут автор, вслед за теоретиками итальянского Ренессанса, объяснил читателю, что нет никакого противоречия между греческими мифами и Ветхим Заветом, а, наоборот, это вещи взаимообогащают друг друга - например, как, помните, у Боттичелли было, что Венера равна Мадонне и обратно). 6. Изображение фигур (тут рассказано о символическом значении разных зверей для успешного составления аллегорий и украшения сюжетов). Через два года после первого издания своей книги Карел ван Мандер умер, а второе издание было снабжено его биографией, вроде бы, написанной его сыном. Там рассказывалось про его детские шалости, талант поэта, годы учебы и, главное, описывалось путешествие в Рим, в которое он отправился в компании знатных юношей, но решил не спешить и добирался до Рима аж три года, по дороге занимаясь искусством и посещая мастерские всех встретившихся на пути художников. Именно этот факт привел молодых нидерландских художников в полный восторг. Вдохновленные книгой ван Мандера и его особым стилем путешествия, они хлынули в Рим. То есть, до этого нидерландцев в Риме и так хватало, но тут это паломничество стало более массовым. Доехать до Рима надо было почти без денег, зарабатывая на пути своими художественными талантами, приобретая новые знакомства и стараясь как-то выжить. Добирались годами. Доезжали не все. Некоторые разворачивались по пути, кто-то останавливался насовсем в каком-нибудь небольшом городе, а кто-то и вовсе сгинул. В общем, выходило, что доехавшие до Рима художники его в душе своей заслужили и завоевали. А еще по пути многие набирались опыта работы, насмотренности и приезжали уже серьезными мастерами и, главное, знающими, что своим трудом они теперь чего угодно смогут.

Искажающих сознание картины оптических иллюзий от Олега Шупляка Украинский художник Олег Шупляк , безусловно, знает, какими они могут быть ошеломляющими, ведь он специализируется на их создании. 52-летний художник учился на архитектора и в ходе этого своего обучения он научился создавать изображения внутри других изображений. Будучи очарованным этой техникой, в своё свободное время он стал рисовать знаменитых деятелей искусства и культуры, вписывая их в разные композиции - так и появились на свет его удивительные оптические иллюзии. Олег Шупляк - Галилео Галилей

Юбе́р Робе́р (фр. Hubert Robert, 22 мая 1733, Париж — 15 апреля 1808, там же) — французский пейзажист, получивший европейскую известность габаритными холстами с романтизированными изображениями античных руин в окружении идеализированной природы. Его прозвищем было «Робер из Развалин» (Robert des Ruines).

"Дождливый день в Париже. Собор Парижской Богоматери" 1910 г. Альбер Марке Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Дождливый день в Париже – идеально подходящий Альберу Марке сюжет. Его Париж серого цвета. Но серость эта – мягкая, спокойная, манящая, ни в коем случае не обреченная и безысходная. Набережная Сены, изящные арки мостов, Нотр-Дам де Пари – любимые объекты Марке. Художник снимал квартиру на пятом этаже и часто писал у окна, поэтому многие его городские пейзажи представляют вид сверху. А в данном случае – не просто сверху, а с уклоном, эдакая горка для глаз: взгляд сразу же скользит по мостовой вглубь холста. На первом плане – набережная, шагающие по мокрому тротуару парижане, угол дома. Но смысловой центр композиции – Собор Парижской Богоматери, чья громада вздымается на заднем плане. Светлая, почти прозрачная улица упирается в приземистый темный силуэт Нотр-Дам де Пари, и взгляд словно проваливается в него. Растерявшись, несколько мгновений ищет выход, затем спешно возвращается на поверхность, к переднему плану и уже более детально воспринимает всю картину. Мы видим зажатую строениями площадь перед собором, пешеходов, проезжающий вдали экипаж, подъемный кран. На углу здания на переднем плане – человек, идущий против сдувающего его ветра в направлении Малого моста. Таким образом, взгляд зрителя одновременно воспринимает всю картину и в то же время движется внутри нее, что в сочетании создает особую объемность восприятия. В городских пейзажах Марке удивительным образом соединены отстраненность и тонкий лиризм. Марке – не импрессионист. Он пишет дождливый день в Париже, а не свои от него впечатления, но чувства, которые этот день и этот город у него вызывают, мы ощущаем. После нескольких выставок, на которых были представлены его пейзажи, критики заговорили о таком явлении как «Париж Марке». Его изображения французской столицы сравнивали с работами импрессионистов и Мориса Утрилло, и говорили, что только им удавалось столь проникновенно и лирично показывать Париж. АльберМарке _history

Малоизвестный автсрийский художник Йоханнес Гумпп написал пару своих тройных автопортретов. Смотрите, это автопортрет на котором художник пишет автопортрет. Мы глядим на затылок художника, тот глядит в зеркало, а с нарисованного холста глядит на нас, зрителей, еще один художник. Вероятно, так Гумпп рассказывает как размышляет о себе, вглядываясь в себя, отвернувшись от людей, но при этом демонстрируя себя же, но ненастоящего, приукрашенного, нарисованного. Вообще, такие изображения себя в мастерской или за работой любили писать художники начиная века с шестнадцатого - изображали себя как аллегорию живописи, например, и могли носить такой портрет с собой чтоб демонстрировать заказчикам степень своего владения мастерством. Удобно ведь. Но тут интересно то, что художник стоит спиной - он нас в свою мастерскую совсем не приглашает, наоборот, мы будто за ним подглядываем. А еще нас отделяют от мастера кошка с собакой, явно в процессе ссоры - то есть нам, зрителям, еще и не очень рады. Картины были написаны, вероятно, примерно в 1646 году. Находятся в галерее Уффици во Флоренции.

"Маленькая девочка в синем кресле" 1878 г. Мэри Кассат Национальная галерея искусства, Вашингтон. Один из первых и лучших детских портретов Кассат, который, к тому же, зафиксировал переход художницы от реалистичной манеры живописи к импрессионизму. Эту картину вместе с десятью другими работами Кассат представила на четвертой, дебютной для нее выставке импрессионистов в апреле 1879 года. В создании «Маленькой девочки в синем кресле» непосредственным образом участвовал Эдгар Дега. Художники познакомились в 1877 году. Дега не только предложил американской коллеге выставляться с импрессионистами, но стал ее другом и наставником. Для картины позировала дочь одного из друзей Дега. Брюссельский грифон, изображенный в одном из кресел, — подарок художнице, который преподнес опять-таки Дега. Декоративная порода собак полюбилась Кассат во время путешествия в Антверпен в 1873 году. Обзаведясь первым щенком, она не расставалась с собаками этой породы до конца жизни. Позже Кассат неоднократно писала портреты женщин и детей, держащих на руках ее грифонов. В письме известному парижскому арт-дилеру Амбруазу Воллару Кассат призналась, что Дега помогал ей работать над фоном «Маленькой девочки в синем кресле». Многолетние исследования, проводившиеся в Национальной галерее искусства (Вашингтон), где хранится картина, подтвердили, что на ней есть следы кисти Дега. Кассат хотела представить картину в американском павильоне Всемирной выставки в Париже (1878 год), которая стала знаковым событием того времени. К примеру, соотечественник художницы Томас Эдисон презентовал там свои новые изобретения — мегафон и фонограф. Художница направила жюри «Маленькую девочку в синем кресле» и еще одну работу, название которой до сих пор неизвестно. «Неопознанную» картину включили в экспозицию, а вот детский портрет в импрессионистском стиле отклонили. Узнав об этом, Кассат была в ярости. Картина долгое время находилась в частных руках, пока в 1983 году тогдашние владельцы, чета Меллонов, не подарили ее вашингтонскому музею. Что же не понравилось жюри американского павильона, но восхитило зрителей выставки импрессионистов и до сих пор пленит любителей живописи? Сюжет картины предельно прост. Маленькая девочка, которая только что, судя по всему, бегала по комнате, расположилась в ярко-синем кресле. Взгляд у ребенка слегка недовольный. Девочке скучно, она, раскинув ноги в стороны, практически сползает с кресла, как часто делают непоседливые дети. Юбка задрана, колени оголены — приверженцев академической живописи, скорее всего, смущала именно «телесность» картины. Во второй половине XIX века детей все еще изображали как ангелочков — в чинных позах, в рюшках и со спокойным ясным взглядом. Импрессионизм, который декларировал «искренность в искусстве», отвергал такой подход. Кассат была одной из тех, кто стал изображать детей принципиально по-новому, в их «естественной среде». При помощи ограниченной палитры красок, широких мазков и ассиметричной композиции Кассат придала картине внутреннюю динамику. Свет, входящий в комнату через расположенные сзади двери, оживляет текстуру и рисунок неодушевленных предметов. Этот визуальный эффект усиливают энергичные мазки, с помощью которых выполнены бессистемно расставленные синие кресла и коричневато-серый пол. В противовес мебели девочка и собака изображены в состоянии покоя. Зрителям понятно, что художница «выхватила» момент между играми. Наклонная плоскость изображения и «обрезка» кресел выдают в картине влияние Дега и японской графики. Теоретики искусства называют «Маленькую девочку в синем кресле» одной из самых дерзких для своего времени иллюстраций детства. Картина Кассат передает то чувство несправедливости и беспомощности, которое ощущает подвижный ребенок, скованный социальными ограничениями взрослого мира. МэриКассат Импрессионизм _history

"Дома с пестрым бельем" 1914 г. Эгон Шиле Частная коллекция. У этой картины – редкая история. Совсем нечасто работы признанных художников выставляются на торги прямиком из музейных залов. А «Дома с пестрым бельем» в 2011 году попали в аукционный дом Sotheby’s именно из музея. Частный венский Музей Леопольда расстался с этим полотном, чтобы расплатиться по реституционному иску. Запутанное дело, которое началось совсем с другой картины Шиле. Некоторые ценные экспонаты Рудольф Леопольд, основатель галереи, получил сразу после окончания Второй мировой войны. И неудивительно, что среди приобретенных коллекционером полотен оказались потерянные, украденные или конфискованные у евреев, вынужденных эмигрировать из Австрии в 30-х годах. И вот в 1998 году наследники австрийской еврейки Леи Бонди Ярай предъявили свои права на картину Шиле «Портрет Валли», которая до прихода к власти нацистов находилась в частной коллекции в этой семье. Рудольф Леопольд всегда настаивал на честных отношениях с приобретенными когда-то шедеврами, а потому сохранить спорные картины в экспозиции было для него делом чести. Родственникам Леи Бонди Ярай были предложены 19 млн. долларов за то, чтобы картина осталась в музее. И наследники согласились. Для выплаты этой немаленькой суммы музею Леопольда, одному из самых посещаемых музеев Вены, пришлось расстаться с другой картиной Шиле – «Дома с пестрым бельем». А вот с этой картиной все чисто – у нее идеальный провенанс, а теперь еще и ценовой рекорд для творчества художника. В 2011 году «Дома с пестрым бельем» стали самой дорогой картиной Шиле и обошлись новому владельцу в 40 млн. долларов. Пейзажей в творчестве Шиле совсем немного – и практически все они находятся в экспозициях музеев. «Дома с пестрым бельем» - один из лучших. Это воспоминание о пребывании художника в городке Чески-Крумлов, где родилась его мать и куда Эгон Шиле сбежал от венской богемной жизни со своей подругой Валли Нойциль. Правда, им совсем недолго удалось прожить здесь. Необычную парочку, живущую без брака, жители в буквальном смысле изгнали из города: собрали подписи и выгнали. Тем не менее именно этот средневековый городок, в котором замерла история, стал главным героем городских пейзажей Шиле. Вернее, не сам город, а впечатления от него. В изображениях Чески-Крумлова нет никаких топографических совпадений с реальными местами, искусствоведы пытались найти совпадения, но тщетно. Зато здесь есть излюбленный взгляд Шиле на мир – с точки зрения то ли птицы, то ли небожителя – сверху. Так же художник любил рисовать и своих обнаженных женщин – взбирался на лестницу с бумагой или холстом и навесу делал зарисовки модели. Поднимаясь над городом или над женщиной, Шиле забирает с собой в небеса и зрителя – чтобы видеть мир иначе. ЭгонШиле Модерн _history

Нумизмат 1904 Вильгельм Хаммерсхёй Национальный музей, Осло Датский художник, представитель символистского направления в живописи. Полотна Хаммерсхёя часто изображают домашние интерьеры. Работы его полны тишины, покоя и меланхолии. Изображения большей частью переданы серой, белой, зелёной или синей краской, а также оттенками этих цветов. Художник преклонялся перед творчеством американца Джеймса Мак-Нейла Уистлера. Мы готовы представить себе какой угодно скрытый смысл в работах художника. В чем их секрет? Самого Хаммерсхёя трудно назвать словоохотливым человеком. Его круг общения, как утверждают искусствоведы, ограничивался родственниками и ближайшими друзьями. Именно они и становились героями его полотен. Художник много путешествовал, видел картины современников-импрессионистов и постимпрессионистов, но оставался верен своему монохромному безмолвному миру. От начала карьеры и до конца в его картинах присутствует одна и та же логика и однородность.

Персональная выставка Фан Лицзюнь 2006 Фан Лицзюнь Today Art, Пекин, Китай Современный китайский художник. Жанр: циничный реализм — одно популярнейших китайских движений и первое самостоятельное течение в китайском современном искусстве. В противовес соцреализму, воспевавшему политические события и вехи в истории китайского государства, циничный реализм изображает холодное, реалистичное отношение к происходящему в стране, заостряя внимание на психологическом конфликте в умах китайцев. Основным методом художников стало не отображение абсурдных явлений, а намеренное искажение отдельных элементов реальности для выражения общей абсурдности окружающей жизни. Циничный реализм перенял основные методы китайского соцреализма: как пример, голубое небо и чистая вода являлись одни из главных приёмов китайского соцреализма для выражения мира и спокойствия, в произведениях циничного реализма эти же тона становятся фоном для изображения противоположного.

"Стол и стулья" 1912 г. Андре Дерен Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. «Стол и стулья» – один из ряда натюрмортов, демонстрирующих прощание Дерена с фовистической традицией. Следующим этапом стало увлечение кубизмом, а если быть точнее – Сезанном, ставшим предвестником кубизма. В натюрморте легко узнаваем диалог с Сезанном. Традиционная белая скатерть Сезанна, плотность, объем, вес предметов, сдержанная палитра… Красочное буйство и плоскостные изображения фовистической поры остались позади. Но дальше сезанновского "протокубизма" Дерен в этом направлении не пойдет. В жизни он дружил с Пикассо, а в искусстве его увлечение кубизмом оказалось недолгим. «Невозможно все свести к прямым линиям… Изгиб подбородка не похож на изгиб тарелки», – пояснял свой уход от идей кубизма Андре Дерен. В натюрморте «Стол и стулья» подчеркнута геометричность форм. Ключевой, повторяющейся фигурой является окружность: круглый стол, видимые направленному сверху взгляду круги ваз и бокала, шарообразные фрукты, расставленные по кругу стулья. Интересно, что хлебница (слева) показана не сверху, а сбоку. Это вполне укладывается в рамки кубизма, в нем приветствовались множественные точки видения. Колорит картины сдержанный и при этом насыщенный. Преобладают три оттенка: различные вариации коричневого, серо-зеленый и бело-голубой. Это тоже в рамках кубистической традиции, но даже в таком минималистическом колорите проявилось тонкое чувство цвета, присущее Дерену: рыжеватый оттенок вазы, теплый тон стульев и бордовые фрукты, зеленые всполохи на скатерти и плотная портьера. В целом настроение картины несколько мрачновато, что в принципе присуще многим натюрмортам Сезанна и картинам кубистов. Интересно проследить эволюции натюрморта в жанре Андре Дерена. Если рассмотреть один из первых натюрмортов, датированный 1904 годом, бросается в глаза некоторая чрезмерность изображенных предметов: бутылки, кувшины, миски, тарелки фруктов. Художник только осваивает предметные и пространственные свойства, жадно сочетает разные формы, объемы, фактуру: скомканная скатерть на первом плане, несколько беспорядочное скопление различных по форме предметов на заднем. Здесь уже можно угадать стремление Дерена к декоративности, которое в следующем, 1905 году, наберет силу и приведет к появлению фовизма. А пока это лишь сочетание голубоватых отсветов на блюдах и скатерти, прохлады зелени и неожиданно теплого оттенка на участке залитом солнцем скатерти, и красный фон, и алые фрукты. Натюрморты кубистического периода, среди которых и рассматриваемый здесь, более лаконичны и сдержанны. Словно художник решил значительно сократить количество и разнообразие предметов, сделать более сдержанной палитру, лаконичной – композицию и придать изображению глубину. После Первой мировой войны Дерен решительно поворачивается к классике. Поздние работы написаны в духе старых музейных натюрмортов. По мнению некоторых исследователей, он перешел к «холодному натурализму», но, пожалуй, это слишком субъективное мнение. Тем более сам Дерен вовсе не стремился быть классифицирован, считая, что «живопись всегда остается одним и тем же – просто живописью». АндреДерен Натюрморт Кубизм _history

"Зонтик" 1777 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Увлекательная «Санта-Барбара» «Санта-Барбара» – это не только бесконечная американская мыльная опера. В Испании XVIII века так же называлась королевская ковровая фабрика – мануфактура «Санта-Барбара» (или, сказать проще, фабрика святой Варвары). «Совпадение? Не думаю», – так и тянет пошутить, тем более что и задача у обеих Санта-Барбар была примерно одинаковой: на длительное время сделать людям красиво, а также приятно, весело и интересно. Испанская «Санта-Барбара» для этой цели выпускала гобелены – большие безворсовые ковры ручной работы с жизнерадостными сюжетами и исполненными изящества харизматичными героями. Такие гобелены могли занимать почти всю стену, и ими с удовольствием декорировали не только частные дома, но и королевские покои. Вот на такую фабрику гобеленов и устроился работать приехавший в конце XVIII века в Мадрид из Сарагосы молодой художник Франсиско Гойя (справедливости ради скажем – попал он туда не с улицы, а по протекции Франсиско Байеу, придворного художника и старшего брата жены Гойи Хосефы). Задачей Гойи было создавать рисунки, на основе которых «Санта Барбара» будет ткать гобелены. Какие же сюжеты могут подойти? Кстати сказать, во Франции примерно в это же время или чуть раньше фабрику гобеленов возглавлял коллега Гойи – знаменитый художник Франсуа Буше. Темы для гобеленов выбирались идиллические: у французов это были резвящиеся на лоне природы пастухи и пастушки, в Испании персонажами гобеленов тоже были люди из простонародья – махо и манолас. Махо – это представители испанских городских низов, весёлые, темпераментные и витальные. Они готовы в любой момент схватиться за нож, не дураки выпить и вообще довольно криминализированы (как всякие социальные «низы») и в то же время остаются хранителями народных традиций. Их страстных подруг называют «махи» (отсюда – название известных картин Гойи). «Махи» – женщины легкого нрава и таких же правил, что отличает их от «манолас» – приличных девушек строгих правил, этаких «благородных мах», впрочем, столь же безоглядно уверенных в собственной неотразимости. Во времена Гойи изображения махо, мах и манолас были чрезвычайно популярны. Их национальные наряды были так выразительны, ярки и красивы, что даже аристократки, женщины из знатных родов, очень любили время от времени, особенно во время карнавалов и светских вечеринок, наряжаться в народном духе. Это было модно, а в текущей политической ситуации еще и помогало сохранять национальную идентичность. Особой приверженностью к испанскому народному костюму отличалась небезызвестная герцогиня Альба. На ростовых портретах Гойи она, аристократка, как раз одета в испанском народном стиле. Картоны Гойи для «Санта-Барбары» Всего Гойя выполнил не менее шестидесяти монументально-декоративных панно, служащих эскизами для гобеленовой мануфактуры. Их отличает удивительная, не представимая в дальнейшем творчестве Гойи искрящаяся жизнерадостность, многообразие и звучность палитры. Гойя вдохновенно создаёт счастливую утопию «естественного человека» с опорой на глубоко народные образы и представления о мире – образы той среды, откуда вышел и он сам. Картоны Гойи едва не были утрачены. После создания шпалер эскизы, на основе которых делались гобелены, становились не нужны. Сам Гойя, чей ранний период исследователи назовут «гобеленовым», не очень любил эти работы, справедливо полагая, что способен на большее, и не собирался их хранить. Картоны были забыты и некоторое время их местонахождение оставалось не известным. В 1860-х они были случайно обнаружены в каком-то подвале и переданы в Прадо. Гобелен Гойи «Зонтик» «Зонтик» – один из самых жизнерадостных и красивых картонов Гойи. Он изображает молодую манолас, сидящую на траве с маленькой собачкой на коленях. День солнечный, и чтобы красотка не обгорела, её услужливо прикрывает зонтиком юный махо в бархатном костюме и головном платке, которые, наряду с широкополыми шляпами, любили носить молодые испанцы. ФрансискоГойя Романтизм _history

Игроки в карты конец 19-го века Луис Уэйн Сумашедший художник, писавший исключительно котиков. Луис Уэйн - английский художник, известный своими многочисленными изображениями антропоморфных котов, кошек и котят. А насчет "без ума" - это в прямом смысле. Луис Уэйн страдал шизофренией. В 23 Луис женится на гувернантке своих сестёр Эмили Ричардсон, которая была старше его на десять лет, и переезжает жить к ней. Вскоре у Эмили обнаруживается рак и умирает через три года после свадьбы. Во время болезни единственным утешением Эмили был домашний чёрно-белый котёнок Питер. Чтобы порадовать Эмили, Уэйн обучил его различным трюкам: кот носил очки и сидел смирно перед книгой, делая вид, что читает. В это время сам Луис начинает рисовать с него многочисленные эскизы. Позже Уэйн писал о Питере: «Ему собственно и принадлежит заслуга в моей карьере и становлении моей работы». Питер изображён на многих ранних работах художника.

"Фокусник" 1502 г. Иероним Босх Муниципальный музей, Сен-Жермен-ан-Ле. Оригинал картины Иеронима Босха «Фокусник» не сохранился, однако произведение дошло до нас в нескольких копиях, наиболее точную из которых можно посмотреть в Муниципальном музее пригорода Парижа Сен-Жермен-ан-Ле. Копия имеет прямоугольную форму, но специалисты почти не сомневаются, что оригинальная композиция была вписана в круг, т.е. имела форму тондо (от итал. rotondo – круглый), наподобие «Извлечения камня глупости» – другой известной картины Босха. Круг, по своей сути, напоминает выпуклое средневековое зеркало или линзу: всё, что попадает в его пределы, приобретает искажённые пропорции и формы, но при этом становится очень наглядным. Датировка Традиционно «Фокусника» относили к раннему периоду творчества Босха – между 1475 и 1480 гг. Считалось, что несколько неловко написанные фигуры и неправильное перспективное сокращение (особенно заметное в изображении стола) говорят о неуверенности руки начинающего мастера. Весьма примитивный рисунок, с одной стороны, может указывать на авторскую неопытность. Но, с другой стороны, и во времена творческой зрелости Босх часто прибегал к намеренной архаизации и примитивизации приёмов изображения, так что вопрос с датировкой «Фокусника» остаётся открытым. Дендрохронологический анализ сен-жерменской копии указывает, что она создана около 1502 года. Сюжет На фоне выщербленной каменной стены, верхняя часть которой поросла травой, шарлатан в черном цилиндре и красном плаще дурачит доверчивую публику. Зрители монолитной группкой расположились у другого края стола и с изумлением глядят, как фокусник извлекает изо рта одного из зевак лягушку. Но вот юноша, обнимающий свою спутницу, замечает неладное и указывает на это пальцем: стоящий рядом человек в монашеской одежде, прикидывающийся слепым, запустил руку в карман «поглотителя лягушек» и пытается вытянуть оттуда кошелёк. Вероятно, это сообщник фокусника и всё представление рассчитано на то, чтобы усыпить бдительность публики и воспользоваться её доверчивой рассеянностью. Фокусник зажимает в пальцах миниатюрный шарик, на столе видны еще несколько шариков и напёрстки. Из прикреплённой к поясу фокусника корзинки выглядывает голова совы – привычной для Босха аллегории зла и дьявольских козней. Лягушки (одна сидит на столе, другая – виднеется во рту у «жертвы» фокусника) тоже рассматривается как символ порока. Сложнее трактовать символическое значение собаки (некоторые полагают, что это обезьянка) под столом и аиста, поглотителя лягушек, темный силуэт которого виден в левом верхнем углу. Над кем насмехается Босх? Чаще всего «Фокусника» трактуют как жанровую сценку, сатира которой направлена и на фокусников-мошенников, и в еще большей степени – на доверчивых разинь, готовых поверить любому ловкому проходимцу. Некоторые специалисты проводят параллели между извлечением лягушки фокусником и церковной процедурой изгнания дьявола. При таком подходе картина «Фокусник» приобретает антиклерикальный смысл, становится сатирой на священнослужителей, почём зря дурачащих доверчиваю паству. Эта идея подкрепляется и теми аргументами, что платье фокусника похоже на красную кардинальскую сутану, а «униформа» его сообщника напоминает об одежде монахов-доминиканцев. Возможно, Босх обличает здесь продажу индульгенций – отпущение грехов за деньги. Загадочный человек в зелёном Специалисты заметили, что персонаж в зеленом головном уборе и такого же цвета плаще (он стоит почти у середины стола и смотрит прямо на зрителя) появляется и на других работах Босха, например, в «Распятой мученице». Предполагают, что он писался с кого-то из реальных знакомых Босха, но вряд ли этот человек был художнику другом, поскольку на картинах он показан скорее в негативном ключе. ИеронимБосх _history

Реалистичные рисунки. Американская художница Карла Миалинн (Karla Mialynne). Изначально девушка начинала работать цветными карандашами. Позже к ним добавились маркеры и акриловые краски. В результате рождались гиперреалистичные картины на всевозможные темы, начиная от портретов знаменитостей, заканчивая изображениями животных. Ее иллюстрации используются в рекламах, для украшения панелей смартфонов и оформления календарей. Для того, чтобы ни у кого из зрителей не возникало сомнения в подлинности картины или предметов, которыми они были нарисованы, Karla Mialynne всегда выкладывает возле рисунка ряд карандашей и маркеров, которыми была написана работа.

"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти, Флоренция. Собрание Галереи Палатина, занимающей верхний этаж во флорентийском Палаццо Питти, начиналась с коллекции живописи олигархического семейства Медичи. Неудивительно, что одно из самых почетных мест отведено в галерее их придворному художнику и автору знаменитых «Жизнеописаний» Джорджо Вазари. Хранящееся там же «Искушение святого Иеронима» - одна из самых известных его картин. Иероним принадлежит к числу наиболее почитаемых католических святых. Как правило, в искусстве Возрождения и барокко его изображают с двумя обязательными атрибутами – пером и свитком, поскольку Иероним был переводчиком Священного Писания и создал одобренный церковью перевод Библии на латынь – Вульгату. Но Вазари выбирает для изображения менее распространённый сюжет с Иеронимом – момент борьбы аскета и пустынника с плотским искушением. Пышнотелые кудрявые купидоны позволяют догадаться, что женщина, присутствующая на картине, – это Венера, богиня любви и одна из излюбленных героинь творчества Вазари. Вообще, Венера и Иероним – персонажи не то чтобы из разных исторических эпох (во времена поздней античности верования в языческих божеств хронологически уживались с верой в Христа и почитанием христианских святых). Точнее будет сказать, Венера и Иероним – не из разных эпох, а из принципиально разных дискурсов, христианского и языческого. Вазари это, однако, не останавливает. Ему, похоже, импонирует подобная эклектика, ведь она позволяет «впрячь в одну телегу» и сугубо религиозное содержание (диктуемое заказчиком), и чтимую Вазари греко-римскую античность с её культом телесности. Об «Искушении святого Иеронима» Вазари оставил в «Жизнеописаниях» подробный комментарий, избавляющий нас от лишних поисковых усилий. Он объясняет, что праведник изображён в тот редкий момент, когда его преследуют искушения плоти – именно их и олицетворяет Венера, наделённая рыжими кудрявыми волосами и пышными плечами – почти обязательными чертами возрожденческой идеальной красавицы. Избавляется от греха Иероним, погружаясь в созерцание тела Христа на кресте. Интересно, что Его Вазари изображает не в виде распятия, гипсового или деревянного, а как живое человеческое тело, только в уменьшенном масштабе. По замыслу, это должно засвидетельствовать не книжную, а живую веру книжника Иеронима. Вера эта сильна настолько, что даже обращает в позорное бегство Венеру. Та держит в объятиях амура, а за руку ведёт, как пояснил Вазари, «фигуру Резвости». Стрелы амуров ломаются и не достигают цели. Голубкам Венеры нечего делать в жизни святого Иеронима. По части «многих интересных изобретений» и расстановки персонажей Вазари был большой затейник. Удачен ли замысел «Искушения святого Иеронима»? Мягко говоря – неоднозначен. Сам Вазари питал к картине смешанные чувства. О ней и о выполненной одновременно копии одной из работ Микеланджело он писал: «Хотя в то время все эти картины мне очень нравились и были написаны мною на совесть, всё же я так и не знаю, насколько они нравятся мне сейчас, в настоящем моём возрасте. Однако, поскольку искусство само по себе вещь трудная, нельзя требовать от художника того, что он сделать не может». И с этим, пожалуй, не поспоришь. ДжорджоВазари РелигиознаяСцена _history

​​️Венеция, Стоунхендж и древняя столица Ирака Ашшур могут быть внесены в список Всемирного наследия, находящегося под угрозой исчезновения. Окончательное решение будет принято на 45-й ежегодной конференции ЮНЕСКО в 2022 году. ️Святоносский маяк под Мурманском признан объектом культурного наследия федерального значения. Он является уникальным образцом деревянной фортификационной архитектуры 19 века. Это один из старейших действующих маяков в России, он был установлен на мысе Святой Нос в 1862 году. Маяк не переставал работать во время Первой мировой войны и Великой Отечественной войны. ️В Фонде Cartier в Париже 6 июля откроется выставка «Дэмиен Херст. Цветение вишни». Вопреки обычной для британского классика практике, все картины для этого проекта художник написал сам, без ассистентов. ️Галерея «Здесь на Таганке» представит выставку памяти художника Владислава Мамышева-Монро. ️️Три неизвестных ранее работы Ван Гога найдены, спрятанными в романе о французских крестьянах. Три эскиза публикуются в The Art Newspaper впервые! Открытия совершенно неизвестных рисунков Ван Гога сейчас редки — один или два раза в десятилетие. Рисунки выставлены в музее Ван Гога в Амстердаме на новой выставке Here to stay. Искусствоведы думают, что это не просто рисунки: возможно Ван Гог сделал именно закладку для книги, ведь художник был заядлым читателем. Фото: Слева — три изображения закладки в приближённости виде; справа — полный масштаб Courtesy of the Van Gogh Museum, Amsterdam (bought with support from BankGiro Loterij) https://telegra.ph/file/67eb6c677f82a867a7771.jpg

Сон 1910 Анри Руссо Стиль "Наивное искусство" (Примитивизм) Нью-Йоркский музей современного искусства «Сон» - последняя картина Анри Руссо, написанная за несколько месяцев до внезапной смерти художника. Как объяснял сам Руссо, на полотне изображен сон, который видит лежащая девушка. Обнаженная на диване – излюбленный и даже традиционный сюжет салонной живописи - на этой картине оказывается посреди джунглей.Тут, задолго до опытов сюрреализма, смешиваются сон и явь, демонстрируя реальность воображаемого. Руссо, никогда не покидавший Францию, удивительно ярко и сочно изображает тропическую растительность. И хотя его травы и цветы не имеют соответствий в атласах растений и являются плодом богатого воображения художника, они выписаны с предельной тщательностью. Так и не освоив законы перспективы, Руссо добивался реалистичного объема своих джунглей за счет цветовых нюансов – например, только для изображения листвы он использовал больше 20-ти оттенков зелёного.

"Купальщики на отдыхе" 1877 г. Поль Сезанн Фонд Барнса, Филадельфия. У Сезанна есть картины, которые стали культовыми для нескольких поколений художников. Непризнанный, отвергаемый, намеренно игнорируемый критиками, Сезанн считался непостижимым гением среди своих: художников-импрессионистов, нескольких коллекционеров и нескольких писателей. «Купальщики на отдыхе» - одна из тех картин, которые именно для этой небольшой группы почитателей имели огромную ценность, обладали сверхъестественными свойствами. Она появилась впервые на Третьей выставке импрессионистов в 1877 году – Сезанн тогда представил для экспозиции щедрую подборку: 14 картин и 3 акварели. После того, как выставка закроется, работы Сезанна в Париже увидеть не удастся очень долго – целых 12 лет. А пока художник привычно собирает возмущенные отзывы журналистов, критиков и зрителей. На его защиту встают лишь несколько человек – именно в «Купальщиках» эти несколько защитников видят древнюю мощь, микеланджеловскую монументальность фигур, непостижимую гармонию объемов, цвета, свойственные старинной керамике. Восторженные коллеги Сезанна удивляются, как другие не видят внутренней силы работы, как позволяют придирками к анатомическим неточностям уничтожить самый смысл полотна. Почитатели в своем мнении единодушны, они видят одно и то же: молчаливую гармонию, преобразующее божественное присутствие, вместо несовершенств – осознанные совершенствования, которыми Сезанн исправляет видимое. Третья выставка импрессионистов закрылась – и Сезанн уходит со сцены, закрывается в мастерской, работает как одержимый, но прежде всего ищет тишины и покоя, чтобы отключить хор спорщиков и найти теоретическое обовнование своих взглядов, своего способа видения. И тут же у самого Сезанна и у его картины «Купальщики на отдыхе» появляется новый поклонник – неожиданный и спасительный. Жан Ренуар в книге об отце и его друзьях рассказывает историю о первом владельце «Купальщиков». Сезанн вышел из поезда на вокзале Сен-Лазар и нес картину подмышкой – ее увидел молодой человек, тут же высказавший восхищение насыщенными цветами, которые художник использовал для изображения трав и деревьев. Сезанн, не раздумывая, подарил картину молодому человеку. Скоро они снова встретятся – и будут близкими друзьями. Счастливым обладателем «Купальщиков» стал композитор, поэт и музыкант Эрнест Кабанер. Нищий, изможденный, эксцентричный – Кабанер был другом Рембо и Верлена, играл в кабаках на фортепиано и «Купальщиков» водрузил над своей кроватью. Сезанн ценил мысли и взгляды Кабанера, а несколько лет спустя взял на себя заботу о смертельно больном друге. Он уговорил коллег-художников пожертвовать по несколько картин, от себя добавил две – и на вырученные деньги обеспечил своему первому стихийному поклоннику небольшую пенсию. После смерти Кабанера «Купальщиков» купил Гюстав Кайботт. И вместе с другими картинами его знаменитой коллекции, которую Кайботт завещал государству после смерти, сезанновское полотно наконец предстало перед двумя важными судьями: директором Школы изящных искусств и директором Люксембургского дворца. Эти двое принимали от умершего Кайботта его несвоевременный и провокативный дар. Как бы ни раскачивали импрессионисты за прошедшие 20 лет упрямо следующую по проторенной дороге крепкую повозку академического искусства, она лишь немного сдвинулась с основного курса. Для «Купальщиков» Сезанна в стенах парижских музеев пока места не нашлось – коллекцию Кайботта приняли в дар не полностью и, конечно, без этой картины. В итоге ее продали за границу – сейчас картина в Америке. Но истории искусства и самому Сезанну не столь важно было местонахождение «Купальщиков»: художник повторит центральную фигуру в нескольких отдельных полотнах, Эдгар Дега купит одну из этих версий для своей коллекции, одной из первых покупок юного Пабло Пикассо будет раскрашенная акварелью авторская литография по мотивам «Купальщиков». Остановить это движение уже не представлялось возможным – Сезанн протоптал для современного искусства новую тропинку и пошел по ней пешком. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

"Горизонт" Эрик Булатов, 1971-1972 В начале 1970-х годов Эрик Булатов создает первые картины-конструкции, картины-проекты, сталкивающие иллюзорное про­стран­ство классического пейзажа с фикси­рующими плоскость холста жесткими помехами в виде пла­кат­ных, геральдических или текстовых вставок. Здесь вместо линии горизонта мы ви­дим орденскую ленту или красную ковровую дорожку – со­ветские символы успеха. Именно такое сопоставление в одной картине образов, заим­ствованных из идеологизированного про­стран­ства советской реальности, и лирических ландшафтов, слова и изображения позво­лило крити­кам и историкам искусства причис­лить Булатова к основателям соц-арта и важ­нейшим фигурам московского концептуализма.

"Женщина за клавикордом" 1665 г. Геррит Доу Далиджская картинная галерея, Лондон. Панели на музыкальную тему встречаются в творчестве Геррита Доу относительно редко. Несмотря на то, что художник, судя по всему, сам играл на музыкальных инструментах, изображения музицирующих персонажей среди его работ можно пересчитать по пальцам. И потому «Женщина за клавикордом» представляет интерес не только как великолепный образец лейденской живописной школы fijnschilders («изысканных художников»), но и как картина, имеющая собственное «звучание». Сейчас произведение входит в коллекцию лондонской галереи Далиджа. Сама работа типична для техники fijnschilder, которая требовала гладкого письма, блестящих глянцевых поверхностей, точной передачи материалов, текстур и света, а также скрупулёзного, реалистичного изображения предметов в малых (иногда крошечных) масштабах. В этой композиции лучи солнца из окна мягко отражаются на полированном корпусе альта, подчёркивают бархатистость красной подушки и холод металла птичьей клетки. Складки гобелена, отведённого вправо, становятся практически осязаемыми. Виртуозная техника Геррита Доу принесла мастеру невероятный успех у коллекционеров XVII – XVIII веков, которые ценили его больше, чем любого другого голландского художника, включая Рембрандта. Доу писал в основном домашние сцены, часто с моральным или аллегорическим подтекстом. Изображение музыкантов в Нидерландах XVII века ассоциировалось с любовью. Здесь молодая женщина сделала паузу в игре, возможно, повернувшись к возлюбленному, который будет аккомпанировать ей на альте-да-гамба. На интимные отношения указывает, например, птичья клетка, которая тогда носила эротический подтекст. «Женщина за клавикордом» связана с другой «музыкальной» картиной Доу, «Молодая дама за вирджиналом», ныне хранящейся в частной коллекции. Обе работы были написаны в 1665 году, на обеих изображены женщины за инструментами. Однако одну и ту же тему голландский мастер интерпретировал с разными настроениями и смыслом. Если панель из коллекции галереи Далиджа представляет собой интимную и тихую сцену, то её «сестра» воплощает радости жизни. Позади девушки за вирджиналом находится группа людей, что придаёт сцене живости, в то время как женщина за клавикордом находится в комнате в умиротворённом одиночестве. Впервые обе работы демонстрировались вместе в 1665 году в Лейдене – на выставке, которую организовал Йохан де Бай, покровитель Доу. Возможно, это была первая в истории персональная экспозиция ещё живущего художника. В следующий раз картины воссоединились на короткое время лишь спустя три с половиной столетия – на показе в галерее Далиджа в 2016-м году. ГерритДоу Портрет Барокко _history https://t.me/pic_history2/266

Ищем иллюстраторов, чтобы обучить профессии с нуля до уровня PRO. За 12 месяцев вы научитесь создавать коммерческие иллюстрации, персонажей и анимацию и сможете зарабатывать от 80 000 рублей! На курсе возможна отсрочка платежа на шесть месяцев - первый платеж через полгода. Через 12 месяцев вы сможете: – Рисовать в цифре и от руки Освоите графические редакторы, чтобы создавать векторные и растровые изображения. – Выстраивать композицию Узнаете базовые принципы композиции и перспективы, научитесь использовать академические правила рисунка и эффектно выходить за их рамки. – Работать с цветом Научитесь использовать палитру, придавать настроение персонажу и рисунку с помощью цвета. – Создавать коммерческие иллюстрации Научитесь делать иконки, рекламную и книжную иллюстрацию. – Делать анимацию Сможете оживлять изображения в After Effects и правильно встраивать анимацию в проект. Переходите по ссылке, чтобы узнать подробности о курсе и забронировать место со скидкой: https://clc.am/m7BJlQ

​​Как красивая история оказалась грязной игрой О нарушении прав музеев в сфере NFT. Часть 1 С конца августа 2020 года до середины 2021 года в Российской Федерации проходил Год Германии в сфере образования и культуры, науки, экономики и политики. В мае 2021 года Эрмитаж – учитывая контекст Года Германии – разрешил в музее съёмку клипа на песню «Любимый город» германским музыкантом Тиллем Линндеманном. Но на днях стало известно, что господин Линдеманн выпускает серию NFT с цифровыми изображениями, подготовленными в Эрмитаже во время съёмок. Использование изображений предметов из собрания и интерьеров музея в коллекции токенов, ещё и с указанием «Hermitage Edition», не было и не могло быть согласовано с музеем. Предостережение о нарушении лицензионной политики Музея, направленное г-ну Линдеманну на стадии анонса его проекта «NFTill», не получило отклика – и нелегальные токены выгружены на маркетплейс. Теперь Эрмитаж – вероятно, одним из первых музеев в мире – столкнулся с недобросовестным использованием его имени и произведений в сфере NFT. Можно было бы сослаться на непроработанность мирового законодательства в этой сфере или банальное незнание. Но дело в том, что господин Линдеманн лично подписал договор с Эрмитажем, где чётко прописано разрешение на использование изображений Эрмитажа и всех подготовленных материалов исключительно в музыкальном клипе https://telegra.ph/file/3a6ab8a8d417e6506c050.jpg

​​️The Anish Kapoor Foundation займётся реновацией знаменитого венецианского Palazzo Manfrin 18 века и создаст выставочное пространство.   ️Карельские петроглифы Белого моря и Онежского озера вошли в список всемирного наследия ЮНЕСКО Это один из самых крупных по количеству изображений и по площади памятник наскального искусства: он насчитывает около 4,5 тыс. петроглифов, созданных 6–7 тыс. лет назад.   ️В Гараже завтра состоится презентация книги «Очевидность фильма: Аббас Киаростами».   Презентация проходит в рамках первой в России ретроспективы классика мирового кино Аббаса Киаростами — первого иранского режиссера, удостоенного «Золотой пальмовой ветви» Каннского кинофестиваля.   Регистрируйтесь бесплатно   ️Московская международная биеннале молодого искусства и Центр имени Вс. Мейерхольда запускают резиденцию Blackbox 2021/22.   В этом году резиденция Blackbox станет специальным проектом Московской международной биеннале молодого искусства. Ее цель — встреча театра и современного искусства.   ️Объявлены экспоненты Русского павильона на 59-й Венецианской биеннале. Россию представят художники Кирилл Савченков и Александра Сухарева.   Название основной темы биеннале «Молоко снов» вдохновлено одноименной детской книгой британской художницы-сюрреалистки Леоноры Каррингтон. Грядущая биеннале, по словам куратора ее главного проекта Чечилии Алемани, будет посвящена трем основным темам: изображениям тел и их метаморфозам, отношениям между людьми и технологиями, связи между телами и Землей.   Галерея Тейт в 2015 году и Музей современного искусства в Нью-Йорке в 2019 году организовали ретроспективу работ Леоноры Кэррингтон.   Обложка книги Леоноры Каррингтон «Молоко снов» Estate of Leonora Carrington   https://telegra.ph/file/dbf5d1066f1f0ab877be8.jpg

Мастерский замах сказочного дровосека 1855—1864 Ричард Дадд Галерея Тейт, Лондон Эту картину английский художник Ричарда Дадда писал 9 лет в лондонской психиатрической больнице Бедлам. Дадда посадили в лечебницу после убийства отца, в котором он увидел воплощение дьявола. В больнице художник не перестал писать и именно там создал свои самые известные произведения. За переплетение трав и цветов внижней части, взору зрителя предстаёт мир странных сказочных персонажей, которые застыли в ожидании удара дровосека по лесному ореху. Неизвестно, что находится внутри ореха, но кажется, будто бы, как только топор расколет его, спадёт какое-то заклятие и жизнь обитателей картины преобразится. Некоторые мазки он рассматривал через увеличительное стекло, пытаясь добиться совершенства. Он создал эффект практически трёхмерного изображения, однако считал полотно незавершённым. Действительно, нижний левый угол картины представляет собой только набросок.