​​Как красивая история оказалась грязной игрой О нарушении прав музеев в сфере...

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

Будущее/идеал В 2013 году американская художница Тара Субкофф создала перфоманс «Будущее/идеал». В перфомансе приняла участие актриса Милла Йовович. Её на 6 часов поместили в стеклянный короб, где она занималась своими делами на виду у многочисленных зрителей, не обращая на них никакого внимания. Её единственная связь с внешним миром — айфон, через который она заказывала доставку товаров из интернет-магазинов. Вначале Йовович с радостью распаковывала все покупки, пока её «стеклянный домик» не оказался полностью завален коробками. Завершился перформанс словами Миллы: «Нет, это уж слишком! Не понимаю, как всё это здесь оказалось! На самом деле мне не нужно столько всего!» Искусство или нет?

​Выставка “Переменное напряжение” Дата проведения: 25.02.21-11.03.21 Открытие: 25.02.21 четверг в 19.00 С 25 февраля по 11 марта в пространстве самоорганизованного сообщества «Галерея 22» в Электрических мастерских пройдет выставка «Переменное напряжение». За этим названием скрывается не выставка электротехнического оборудования, а рассуждения о различных видах напряжения, с которыми в наше непростое время сталкивается человек, а именно психологическим, социальным, визуальным, эстетическим. Отталкиваясь от места своего базирования, художники расширяют техническое понятие «переменного напряжения» до разных контекстов, пропуская этот заряд через себя и свое искусство. По невидимым проводам художественного высказывания авторы передают зрителю свое послание электронами и позитронами искусства, опираясь на внутреннее напряжение творческого потенциала. В современном мире, как и в современном искусстве, все переменно и все под напряжением, главное, чтобы не замкнуло. Участники выставки: Байдаков Константин (Северодвинск), Гришечкина Инна (Санкт-Петербург), Гулякина Ирина (Москва), Журавлева Вика (Воронеж), Имасс Тома (Москва), Коновалов Роман (Москва), Лазарева Ирина (Москва), Марковская Анастасия (Москва), Мора Валентин (Москва), Мунтян Артем (Нижневартовск), Шабалина Анастасия (Москва), Шолохова Елена (Москва). Идейный вдохновитель: Митерева Анна. Выставка открыта для посещения с 17 до 21 в ПТ, СБ, ВС. В остальные дни недели по предварительной записи в инстаграм https://instagram.com/22gallery.art?igshid=1atdy7mf87nvj Адрес: Электрический пер. д.3/10 стр. 3, 2 этаж, дверь слева от Ленина. Каналы 22 в соцсетях: телеграмм t.me/gallery22art и инстаграмм .art. Организатор: http://22gallery.art/ https://telegra.ph/file/d26efea1430bf2731a40b.jpg

«Дрезденский алтарь» 1496—1497гг. Альбрехт Дюрер Сюжет центральной панели - поклонение Девы Марии Младенцу. Левая створка изображает святого Антония, он спокоен, несмотря на то, что окружен фантастическими существами, искушавшими его в пустыне. На правой створке - святой Себастьян. Его облик нетрадиционен: стрелы, которыми он был пронзен, отсутствуют, но на теле остались раны от них. Центральная панель помимо главной сцены содержит важные сюжетные детали. Так, рядом с Девой Марией на пю­питре помещена книга. Это аллюзия на Книгу Премудрости Соломона. Ангелы держат над головой Девы корону, что указывает на нее как на «Regina Coeli» (с латинского - «Царица Небесная»). Триптих, вопреки традиции, не предназначен для складывания, оборотные стороны его крыльев не расписаны. Алтарь предназначался для часовни замка Виттенберг, первоначально была выполнена лишь центральная его часть. Потом в связи с эпидемией чумы, к алтарю были добавлены две боковые панели с изображениями святых покровителей больных.

Баку 1927 Генрих Фогелер Старая и Новая Национальные Галереи, Берлин Фогелер представитель немецкого югендстиля (модерна). С 1923-го года Фогелер несколько раз ездил в Советский Союз. Впечатления о пребывании в СССР нашли отражение в таких «комплексных картинах» как «Баку». На картине отображены все события и изменения, которые выросли в столице Советского Азейбарджана на заре СССР. Живопись Фогелера начала 1930-х годов демонстрирует всё большее приближение к стандартам, заданным соцреалистическим методом изображения действительности. В 1931 художник получил приглашение в Советский Союз работать в Комитете по стандартизации, в 1932 году он был направлен на службу в бюро пропаганды в Ташкенте. Приход в Германии к власти нацистов сделал невозможным возвращение художника на родину. В сентябре 1941 года Фогелера как немца депортировали в Казахскую ССР, где он и скончался в Корнеевке в 1942 году.

Каким был в жизни Михаил Врубель Легкости, с которой работал Михаил Врубель, силе, выразительности, стремительности его кисти завидовали многие. Он быстро отпускал натурщиков, тогда как другим приходилось оплачивать многочасовые сеансы. Он за полчаса набрасывал великолепный эскиз, над которым неделю безуспешно бились Серов с Коровиным. Крайне дисциплинированный в творчестве, он вел на удивление беспорядочный образ жизни. Окружал себя сомнительными и странными персонажами. Живя впроголодь, мог истратить последние деньги, к примеру, на пару лайковых перчаток или эпическую попойку. Был вдохновенным вралем. Однажды коллеги собрали ему денег, чтобы художник смог съездить из Киева в Харьков на похороны отца. И были немало удивлены, когда отец Врубеля — живой и здоровый — вскоре приехал в Киев навестить сына. Чувство ответственности было ему неведомо. Он мог опоздать на назначенную встречу на два дня. Или нарисовать поверх уже проданной заказчику картины цирковую наездницу, в которую был влюблен.

​​Российский художник выпустил линейку «невидимой» одежды. Коллекция как переосмысление изоляции. Андрей Артюхин, российский мультидисциплинарный художник и дизайнер, выпустил коллекцию одежды invisible.2.0.2.0, сочетающую в себе новые технологии и самые актуальные смыслы. «История вдохновлена городом и временем, «невидимыми людьми», кто растворился в окружающей среде, у кого нет лица, только фон. Изоляция — это не только люди в масках, но и ребята, которые доставляют еду, они заполнили города. Но мы их не замечаем», — прокомментировал автор. Коллекция играет со смыслами. Униформа — это всегда брендинг. Но очень часто форма делает людей лишь фоном нашей жизни, частью городской среды. Коллекция создана с использованием материалов RFID, блокирующей сигналы: полупрозрачная экранирующая ткань полностью блокирует GSM, 3G, LTE, Wi-Fi, Bluetooth сигналы мобильных телефонов. Материалы расположены в манжетах, рукавах, карманах — они защищают и делают невидимыми ваши смартфоны, ноутбуки, гаджеты, электронные часы, фитнес-трекеры. В этой одежде вы буквально невидимы. Подробнее https://telegra.ph/file/d81a70500d1479d7eaf50.jpg

​​️Борис Пиотровский станет вице-губернатором Петербурга, отвечающим за культуру и спорт.   ️Hamburger Kunsthalle создал и выложил онлайн каталог-резоне, включающий 843 произведения знаменитого немецкого художника Макса Бекманна. ️Полезный бесплатный вебинар для родителей от Московский института психоанализа и Центра толерантности Еврейского музея «Дети, родители и киберагрессия» пройдет 21 января. ️Даниловский рынок и онлайн-галерея Sample запускают совместный проект «Новый натюрморт: искусство в эпоху доставки». ️Неизданная обложка комикса о Тинтине продана за рекордные €3,2 млн. Кто смотрел мой рассказ о японском искусстве (выше в ленте), тот помнит как отличить японского дракона от китайского. Правильно: у японского дракона три пальца. На фото дракон китайский. Обложка комикса «Приключения Тинтина» для обложки альбома «Голубой лотос» с отчетливо видимыми линиями сгиба. 1936. Фото: Hergé Moulinsart https://telegra.ph/file/5cbe1c6edc29a0490e1f2.jpg

​​В России появился новый научный журнал о вопросах современного искусства. Музей «Гараж» выпустил первый номер рецензируемого научного журнала The Garage Journal. Первый номер — «Доступность и инклюзия в современном искусстве» — посвящен трудовому разнообразию в арт-среде, ее доступности для людей с инвалидностью, аутсайдерскому искусству и другим темам. The Garage Journal станет международной платформой для обсуждения: ️вопросов и проблем, связанных как с современными междисциплинарными гуманитарными исследованиями (инклюзия, научная этика, устойчивое развитие, миграция), ️так и с местом культурных институций в современном контексте. Материалы журнала можно найти в открытом доступе здесь https://telegra.ph/file/bb98b2013c16eb5f0d9ee.jpg

​​️The Artnewspaper Russia подобрала самые необычные выставки 2021 года.   ️В Венеции начался традиционный карнавал впервые полностью онлайн.   ️Музей истории ГУЛАГа стал лауреатом Музейной премии Совета Европы за 2021 год. ️Завтра в ГУМ-Red-Line на Красной площади совместно с Pearl Lam Galleries откроется выставка «Чжан Хуань. Любовь как мудрость», которая представит работы известного современного китайского художника Чжан Хуаня.   Картины Чжан Хуаня из серии «Любовь», созданной в 2020 году, были представлены на выставке «Чжан Хуань. В пепле истории» в Государственном Эрмитаже, а позже примут участие в масштабной ретроспективе художника на Венецианской биеннале.   Чжан Хуань размышляет о любви, которая «движет солнце и светила». Красные, почти абстрактные окружности на белом фоне необычны для Чжан Хуаня, выучившегося классическому китайскому реализму. Формы, напоминающие то шар, то солнце, то обнаженное сердце, не проявляют себя полностью, оставаясь неуловимыми. Фото: Чжан Хуань в мастерской. Courtesy of Pearl Lam Galleries https://telegra.ph/file/f24765f593743b3e5ec66.jpg

​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и виртуальная».   Экспозиция развивает острую тему: реально существующий город, разрушенный несколько раз, и его виртуальные воплощения, направленные на сохранение облика города.   Я уже рассказывала вам, что готовится полная цифровая модель Венеции. Недавно я общалась с подводными археологами и была просто шокирована, открыв целый мир цивилизаций, который сегодня находится под водой.   ️Во Франции объявили номинантов премии «Сезар». ️Фотовыставка о животных из приютов открылась на Цветном бульваре в Москве. Питомцев можно приютить! ️ГМИИ им. Пушкина рассказали о предстоящей выставке «Билл Виола. Путешествие души». Это будет первая в России ретроспектива классика видеоарта.   Билл Виола один из моих любимых современных художников. Сила стихий, религиозные и античные сюжеты, время и пространство — это все о Билле Виола. «Все художники эпохи Возрождения были одержимы изображением движения — развевающиеся одежды, морской шторм… — но Джотто был первым, кто использовал абсолютный эмоциональный реализм», — говорит художник. Ведь именно Джотто считают родоначальником эпохи Возрождения. Он начал писать небо голубым цветом — первый шаг к реализму. До этого небо изображалось золотым по канонам готики, как знак небесного Божественного света. Только послушайте: На фото я выбрала для вас инсталляцию «Вознесение Изольды». Виола изобразил Изольду восходящую из глубины к лучу света. Это прямая аллегория настолько глубокой и сильной любви Тристана и Изольды, что она не помешается в материальных телах героев и выходит за пределы земной жизни. Вода для Виолы — признак сильных эмоциональных чувств. Мгновенно вспоминаю «Песнь песней Соломона» — «ибо крепка, как смерть любовь... большие воды не могут потушить любви, и реки не зальют ее». Фото: Stella Art Foundation https://telegra.ph/file/9e547b09b945ef133fe82.jpg

VLADEY X проведет первый в 2021 году тематический аукцион — LOVE. Художественные высказывания звёзд российского искусства на тему любви будут выставлены и проданы на аукционе в субботу, 13 февраля. Как обычно, артбиржа VLADEY X начнется в 15.00. Среди топовых лотов выделяются работы: ️Олег Голосий «Вдвоем» 1990 года (Лот 9) ️Дубосарский и Виноградов «Паучок» 2004 года (Лот 8) ️Василий Слонов LOVE из проекта «Light my fire» (Лот 7), фотография ️Сергей Братков «Любовное отражение» 2009 года (Лот 5) ️Валерий Чтак «Любовь топора не требует» 2017 года (Лот 16) ️и другие! Владимир Овчаренко: «Наступил 2021 год, ковид отступает и VLADEY продолжает еженедельно радовать коллекционеров и любителей искусства новыми шедеврами. Тематические торги всем понравились, и в преддверии праздников мы подобрали великолепные подарки, их можно сделать любимому человеку, а можно порадовать и себя. Дарить искусство - что может быть лучше?” VLADEY X LOVE Живой аукцион с онлайн-участием 13 февраля 15:00 Каталог https://vladey.net/ru/auctions/xlove

Невероятная и взрывная картина на холсте "Микки и Белоснежка по мухоморам" сделает Ваш интерьер неповторимым. Всего от 450 руб. https://futuart.ru/products/kartina-mikki-i-belosnezhka-po-muhomoram «Дьявол кроется в деталях», как и лучший интерьер!

Иероним Босх  Смерть скупца 1500 Иероним Босх (около 1450-1516)) - ярчайший представитель Северного Возрождения, художник, чья личность не перестаёт оставаться загадкой, а творчество - источником вдохновения для современных художников, дизайнеров и кинематографистов. Сюжет картины взят из популярного во временя Босха трактата «Искусство умирать», в котором смерть человека рассматривается как итог бездарно либо праведно прожитой жизни. А мерой вещей является то, принимает ли умирающий заветы Христа или отвергает их. Перед такой же дилеммой оказывается и персонаж картины Босха. Зрителю открывается спальня со сводчатым высоким потолком и кроватью под пологом, на которой привстал измождённый умирающий. Смерть, традиционно изображаемая в виде скелета, завёрнутого в белый саван, заглядывает в его дверь. Она наводит на умирающего стрелу, но медлит в нерешительности. У скупца на смертном одре всё еще остаётся шанс на спасение. Накануне смерти он оказывается перед тем же выбором, который искушал его при жизни: деньги или спасение, кошелёк или вечная жизнь. С одной стороны ангел, заботливо поддерживающий больного сзади, указывает на распятие в арке оконного проёма под потолком. С другой стороны, дьявол в обличье невиданного монстра протягивает ему денежный мешок. И хотя Новый завет предостерегает о том, что «не можете служить Богу и маммоне» (обогащению), скупец отворачивается от ангела и инстинктивно тянет руки за мешком с деньгами. Вокруг резвятся разнообразные темные существа. Очевидно, это духи преисподней, слетевшиеся, чтобы склонить умирающего на свою сторону. Но окончательный выбор всё еще не сделан. Пока стрела смерти не пущена, у скупого остаётся шанс отвергнуть дьявола и последовать за ангелом в рай. художник Босх живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо

"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор американка Мэри Кассат сделала в одиннадцатилетнем возрасте, когда, побывав на Всемирной выставке в Париже, решила стать художницей. С тех пор ей приходилось отстаивать его, сталкиваясь с сопротивлением едва ли не на каждом шагу. Ее семья – сплошь преуспевающие банкиры, финансисты, промышленники – была против. Американское общество – в те годы бесконечно далекое от идей гендерного равноправия – было против. В 1861 году семнадцатилетняя Мэри поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. И встретилась со снисходительным пренебрежением менторов: в те времена было принято считать, что единственное искусство, необходимое девушке – это умение правильно оттопыривать мизинец, поднимая чашку чая. Позднее, оказавшись в Париже, Мэри Кассат обнаружила, что «раскованная» Европа не далеко ушла от пуританской Америки: в Парижскую школу изящных искусств женщин не принимали. Она училась практически самостоятельно – перебиваясь частными уроками, копируя полотна старых мастеров в Лувре, в одиночестве, наперекор всему. Ей нравилось рисовать. Но еще больше Мэри Кассат нравилось выбирать самой. В историю она вошла не только как одна из трех «гранд-дам импрессионизма» (наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон), но и как завзятая суфражистка – всю свою жизнь Мэри Кассат боролась за предоставление женщинам избирательных прав. Всемирную известность художнице принесла несколько неожиданная для столь эмансипированной особы тема: материнство и детство. Не имея своих детей (отказ от брака – еще один осознанный выбор Мэри Кассат), она как одержимая рисовала чужих. Возможно, таким образом, она компенсировала что-то в психологическом плане. Или делала это по идейным соображениям: Мэри Кассат без устали боролась со стереотипами, а феминистка, которую не интересуют дети – это стереотип. Не исключено, впрочем, что она просто любила детей: в конце концов, не всякий фанат, ну скажем, футбола выходит на поле сам. 1890-е годы, когда была написана картина «Мать и дитя», были для Кассат периодом уверенности, зрелости, признания. Ее роман с импрессионизмом испустил к тому времени дух. Художница, всегда стремившаяся к самостоятельности, переплавила все, чему училась – сначала у Коро и Жерома, а позднее – у Моне и Сезанна, в свою собственную, вполне узнаваемую манеру. Взглянув на эту работу, трудно не вспомнить пастели Эдгара Дега – давнего друга и наставника Кассат. Впрочем, у этих двоих было слишком много общего (оба питали слабость к пастели, оба были без ума от японской гравюры, оба были убежденными холостяками, оба под конец жизни практически ослепли). Так что здесь можно говорить не о влиянии, а о творческом родстве, почти мистической связи. Эксперименты с композицией, настроением, цветом остались позади – это вполне иконографическое изображение. У младенца не столько лицо, сколько лик. Остальное отдано на откуп скупой беглой штриховке. Отчасти это дань увлечению минималистичной восточной графикой. Отчасти – смысловой акцент. Ребенок явно накормлен, здоров и не обделен материнской лаской. Остальное, включая избирательные права женщин, не так уж важно. МэриКассат Импрессионизм _history

​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство обедает» Мясоедова Григорий Мясоедов - один из самых ярких представителей реализма второй половины XIX века. Художник принимал участие в создании Товарищества передвижных художественных выставок. Живописец, график, теоретик искусства. Ему удалось создать великолепное произведение «Земство обедает», которая отражает жизнь крестьян и дворян в России в период глобальных реформаций, а также острые социальные проблемы. Знаковую картину Мясоедова «Земство обедает» художник написал в 1872 году. Полотно было представлено на II-й выставке «передвижников» и была благоприятно воспринята публикой. Критики оценили картину как «одну из лучших и наиболее содержательных работ на современную тему». Таким образом, картина стала не только визитной карточкой Мясоедова, но и одним из лучших образцов реализма передвижников. Через год после написания «Земства» Мясоедов продал полотно меценату и коллекционеру Третьякову, который попросил его чуть доработать картину. Итак. Картина строится на реформационной России. Как правило, местные самоуправления только начали реформироваться в земства. Это тихий провинциальный городок. Сюжет картины предельно прост. Художник решил отобразить несоответствие сословий и социальные различия через трапезу. На переднем плане художник изобразил здание районного совета, верхняя часть крыльца имеет подсказку-надпись «Уездная земская управа». Внутри здания губернского совета разворачивается поистине аристократическая сцена: там виден официант, переставляющий блюда и бутылки с вином. По всей видимости, депутаты закончили обед. Зритель не видит весь дом, видны только светлая стена и два окна с дверью. Главные герои – крестьяне, которые сидят на крыльце у здания. Они ждут «хозяев», которые в это самое время завершили свою аристократическую трапезу (наверняка с шампанским и фазанами). Ожидая депутатов, крестьяне тоже решили пообедать. Их трапеза скудна и скромна, по сравнению c обедом «сильных мира сего». Еда простая: у одного сухой хлеб, у другого - хлеб с солью и пучок зеленого лука. Главным героям картины художник придал характерные черты (где-то лукавство, где-то благородство, а где-то обида). Главный посыл художника – передача яркого контраста между бедностью и богатством. Крестьяне думают об одном и том же и с горечью понимают, что справедливости у здания «Управы» им не добиться. https://telegra.ph/file/989c32dc9d6bda0b34c13.jpg

Как вам аудиоформат разборов? Многим из вас удобней слушать, а не читать длинные посты. Если вы из таких, то загляните в наш второй канал «Искусство слышать». Каждый день мы публикуем по одной картине, интересного материала уже очень много. Ждём вас в гости https://t.me/audiokartiny

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history

"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Летом 1888 года Винсент Ван Гог живет на юге Франции, в Арле, где пишет самые знаменитые свои картины. В июне художник решил отправиться к морю – в маленькую рыбацкую деревушку Сент-Мари-де-ла-Мер. Винсент надеялся, что морской воздух поправит его слабое здоровье, которое с каждым годом лишь ухудшалось из-за недоедания и алкогольных возлияний. В недельную поездку Ван Гог взял с собой три холста и несколько листов бумаги. Картина «Море в Сент-Мари» стала одним из двух морских пейзажей, написанных художником во время этого «отпуска». На третьем холсте Винсент изобразил белые деревенские домики. В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет. Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле. Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым». ВанГог Постимпрессионизм Марина _history

"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. С 50-х годов ХХ века картина Камиля Коро «Итальянка, или женщина с жёлтым рукавом» не выставлялась публично. Запертая в частных коллекциях, она пропала из виду. О ней начали забывать. Да и сам Коро существовал в общественном сознании как пейзажист по преимуществу. Однако в начале 2013 года в художественном мире произошла в некотором роде сенсация: стало известно о завещании скончавшегося в 2011 году Люсьена Фрейда – одного из наиболее дорогих художников своей эпохи и внука родоначальника психоанализа Зигмунда Фрейда. В завещании Люсьен Фрейд упоминал о благодарности английскому народу за гостеприимство, оказанное его еврейско-немецкой семье: когда-то она вынуждены была бежать от нацистов и нашла в Англии новую отчизну. Вещественным выражением этой благодарности стали несколько бронзовых скульптур Эдгара Дега и еще картина, которую сам Фрейд приобрёл в 2001 году на аукционе и с тех пор она украшала верхний этаж его дома в Лондоне. Люсьен Фрейд хотел, чтобы после его смерти она стала национальным достоянием Британии. Этой картиной была «Женщина с жёлтым рукавом» Коро. Французский художник XIX века Жан-Батист Камиль Коро (1796 – 1875) известен, прежде всего, как один из прямых предшественников импрессионизма, писавший лирические пейзажи. Его портреты – в основном поздние работы, и некоторые из них не менее значительны, чем его пейзажная живопись, хотя и менее известны. Интересно, что Коро, за редкими исключениями, почти не писал мужчин. Большинство его портретов – женские. Можно даже говорить об особом женском типе Коро – немного холодном, меланхолическом и совершенно чуждом всякого заигрывания со зрителем. Все «девушки Коро» погружены в себя, задумчивы и отстранённо-мечтательны. Таковы героини его знаменитых картин «Прерванное чтение» и «Ателье», таковы портреты племянниц художника Мари-Луизы Лауры Сеннегон, в замужестве госпожи Филибер Бодо, и Луизы Клер Сеннегон, будущей госпожи Шармуа, таков и последний шедевр 78-летнего Коро «Дама в голубом». Так что «тёмный, прямой и взыскательный взгляд» (воспользуемся строчками Марины Цветаевой) и плотно сжатые губы «Итальянки с жёлтым рукавом» не являются в творчестве Коро чем-то исключительным. Скорее, эти черты отражают его психологические предпочтения и, возможно, его собственный характер – закрытый, целеустремлённый и цельный. Трижды в своей жизни Коро путешествовал по Италии – в 1820-х, 1834-м и 1843-м. Именно там его талант окреп и освободился от сковывающих условностей французской Академии; в Италии Коро, можно сказать, нашёл себя. Он воздавал должное не только прелести итальянской природы, но красоте римских женщин. Сохранилось письмо художника к другу его молодости Абелю Осмону, фрагмент из которого уместно процитировать: «По-моему, римлянки – самые красивые женщины в мире… Их глаза, плечи, руки и бёдра превосходны. В этом они лучше, чем наши… Но, с другой стороны, им далеко до грации и любезности француженок… Как художник, я предпочитаю итальянку; но в вопросах, касающихся чувственности отношений между мужчиной и женщиной, - я однозначно выбираю француженку». КамильКоро Портрет Романтизм _history

​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ ЗАРАБОТКУ НА РИСОВАНИИ И РОСПИСИ СТЕН! Если Вам нравится рисовать и не нравится нынешняя работа, или заработок на ней, пора расширять свои границы и выходить на новый уровень! Живопись востребована всегда, и, имея навыки рисования и продвижения, Вы всегда будете обеспечены заказами и хорошим заработком. Я Арон Оноре, и за годы практики в живописи я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнайте, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie?utm_source=telegram&utm_campaign=simpleartist https://telegra.ph/file/e8ea6c30c7a993a38b11c.jpg

Как смешивать цвета и получить из мало - много познавательное

"Парижское кафе" 1875 г. Илья Ефимович Репин Частная коллекция. Как мог Репин написать какое-то там парижское кафе, когда на него после «Бурлаков» возлагали надежды как на певца народных чаяний и обличителя угнетателей?! Прогрессивная российская общественность негодовала. Крамской возмущался: «Я думал, что у вас сидит совершенно окрепшее убеждение относительно главных положений искусства, его средств и специально народная струна». Корней Чуковский в своих великолепно написанных воспоминаниях о Репине, изданных, однако, следует учитывать, в Советском Союзе, утверждал, что «Репин везде видел бурлаков». Не совсем верное замечание, прямо скажем. Видел Репин и французскую вольницу. Он стал пенсионером Императорской Академии художеств, получив за дипломную картину «Воскрешение дочери Иаира» Большую золотую медаль Академии и право на 6-летнюю стажировку в Италии и Франции. С восторгом говорил Репин о том, что французская живопись отбросила академические и публицистические рамки. «Царит наконец настоящее французское, увлекает оно весь свет блеском, вкусом, легкостью, грацией…», – в стороне от этого «настоящего французского» не остался и Репин. Картина оказалась скандальной не только для русских. Французская публика тоже была сконфужена. Обратимся к сюжету: празднично-легкомысленная атмосфера вечернего шумного кафе, блеск и обаяние парижских развлечений, волнующая атмосфера светской жизни. Кажется, празднично-расслабленный гул достигает наших ушей. Кто-то читает, кто-то разговаривает, официант разносит напитки. В центре внимания – женщина на переднем плане, с зонтом в руках. В чем же загвоздка? А в том, что дама пришла в кафе одна! Интересно, что на одном из предварительных эскизов она была изображена стоящей, явно кого-то ожидающей. Конечно, это совсем иное настроение, в окончательном варианте Репин от него отказался. Героиня его картины отнюдь не стоит, скромно опершись о стул и ожидая, пока явится ее сопровождение. Неотразимая в своей самоуверенности, горделивая, с вызовом как во взгляде, так и во всей позе, красавица с соболиными бровями представляет собой центр картины, всё крутится вокруг нее. Что означает ее двусмысленное положение? Почему она одна? Эмансипе? Кокотка в поисках клиента? С каким негодованием на нее взирает пышно одетая дама справа! А вот усатый мужчина подле нее с большим интересом смотрит в ту же сторону. А два франта вообще поспешно покидают заведение, оскорбленные до глубины души таким развратом – женщина (!) одна (!) явилась в кафе! Один из них отвернулся и, похоже, зевает – ему такое видеть не впервой, второй же, «как денди лондонский одет», не может отвести глаз от бесстыдства эдакого и пятится чуть ли не спиной вперед. Как тут не вспомнить явление народу дерзкой «Олимпии» Мане двенадцатью годами раньше? Тот же бесстыдный взгляд и эротизм, который не в изгибах женских прелестей, а в непередаваемой дерзости и свободе изображенной. Если Олимпию называли лежащей Венерой современности, то женщину Репина иные критики окрестили урбанистической Венерой. Позировала для нее актриса Анна Жидюк. Картину Репин выставил на Парижского Салоне весной 1875 года. Вероятно, под влиянием общественного мнения, дружно скандировавшего «Скандал, скандал!» (хоть русские и французы видели разные поводы для своего негодования), Репин уже готовую картину «подправил», сделав ее скромнее. Дерзкий взгляд девушки он погасил, заставив ее опустить глаза – и она уже казалось жертвой, а не нарушительницей заведенных приличий. ИльяРепин Реализм _history

Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать кряду, Тому вручает магистрат Почетную награду. Где-то далеко-далеко существует дивный край, страна Кокань. Чтоб туда попасть надо то ли найти сахарную гору и слизать ее, то ли проесть себе тоннель в пшеничной каше, но путешествие стоящее, ведь в этой волшебной стране вас ждет райское существование. Там в колодцах и реках благородные вина всех сортов, а на волнах качаются золотые и серебряные кубки чтоб эти вина зачерпывать, пироги и булки растут на деревьях, утки летают сразу жаренные и пытаются метко приземлиться прямо в открытый рот всем желающим, жареные поросята сразу с вилочкой в боку пасутся на лугах и сами предлагают собой отобедать. Дома сложены из множества вкуснейших рыб, дороги мостят сырами, а заборы состоят из колбас. Колбасы же колосятся на полях, а вокруг полей шкворчат на вертелах гуси и столы накрытые чем-то вроде скатертей-самобранок ежесекундно готовы предоставить блюда на любой вкус каждому желающему. Там всегда лето, но если вдруг зима и случается, то метели из муки и сахара. А еще три дня в неделю наблюдаются осадки из горячих кровяных колбас. Вот это уже звучит угрожающе, но все довольны. О, сколь много чудес в той стране! Ведь и одежда у всех там новая и чистая, никто не мерзнет и не одет в лохмотья, всем раздают лучшие суконщики прекрасные костюмчики, да туфельки. И любовь там процветает свободная - каждый может выбрать понравившуюся даму и каждая дама может свободно выбрать себе кавалера и никто их не осудит, потому что в стране Кокани осуждать не принято, там все счастливы. Это особенно прикольно, потому что первая рукопись про Кокань относится в 1250 году, а, вроде как, всего за лет 30 до этого католическая церковь официально постановила, что у женщины стоит спрашивать согласие на брак. Есть и некое противоречие - кто больше спит, тот больше всех зарабатывает, но совершенно не ясно зачем, ведь вокруг все бесплатное, а на полях тут и там валяются кошели полные разнообразных золотых монет. Наверное, так просто смешнее. Еще там необыкновенный календарь - в году четыре Пасхи, четыре дня святого Иоанна, четыре праздника сбора винограда, и вообще каждый день — либо праздничный, либо воскресный; есть четыре Дня Всех Святых, четыре Рождества, четыре Сретения, четыре праздника Карнавала, а вот Великий пост соблюдают лишь раз в двадцать лет, и то, по желанию. А самое чудесное, что есть в Кокани - это источник вечной молодости. Течет за городом река, Не широка, не глубока. Столетний дед с одышкой Ныряет в воду стариком, А вынырнет парнишкой. Когда поеду в ту страну, Я захвачу с собой жену. Пусть в речку окунется И вновь невестой молодой Немедля обернется.

Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по крайней мере, немногие рукописи бесконечной басни из почти двух сотен куплетов пришли именно оттуда), а потом уже идея этой волшебной страны добралась до Италии, Испании, Германии и Нидерландов. Не знаю точно, не из этой ли страны в наши края текла та самая молочная река с кисельными берегами. Забавно вот что - во французском варианте волшебную страну населяют благороднейшие и приятнейшие люди, в то время как в немецкой волшебной стране все сплошь жулики, тупицы и ротозеи, а хороших, то есть, трудолюбивых людей оттуда выгоняют. Протестантская мораль, знаете ли - ничего хорошего не может быть в месте, где все лентяи. Немецкий вариант Кокани, кстати, называется Шлараффенландом, а в переводе песни на русский язык Львом Гинсбуром она становится Шлараффией. Оттуда и кусочки стихов, а целиком вот тут эта песенка: https://facetia.ru/node/4756 Тут, конечно, поражает то, сколько внимания уделено еде. А это важно, потому что средневековому жителю голод грозил совершенно неиллюзорно и буквально постоянно. Не голод человека первого мира, когда захотелось пончик и не голод студенческий, когда выпил кипятка на ночь, а утром стрельнул макарон у соседа по общаге, а голод до смерти. Случилась засуха или пожар и конец тебе и всему твоему поселению. И на помощь никто не явится. Древние греки и римляне тоже про голод слыхали, но они умели накапливать ресурсы и у них была невероятная система дорог и передачи новостей. Средневековая Европа же эти блага немного прощелкала. То же самое касается и одежды, ведь одежда в средневековье выполняла, помимо прямого назначения - защиты и утепления, еще одну важнейшую функцию - по одежде можно было мгновенно понять кто перед тобой, крестьянин, купец, монах, рыцарь. А тут у всех такая одежда, какую пожелаешь! Так что, вот так выглядят средневековые мечты о бесклассовом обществе, обществе всеобщего благоденствия, где сама природа у человека на посылках, а труд полностью упразднен. Адам и Ева в раю не работали, а вот когда их выгнали, то труд стал их наказанием. Собственно, все это рассказываю, в основном стащив из небольшой статьи из сборника “Герои и Чудеса средних веков” историка-медиевиста Жака Ле Гоффа как предисловие к картине Питера Брейгеля Старшего “Страна Лентяев”. …Все это нынешней зимой Мне рассказал один немой, А подтвердил публично Слепой, который этот край Недавно видел лично.

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.

Встреча с незнакомцами 2009 Санг Ик Сео Корейский художественный музей, Сеул В картинах художника фантазии сочетаются с реальностью, часто с элементами юмора. Мы сталкиваемся с пространством нового повествования через акт «созерцания», как кролик, уносящий Алису в страну чудес. Образы из фильмов, повседневной жизни, литературы или воображения Сео вызывают новые пространства и повествования. Просмотр его картин подобен чтению сказки. Прогулка по его картине заставляет зрителя улыбаться своим остроумием и юмором. Сам художник говорит: "Мы живем не только в поверхностном и материальном мире, а ещё и в воображаемом мире или, возможно, между этими двумя сферами. Я комбинирую эти два мира в своих картинах, чтобы показать подлинность повседневной жизни. Повседневная жизнь, которая определяет, из чего я состою или что доказывает, кто я есть. Мои картины становятся театральной постановкой, где могут сосуществовать повседневная жизнь и воображение."

Tim Eitel — современный немецкий художник, представитель Новой Лейпцигской школы. Говорит, что "живопись всегда искусственная и постановочная". Художник извлекает параллельный мир из ежедневного потока образов. Его картины мрачны, так как мы не можем разглядеть обезличенные лица, а фон, в основном, приглушенный и монохромный.

​​Человеку нужен человек, чтобы пить с ним горьковатый кофе, оставаться рядом на ночлег, и интересоваться о здоровье. чтобы улыбаться просто так, чтоб на сердце стало потеплее, чтобы волноваться, там сквозняк, одевай-ка тапочки скорее. человеку нужен человек, позвонить, послушать его голос: "а у нас сегодня выпал снег. как ты без меня там? Беспокоюсь!" чтобы был приятель, друг, сосед, и еще сопящая под боком, без которой счастья в жизни нет, без которой очень одиноко. https://telegra.ph/file/1223d69c38148ad5cdcb9.jpg

​​– Эмиль Швицер, страдавший шизофренией, был пациентом психиатрической клиники в Цюрихе, где работал доктор Юнг, – подхватила Сара. – В галлюцинациях он видел солнце с огромным фаллосом, покачивание которого создавало ветер. Поначалу Юнг никак не мог понять сущность этого невроза, столь конкретного и своеобразного, – ничего подобного он не встречал ни в своей врачебной практике, ни в обширной на тот момент литературе по психиатрии и психоанализу. Но затем ему в руки попался безвестный перевод древних текстов, посвященных Митре – индоиранскому божеству, чей культ возник за две тысячи лет до нашей эры и угас к третьему веку. В текстах говорилось, что земной ветер исходит из трубы на солнце. Не было сомнений, что Эмиль Швицер ничего не знал о Митре и связанных с ним мифах, однако один из этих мифов нашел образное воплощение в его шизофреническом бреде. https://telegra.ph/file/2623f59d8ead4506f098a.jpg

Савелий Сорин (1878-1953) «Автопортрет» 1942 бумага, карандаши. савелий_сорин –––––––––––––––– Художника Савелия Сорина называли «трижды прославленным». В самом деле, сначала он прославился как портретист на родине, в России. Потом, когда ему после Октябрьского переворота пришлось эмигрировать во Францию, он и там добился большого успеха и прославился. Наконец, спасаясь от фашистского нападения, он переехал в США, где его причислили к «Галерее величайших художников Америки».

Савелий Сорин (1878-1953) «Портрет балетной артистки Евгении Никитиной» 1924 бумага на холсте, акварель. савелий_сорин Государственный Русский музей, Санкт-Петербург –––––––––––––––– Правительство Франции в 1924 году сделало Савелию Сорину предложение купить одну его работу - портрет балерины Евгении Никитиной («Девушка с зеркалом» или «Раздевалка танцовщицы»). Однако Сорин отказался продать этот портрет, так как уже обещал эту работу жене американского миллионера Отто Кона. А сам Кон позже от покупки отказался, в результате этот замечательный (огромный, в рост человека) акварельный портрет оказался в конце концов, на наше счастье, в Русском музее.

️ Джованни да Удине учился сначала у Джованни Мартино (итал. Pellegrino da San Daniele) в Удине, затем переехал в Венецию, где стал учеником Джорджоне. В 1514 году переехал в Рим, где поступил в мастерскую Рафаэля и считался одним из наиболее талантливых его учеников. Джорджо Вазари отмечал его стремление к гротеску и большую любовь к изображению природы — как растений и животных, так и неодушевлённых предметов. После смерти Рафаэля работал на кардинала Джулио Медичи (будущего папу Климента VII) по украшению Вилла Мадама, завершив работу к 1525 году; находился в конфликте с Джулио Романо. С 1521 по 1522 год работал во Флоренции, затем вернулся в Рим, в 1527 году покинул его, вернувшись в Удине, где стал архитектором и участвовал в восстановлении местного замка (итал. Castello di Udine), разрушенного сильным землетрясением 1511 года. В 1532 году ненадолго ездил во Флоренцию. В 1547 году создал лестницу с внешнего двора в этом замке. В 1560 году вернулся в Рим и остаток жизни провёл в бедности. Был похоронен в Пантеоне, рядом с Рафаэлем. Помогал Рафаэлю в расписывании лож ватиканского дворца и в других подобных работах. Им написаны и отчасти придуманы орнаменты в верхних ложах. В нижних ложах ему принадлежит плафонная живопись, реставрированная в 1867 году Мантовани. На вилле Фарнезина им исполнены фестоны, обрамляющие рафаэлевскую «Историю Психеи». Для папы Климента VII в сотрудничестве с Перино дель-Вага украсил живописью Торре-ди-Борджиа. Из прочих его произведений известны роспись вестибюля в вилле-Мадама, лепные украшения нижних сеней этого здания, декоративная живопись в палаццо Массими-алле-Колонне в Риме, работы в усыпальнице Медичи (в церкви Сан-Лоренцо) и рисунки, по которым изготовлены расписные стёкла в Лаврентьевской библиотеке во Флоренции.

Уильям Хогарт "До" (1731) Эта повествовательная картина описывает момент соблазнения. Молодой человек в красных бриджах тащит девушку в кровать. Изо всех сил она пытается оттолкнуть его, волоча за собой туалетный столик с падающим зеркалом. Как ни странно, в открытом ящике стола обнаруживается книга «Практика благочестия», книга об ухаживании и любовное письмо. Внизу лает маленькая собачка, встревоженная суматохой.

Цветущие маки (1907) - Густава Климта Пейзажи Климта близки к импрессионистским вещам Моне, но при этом изящная детальность полотен возведена здесь в абсолют («Цветущие маки»). Мазки становятся меньше и, если зритель расфокусирует взгляд, полотно рискует рассыпаться на крошечные «пиксели» краски, это же, впрочем, и добавляет картинам жизни, как будто лёгкий ветерок заставляет дрожать траву и листья деревьев вокруг смотрящего. Может показаться, что кто-то разобрал абсурдистские брызги Поллока и, собрав их, как кубик Рубика, получил эффект, которого чуть позже и в несколько ином решении добьётся Клее, когда множество разрозненных на первый взгляд несущественных элементов и создают самое картину. Безусловно Климт далёк от абстракционизма и сюрреализма, но необычайная техника мастера заставляет искать столь же необычные сравнения. Некоторые полотна («Сад с распятием у коттеджа») по постимпрессионистскому накалу близки, например, Гогену, а иные («Две девушки с олеандром») даже к прерафаэлитам. Чувствуете масштаб

Феликс Варламишвили Полотна Феликса Варламишвили мгновенно врезаются в память, а их сюжеты, перетекая с одной картины на другую, создают мир «законсервированных» воспоминаний, в котором нет разницы куда идти – кругом благодатный труд, пышные всходы урожая и полные сети рыбы. Видимо такова грузинская живопись, квинтэссенцией или, точнее, наиболее знаковой фигурой которой является Пиросмани; она тяготеет к визуальной простоте (которая часто – нарочитая кажимость), к почвенничеству, к радостям жизни (даже тяжёлый труд не кажется таким тяжёлым при взгляде на многие полотна). И Феликс Варламишвили (1903-1986), проведший большую часть жизни в эмиграции, в большей степени грузинский национальный художник, чем французский, что роднит его с другим эмигрантом, уроженцем Российской империи – Марком Шагалом. Как Шагал забрал с собой родной Витебск, так и Варламишвили, даже рисуя венецианские пейзажи, всю жизнь оставался верным Грузии.

Исаак Левитан - Близ Бордигеры. На севере Италии (1890) Большую часть сохранившихся картин Левитана можно разделить на два настроения: меланхоличную спокойную задумчивость и тихую, обнадёживающую радость. К первым подходят вечерние и ночные пейзажи, ко вторым – утренние и дневные. Для художника совершенно нехарактерно деление на сезоны; например, его осенняя живопись может быть задумчивой, как на полотнах «Осень», «Туман. Осень» и заразительно жизнерадостной, как в случае с картинами «Золотая осень» и «Большая дорога. Осенний солнечный день». Влюбчивый по натуре не только в женщин Левитан искренне любил окружающий его бессловесный неторопливый мир природы, отдаваясь творчеству без остатка.

Исаак Левитан - Автопортрет (1890-е) За три года до смерти Левитан напишет: «Я никогда еще не любил так природу, не был так чуток к ней, никогда еще так сильно не чувствовал я это божественное нечто, разлитое во всем, но что не всякий видит, что даже и назвать нельзя, так как оно не поддается разуму, анализу, а постигается любовью. Без этого чувства не может быть истинный художник...».

Рене Магритт был помешан на шляпах Какая деталь в картинах Рене Магритта особо выделяется, кочуя из одного полотна в другое? Правильно, это – шляпа-котелок. Великий сюрреалист не просто так выбрал эту деталь – за котелком стоит любопытное переплетение исторического времени с воображением бельгийского художника. За свою жизнь Магритт нарисовал около 2000 картин, в 50-ти из которых появляется шляпа. Художник рисовал ее в промежутке между 1926 и 1966 годами, и она стала отличительной чертой творчества Рене. Раньше шляпу-котелок носили обычные представители буржуазии, которые не особо желали выделяться из толпы. «Котелок... не удивляет», – сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, [спрятанный] в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться». Шляпы-котелки были введены в моду специально для британского среднего класса, во второй половине 19 века. В начале 20 века котелок стал одной из самых поп

Жизнь и смерть Василия Верещагина. Василий Верещагин (1842-1904) – один из наиболее выдающихся художников-баталистов в истории живописи. Родился в дворянской семье в Череповце, как и все его братья был отправлен в военно-учебные заведения, а именно – в Александровский кадетский корпус, после чего учился ещё в Морском кадетском корпусе, откуда выпустился в звании мичмана. Однако после окончания военной учёбы Василий не идёт служить, а поступает в петербургскую Академию художеств. Следующие несколько лет он проводит в разъездах между Петербургом и Парижем. По приглашению генерал-губернатора молодой художник едет в 1867 году в только взятый русскими войсками Самарканд. Тут то и начинается не только путь Верещагина как серьёзного живописца, но и путь его, как баталиста и… солдата. После того как восставшие туркестанцы окружают и штурмуют недавно захваченный город, художник попадает в осаду вместе с небольшим гарнизоном русских солдат.

Василий Верещагин - Дервиши в праздничных нарядах (1870) Именно в Туркестане состоялась одна из первых выставок художника, после чего Василий отправился в путешествие по территории современной Киргизии и Западного Китая, где создал зарисовки «типов», которые будут даваться ему не хуже батальных полотен. Верещагин за долгую творческую жизнь запечатлеет большое количество подобных «типов» – непортретных зарисовок людей, обычно облачённых в национальные одежды: «Богатый киргизский охотник с соколом» (1871), «Буддийский лама на празднике в монастыре» (1875), «Жители западного Тибета» (1870-е), «Факиры» (1876), «Японский нищий» (1904) и др. Национальный колорит так и сквозит через одежды и сюжеты, которые неизменно присутствуют несмотря на явное позирование «моделей». Каждый из героев как бы занят своим делом – будь то попрошайничество, игра на дудочке, разговор.

Эдгар Дега. «За кулисами Парижской оперы» Знаменитая Парижская опера стала центром художественных поисков Эдгара Дега на более чем четыре десятилетия. Такое внимание к танцу, движению, а с ними – к особенностям освещения и контрастам цветов – превратило Дега не только в одного из величайших художников своего времени, но и в знаменитого экспериментатора. Дега воспринимал все здание Оперы как свой «дом» и обращался в своих произведениях к закулисью знаменитого театра и его обитателям – не только к балеринам, но и к музыкантам, певцам, посетителям в темноте лож. Как тайная жизнь Парижской оперы изменила Эдгара Дега, а он, в свою очередь, – историю мировой живописи? Об этом пойдет речь на лекции. Лекцию читает Елена Коротких, научный сотрудник отдела искусства стран Европы и Америки ХIХ–ХХ веков. Источник

«Был ли импрессионизм в скульптуре» Имена художников-импрессионистов большинство слушателей нашего курса назовет без труда. А как обстоят дела со скульпторами? Кого из мастеров рубежа XIX–XX веков мы могли бы назвать импрессионистами в скульптуре? В своей лекции Наталья Кортунова, старший научный сотрудник отдела искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков, рассматривает определенные аспекты творчества Огюста Родена, Медардо Россо, Паоло Трубецкого и других авторов, чье искусство помогает ответить на вопрос: «А был ли импрессионизм в скульптуре?». Лекцию читает Наталья Кортунова, старший научный сотрудник отдела искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков. Источник

Как Норман Роквелл использовал фотографии для своих знаменитых картин: параллельные сравнения https://tanjand.livejournal.com/3233615.html

Джозеф Райт "Два мальчика с мочевым пузырем" (1770) На картине изображены двое мальчиков, надувающих свиной мочевой пузырь при свете свечи. В те времена мочевые пузыри животных служили игрушками. Дети надували их и использовали как воздушные шарики, или наполняли сушеным горошком и трясли как погремушки.

Пушкинский музей и детские онлайн-курсы Многие не знают, но в Пушкинском музее уже больше 10 лет идут курсы для детей от 5 лет. На этих курсах детям рассказывают мифы Древней Греции, Рима и многое другое. Сейчас, Пушкинский хочет перенести эти курсы в онлайн, чтобы ещё больше детей могло получить эти знания Но как узнать, есть ли у детей время, силы и вообще, что им интересней всего? Студенты ВШЭ проводят исследование, чтобы помочь Музею сделать курсы интересными и полезными. Пожалуйста, пройдите анкету, чтобы помочь Музею сделать курсы, которые будут нужны) http://amp.gs/5ds4 http://amp.gs/5ds4

​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ 300К В МЕСЯЦ Художник - проводник прекрасного в этот мир! И если Вы увлечены этим искусством, вы априори достойны успешной профессиональной деятельности! Я Арон Оноре, и мой путь к успеху в мире искусства не был простым и быстрым, я не сразу пришел к тому, что вообще могу зарабатывать на этом. И сейчас встречаю большое количество художников с таким же мнением! Можно сказать, что жизнь сама привела меня к профессии художника. И, спустя годы, меня стали часто просить научить рисовать гиперреализм. Так и появилась Школа гиперреализма и росписи стен Арона Оноре. За годы творческой деятельности я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнаете, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке: http://aron-onore-school.ru/ https://telegra.ph/file/838ef97d59679502e5560.jpg

«Вечерний пейзаж с телегой» 1630-1640гг. Питер Пауль Рубенс К последнему десятилетию жизни Рубенса относится небольшой «Вечерний пейзаж с телегой». Пейзаж раскрывает скромную, незаметную красоту, присущую природе в ее обычном, хочется сказать «повседневном», состоянии. Рубенс изображает прозрачный перелесок на берегу ручья, когда деревья озарены золотисто-розовыми лучами заходящего солнца. Их пышные, но легкие, местами прозрачные кроны, крепкие и стройные стволы окутаны этим сиянием, как фантастически прекрасным нарядом. Конечно, фантазия художника опирается на воспоминания об увиденном в самой жизни, на впечатления от реальной природы. Но Рубенс, однако, не ограничивается ими. Он усиливает во много раз поэтическое очарование увиденного, возводя его в мир искусства.

«Костел святого Жака в Дьеппе» 1901г. Камиль Писсарро Одна из последних работ Камиля Писсаро, всего два года остается до смерти мастера. В 1901 году Писсаро проживает в Дьеппе (Франция) в отеле, окна которого выходят на старинный величественный костел, посвященный святому Жаку. Художник очень страдает, привыкший писать на пленэре, он вынужден созерцать мир из окна своего гостиничного номера. Поэтому неудивительно, что Писсаро почти сразу задумал написать полотно с костелом-главным героем, тем более что работы подобной тематики у него уже были. Писсарро на картине акцентирует внимание на контрасте массивной величественности костела и легкой прозрачности неба. Художника волнует возможность запечатлеть, как геометрическая конструкция с четкой архитектурой пересекает пространство и как соединяется с ним. Именно поэтому костел на картине лишен максимального приближения и охватывается глазом мастера в общем плане. Взгляд издалека — вот, что важнее.

"Портрет Эдварда Мунка" Аксели Галлен-Каллела, 1895 > Хельсинки, Атенеум Аксели Галлен-Каллела – финский художник шведского происхождения. В декабре 1894 переехал в Берлин, чтобы участвовать в выставке вместе с норвежцем Эдвардом Мунком. Именно тогда финский художник познакомился с символизмом, творческим течением, в котором он нашел свою струю. Перед зрителем – достаточно классический по палитре портрет. Он выдержан в теплых тонах коричневого, с небольшим белым акцентом и новаторским зеленым отблеском на галстуке модели. Однако жанрово это, скорее, этюд, зарисовка. Лица почти не видно, никак не выявлены выражение и взгляд. Мунк погружен в раздумье, он не обращает внимания на происходящее вокруг.