Кенне Грегуар (1951) «Поздно ночью» 2023 панель, акрил. 90х130 см...

Дэвид Хокни "Мои родители" (1977) За год до смерти отца художник запечатлевает Кеннета и Лору Хокни на картине «Мои родители» в стиле, ставшем его визитной карточкой: много света, много синего, почти фотографическая точность. Интерьер, в который Хокни поместил своих родителей, кажется минималистичным и максимально простым, чтобы не отвлекать внимание от главных персонажей полотна. В 2014 году в рамках проекта «Искусство повсюду», запущенного по всей Великобритании с целью популяризировать изобразительное искусство среди населения, картина «Мои родители» была признана британцами самой любимой в шорт-листе из 25 произведений.

Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс, «Лот и его дочери» (ок. 1613-1614) Стоимость: 58,2 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Сцена «Лот и его дочери» сэра Питера Пауля Рубенса с XIX века была включена во все основные каталоги картин художника. Но более столетия она скрывалась от публики в частных собраниях и была известна лишь по чёрно-белой фотографии. Прежде её владельцами были крупные антверпенские купцы, королевские особы и аристократы Европы, например, император Священной Римской империи Иосиф I и Джон Черчилль, первый герцог Мальборо. На аукционе в 2016 году иллюстрация к библейскому эпизоду соблазнения Лота его дочерьми стала самой дорогой работой старых мастеров за 250-летнюю историю Christie’s. Картину купил благотворительный фонд, который передал её в долгосрочную аренду Метрополитен-музею в Нью-Йорке. 4. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1611-1612) Стоимость: 76,5 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2002 Эта картина в конце XVII века вошла в коллекцию князя Лихтенштейна Ганса-Адама I и хранилась у его потомков до XIX века. Некоторое время её приписывали Франциску де Неве Младшему, затем Яну ван ден Хёке, одному из ассистентов Рубенса. В 2001 году было доказано, что это работа самого мастера барокко. Перед распродажей в июле 2002 года эксперты Sotheby’s оценили её в 4−6 миллионов фунтов стерлингов, однако в ходе торгов стоимость взлетела до 49,5 миллионов. Их выложил канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон. Впоследствии он передал полотно Художественной галерее Онтарио в Торонто. 3. Сандро Боттичелли, «Портрет юноши с медальоном» (ок. 1480) Стоимость: 92,2 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2021 До торгов в прессе муссировались сомнения о том, что картина принадлежит кисти самого Боттичелли. Однако они рассеялись после того, как неизвестный покупатель по телефону предложил окончательную цену. Глава отдела старых мастеров Sotheby’s Кристофер Апостол назвал все подозрения «отвлекающим манёвром». Искусствоведы были единодушны в том, что этот портрет длинноволосого юноши воплощает идеалы красоты Возрождения, а яркие краски и простота делают его «вечно современным». 2. Рембрандт ван Рейн, парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит (1634) Стоимость: 195 млн долларов Аукцион: закрытая сделка, 2016 Технически этим двум шедеврам Рембрандта не место в данном списке. Все приведённые здесь работы были проданы на открытых торгах, а свадебные портреты молодого купца и его невесты куплены в частной сделке. Её заключили Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже с бароном Ротшильдом, чей предок приобрёл картины в 1877 году. Эти изображения — единственные известные портреты Рембрандта в полный рост. Они были написаны когда самому мастеру было 28 лет. До продажи полотна в последний раз демонстрировались публике в Нидерландах в 1956 году. Теперь же оба музея-совладельца пообещали выставлять пару только вместе. 1. Леонардо да Винчи, «Спаситель Мира» (ок. 1500) Стоимость: 450,3 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Похоже, эта работа ещё многие годы будет удерживать лидерство среди самых дорогих произведений искусства в истории. Она же, судя по всему, станет одной из самых загадочных картин в мире. В 2016 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке её приобрёл неизвестный покупатель за невообразимую цену в 450 миллионов долларов. Позже СМИ уверенно назвали новым владельцем наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана. Однако после сенсационных торгов панель исчезла, породив множество слухов, предположений и фантастических теорий. Изображение Христа с полупрозрачным шаром в левой руке по-прежнему вызывает ожесточённые споры. Оно долгое время считалось копией, и окончательно было приписано гению Возрождения лишь после реставрации в 2006 году. Перед продажей картина выставлялась в 2011-м в Национальной галерее в Лондоне. Но даже после этого многие искусствоведы подвергают сомнению её атрибуцию. Жмите на ссылки в названиях! Первая часть вот тут. _history

Железные. Бельгийский фотограф Кеннет Провост (Kenneth Provost) очень любит путешествовать и делать снимки заброшенных мест. Во время такой поездки по Бельгии и Германии фотограф сделал серию снимков заброшенных автомобилей. Когда-то они служили верой и правдой своим владельцам, а потом их обменяли на новые и современные машины. Некогда роскошные авто теперь гниют в забвении и медленно поглощаются природой.

"Мост в Нарни" 1826 г. Камиль Коро Лувр, Париж. Храняшийся в Лувре «Мост в Нарни» – первый по времени пейзажный шедевр Камиля Коро и первая его картина, представленная в Салоне. С неё начинаются два важных сюжета. Первый – вполне мучительное противостояние художника и французского Салона. Второй и более глобальный – досрочное и непредвиденное, как всякий фальстарт, зарождение идей и техник импрессионизма задолго до его «официального» возникновения. Нарни, или Нарния, – так называется древний городок в центрально-итальянской Умбрии. Коро попал туда во время трёхлетнего (1825-1828) творческого путешествия по Италии. На родине, во Франции, ему преподавали искусство пейзажа художники Мишалон и Бертен, но это был пейзаж академический (или, как его еще называли – исторический) с его традиционными условностями и статичной монументальностью. А Коро искал чего-то совсем иного – более живого, более непосредственного. Его интуиция подталкивала к пейзажу менее умозрительному и более близкому к реальности. В Италии Коро писал продуктивно и много, он чувствовал себя освободившимся. Одним из результатов этого вдохновенного труда стал замечательный «Мост в Нарни». По сути, традиционная тема: живописные руины, вписанные в ландшафт. Но Коро наполняет её новым, живым и праздничным, содержанием. С поразительной точностью ему удаётся схватить и передать момент раннего солнечного утра. Короткий и лучезарный миг, который вот-вот исчезнет: солнце поднимется выше, свет станет ярче, тени обозначатся резче и пейзаж переменится, станет совсем другим. А ощущение радости – уйдёт. И потому для Коро так важно запечатлеть испытанное настроение (его потом станут называть создателем «пейзажа настроения»). Коро не особо интересны отдельные детали пейзажа – важнее передать прозрачность воздуха, рассеянный утренний свет, контраст желтого песчаного дна и темно-зелёного холма, оттенки цветных отражений в мутноватой воде. Конечно, критики и публика Салона приняли первую работу Коро довольно прохладно. И вторую. И много последующих. А для Коро, по складу своего характера чуждого всякой революционности (он ведь целых 7 лет не решался бросить торговлю, чтобы заняться живописью, – отец не разрешал), официальное признание Салона было так важно! И так недостижимо. Однажды он все-таки получил второй приз и нравоучение: «В следующий раз, мсье, привозите полотна поменьше». В другой раз о его деревьях станут говорить, что они написаны губкой, которую Коро обмакивал в грязь. И вечно картины Коро будут развешивать в самых темных уголках – там, где его валёры (тончайшие переливы цвета) и вовсе не разглядеть. В 1865-м, когда Коро уже будет под 70, его картины войдут в моду и получат признание, но золотая медаль Салона всё равно уйдёт академисту Александру Кабанелю, изобразившему президента Наполеона III. Того самого Наполеона III, который съязвил по поводу утренних пейзажей Коро: «Чтобы понять этого художника, нужно слишком рано вставать». Только постфактум критика поймёт, что «Мост в Нарни» – это точка отсчёта для пейзажного искусства новейшего времени и настоящий шедевр. Один из критиков справедливо напишет о прорыве, который, сам того не осознавая, совершил своей картиной Коро: «Самостоятельно, не имея никакой программы, чисто интуитивно Коро перенёсся через пятьдесят лет живописи, перейдя от классицизма к имрпессионизму». А британский историк искусства и писатель Кеннет Кларк пошутит по поводу «Моста в Нарни», что в этой картине Коро сделался «свободен, как самый энергичный Констебл». КамильКоро Пейзаж Романтизм _history

​Композиционный центр картины служил предметом многочисленных дискуссий. Искусствовед Хосе Лопес-Рей находит три таких центра: в инфанте, художнике и отражении королевской пары в зеркале. Лео Штейнберг, соглашаясь с тройственностью композиционного центра, считает причиной его неустойчивости намеренно скрытые линии перспективы, хотя точка схода в локтевом сгибе стоящего в дверях Ньето определяется довольно строго по продолжению линии пересечения правой стены и потолка. Глубина сцены создаётся с помощью линейной перспективы, частичного перекрытия разноудалённых слоёв и использования светотени, тщательное исполнение которой искусствовед Кеннет Кларк считает ключевым фактором для создания композиции. Свет из окна справа освещает передний план сцены и, по замечанию Мишеля Фуко, невидимую область перед ней, где находятся король, королева и зритель. Хосе Ортега-и-Гассет делит пространство на три части: ближний и дальний планы, освещённые естественным светом, и затемнённый между ними средний. Солнечный свет блестит на золотых волосах карлицы, но поворот головы не фокусирует внимание зрителя на её лице. Таким же приёмом не акцентируются черты лица доньи Исабель — свет лишь мягко касается её щеки, оставляя в тени внешность и платье. Инфанта, напротив, ярко освещена. Лицо обрамлено лёгкими прядями волос, отделяющими её от всего прочего на картине; свет моделирует объёмную геометрию формы, подчёркивая корсет с лифом и юбку с кринолином; тень резко контрастирует с яркой парчой — всё это притягивает к маленькой фигурке основное внимание зрителя. https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2a/Diego_Vel%C3%A1zquez_Las_Meninas_Die_Hoffr%C3%A4ulein_Schema_rus.png

"Северное сияние" Фредерик Эдвин Чёрч, 1865 > Вашингтон, Смитсоновский музей американского искусства При написании картины Чёрч использовал рисунок «Пик Чёрча, Арктика», сделанный Айзеком Израэлем Хейсом во время его полярной экспедиции 1860—1861 годов. Согласно подробному описанию, приведённому Хейсом в его книге «Открытое полярное море», а также в более поздней книге Чарльза Томлинсона, пик Чёрча находится на восточном побережье острова Элсмир, со стороны пролива Кеннеди, разделяющего северные канадские острова и Гренландию. Сам Чёрч был свидетелем северного сияния, которое можно было видеть с острова Маунт-Дезерт (штат Мэн) 23 декабря 1864 года. Он запечатлел его на картине «Северное сияние. Остров Маунт-Дезерт. Из Бар-Харбора, Мэн». Многие американцы, наблюдавшие это северное сияние, восприняли его как предзнаменование победы Севера в продолжавшейся гражданской войне — именно в качестве этого символа и была воспринята картина «Северное сияние», оконченная в 1865 году.

"Электрический стул" 1963 г. Энди Уорхол Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. «В какой-то момент я понял, что все, что я делаю, имеет некое отношение к смерти» Тема исчезновения, смерти как трансформации и жизни после смерти пунктиром проходит через все творчество художника. Серия работ, объединенных общим названием «Большой электрический стул» стала частью масштабного цикла Уорхола «Смерть и катастрофы», который он начал создавать в 1962 году. Эти картины, демонстрирующие боль и страдания, были чем-то совершенно новым, в корне отличающимся от долларовых банкнот или банок с супом, но при этом они удивительным образом несли в себе ту же идею, что и все остальные работы художника. Смерть была такой же обыденной частью жизни американцев, как бутылка «Кока-Колы». Для всех картин из серии «Смерть и катастрофы» Энди использовал снимки из газет. Одной из первых работ этого цикла стала копия первой полосы газеты с фотографией автокатастрофы. За ней последовали изображения самоубийств, уличных беспорядков, ядерного гриба, авиакатастроф и автомобильных аварий. Портреты Мэрилин Монро он начал рисовать только после смерти актрисы. В его работе «Шестнадцать Джеки» счастливые фото улыбающейся Жаклин Кеннеди перемежаются полными скорби снимками с похорон президента. Причиной увлеченности Уорхола темой смерти было не только ее постоянное присутствие в повседневной жизни человека, но и то, насколько мы умеем дистанцироваться от ее воздействия. «Когда ты снова и снова видишь жуткие картины, - говорил художник, - они перестают оказывать на тебя эффект». Серию работ с электрическим стулом Уорхол начал в 1964 году. Основой для нее послужил газетный снимок из новости 1953 года о двух смертных казнях в тюрьме Синг-Синг: тогда на электрический стул отправили Джулиуса и Этель Розенберг за шпионаж в пользу Советского Союза. От других работ из цикла «Смерть и катастрофы» серию с электрическими стульями отличает одна важная особенность: на этих картинах нет ни одного человека. Время будто бы застыло в ожидании неминуемой катастрофы, воздух вокруг «кресла смерти» кажется густым и вязким. В пустоте и неподвижности комнаты Уорхолу удалось изобразить смерть как отсутствие жизни и гнетущую тишину. ЭндиУорхол ПопАрт _history

Холодная война и Айвазовский Казалось бы, как связаны Иван Айвазовский, наш главный маринист, и холодная война? А связь есть Рассказываю Иван Константинович очень любил путешествовать. И даже в преклонном возрасте не мог усидеть на месте. Например, в свои 75 лет в 1892 году Айвазовский поехал в Америку. А это несколько недель на корабле… Хотя, думаю, понимаете, что Айвазовский обожал море и все, что с ним связано. И корабли уважал А теперь к картине и Холодной войне! ️ А за год до поездки Ивана Айвазовского в Америку, в 1891 году, в Российской империи разразился страшный голод из-за неурожаев в Центральной, Юго-Восточной России и Поволжье. США тогда собрали гуманитарную помощь для империи и отправили ее кораблем. Айвазовский был так впечатлен этим широким жестом, что год спустя, находясь в путешествии, написал несколько картин на тему помощи США Российской империи. И подарил Америке Одну из этих картин вы можете видеть в иллюстрации. Но кто бы мог подумать, что произведение будет не просто знаком благодарности от русского художника, но и сыграет свою роль в ходе переговоров в 20 веке С 1961 по 1964 первая леди, Жаклин Кеннеди, решила выставить «Корабль помощи» в Белом доме. И во время встречи Хрущева и Кеннеди «Корабль помощи» висел в зале переговоров, которые предотвратили ядерную войну. Может, так намекали на давние и добрые отношения? Позже, уже в начале 21 века, это произведение было продано за 2,4 миллиона долларов. Правда, не одно. «В комплекте» шла картина «Раздача продовольствия». Такие вот морские и странные дела P. S. Все-таки биография каждого художника - это нечто удивительное. Столько интересного открывается, когда начинаешь погружаться в подробности. Если хотите узнать больше про Айвазовского (и не только) и получить свою порцию вдохновения - вступайте в клуб PROISKUSSTVO ️ ️Остался 1 день ️ Иван Айвазовский. Корабль помощи. 1892 PROайвазовский PROинтересныефакты