Конструктивный рисунок фигуры человека. Различные позы. практика

Детский рисунок или музейный шедевр?

Детский рисунок или музейный шедевр?

"Афиши в Трувиле" Рауль Дюфи, 1906 > Париж, Национальный музей современного искусства В 1906 году, после прошедшей в Париже знаменитой выставки фовистов, Дюфи (в компании с Альбером Марке) отправился в Трувиль. Молодой художник был поражен открывшимися ему возможностями живописи. Картины, написанные им в Трувиле, несут на себе несомненный отпечаток его впечатления от работ фовистов. Дюфи, правда, никогда не был строгим последователем фовизма, но «Афиши в Трувиле» – безусловно, лучшее, что создано им в этой манере. Впрочем, и здесь он отступает от канонов фовизма – цвета хоть и ярки, но не агрессивны, контуры фигур и предметов обозначены очень четко. Кроме того, рисунок и перспективу Дюфи можно назвать почти безупречными, а фовисты относились к этим элементам довольно небрежно. Восхищение Дюфи уличными афишами в чем-то предвещает американский поп-арт 1960-х годов. Используя визуальную мощь цвета, Дюфи сумел превратить вульгарные афиши в настоящее произведение искусства.

​​️Еврейский музей и фуд-корт «Брикет Маркет» приглашают на праздник Пурим.   ️В «Гараже» 02 марта пройдет презентация комикса о беженцах «Бежать нельзя остаться». Регистрируйтесь скорее! Тема важная.   ️На Охтинском мысе в Санкт-Петербурге планируют создать музей-заповедник и археологический парк «Допетровский Петербург».   Многие исследователи сравнили недавние археологические находки на Охте с открытием Трои.   ️В Кемерево построят музейно-театральный комплекс — Сибирский кластер искусств.   У здания будет три главных обитателя: ️Театр оперы и балета со зрительным залом на 950 человек — в статусе филиала петербургского Мариинского театра; ️Музейный комплекс, филиал Государственного Русского музея; ️Кузбасский центр искусств.   Самоирония — признак интеллектуальности:   ️Надписи в верхнем углу картины «Крик» сделал сам Эдвард Мунк. Исследование проведено Национальным музеем Норвегии.   Мунк написал карандашом на картине — «могло быть нарисовано только сумасшедшим» Ученые предполагали возможность вандализма, но — нет. Возможно, художник добавил эту надпись после того, как картина была подвергнута резкой критике после первой выставки. На фото прекрасный рисунок Мунка «The Heart», который я нашла в Культурном центре LAC в Лугано: о любви он тоже писал. https://telegra.ph/file/8c68216d265816d238b05.jpg

Вот Корреджо, Эсташ Лесюэр, пара Рубенсов, легендарный рисунок Микеланджело и еще картина Баттиста Франко Венециано, стащившего этот рисунок и поместившего орла, слившегося в объятиях с Ганимедом, над полем битвы при Монтемурло. Просто потому что мог. Ну, или, будучи фанатом Микеланджело, поместив над войнами Ганимеда, художник намекает, что у Козимо Медичи, разбившего неприятельскую армию, есть прекрасный божественный заступник, который уже как-то уговаривал Зевса помочь троянцам в битве с ахейцами.

А вот вам внезапный Ганимед от Рембрандта. Описавшийся от ужаса большезадый младенец совсем не рад вниманию со стороны орла. Тут некоторые видели аллегорию младенческой смертности или ругали Рембрандта за незнание мифологии. Но, кажется мне, художник просто прикололся - рисунок Микеланджело, что был в подборке выше, как раз приобрел невероятную популярность и страстно копировался, а сюжет ворвался в ренессансную живопись и буйно там зацвел. Так что может быть вот этот Ганимед - пародия на Микеланджело лично и на всех его подражателей.

​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg

«Крещение Христа» 1472—1475гг. Андреа Верроккьо, Леонардо да Винчи Будучи прежде всего скульптором, Андреа Верроккьо выполнял живописные заказы с перерывами, вследствие чего одну из своих картин - «Крещение Христа» - никак не мог закончить. Он попросил довершить начатое своего ученика Леонардо да Винчи. На картине изображено крещение Иисуса Иоанном Крестителем на берегу реки Иордан. Центральные фигуры и ангел справа уже были написаны в типичной для Верроккьо манере - суховатой, с изысканными силуэтами фигур. Леонардо изобразил ангела, стоящего слева, но использовал не темперу, как учитель, а масляные краски, сохнущие дольше и позволяющие передать мягкую светотень, окутать образ легкой дымкой. Так родилась ставшая потом знаменитой леонардовская техника «сфумато». Художник написал и часть пейзажа позади ангелов, основой для которой послужил сделанный им рисунок с изображением долины реки Арно. Работа молодого живописца поразила Верроккьо и стала так популярна, что с этой группы ангелов выполняли копии.

"Птичий насест" Гектор Джакомелли, ок.1880 > Балтимор, Музей Уолтерса Гектор Джакомелли – французский акварелист, гравер и иллюстратор, итальянец по происхождению. Он получил громкую известность, создавая виньетки, заставки и сложные иллюстрации для роскошных французских и английских изданий. Особенно красивы его композиции, в которых изображены цветы и различные породы птичек, которых он изображал с удивительной правдоподобностью и изяществом. "Птичий насест" – самое знаменитое панно художника, в нем проявилась нежная декоративность и последовательное чередование цветовых ритмов. Двадцать четыре зяблика сидят в ряд на жердочке. Искусство живописца здесь очевидно в талантливой передаче особенностей крошечных птиц, которых он наделяет забавной смышленостью. Этот рисунок интересен милой, затейливой композицией и игривым настроением. Непринужденность линий и легкие колористические сочетания создают впечатление "незаконченности", добавляя шарма произведению.

Старейшие рисунки на скорлупе, 60 тыс. до н. э. В 2010 г. ученые в Южной Африке обнаружили склад из 270 фрагментов страусиных яиц, на которых были декоративные и символические орнаменты. Эти рисунки были созданы людьми из Ховисонс-портской культуры охотников и собирателей. «Центральным мотивом этих рисунков являются две параллельные линии, которые, видимо, огибали все яйцо», - считают ученые. Эти линии процарапаны по скорлупе и пересекаются под прямым или острым углом. Многократно повторяя этот рисунок, доисторические люди явно пытались передать какую-то мысль. Возможно, они таким образом стремились как-то обозначить себя или группу лиц. Проведенные учеными эксперименты показали, что окраска найденных фрагментов скорлупы является естественной, а не результатом применения каких-то красителей.

Водка В 2011 году производители водки «Absolut» запустили творческий проект, созданный современными художниками «Absolut Blank». 18 художников придумали дизайн бутылок, используя такие творческие дисциплины, как рисунок, живопись, скульптура, а также цифровое искусство. Среди представленных работ произведения художников: Марио Вагнера, Зака Фримана, Фернандо Камарелли и других. Искусство или нет?

«Бизнес для мамочки» начала ХХ века Именно дочь вдохновляла легендарного модельера Жанну Ланвен (1867 – 1946). До неё детская одежда была лишь упрощенной версией одежды для взрослых. Ланвен же начала создавать одежду специально для детей. И не только! А начинала свою карьеру с она дизайна дамских шляпок. Специального образования у Ланвен не было, рисовать она не умела. Создавала модели методом «наколки», иллюстрации с готовых изделий делали художники. Ланвен - королева рукавов. Им она уделяла наибольшее внимание, экспериментируя с их формой и декором. Любимый цвет Ланвен – «цвет ночного неба». В историю моды вошёл как «синий Ланвен». Также она часто работала с пудровым и насыщенно-желтым. Открыла несколько собственных фабрик по окраске тканей, стремясь добиться нужных ей оттенков, например, названного в честь дочери «розового Полиньяк». В честь тридцатилетия дочери выпустила аромат Aprège. Рисунок для него создал Поль Ириб по мотивам фотографии, на которой Жанна танцует с маленькой дочерью.

Родилась Элин Клеопатра в 1861 году в финской деревне Ноормаркку. Ее отец занимался сельским хозяйством и детство Элин провела на ферме своей семьи, но в 1866 году случился неурожай и голод, ферма разорилась, ее пришлось продать и отец художницы застрелился, а мать осталась с двумя дочерьми. Элин с детства страстно интересовалась рисованием и поэтому в пятнадцать лет она отправилась в Хельсинки, где жили ее тетя и дядя, чтоб учиться в школе искусств. Одновременно она стала подрабатывать росписью фарфора и ходить на курсы в академию Адольфа фон Беккера, где научилась писать маслом. А, собственно, фон Беккер, который основал первую школу живописи в Финляндии и вообще был другом и учеником Густава Курбе, Элин выделял из своих учеников и даже купил у нее несколько картин, что художницу очень вдохновило. В 1880 году случилась ее первая выставка и в том же году она получила диплом учителя рисования и потом даже преподавала рисунок в разных школах по всей Финляндии. Кстати, представительницы небольшого художественного сестринства все были учителями рисования и благодаря их работе выросло потом еще одно поколение отличных художников. Вообще, в те времена получить степень педагога для художника часто было выгоднее, чем просто называться художником - так можно было меньше беспокоиться за свою финансовую независимость. В 1883 году художница отправилась в Париж чтоб продолжать учебу, поработала там в мастерской Огюста Родена, слушала лекции заслуженных художников, училась и тусовалась, как все нормальные художницы в Париже в те годы. Потом Даниэльсон-Гамбоджи ездила на пленэры в Бретань, вернулась в родную деревню Ноормаркку, открыла там студию и занялась преподаванием, каждое лето отправлялась в гости в колонию художников Эннингебю, которую устроил на Аландских островах пейзажист Виктор Вестерхольм. В 1895 году году Элин получила стипендию на обучение во Флоренции и путешествие по Италии, в результате которого она в тридцать шесть лет познакомилась со своим мужем, Рафаэлло Гамбоджи. Он тоже был художником, был моложе Элин на тринадцать лет и сначала у них была продуктивная совместная работа и они открывали вместе свои выставки по всей Европе и явно неплохо влияли друг на друга. А потом супружеская жизнь как-то не заладилась и муж решил уйти к подруге Элин, а затем надолго попал в психиатрическую лечебницу. Во время Первой мировой войны Элин осталась в Италии и потеряла возможность ездить на родину. В 1919 году она заболела пневмонией и умерла в итальянской коммуне Антиньяно. Ее на какое-то время позабыли в Финляндии, но сейчас она считается одной из главных представительниц того самого золотого века финского искусства.

Шьющая женщина 1880 Поль Гоген Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген Эта картина очень необычна для творчества Гогена. Источником вдохновения вероятно был купленный им в том же году рисунок Эдуарда Мане «Вязанье» (1879), где изображена работающая одетая женщина в похожей позе. Сходный сюжет можно встретить и в картине Писсарро «Портрет мадам Писсарро, шьющей у окна». Остаётся неизвестным, кем была модель, изображённая на картине. Пола Гоген считала, что это была горничная родителей художника, другие исследователи думают, что для Гогена позировала профессиональная натурщица. Картина была выставлена в Копенгагене и её купил Теодор Филипсен у жены Гогена Метте в 1892 году. Филипсен сначала хотел передать картину в Лувр, но потом отказался от своего намерения и пожертвовал её Королевскому музею изящных искусств в Копенгагене (1920). В настоящее время картина выставлена в Новой глиптотеке Карлсберга.

"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств, Хьюстон. «Если бы я продавал только хорошие картины, я бы умер с голоду», - шутил Ренуар. Натюрморты он писал как раз для того, чтоб выжить. Они отлично продавались и создавались очень легко. Ренуар отдыхал, набрасывая свежесорванные цветы, как другие отдыхают, танцуя или попивая вино. Но этот натюрморт особенный. Это натюрморт-посвящение, натюрморт-признание. Эдуару Мане. Реминисценция первая: гравюра. На заднем плане ренуаровского натюрморта – гравюра к картине, о которой сейчас мало кто знает. В XIX веке ее считали произведением Веласкеса и она находилась в Лувре вместе с другими испанскими шедеврами, попавшими в музейные залы в качестве наполеоновских военных трофеев. Мане был в восторге от Испании и Веласкеса, он написал десятки полотен, вдохновленный испанскими мотивами, испанскими костюмами, композицией и мотивами испанских художников. Сейчас полотно приписывают зятю Веласкеса Хуану Батисте Мартинесу дель Масо или просто Мадридской школе. Но ту гравюру, которая оказалась внутри «Натюрморта с букетом и веером», абсолютно точно сделал Эдуар Мане. Реминисценция вторая: цветы. Если бы не было гравюры, все остальные переклички можно было бы считать слегка надуманными, но Ренуар сам узаконил дальнейшие поиски аллюзий. Букет на скандальной картине Эдуара Мане «Олимпия» слишком большой, критики не преминули упрекнуть художника в нарушении пропорций. Зато его невозможно не заметить: это смысловой центр картины, который превращает обыкновенное изображение обнаженной женской натуры в весьма недвусмысленный сюжет: за букетом где-то там, в гостиной, на пороге, за дверью, мужчина, которого вот-вот должна принять Олимпия, обнаженная Олимпия. Этот букет наверняка запомнили все: и критики, брызжущие ядовитыми упреками в неприличности, и молодые импрессионисты, которые назвали Мане своим учителем. Букет для натюрморта Ренуар собирал по своему вкусу, но обернул его точно в такую же, как у «Олимпии», плотную белую бумагу. Реминисценция третья: веер и книги. Япония стала для французов не меньшим откровением и художественным потрясением, чем Испания. Композиционные решения, цветовые находки, рисунок японских гравюр – все это буквально проросло в импрессионизм. Моне, Ван Гог, Сезанн и конечно Ренуар скупали стопки восточных пейзажей в художественных лавках, развешивали их по стенам, впитывали и учились. «Я уверен, что японские пейзажи не лучше других. Только одно: японские художники сумели найти спрятанный клад», - восхищался Ренуар уже много лет спустя. На этом японо-фанатском объяснении можно было бы остановиться, если бы не книги и если бы не заданная уже необходимость искать Мане. В каждой детали. И Мане снова находится. За два года до того, как Ренуар взялся собрать все эти знаковые вещи на одной картине, Мане пишет портрет Эмиля Золя за рабочим столом. Наверняка Ренуар его видел и схватил оттуда на память пару книг и японские мотивы. Во всяком случае так могло быть. ПьерОгюстРенуар Натюрморт Импрессионизм _history

Варя Кудрявцева "Результаты" (2021) Этот рисунок - работа 15-летней школьницы для выставки, приуроченной к 800-летию города Нижний Новгород.

"Маленькая девочка в синем кресле" 1878 г. Мэри Кассат Национальная галерея искусства, Вашингтон. Один из первых и лучших детских портретов Кассат, который, к тому же, зафиксировал переход художницы от реалистичной манеры живописи к импрессионизму. Эту картину вместе с десятью другими работами Кассат представила на четвертой, дебютной для нее выставке импрессионистов в апреле 1879 года. В создании «Маленькой девочки в синем кресле» непосредственным образом участвовал Эдгар Дега. Художники познакомились в 1877 году. Дега не только предложил американской коллеге выставляться с импрессионистами, но стал ее другом и наставником. Для картины позировала дочь одного из друзей Дега. Брюссельский грифон, изображенный в одном из кресел, — подарок художнице, который преподнес опять-таки Дега. Декоративная порода собак полюбилась Кассат во время путешествия в Антверпен в 1873 году. Обзаведясь первым щенком, она не расставалась с собаками этой породы до конца жизни. Позже Кассат неоднократно писала портреты женщин и детей, держащих на руках ее грифонов. В письме известному парижскому арт-дилеру Амбруазу Воллару Кассат призналась, что Дега помогал ей работать над фоном «Маленькой девочки в синем кресле». Многолетние исследования, проводившиеся в Национальной галерее искусства (Вашингтон), где хранится картина, подтвердили, что на ней есть следы кисти Дега. Кассат хотела представить картину в американском павильоне Всемирной выставки в Париже (1878 год), которая стала знаковым событием того времени. К примеру, соотечественник художницы Томас Эдисон презентовал там свои новые изобретения — мегафон и фонограф. Художница направила жюри «Маленькую девочку в синем кресле» и еще одну работу, название которой до сих пор неизвестно. «Неопознанную» картину включили в экспозицию, а вот детский портрет в импрессионистском стиле отклонили. Узнав об этом, Кассат была в ярости. Картина долгое время находилась в частных руках, пока в 1983 году тогдашние владельцы, чета Меллонов, не подарили ее вашингтонскому музею. Что же не понравилось жюри американского павильона, но восхитило зрителей выставки импрессионистов и до сих пор пленит любителей живописи? Сюжет картины предельно прост. Маленькая девочка, которая только что, судя по всему, бегала по комнате, расположилась в ярко-синем кресле. Взгляд у ребенка слегка недовольный. Девочке скучно, она, раскинув ноги в стороны, практически сползает с кресла, как часто делают непоседливые дети. Юбка задрана, колени оголены — приверженцев академической живописи, скорее всего, смущала именно «телесность» картины. Во второй половине XIX века детей все еще изображали как ангелочков — в чинных позах, в рюшках и со спокойным ясным взглядом. Импрессионизм, который декларировал «искренность в искусстве», отвергал такой подход. Кассат была одной из тех, кто стал изображать детей принципиально по-новому, в их «естественной среде». При помощи ограниченной палитры красок, широких мазков и ассиметричной композиции Кассат придала картине внутреннюю динамику. Свет, входящий в комнату через расположенные сзади двери, оживляет текстуру и рисунок неодушевленных предметов. Этот визуальный эффект усиливают энергичные мазки, с помощью которых выполнены бессистемно расставленные синие кресла и коричневато-серый пол. В противовес мебели девочка и собака изображены в состоянии покоя. Зрителям понятно, что художница «выхватила» момент между играми. Наклонная плоскость изображения и «обрезка» кресел выдают в картине влияние Дега и японской графики. Теоретики искусства называют «Маленькую девочку в синем кресле» одной из самых дерзких для своего времени иллюстраций детства. Картина Кассат передает то чувство несправедливости и беспомощности, которое ощущает подвижный ребенок, скованный социальными ограничениями взрослого мира. МэриКассат Импрессионизм _history

"Возьмите своего сына, сэр!" незаконченная картина художника-прерафаэлита Форда Мэдокса Брауна, начатая в 1851. На картине изображена женщина, только что родившая ребенка и протягивающая новорождённого его отцу. На бледном, измученном лице женщины лихорадочный румянец, а маленький тонкогубый рот приоткрыт, демонстрируя зубы. В зеркале за спиной женщины - отец ребенка, протягивающий руки. Моделью для картины послужила любовница и впоследствии вторая жена художника, Эмма Хилл. Работа над картиной была начата, когда художник и модель еще не состояли в браке, но после появления на свет первого, незаконнорожденного ребенка. По строгим порядкам викторианской Англии, подобные связи заслуживали порицания. В этой интерпретации название картины «Возьмите своего сына, сэр!» означает не бытовую просьбу подержать ребенка, а требование к отцу признать своего сына. По мнению историка искусства Маршии Пойнтон, картина намеренно парадоксальна и заключает в себе противопоставление жизни и смерти. Так, изображение ребенка и складок простыни, в которую он завернут, напоминает иллюстрацию из медицинских трактатов того периода, изображающего плод и внутренности женщины в разрезе. Считается, что художник окончательно забросил картину после смерти сына Артура, скончавшегося в июле 1857 года в возрасте десяти месяцев. Композиция полотна отсылает также к религиозным картинам, изображающим Мадонну с младенцем. На это указывает и зеркало, визуально образующее нимб вокруг головы матери, и рисунок обоев, напоминающий звёздное небо. Художник мог ссылаться на эту иконографию либо искренне, либо в ироничном контексте.

Возьмите своего сына, сэр! 1856 Форд Мэдокс Браун Британская галерея Тейт, Лондон Незаконченная картина художника-прерафаэлита, начата в 1851 году. На картине изображена женщина, только что родившая ребенка и протягивающая новорождённого его отцу. Маленький тонкогубый рот приоткрыт, демонстрируя зубы. Демонстрация зубов в контексте викторианской культуры символизирует женскую обиду и агрессию. За спиной на зелёных в звёздный рисунок обоях висит небольшое круглое зеркало, в котором отражается обстановка комнаты и отец ребенка в костюме и шляпе, протягивающий руки, чтобы взять ребенка. Зеркало было заимствовано как отсылка к «Портрету четы Арнольфини». Название картины означает не бытовую просьбу подержать ребенка, а требование к отцу признать своего сына. Изображение ребенка и складок простыни, в которую он завернут, напоминает иллюстрацию из медицинских трактатов того периода, изображающего плод и внутренности в разрезе.

​​️С 19 мая в галерее Lazy Mike откроется выставка Богдана Широкова «Topophilia». ️В 2022 году арт-ярмарка Frieze пройдет в Сеуле.   ️В Туле открылся фестиваль военного кино, посвященный 100-летию со дня рождения Юрия Озерова.   ️NFT картины Микеланджело «Мадонна Дони» из собрания галереи Уффици продан за €140 тыс.   ️Рисунок «Голова медведя» Леонардо да Винчи, который выставят на Christie's в июле, может побить рекорд на рисунки Леонардо. Рисунок выполнен около 1480 года и остается одним из восьми известных рисунков да Винчи, остающихся в частных руках. «Медведь» бывал и в России в Эрмитаже и Пушкинском музее. Фото: Леонардо да Винчи. «Голова медведя». Около 1480 г., Christie's https://telegra.ph/file/b74ca8e4a04d887c75870.jpg

​​Медведя Леонардо да Винчи продают за £12 млн Ожидается, что рисунок «Голова медведя», который выставят на Christie's в июле, побьет рекорд на рисунки Леонардо. Рисунок медвежьей головы работы Леонардо да Винчи размером 7×7 см будет выставлен на торги Christie's 8 июля. Эстимейт рисунка — £8–12 млн. Ожидается, что «Голова медведя» побьет рекорд на рисунки Леонардо, который был установлен на Christie's в 2001 году, когда его «Конь и всадник» (ок. 1480) размером 12×7 см были проданы за £8,1 млн. «Голова медведя» выполнена около 1480 года и остается одним из восьми известных рисунков да Винчи, остающихся в частных руках (не считая британской Королевской коллекции и собрания герцогов Девонширских). Рисунок в XVIII веке находился в собрании художника Томаса Лоуренса, от которого перешел к дилеру и кредитору художника Сэмюэлу Вудберну. Последний продал его в 1860 году на Christie's всего за £2,5. Бен Холл, глава отдела старых мастеров Christie's в Нью-Йорке, говорит, что рисунком владели «некоторые из самых выдающихся коллекционеров в области старых мастеров на протяжении многих веков, в числе которых и нынешний владелец, которому он принадлежал с 2008 года». С момента своей первой выставки в 1937 году рисунок был показан в музеях по всему миру, включая выставку Леонардо да Винчи в Лондонской национальной галерее в 2011–2012 годах. Знаком он и российской публике — в Государственном Эрмитаже и ГМИИ им. А.С.Пушкина его можно было увидеть на выставке из собрания Томаса Каплана и Дафны Реканати-Каплан «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции» в 2018 году. Рисунок представлен на публичной выставке Christie's в Рокфеллер-центре в Нью-Йорке с 8 мая, затем он будет показан на выставке Christie's в Гонконге с 20 по 25 мая. После этого он отправится в Лондон, где будет выставлен на обозрение с 1 по 6 июня. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/18a97548754b667fba176.jpg

"Портрет Франсуазы" 1946 г. Пабло Пикассо Музей Пикассо, Париж. Этот небольшой карандашный рисунок, выполненный Пабло Пикассо в 1946 году, – один из самых лирических и чувственных портретов Франсуазы Жило. И, пожалуй, самый реалистичный из них. Пикассо создал этот рисунок в самом начале их отношений, в период, исполненный нежности и искреннего обожания. Несколько лет спустя, когда союз с Франсуазой уже начнет трещать по швам, Пикассо будет безжалостно сминать и искажать черты ее лица на своих картинах, как это уже бывало с ее предшественницами. О Франсуазе Жило чаще всего говорят как о единственной возлюбленной Пикассо, которая нашла в себе силы уйти от него первой. Они встретились в Париже в 1943 году, когда художник еще жил с Дорой Маар. Франсуаза стала его «послевоенной» любовью, нервные и заряженные драмой отношения с Дорой окончились вместе с войной. Очень юная и очень живая Франсуаза стала для Пикассо воплощением новой жизни и новой надежды. На момент знакомства ей исполнился 21 год, он был на 40 лет старше. Некоторое время Пикассо и Жило обитали в Париже, но после войны он увез новую музу на юг Франции. Жениться на ней художник не мог, поскольку официально все еще состоял в браке с Ольгой Хохловой. Тем не менее, Франсуаза прожила с ним почти 10 лет и родила от него двоих детей – Клода и Палому. Хоть и недолго, но их семья была по-настоящему счастливой, а дети служили для обоих родителей мощным источником вдохновения. Счастливые времена, однако, довольно быстро закончились. Франсуазу все сильнее раздражали властность и деспотичность Пикассо. Он требовал от нее постоянного внимания, ревновал к друзьям и лишал Франсуазу возможности развивать собственный талант. При этом сам Пикассо оставался патологически неверным и проводил много времени с Мари-Терез Вальтер и их общей дочерью Майей. Их расставание было неизбежным, и именно тогда Пикассо показал себя с самой отвратительной стороны. Не в силах смириться с тем, что женщина посмела от него уйти, он опустошил их общий дом, прихватив с собой множество вещей Франсуазы, ее коллекцию книг, подаренные им рисунки, адресованные ей письма, в том числе и от Анри Матисса. Последним мстительным ударом Пикассо стало то, что он использовал все свое влияние, чтобы Франсуазу выгнали из ее галереи. К счастью, в отличие от других возлюбленных Пикассо, Франсуаза Жило не сломалась и не повредилась рассудком ни во время их совместной жизни, ни после разрыва. Более того, она жива до сих пор и ведет весьма насыщенную жизнь для своего почтенного возраста. Расставшись с Пикассо, Жило наконец смогла в полной мере раскрыться в своем творчестве и написала несколько книг (в том числе о своей жизни с Пикассо). В 1970 году она вышла замуж за вирусолога Джонаса Солка (изобретателя вакцины от полиомиелита) и счастливо прожила с ним 25 лет до самой его смерти. ПаблоПикассо Графика _history

Работы_детей Егор, 7 лет. 2020 год. Преподаватель Дарина Красильникова childrencreativity drawing painting creativity детскоетворчество рисунок живопись творчество

Работы_детей Рита, 9 лет. 2019 г. Преподаватель Дарина Красильникова childrencreativity drawing painting creativity детскоетворчество рисунок живопись творчество

"Фокусник" 1502 г. Иероним Босх Муниципальный музей, Сен-Жермен-ан-Ле. Оригинал картины Иеронима Босха «Фокусник» не сохранился, однако произведение дошло до нас в нескольких копиях, наиболее точную из которых можно посмотреть в Муниципальном музее пригорода Парижа Сен-Жермен-ан-Ле. Копия имеет прямоугольную форму, но специалисты почти не сомневаются, что оригинальная композиция была вписана в круг, т.е. имела форму тондо (от итал. rotondo – круглый), наподобие «Извлечения камня глупости» – другой известной картины Босха. Круг, по своей сути, напоминает выпуклое средневековое зеркало или линзу: всё, что попадает в его пределы, приобретает искажённые пропорции и формы, но при этом становится очень наглядным. Датировка Традиционно «Фокусника» относили к раннему периоду творчества Босха – между 1475 и 1480 гг. Считалось, что несколько неловко написанные фигуры и неправильное перспективное сокращение (особенно заметное в изображении стола) говорят о неуверенности руки начинающего мастера. Весьма примитивный рисунок, с одной стороны, может указывать на авторскую неопытность. Но, с другой стороны, и во времена творческой зрелости Босх часто прибегал к намеренной архаизации и примитивизации приёмов изображения, так что вопрос с датировкой «Фокусника» остаётся открытым. Дендрохронологический анализ сен-жерменской копии указывает, что она создана около 1502 года. Сюжет На фоне выщербленной каменной стены, верхняя часть которой поросла травой, шарлатан в черном цилиндре и красном плаще дурачит доверчивую публику. Зрители монолитной группкой расположились у другого края стола и с изумлением глядят, как фокусник извлекает изо рта одного из зевак лягушку. Но вот юноша, обнимающий свою спутницу, замечает неладное и указывает на это пальцем: стоящий рядом человек в монашеской одежде, прикидывающийся слепым, запустил руку в карман «поглотителя лягушек» и пытается вытянуть оттуда кошелёк. Вероятно, это сообщник фокусника и всё представление рассчитано на то, чтобы усыпить бдительность публики и воспользоваться её доверчивой рассеянностью. Фокусник зажимает в пальцах миниатюрный шарик, на столе видны еще несколько шариков и напёрстки. Из прикреплённой к поясу фокусника корзинки выглядывает голова совы – привычной для Босха аллегории зла и дьявольских козней. Лягушки (одна сидит на столе, другая – виднеется во рту у «жертвы» фокусника) тоже рассматривается как символ порока. Сложнее трактовать символическое значение собаки (некоторые полагают, что это обезьянка) под столом и аиста, поглотителя лягушек, темный силуэт которого виден в левом верхнем углу. Над кем насмехается Босх? Чаще всего «Фокусника» трактуют как жанровую сценку, сатира которой направлена и на фокусников-мошенников, и в еще большей степени – на доверчивых разинь, готовых поверить любому ловкому проходимцу. Некоторые специалисты проводят параллели между извлечением лягушки фокусником и церковной процедурой изгнания дьявола. При таком подходе картина «Фокусник» приобретает антиклерикальный смысл, становится сатирой на священнослужителей, почём зря дурачащих доверчиваю паству. Эта идея подкрепляется и теми аргументами, что платье фокусника похоже на красную кардинальскую сутану, а «униформа» его сообщника напоминает об одежде монахов-доминиканцев. Возможно, Босх обличает здесь продажу индульгенций – отпущение грехов за деньги. Загадочный человек в зелёном Специалисты заметили, что персонаж в зеленом головном уборе и такого же цвета плаще (он стоит почти у середины стола и смотрит прямо на зрителя) появляется и на других работах Босха, например, в «Распятой мученице». Предполагают, что он писался с кого-то из реальных знакомых Босха, но вряд ли этот человек был художнику другом, поскольку на картинах он показан скорее в негативном ключе. ИеронимБосх _history

Анна Чойницка и банановые картины. Когда Британия закрылась на карантин, Анна решила попробовать себя в чём-то новом. Все знают, что если помять банан, то в месте соприкосновения скоро появится чёрный след. Именно этот процесс окисления девушка взяла за основу своего метода рисования Для того чтобы нанести рисунок на фрукт, Анна берёт первый попавшийся под руку тонкий тупой предмет и начинает наносить нужные очертания на кожуру. Окисление происходит не мгновенно, и, чтобы не испортить рисунок, надо ждать, пока не проявится предыдущая линия, чтобы сделать следующую. Поэтому процесс совсем не из быстрых. Кожура на удивление хорошо передаёт светотеневой рисунок, а выстроить перспективу и вовсе не составляет труда.

Детский рисунок или музейный шедевр?

Вольф Эрльбрух (род.в 1948 году) - немецкий иллюстратор и автор книг для детей, лауреат многочисленных премий. Считается, что Эрльбрух как никто умеет говорить с детьми на трудные и мрачные темы. В своих книгах он не боится поднимать самые сложные вопросы, стирая границы между детской и взрослой литературой. «Утка, смерть и тюльпан» - философская притча об Утке, которая встречает Смерть и постепенно сближается c ней, была опубликована в 2007 году и сразу приобрела большую известность. Книга с иллюстрациями автора, над которой он работал в течение 10 лет, была издана на 20 языках и экранизирована в 2010 году. В своей книге Вольф сочетает коллаж и рисунок. Здесь почти нет фона, только кое-где встречаются редкие растения и появляются важные для сюжета объекты, вроде пруда или дерева. Поэтому ничто не отвлекает наше внимание от главных героев. А главные в книге - утка и смерть. Ну и тюльпан, конечно. Вольф Эрльбрух очень не любит, когда в детских книжках рисуют персонажей похожими на симпатичных диснеевских мультяшек. Смерть в его книге, как и положено смерти, изображена в виде скелета. А чтобы сделать её более дружелюбной, он просто её…одел. В уютное клетчатое платье, мягкие туфли и рукавички. А ещё вставил в глазницы черепа по горошинке чёрного перца. По положению этих глаз-горошинок и изгибам рта мы понимаем, задумалась смерть, грустит или улыбается. В одном из своих интервью Эрльбрух говорил, что нельзя ставить создание детских книг «на поток»: хорошая детская книга должна отражать субъективный опыт автора и иллюстратора, переживая который через книгу, дети смогут сформировать свои собственные идеи и представления о мире. художник иллюстрация галерея арт искусство лебедиЛеонардо притча

Любую сложную форму можно(нужно!) упростить и тогда реально нарисовать всё что хочешь Приготовили для вас супер полезную пошаговочку с изображением бабочки. Шаг 1. Определяем основные пропорции, измеряем общую ширину и высоту, рисуем ось симметрии и тельце бабочки, разделяем верхние и нижние крылья. Шаг 2. Строим упрощенную форму крыльев в соответсвии с пропорциями Шаг 3. Следим за реальной формой крыльев переносим ее к себе на рисунок, не забывая про симметрию. Шаг 4. Дополняем рисунок деталями, фиксируем расположение пятен на крыльях. Шаг 5. Для изучения формы выполняем тоновой рисунок. Шаг 6. Выполняем работу в цвете. После такой серьезной подготовки работа в цвете уже не так страшна, так как вы поняли форму объекта, знаете где более тёмные и более освещённые места, вам остаётся только лепить понятную вам форму красками. практика

Академический рисунок. Части лица практика

Автопортрет 1504–1506 Рафаэль Санти доска, темпера. 47,5 × 33 см Галерея Уффици, Флоренция, Италия А вот так выглядел один из величайших художников за всю историю человечества. Недавние исследования полотна обнаружили рисунок внизу, который подтверждает, что это действительно подлинный автопортрет, написанный около 1506 года. «Автопортрет» находился в коллекции кардинала Леопольда Медичи, с 1682 года — в собрании галереи Уффици.

Москва. Вид на Кремль от Софийской набережной 1879 Пётр Верещагин Холст, Масло. 53,2 см × 105,8 см Ярославский художественный музей Верещагин с применением приёмов академической живописи изобразил реальный вид на город. Им строго переданы пропорции архитектуры и соблюдён закон перспективы: чем дальше предмет, тем меньше он выглядит на полотне. Размеры удалённых объектов художник рассчитывал для соблюдения пропорций. На полотне вид с Каменного моста на обновлённый Кремль после реконструкции набережной реки и строительства здания Большого Кремлёвского дворца, проект которого разработал архитектор Константин Тон. Во время реконструкции в 2016 году Кремлёвская набережная была обновлена в ходе строительных работ, при которых рисунок мощения крупными плитами светлого гранита был воспроизведён по картине Петра Верещагина/

Конструктивный рисунок фигуры человека. Различные позы. практика

Скучали? Бэнкси «отметился» в прибрежных городках Британии Толстовка с капюшоном и ящик баллончиков с краской — неизменные атрибуты одного из самых известных в мире художников — неуловимого Бэнкси. Бристольский мастер граффити, чьи работы сейчас продаются за миллионы фунтов стерлингов, подтвердил, что немножко «похулиганил» на приморских курортах восточного побережья Англии. Но часть его произведений уже повреждены или уничтожены. Недавно в ряде провинциальных городков появились свеженькие граффити — например, крыса, попивающая коктейль в шезлонге на пляже, или огромная чайка, нависшая над «коробкой с чипсами» (на самом деле — контейнером со стройматериалами). Сразу же поползли слухи, что это — творение рук Бэнкси. Теперь он это подтвердил. В Instagram был опубликован клип, проясняющий происхождение рисунков. Видео длительностью чуть более трех минут называется A Great British Spraycation («Великое британское распыление»). В нём показано, как художник-аноним разъезжает в потрепанном автофургоне с переносным холодильником, полным баллончиков с краской. Скорее всего, Бэнкси таким образом хотел выразить солидарность со многими британцами, которые из-за пандемических нововведений не могут уехать за границу и проводят летние каникулы на родине. «Отпускное турне» художника прошло по пяти городам в Саффолке и Норфолке. Всего он оставил 10 «следов» своего пребывания. Загорающая в шезлонге крыса появилась на бетонной защитной стене на Северном пляже Лоустофта. В минувшие выходные выяснилось, что кто-то замазал рисунок белой краской — к огромному возмущению городских властей. Они наняли реставраторов в надежде, что те восстановят работу. Испорчено и граффити с «хватайкой» из игрового автомата, нависшей над всяким, кто сядет на скамейку на берегу моря в Горлестоне. Некий местный художник решил добавить к лаконичной работе своего знаменитого коллеги шесть плюшевых мишек и надпись Banksy Collaboration Emo («Бэнкси в сотрудничестве с Эмо»). А дальше пошло-поехало: кто-то зачеркнул ник Эмо и ниже дописал Эго, потом Эго было зачёркнуто и вновь нанесено. Одному из мишек «пустили кровь» из носа. А вот рисунок с детьми, которых выбрасывает из надувной лодки из-за невнимательности пьющего взрослого, удалили по инициативе муниципалитета Грейт-Ярмута. Дело в том, что Бэнкси выбрал для неё место, неподалёку от которого три года назад при подобных обстоятельствах погиб ребёнок. Власти решили найти работе менее травмирующую локацию. В роли «вандалов» выступил и совет Олтон Броуд, пригорода Лоустофта. По его распоряжению убрали кусок металла из композиции «Все мы в одной лодке». Этот фрагмент загораживал водосток, над которым Бэнкси нарисовал трёх мальчиков, играющих в мореплавателей. Железка там могла привести к затоплению участка парка во время дождя. Власти пообещали вернуть всё «как было» когда установится хорошая погода. А ещё Бэнкси «вручил» стаканчик мороженого статуе Фредерика Сэвиджа, который был мэром города Кингс-Линн в XIX веке. Мало того, он снабдил каменного градоначальника пикантным розовым языком. Муниципалитет не оценил такую редакцию старинного памятника. Остальные работы остались в сохранности, в том числе и уже упомянутая чайка. Это: — танцующая пара и мужчина, играющий на аккордеоне, на автобусной остановке в Грейт-Ярмут; — граффити на миниатюрной конюшне с надписью «Стань большим или иди домой», подписанное Бэнкси и с его «фирменной» крысой, в том же Грейт-Ярмут; — ребёнок с ломом и замком из песка рядом с разбитой тротуарной плиткой в Лоустофте; — группа крабов-отшельников, один из которых нацепил раковину и поднял табличку Luxury rentals only («Только дорогая аренда»). Эти работы контрастируют с творчеством Бэнкси последних лет. Он стал делать откровенно политические комментарии — поднял кампанию против плохого отношения к мигрантами, выступал против Брексита и радикального исламизма, а также подверг критике приоритеты международного арт-рынка. новостиИОК _history https://www.youtube.com/watch?v=v450Acut8Q0

Хочу вам показать умопомрачительную штуку, гигантскую карту Венеции, выполненную в 1500 году художником Якопо де Барбари. Она поражает не только как предмет искусства и восхитительный пример графики, но и с точки зрения картографии является вещью совершенно революционной. Короче, откроете - обалдеете, я обещаю. Для начала, это огромная гравюра, собранная из шести блоков, надо которой Якопо де Барбари трудился три года. При том, что резку по его рисунку делали другие люди, специально нанятые резчики, то есть, он три года потратил только на рисунок. А сама карта стала самым большим изображением, вырезанным на дереве (грушевом) для печати и долго еще этот рекорд никто не мог переплюнуть. С рисунком все тоже интересно, потому что совершенно не понятно как художник умудрился зарисовать весь город практически с высоты птичьего полета. Это мы с вами балованные самолетами и дронами, а тут только XVI век начался вообще-то, поэтому надо было как-то для начала придумать рисунок в таком ракурсе, а потом его еще и осуществить. Ну вот, есть версия, что ду Барбари видел карту Флоренции, выполненную в 1480 году Франциско Росселли, не такую подробную, более средневековую по своей манере, рассказывающую о городе в общих чертах, а не работающую подробным путеводителем, но зато как раз нарисованную из похожего ракурса. Что касается совсем технической стороны дела, то некоторые считают, что де Барбари лазил на колокольни по всему городу (их тогда Венеции было 103 штуки и все они, кстати, есть на карте) и зарисовывал по кусочку пейзаж, а потом собрал все рисунки как паззл. И, скорее всего, художник пользовался не только рисованием, но и применял тригонометрию, которую, как и многие науки, вернули к жизни ученые-гуманисты совсем недавно, и эта карта не просто результат наблюдательности, но и вещь, которая построена исходя из сложных расчетов. Еще интересно то, что карта достоверна - говорят, даже сейчас можно ее использовать как путеводитель по городу. Новинка от де Барбари - изображение практических всех зданий согласно их настоящим пропорциям, а не выделение важнейших при помощи размера. Он разве что польстил Дворцу Дожей, в котором заседали все самые важные люди города и который был и остается его главной достопримечательностью, нарисовав его в половину крупнее оригинала. Ну и некоторые совсем крохотные и сложные улочки, там, где совсем окраинные лабиринты, де Барбари упростил. Зато мы видим острова - Мурано, Маццорбо, Бурано, Гвидекка и Сан Джорджио Маджоре, а вдалеке виднеются Альпы. По идее, Альпы из Венеции не должны быть видны, но это нам так показывают значение Венеции в мире, как его символический центр. Для тех же целей - ветры и, главное, в центре карты два античных бога, глядящие друг на друга. Сверху - Меркурий, покровитель торговли на троне-облаке со своим кадуцеем, знаком коммерции и атрибутом послов. Вокруг него надпись на латыни - “Я, Меркурий, благосклонно сияю над этим эмпорием”. Ну какой же из Венеции эмпорий? - спросите вы, вспомнив о том, что эмпории - это такие маленькие торговые поселения, в которых ни церкви ни армии, одни рынки. Это так, мне кажется, де Барбари, с одной стороны, скромничает за всю Венецию, а с другой - подчеркивает то, что как и средневековые или даже древние эмпории не имели укреплений и солдат потому что их безопасность гарантировалась покровительством знати, деньгами и связями, Венеция процветает за счет дипломатии. Собственно, у Венеции регулярной армии тоже ведь не водилось, были наемники, и, главное, политически опытные элиты, которые несмотря на постоянное состояние угрозы со стороны всех подряд, умудрялись при помощи переговоров (и подкупов, интриг и всего такого) удерживать Венецию от развала и разграбления.

Письменный язык в центре внимания новой выставки в галерее VITRINE в Базеле Галерея VITRINE представляет новую выставку швейцарской художницы Николь Бахманн и британского художника Тима Этчеллса под названием «Along A Long So Long». Каждый художник представил три новые работы, которые исследуют письменный язык и процесс или акт высказывания с помощью различных средств, таких как изображение, текст и перформанс. Одна из работ Бахманн — большой текстовый рисунок, который отражает человеческий мыслительный процесс, а также нервные повторения, интонации, исправления и кол...ия, которые мы испытываем, когда думаем и говорим. Тим Этчеллс представляет серию лайтбоксов, в которых брызги на тротуаре сочетаются со столь же мрачными текстовыми сообщениями. арт_новости

Бу-ух! 1963 Рой Лихтенштейн Галерея Тейт, Лондон Диптих в стиле поп-арт. На левой части диптиха изображён истребитель, запускающий ракету, которая в правой панели попадает во второй самолёт, который взрывается, будучи объятым огнём. Лихтенштейн заимствовал изображения для диптиха с нескольких рисунков из комиксов. Он преобразовал свой основной источник, рисунок из военного комикса 1962 года, представив его как диптих и изменив соотношение графических и повествовательных элементов. Название картины неотъемлемая часть её действия и эффекта, и отображается большими буквами в правой части диптиха.

Бабушка Мо́зес (настоящее имя Анна Мэри Мозес, 7 сентября 1860 — 13 декабря 1961) — американская художница-любительница, одна из главных представителей американского живописного примитивизма. В её честь назван кратер Мозес на Венере. Любила рисовать с раннего детства, однако бо́льшую часть жизни провела на ферме в штате Нью-Йорк, будучи женой фермера. После смерти мужа в 1927 году Анна Мозес снова стала рисовать. В 1938 году нью-йоркский коллекционер заметил рисунок Анны Мозес, выставленный в окне аптеки. В течение года рисунки Мозес начали появляться в нью-йоркской галерее и привлекли к себе широкое внимание коллекционеров и любителей живописи. В течение 1940-х годов выставки Мозес прошли во многих европейских странах и в Японии. В 1941 году она получила государственную премию штата Нью-Йорк, в 1949 году президент США Гарри Трумэн лично вручил ей премию Национального Американского женского пресс-клуба.

"Северное сияние" Фредерик Эдвин Чёрч, 1865 > Вашингтон, Смитсоновский музей американского искусства При написании картины Чёрч использовал рисунок «Пик Чёрча, Арктика», сделанный Айзеком Израэлем Хейсом во время его полярной экспедиции 1860—1861 годов. Согласно подробному описанию, приведённому Хейсом в его книге «Открытое полярное море», а также в более поздней книге Чарльза Томлинсона, пик Чёрча находится на восточном побережье острова Элсмир, со стороны пролива Кеннеди, разделяющего северные канадские острова и Гренландию. Сам Чёрч был свидетелем северного сияния, которое можно было видеть с острова Маунт-Дезерт (штат Мэн) 23 декабря 1864 года. Он запечатлел его на картине «Северное сияние. Остров Маунт-Дезерт. Из Бар-Харбора, Мэн». Многие американцы, наблюдавшие это северное сияние, восприняли его как предзнаменование победы Севера в продолжавшейся гражданской войне — именно в качестве этого символа и была воспринята картина «Северное сияние», оконченная в 1865 году.

​​Новый Ван Гог В Амстердаме обнаружили неизвестный ранее рисунок художника. Амстердамский музей Ван Гога отнес новое произведение искусства к каталогу мастера. Работа представляет собой рисунок, на котором изображен сгорбившийся от сильного истощения мужчина. Эскиз, датируемый 1882 годом, несомненно, похож на несколько других работ, таких как «На пороге вечности». Не каждый день случаются такие открытия! арт_новости https://telegra.ph/file/a4781a25c038f773805fd.jpg

"Портрет Екатерины Сергеевны Авдулиной" 1823 г. Орест Адамович Кипренский Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. «Портрет Е.С.Авдулиной» был весьма высоко оценён современниками Кипренского, однако нынешние искусствоведы, признавая бесспорное мастерство художника, находят в этом портрете некий «настораживающий холод». Дело в том, что в «Портрете Авдулиной» более не ощущается того близкого и живого контакта между художником и его моделью, который помогает выявить глубинные пласты натуры портретируемого и которым, собственно, и славен был Орест Кипренский. «Портрет Е.С.Авдулиной» написан в период, когда художник уже пережил высшую точку своей славы и мастерства и приближался к сложному творческому кризису. Возможно, именно этим объясняется несколько элегическое звучание картины. Екатерина Сергеевна Авдулина – кто она? О героине портрета Кипренского известно не слишком много. Она происходила из весьма богатой, но не отличающейся знатностью семьи, была замужем за генерал-майором Алексеем Авдулиным. Вместе с мужем Екатерина Сергеевна покровительствовала литераторам и художникам; дружила с русской актрисой Александрой Каратыгиной и итальянской певицей Анжеликой Каталани. Дом Авдулиных был поставлен на широкую ногу, регулярно давались балы, на которых иногда бывал даже Пушкин. Что касается портрета Кипренского, то об обстоятельствах его создания известно только то, что он написан не в России, а либо во Франции, либо в Италии. Техническое мастерство Кипренского и ориентация на художников Возрождения Нельзя не отметить, насколько совершенно Кипренский, живя в Италии, научился технике живописной передачи украшений и тканей. Узорчатая персидская шаль сложно-горчичного цвета, пенящаяся кисея чепца, отчетливый холодный блеск жемчуга, оттеняющего нежность карнации (изображения открытых участков тела) – всё это даже несколько затмевает саму героиню, о которой один из современников сказал: «В её физиономии есть душа». Композиция, при которой героиня изображается на фоне темной стены и фрагментарно видимого пейзажа, а также «джокондовский» рисунок рук говорят об ориентации Кипренского на образцы живописи эпохи Возрождения, в том числе и на знаменитую картину Леонардо да Винчи, которую художник видел в Лувре. Облетающий белый левкой (по другой версии – гиацинт) на фоне тревожного багрового неба имеет аллегорический смысл. Гиацинт был символом печали и умирающей природы, а левкой, согласно поверьям, опадал в минуту смерти кого-то из домочадцев. Таким образом, посредством цветка намекается на печальные события в судьбе героини, остающиеся вне пределов нашей компетенции, но отчасти объясняющие минорное настроение портрета. ОрестКипренский Портрет Романтизм _history

Урок построения Простой алгоритм построения на примере кролика. 1. Определяем общую форму объекта. Очень условно, просто чтобы расположить на листе. А также делаем вспомогательные линии - это могут быть касательные к каким-то элементам (например к голове кроли) , либо центральные линии, которые будут определять симметрию. 2. Добавляем условно форму всех элементов , чтобы поделить рисунок на части. Здесь у нас - голова и лапки. Отмечаем также простейшей формой - кружками, овалами, прямоугольниками, треугольниками и тд. 3. Чуть корректируем первые условные формы, проверяим их пропорции относительно друг друга и выявляю форму. Например, голова кролика сверху более вытянутая, снизу широкая. Добавляем новые вспомогательные линии, такие как центральная линия головы. 4. Добавляем остальные составляющие, сравнивая их по размеру с теми элементами, что уже есть, а также их направление/наклон/форму. 5. Постепенно убираем линии построения и придаем контурам более живые очертания. практика познавательное

Британский музей обнаружил самое древнее в истории изображение привидения Исследователи Британского музея нашли самый старый рисунок с привидениями в мире. Находки представляют собой древнюю вавилонскую табличку, датируемую возрастом 3500 лет, на которой были начертаны инструкции о том, как проводить экзорцизм над нежелательными духами. В те дни призраки были привычной частью повседневной жизни. арт_новости

​​️Выставка «Шедевры русского искусства из американских коллекций», организованная нью-йоркской галереей ABA, пройдет в Москве с 9 ноября по 12 декабря. В Российской академии художеств представят около 70 произведений русского искусства руки Филиппа Малявина, Константина Коровина, Николая Рериха, Михаила Ларионова, Александра Яковлева и других мастеров. ️Саунд-художник Билл Фонтана записал голос Нотр-Дама. Мировая премьера аудиоработы под названием «Отголоски Нотр-Дама» пройдёт в Париже в июле следующего года. ️Фонд «Свет» поддержит грантами инклюзивные программы в музеях. ️День народного единства в «Царицыне» в этом году пройдет онлайн. Можно будет послушать лекции об истории национальных маскарадов, увидеть фильм о музейной коллекции, послушать концерт классической музыки и даже посетить семейное онлайн-чаепитие вместе с музеями Русского Севера, которое состоится 4 ноября. ️Неизвестные рисунки Франца Кафки впервые представлены публике Сам писатель требовал сжечь их после его смерти. Сегодня они находятся в открытом доступе на сайте Национальной библиотеки Израиля. Фото: рисунок чернилами Франца Кафка с надписью на старинном немецком шрифте Kurrent, Национальная библиотека Израиля https://telegra.ph/file/35ce676c0a05810cf06f5.jpg

Пропорции лица. Схема для начинающих В помощь начинающим я хочу предложить простую схему, которая поможет на начальном этапе обучения. Итак, что необходимо усвоить? 1. Форма головы больше похожа на яйцо, чем на шар. Со стороны подбородка голова уже, со стороны затылка — шире. 2. Уровень глаз расположен примерно посередине головы. 3. Уровень кончика носа находится примерно посередине между бровями и подбородком. 4. Губы будут располагаться примерно чуть выше середины между кончиком носа и подбородком. 5. Чтобы было проще рисовать всегда проводите серединную линию или ось симметрии. Эта линия делит рисунок головы пополам. Вам будет проще ровно рисовать левую и правую стороны головы. Ось симметрии поможет избежать кривизны в рисунке. познавательное практика

В машине 1963 Рой Лихтенштейн Национальные галереи Шотландии Первоисточником для картины послужил рисунок комикса. Картина описывается напряжение романтического диалога между мужчиной и женщиной. Лихтенштейн использовал горизонтальные параллельные линии, чтобы передать движение. «В машине» была в числе несколько картин «вымышленной драмы», созданных Лихтенштейном в начале 1960-х годов, где изображались женщины в любовных отношениях с властными мужчинами, вынуждающими их быть несчастными. Эта серия послужила прелюдией к картинам 1964 года о наивных «девушках по соседству» в различных тонких эмоциональных состояниях. В этой работе создаётся атмосфера настроение покорности, выраженное очевидным продолжительным молчанием женщины, смотрящей каменным взглядом через лобовое стекло автомобиля. В картине, в отличие от первоисточника, отсутствует текстовый баллон с мыслью девушки: «Я поклялась себе, что не пропущу назначенного мне свидания, что не поеду с ним кататься на машине, но не успела опомниться.…»

​​Рисунок, купленный по случаю за $30, может оказаться оригиналом Дюрера Четыре года назад некий человек из американского штата Массачусетс посетил обычную распродажу домашнего имущества. Его внимание привлёк небольшой рисунок — изображение женщины и ребёнка. Под ними красовался один из самых узнаваемых вензелей истории искусства — «A.D.». Шутки ради мужчина купил рисунок за 30 долларов. «По крайней мере, это было прекрасно выполненное старинное произведение искусства, что оправдывало его покупку», — пояснил он. Но всё оказалось не так просто. Теперь выясняется, что работа, скорее всего, стоит намного больше — может быть, до 50 миллионов долларов. По крайней мере, именно такую цену, возможно, получит лондонская галерея Agnews, которая её выставила. Кураторы учреждения полагают, что «A.D.» — реальная подпись немецкого мастера эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера. У владельцев галереи есть все основания так думать. Кристоф Мецгер, главный хранитель музея Альбертина в Вене и ведущий эксперт по Дюреру, проанализировал работу и объявил её подлинником. Он даже включил рисунок в свой каталог-резоне произведений художника; книга вскоре появится на свет. Согласна с ним и Джулия Бартрум, бывший куратор отдела немецких эстампов и рисунков из Британского музея. Она организовала вокруг работы выставку, которую теперь можно увидеть в Agnews. Оба эксперта предполагают, что рисунок был создан примерно в 1503 году. Вероятно, это предварительный этюд для известной акварели Дюрера «Богородица с Иисусом среди животных», которая появилась на свет спустя примерно три года. Сейчас она находится в коллекции Альбертины. Нынешний владелец рисунка, желающий сохранить анонимность, прошёл долгий путь до признания своего сокровища — и дня, когда он сможет получить деньги за него. После покупки произведения в 2017 году мужчина показал его нескольким экспертам, чтобы подтвердить подлинность, но в каждом случае получал неутешительный вердикт. Серьёзно рассматривать работу начали только после того как владельца случайно познакомили с Клиффордом Шорером, коллекционером из Бостона. Будучи акционером Agnews, он отправил рисунок в эту галерею. Та, в свою очередь, передала его Мецгеру и другим специалистам. Эксперт-реставратор, например, подтвердил возраст бумаги и обнаружил водяной знак Дюрера «Трезубец и кольцо». Параллельно выяснялся и провенанс рисунка. Архитектор, который жил неподалёку от Бостона и скончался в 2012 году, унаследовал его как семейную реликвию. Вероятно, работу купил его дед в Париже в 1919 году. Галерея не установила конкретную цену за произведение, которое назвали «Мадонна с младенцем и цветком на травяной скамье». Но Шорер подозревает, что оно может стоить до 50 миллионов долларов. По словам представителя Agnews, галерея заключила с владельцем рисунка «стандартное соглашение» и получит компенсацию за три-четыре года исследований, которые понадобились для его аутентификации. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/f8f9ce9440a6b7d0d5a7a.jpg

Удачная покупка Мужчина купил на распродаже рисунок за 30 долларов США, который, на самом деле стоит около 50 миллионов долларов США. Несколько экспертов подтвердили, что это произведение искусства немецкого художника эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера. Представьте себе, что вы покупаете рисунок за 30 долларов, а через 4 года узнаете его настоящую стоимость. Покупатель — невероятный счастливчик. По данным The Art Newspaper, рисунок предположительно был выполнен в 1503 году. арт_новости

​​Под картиной Рембрандта «Ночной дозор» обнаружен скрытый эскиз Эскиз Рембрандта скрыт под густым слоем краски на самом известном произведении мастера — «Ночном дозоре». Впервые учёным удалось взглянуть на процесс создания самого масштабного полотна в творчестве голландского художника XVII века. Подготовительный рисунок, выполненный бежевой краской с высоким содержанием мела, был найден во время исследования, которое в течение двух с половиной лет проводили реставраторы, эксперты и искусствоведы в Рейксмузеуме в Амстердаме. Эскиз показал, какие изменения в процессе написания Рембрандт ван Рейн внёс в расположение 34-х персонажей, а также перьев, копий и мечей вокруг них. На создание «Ночного дозора», изображающего ополчение под командованием капитана Франса Баннинга Кока, ушло три года. Полотно заказало Стрелковое общество гражданского ополчения Амстердама для украшения банкетного зала в своей штаб-квартире. В 1715 году картину перенесли в городскую Ратушу и обрезали с трёх сторон, чтобы она поместилась между двумя колоннами. Питер Рулофс, руководитель отдела живописи Рейксмузеума, сказал, что скрытый эскиз Рембрандта удалось рассмотреть с помощью новейших технологий сканирования благодаря тому, что художник использовал насыщенную мелом краску. «Вы спросите, почему это так важно? Что ж, это всё равно что заглянуть через плечо Рембрандта, когда он работал над „Ночным дозором“», — пояснил эксперт. Учёные всегда подозревали, что Рембрандт сделал наброски на холсте, прежде чем приступить к этой сложной композиции. Но это всегда было лишь предположением. «Теперь у нас есть свидетельства, которые впервые дают нам реальное представление о творческом процессе Рембрандта. Приятно видеть, как он искал подходящую композицию. Мы открыли истоки „Ночного дозора“», — заявил Рулофс. Рембрандт применял технику импасто, то есть нанесения густого слоя краски на холст для создания трёхмерной структуры, отражающей свет. Специалисты, принимавшие участие в так называемой «Операции „Ночной дозор“» с лета 2019 года, использовали новейшие технологии для исследования картины. Заглянув под слои, они обнаружили, что изначально Рембрандт украсил перьями шлем милиционера Класа ван Крёйсбергена, но позже закрасил их. Он также сделал наброски большего числа копий, чем оказалось на итоговом варианте, и подкорректировал положение ног сержанта Ромбаута Кемпа. Есть также признаки того, что в оригинале между капитаном и его лейтенантом Виллемом ван Рёйтенбюрхом находился меч. «Мы не знаем, почему Рембрандт передумал. Вероятно, он удалил перья, потому что они привлекали слишком много внимания, ведь Ван Крёйсберген находится в центре композиции», — говорит Рулофс. Исследования «Ночного дозора» проводились перед его первой за 40 лет реставрацией. Состояние картины считается очень хорошим, несмотря на то, что она пережила бурные четыре столетия, включая перевозку в бункер в прибрежных дюнах в начале Второй мировой войны. Безусловно, на поверхности есть признаки истирания, обесцвечивания и потери краски. Но приоритетом для специалистов была борьба с деформацией полотна, заметной, например, в верхнем левом углу. Полагают, что она началась во время пребывания картины в крыле Philips во время ремонта главного здания Рейксмузеума между 2003 и 2013 годами. Работа размером 3,63 на 4,37 метра будет вынута из нынешнего деревянного каркаса, к которому картина крепилась металлическими гвоздями с 1975 года. Консерваторы уверены, что именно деревянные подрамники усугубляют проблему, поскольку по-разному натягивают холст. Затем полотно будет помещено на новый каркас из нереактивного материала. По мнению специалистов, он даст картине больше стабильности. Процесс переноса холста на новый подрамник начнётся в январе 2022-го и, как ожидается, продлится около трёх месяцев. После этого эксперты приступят к другим методам консервации, включая удаление нескольких слоев лака с поверхности работы. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/4d55c0683d4adb4a68cae.jpg

А Бенуа пишет о том, что Ротари некоторые считают ремесленником с однообразны товаром в 1929 году, то есть уже из XX века, когда, конечно, отношение к живописи совершенно иное, чем во времена самого художника, но все же и он отмечает “образцовый рисунок” и то, что “он полон природного изящества и какой-то юношеской грации”. С еще одной интересной стороны, сейчас портреты, или, если угодно, псевдопортреты Ротари наоборот выглядят очень современно - если вы следите за кем-нибудь из популярных в соцсетях художников, то, может быть, замечали, что как раз там сегодня очень ценится серийность, некоторая однообразность и узнаваемость. И, конечно, девичьи портретики, которые ничьи не портреты, а просто женские (наверное) лица - мультяшные, анимешные, реалистичные, гиперреалистичные, но, вообще-то, ничейные, фантазийные. Ротари чем-то мне напоминает певцов, которые не поражают публику какими-то удивительными редкими приемами или силой голоса в несколько октав (если что, я совершенно не разбираюсь в пении), а овладели мастерски своими навыками и вот вроде и звучит средне, а всегда неплохо за счет того, что несколько узнаваемых приемов отточены до блеска. Ну, рококо, конечно, шаловливое-игривое. Хоть и считается, что благодаря своему интересу к костюмам и платьям, художник создал не только галерею ужимок, но и целую энциклопедию - у него можно увидеть как выглядели и одевались крестьянки, принцессы, придворные дамы, горничные и фрейлины. Не только девушки из разных сословий, но и из разных этнических групп в своих национальных нарядах. Можно поэтому сказать, что у Ротари портрет - не просто портрет, а целая жанровая сценка. Пьетро Ротари открыл в Санкт-Петербурге свою школу живописи, которая была довольно популярна и его учениками были, например, Алексей Петрович Антропов, Федор Степанович Рокотов и первый смелый русский художник, взявшийся за историческую живопись - Антон Павлович Лосенко. Кстати, до сих пор иногда сложно верно атрибутировать работы Пьетро Ротари, потому что ученики часто писать почти точь-в-точь как учитель и дописывали за него некоторые “головки”. Умер художник, как уже было упомянуто, в Санкт-Петербурге и почти все его наследие хранится в России.