"Красная Шапочка" 1862 г. Поль Гюстав Доре Национальная галерея Виктории...

"Время приказывает старости уничтожить красоту" Помпео Батони, 1746 > Лондон, Национальная галерея На картине изображены три фигуры – Время, Старость и Красота. Седовласый старик с белыми крыльями за спиной – это Время. В его правой руке песочные часы, как символ быстротечности. Над временем никто и ничто не властно, даже красота и молодость. Красоту символизирует прекрасная девушка. Она ещё молода, но перст Времени уже направлен на неё. Рядом Старость в образе старухи. Её руки тянутся к молодому, цветущему лицу Красоты. И сколько бы Красота не отворачивалась, сколько бы не оттягивала момент соприкосновения со Старостью, он неизбежен, ибо так велит время. Конечно, случится это не сразу. Дерево, расположенное за юной девой, еще зелено, еще сильно. Но со временем и от него останется только сухой сук, место которому на гробу, который уже виднеется за спиной старухи.

Гюстав Доре "Красная шапочка" (1862)

Марсово поле: Красная башня 1911—1923 Робе́р Делоне́ Художник начинал под влиянием постимпрессионистов, прежде всего Сезанна. Остро чувствовал движение, ритм. С 1912 года вместе со своей женой Соней Терк-Делоне пришёл от кубизма к своеобразной манере абстрактной живописи, которую Гийом Аполлинер назвал орфизмом. В эстетической концепции Делоне, в отличие от теорий основоположников абстракционизма Кандинского и Мондриана, идеалистическая метафизика отвергалась; основной задачей абстракционизма художнику представлялось исследование динамических качеств цвета и других свойств художественного языка. Делоне был близок к Синему всаднику, переписывался с Кандинским и Макке. "Красная башня" одно из самых известных произведений художника. Эйфелева башня – его любимая тема. Как всегда, в картине Делоне она предстает в необычном виде. Чаще всего мастер изображает башню в ярко-красных тонах. Кажется, что она парит в воздухе.

​​️Сегодня в 20:00 «Эшколот» покажет онлайн-экскурсию по выставке Брейгелей в «Новом Иерусалиме».   ️Минкультуры планирует провести Санкт-Петербургский международный культурный форум в очном формате. Мероприятие планируется провести 11-13 ноября.   ️Международная книжная ярмарка Non/fictioN22 пройдёт с 24 по 28 марта в московском Гостином дворе.   ️Последние дни успеть в Государственный Эрмитаж на выставку «Психея, душенька...»   Музей прослеживает историю развития образа Психеи в античности и русском классицизме.   В классической мифологии Психея — прекрасная молодая девушка – воплощение человеческой души. Она часто изображалась в виде девушки с крыльями, летящей птицы или бабочки. А история об Амуре и Психеи — воплощение искренней любви. Амур и Психея, 1800–1803, Мрамор Государственный Эрмитаж Пост. в 1815 из бывшего собрания Жозефины Богарне в Мальмезоне Фото: Государственный Эрмитаж https://telegra.ph/file/8e15445acee34e8ae557f.jpg

«Увенчание терновым венцом» около 1542г. Тициан Вечеллио Одну из сцен страстей Христа Тициан, величайший мастер эпохи Возрождения, изобразил на фоне арки под мраморным бюстом императора Тиберия. Коронование терновым венцом в знак того, что Иисус называл себя Царем Иудейским, происходит словно в безмолвном присутствии последнего римского императора, в годы правления которого случилось это событие. Мраморный двойник всеми почитаемого владыки похож на бессильного идола, а Тот, кто может врачевать людские души, унижен, оскорблен и осужден на смерть. Остервенелые и ослепленные ненавистью воины набросились на него, словно лютые звери, и палками возложили терновый венец. Блики света тревожно скользят по фигурам, выделяя ярким пятном обнаженное измученное тело Христа. Среди приглушенных красок вишнево-красная ткань сброшенной багряницы выделяется особенно ярко, подчеркивая напряженность происходящего. Лик Христа искажен страданием.

"Русалки" 1879 г. Константин Егорович Маковский Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Константин Маковский, Илья Репин и Иван Крамской в 1870-е годы написали каждый своих «Русалок». Объединяет картины не только сюжет и название, но и тот факт, что всем этим художникам пришлось выслушать много нелестных слов в свой адрес. Народнические настроения передвижников, с которыми все трое были связаны, требовали иных сюжетов. Русалки Крамского – бледные утопленницы, словно в саванах, вышедшие на берег лунной ночью. Художник признавался, что сюжет картины навеян повестью Гоголя «Майская ночь, или Утопленница». Репин показал своих русалок в парижской картине «Садко». У него это нарядные экзотические дамы. Совсем иные русалки Константина Маковского. Обнаженные, прекрасные, свившие телами чувственный вихрь, взлетающий к небесам и скрывающийся в лунном свете. Справа на пригорке видны церковные купола, но русалочий обнаженный «мост» в другую сторону движется. Похоже, что и здесь не обошлось без Гоголя! Впрочем, чары русалок звучат и в русских народных сказках, попали под их власть и Пушкин, и Жуковский, и многие другие художники, поэты, писатели. Картину эту Константин Маковский писал в поместье со странным для современного уха названием Загоны, расположенной на границе Черниговской и Полтавской губерний, вблизи знаменитой Диканьки. Перед нами воспетая Гоголем прекрасная украинская ночь. Луну не видно, но она предполагается за деревьями – небо вокруг нее светлое. Лунный луч скользит по груди сладострастно изогнувшейся русалки на переднем плане. Она сидит на перекинутом через речку стволе дерева. Кстати, в русском фольклоре у русалок хвостов нет. А самая «интернациональная», пожалуй, черта русалок – это длинные волосы. Красавицы Маковского тоже длинноволосы все как одна. Здесь нет ни страха, ни дидактики – лишь наслаждение поэтикой народных преданий, любование удивительно гармоничными телами нечистой, но до чего же манящей силы. КонстантинМаковский Академизм МифологическаяСцена _history

Похищение Прозерпины Мраморная скульптура Джованни Бернини, создавалась в 1621—1622 годах, когда скульптору было 23 года. Находится в галерее Боргезе (Рим). Высота статуи 295 см. «Я победил мрамор и сделал его пластичным, как воск…», — писал Джованни Бернини. Была у богини Деметры юная прекрасная дочь, Прозерпина. Отцом Прозерпины был громовержец Зевс. Однажды Прозерпина вместе со своими подругами резвилась в цветущей долине. Не знала она, какая судьба ей уготована отцом её Зевсом. Он отдал её в жены мрачному своему брату Плутону, властителю царства теней и умерших, и с ним должна была жить Прозерпина во мраке подземного царства. Плутон видел, как резвилась Прозерпина, и решил её тут же похитить. Он упросил богиню Гею вырастить цветок необыкновенной красоты. Прозерпина увидала цветок и протянула к нему руку. Но только сорвала она цветок, как разверзлась земля, и появился мрачный Плутон на золотой колеснице. Он схватил юную Прозерпину и скрылся в недрах земли. Только вскрикнуть успела Прозерпина. Никто не видел, как похитил Плутон девушку, лишь бог солнца — Гелиос. Услыхала крик Прозерпины Деметра. Стала всюду искать она свою дочь, но нигде не нашла. На десятый день пришла она к богу Гелиосу и стала молить его, чтобы он сказал, кто похитил Прозерпину. Гелиос обо всем рассказал скорбящей матери. Разгневалась Деметра, что Зевс отдал Прозерпину в жены Плутону без её ведома. Она покинула Олимп и приняла вид простой смертной. Но Деметра была богиней плодородия, и без неё всякий рост на земле прекратился. Листья на деревьях завяли и облетели, травы поблекли, цветы засохли. Не было плодов в садах, и не зрели в виноградниках тяжелые сочные гроздья. Замерла жизнь на земле. Гибель грозила всему людскому роду. Ничего не оставалось Зевсу, как повелеть Плутону отпустить Прозерпину на землю к матери. Плутон согласился отпустить Прозерпину, но предварительно дал ей проглотить зерна граната, символ брака. С тех пор Прозерпина две трети года живет с матерью, а одну треть проводит со своим мужем, Плутоном.

Евгения Двоскина (1955) «Красная Шапочка» 2021 картон, тушь, акрил. 35х26 см евгения_двоскина

Сюжет картины, вероятно, связан с фельетоном, опубликованным в журнале «Современник». Анонимный автор, а на самом деле писатель И.А. Гончаров, иронически описывал жизнь светских «львов»: ради внешнего лоска и щегольского вида они были готовы «два месяца дурно обедать». Слово «аристократ» в названии произведения Федотова создает противоречие – очевидно, что молодой человек не имеет отношения к аристократии. Художественное решение картины строится на контрасте. На небольшом прямоугольном холсте – тщательно выписанная обстановка комнаты. Ковер с восточным орнаментом, модное в середине XIX века «стеганое» кресло, зеленые обои с рисунком, гравюры с изображением балерин романтической эпохи, бюст Ференца Листа подчеркивают принадлежность героя к светскому обществу Санкт-Петербурга. Показное щегольство героя проявляется и в его наряде в популярном восточном стиле (халат с кистями, шапочка с бухарским орнаментом, шаровары и туфли-бабуши), и в модной стрижке пуделя, и в намеренно оставленных на виду афишах, в том числе с рекламой устриц. В то же время на столе можно заметить вывернутый наизнанку пустой кошелек и кусок ржаного хлеба, которым завтракает герой (именно его он в спешке прикрывает книгой). Театральность композиции – в пойманном художником моменте: на заднем плане рука незваного гостя в палевой перчатке уже отодвигает занавеску, отгораживающую вход в комнату; щеголь в спешке дожевывает хлеб; пудель лает на входящего. Острота сюжета, изысканная живопись в зелено-красной цветовой гамме, напоминающей произведения Карла Брюллова, выписанная фактура предметов – все это способствовало успеху картины Федотова, сравнимому с успехом пьес Островского и, в частности, комедии «Свои люди – сочтемся», опубликованной в то же время.

Питер Пауль Рубенс Самсон и Далила 1609 Питер Пауль Рубенс (1577-1640) - фламандский художник, ярчайший представитель эпохи барокко. Особенности творчества Рубенса - это широкий жанровый диапазон, он писал картины на мифологические, религиозные, исторические сюжеты, кроме этого, был крайне изобретателен в композиционных решениях своих картин, мастерски изображая драматичные позы и жесты; вошел в историю также как автор собственного идеала красоты - пышных «рубенсовских форм». Библейский богатырь Самсон заснул, упав на колени красавицы Далилы. Его могучее тело оказалось бессильным перед чарами прекрасной обольстительницы. Рубенс перенес место действия в бордель, отступая от прямого религиозного сюжета, представляя своих персонажей как простых исторических личностей и вкладывая в происходящее двойственный смысл. Мудрость Священного писания гласит о вреде неумеренности и о неминуемом наказании за несоблюдение человеком этого закона. Упавшему под действием вина и женских ласк грозному воину Самсону остригают волосы – источник его невероятной силы. Ему грозит постыдный плен, ослепление и рабский труд на своих коварных врагов. Воины с оружием уже входят в дверь, приглашенный цирюльник и старуха-сводница со свечой завершают печальную сцену. Ярко-красная одежда Далилы, как хлынувшая кровь, приковывает взгляд зрителя, безмолвно вещая о бушующих на полотне страстях. Плен и позор… но не конец истории. Легендарный Самсон, будучи слепым, разрушит дом своих врагов, похоронив под обломками себя и ненавистных ему филистимлян. художник Рубенс живопись галерея историяшедевра искусство лебедиЛеонардо

Джо, прекрасная ирландка 1860 Гюстава Курбе Национальный музей Швеции. Стокгольм Серия из четырёх портретов французского художника. Курбе один из крупнейших художников Франции на протяжении XIX века, ключевая фигура французского реализма. На всех четырёх портретах изображена рыжеволосая ирландская натурщица Джоанна Хиффернан (позировала Джеймсу Уистлеру и Гюставу Курбе. Была излюбленной моделью Уистлера и его любовницей), смотрящая в зеркало. Работы имеют небольшие различия в деталях и размерах, но их точная хронология неизвестна. Гюстава Курбе. Прозвище в названии указывает на близкую дружбу между художником и его моделью и упоминание имени модели является необычным для женских портретов.

Кацусика Хокусай (1760−1849) серия «36 видов Фудзи» 1829-1832 цветная гравюра кацусика_хокусай «Обратная сторона Фудзи. Вид со стороны реки Минобугава» «Мост Маннэн в Фукагаве» «Залив Нобото» «Победный ветер. Ясный день» или «Красная Фудзи» https://t.me/id_daily/2790 https://t.me/id_daily/2791 https://t.me/id_daily/2792 https://t.me/id_daily/2998

​​Старая картина может оказаться шедевром Дюрера стоимостью в £20 миллионов Эта панель с изображением бородатого человека в треугольной шапке была обнаружена ещё в 1983 году. Теперь, после сорока лет исследований, она близка к тому, чтобы стать признанной оригинальной работой немецкого художника эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера. Это сделало бы картину одной из величайших художественных находок нашего времени. Позже в июле 2021 года незавершённый портрет молодого человека будет выставлен вместе с некоторыми знаменитыми работами Дюрера в Музее Сюрмонда — Людвига в немецком Аахене. Панель очищена, датирована XVI веком и тщательно изучена экспертами. В Германии ей предстоит пройти последние исследования, которые должны поставить точку в её происхождении. На портрете изображена голова португальского сановника, который в начале 1520-х годов жил в Антверпене, где тогда работал Дюрер. Хотя одежда натурщика и фон не окончены, а на лице отсутствует последний красочный слой, это, по мнению директора галереи Питера ван ден Бринка, «прекрасная картина». В случае аутентификации её стоимость может превысить 20 миллионов фунтов стерлингов (более 27 миллионов долларов). История портрета почти так же захватывающа, как и само открытие. Его обнаружили при инвентаризации шотландского поместья Эдинчип Хаус, некогда принадлежавшего древнему роду МакГрегоров. В 1983 году панель выставили на аукцион в Перте, где её заметил коллекционер Себастьян Тьюис. Несмотря на то, что поверхность покрывал слой многовековой грязи, ценитель распознал потенциальный шедевр и вызвал коллегу из Лондона, чтобы услышать его мнение. Друзья решили рискнуть и приобрели лот за 1000 фунтов стерлингов. Тьюис, убеждённый что купил артефакт XVI века, отнёс дубовую панель экспертам по консервации из Института Гамильтона Керра в Кембридже. Те определили, что дерево было срублено не ранее 1521 года — это как раз был продуктивный период для Дюрера в Нидерландах. Коллекционер начал исследовать другие картины того времени. Изображение этого же мужчины в похожей шапке-ушанке находится в музее Альбертина в Вене. Оно уже давно признано оригинальной работой Дюрера, но предположение, что картина из Шотландии также написана мастером, было отвергнуто. Эксперты посчитали, что это либо копия, либо более позднее произведение другого художника. На данный момент учёным известны только 50 портретов, выполненных Дюрером, и за последние 200 лет не было найдено ни одного нового. Впрочем, некоторые сомнения по поводу картины из Шотландии остались. Например, на скуле натурщика чётко видна бородавка. Если это — копия, почему бы не убрать её? Есть гравюра 1587 года, на которой изображена такая же бородавка. Принт явно основан на оригинальной работе, которую в 1985 году эксперт Матиас Менде описал как «утраченную картину Дюрера 1521 года». Также под тонким слоем краской был обнаружен подмалёвок, свидетельствующий о том, что художник, приступив к написанию глаз, изменил их форму. Питер ван ден Бринк говорит: «Через телесные цвета и лицо видно, что глаза проработаны гораздо тщательнее, чем остальной портрет. Мы говорим о картине, которая не была копией с рисунка, это версия того же человека». Недавно найденная панель сейчас принадлежит Генриетте, вдове Себастьяна Тьюиса, и его коллеге, который помог с покупкой. В Аахене находку выставят вместе с рисунком из Альбертины, а также с ещё одним изображением того же португальского натурщика. Последнее, судя по всему, копия, выполненная где-то в 1526−27 годах. Однако Национальная галерея в Лондоне, куда в ноябре должна переехать выставка из Аахена, не будет показывать «шотландского Дюрера», аргументируя это тем, что для него не будет места. Впрочем, и в Музее Сюрмонда — Людвига авторство панели будет обозначено «неизвестным художником». Но в ходе выставки ван ден Бринк попросит провести дополнительные исследования — инфракрасное сканирование и стилистическое сравнение. Если результаты будут положительными, подпись поменяют. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/c721d6babcc6132666379.jpg

Александр Яковлев (1887-1938) «Портрет восточного мужчины, курящего трубку» 1932 бумага, красная охра, цветные мелки. 41х41 см александр_яковлев

​​️Выставка, посвященная отцу отечественной панорамной живописи Францу Рубо, открылась около здания, построенного для написанной им панорамы Первой обороны Севастополя. ️Обновленный Музей моды — MoMu откроется в Антверпене в сентябре. Классный молодёжный город: ️На вокзале в Иваново открывается арт-резиденция Art Station Ivanovo. Специально для выставки, которая будет проходить в пространстве конструктивистского здания железнодорожного вокзала, на текстильном предприятии города Иваново «Красная Талка» были изготовлены десятки 7-метровых полотен. Каждое из них расписали художники уличной волны: Миша Most, Анатолий Akue, Илья Slak (Aesthetics group), Petro (Aesthetics group), MAX 13 и Павел Ртуе. ️Творческая лаборатория "Человек мира" открылась в субботу в Суздальском районе Владимирской области. В течение суток команда из ста актеров, режиссеров, художников, музыкантов и волонтеров представит публике 10 спектаклей, посвященных свадьбам. ️Успейте посмотреть на работу Дюрера, идею которой до сих пор не могут разгадать искусствоведы: В Историческом Государственном музее до 22 августа проходит Выставка графических работ Альбрехта Дюрера из коллекции Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии — одной из самых известных художественных галерей Европы! Из Италии привезли более 120 гравюр мастера, среди которых представлены самые известные — гравюра "Меланхолия I", "Адам и Ева", "Блудный сын", "Аполлон и Диана". Произведения А. Дюрера сопровождаются работами его современников, которые копировали с изумительной точностью великого гравера, что говорит об огромном признании мастерства художника. Альбрехт Дюрер. Меланхолия (Меланхолия I). Германия, Нюрнберг. 1514 г. Бумага без водяных знаков; гравюра резцом. Пинакотека Тозио Мартиненго https://telegra.ph/file/f70de48b61ef8681decb9.jpg

Василий Кандинский "Красная Площадь" (1916)

Дмитрий Мочальский "Возвращение с демонстрации" ("Они видели Сталина") (1949) Традиция праздновать Первомай появилась в России сразу после Октябрьской революции. К демонстрации начинали готовиться за месяц целыми трудовыми коллективами. На заводах специально оставались после работы, чтобы рисовать плакаты, мастерить цветы из гофрированной бумаги. Каждая колонна формировалась от отдельного предприятия или института. И проходила по главной улице любого города. Когда она подходила к трибуне, диктор произносил соответствующее приветствие. Например, колонне МГУ – «Слава советской молодежи!», а колонне завода «ЗИЛ» – «Слава рабочему классу!». А дома ждал праздничный обед. На столе – деликатесы: колбаса, банка рижских шпрот, красная икра.

​​Портрет Лавуазье авторства Давида преподнёс сюрпризы исследователям В 2019 году знаменитый неоклассический портрет Жака Луи Давида, изображающий химика Антуана Лорана Лавуазье и его жену Марию Анну, был отправлен в лабораторию консервации Метрополитен-музея. Работа предстояла простая — снять старый лак. Но в процессе исследователи обнаружили кое-что ещё, а именно — скрытую композицию под красочным слоем, которая полностью поменяла представление об этом многовековом шедевре. Метрополитен-музей называет изображение «отца современной химии» и его супруги-ассистентки «лучшим неоклассическим портретом в мире». На масштабной картине, которую Жак-Луи Давид закончил в 1788 году, они предстают как либеральные научные лидеры — в своей парижской лаборатории, в окружении приборов и инструментов. Но оказалось, что первоначально художник отвёл им другие роли — не прогрессивно мыслящих учёных, воплощавшей идеалы Просвещения, а модных представителей французской элиты. Музей приобрёл картину в 1977 году, и тогда ещё не существовало технологий, которые помогли сделать нынешнее открытие. Теперь выяснилось, что первая концепция Давида включала богато украшенный стол с позолоченным фризом и три свитка бумаги, свисавшие с его края. Они отражали привилегированное положение Антуана Лорана Лавуазье как генерального откупщика или сборщика налогов. А наряд его жены дополняла гигантская шляпа с перьями, украшенная лентами и искусственными цветами. В композиции не было и намёка на химическое оборудование, стеклянную бутыль и пробирки. Исходная картина с акцентом на богатство пары подчеркивает судьбу, ожидавшую Антуана Лорана Лавуазье. Его должность сборщика налогов помогла не только профинансировать открытие кислорода и химического состава воды, но и в конечном итоге привела его к казни на гильотине в 1794 году во время революционного террора. Мария Анна вела его лабораторные журналы, переводила с английского научные статьи, рисовала и гравировала чертежи. Полагают, что искусство она изучала под руководством Жака Луи Давида. Она выжила и после гибели супруга вышла замуж повторно — за учёного и изобретателя графа Румфорда. По словам Дэвида Пуллинза, помощника куратора европейской живописи в Метрополитене, вряд ли изменения на портрете связаны с политикой. Скорее всего, при создании первого варианта Жак Луи Давид вдохновлялся неформальными портретами аристократов авторства Элизабет Виже-Лебрен и Аделаиды Лабиль-Гиар. Однако у Лавуазье было более скромное происхождение, и это, возможно, стало причиной пересмотра дизайна. Исследования начались в 2019 году после того, как консерватор Метрополитен-музея Дороти Махон потратила десять месяцев на удаление синтетического лака, нанесённого в 1974 году и придавшего картине молочно-серый оттенок. Во время работы она обнаружила на некоторых участках полотна неровности, которые указывали на наличие изображения под красочной поверхностью. С холста были взяты крошечные образцы пигмента, которые подтвердили, что шляпа Марии Анны была чёрно-красной. Они также показали, что в первой итерации Давид написал Лавуазье в более длинном коричневом сюртуке с семью пуговицами бронзового цвета. А в окончательном варианте учёный предстаёт в чёрной одежде с тремя пуговицами. Похоже, художник решил «переодеть» своего натурщика в деловой костюм. Среди других удалённых элементов были струящаяся красная мантия, книжный шкаф на заднем плане и мусорная корзина. Также было изменено положение ноги Антуана Лорана Лавуазье. Давид добавил красную бархатную скатерть, которая отлично закрыла лишние детали. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/49ee2dd112177517afc7b.jpg

Аристарх Лентулов "Красная церковь" (1916)

Жилой комплекс, Испания. La Muralla Roja, или Красная стена в переводе с испанского, расположена в районе Cala La Manzanera в Кальпе. Дизайн комплекса отсылает к традиционной архитектуре арабского Средиземноморья. В 1968 году знаменитый архитектор Рикардо Бофилл (Ricardo Bofill) вдохновился арабскими цитаделями и спроектировал яркую La Muralla Roja. Цвета, которыми окрашены внешние и внутренние фасады зданий, были выбраны не случайно. По задумке архитектора, краски должны контрастировать с окружающей природой. За основу проекта была взяла крепость. Все здания соединены лестницами, платформами и мостами, по которым можно попасть в 50 квартир. La Muralla Roja похожа на лабиринт, созданный по точному геометрическому плану. В его основе лежит форма греческого креста длиной 5 метров. Кресты пересекаются у служебных башен, в которых находятся кухни и ванные комнаты. Такая геометрическая основа планировки комплекса сближает проект с архитектурным конструктивизмом, и La Muralla Roja является его ярким примером.

Прекрасная Розамунда 1861 Данте Габриэль Россетти Национальный музей Уэльса, Кардифф На картине изображена Розамунда де Клиффорд, любовница короля Англии Генриха II Плантагенета, которую за её красоту называли «Прекрасной Розамундой». Розамунда находится на балконе, в ожидании визита короля. Красная нить в её руках должна привести короля к её спальне. Нить является единственной на картине отсылкой к истории Розамунды, описываемой легендами. Балюстрада, на которую облокачивается героиня, украшена сердцами, увенчанными короной, что символизирует её статус возлюбленной короля; роза в волосах является отсылкой к её имени. Одежда героини достаточно откровенна и обнажает плечи, это, вместе с распущенными волосами и румянцем на лице типичный для викторианской эпохи образ любовницы — вальяжной сексуальной женщины.

Неопределенность Художница Аргаван Хосрави — уроженка Ирана, живет в Нью-Йорке. В своих работах она рефлексирует о необычном детстве, которое провела на родине. Тщательно продумывая символы, материалы и сюжеты, Хосрави рассуждает на тему постоянных ограничений и цензуры, которые налагаются на женщин ее родной страны. Работа «Неопределенность», созданная совместно с Case Studio, как раз об этом. Мы видим персидский гобелен, на котором изображены женщины, оказавшиеся заточенными в пространстве картины. Красная нить, связывающая две части гобелена, является отсылкой к жесткой политике современного Ирана. Глядя на произведения, мы действительно можем ощутить неопределенность и потерянность. А что вы видите в этой работе? Поделитесь в комментариях арт_новости

"Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях" 1864 г. Фредерик Уильям Бертон Национальная галерея Ирландии, Дублин. По итогам опроса, проведённого в 2012 году, работа Фредерика Уильяма Бёртона «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях» была признана самой любимой картиной в Ирландии, опередив произведения более известных художников. Результаты ничуть не удивили кураторов Национальной галереи в Дублине: они знают, насколько популярна у посетителей эта композиция, а её репродукция – постоянный бестселлер в музейном магазине. Источником вдохновения для Бёртона послужила поэма «Хеллелила и Хильдебранд», опубликованная в 1855 году во «Втором сборнике датских баллад» в переводе Уитли Стоукса, друга художника. По сюжету, дочь короля, прекрасная Хеллелила (варианты: Хилле, Хиллелиль), полюбила одного из двенадцати своих телохранителей – принца Хильдебранда. Влюблённые бежали, прихватив с собой казну. Обнаружив это, отец и семеро его сыновей пустились в погоню и настигли беглецов. Но Хильдебранд оказался грозным противником, он убил короля и шестерых его отпрысков. Хеллелила вмешалась, чтобы спасти жизнь последнего брата, назвала своего возлюбленного по имени и тем самым лишила сил. В тот же миг он упал замертво. Выживший брат привязал сестру к коню и доставил домой, где их мать умолила его продать девушку в рабство, а не казнить. Свою историю Хеллелила рассказала королеве, у которой служила вышивальщицей, после чего умерла. В картине отражена чувствительная натура Бёртона, который избегал кровожадных или сексуальных сцен. Этот эпизод иногда интерпретируют как момент расставания Хеллелилы и Хильдебранда после близости, но художник вряд ли изобразил бы такой момент. Скорее, это воображаемая ситуация, когда пара случайно встречается на лестнице, и принц страстно ловит руку своей возлюбленной. Бёртон создаёт эмоционально напряжённую ситуацию, изобразив внезапные объятия и девушку, которая от неожиданности уронила букет. Лепестки, рассыпавшиеся по лестнице, символизируют мимолётность их любви и её разрушительный характер. Получив травму правой руки в детстве, Бёртон рисовал левой. При этом он не выносил запах масла или (что более вероятно) растворителей, а потому писал только красками на водной основе – акварелью и гуашью. Он сделал множество предварительных эскизов – сейчас их известно более тридцати – включая один детально проработанный, который больше финальной композиции. Ностальгическое настроение, исторический антураж и костюмы сближают эту работу Фредерика Уильяма Бёртона с произведениями прерафаэлитов. Дополнительным акцентом стала сдержанная манера, с которой художник передаёт сцену, избегая чрезмерностей мелодрамы. Бёртон также позаботился об оформлении картины. В его инструкции написано, что её нельзя снимать с доски, на которой она закреплена, и вынимать из оригинальной позолоченной рамы. Масштабная (почти метр в высоту!) работа написана акварелью, что создаёт дополнительные сложности консерваторам: краски могут поблекнуть под воздействием прямого света. Поэтому «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях» хранится в специальном закрытом боксе. Увидеть её можно лишь в течение двух часов в неделю: по четвергам с 17:30 до 18:30 и по воскресеньям с 14:00 до 15:00. Картина была написана в период, когда художник находился на пике своей карьеры. Каждый элемент композиции – от предварительных набросков до завершённой работы – иллюстрирует перфекционистское внимание Бёртона к деталям, его обширные знания о средневековом мире, а также утончённое чувство цвета. Через 10 лет после создания «Хеллелилы и Хильдебранда» он был назначен директором Национальной галереи в Лондоне и оставил живопись. Но при нём учреждение приобрело значительные произведения Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли, Ганса Гольбейна и многих других мастеров. ФредерикБертон _history

Праздник ок. 1919 Медунецкий К.К. Национальная галерея Республики Коми С именем Константина Медунецкого (1899-1935) связано возникновение такого направления авангардного искусства как конструктивизм. То, что мы сейчас называем дизайном, является, по сути, производным от конструктивизма и имеет, таким образом, русские корни. Яркий колорит вызывает ощущение приподнятого настроения, оправдывающее название картины. Но впечатление раздваивается, если присмотреться к персонажам картины: они, скорее, печальны, растеряны. Покосившийся дом и перевернутая радуга усиливают впечатление диссонанса. И только маленькая, но зубастая красная собачка, написана в духе раннего творчества Пикассо, выглядит радостной.

"Танец в Буживале" 1883 г. Пьер Огюст Ренуар Бостонский музей изящных искусств. 1883 год был удачным для Пьера Огюста Ренуара: он получил довольно крупный заказ от известного коллекционера и покровителя импрессионистов Поля Дюран-Рюэля, благодаря которому появилась картина «Танец в Буживале». Заказчик пожелал стать обладателем трех полотен, объединенных общей тематикой: парным танцем. Ренуар с увлечением принялся за работу. Несколькими годами ранее он написал картину, изображающую множество танцующих на открытом пространстве пар. В этот раз художник решил уменьшить количество танцоров до двух человек: на всех трех холстах мы видим одну и ту же пару, однако обстановка, окружающая танцующих, разная. На одном полотне пара танцует в городе, на втором — в предместье, а на третьем — в деревне. Картина Огюста Ренуара «Танец в Буживале» переносит зрителя в предместье Парижа, весьма популярное в то время среди парижан и гостей города. Сюда приходили, чтобы посидеть с друзьями в уютном кафе, подышать свежим воздухом под сенью деревьев, завести новые знакомства. Буживаль с его невероятно красивыми пейзажами притягивал к себе многих живописцев, в том числе импрессионистов. На полотне изображена танцующая пара: молодая девушка и мужчина средних лет. Наряд девушки подчеркивает ее красоту: модное приталенное платье нежно-розового оттенка удивительно гармонирует с белоснежной кожей и легким румянцем на щеках. Многочисленные оборки юбки, ниспадающие пышным водопадом, взметнулись в движении — из-под них едва виднеется изящная туфелька. На голове танцующей прелестницы надета стильная красная шляпка, которую украшает букет цветов с темно-фиолетовыми бутонами. Партнер девушки одет в контрастный темный костюм и щегольские ботинки, сочетающиеся по цвету с соломенной шляпой. Головной убор закрывает от зрителей лицо танцора: видны лишь борода и усы. Если относительно женщины, позировавшей Ренуару, у искусствоведов нет никаких сомнений — ею была Сюзана Валандон, — то скрытое лицо мужчины породило две версии. По одной из них на картине Огюста Ренуара «Танец в Буживале» изображен И.-А.Фурнез, по другой — друг художника П.Лот. По положению головы мужчины можно предположить, что тот о чем-то шепчет своей партнерше. Девушка слегка отвернулась от кавалера, ее взор направлен в сторону и вниз, и кажется, будто она смущена, но ее рука, обнимающая мужчину за шею, говорит об обратном. Вполне вероятно, что она смотрит на бутоньерку, которая откололась во время быстрого поворота и упала на землю, а партнер утешает ее, обещая купить другую. Картина Огюста Ренуара «Танец в Буживале» отличается от двух других полотен особой легкостью, воздушностью. Танцующая пара изображена на фоне людей, сидящих за столиками открытого летнего кафе, но взгляд зрителя почти не задерживается на них. Лица второстепенных персонажей нечетки, а ярко-зеленая листва на ветках деревьев смазана — этот прием позволил художнику реалистично передать ощущение движения танцующей пары. Вся сцена залита ярким солнечным светом, что создает атмосферу праздника. У этого полотна есть уменьшенная авторская копия, которую Ренуар создал специально для Сюзанны Валандон. Она практически полностью повторяет оригинал, но, рисуя этот вариант, художник тщательно выписал лицо юной танцовщицы — так, что не остается никаких сомнений: на картине изображена Сюзанна. Сегодня этой копией владеет некий частный коллекционер из США. Оригинальный «Танец в Буживале» из коллекции Поля Дюран-Рюэля, заказчика Пьера Огюста Ренуара, попал в бостонский Музей изящных искусств: картина была куплена Музеем в 1937 году за 150 тыс. долларов. Два других полотна из этой серии сейчас находятся в Париже в музее Орсе. ПьерРенуар Импрессионизм _history

Персей и Андромеда 1891 Фредерик Лейтон Художественная галерея Уокера, Ливерпуль На полотне изображён древнегреческий миф об Андромеде. В древнегреческом мифе эфиопским царством правила прекрасная, но тщеславная Кассиопея. Она утверждала, что её красота превосходит красоту нереид (существа, вроде русалок). И они пожаловались своему отцу. Посейдон решил наказать Кассиопею, вызвав морского монстра по имени Кет, чтобы тот сеял хаос вдоль побережья Эфиопии. Она же вместе с мужем царём Кефеем решили принести в жертву чудовищу свою дочь Андромеду. И Андромеду приковали к скале. Персей, который только что победил Медузу Горгону, возвращался домой на своём крылатом коне Пегасе. Он спас Андромеду и убил чудовище. Они влюбились друг в друга, но дочь царя уже была помолвлена с Финеем. Персей, подняв голову побеждённой Медузы и превратил Финея в камень.

Дейл Биссланд "Светит красная луна" (2021)

«Портрет Дианы де Пуатье» («Купающаяся дама») 1570 Франсуа Клуэ Национальная галерея искусства, Вашингтон В свои шестьдесят лет, Диана де Пуатье была удивительно хороша собой и выглядела не старше, чем тридцатилетняя молодая женщина. О пластике в 16-м веке не могло быть и речи) Злые языки утверждали, что Диана де Пуатье заключила сделку с дьяволом… Живописные портреты Клуэ отличаются насыщенностью цвета. Он стремился передать духовный мир портретируемого, проникнуть в сферу его внутренних переживаний. Прекрасная дама, сидящая в ванне. Диана была старше короля на двадцать лет, но, несмотря на это, сумела надолго сохранить его пылкую любовь. На бортике ванной, чуть ниже левой руки женщины, Франсуа Клуэ оставил свою подпись. Это одна из двух дошедших до нас подписных картин мастера. За спиной купальщицы открывается домашний интерьер — с повседневными заботами прислуги, наполненный движениями и звуками, что резко контрастирует с фигурой этой идеально-прекрасной и задумчиво-отрешенной женщины.

​​Вы когда-нибудь были в Музее Победы? Я очень люблю этот музей — он мгновенно переносит тебя в долгие годы войны и ты сама становишься очевидцем этого времени тайн, героизма и боли. Несколько фактов: ️В музее хранится 316 тысяч предметов. ️Музей очень большой и современный: все залы здесь. ️ В Зала Памяти и Скорби вы увидите эту скульптуру из белого мрамора «Скорбящая мать», олицетворяющая всех женщин, оплакивающих погибших героев войны. Все они заменили мужчин на производствах. Зал предназначен для увековечения и почитания памяти 27 000 000 советских граждан, погибших и пропавших без вести. ️ «Хрусталики», прикрепленные к цепочкам, символизируют слезы, выплаканные по погибшим героям. ️За время войны наша страна лишилась: ️ 98 000 колхозов ️1876 совхозов ️2890 машинно-тракторных станций ️31 850 промышленных предприятий ️1 209 000 домов ️65 000 железных дорог ️216 000 магазинов ️70 000 сел и деревень ️1710 городов и посёлков ️2 078 000 проводов и телефонных линий ️и тысячи, тысячи, тысячи других учреждений. ️утрачены миллионы животных, машин, продовольствия и ископаемых. ️25 000 000 людей лишились крова! ️Общий ущерб составил: 679 000 000 000 рублей! И это было меньше 100 лет назад! Если бы не было войны…но несмотря на это, Россия и страны боевых действий остаются величайшими благодарна героизму и сплоченности народа. ️Красная армия освободила от фашистов 13 стран Европы и Азии с населением 147 000 000 человек, предоставив гуманитарную помощь. И чудесно, что об этом помнят: в Европе в великолепных парках вы можете увидеть памятники советским солдатам и национальным героям сопротивления. А главное, об этом говорят — мне лично говорили. Ведь и в Европе было сопротивление и люди страдали и воевали. Мне рассказывали, как люди писали песни советским солдатам, а наши солдаты подкармливали венгерских детей консервами. Все они герои, все кто сопротивлялся фашизму. Находясь в музее осознаешь всю силу и простоту этой знакомой нам фразы: спасибо за мирное небо. Скульптура «Скорбящая мать», Автор — Л.Кербель, резчики по мрамору — П.А.Носов, А.П.Носов, И.Т.Круглов https://telegra.ph/file/6e66d9525dace3458e1dd.jpg

ОБ ОБЩЕСТВЕ ПРОШЛОМ, НАСТОЯЩЕМ, И ГРЯДУЩЕМ Русская Пустошь – канал марксистского издания, посвящённого развитию теории адекватной современным культурно-историческим реалиям. Догматикам вход воспрещён. ШТОРМ – канал коммунистов, которые первыми за последние 30 лет поставили на поток коммунистическую агитацию среди масс – они строят компартию. North Korea Daily – канал о современной Северной Корее. Много Кима, политики и фото счастливых людей. Атмосфера пропаганды присутствует. Пробковый шлем – канал о колониальных империях, антиколониальных движениях и постколониальной реальности. Картинные истории – все картинные галереи и собрания мира в одном месте (Художники. Живопись. Искусство.) VATNIKSTAN – познавательный интернет-журнал о русскоязычной цивилизации. Самое интеллектуальное медиа из народных, самое народное из интеллектуальных. ХУНТА – новейшая история стран третьего мира. Антология Палеонтолога – Авторский канал коммуниста с радикальными теоретическими рассуждениями на тему истории, культуры и искусства. Эстетика Социализма – маоистские армии, воюющие в джунглях в наши дни, красная Албания, изрытая бункерами. Здесь вы найдёте всё то, что не публикуют попсовые исторические каналы СССР – канал об истории самой большой страны мира с 1922 по 1991 года, простёршейся на территории 1/6 части Земли. Чернозём и Звёзды – канал о русском космизме, бессмертии, воскрешении и путях их достижения, пролегающих через изобретения современного искусства, равенство и социальную справедливость, а также технологическое развитие. Залесская земля – социальная антропология великой русской равнины. О субстратной истории, культуре и метафизике Северо-Восточной России - свежо, весело и без понтов. Начетчик – канал профессионального историка. Рассказывает о прошлом без унылой копипасты с Википедии. ЭнергоТройка – канал о положении современной российской, и не только, энергетики. Записки на заборе – Советский Союз разрушен, но процессы, запущенные с его уничтожением, ещё далеки от завершения. Здесь новости из всех бывших советских республик, их анализ и прогнозы на будущее. Главред во времена Оруэлла – авторский канал о современной политике, истории, масс-медиа и немного о пиаре. Эстет — путеводитель по миру культуры, который подскажет «Что посмотреть?» и «Что почитать?». Регулярные анонсы кинопремьер, литературы и материалы о живописи и истории; Хоть глазочком заглянуть бы – Канал об утопии и ностальгии в популярной музыке. Почему группа «Молчат дома » лепит на обложки бруталистские здания, а Kate NV вспоминает советское телевидение – и много ли советского в совиетвейве? РетроДаша – делает историю 80-х живой и близкой любому поколению. Артефакты времени, истории из молодости, музыка, кино, техника: все это с острым словцом или горячей любовью. Улыбаемся & Машем – парадоксы самого богатого континента в канале африканских новостей: аналитика, фото, видео и очерки в основном по франкоязычным странам Западной и Центральной Африки. Кафка на завтрак – цитаты, письма, дневники Франца Кафки. Катехизис Катарсиса – сборник авторских статей, мемов и постов на историческую тематику. «О прошлом: информативно и с юмором » – наш девиз. CatNews – и аналитика с дивана (зачеркнуто) от авторов CatCat. Доступно и весело объясняем, что сейчас происходит в стране и мире. Фламинариум – стихи и тексты Дмитрия Фламина. Под эгидой Саурона. Дело вкуса – Канал о музыке и кино, искусстве и культуре, виниле и CD, прошлом и настоящем аудиомании. Мы не жертвуем информативностью в угоду современной моде, нам всегда и всего мало. rothko's kimono – канал с мемами на английском языке и не только. Retrogeek – о вещах, людях, явлениях и увлечениях середины XX века. Ретрофутуризм, палп, комиксы, звезды, крутые тачки и "атомный дизайн". Taste – канал с приятной музыкой. На любой вкус и жанр. Меряфутурзим – арт, история культуры, футуризм. Желающие присоединиться к списку, пишите _bolschevik

Бабушка Мозес /Анна Мэри Мозес/ (1860-1961) «Эта прекрасная Турция» 1943 мазонит, масло. 24х35 см Частное собрание бабушка_мозес

Алмазный фонд Московского Кремля Среди самых известных экспонатов - императорские символы власти, главные из которых Корона, Держава и скипетр. Корона Екатерины II, изготовленная в 1762 году для ее коронации, является символом всей коллекции музея. Она украшена 5000 бриллиантами и 75 жемчужинами. На вершине ее - тёмно-красная шпинель (398, 72 кар). Длина нижней окружности короны - 64 см. Высота с крестом - 27,5 см. Золотая Держава - гладкий полированный шар, внутри полый, обвитый бриллиантовой гирляндой. В месте соединения поясков - индийский алмаз в 42,92 карата. Венчает Державу сапфир цейлонского происхождения в 200 карат. Весит Державы - 861 грамм, высота с крестом - 24 см. Скипетр (жезл, символ власти) со знаменитым алмазом «Орлов» был подарен фаворитом Екатерине II графом Орловым на её именины вместо обыкновенного букета цветов. Эти три реликвии - Алмаз "Орлов" в скипетре, синий сапфир в державе и алая шпинель в короне символизируют цвета Российского флага - белый, синий, красный.

​​️23 и 24 апреля в ГЭС-2 пройдут бесплатные лекции, беседы и игры от ассоциации юристов, медиаторов и переговорщиков.   ️В Царском селе создали VR-версию Янтарной комнаты.   ️В конце апреля к 475-летию со дня рождения Сервантеса, Дню испанского языка и Всемирному дню книги, в Библиотеке иностранной литературы пройдёт фестиваль «Дни Сервантеса».   Откроет фестиваль Праздник Розы и Книги, который уходит корнями в 18 век. Так называют день Святого Георгия — покровителя Каталонии.   Праздник отмечают в Каталонии, автономном регионе Испании. По традиции в этот день мужчины дарят любимым женщинам розу, а женщины мужчинам — книгу. Утром каждый читатель получит в подарок книгу и розу.    Программа   ️23 апреля в Петербурге в галерее One’s Mind откроется выставка работ молодых художников «Fragile! Осторожно: хрупкий груз! VOL. 2».   Наша подруга и прекрасная художница Валерия Витвицкая представит скульптурную инсталляцию «Шепсес Анх: живой образ». Ключевым принципом данной работы является миф: маска хищного кошачьего животного и руки девушки, а также  визуальный и смысловой контраст: сочетание черного твердого и матового с розовым, жидким и глянцевым, сочетание сильного и опасного хищника с уязвимым и незащищенным состоянием.   Валерия рассуждает на тему женственности, гармонии женского и мужского начал.   https://telegra.ph/file/51457d13ff857386b2ffb.jpg

Ян Крыжевский (1948) «Красная рубашка» 1973 картон, темпера. 72х49 см Вологодская областная картинная галерея ян_крыжевский

️В Центре Гиляровского откроется выставка, посвящённая 120-летию со дня рождения певца Сергея Лемешева. Лемешев играл главные роли в операх «Руслан и Людмила», «Снегурочка», «Золотой петушок», «Садко», «Севильский цирюльник». Больше 30 лет он был солистом Большого театра. Партию Ленского в «Евгений Онегин» он исполнил 500 раз. От автора: уделите 2 минуты и послушайте любимейшее исполнение Сергея Лемешева стихотворения Алексея Толстого «Средь шумного бала» на музыку Петра Чайковского. Невероятный голос! ️Бэнкси получил звание профессора в Университете Великобритании UCA (the University for the Creative Arts) Звание носить символический характер — «за гуманитарную деятельность и вклад в развитие мировой художественной сцены». Лекции Бэнкси проводить не будет. Во всяком случае, пока такой информации нет. ️Музей-заповедник «Кузьминки-Люблино» и Askeri Gallery 30 июня представят совместный проект «Между прошлым и будущим. Современные художники в усадьбе Люблино». ️Кинотеатр «Пионер» и фонд «Дом с маяком» запускают цикл благотворительных показов. В июльской программе премьеры и новинки французского кино, ранее не выходившие в прокат в России: «Любовное письмо», «Красная земля», «Ночной доктор» и «Безумный Пьеро» https://m.youtube.com/watch?v=t89swJa6Uy0

Обнажённая, сидящая на диване 1917 Амедео Модильяни Частная коллекция Прекрасная женщина. Тонкий, шёлковый пеньюар едва прикрывает ей грудь. Лицо обращено к зрителю. Можно отметить аккуратный нос, яркие, чувственные губы. Она одновременно и смела, и целомудренна. Вальяжная, расслабленная поза говорит о свободе, но вместе с тем героиня стыдливо прикрыла грудь рукой и забросила ногу на ногу, оставляя на обозрение лишь бедро. С 1916 по 1917 Модильяни работал по заказу Зборовского над серией картин в жанре ню. Талантливый живописец создал более 30 полотен, изображающих обнажённых дев в различных позах и ракурсах. Эта картина - настоящая жемчужина той амбициозной, знаменитой серии. С удивительной филигранностью живописцу удалось передать едва осязаемые материи обнажённой натуры: сладостную негу, шелковистость кожи, красоту разомлевшего, расслабленного тела. Лёгкая светотень создаёт объём, который находится буквально на грани плоскостного изображения. Сегодня невероятная картина оценивается совершенно по-другому. Точнее, можно сказать, что она бесценна. Хотя конкретную стоимость "Обнажённая на диване" всё же имеет - в 2010 году на известном аукционе "Сотбис" полотно ушло с торгов за почти 69 млн. у.е., тем самым побив ценовой рекорд картин Модильяни. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Горный пейзаж с радугой 1809 Каспар Давид Фридрих Музей Фолькванг, Эссен Картина в стиле романтизма немецкого художника. На переднем плане картины на заросшей травой плоской скале изображён путешественник, прислонившийся к валуну и опирающийся обеими руками на трость; в стороне у его ног лежит, брошенный им, чёрный цилиндр. На мужчине белые штаны и красная рубаха, контрастирующие с коричневато-серым оттенком фона. Фасон одежды выдаёт в нём горожанина. По краям плоской скалы, склонившимися в сторону фигуры на валуне, изображены деревья или кустарники. Путешественник смотрит в овраг, который не виден зрителям, кажется потому, что покрыт туманом. Левая и правая восходящие горы покрыты хвойными лесами. В глубине среднего плана виден силуэт высокой горы, спрятавшейся в ночных сумерках. Небо покрывают густые тёмные облака, через щель в которых едва пробивается серебряный свет луны. Яркая радуга над силуэтом горы изображена серыми и жёлтыми красками. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Самое праздничное и радостное полотно из серии «Поэма семи сказок» - Царевна-лягушка. На картине - пир - третье испытание невест сыновей царя. Царевна-лягушка, она же Василиса Премудрая, справилась с заданиями лучше всех. А атмосфера сама - праздничная. И не только во дворце, но и за его пределами. Если присмотреться, на заднем плане можно увидеть крестьян, которые водят хоровод. А озеро становится границей между миром сказки, в котором танцует прекрасная Василиса, и миром обычным, в котором отмечается вполне традиционный летний праздник - Ильин день или Успение Пресвятой Богородицы. Что на это указывает? Убранное поле со снопами. PROваснецов

"Мадонна Оньиссанти" 1300-е Джотто ди Бондоне Галерея Уффици, Флоренция. «Мадонна Оньиссанти» («Мадонна на троне», «Маэста») – единственный сохранившийся до наших дней алтарный образ Джотто. В отличие от других известных работ художника, «Мадонна Оньиссанти» не фреска, а картина, написанная на деревянной основе водными красками. Она создана в промежутке между 1306 и 1310-м годами для флорентийского Собора Всех святых – по-итальянски «Оньиссанти» – и сохранила за собой это название, даже когда была перемещена в другое место. Ровно через 500 лет, в 1810-м году, «Мадонну Оньиссанти» перевезли из собора в галерею Флорентийской Академии, а в 1919-м она перебралась в галерею Уффици, где и представлена в настоящее время. Считается, что «Мадонна Оньиссанти» – единственный подлинник Джотто в музеях мира. Дело в том, что большинство сохранившихся работ Джотто – это фрески в итальянских храмах. Деревянные панели, приписываемые художнику, в национальных галереях Лондона и Вашинготона – спорные работы, скорее принадлежащие не лично Джотто, а художникам его мастерской. Горячо дискутируется и принадлежность Джотто луврских панелей «Проповедь св. Франциска птицам» и «Утверждение францисканского закона». В одном зале галереи Уффици с «Мадонной Оньиссанти» представлена другая выдающаяся работа – «Мадонна во славе» флорентийского художника Чимабуэ, учителя Джотто. Они располагаются друг напротив друга, и этим невольно настраивают посетителя на сопоставление. Картины разделяет примерно 25 лет. Обе относятся к одному и тому же иконографическому типу – «Маэста» («Мадонна на троне», «Прославление Богоматери») и сопоставимы по исторической и художественной ценности. И все-таки их внимательное и вдумчивое сравнение показывает, сколь разительные перемены произошли в итальянском изобразительном искусстве в течение всего четверти столетия и насколько новая проторенессансная манера Джотто отличается от традиционной готической стилистики Чимабуэ. «Мадонна» Чимабуэ имеет характерные для византийской живописи вытянутые пропорции: длинные пальцы, тонкий удлиненный нос, узкое лицо, продолговатые скорбные глаза. Это иконописный лик – прекрасный и бесплотный. «Мадонна» Джотто и похожа на «Мадонну Чимабуэ» (она так же восседает на троне с младенцем Христом на руках в окружении ангелов), и в то же время – разительно не похожа. Дева Мария, которую изображает Джотто, отнюдь не бесплотна. У неё широкие плечи, крепкая шея с реалистичными продольными полосками, лицо с румянцем. Губы Девы Марии слегка приоткрыты, а тонкая ткань платья очерчивает развитую грудь – это грудь и стать кормящей матери, скорее земной женщины, чем бестелесной Мадонны. Человеческая фигура у Джотто становится более осязаемой и округлой, чем на иконах. Необычайно красивы коленопреклоненные ангелы у подножия трона. Младенец – весом и круглолиц. Джоттовское изображение очень отличается от византийского канона, его характер – более земной и более интимный. Обе Мадонны – и Джотто, и Чимабуэ – окружены фигурами. Но Чимабуэ просто даёт их одну над другой, в то время как Джотто сообщает изображению подобие перспективы, добивается большей скульптурности, пытается передать трёхмерность пространства. Искусствовед Паола Волкова так описывает «Мадонну» Джотто: «На красивом инкрустированном троне (инкрустация мрамором как раз входила в моду) сидит женщина – широкоплечая, мощная, молодая, с румянцем во всю щеку. Она крепко держит крепкого младенца. Прекрасная белая рубашка подчеркивает её телесность, её мощь. И она спокойно смотрит на нас. В её лице нет страданий: оно полно высокого человеческого достоинства и покоя. Это уже не икона Богородицы – это Мадонна в позднем итальянском понимании: и Мария, и Прекрасная Дама». ДжоттоДиБондоне РелигиознаяСцена Возрождение _history https://t.me/pic_history2/300

Гюстав Курбе "Прекрасная ирландка (портрет Джо)" (1866)

Продаётся картина художника В.М.Беликова "Красная лошадь". Холст/масло, 44х57 см, 1981 г. Цена 95000 руб. Беликов Василий Матвеевич (1922-1994) - член Союза Художников СССР, участник многих выставок. Картины находятся в Пензенской областной картинной галерее, а также в частных коллекциях в России и за рубежом. Продавались на аукционах в США, Италии, Ирландии. Основное направление в живописи мастера - пейзаж, в меньшей степени - натюрморт и портрет. В Едином Художественном Рейтинге Василий Беликов имеет 4-ю категорию. В 2022 году в Пензе прошла юбилейная выставка, посвящённая 100-летию со дня рождения художника. Видео на Ютюбе: https://www.youtube.com/watch v=BKCNGFcYaNM По поводу покупки картины обращаться к сыну живописца Сергею по тел. 8-960-324-95-46 или на email: belservas@mail.ru

"Прекрасная шоколадница" 1745 г. Жан-Этьен Лиотар Дрезденская картинная галерея (Галерея Старых мастеров). Смотреть в высоком качестве

«Прекрасная шоколадница» (фр. – La Belle Chocolatière, нем. – Das Schokoladenmädchen) – портрет аккуратно одетой красавицы, изящно держащей поднос с чашкой горячего шоколада и стаканом воды, – одна из самых известных работ Жан-Этьена Лиотара и жемчужина Галереи старых мастеров в Дрездене. Картину считали шедевром ещё при жизни художника. Образ был создан между 1743-м и 1745 годами при дворе австрийской императрицы Марии Терезии. В то время швейцарский художник находился в Вене, где писал портреты правительницы и её супруга. 3 февраля 1745 года картину приобрёл у Лиотара в Венеции граф Франческо Альгаротти, который был арт-агентом двух монархов – прусского короля Фридриха II и польского короля Августа III Саксонца. Он писал своему другу, искусствоведу Пьеру-Жану Мариетту: «Я купил картину пастелью около трёх футов высотой, написанную знаменитым Лиотаром. На ней изображена молодая немецкая горничная в профиль, несущая поднос со стаканом воды и чашкой шоколада. Картина почти лишена теней, с бледным фоном и светом, который идёт из двух окон, отражённых в стакане. Она написана полутонами с незаметными переходами света и исполнена в совершенстве… и хотя это европейская картина, она может понравиться китайцам, которые, как вы знаете, являются заклятыми врагами теней. Что касается совершенства работы, то это Гольбейн в пастели». Картина входит в коллекцию Галереи старых мастеров в Дрездене с 1855 года. Кто был моделью для «Прекрасной шоколадницы», достоверно не установлено. Вероятнее всего, это одна из незамужних девушек при дворе, поразившая живописца своей красотой. В те дни было принято призывать ко двору юных прелестниц из семей «низшего» дворянства и делать их компаньонками для дам из «высшего» дворянства. Очень часто утверждается, что Лиотару позировала Анна (Аннель или Наннель) Бальтауф – дочь обедневшего кавалера Мельхиора Бальтауфа, которую, возможно, пригласили ко двору в качестве такой наперсницы. Молодой князь фон Дитрихштейн, якобы, был поражён её красотой, влюбился и женился – приведя в смятение весь высший свет. Эту легенду поддерживала американская шоколадная компания Walter Baker & Company, которая использовала «Прекрасную шоколадницу» Лиотара в качестве своего логотипа с 1883 года. В небольшом буклете с рецептами 1913 года было написано: «Неясно, было ли обязанностью Анны подавать шоколад или же она была светской красавицей, которая позировала в таком костюме. Но как бы то ни было, своей красотой она так поразила князя Дитрихштейна, что он женился на ней. Этот брак породил множество разговоров в австрийском обществе. Кастовые предрассудки в Вене всегда были очень сильны, а дочь простого дворянина не считалась подходящей партией для придворного…». Более романтическая версия этой истории гласит, что молодой Дитрихштейн пришёл в венское кафе чтобы попробовать новомодный напиток – горячий шоколад. Там он и встретил Анну Бальтауф, которая обслуживала посетителей. Он мгновенно влюбился в девушку и следующие несколько недель приходил в заведение практически ежедневно. В конце концов, он женился на своей пассии, несмотря на сопротивление высшего дворянства. В качестве свадебного подарка он заказал Лиотару портрет невесты в той одежде, в которой встретил её впервые. Несмотря на то, что начало истории «Прекрасной шоколадницы» больше похожа на сказку, её продолжение хорошо задокументировано. В 1881 году Генри Пирс – президент Walter Baker, ведущей компании США по производству какао и шоколада – приехал в Европу, чтобы познакомиться с методами производства какао. В дрезденской Королевской галерее он увидел картину Лиотара. Его впечатлил и сам портрет, и его романтическая история – и с тех пор «Прекрасная шоколадница» стала одной из первых зарегистрированных торговых марок в экономической истории. С 1880-х образ Анны Бальтауф был запечатлён и растиражирован на миллионах банок какао и рекламных буклетов. ЖанЭтьенЛиотар Портрет Рококо _history

В 1904 году Казимир Малевич, молодой провинциальный художник-самоучка, впервые приехал в Москву, чтобы поступить в Училище живописи, ваяния и зодчества. Ни тогда, ни в последующие годы он не смог выдержать вступительные экзамены и должен был возвращаться в Курск. Но московские впечатления решили его судьбу. Здесь Малевич познакомился с новейшими достижениями русской живописи, а перебравшись в Москву в 1906 году, поступил в частное училище Фёдора Рерберга, высокообразованного педагога и поклонника Ренуара. Это было время расцвета русского импрессионизма; полотна Игоря Грабаря, Николая Тархова, Михаила Ларионова, Давида Бурлюка привлекали всеобщее внимание. Малевич пытался следовать этим образцам, но без особого успеха. Через четверть века, задумав устроить персональную выставку в Третьяковской галерее, он составил план показа ретроспективы своего творчества от импрессионизма до супрематизма. Но ранний импрессионизм представляли только небольшие этюды, и их качество автора не устроило. Единственная законченная картина – «Портрет родственницы» (1906, Стеделийк музеум, Амстердам) – осталась за границей после выставки в Берлине. И Малевич предпринял беспрецедентную акцию – написал заново ряд импрессионистических пейзажей, снабдив их вымышленными датами: 1903, 1904, 1906. «Весна – цветущий сад» получила дату «1904», времени первой поездки в Москву. «Весна – цветущий сад» не является авторским повторением ранней работы – ничего подобного в 1900-е годы Малевич не создавал. Она написана не дерзким самоучкой, подражающим последним новинкам, а зрелым мастером, уверенно ставящим и разрешающим творческие задачи. Важнейшим качеством импрессионизма как живописной системы Малевич считал свет. Он доминирует и в этом пейзаже, но передается с помощью цвета, а не тона (градаций темного – светлого), как это было в доимпрессионистические времена. Поэтому тени в картине голубые – стена домика слева, боковые части крыльца, чердачного окна, или синеватые – тени от деревьев, как и сами стволы. В картине много чистого цвета, он звучит мягко – красная крыша кажется нежно-розовой, а вот серых или серо-коричневых оттенков нет совсем. Еще одна особенность: все краски пейзажа, включая холодные (зеленый и голубой) приближены к теплой гамме – так передается ощущение солнечного тепла. Солнце не слепит, а нежно греет, привнося в скромный мотив гармонию и прелесть. Картина выполнена непосредственно на натуре, вероятнее всего, в окрестностях Москвы. Но Малевичу удалось внушить зрителям, что это Малороссия или окраина Курска, воспоминания о которых не покидали художника. И современники (за редким исключением) поверили в его мистификацию. Картину приобрела Третьяковская галерея, и она долгие годы считалась эталоном ранней живописи художника.

​​24 января первая в России галерея фиджитал-искусства VS Gallery откроет тотальную иммерсивную инсталляцию «Лабиринт» – персональную выставку Кирилла Рейва Пространство погрузит зрителя в реальность цифрового художника, в которой будет представлено более 30 работ: видео, скульптур, пластификаций. В этом сложносочиненном визуальном лабиринте из разных серий будут доминировать три темы, важные для творческого пути Рейва – это глитч, фрактал и природные структуры, на первый взгляд, никак не связанные между собой. Но Кирилл доказывает обратное. Что: выставка «Лабиринт» Когда: 24 января – 26 февраля Где: VS Gallery, ул. Малая Ордынка, 19 Приобрести билеты можно на сайте галереи Фото: Кирилл Рейв, Красная голова 001. https://telegra.ph/file/82ac222f32361f901419f.jpg

Первая картина Сурикова Ближайшие 4 недели по субботам буду рассказывать про Сурикова, так что поделюсь пока с вами интересными фактами из его творческой биографии. Думаю, он один из самых известных русских живописцев. Его «Боярыню Морозову» знает каждый, кто более менее интересуется искусством. Но вы когда-нибудь задумывались, как выглядели первые работы известных нам художников? Думаю, что нет, а зря! Это интересно На лекциях в клубе всегда их показываю. Но сейчас не об этом. Вашему вниманию работа Василия Сурикова, сибиряка по происхождению и потомка казаков, которую он написал в 14 лет Под чутким руководством своего первого учителя, конечно. Но все же. Такой юный возраст, а какая прекрасная свето-воздушная перспектива. Выполнено произведение акварелью и называется «Плоты на Енисее». 1862 А вы как в 14 лет рисовали? PROинтересныефакты PROсуриков