"Летом. Цыганка" 1868 г. Пьер Огюст Ренуар Старая Пинакотека, Мюнхен.

"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Летом 1888 года Винсент Ван Гог живет на юге Франции, в Арле, где пишет самые знаменитые свои картины. В июне художник решил отправиться к морю – в маленькую рыбацкую деревушку Сент-Мари-де-ла-Мер. Винсент надеялся, что морской воздух поправит его слабое здоровье, которое с каждым годом лишь ухудшалось из-за недоедания и алкогольных возлияний. В недельную поездку Ван Гог взял с собой три холста и несколько листов бумаги. Картина «Море в Сент-Мари» стала одним из двух морских пейзажей, написанных художником во время этого «отпуска». На третьем холсте Винсент изобразил белые деревенские домики. В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет. Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле. Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым». ВанГог Постимпрессионизм Марина _history

Сальвадор Дали (1904-1989) «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» 1944 холст, масло. 51х41 см Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания сальвадор_дали

«Осенний день. Сокольники» 1879г. Исаак Левитан Пустынная аллея парка, усыпана жёлтыми опавшими листьями. Трава ещё зелёная, но цвет этот не такой яркий как летом, а наоборот, по-осеннему пожухлый. Вдоль дороги растут молодые деревья. Их совсем недавно посадили, оттого они такие тонкие, с редкой осыпающейся листвой. Как контраст этой молодой поросли края картины «обступили» старые деревья парка. Высокие, тёмно-зелёные и чуть мрачноватые. И над всем этим пейзажем плывут облака, серые и хмурые, создавая ощущение сырого пасмурного дня. Центральным элементом картины является героиня, но её присутствие «не ворует» у природы главную роль. Левитан не автор этой примечательной, одинокой фигуры. Девушку в тёмном платье, идущую прямо навстречу к зрителю, написал Николай Чехов, художник и брат писателя Антона Павловича. Общее настроение полотна грустно-ностальгическое, и этому есть объяснение. Именно в этот период Левитан подвергся первому выселению из Москвы, согласно указу, запрещающему проживание евреев в городе.

"Прометей" 1630 г. Хосе де Рибера Частная коллекция. Летом 2009 года Барбара Пьясецка-Джонсон (1937-2013), бывшая польская горничная, ставшая после удачного замужества наследницей гигантской фармацевтической империи Johnson & Johnson, выставила на торги лондонского отделения аукциона Sotheby's свою коллекцию мебели и предметов искусства эпохи барокко. Общая сумма продаж составила тогда 9,9 млн фунтов (около 16 млн. долларов), а самым дорогим лотом из всей торговавшейся коллекции стала картина «Прометей» Хосе де Риберы: она была продана за 3,8 млн фунтов. Высокая цена – всегда результат синергии многих факторов. Причём далеко не всегда можно сказать, какой из них имел решающее значение. Возможно, дело в том, что «Прометей» – одна из характернейших картин Риберы с его «фирменным» острым драматизмом и резкой светотенью. А быть может, к легендированию картины имеют непосредственное отношение слухи о нездоровом интересе Риберы к истязаниям и пыткам. Или же свою роль сыграла «караваджиевская» манера исполнения «Прометея», а Караваджо, как известно, всегда отлично продаётся. Рибера использовал в «Прометее» своё излюбленное композиционное решение – разместить тело в напряженнной и сложной позе строго по диагонали картины. В подобных, хотя и не тождественных, положениях предстают в 1620-х годах на картинах Риберы святые Варфоломей, Андрей, Себастьян. Композиция, «отработанная» на христианских святых, в 1630-м году или позже, когда написан «Прометей», оказалась едва ли не более подходящей для античного титана. Тем более, сюжет мифа о Прометее, самоотверженном защитнике человеческого рода от произвола богов, располагает к живописным упражнениям в передаче телесных мук и корчей. Точная передача анатомии прикованного Прометея, предельного напряжения всех мышц, рваной кровавой раны в боку и, главное, передача эмоционального накала огромной силы – вот «визитная карточка» Риберы. Все это делает картину драматически-волнующей и такой желанной для покупателей. Согласно некоторым данным, для этюдов и зарисовок Рибера регулярно посещал неапольские тюрьмы, где наблюдал за истязаемыми заключенными. Это позволяло ему натуралистично изображать человеческое тело, насильственно вывернутое, распластанное в неудобном и мучительном положении. Недаром Риберу иногда называют «художником истязаний». Рибера действительно заимствует у Караваджо живописные техники, известные как «кьяроскуро» и «тенебросо». Некоторые старые авторы настойчиво пытались найти доказательства их личных встреч. Но, ради исторической справедливости, следует уточнить, что Хосе де Рибера и Микеланджело Меризи да Караваджо познакомиться всё-таки не успели: Караваджо бежал из Неаполя в 1607-м, а Рибера, вероятнее всего, перебрался туда и остался там на всю жизнь несколькими годами позже, когда Караваджо уже не было в живых. Среди восьми покупателей, охотящихся за этим лотом на Sotheby's, были представители Прадо, но им так и не удалось пополнить коллекцию главного музея Испании. К огромному сожалению, личность нового владельца «Прометея», согласно аукционным правилам конфиденциальности, остаётся неизвестной. Рибера Барокко МифологическаяСцена _history

Портрет Ольги Константиновны Лансере 1910 Зинаида Серебрякова Частная коллекция Это портрет жены брата художницы. Зинаида Серебрякова — русская художница, участница объединения «Мир искусства», одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи. Как художница Серебрякова сформировалась в Петербурге. Исследователи подчёркивали влияние «пушкинской и блоковской муз», на Серебрякову. Широкую известность принёс Серебряковой автопортрет («За туалетом», 1909, Государственная Третьяковская галерея).

S/S Bauta 1956 Фриденсрайх Хундертвассер Бумага, Акварель Частное собрание, Вена Картина австрийского художника со сложно произносимой фамилией. В 1956 году Хундертвассер провёл некоторое время в Швеции. Летом работал грузчиками на S/S Bauta - не простом судне. Судно было эстонским, ходило под либерийским флагом. Экипаж S/S Bauta, состоял из эстонцев, латышей, литовцев, поляков, отказался возвращаться в свои родные страны, однако ни одно государство не приняло их. К тому моменту, когда на корабль нанялся Хундертвассер, моряки уже более десяти лет не сходили на берег. Обстановка на борту была тяжёлой: члены экипажа, потерявшие надежду обрести дом, спивались, завязывали драки, некоторые из них стали убийцами. По воспоминаниям Хундертвассера, члены экипажа, напившись, гонялись за ним по кораблю с обрезками арматуры, и он не успевал прятался. Как подчёркивает исследователь творчества Хундертвассера Гарри Ранд, мирная картина совершенно не отражает реальной действительности на борту S/S Bauta.

"Бульвар Монмартр. Весеннее утро" 1897 г. Камиль Писсарро Частная коллекция. В 1890-х к Камилю Писсарро приходит долгожданное признание, его картины продаются за десятки тысяч франков. Стареющий и теряющий зрение художник наконец-то может позволить себе путешествовать, наслаждаться безбедной жизнью и снимать гостиничный номер прямо в Париже когда ему будет угодно. Писсарро пишет бульвар Монмартр днем, вечером, ночью, утром, в дождь, зимой, весной, летом – из гостиничного номера с тремя окнами. Потом те же эксперименты проводит с другими бульварами и городскими пейзажами: Авеню де ла Опера, бульвар Итальен, Лувр, улица Сент-Оноре и улица Сен-Лазар. Одних изображений Лувра при разной погоде в течение 1900 – 1901 года у Писсарро целых 18. Шумные, светлые городские площади и бульвары у него живут и дышат, ежесекундно меняясь, как лицо человека. Но именно «Бульвар Монмартр. Весеннее утро» на аукционе Sotheby's в 2014 году был продан за рекордную для Писсарро сумму – 32 млн. долларов. ХХ век нелегко дался этой картине и она обросла историей, которая дорогого стоит. До Второй мировой войны картина была частью огромной частной коллекции импрессионистов, которую собрал немецкий еврей, промышленник Макс Зильберберг. В конце 30-х дом коллекционера захватили солдаты СС, а его собрание картин, в том числе и «Бульвар Монмартр. Весеннее утро», ушло с молотка. Зильберберг вместе с женой погибли в концентрационном лагере, а полотно после некоторых путешествий оказалось в музее Израиля в Иерусалиме. Несколько лет оно оставалось в собственности музея, пока в 2000 году не состоялось справедливое возвращение полотна наследникам Зильберберга. Новый владелец не менее справедливо, в знак признательности музею за образцовое сохранение картины, позволил оставить ее в экспозиции до самой своей смерти. В 2013 году владелец «Бульвара Монмартр» умер – и на торги Sotheby's попало одно из самых важных полотен импрессионизма. КамильПиссарро Импрессионизм _history

«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» Пожалуй, первый художник, который вспоминается, при разговоре о символах - Сальвадор Дали. Сам он не любил давать объяснения своим картинам и не рекомендовал кому-либо это делать. Но ведь страсть, как хочется! Психоаналитик бы сказал, что героиня картины видит классический фрейдистский сон — о противостоянии мужского и женского начал. Кстати, Дали однажды встречался с Фрейдом и оба остались не в восторге. Гранат в античной и христианской символике - возрождение и плодородие. «Вся жизнетворящая биология возникает из лопнувшего граната», - говорил Дали. Тигры имеют тот же окрас, что и пчелы, возможно именно они так представляются спящей. Слон, несущий обелиск и атрибуты папы — намек на сон о похоронах папы римского, приснившийся Фрейду из-за колокольного звона. Тонкие суставчатые ноги — символ зыбкости сна. Море, вероятно, - сознание. Одно мы знаем точно: женщина на картине это Гала – жена и муза художника.

Гея, 1966 г. Ли Краснер МоМА, Нью-Йорк Американская художница, которую дома называли Леной, родилась в семье эмигрантов из села Шпиков Тульчинского района Винницкой области, покинувших Украину за несколько лет до рождения дочери. Краснер сейчас рассматривается как ключевая фигура переходного периода в абстракции, которая связывала искусство начала 20-го века с новыми идеями послевоенной Америки, и ее работы высоко ценятся на аукционах. Ли Краснер и Джексон Поллок познакомились друг с другом в 1942 году после того, как они оба были выставлены в галерее Макмиллена. Летом 1945-го они поженились в церкви с двумя свидетелями. Ли Краснер и Джексон Поллок стали прототипами главных героев романа американской писательницы Ивлин Тойнтон «Современное искусство» (2000).

Серебрякова Зинаида Евгеньевна - За туалетом. Автопортрет (1908-1909)

"Летом. Портрет Ольги Серовой" 1895 г. Валентин Александрович Серов Государственная Третьяковская галерея.

"Аржантей" 1874 г. Эдуар Мане Музей изящных искусств, Турне. Знакомство Клода Моне и Эдуара Мане началось с очевидного недоразумения – путаницы с фамилиями. После открытия очередного Салона к Мане начали подходить знакомые и хвалить две его марины. Какие марины? Он не посылал на Салон никаких марин! Оказывается, что какой-то молодой нахал пользуется сходством фамилий, чтобы прославиться, мало того – еще и картины его имеют больший успех. Со временем обиды и претензии растворились в огромном взаимном уважении и восхищении. Летом 1874 года художники работали вместе на берегу Сены, в Аржантейе – и Мане как будто решил поиграть со своими друзьями в их импрессионизм. Но по своим правилам. Все импрессионистские находки он этим летом примерил и освоил: короткие отрывистые мазки, светлая палитра, пленэр и солнечный свет. И все равно остался самим собой. Он писал воду и пейзажи, самого Клода Моне, работающего в плавучей мастерской-лодке, но всегда отыскивал то, что интересовало его всегда: отношения мужчины и женщины и внутренние живописные законы произведения, которые не всегда совпадали с закономерностями природных цветов. Так появилась загадочная средиземноморская синева Сены на картине «Аржантей», за которую Мане исступленно поносили критики, требующие соответствия действительности, и которая стала очередной попыткой художника натренировать глаза зрителей на новый взгляд на искреннее, эмоциональное искусство. «Художник может все выразить при помощи фруктов и цветов или одних облаков», - считает Мане. И на этот раз ему хватило синевы Сены, чтобы создать то радостное настроение, в котором пребывал он в то лето и в котором находились окружавшие его влюбленные пары, медленно плывущие по реке и звонко смеющиеся. Когда на Салоне 1874 года кто-то робко пытался похвалить картину Мане, ему обязательно кричали в ответ: «Но эта синева!» «Река цвета индиго, плотная, как металл, прямая, как стена», - захлебывались в возмущении критики. Их интересовала одна только вызывающе синяя река. Этот Мане просто издевается и смеется над ними, нарочно устраивает шумиху и раздувает скандалы вокруг своего имени. «Мое честолюбие – никогда не повторять завтра то, что сделал вчера», - говорил Мане. И после этого лета он больше никогда не напишет синюю Сену, но напишет «Весну», проданную в 2014 году за 65 млн. долларов, и «Бар в «Фоли-Бержер», никогда не повторяя себя вчерашнего. ЭдуарМане Импрессионизм _history

​​️Новым директором Лувра назначена Лоранс де Кар. Она станет первой женщиной на посту директора музея. ️29 мая в Flacon.Cube Flowgardenz совместно с музыкантом Кариной Казарян (kptransmission) покажут аудиовизуальный перформанс Still Life. ️Пушкинский музей и Томский государственный университет откроют первую в России резиденцию, объединяющую искусство и науку. ️Два филиала «Ясной Поляны» откроют в Тульской области к 100-летнему юбилею музея-заповедника — в Туле и бывшем уездном городе Крапивна. Этим летом обязательно навестите Льва Николаевича! Незабываемее впечатления от усадьбы и атмосферы 19 века, где были написаны «Война и мир» и «Анна Каренина». Больше понимаешь князя Болконского, который так полюбил жизнь в усадьбе: размеренно и по-настоящему счастливо. ️В Москве на территории бывшего завода «Рассвет» на Пресне открылось новое культурное пространство. ️Фестиваль «Первая фабрика авангарда» превратил город в настоящую столицу современного искусства, пусть и всего на неделю. Выставка «Светлый путь» в Музейно-выставочном центре продлится до 22 августа. Иваново — чудесный город и настоящая «текстильная столица России»! Вокзал в Иванове был возведен в 1929–1933 годах по проекту архитектора-конструктивиста Владимира Каверинского. Это крупнейший в России вокзал в конструктивистском стиле: его площадь составляет более 9 тыс. кв. м. https://telegra.ph/file/82b700d66271a284bad2a.jpg

​​️В 2021 году Республика Коми отмечает 100-летие своей государственности. Лесной массив Республики Коми включен в список всемирного наследия ЮНЕСКО, как самый большой в Европе. Летом и осенью 2021 года Сыктывкар и другие города Коми ожидает беспрецедентное событие — международная биеннале современного искусства. Ее вдохновитель — Пьер-Кристиан Броше. Кстати, Пьер ведёт потрясающую телепрограмму «Моя любовь — Россия». Почитайте интересную статью от The Art Newspaper о прекраснейшем регионе России! ️Вышел исторический фильм-расследование о жертвах ГУЛАГа. ️Фонд «Синдром любви» запустил проект «Хочу на работу», который помогает людям с синдромом Дауна освоить новые навыки и подобрать работу по душе. YouTube канал Фонда «Синдром любви». ️В бывшем кинотеатре «Кунцево» появится центр с библиотекой, концертным залом и кафе. ️Музей Мунка в Осло откроется 22 октября серией выставок. Первой выставкой, открывающей обновленный музей, станет «Одиночество души», объединившая произведения Эдварда Мунка и Трейси Эмин. Когда пишу о Мунке, всегда упоминаю, что несмотря на абстрактный экзистенциализм, он был настоящим душкой. Фото: Эдвард Мунк, 1905, Голова к голове, выставка в LAC Lugano Arte e Cultura https://telegra.ph/file/f354ef89610c6088a8d78.jpg

Эрмита́жные коты́ — кошки, официально содержатся на территории петербургского Зимнего дворца со времени его постройки, чтоб не размножались крысы и мыши в Государственном Эрмитаже. По оценке директора музея М. Б. Пиотровского, «коты — легенда эрмитажной жизни и её неотъемлемая часть», а «интервью и съёмки по поводу котов не реже, чем про Рембрандта». Считается, что история эрмитажных котов начинается с привезённого из Голландии Петром Великим кота, которого поселили в деревянном Зимнем дворце; по преданию, кота звали Василием. Указ императора повелевал «иметь при амбарах котов, для охраны таковых и мышей и крыс устрашения» Коты обитали в Эрмитаже в период войны с Наполеоном и после революции, при советской власти. Во время блокады Ленинграда все коты погибли, и Зимний буквально кишел крысами. В 1941 году произведения искусства были эвакуированы на Урал в Свердловск, а в музейных подвалах оборудовали 12 бомбоубежищ. После войны в Ленинград было завезено пять тысяч котов, часть которых попала в Эрмитаж. Вскоре крысы исчезли. Каждый кот имеет собственный паспорт, ветеринарную карточку и официально числится квалифицированным специалистом по очистке музейных подвалов от крыс. Сеть подвалов (почти двадцать километров), где живут и охотятся коты, называется «большой кошачий подвал». Для котов созданы комфортные условия проживания — в подвалах всегда сухо и тепло, все помещения оборудованы маленькими проходами для свободы передвижения. Летом коты проводят больше времени снаружи, на газонах, во дворах. У каждого кота есть собственная мисочка, лоток и корзинка для сна. Всем им сделаны прививки, наблюдение ветеринара. Сотрудники Эрмитажа регулярно закупают сухой корм для котов. В бюджете музея нет статьи на содержание котов; корм покупают на пожертвования посетителей, музейных работников, спонсоров. У котов свой благотворительный счёт, проходящий отдельной строкой в бюджете Эрмитажа, — поступающие от благотворителей средства можно тратить только на нужды животных. Эрмитаж ежегодно весной проводит «День эрмитажного кота». https://peterburg.center/event/den-ermitazhnogo-kota-2021.html

"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека, Мюнхен. Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history

"Ванна" 1886 г. Эдгар Дега Музей д’Орсе, Париж. Эдгар Дега притащил в мастерскую чаны и тазы. Натурщицы приходили сюда и часами занимались своими делами: расчесывались, мылись, вытирались, зевали, одевались и раздевались. Удивленные поначалу тем, что Дега ничего не пишет, а просто наблюдает, со временем они уставали удивляться и переставали художника замечать. Этого-то ему и было нужно. На Восьмой выставке импрессионистов, в 1886 году, когда в последний раз удалось собрать в одном зале художников, затеявших когда-то всю эту революцию, Эдгар Дега предложил семь пастелей. У них было длинное и нарочито прозаичное название, почти канцелярское или каталогизирующее (так искусствоведы, систематизирующие наследие художника, называют пачку каких-нибудь незначительных набросков и подготовительных рисунков) – «Серия обнаженных женщин — купающихся, моющихся, вытирающихся, причесывающих волосы или сидящих за туалетом в то время, как их причесывают». Эдгар Дега, пожалуй, первый художник, который примирил обнаженную натуру и современность после нескольких столетий салоновской целомудренной традиции, предписывающей облачать обнаженное женское тело в парящие драпировки или окружать символическими атрибутами древних богинь. Вместо оправдательных греческих тог, парящих амуров, облаков, пены морской и прочего божественного антуража, которым еще лет двадцать до этого художники прикрывали наготу своих героинь, Дега вручает им мочалки и расчески. Это не вызывающая и бесстыдная нагота «Олимпии» Эдуара Мане – это самая естественная, повседневная и скучная обстановка, в которой женщина может быть раздета. Моющиеся и причесывающиеся женщины Дега не смотрят зрителю в глаза. Да что там не смотрят – даже лиц их чаще всего не видно. Они неуклюже поднимают ногу, вылезая из ванной, бесцеремонно наклоняются и разворачиваются к нам спиной и задом, собирают в пучок мокрые волосы, чтобы тщательно расчесать, они вытирают ноги и спину. «До сих пор, обнаженная модель всегда изображалась в позах, предполагающих присутствие зрителей», - объяснял художник и добавлял, что в его задачи входило создать ощущение подсматривания в замочную скважину. К середине 1880-х между импрессионистами-основателями движения осталось больше различий, чем проявилось точек соприкосновения. Выставка, на которой были представлены моющиеся женщины Дега – последняя совместная. Художники-бунтари повзрослели – и, каждый по-своему отказываясь от важности мимолетных впечатлений, ищут непреходящие образы, фокусируют взгляд на чем-то важном и разрешают классическому искусству на себя влиять. Искусствоведы хвалят Дега в его поисках – говорят, он, единственный ярый почитатель Энгра в импрессионистском лагере, смог в банной серии пастелей совершить еще один акт примирения. Купающиеся женщины Дега наконец-то примирили Энгра и Делакруа, примирили линию и цвет. ЭдгарДега Импрессионизм _history

Растопленные картины Австрийский дизайнер Алпер Достал создал серию работ «Выставка горячего искусства». В своих работах дизайнер как бы растапливает картины известных художников. Он проделал это с полотнами Пита Мондриана, Пабло Пикассо, Винсента Ван Гога, Рене Магритта, Сальвадора Дали, Эдварда Мунка, Жака-Луи Давида и Хосе Давида Альфаро Сикейроса. «Выставка горячего искусства» — серия работ, которые должны показать, что могло бы произойти, если очень жарким летом мы остались бы без кондиционера. Вот результат». Искусство или нет?

"Порыв ветра" 1860-е Камиль Коро ГМИИ имени А. С. Пушкина. Популярные истории о французском пейзажисте Камиле Коро нередко начинаются так: «Его жизнь была такой же безмятежной, как большинство его полотен». Конечно, насчёт биографии это обобщение немного натянуто. Но живопись Коро и вправду почти всегда – умиротворённая, природа – спокойная, настроение – просветлённое. Коро даже зиму никогда не писал: в это время года он работал только в студии, пользуясь эскизами, зарисованными летом. В Пушкинском музее изобразительных искусств хранится редчайший для творчества Коро образец: ненастье. Конечно, речь идёт о знаменитой картине «Порыв ветра». И это одна из самых выразительных работ Коро. Порыв ветра гнёт стволы и ветви деревьев и почти сносит женщину с пути. Небо здесь зловеще, желтые проблески заката тревожны, но главное, как и всегда у Коро, – деревья. Художник умел делать их живыми, передавать колыхание веток и вибрации листвы. В «Порыве ветра» ветви сгибаются под напором воздуха, а темные кроны рвутся и трепещут. И если вглядываться в картину долго, инстинктивно хочется зажмуриться, как делаем мы это в жизни при сильных порывах ветра. Маленькая человеческая фигурка выглядит пугающе одинокой перед лицом бури – так проявляется романтический мотив беззащитности человека перед Вселенной. Забавно, что самая редкая для Коро «ненастная» картина оказалась и одной из самых популярных. Ее благонамеренно копировали и беззастенчиво подделывали. Чаще, чем какую-либо другую. Но Коро, отличавшегося редкой в художественной среде добротой и щедростью, это не слишком расстраивало. В его биографии существует такая легенда. Однажды в мастерскую Коро зашёл его состоятельный почитатель, торжественно неся на вытянутых руках картину «Порыв ветра». Наверно, он хотел поблагодарить любимого художника. А может быть, разделить с ним радость приобретения. - Но это же не Коро! – изумился Коро. - Как не Коро?! Не может быть! Да я велю немедленно найти и арестовать того, кто всучил мне эту подделку! - Но постойте! – начинает беспокоиться Коро. – Вот так вот сразу арестовать? Зачем же? У него ведь, должно быть, семья, малые дети. - Ах, это совсем не важно! Он подделал картину и по закону и справедливости… - По закону?! Сейчас вам будет настоящий, законный, самый что ни на есть подлинный Коро! – и с этими словами художник выхватил из рук гостя подделку и размашисто начертил в углу свою подпись. КамильКоро Пейзаж Романтизм _history

"Автопортрет со скелетом" 1896 г. Ловис Коринт Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен. Художник Коринт взял за правило отмечать каждый день рождения написанием автопортрета. Поэтому сохранилось их немало: одних лишь холстов штук тридцать, не считая акварелей и рисунков углем. Причем большинство из них заслуживают внимания. Обладая отменным чувством юмора, достаточной самоиронией и не испытывая к своей внешности особого пиетета, художник всякий раз предстает в новом образе – часто комичном, а иногда и беспощадном к самому себе. Многоликий Коринт Мы видим его и облаченным в рыцарские доспехи, и со стаканом красного шампанского в одной руке и правой грудью своей жены – в другой. Тридцатилетним франтом с щегольски подкрученными усами и дряхлеющим, обезображенным болезнью стариком. А один из наиболее сдержанных автопортретов Коринта был выпущен в ФРГ в виде почтовой марки по случаю 50-й годовщины смерти художника. «Автопортрет со скелетом» – один из самых известных, можно сказать, каноничных образов художника. Коринт запечатлел себя в мюнхенской студии в компании с анатомическим экспонатом для студентов-медиков. То, как он будто бы нарочно не скрывает, а выпячивает свои недостатки: невыгодное положение лица, подчеркивающее двойной подбородок, глубокие залысины и потешно поджатый подбородок – не отталкивает, но, напротив, с первого взгляда заставляет проникнуться симпатией к нескладному на вид художнику. В правом верхнем углу в обрамлении дурашливых вензелей виднеется подпись автора и его возраст на тот момент: 38 лет. В том, как обозначена дата создания полотна – буквой «a.» – сокращением от латинского слова anno («в году»), некоторые исследователи склонны усматривать отсылку к автопортрету Дюрера 1500 года, подписанным на похожий манер. Танцы со смертью «Автопортрет со скелетом» написан Коринтом в качестве ответа, или даже насмешки над известной картиной глубоко почитаемого в то время во всей Германии швейцарского художника Арнольда Беклина. Его «Автопортрет со смертью, играющей на скрипке» в своей предельной серьезности – полная противоположность подчеркнуто обыденной сцены с холста Коринта. Если Беклин сдувает пыль с популярного средневекового сюжета «Пляска смерти», чтобы в очередной раз напомнить, что костлявая стоит у каждого буквально над душой (но и нередко играет роль музы для деятелей искусства), то скелет Коринта – лишь учебная модель без какого-то ни было зловещего или потустороннего контекста. Он безвольно подвешен за железный крюк, словно разделанная бычья туша в мясной лавке. «Да, человек смертен, – будто бы соглашается художник. – Но все мы сгнием в земле, оставив после себя только обнаженные кости и череп». Для Коринта смерть на данном этапе жизни – всего-навсего ее естественный и неизбежный итог, лишенный всякого мистического, сверхъестественного или драматического символизма. Эту констатацию оттеняет и усиливает атмосфера очередного будничного баварского денька. Сквозь раскрытое панорамное окно студии врывается свежий воздух. Снаружи зеленеют деревца, возвышаются купола старинных мюнхенских соборов и дымятся заводские трубы. Как будто подчеркнуто ординарен наряд Коринта – ничем не примечательная клетчатая рубашка и такой же скучный галстук. В шутку и всерьез По-настоящему глубокомысленный здесь один только взгляд художника. И в этом весь Коринт: за любой его насмешкой всегда скрывается нечто большее. Слишком уж много яростной энергии бурлило в его мятущейся душе, чтобы он мог оставаться простым комиком-пересмешником. «Ловис Коринт – это художник-экспрессионист во всех смыслах этого термина. Это художник, нарушающий всякую меру, вводящий в живопись насилие и жестокость, секс, болезненность. ЛовисКоринт Портрет Импрессионизм _history

"Портрет Гертруды Лёв" 1902 г. Густав Климт Частная коллекция. 19-летняя дочка владельца фешенебельного санатория Вены, пленительный портрет, утраченная при нацистах коллекция, внебрачный сын Густава Климта и его модели, наконец, продажа за $39,2 млн «лучшей за последние 20 лет работы Климта» на торгах Sotheby’s летом 2015 года и особые условия раздела суммы — все это не просто картина. Это — сюжет. Работа гения венской сецессии создана в 1902 году. Вот отзывы критиков о работах того периода (включая и портрет Гернтруды Лёв), выставленных на коллективной выставке творцов Сецессиона в 1903 — 1904 годах: «…волшебное очарование сияющих обликов — отличительная черта живописной манеры Климта», и «самая тонкая лирика, которую только способна создать палитра художника». В то время на переломе веков художник тяготел к почти монохромной гамме, создавая нежные, воздушные образы героинь. А пленительная Гертруда тогда идеально соответствовала его живописным представлениям. Наша героиня была дважды замужем: первый брак поначалу был безоблачным, и апартаменты четы оформлял сам Коломан Мозер. Однако супруги расстались после ранней смерти их единственной дочери. Во втором браке с венгерским промышленником у пары было трое детей, но в 1923 году муж умер от скоротечной пневмонии: он не надел пальто, возвращаясь из ночного клуба. Гертруда, дочь своего отца, продолжала управлять санаторием, а ее портрет кисти Климта занимал почетное место в прихожей квартиры. Картина с сияюще-воздушной Гертрудой Лёв была признана современниками Климта и вошла в редкое лимитированное издание 50 литографий лучших его работ (удачная затея арт-дилера Метке (H. O. Miethke)). А теперь — вовсе не радужное продолжение истории. Под давлением нацистов еврейское семейство Лев в 1939 году покидает страну и бежит в США. Часть коллекции остается в Австрии, в том числе и бесценный портрет. Дочь Гертруды — Мария, — возвращается туда после войны, надеясь разыскать сокровище. Однако друг семьи, которому поручили приглядывать за оставшимися ценностями, продал картину (вероятнее всего, за бесценок), что называется, под дулом пистолета. Мария Лев в Вену больше не приезжала. Она скончалась в 1964 году в Калифорнии. Портрет кисти Климта после войны оказался у вероятного внебрачного сына художника — Густава Учицки (Gustav Ucicky: его мать, 19-летняя Мария из Праги, работала служанкой в доме Климта). Густав Учицки во время войны создавал в Вене пропагандистские фильмы для нацистов. Вроде бы именно им в 1942 году и была куплена работа. Вдова кинематографиста — Урсула, основавшая Фонд Климта в 2013 году, — в 2014 году «достигла соглашения» насчет портрета с внучкой Гертруды Лев. Средства от продажи картины в 2015 году с аукциона было решено поделить. «Этот портрет показывает храбрую и решительную природу моей бабушки. На этом визуальном воплощении живет сила ее характера и красоты» — сказала внучка прекрасной и вечно юной Гертруды, которую нарисовал австрийский гений — Густав Климт. ГуставКлимт Портрет _history

Музей. Музей Гуггенхе́йма в Бильба́о — музей современного искусства в Бильбао, Испания. Является одним из филиалов музея современного искусства Соломона Гуггенхейма. Расположен на берегу реки Нервьон. В музее расположены постоянные экспозиции, а также проводятся временные выставки как испанских, так и зарубежных художников. Здание музея спроектировано американско-канадским архитектором Фрэнком Гери и было открыто для публики в 1997 году. Здание сразу признано одним из наиболее зрелищных в мире строений в стиле деконструктивизма. Архитектор Филип Джонсон назвал его «величайшим зданием нашего времени». Расположенное на набережной, здание воплощает абстрактную идею футуристического корабля. Также его сравнивают с птицей, самолётом, артишоком и распускающейся розой. Музей можно увидеть в фильме про Джеймса Бонда 1999 года «И целого мира мало», в самом начале которого Бонд крадёт кейс с деньгами у коррумпированного швейцарского банкира.

Ремонтные работы на железной дороге 1874 Константин Савицкий Третьяковка, Москва Замысел картины родился у Савицкого летом 1873 года, когда он наблюдал за работой по ремонту железнодорожных путей Московско-Курской железной дороги недалеко от станции Козлова Засека в Тульской губернии, рядом с которой он жил вместе с художниками Шишкиным и Крамским. Художник и критик Александр Бенуа писал, что с появлением этой картины Савицкий стал «важной опорой передвижников» и полотно «однородно по духу и теме» «Бурлакам на Волге» Репина. «Бурлаки на Волге» и «Ремонтные работы» — «значительная веха в истории русского искусства, в развитии темы народа в русской живописи». Кстати, этот самый художник, который рисовал медведей на картине Шишкина "Утро в сосновом лесу"

"Поднятое колено" 1922 г. Анри Матисс Фонд Барнса, Филадельфия. «Поднятое колено» – одна из множества одалисок, написанных Матиссом. Матисс уже приобрел известность, его выставки проходят по всему миру. Он остается верен своему манифесту: живопись должна быть понятна любому, независимо от его проникновения в теоретические глубины. Задача искусства – не смущать и тревожить, а подарить блаженство, внутреннее равновесие и наслаждение. Значительное влияние на творчество Матисса оказал Делакруа. Путешествия на Восток придали обоим художникам вдохновения, а ответом Матисса на «Алжирских женщин» знаменитого предшественника стали многочисленные одалиски, один из символов живописи Матисса. Все как на подбор – стройные, с женственными, мягкими изгибами, высокой грудью, округлыми бедрами, плавными линиями тела, самим своим существованием утверждающие, что рай на земле достижим. Эти цветы могли вырасти исключительно в атмосфере «роскоши, спокойствия и наслаждения». В изображении одалисок Матисс обрел глубину, отказавшись от резких контрастов фовистического периода, от склонности к примитивистическим методам. Уход от крайностей позволил ему найти свою собственную меру. «Искусство держится не на крайностях. Это штука «умеренная, - настаивал он. - Умеряемая чем? Да рассудком, черт побери! Но рассудком рассуждающим». Колористика одалисок – утонченная, изящная, не взрывающая зрительные рецепторы мгновенным буйством красок, но вовлекающая, завлекающая зрителя – и более не отпускающая. Сам Матисс говорил, что и женщина, и ваза, и цветок для него равноценны. Одалиски кажутся роскошными украшениями, прекрасными вещами, услаждающими взор (нет-нет, ни дидактичности, ни упреков в «бездуховности» у Матисса и в помине нет, речь о том, что предназначение одалиски, равно как и распускающихся цветов – услаждать взор, свидетельствовать о красоте, быть этой красотой). И независимо от того, изображены ли они обнаженными, полуобнаженными или одетыми, укутаны ли в тончайшую вуаль или тяжелые шелка – они свою задачу выполняют. Одалиски стали той соломинкой, которая переломила последнее сопротивление критиков. Художественный критик, кубист Андре Лот после выставки 1923 года в галерее Бернхейма в Париже сдался и признал: «Матисс — волшебник… При первом взгляде на эти легкие ткани, как бы хранящие мимолетное или рассеянное прикосновение руки, забываются возражения, которыми вы хотели от него отгородиться. Вы сдаетесь, вы побеждены». Эта обнаженная, в легчайшей газовой юбке "Сидящая одалиска" изображена на фоне ориентальныхх узоров – узнаваема отсылка к поразившим художника во время его путешествий на Восток мавританским орнаментам. Сама атмосфера картины – восточная, Западу с его постоянной гонкой за достижениями здесь нет места. Одалиски Матисса знают, что суть жизни – в наслаждении ею. При этом сексуальность одалисок истинно восточная, это ни в коем случае не агрессивное утверждение – цветку нет нужны доказывать, что он цветок. Одалиски Матисса, безусловно, перекликаются с одалисками Энгра. Ключевое отличие между раскрытием этой темы у двух мастеров изящно описал Клод Роже-Маркс. Об одалисках Энгра: «Разве не возникает при виде его одалисок чувство, что он пронзен желанием и сами его деформации полны неги?» Об одалисках Матисса: «Он властвует над этими живыми существами, задуманными почти как предметы, в них его привлекают не они сами, а живописные возможности и то удовольствие, которое они должны доставить зрителю». Одна из одалисок Матисса, «Одалиска в красных шароварах», поучаствовала в детективной истории. В 2002 году из Музея современного искусства в Каракасе картина была похищена. Пропажу обнаружили не сразу, поскольку злоумышленники заменили подлинник копией. К поискам было привлечено ФБР, и только через 10 лет удалось обнаружить, что оригинал находится на Майами. Еще два года потребовалось на то, чтобы вернуть картину. Летом 2014 года она наконец была выставлена в Венесуэле. Матисс оставил нам много одалисок - но мы не согласны разлучиться ни с одной из них. АнриМатисс _history

Цыганка ок. 1504—05 Бокаччо Бокаччино Флоренция, Уффици картина итальянского художника эпохи Возрождения Бокаччо Бокаччино. На картине изображена молодая девушка в платке, пристально смотрящая на зрителя. Тёмный фон подчёркивает специфическое освещение и эффект сфумато (термин, обозначающий в изобразительном искусстве мягкость моделировки, особое качество живописной манеры, плавность тональных переходов, расплывчатость, размытость контуров). Своё название картина получила благодаря таким необычным деталям, как ожерелье в виде простой нити с бусинками и платок, завязанный под подбородком, а также из-за характерных черт лица девушки и её больших и выразительных глаз. Влияние Венецианской школы живописи видно в тонких волосах, которым художник придал светлый колорит, и в умиротворённой и спокойной атмосфере картины. С 1925 года картина перешла в собственность галереи Уффици. Кстати, о галерее вышел сегодня репортаж на канале t.me/exponat/3208

Искусство — это зеркало реальности. А художник — его глашатай. Мы, человечество, столкнулись с новым явлением впервые за всю историю человечества. С одной стороны доступность информации в интернете развивает в человеке “цифровую амнезию”. Когда человек понимает, что в любой момент он может добыть информацию из интернета, то он начинает запоминать её хуже. Мы быстрее и лучше начинаем запоминать способ получения информации, а не ее суть. Но с другой стороны… Доступность информации в любой момент времени жизни, почти из любой точки на планете. На любом языке! На любую тему! Даже не выходя из дому! Ответ почти на любой вопрос! Ну разве не прелесть? Именно на эту ультрасовременную тему проходит выставка «Моя страница» в музее современного искусства Эрарта. 140 талантливейших художников, которые этим летом стали лучшими в конкурсе для начинающих художников VK Talents — взглянули на интернет и его влияние на повседневную жизнь. Кстати, если не хочется думать о социальной дистанции и билетах в СПБ, то посмотреть захватывающую экспозицию и познакомится с авторами можно в коротком ролике

​​Лучшие начинающие художники — в Эрарте. В музее современного искусства Эрарта до 16 ноября продолжается выставка «Моя страница». На ней своё творчество представили 140 талантливых авторов, которые этим летом стали лучшими в конкурсе для начинающих художников VK Talents. Тема экспозиции — интернет и его влияние на повседневную жизнь. Если думать о социальной дистанции и билетах в СПБ не хочется, посмотреть экспозицию и познакомится с авторами можно в коротком ролике, который подготовили организаторы. Смотреть https://telegra.ph/file/147e95f327c266800cb6d.jpg

Самое значительное изобретение человека и его отражение в искусстве Художник — натура тонкая и свои ощущения мира выплёскивает на нас в своих работах. Вот взять интернет, который, наверное, самое значительное изобретение человека, после колеса, а интернет — это хорошо или плохо? А ведь влияние его колоссальное! И это давление, конечно чувствуют талантливые люди. Посмотрите, что они об этом рассказывают в своих работах на тему: “Интернет и его влияние на повседневную жизнь”. 140 талантливейших художников, которые этим летом стали лучшими в конкурсе для начинающих художников VK Talents — показали нам свой взгляд на это на выставке «Моя страница» в музее современного искусства Эрарта. Если не хочется думать о социальной дистанции и билетах в СПБ, то посмотреть захватывающую экспозицию и познакомится с авторами можно в коротком ролике.

Иллюстрации Дэмиена Хёрста для альбома Дрейка появились в NFT Британский художник Дэмиен Херст, который недавно разработал обложку альбома Дрейка «Certified Lover Boy», объявил, что превращает ее в 10 000 NFT Ethereum. Согласно Decrypt, те, кто является держателем коллекции The Currency Херста, которая была запущена этим летом, получили новые NFT бесплатно. NFT под названием «Большие надежды» не были выставлены на публичную продажу. Херст объяснил в серии из десяти твитов, почему он так поступил, заявив: «Все, что сделано хорошо — это искусство. При поддержке и благословении Дрейка я создал этот бесплатный подарок на День Благодарения для всех владельцев Currency NFT; он основан на обложке альбома, которую я сделал для Дрейка». Каждая из 10 000 частей NFT соответствует обложке с эмоджи 12 беременных женщин. арт_новости

"Сад в Мурнау II" 1910 г. Василий Кандинский Художественный фонд Мерцбахера, Швейцария. Становление Кандинского-абстракциониста В конце 1904 года Кандинский вместе с Габриель Мюнтер отправляется в многолетнее путешествие (по большей части – по европейским странам), которое повлияло на его дальнейшее творчество и определило направление последующих художественных экспериментов художника. Во время своего странствия Кандинский несколько месяцев прожил в Париже (сам город ему не очень нравился, но они задержались там по настоянию Мюнтер), где познакомился с творчеством Сезанна и фовистов. Их яркие и энергичные полотна оказали существенное влияние на палитру и цветовую насыщенность работ, которые художник начинает создавать после возвращения в Германию. Летом 1909 года Кандинский и Мюнтер отправляются в небольшой городок Мурнау в предгорье Баварских Альп. Эта поездка считается своего рода отправной точкой в становлении Кандинского-абстракциониста. Картина «Сад в Мурнау» была написана Кандинским как раз в этот период. В город они с Габриель приехали по приглашению давних друзей и коллег художника – Алексея Явленского и Марианны Веревкиной. Большую часть времени они проводили вместе, часто работая на пленэре, так что в этот период Кандинский по большей части пишет пейзажи. Но пейзажи эти уже совсем не похожи на ранние работы художника, в них еще чувствуется влияние импрессионистов, но при этом заметно настроение, которое будет отличать его «импрессии», «импровизации» и «композиции». Из этих новых пейзажей, написанных в Мурнау, постепенно уходит объем, меняется перспектива. Кандинский начинает использовать более яркие, густые цвета, но накладывает их очень тонким, местами совсем прозрачным слоем. «Сад в Мурнау» наряду с другими работами этого периода наглядно демонстрирует постепенное движение Кандинского в сторону абстракционизма. Здесь еще вполне различимы предметы и объекты, но их контуры уже максимально размыты, а границы зачастую очень условны. О своих пейзажах, написанных в Мурнау, Кандинский позже говорил: «Меня мало интересовали деревья или дома сами по себе. Накладывая на холст цветные линии и пятна, я хотел заставить предметы петь с той силой, что была известна мне одному». ВасилийКандинский Пейзаж Абстракционизм

​​️Объявлена программа Зальцбургского фестиваля, который пройдёт летом 2022 года. ️Музей Петра Авена в Риге откроется в 2025 году. ️17 декабря в Alina Pinsky Gallery откроется выставка Тима Парщикова ‘Just a Shot Away’. ️В Греции 13-14 декабря пройдут Дни духовной культуры России. В МИД Греции состоится открытие исторической выставки «Россия и Греция - страницы совместной истории», а затем пройдет круглый стол в формате диалога деятелей культуры и историков «Россия и борьба Греции за независимость». ️Эрмитаж приглашает на выставку произведений Альбрехта Дюрера. Выставка приурочена к 550-летию со дня рождения Дюрера. В экспозицию вошли все значительные гравюры мастера, серии «Апокалипсис», «Страсти Христовы», «Жизнь Марии», а также памятники монументальной гравюры, выполненные для императора Максимилиана, – «Триумфальная Арка» и «Триумфальное шествие». Фото: Альбрехт Дюрер. «Апокалипсис. Четыре всадника». Фрагмент. Фото: Государственный Эрмитаж https://telegra.ph/file/9f1c9124de51631b0b4b9.jpg

Гуго Мерле "Сумасшедшая из Этрета" (1871) Эту сцену художник увидел на улице города Этрета. На картине  изображена смуглая девушка, возможно цыганка, коих было полным-полно на улицах Франции в 19 веке. Как видно, она недавно потеряла ребенка, но справиться с этим  не смогла. Горе постепенно обрело безумные черты: в руках у нее полено, завернутое в теплое покрывало и «наряженное» в алый чепец.

"Сад художника в Ветёе" 1881 г. Клод Моне Музей Нортона Саймона, Пасадина. Клод Моне прожил в Ветее 4 года. Он арендовал шестикомнатный дом с фруктовым садом и выходом к Сене всего за 50 франков – и жить в нем должны были 13 человек. У каждого на то были свои причины. Попробуем в них разобраться. Сам Моне и его жена Камилла, к тому времени уже неизлечимо больная, она проживет в Ветее всего год и умрет здесь же. Они искали, где подешевле – и конечно Париж в область их поисков попадал в последние годы все реже. Чем дальше от города – тем проще выжить. С Клодом и Камиллой – двое их сыновей. Еще кухарка, которая тоже долго в этом доме не проживет – платить ей бывало совсем нечем, да и готовить не всегда удавалось. Обитатели этого дома часто сидят без куска хлеба. А кто же остальные жильцы? К семейству Моне в Ветее скоро присоединяется еще одна семья – Эрнест Ошеде с женой Алисой и 6 детьми. И у них свои причины. Ошеде, один из самых первых и верных поклонников живописи импрессионистов, разорился. У него были страшные миллионные долги, заложенное поместье, изрядно раздерганное наследство жены, прогоревшая торговая фирма, коллекция никому пока не нужных картин и шестеро детей. Моне предложил бывшему покровителю жить вместе, хозяйничать, растить кур и кроликов, делить расходы пополам. Его жена Алиса, конечно, соглашается - надо же чем-то кормить детей. Но у нее есть еще одна причина – несколько лет назад у Алисы завязался нешуточный тайный роман с художником, который жил в их поместье месяцами и писал панно и картины по заказу ее мужа. Этим художником был Клод Моне. В 1881 году, когда Моне пишет эту картину, в арендованном доме в Ветее оставалось уже меньше жильцов: умерла Камилла, сбежал Эрнест, ушла кухарка. Алиса стала полноправной хозяйкой, а Моне называют папой уже все восемь детей. Моне перестал участвовать в выставках импрессионистов, а в Салон его картины принимают через раз и размещают где-нибудь у выхода над дверью. Это время, когда Моне в одном из писем пишет: «Так что я совершенно уничтожен, подавлен, о живописи и думать не могу без содрогания, потому что понимаю: мне теперь до конца дней своих суждено прозябать в нищете, не имея никакой надежды на успех…» Бывает, что по несколько месяцев у Моне нет красок, он не может работать, в прачечной Алисе отказываются вернуть выстиранное постельное белье из-за долгов – и приходится спать без белья. Дрова для камина Алиса собирает сама. Крохотную парижскую студию Моне, где хранятся его работы, оплачивает Гюстав Кайботт. Среди редких покупателей картин – те же верные поклонники, что и в предыдущий десяток лет. Они делают, что могут. Этим летом вид на лестницу, ведущую к дому, на цветник с подсолнухами и гладиолусами Моне написал в 4 вариантах. Этот и еще один хранятся сегодня в музеях Америки, еще два – в частных коллекциях. Совсем не удивительно, что в этот беспросветный период Моне пишет одни из самых солнечных и умиротворенных пейзажей. Не удивительно, что изображенные места кажутся раем, а жизнь в доме, к которому ведет утопающая в цветах лестница, должна быть безмятежной и расслабленной. Потому что от отчаянья, голода и бессилия художника всю жизнь спасали одни и те же вещи: солнце, река, цветы и работа. КлодМоне Импрессионизм _history

​Пока все подводят итоги года, мы хотим поделиться нашими планами на 2022 год. 16 января завершает работу выставка «Другие берега. Русское искусство в Нью-Йорке. 1924». Напомним, что в музее действует сеансовая система, и рекомендуем билеты приобретать заранее. • «Авангард: на телеге в XXI век» (3 февраля - 22 мая) Совместно с Ельцин Центром и Энциклопедией русского авангарда представим реконструкцию масштабной экспозиции авангардного искусства, забытой в Вятской губернии сто лет назад. Вы сможете увидеть заново открытые работы Василия Кандинского, Александра Родченко, Николая Фешина, Ивана Клюна, Александры Экстер и других мастеров. На третьем этаже музея расположится интерактивный спецпроект о транспортировке произведений искусства, подготовленный в партнерстве с арт-логистической компанией Fineartway. Вы сможете узнать, почему ящики для перевозки картин могут стоить несколько десятков тысяч рублей и как безопасно транспортировать хрупкую гипсовую скульптуру, картину на холсте или графический лист под стеклом, а также почему перевозка искусства — это тоже искусство. • «Автопортрет и портрет художника» (9 июня - 2 октября) Летом обратимся к жанру портрета, который на рубеже XIX–XX века переживал новый этап развития в русском искусстве. Выставка поможет проследить, как изображает себя сам художник и каким он представляется современникам. В экспозицию войдут работы Ильи Репина, Бориса Кустодиева, Роберта Фалька, Бориса Григорьева, Владимира Татлина и других художников. • Выставка работ Александра Савинова (20 октября - 22 января) Осенью представим персональную выставку Александра Савинова — яркого последователя символистской школы живописи наряду с Кузьмой Петровым-Водкиным, Виктором Борисовым-Мусатовым и Павлом Кузнецовым. Мастер развивал жанр картины-панно: с проработанным рисунком, узорами тканей, цветочными мотивами. Всегда рады видеть вас на наших выставках! Отмечайте в комментариях друзей, с которыми вы планируете к нам прийти в следующем году. другиеберега авангарднателеге портрет_автопортрет https://telegra.ph/file/cf2bbf779e6a2c47a5f1f.jpg

​​️Летний кинотеатр РОСИЗО открывает кинопоказы коротким метром.   Начиная с 10 июня под открытым небом будет демонстрироваться уникальный контент — фильмы, недавно вышедшие в прокат и вызвавшие интерес у публики.   Покажут и ролики победителей конкурса «Миры Тарковского». За расписанием сеансов в летнем кинотеатре можно следить на сайте   Вход бесплатный при регистрации ️Фестиваль креативных индустрий НИУ ВШЭ Telling Stories пройдет в Казани 11 июня.   Посетителей ждут бесплатные лекции, выставка и концерты.   Проект посвящен инновациям, трендам и образованию в сферах кино, новых медиа, игровой индустрии, маркетинга и коммуникаций, искусства, дизайна и моды. Регистрация и программа   ️10 июня на ВДНХ откроется мультимедийная выставка-погружение «Петр Великий. Рождение империи».   ️Шестой международный театральный фестиваль под открытым небом «Толстой» пройдет в музее «Ясная Поляна». Даты будут объявлены позднее.   От автора: Была в «Ясной Поляне» и до сих пор чувствую запах яблок и то впечатление, будто время остановилось. Усадьба у Льва Николаевича необъятна. Невероятно, но музей был основан в 1921 году. А саму усадьбу прадед Льва Толстого князь Сергей Волконский купил в 1763 году. В своем доме Лев Толстой родился и прожил более 50 лет. Именно здесь он написал свои главные труды.   Читала, что Лев Николаевич сам насажал большой яблочный сад: более 7800 деревьев. Софья Толстая писала: «Взглянешь в окно в сад и всякий раз поразишься этим воздушным белым облакам цветов в воздухе, с розовым оттенком местами и со свежим зеленым фоном вдали». Сейчас в яблочном соду можно найти 30 различных сортов яблок. Посмотрите это чудесное видео и навестите «Ясную Поляну» этим летом   Фото: Дом Льва Николаевича Толстого, Предоставлено пресс-службой фестиваля https://telegra.ph/file/db1fccc49e08b32606da6.jpg

Мария Башкирцева страдала о том, что у женщины в жизни всего два пути - выйти замуж или умереть. И умерла. А Луиза Бреслау, с которой Башкирцева вместе училась в парижской Академии Жюлиана, решила по-своему - и замуж не пошла и умирать не поспешила, а прожила сорок лет с художницей Мадлен Зиллхардт. Башикрцева на страницах дневника очень много завидует Бреслау. А Бреслау, кстати, очень даже хорошая! Родилась Мария Луиза Катарина Бреслау в 1856 году в Мюнхене, в семье известного врача гинеколога. Это была вообще-то семья польских евреев, но ассимилировавшая в Германии - вроде как, Луиза Бреслау даже потом откажется использовать свое первое имя - Мария - чтоб подчеркнуть свое еврейское происхождение. Когда будущей художнице было два года, ее отец получил должность профессора и сразу главного врача в Цюрихском университете и семья отправилась в Швейцарию. А в 1866 году доктор Бреслау во время патологоанатомического исследования подцепил стафилококковую инфекцию и резко от нее умер - такие вот были времена суровые. Луиза же всю жизнь страдала от астмы, при том в детстве - особенно остро. Чтоб подлечить астму, Луизу отправили в женскую школу при монастыре на Боденском озере и там, бесконечно гуляя или настолько же бесконечно лежа в кровати, от скуки ли, от печали, Луиза начала рисовать и увлеклась этим делом очень сильно, намного больше, чем требовалось от девушки из приличной семьи. По возвращении из монастыря Бреслау берет частные уроки рисования у швейцарского художника, крепкого академиста Эдуарда Пфайфера, потому что в местные академии и кружки ей вход заказан по признаку пола, и приходит к выводу, что надо ехать в Париж. В Париже, как вы помните, в это время происходит все самое интересное - вспыхивают новые художественные течения, художники бегают туда-сюда и машут руками, в академии Жюлиана додумались до того, чтоб брать в рисовальные классы женщин, Роден обучает их же в своих мастерских аж скульптуре. В общем, хочешь рисовать - действуй, и решительная Бреслау меняет Цюрих на Париж. И обожает его до конца своих дней. В академии, даже по воспоминаниям все той же Башкирцевой, Бреслау была самой сильной студенткой, способной соревноваться с мужчинами - и действительно, в 1879 году именно она становится единственной студенткой академии Жюлиана, чьи работы дебютируют на Парижском салоне. Этот дебют принес художнице известность и она стала довольно популярной портретисткой - Бреслау открыла собственный салон, стала завсегдатаем Салона парижского, получала там медали и любовь публики, а потом - заказы от состоятельных парижан и тоже любовь. Столько любви, что в итоге она стала третьей женщиной в истории и первой иностранкой, получившей орден Почетного легиона. Во время учебы Бреслау обрела несколько верных подруг, с которыми общалась всю жизнь. А еще познакомилась там с Мадлен Зиллхардт (ее портрет за утренним туалетом, очень нежный, я добавлю первым в подборку ниже). Мадлен стала главной моделью Луизы, ее музой, другом, доверенным лицом. Часто на картинах Бреслау, которые не портреты, а изображения “подруг” - Зиллхардт как-нибудь красиво лежит или сидит. Во время Первой мировой войны у Бреслау была возможность спрятаться в Швейцарии, но она осталась в Париже и писала портреты солдат и медсестер, а после войны отправилась вести замкнутую и тихую жизнь в своем поместье напару с Мадлен, писала цветочки в своем саду и радовалась (надеюсь) жизни. После смерти Бреслау в 1927 году Мадлен Зиллхардт унаследовала ее поместье и рисунки, которые передала в музей изящных искусств в Дижоне.

"Весна" 1920-е Михаил Ларионов Собрание А. К. Томилиной-Ларионовой, Париж/ 1920 год. Ларионов уже живет в Париже, уже понимает, что в ближайшее время о возвращении в Россию думать не приходится. Эпоха отрицания авторитетов, эпатажа, скандалов и отмены изобразительности в угоду лучам – основе созданного им лучизма – остались в прошлом. Доказав себе и миру, что искусство может изображать не события и персонажей, а абстракции, быть беспредметным, Ларинов позволяет себе вернуться к фигуративной живописи. Но, удивительное дело, именно теперь его картины обрели особую бесплотность. На картине «Весна» две женщины и ребенок изображены в саду. Впрочем, хочется сказать, что женские и детский силуэты изображены в образе сада. Цвета блеклые, полупрозрачные, размытые. Картины позднего Ларионова – словно послесловия изображений. Пейзаж – будто сон о пейзаже, а обнаженная женщина – только возможность воплощения в человеческой форме. Эти весенние женщины полуобнажены или облачены в прозрачные платья? Скорее, перед нами лишь намек на них, на призрачную возможность существования этих девушек то ли в саду, то ли во сне. Юрий Анненков о работах Ларионова этого периода пишет: «Его обнажённые женщины только начальная ступень человеческих форм, только предисловие к ним; его девушки в саду лишь намёки на девушек в призраках сада; случайные совпадения мазков похожи на платья каких-то вчера или третьего дня припомнившихся и снова забытых лет, и краски монохромны и бесцветны, как сон». В Париже Ларионов всерьез занялся хореографическими постановками – кстати, невесомые одежды девушек вызывают ассоциации с балетными юбками. Возможно, его увлечение балетом наложило свой отпечаток и придало изображению такую музыкальность, превращающую зрителя в слушателя? Пожалуй, это и есть главная загадка позднего Ларионова. МихаилЛарионов _history

Статуя, купленная на садовой распродаже всего за 7500 долларов, оказалась давно утерянной работой Кановы Теперь она может принести 10,5 миллионов. Двадцать лет назад сильно обветренная, измазанная и потемневшая скульптура неизвестного художника была продана за 5200 фунтов стерлингов (7540 долларов США) на аукционе садовых скульптур в Сассексе, Англия. Она был идентифицирован только как белая мраморная фигура молодой женщины. Прошлым летом та самая скульптура, восстановленная до первоначального белого цвета, произвел фурор! Оказалось, это давно утерянная работа итальянского мастера Антонио Кановы. Теперь ее продадут на аукционе Christie's в Лондоне по цене от 5 до 8 миллионов фунтов стерлингов (от 6,5 до 10,5 миллионов долларов), как раз к двухсотлетию со дня смерти художника.

Валентин Серов "Окно" (1886) С августа 1884 года Серов гостит у Мамонтовых в Абрамцеве, а Ольга Трубникова, его возлюбленная, проводит лето в Псковской губернии. Они встретятся после долгой разлуки только летом 1886-го. Ольга приедет из Одессы в деревню Едимоново. И Валентин Серов задумает написать ее у окна. Эта небольшая картина – этюд к будущему портрету. Самой девушки на полотне еще нет. Но картина пропитана радостью предвкушения встречи с любимой. «Все, что я добивался, это той особой свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах», – говорил Серов.

​​Супер новость! Сегодня в продажу поступил «Туристический билет» — комплексный билет, который позволяет в течение 7 дней с даты покупки посетить постоянную экспозицию Третьяковской галереи «Шедевры русского искусства XI — начала XX  века» в Лаврушинском переулке и экспозицию «Искусство ХХ века» в Новой Третьяковке в удобное для вас время. «Туристический билет» позволит избежать очередей на покупку билетов в кассах музея и заранее спланировать визит. Фото: З.Е. Серебрякова. За туалетом. Автопортрет. 1909. ГТГ https://telegra.ph/file/d93b698bec9a3cd15699a.jpg

Выставки Еврейского музея и центра толерантности Летом в Еврейском музее открылись две выставки — персональный проект «Разгуляй. Прощание» Семёна Файбисовича и фотовыставка «Чувство дома». Ядро экспозиции «Разгуляй. Прощание» составляют произведения из цикла «Ночной Разгуляй», ставшего последним живописным циклом Файбисовича, посвященным новой Москве и новой России. Картины из серии экспонируются впервые до 23 сентября 2022 года. Билеты: https://bit.ly/3zP9R3O Проект «Чувство дома» представляет работы фотографов Димы Жарова, Ольги Изаксон, Марины Меркуловой, Дарьи Назаровой, Юлии Невской, Владислава Некрасова, Станиславы Новгородцевой, Владимира Севриновского, Фёдора Телкова, Юрия Фокина, Станислава Чекмаева, Анастасии Яковицкой. Семнадцать фотоисторий выставки «Чувство дома» переносят зрителей в разные точки России: от Финского залива до Биробиджана, от полуострова Таймыр до Северной Осетии. Выставка работает до 30 октября 2022 года. Билеты: https://bit.ly/3JppIth

Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history https://t.me/pic_history2/134

Уже окончательно поселившись в Эксе, Сезанн сосредоточенно высматривает живописную истину в горе Святой Виктории и терпеливо раскладывает спелые яблоки в драматическую композицию, усаживает садовника или местных крестьян долго позировать. Часами он ищет в наблюдаемых предметах и людях проявления внутренней жизни. Но для купальщиков художник достает из старой папки юношеские зарисовки обнаженной натуры - и этих давних наблюдений и рисунков ему хватает. На вопросы молодых художников, почему же он не пользуется услугами натурщиц, Сезанн улыбается: он слишком стар, чтобы раздевать женщин. Он компонует фигуры на каждом новом холсте, как архитектор создавал бы план современного здания, используя студенческие штудии отдельных строительных элементов. Сцена купания - чуть ли не единственная, которую Сезанн писал не с натуры, а из головы. И единственная, которая много значила для художника лично, связывала его с самыми ценными воспоминаниями юности. Тринадцатилетний Поль, ученик коллежа Бурбон в Эксе, был единственным школяром, который не стал издеваться над тощим, бедным, испуганным новеньким. Новенького, который приехал в Экс из Парижа, обзывали и колотили. Поль с ним поговорил и сдружился. Новенького звали Эмиль Золя. Началась долгая, книжная, мушкетерская, полная приключений и дурачеств, дружба. Они читали стихи, грезили о славе и серенадах под окнами возлюбленных, о будущей безбедной и честной жизни. А пока целыми днями бродили по лесам и горам. Их называли неразлучными. В книге воспоминаний Эмиль Золя рассказывал об этом времени: «Летом мы все время проводили у реки, чуть ли не жили там – купание было нашей страстью: мы целыми днями плескались в воде и выходили на берег лишь для того, чтобы поваляться на мягком горячем песке». Самые ценные свои детские воспоминания Сезанн всю взрослую жизнь собирает в картины, подчиненные строгой композиционной логике, выращивает их заново. Ренуар говорил, что в живописи Сезанна «есть что-то аналогичное фрескам Помпей, таким архаичным и таким великолепным». С «Купальщиками» эта аналогия работает лучше всего. Ритмично чередуя стоящих и сидящих купальщиков, замыкая в ровный треугольник вытянутые фигуры купальщиц, Сезанн стремился создать новое искусство, которое могло бы стать современной классикой, занять место на стенах Лувра рядом со старыми мастерами. И мужские безликие фигуры в картинах с купальщиками еще надежней, чем женские, возрождают античную мощь, уверенную заземленность и в то же время растворенную в окружающем пейзаже божественность. _history ПольСезанн Постимпрессионизм

В честь 150-летия со дня рождения выдающегося оперного певца, Федора Ивановича Шаляпина, в течение всего 2023 года проводятся концерты, фестивали, выставки, презентации изданий и творческие встречи, посвященные артисту. Весной в Шереметевском дворце в Санкт-Петербурге открылась выставка «Царь Федор», летом проводится Шаляпин-фест: масштабный спектакль-променад, путешествие по шаляпинским местам с посещением всех пяти филиалов Музея театрального и музыкального искусства. В московском Музее-усадьбе Ф. И. Шаляпина (филиал Российского национального музея музыки) проходит выставка, посвященная певцу, где представлены экспонаты из Дома-музея Шаляпина на ул. Графтио: живописные полотна, рисунки и скульптура из коллекции артиста, работы крупнейших художников К. Коровина, Б. Кустодиева, Б. Григорьева, И. Бродского, В. Серова, В. Васнецова, подлинные мемориальные вещи. Особое место в экспозиции занимают рисунки и скульптуры, созданные самим Шаляпиным. Они рассказывают о нем не только как о музыканте, но и как о художнике. В Москве, в ресторане "Савой", состоялось светское образовательное мероприятие "Шаляпин. Элегия любви", организатором которого выступил европейский ювелирный дом StyleAvenue. Арт-партнером вечера стала художница Евгения Егоркина, представившая свои картины, на создание которых её вдохновили музыкальные произведения Шаляпина. Мазки красок в авторской технике Евгении льются как песня, пленяя своей красотой. Сочетание живописных чарующих образов на картинах художницы, сияние ювелирных украшений из уникальных авторских коллекций бутика StyleAvenue, исполнение произведений Шаляпина оперными артистами, увлекательная лекция о любви и творчестве певца создали неповторимую атмосферу вечера.

​​В Тверь летом на Старых мастеров: ️17 мая в оранжерее Тверского императорского дворца  откроется выставка Старые мастера западноевропейского искусства XV-XVII веков. ️В Туве пройдет первый Евразийский фестиваль колыбельной культуры. ️Музей музыки и Музей музыкальной культуры Азербайджана откроют совместные выставки. ️Впервые в России будет создан Музей детского и кукольного театров. ️С 22 по 25 мая в Гостином дворе пройдёт АРХ МОСКВА. АРХ МОСКВА – это более 200 участников, более 10 кураторских и специальных проектов и более 200 мероприятий деловой программы в течение четверых дней Вход свободный по регистрации https://telegra.ph/file/e81e148648a69db12eb8b.jpg

Зима Шишкина Что олицетворяет зиму лучше, чем заснеженный лес? Вот и Шишкин тоже думал, что лучшего образа этого времени года не найти Поэтому вашему вниманию картина Ивана Шишкина, которая называется «Зима». Написана она была в 1890м году. Теперь давайте к интересным деталям. За что мы любим Шишкина? За детали и поразительную четкость, с которой он прописывает каждый элемент на своих картинах. Как у него это получалось? Летом Шишкин работал на природе, иначе говоря, на пленэре. А вот зимой на пленэре не поработаешь … холодно Поэтому художник освоил фотографии! Ходил зимой на прогулку, делал фотофиксацию пейзажа, а потом работал с проявленными негативами в мастерской. Что еще сильно впечатляет на этой картине - это мастерски прописанный снег ️ если приглядитесь, то он очень разный. И еще интересный момент! Птичка! Слева от центра картины можете увидеть дерево. Вот там на ветке сидит Сразу ее зритель обычно не замечает, но! Это очень важная точка на картине, которая фиксирует наш взгляд и оживляет произведение. P. S. В закрытом клубе на лекциях, когда разбираем пейзажи художников, всегда обращаем на такие детали внимание PROинтересныефакты PROшишкин