"Лосиный остров в Сокольниках" 1869 г. Алексей Кондратьевич...

Архип Куинджи - На острове Валаам, 1873

Поль Гоген – первый дауншифтер Первые 7 лет он жил на родине матери в Перу. Яркие воспоминания о тех райских краях Гоген сохранил на всю жизнь. Чтобы дать сыну достойное образование, семья переехала во Францию. Поль выучился, женился и стал работать биржевым брокером. У пары родилось пятеро детей. Семья Гоген занимала две комфортабельные квартиры, где было место и для мастерской художника. Как многие люди его круга, Поль коллекционировал работы художников и стал писать сам. Именно в эти моменты он чувствовал себя счастливым. В конце концов, он оставил работу. Денег кончились, жена ушла, забрав детей. И Поль отправляется туда, где он был счастлив – в дальние экзотические страны из своего детства. Сначала на остров Мартиника, потом в Панаму. Потом едет к Ван Гогу в Арль. Пребывание кончилось ссорой и историей с ухом. Наконец, сбегая от цивилизации, которую считал «болезнью» Поль Гоген уезжает в Океанию: сначала на остров Таити, а затем на остров Хива-Оа, где он напишет лучшие свои работы.

"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума, если бы не закончил эту серию из 20 полотен. Это была настоящая одержимость, которую у него могли вызвать только деревья, кувшинки, стога или цветы. Он часто совершал невероятные поступки, чтобы сохранить в нужном ему виде объект своей одержимости: платил крестьянину, чтобы тот весной оборвал листья на дубе в соответствии с первоначальным зимним эскизом, мостил дорогу рядом со своим домом, чтобы пыль не оседала на его цветах, выкупал стога сена, когда их собирались убирать с поля, устраивал эффектный спектакль для директора вокзала, чтобы тот задержал отправку поезда и обеспечил необходимое количество дыма на перроне. Над серией «Тополя» Моне работал всю весну и лето 1891 года, для чего выкупил островок Крапивный, с которого открывался нужный ему вид. Он грузил на тележку штук 20 – 30 холстов, вез их к месту лучшей точки зрения и работал над каждым из них в разное время суток. Иногда освещение менялось так быстро, что некоторые состояния длились всего минут 7. Когда солнце перемещалось, художник быстро искал среди уже начатых работ нужную, чтобы успеть оставить на ней несколько необходимых цветовых акцентов или поменять полностью. Моне сам изобрел этот метод и сам же переживал с ним самые отчаянные моменты творческого бессилия. Однажды он в ярости швырнул в воду и холст, который долго не находился, и краски с кистями. Ушел. Вернулся. Полез в реку доставать хотя бы кисти и краски. Как-то утром, прикатив к острову свою тележку с будущими шедеврами, Моне обнаружил, что тополя пометили для вырубки. Конечно, он заплатил, чтобы их не рубили, пока серия не будет окончена. Это самая «шумная» серия Моне. И в «Стогах», и в «Руанском соборе» от одной картины к другой меняется освещение, меняется плотность воздуха и цвет каменной кладки или поля. А тополя прекрасны еще и своей податливостью ветру – они шелестят листьями и скрипят старыми стволами в каждый схваченный момент. Сила ветра или отражение деревьев в реке – это новые измерения, в которых Моне заставляет меняться свои тополя. Художник всегда мечтал, чтобы его серии оставались единым целым, занимая целую стену в музее или в частной коллекции. Ему был очень ценен этот эффект прожитого в одном музейном зале светового дня. Ни одна из серий Клода Моне, за исключением «Кувшинок», для которых он сам придумал специальный музей, не собрана в одном месте. Даже в салоне Поля Дюран-Рюэля «Тополя» не задержались надолго и были распроданы, а сейчас они по всему миру – от Нью-Йорка до Токио. За эту же картину в 2011 на аукционе Кристис неизвестный американец заплатил 22,5 млн. долларов. КлодМоне Импрессионизм _history

Жак Луи Давид так здорово писал портреты Наполеона, что тот назначил его своим личным придворным художником. Должность хорошая, но к ней прилагалось одно небольшое условие - запрет на частные заказы. И действительно, зачем тебе писать еще кого-то, если тебе позволено писать целого Наполеона! Только вот заказы от Наполеона случались не так часто, как хотелось бы художнику и поэтому он втихушку иногда соглашался исполнить что-нибудь налево. Князь Николай Борисович Юсупов был ценителем и коллекционером живописи,а особо ему по душе приходился неоклассицизм, видным представителем которого и был Давид. Юсупов был личным консультантом по вопросам покупки произведений искусства Екатерины II и Павла I, был дружен с Ангеликой Кауфман, Помпео Батони, Антуаном-Жаном Гро и многими другими маститыми и популярными художниками своего времени. Он-то и смог убедить Давида написать для него картину, посулил огромные деньги и даже позволил художнику самостоятельно выбрать сюжет. А тот и выбрал. Это картина о том, как влюбленная древнегреческая поэтесса Сафо млеет от любви к прекрасному юному лодочнику Фаону. Однажды Фаон перевозил саму Афродиту на остров Лесбос и не взял с нее платы, за что Афродита наградила его сосудом с благовониями, имевшим чудесную силу - все женщины отныне влюблялись в прекрасного юношу. Не устояла и уже немолодая Сафо, но юноша отверг ее любовь и Сафо разбежавшись, прыгнула с Левкадийской скалы. Вероятно, эту знаменитую скалу мы и видим на картине вдалеке. Амур зажигает огонь любви, Фаон стоит ужасно самодовольный, а то, что вы видите на лице у Сафо - это вдохновение, переходящее в любовный экстаз. На коленях у нее свиток, на котором она на древнегреческом выводит первые строки одной из своих од, а над ними написано “посвящение Фаону”. Правда, в оригинале никакого посвящения Фаону нету, да и сам этот Фаон ни разу в ее лирике не встречается и считается, что эту ее последнюю трагическую любовь придумали более поздние авторы, которые на тему влюбленности Сафо в лодочника периодически сочиняли комедии, а стихи ее, как известно, и вовсе обращены к женщинам. Вот перевод полного текста оды от Гавриила Державина: Счастлив, подобится в блаженстве тот богам, Кто близ тебя сидит и по тебе вздыхает, С тобой беседует, тебе внимает сам И сладкою твоей улыбкой тайно тает. Я чувствую тот миг, когда тебя с ним зрю, Тончайший огнь и мраз, из жил текущий в жилы; В восторгах сладостных вся млею, вся горю. Ни слов не нахожу, ни голоса, ни силы. Густая темна мгла мой взор объемлет вкруг, Не слышу ничего, не вижу и не знаю; В оцепенении едва дышу — и вдруг, Лишенна чувств, дрожу, бледнею,— умираю. В общем, картину Давид успешно написал, передал Юсупову и она уехала в Санкт-Петербург. Там и живет поныне - можно пойти поглазеть на бленеющую-умирающую Сафо в Эрмитаже.

В индонезийской пещере обнаружены старейшие в мире произведения искусства В пещерах на острове Сулавеси в Индонезии археологи обнаружили древнейшие наскальные рисунки. Радиоуглеродный метод датирования определяет возраст этих рисунков приблизительно в 40 тыс. лет. Среди петроглифов* в пещерах Сулавеси археологи выделяют рисунки диких копытных животных и трафаретные рисунки рук, сделанные путем выдувания краски вокруг прижатой к скале кисти. Находка в Индонезии говорит как о том, что искусство развивалось параллельно сразу в нескольких частях света, так и о том, что оно зародилось десятки тысяч лет назад. Исследователи точно не знают, что обозначают эти отпечатки рук. Возможно, это своеобразная подпись автора, а может, ранние признаки мистицизма. *Петро́глифы — выбитые или нанесённые краской изображения на каменной основе.

Родилась Элин Клеопатра в 1861 году в финской деревне Ноормаркку. Ее отец занимался сельским хозяйством и детство Элин провела на ферме своей семьи, но в 1866 году случился неурожай и голод, ферма разорилась, ее пришлось продать и отец художницы застрелился, а мать осталась с двумя дочерьми. Элин с детства страстно интересовалась рисованием и поэтому в пятнадцать лет она отправилась в Хельсинки, где жили ее тетя и дядя, чтоб учиться в школе искусств. Одновременно она стала подрабатывать росписью фарфора и ходить на курсы в академию Адольфа фон Беккера, где научилась писать маслом. А, собственно, фон Беккер, который основал первую школу живописи в Финляндии и вообще был другом и учеником Густава Курбе, Элин выделял из своих учеников и даже купил у нее несколько картин, что художницу очень вдохновило. В 1880 году случилась ее первая выставка и в том же году она получила диплом учителя рисования и потом даже преподавала рисунок в разных школах по всей Финляндии. Кстати, представительницы небольшого художественного сестринства все были учителями рисования и благодаря их работе выросло потом еще одно поколение отличных художников. Вообще, в те времена получить степень педагога для художника часто было выгоднее, чем просто называться художником - так можно было меньше беспокоиться за свою финансовую независимость. В 1883 году художница отправилась в Париж чтоб продолжать учебу, поработала там в мастерской Огюста Родена, слушала лекции заслуженных художников, училась и тусовалась, как все нормальные художницы в Париже в те годы. Потом Даниэльсон-Гамбоджи ездила на пленэры в Бретань, вернулась в родную деревню Ноормаркку, открыла там студию и занялась преподаванием, каждое лето отправлялась в гости в колонию художников Эннингебю, которую устроил на Аландских островах пейзажист Виктор Вестерхольм. В 1895 году году Элин получила стипендию на обучение во Флоренции и путешествие по Италии, в результате которого она в тридцать шесть лет познакомилась со своим мужем, Рафаэлло Гамбоджи. Он тоже был художником, был моложе Элин на тринадцать лет и сначала у них была продуктивная совместная работа и они открывали вместе свои выставки по всей Европе и явно неплохо влияли друг на друга. А потом супружеская жизнь как-то не заладилась и муж решил уйти к подруге Элин, а затем надолго попал в психиатрическую лечебницу. Во время Первой мировой войны Элин осталась в Италии и потеряла возможность ездить на родину. В 1919 году она заболела пневмонией и умерла в итальянской коммуне Антиньяно. Ее на какое-то время позабыли в Финляндии, но сейчас она считается одной из главных представительниц того самого золотого века финского искусства.

"Похороны сардинки" 1810-е Франсиско Гойя Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо, Мадрид. Франсиско Гойя – специалист по жутким историям и непростым для понимания сюжетам. Его «Капричос» даже сопровождались подписями, без которых сложно, а иногда и совсем невозможно понять замысел Гойи. Но картина, о которой пойдёт речь, не вписывается в этот ряд персональных фантазий Гойи. «Похороны сардинки» – это не произвол авторской фантазии, а реально существовавший в Испании ритуал с лёгким привкусом абсурда. Зачем испанцам хоронить сардину? В пепельную среду – день, предшествующий началу Великого Поста, жители Мадрида и других городов Испании, а также испанских колоний в Латинской Америке, шумной толпой высыпали на улицы. Многолюдная процессия несла впереди себя большую рыбу (сделанную из подручных материалов). Со всех сторон раздавались притворные рыдания и громкий потешный плач. Ближе всех к безвременно почившей рыбе располагались громко стенающие «вдовы» с черными усами – группа ряженых испанских мужчин. Все идущие изображали безутешную скорбь, неизбежно переходящую в народные гуляния с песнями и плясками. Задача похорон сардины та же, что у любого карнавала: повеселиться и покуражиться так, чтобы хватило на все семь недель предстоящего поста. В конце праздника чучело рыбы сжигали (совсем как чучело Масленицы во время аналогичного праздника), а пепел бросали в воду. В наше время этот обычай с соблюдением всех установленных ритуалов лучше всего сохранился на острове Тенерифе – самом большом из островов Канарского Архипелага, бывшей испанской колонии. Пиренейские конквистадоры в XVI веке экспортировали на Тенерифе из Испании не только грипп и оспу, но также католическую религию и сопутствующие ей ритуалы вроде потешных похорон мёртвой рыбы, нашедших отражение в известной картине Франсиско Гойи. Версии происхождения «Похорон сардинки» Похороны мёртвой рыбы бессмысленны только на взгляд рационалиста. Но в карнавальном сознании, переворачивающем мир вверх ногами и предпочитающем порядку – весёлый хаос, ничего невозможного не существует. По одной из версий, похороны сардины – это трансформация другого карнавального ритуала, еще более древнего. Когда-то в Испании накануне поста принято было погребать специально для этой цели заколотого поросёнка. Название такого жертвоприношения – cerdna – было созвучно слову «сардина», так что со временем и хоронить стали её: чем абсурднее, тем веселее! Другая версия приурочивает ритуал как раз к эпохе Гойи: якобы при короле Карлосе III, первом покровителе художника, народ во время карнавала угостили протухшими сардинками. Но угощение сопровождалось таким количеством вина, что подданные Карлоса III не обиделись, а решили учредить торжественные похороны безвременно усопшей рыбы. Место картины в творчестве Франсиско Гойи Фред Лихт, специалист по творчеству Гойи, пишет: «Похороны сардинки» – одно из самых удивительных и виртуозных из дошедших до нас произведений кисти Гойи. Редко кто достигал такой решительности и смелости мазка. Каждый мазок является каллиграфическим чудом и в то же время с виртуозной точность живописует выражения лиц и эмоциональный заряд каждой позы или жеста. Глядя на картину, мы оказываемся где-то посередине, в идеальной точке равновесия между гобеленами Гойи и его «черными картинами». Буйное народное веселье первых постепенно сменяется тревожностью последних. В потемнении колорита, в неоднозначной маске на стяге и особенно в избыточности жестов и движений зритель начинает смутно ощущать беспокоящий подтекст массовой истерии, лежащей в основе фиесты». ФрансискоГойя Романтизм _history

Предположительно, в 1445 году португальский художник Нуну Гонсалвеш написал здоровенный полиптих, который называют Алтарем святого Винсента. Нуну Гонсалвеш - ужасно загадочная личность. Не известно ни когда он родился, ни когда умер, и не слишком понятно где он выучился рисовать, потому что в пятнадцатом веке в Португалии он был такой вот один - ни до него, ни одновременно с ним, на даже долго после в Португалии таких мощных живописцев не было. Ну вот разве что известно, что в 1428 году в Португалию приехал Ян ван Эйк в качестве участника посольства, что прибыло сватать Изабеллу Португальскую за Филиппа Доброго, и затусил в Лиссабоне на целый год. Но успел ли он поучить Гонсалвеша чему-нибудь или хотя бы был ли с ним знаком - об этом можно только гадать. Известно, что Гонсалвеш между 1450 и 1472 годами был придворным художником. Про него почти позабыли, настолько, даже считали вымышленным персонажем. Упоминания его эпичного полиптиха в исторических хрониках остались - в трактатах шестнадцатого века его описывали как картину, созданную для часовни Святого Винсента в Лиссабоне, но считалось, что если такая работа и существовала, то точно давным давно погибла - то ли во время Иберийской унии, когда Габсбурги набежали на Пиренейский полуостров и им не понравилось, что на картине изображены члены королевской семьи, но не той; то ли дело было во время Великого лиссабонского землетрясения, когда вообще погибло все подряд, от королевских дворцов, музеев, библиотек и трети населения Лиссабона до португальских колониальных амбиций. В общем, стала история про какую-то здоровенную и очень классную картину постепенно забывающейся сказкой и так было до тех пор, пока в 1882 году вдруг ее не нашли случайно в хранилище монастыря Сан Висенте де Фора. Вообще, конечно, эта находка поразила всех. Было не совсем понятно чего это нашли, но то что это невероятный шедевр было ясно всем и сразу. Исследователи бросились разбираться и, собственно, пришли к выводу, что вот он, легендарный алтарь Нуну Гонсалвеша. К слову, больше никаких его картин до нас не дошло. Иногда щекастенький портрет Жуаны Португальской еще приписывают кисти Гонсалвеша, но, вроде уже договорились, что его, скорее всего, написал какой-то неизвестный ученик художника. На пяти створках высотой 2,2 метра изображены вообще все. За створками закрепились названия (слева направо) - Монахи, Рыбаки, Инфант, Архиепископ, Рыцари и Реликвия. Инфант и Архиепископ шириной 128 сантиметров, все остальные - по 64 см, написано все это темперой и маслом на дубовых панелях. Имя, под которым нынче картина известна, дал ей в 1910 году португальский исследователь Жозе де Фигейреду, который, собственно, предположил, что тут все поклоняются Святому Винсенту и все понятно. Фигейреду написал о картине огромный подробный труд и был проделанной работой очень доволен. Но через пятнадцать лет в обсуждение ворвался другой исследователь, Жозе Сарайва, и заявил, что Фигейреду не прав и на самом деле главный во всей тусовке на панно - дон Фернанду, святой инфант. Фернанду был шестым сыном короля Жуана I, с детства религиозным и кротким юношей, которого за его такую кротость Папа Римский даже сделала кардиналом. В 35 лет Фернанду и его братья отправились в Северную Африку и попытались захватить Танжер, а в итоге нарвались на превосходящие силы противников и Фернанду попал в плен к злым маврам. Там его обижали, отказывались менять на других заложников, отправили в итоге работать рабом в конюшни, где он заболел и умер. Поэтому его в 1470 году причислили к святым. И вот, Жозе Сарайва настаивал на том, что на полиптихе юноша в черном, который стоит перед святым преклонив колено - это главный персонаж всего повествования, Святой Фернанду, покровитель Лиссабона, и его чествование всеми-всеми, включая и Святого Винсента, который его принимает где-то, вероятно даже в раю.

Антон Иванов-Голубой (1818-1863) «Остров Валаам при закате солнца» 1845 холст, масло. 60х88 см Государственная Третьяковская галерея, Москва антон_иванов_голубой

Сюжет картины, вероятно, связан с фельетоном, опубликованным в журнале «Современник». Анонимный автор, а на самом деле писатель И.А. Гончаров, иронически описывал жизнь светских «львов»: ради внешнего лоска и щегольского вида они были готовы «два месяца дурно обедать». Слово «аристократ» в названии произведения Федотова создает противоречие – очевидно, что молодой человек не имеет отношения к аристократии. Художественное решение картины строится на контрасте. На небольшом прямоугольном холсте – тщательно выписанная обстановка комнаты. Ковер с восточным орнаментом, модное в середине XIX века «стеганое» кресло, зеленые обои с рисунком, гравюры с изображением балерин романтической эпохи, бюст Ференца Листа подчеркивают принадлежность героя к светскому обществу Санкт-Петербурга. Показное щегольство героя проявляется и в его наряде в популярном восточном стиле (халат с кистями, шапочка с бухарским орнаментом, шаровары и туфли-бабуши), и в модной стрижке пуделя, и в намеренно оставленных на виду афишах, в том числе с рекламой устриц. В то же время на столе можно заметить вывернутый наизнанку пустой кошелек и кусок ржаного хлеба, которым завтракает герой (именно его он в спешке прикрывает книгой). Театральность композиции – в пойманном художником моменте: на заднем плане рука незваного гостя в палевой перчатке уже отодвигает занавеску, отгораживающую вход в комнату; щеголь в спешке дожевывает хлеб; пудель лает на входящего. Острота сюжета, изысканная живопись в зелено-красной цветовой гамме, напоминающей произведения Карла Брюллова, выписанная фактура предметов – все это способствовало успеху картины Федотова, сравнимому с успехом пьес Островского и, в частности, комедии «Свои люди – сочтемся», опубликованной в то же время.

Константин Горбатов (1876-1945) «Вид на остров Капри» 1924 холст, масло. Частное собрание константин_горбатов

"Осеннее утро в Эраньи" 1897 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. Камиль Писсарро был евреем и убежденным анархистом - читал революционные философские трактаты и учил детей внутренней свободе. Он отстаивал эмансипацию и социальное равенство. Его жизненные и политические взгляды однажды приняли отчетливые формы - и стали нерушимой внутренней основой до конца жизни. Он считал абсолютным злом капитализм, «ужасы нелепой цивилизации», банковские спекуляции и коммерцию. Уверенного, цельного, нерушимого Писсарро не меняли ни слава, ни деньги. Он купил дом в деревушке Эраньи - и растил там яблоневые деревья и овощи на грядках. Цветов совсем немного - только на небольшой клумбе под окном дома. Один критик заметил, что «кисть Писсарро похожа на лопату, которая с болезненным усилием ворочает землю». Такая уничижительная крестьянская метафора, направленная против Писсарро, делает честь критику - он смог найти образ, близкий художнику больше всего. Дикий, загорелый уроженец Антильский островов, Писсарро, обосновавшись во Франции, становится не столичным обитателем богемного Монмартра, а крестьянином, которого земля кормит. И буквально - не давая умереть от голода и вырастить детей, и на уровне образов и мотивов - ежедневно щедро одаривая летними рассветными солнечными пятнами, хрустящим инеем, ровными бороздами после вспашки, осенними листьями, прозрачными зимними сухими травами. Он буквально пишет то, что под ногами. При этом Писсарро не прост и не наивен, его называли учителем Поль Гоген и Поль Сезанн, те художники, которые определили все современное искусство. Самоучка Писсарро, не получивший академического образования, охотно учит молодых художников, в которых часто только он один и верит. Он делится идеями и опытом, формулирует в разговорах и письмах идеи импрессионизма так, что он действительно начинает превращаться в идейное художественное движение с понятными целями. «Изображайте сущность вещей, пытайтесь выразить ее любыми средствами, не думая о технике», - записал слова Писсарро один из его учеников Луи Ле Байль. Сезанн, уехавший жить отшельником и постигать суть прованских сосен, гор и крестьян, лучше всех усвоил эти уроки. А Писсарро оставался в Эраньи до конца жизни, не поменяв привычек и жизненного уклада даже в те времена, когда его картины раскупались в частные коллекции прямо на персональных выставках. Писсарро врос в деревенскую землю Эраньи и не сомневался в надежности и неисчерпаемой силе своего места обитания. Писатель Октав Мирбо сказал однажды о тихом гении художника: «Глаз художника, как и ум мыслителя, обнаруживает более важные аспекты вещей, их целостность и единство. Даже когда он рисует фигуры в сценах деревенской жизни, человека он всегда видит в общей земной гармонии, как человеческое растение. Чтобы описать драму земли и тронуть наши сердца, месье Писсарро не нуждается в неистовых жестах, сложных арабесках и зловещих ветвях на фоне ясного неба». КамильПиссарро Пейзаж Импрессионизм _history

«Последние лучи лета» 1922 «Вид на остров Капри» 1924 «Портрет молодой женщины» 1925 «За окном» 1925 «Итальянский садовник» 1926 «Парусники в море» 1929 «Заснеженный город» конец 1920-х - 1930-е «Подсолнухи» 1933 «У озера» 1933 «Капри» 1943 константин_горбатов

Константин Сомов (1869-1939) «Остров любви» 1900 холст, масло. 62х81 см Государственная Третьяковская галерея, Москва константин_сомов

Мир красоты и покоя. Необычные картины рисует художник-самоучка из Калифорнии. Эштон Ховард родился в 1979 году. Профессионально занимается живописью стал с 2002 года. В 2005 году Ховард создал уникальную серию картин. Они написаны с большим настроением и полны таинственности. Тропические пейзажи, выступающие из воды скалы, экзотические острова – это его любимые сюжеты. Художник стремится передать настроение, которое навевает поздний вечер или раннее утро, ощущение тишины, время спокойного размышления, чувство одиночества, которое испытываешь наедине с океаном. Работы Эштона Ховарда можно встретить в наиболее престижных галереях Калифорнийского побережья и по всей Америке.

Карл Эмануэл Янссон - шведско-финский художник с Аландских островов. Он родился в 1846 году в городе Финстрём, столице архипелага, в которой тогда жило примерно две тысячи человек, а население всех островов вместе было не больше двадцати тысяч. Отец Карла был фермером, сам же Карл год провел в ученичестве у сапожника, потом подался в маляры, а вот страсть к рисованию ему привил местный приходской художник, который, за одно, обучал юношу грамоте. В 13 лет пришел первый успех - рисунки Карла приметил викарий Франц фон Кнорринг и решил отправить их в недавно появившееся Финское художественное общество, сопроводив рекомендательным письмом, и это имело успех - Янссон получил стипендию на обучение в рисовальной школе “для юных гениев” в Турку. Про гениев и не шутка вовсе - у нас же как раз в это время был тот самый Золотой век финского искусства и живопись стала буквально одним из краеугольных камней, на которых строилось новое национальное самосознание финнов, поэтому вкладывать в художников деньги, время, силы и любовь считалось делом ну очень сильно важным. Поэтому покровителем Янссона стал уже именитый маcтер, Роберт Вильгельм Экман, который помог юноше с жильем и красками. Дальше Янссона ждали сначала в Шведской, а потом в Дюссельдорфской академии художеств, где он учился, не забывая родные острова и постоянно туда приезжая. Начались первые премии, не за горами было настоящее признание, как вдруг в 1872 году у художника обнаружили туберкулез. Стремясь избавиться от болезни и как-то продлить свои дни, он отправился в Рим за солнцем, покочевал немного по курортным местам, понял, что лучше не становится, привел дела в порядок и вернулся на Аландские острова, остановившись в городе Йомала, где его приютила семья местного судьи. И уже там, когда художник был буквально на смертном одре, он получил новость о том, что стал членом Императорской Академии художеств. Умер Карл Эмануэл всего в 27 лет. Живопись Янссона - это такой мелкий серый жемчуг, который не хуже крупного, если его любить и уметь видеть. Почти все его работы - бытовые зарисовки из жизни родных краев. Есть, конечно, немного портретов, есть подражания итальянцам, но домашняя живопись мне нравится намного больше, поэтому я ее сегодня вам покажу. Печка, люлька, шкаф, широкие потрескавшиеся чисто вымытые половицы, добротная крестьянская мебель, простое убранство лютеранской церкви с деревянными фигурками святых, рыбаки, музыкальные инструменты на стенах избы, простая посуда. Ничего лишнего, а каждая вещь добротно и логично, хоть и грубовато скроена, функциональная и понятна. Все очень человеческое. Это не взгляд этнографа - хотя точность передачи быта Янссону свойственна, не потешные сценки, а обжитые пространства, где в северном тусклом свете медленно течет не простая и размеренная жизнь северянина. Простите мне мою романтичность, но для меня вот каждая его маленькая (а это и правда маленькие такие работы, в основном, не превышающие формата 50х40, а обычного мельче) картина - как будто целый роман вроде “Соков земли” Гамсуна.

​​Куда можно съездить во время отпуска: ️После десятилетней реставрации открыта церковь Преображения Господня на острове Кижи. Она является доминантой объекта Всемирного наследия ЮНЕСКО «Кижский погост». ️TEFAF Online 2021 анонсирует осеннюю сессию. На осенней ярмарке в цифровом формате будет представлено более 700 произведений искусства, каждое из которых — это уникальное повествование, имеющее важное значение для современности. ️Обновлена экспозиция современного искусства в Подземном музее парка «Зарядье» ️«Центр Искусств.Москва» представит иммерсивный спектакль о Марине Цветаевой «Из истории не выскочишь…», – написала Цветаева и вошла в историю, как самый яркий и самый трагический поэт ХХ века. Её земная жизнь как никакая другая связана с историей страны. Но её творчество вне времени и пространства. Спектакль - о судьбе и поэзии, который будет рождаться из образов – не напрямую, но вскользь – не вторгаясь, но проникая вглубь. Бонусом можно будет посмотреть все выставки галереи Фото: экспозиция «Центра искусств. Москва» https://telegra.ph/file/36c8341b243de5c243281.jpg

Еще пара слов про Апокалипсис вдогонку к прошлому посту - хочу вам показать с чего начались иллюстрации к этому тексту. На дворе был примерно 780 год, когда монах по имени Беат из Ль...ы (это в Испании) составил Комментарии к Откровению Иоанна Богослова, чем изрядно подогрел интерес к нему. До Беата Откровение периодически комментировали, но как-то без особой страсти, а монах собрал этакую компиляцию из более ранних толкований, дополнил ее, развернул некоторые важные пункты и, главное, снабдил свою версию забористыми картинками. Считается, что за эту работу Беат взялся для того чтоб обучать монахов по книгам и еще для того, чтоб поддержать и подбодрить небольшие и не слишком сильные на тот момент христианские общины, которые выживали на Пиренейском полуострове, где почти повсеместно доминировали мусульмане. Там как раз в 711 году арабы набежали на вестготское государство и завоевали практически весь полуостров, организовав потом Кордовский эмират и стало понятно всем бедным христианам, что Иоанн Богослов в Откровении под “Зверем” совсем не Римскую империю имел в виду, а Халифат, а Вавилон этот противный не город Рим, а город Кордова. В общем, легло идеально - как я и писала ранее, Апокалипсис - действительно творение на все времена и на любую эпоху, когда страшно. К слову, конец света Беат примерно назначил на 801 год, хотя и предупредил, что прогноз может быть неточным. Как пишет Жак ле Гофф в “Рождении Европы”, “Благодаря Беату в Европе появился первый настоящий триллер”. И действительно, работа Беата настолько поразила воображение современников, что число копий этого текста, да еще и с иллюстрациями, стремительно росло. До технологий, вроде тех, которыми пользовался Дюрер создавая свой цикл гравюр, еще далеко - тиражную печать еще не придумали, так что все делалось вручную. До наших дней дошло 35 копий этой книги, не все, конечно, полные, но зато 27 из них богато иллюстрированы. Первую книгу, скорее всего, разрисовал сам Беат, следующие рисовались под его руководством, а дальше уже более поздние художники поняли, что так можно и радостно продолжали дело, давая волю фантазии - картинки, конечно, копировались, но каждый был рад добавить чего-нибудь пугающего от себя. Лучшие мастера брались за эту работу, демонстрируя каких высот они добились в своем деле. Там еще и карта мира есть!

"Вакх и Ариадна" 1745 г. Джованни Баттиста Тьеполо Национальная галерея искусства, Вашингтон. «Вакха и Ариадну» Джованни Баттиста Тьеполо создал, скорее всего, для украшения лестницы неизвестного венецианского дворца. На это указывает ныне утерянное письмо, которое художник написал некоему адресату в 1764 году, где владелец палаццо обозначен инициалами V. E. Картина, вероятно, была одной из четырёх работ (из них сохранились лишь три), каждая из которых символизировала некий природный элемент. «Вакх и Ариадна» представляют землю, «Триумф Амфитриты» (ныне находится в Галерее старых мастеров в Дрездене) – воду, а «Юнона и Луна» (Музей изящных искусств, Хьюстон) – воздух. Местонахождение четвертой картины, на которой, скорее всего, был изображён Вулкан, бог огня, и его жена Венера, неизвестно. Представление о том, как могло выглядеть это полотно, даёт нам эскиз полоточной росписи для Королевского дворца в Мадриде, хранящийся в Художественном музее Филадельфии. «Вакх и Ариадна» – иллюстрация эпизода древнего мифа, когда бог виноделия коронует смертную девушку, влюбившись в неё. Пара повстречалась на берегу острова Наксос, где Ариадну бросил возлюбленный – герой Тесей. Она стала женой Вакха, взошла на гору Олимп и обрела бессмертие. Художник изобразил бога едва сидящим на бочке и держащим сверкающий золотой венец, который позже станет созвездием Северная Корона. Внизу лежит один из двух ягуаров, везущих его колесницу. Сам олимпиец окружён гуляками с кувшинами вина и виноградными лозами, представляющими плодовитость земли, а пшеница в волосах Ариадны и тростник в её руке, символизируют землю. В 2014 году Национальная галерея в Вашингтоне начала реставрацию полотна, которая продолжалась четыре года. Исследование выявило на картине ранее неизвестные детали, утраченные после того, как в конце XVIII века её вывезли из дворца, для которого она была написана. В частности, композиция (как и две другие дошедшие до нас картины этого цикла) содержит архитектурные мотивы, связывавшие её с первоначальным местоположением. Это изображения каменных волют (спиралевидные завитки на одном из которых сидит путти) в верхней трети полотна и длинношеих существ, похожих на грифонов, в нижних углах. Согласно найденным записям, работы были изъяты со своих исходных мест в 1798 году. После этого архитектурные детали на них утратили смысл и были закрашены. Реставраторы сняли более поздний красочный слой, под которым обнаружились высокие вертикальные листья на левой и правой сторонах композиции. Инфракрасные снимки показали, что первоначально снопы были перевязаны золотыми лентами. Они, как и грифоны, вероятнее всего, были связующими фрагментами для всех четырёх картин серии. Сходные элементы были найдены при реставрации «Триумфа Амфитриты» несколько десятилетий назад. Полотно «Юнона и Луна» пока ещё не восстанавливалось, но инфракрасные и рентгеновские снимки показали, что на нём есть закрашенные грифоны. Украшение в виде золотой ленты есть на ещё одной работе Тьеполо, «Нашествие змей» (1732 – 1735) из Галереи Академии в Венеции. Она, а также архивные документальные изображения и другие произведения художника дали реставраторам понять, как выглядели недостающие элементы. Учёные также выявили, что во время работы Тьеполо вносил значительные изменения в композицию. Это свидетельствует о том, что «Вакх и Ариадна», вероятнее всего, были первой картиной серии. Рентген показал, что под грифоном и ягуаром в правом нижем углу скрываются изогнутые формы – возможно, с их помощью художник первоначально пытался включить произведение в окружающий интерьер. После того, как «Вакха и Ариадну» сняли с первоначального места, картина находилась в частных коллекциях в Италии и Вене. В конце 1920-х годов её купили промышленник Уильям Роберт Тимкен и его жена Лилиан. В 1960 году они передали полотно Национальной галерее искусств в Вашингтоне. Обновлённое произведение вернулось в экспозицию 14 июня 2018 года. ДжованниТьеполо МифологическаяСцена Рококо _history

Хочу вам показать умопомрачительную штуку, гигантскую карту Венеции, выполненную в 1500 году художником Якопо де Барбари. Она поражает не только как предмет искусства и восхитительный пример графики, но и с точки зрения картографии является вещью совершенно революционной. Короче, откроете - обалдеете, я обещаю. Для начала, это огромная гравюра, собранная из шести блоков, надо которой Якопо де Барбари трудился три года. При том, что резку по его рисунку делали другие люди, специально нанятые резчики, то есть, он три года потратил только на рисунок. А сама карта стала самым большим изображением, вырезанным на дереве (грушевом) для печати и долго еще этот рекорд никто не мог переплюнуть. С рисунком все тоже интересно, потому что совершенно не понятно как художник умудрился зарисовать весь город практически с высоты птичьего полета. Это мы с вами балованные самолетами и дронами, а тут только XVI век начался вообще-то, поэтому надо было как-то для начала придумать рисунок в таком ракурсе, а потом его еще и осуществить. Ну вот, есть версия, что ду Барбари видел карту Флоренции, выполненную в 1480 году Франциско Росселли, не такую подробную, более средневековую по своей манере, рассказывающую о городе в общих чертах, а не работающую подробным путеводителем, но зато как раз нарисованную из похожего ракурса. Что касается совсем технической стороны дела, то некоторые считают, что де Барбари лазил на колокольни по всему городу (их тогда Венеции было 103 штуки и все они, кстати, есть на карте) и зарисовывал по кусочку пейзаж, а потом собрал все рисунки как паззл. И, скорее всего, художник пользовался не только рисованием, но и применял тригонометрию, которую, как и многие науки, вернули к жизни ученые-гуманисты совсем недавно, и эта карта не просто результат наблюдательности, но и вещь, которая построена исходя из сложных расчетов. Еще интересно то, что карта достоверна - говорят, даже сейчас можно ее использовать как путеводитель по городу. Новинка от де Барбари - изображение практических всех зданий согласно их настоящим пропорциям, а не выделение важнейших при помощи размера. Он разве что польстил Дворцу Дожей, в котором заседали все самые важные люди города и который был и остается его главной достопримечательностью, нарисовав его в половину крупнее оригинала. Ну и некоторые совсем крохотные и сложные улочки, там, где совсем окраинные лабиринты, де Барбари упростил. Зато мы видим острова - Мурано, Маццорбо, Бурано, Гвидекка и Сан Джорджио Маджоре, а вдалеке виднеются Альпы. По идее, Альпы из Венеции не должны быть видны, но это нам так показывают значение Венеции в мире, как его символический центр. Для тех же целей - ветры и, главное, в центре карты два античных бога, глядящие друг на друга. Сверху - Меркурий, покровитель торговли на троне-облаке со своим кадуцеем, знаком коммерции и атрибутом послов. Вокруг него надпись на латыни - “Я, Меркурий, благосклонно сияю над этим эмпорием”. Ну какой же из Венеции эмпорий? - спросите вы, вспомнив о том, что эмпории - это такие маленькие торговые поселения, в которых ни церкви ни армии, одни рынки. Это так, мне кажется, де Барбари, с одной стороны, скромничает за всю Венецию, а с другой - подчеркивает то, что как и средневековые или даже древние эмпории не имели укреплений и солдат потому что их безопасность гарантировалась покровительством знати, деньгами и связями, Венеция процветает за счет дипломатии. Собственно, у Венеции регулярной армии тоже ведь не водилось, были наемники, и, главное, политически опытные элиты, которые несмотря на постоянное состояние угрозы со стороны всех подряд, умудрялись при помощи переговоров (и подкупов, интриг и всего такого) удерживать Венецию от развала и разграбления.

"Завтрак, или Столовая" 1887 г. Поль Синьяк Музей Крёллер-Мюллер, Otterlo. «Завтрак» Поля Синьяка – своеобразная присяга на верность неоимпрессионизму. «Неоимпрессионист не начинает писать холст, не уточнив композицию», – заявлял художник. Над этой картиной он работал долго, писал множество набросков и «композицию уточнял» тщательно. Картину показали на третьей выставке Салоне независимых, и она вызвала весьма прохладный прием. Синьяка упрекали в том, что он изобразил вместо лиц «раскрашенные поверхности». Художник написал своего деда, мать и служанку. В его портретах действительно не встретить тщательно прорисованных лиц. Тем не менее, в данном случае Синьяк мастерски показал психологические характеристики персонажей, не детализируя портреты как таковые. В позе мужчины во главе стола, его волевом профиле, сжатых в кулак руках чувствуется властность, привычка к подчинению окружающих, возможно, самодурство. Его впору отлить из бронзы! Лицо женщины неразличимо, единственное, в чем мы можем быть уверены – глаза ее опущены вниз. Ее фигура выражает смирение, покорность, даже забитость, пожалуй. Несмотря на то, что сидят они друг от друга не так уж далеко, создается впечатление, будто их разделяет огромное расстояние. Он – на передовой, она – где-то на задворках. На одном из предварительных вариантов не было фигуры служанки, ее Синьяк включил в композицию в процессе работы над картиной. В отличие от главных персонажей, служанка безлична, о ее характере мы ничего особо сказать не можем, она изображена скорее как функция, а не как человек. В том числе, одна из ее задач – еще больше разделить фигуры сидящих за столом, увеличить пропасть между ними. Фигура служанки – перекличка Синьяка с Жоржем Сёра, ее поза повторяет позу дамы на переднем плане на картине «Воскресный день на острове Гранд-Жатт». Сёра в те годы был для Синьяка безусловным лидером, а «Воскресный день» произвел фурор, так что речь явно не о совпадении, а о диалоге. Отчуждение – это, пожалуй, основное качество, характеризующее отношения между объектами на картине Синьяка. Причем речь не только о людях, предметы на столе – и те разделены. Графин, сахарница, тарелки, чашка, свернутая салфетка не соединяются в ансамбль, не соотносятся, а существуют отдельно друг от друга. Пуантилистская манера зачастую создавала эффект остановившегося времени. Имеет место этот феномен и в данном случае. Даже чашка, которую подносит ко рту женщина, вовсе не обещает дальнейшее движение, это мгновение застыло, и выход из него не предусмотрен. Не будем забывать, что неоимпрессионисты появились не на пустом месте, а как противодействие импрессионистам, у которых «завтрак» – одна из любимых тем. Вспомним «Завтраки на траве» Эдуарда Мане и Клода Моне, «Завтрак гребцов» Ренуара и множество других вариаций на эту тему. Картина Синьяка кардинально отличается от предвосхитивших ее «завтраков». Здесь совершенно иное «меню»: нет яркости, легкости, праздничности импрессионистских завтраков. Напротив, статичная, четко структурированная картина оставляет довольно тягостное, гнетущее впечатление, импрессионистской радости и мимолетности мы здесь не найдем. ПольСиньяк Пуантилизм _history

В средневековой иконографии есть один интересный мотив, который докочевал из манускриптов века этак десятого аж до эпохи Возрождения, эпично появившись на картинах Эль Греко - это Адовы Уста или Пасть ада. Это один из вариантов изображения, собственно, ада или вход в него. Ну, казалось бы, пасть и пасть. Зубастая, иногда похожая на песика. Но откуда оно такое взялось? В такую вот зубастую пасть попадают грешники на иллюстрациях к самым разным историям - от, конечно же, Христа, спускающегося в ад, картин Страшного суда до видений ирландского рыцаря Тундала, который допился до просветления и которого сопроводили посмотреть на загробную жизнь ангелы, после чего он, конечно же, начал вести праведную жизнь. Этот мотив еще не стоит путать с сатаной, который сидит в аду и закусывает грешниками! Считается, что появилось это изображение в Англии - оттуда большинство его ранних примеров, а в Англию просочился от викингов, у которых мир кончается Рагнарёком, когда из глубин морских всплывает чудовищный морской змей Ёрмунганд, из оков вырывается чудовищный волк Фенрир, а его чудовищные дети своими большими ртами проглатывают Луну и Солнце. Древнеанглийские стихотворения, одним из очень важных в принципе и нужных нам сегодня примеров, является Эксетерская книга, очень сильно крутятся вокруг тематики битв, морей, мореходства и всего вот этого. Нашла тут исследование, в котором говорится, что в древнеанглийской поэзии, например, насчитывалось 13 слов для обозначения битвы, 17 - для корабля и 25 для описания моря. И вот, видимо, поэтому, хорошо сложился в головах у английских художников мотив чудовища с большим ртом, большой битвы и ада и страшного суда. Эксетерская книга - это рукопись X века, в которой было записано порядка 120 текстов, среди них - стихотворения, жития святых, загадки и элегии, написанные в промежутке между XII и X веком и собранные вместе примерно в 990 году (могу положить в комментарии переводы, если кому надо). Книге не слишком повезло с одной стороны - ее подарил библиотеке Эксетерского собора первый местный епископ Леофрик в 1072 году и она каким-то образом стала частью хозяйственной жизни монастыря, поэтому часть страниц погибла - рукопись использовали, судя по оставшимся на ней следам, то как подставку под кружку, то колбасу на ней резали. Но, с другой стороны, то что книга была при деле, отчасти и помогло ей не потеряться и не быть проданной монахами в какой-то момент обнищавшего монастыря. Так вот, возвращаясь к чудовищным пастям, в Экстерской книге есть стихотворение про Кита. Некоторые исследователи считают, что как раз оно может помочь понять как трансформировался мотив чудовищного чудовища из эпосов викингов в христианские мотивы. Стихотворение отличное, в нем рассказывается про кита-сатану, который, притворяясь уютным островом, поджидает усталых моряков. Те видят его покрытую зеленью спину, манящие леса, спускаются на “землю”, разбивают лагерь, а тут их накрывает невидимым щитом и кит со всех сил пускается в глубины моря, топя бедняг. Вот так и грешники! Не знают, не думают и все погибнут! А еще этот кит, злокозненная рыба, когда голоден, то открывает свой чудовищный рот и испускает из него чудесное благоухание. И рыбы, учуяв его, очарованные, отовсюду плывут в этот рот и там обалдевшие болтаются, пока хитрый кит свой этот рот не захлопнет и не проглотит их. Вот так и грешники! Нувыпоняли. Поэтому большой рот, в который залезли глупые грешники для древнеанглийского художника и зрителя - штука очень понятная. Потом, как удачная находка, этот мотив расползается почти по всей Европе, за исключением, наверное, Италии, потому что них там своя иконография ада, восходящая к древнегреческим изображениям спускающийся в Аид героев.

В Дарвиновском музее последние дни работает выставка «Музей искусственной истории», в которой произведения современного искусства экспонируются наравне с экспонатами из постоянной коллекции. Всю выставку курировала нейросеть «Зигота», которая ошибочно стала принимать работы современных художников за живых существ 11 и 12 сентября в 16:00 можно будет бесплатно попасть на экскурсии по выставке. На ней кураторы расскажут о об окаменелостях, найденных на Галапагосских островах, трагичной судьбе ученого-миколога-авангардиста Хельмута Никитича Лучинского, синтетических пейзажах и о многом другом Зарегистрироваться на экскурсии и подробнее узнать о выставке можно на таймпаде.

"Северное сияние" Фредерик Эдвин Чёрч, 1865 > Вашингтон, Смитсоновский музей американского искусства При написании картины Чёрч использовал рисунок «Пик Чёрча, Арктика», сделанный Айзеком Израэлем Хейсом во время его полярной экспедиции 1860—1861 годов. Согласно подробному описанию, приведённому Хейсом в его книге «Открытое полярное море», а также в более поздней книге Чарльза Томлинсона, пик Чёрча находится на восточном побережье острова Элсмир, со стороны пролива Кеннеди, разделяющего северные канадские острова и Гренландию. Сам Чёрч был свидетелем северного сияния, которое можно было видеть с острова Маунт-Дезерт (штат Мэн) 23 декабря 1864 года. Он запечатлел его на картине «Северное сияние. Остров Маунт-Дезерт. Из Бар-Харбора, Мэн». Многие американцы, наблюдавшие это северное сияние, восприняли его как предзнаменование победы Севера в продолжавшейся гражданской войне — именно в качестве этого символа и была воспринята картина «Северное сияние», оконченная в 1865 году.

Эрмитаж – Меншиковский дворец. https://youtu.be/8p6_HIRi0Og?t=26 Во время очередного визита во дворец светлейшего князя Александра Даниловича Меншикова на Васильевском острове нам предстоит необычная прогулка. Необычна она, прежде всего, тем, что мы будем смотреть на вещи, которые, как правило, обделяют вниманием: двери, окна, переплёты рам… Мы заглянем за «изнанку» дворца и увидим, из чего состоят его стены, полы и потолки. А ещё мы пройдём по пути реставраторов дворца, и вслед за ними совершим ряд открытий: увидим замурованные двери, которые помнят Меншикова, древнюю кухонную вытяжку и дверь, которая никуда не ведёт. Рассказывает и показывает Валерий Тропин, менеджер Отдела "Дворец Меншикова". https://youtu.be/8p6_HIRi0Og?t=26

Фото года дикой природы 2021 от Лондонского музея естествознания. (1 часть) 1. Победитель Лоран Бальеста и его «Сотворение». Этот снимок Лоран делал на протяжении 5 лет – это нерест камуфляжного окуня. Съемки происходили на острове Французской Полинезии Факарава, где в июле собираются больше 20 000 рыб. Нерест камуфляжного окуня — довольно редкое явление, он происходит всего раз в год при определенных условиях и длится всего час. 2. «Объедки гризли». Этот снимок победил в номинации «Животные в среде обитания». Фотограф Зак Клотье успел поймать момент, когда медведь посмотрел прямо в объектив камеры. 3. Хавьер Лафуэнте, «Путь к гибели». Работа победила в номинации «Общая картина». Снимок сделан с высоты: это машина едет к пляжу по шоссе, проложенном в болотистой местности в 1980-х годах. Такая смесь искусственного и живого природного ландшафта.

Потрясающий Луксор! Египет 2021 Экскурсия из Хургады https://youtu.be/VxevWauB-Pw Обзор экскурсии в Луксор из Хургады В этом видео: 00:00 Начало 01:06 Дорога в Луксор 04:12 Карнакский храм 12:05 Река Нил 13:19 Обед 14:09 Фабрика изделий из камня 16:30 Храм Хатшепсут 19:05 Колоссы Мемнона 20:09 Банановый остров 25:31 Итоги https://youtu.be/VxevWauB-Pw

Искусство в московском метро За последние годы схема московского метро выросла в геометрической прогрессии. Каждый год открываются новые станции. Некоторые из них особенно интересны в плане переосмысления разных художественных направлений Румянцево Станция, спроектированная в стилистике Пита Мондриана. В архитектуре преобладают строгие формы, стены облицованы абстрактными рисунками в стиле Мондриана и даже такие малые архитектурные формы,как скамейки, вторят общей задумке — они выкрашены в ярко-красный цвет. Мнёвники Эта станция — еще один островок авангарда в московском метро. Главным материалом является бетон, а декоративные опоры на платформе выполнены в красном цвете. Народное ополчение А эта станция получилась довольно футуристической. Алюминиевые панели на стенах и стальные колонны. На платформе и в вестибюлях можно увидеть рисунки, выполненные УФ-печатью по алюминию. А какие у вас ассоциации с этими станциями метро?

В ночь с 11 на 12 сентября 1927 года произошло самое крупное за всю историю полуострова землетрясение. В течение 11 часов произошло 27 сильных толчков. Эпицентр был в море, недалеко от Ялты, с магнитудой 9 баллов по шкале Рихтера. Больше всего пострадали прибрежные города и поселки, некоторые из них были полностью разрушены. К примеру, деревня Демерджи, была полностью погребена под грудой камней. Разбуженные среди ночи мощными толчками, воем собак, подземным гулом, вспышками света, хрустом ломающихся стен, многие в панике выпрыгивали из окон — и со второго, и с третьего этажа. Другие, напротив, оцепенели и не могли сдвинуться с места, третьи истерически смеялись. Одним из очевидцев стихии был Петров-Водкин. Причем это событие он воспринял, как редкую удачу: его чрезвычайно интересовало все, что связано с природными катаклизмами. В Крыму художник остался на несколько месяцев, дабы закончить картину, написанную им, можно сказать, с натуры.

"Взрыв корабля" 1900 г. Иван Константинович Айвазовский Феодосийская картинная галерея имени И.К. Айвазовского. Последняя картина Айвазовского Рожденный в приморском городе Феодосия, Иван Айвазовский всю жизнь оставался верным морской тематике, до конца своих дней отдавая дань любви к этой противоречивой стихии. Даже последний из них он провел в творчестве, стремясь удовлетворить свою поистине юношескую жажду познавать красоту моря и раскрывать ее зрителю. Картина Айвазовского «Взрыв корабля» создана на закате долгой и плодотворной жизни. Несмотря на то, что смерть прервала его работу, исследователи считают ее исключительно ценной в отношении изучения его творчества. По этому неоконченному в силу трагических обстоятельств полотну можно сделать вывод о том, что было для художника самым главным в процессе создания его произведения. Тщательно прорисованы корабль и пламя взрыва – центральные элементы полотна, с первых минут обращающие на себя внимание зрителя. Живописец трудился над картиной весь день, им были созданы три варианта эскизов, и большую часть времени он посвятил именно этой ее части. Все остальные детали не окончены, они изображены лишь контурно. Им художник планировал посвятить следующий день, так и не наступивший для него. За основу сюжета для этого полотна живописец взял реальное историческое событие, касающееся борьбы за освобождение между греческими повстанцами и турками. В ходе освободительного движения Константин Канарис, грек по происхождению, отстаивая права своего народа, взорвал у острова Хиос корабль, принадлежащий туркам, что и изображено на картине Айвазовского «Взрыв корабля». Объятый пламенем и дымом турецкий адмиральский корабль занимает центральную часть картины. Само пламя и обломки корабля, летящие в воздухе, четко прорисованы художником. Лишь наброском, слегка размыто, просматривается шлюпка, на которой греческие повстанцы удаляются от места взрыва. Так же нечетко зритель видит и остров с домами в подножии, будто оттеняющий своей безмятежностью трагизм происходящего. Живописец сохраняет в этой картине свойственную ему манеру выделять на холсте самую интересную, насыщенную цветом точку. Отталкиваясь от этого источника света, он предлагает зрителю скользить взглядом по остальным деталям, будто бы мимоходом проникаясь настроением полотна, его атмосферой. Картина Айвазовского «Взрыв корабля» является еще одним подтверждением неизменной требовательности живописца к своим творениям, которая с возрастом только возрастала. Он не переставал искать новые формы выражения для своего восхищения перед морем, его величием и красотой. Будучи уже признанным и состоявшимся мастером, он трудился над каждым новым произведением с полной отдачей, стремясь воплотить в нем плоды своего воображения и передать каждому, кто смотрит на них, то чувство восторга, которое неизменно вызывала в нем морская стихия. Последняя незаконченная картина Айвазовского служит достойным завершением его творчества, поскольку это полотно даже в незавершенном виде производит неизгладимое впечатление на зрителя. ИванАйвазовский Марина _history

Какому автору принадлежит картина “Воскресный день на острове Гранд-Жатт”? 1. Жан-Антуан Ватто. 2. Жорж Сёра.

"Март" 1895 г. Исаак Ильич Левитан Государственная Третьяковская галерея. Весна 1895 года. Левитану осталось жить не более пяти лет, но он еще не знает об этом. Короткая счастливая передышка: тяжелые приступы депрессии с попыткой суицида – позади, смертельный порок сердца, который выявят через пару лет, еще не диагностирован. Левитан едет в Удомельский край, в имение Горка, принадлежащее его любимой женщине Анне Николаевне Турчаниновой. Здесь за несколько сеансов будет написан «Март» – самое мажорное и радостное по духу произведение Левитана. Левитану 35. Он знаменит и наконец-то не беден. Сейчас каждая его картина становится событием. Он кумир начинающих пейзажистов. Художник Яков Минченков вспоминал, как после товарищеского парадного обеда Левитан, обычно хандрящий, неожиданно воодушевлённо говорит: «Надо жить, и жить красиво! Надо побороть и забыть свои страдания, надо пользоваться жизнью, её светом, её радостью, как блеском солнечного дня. Мы еще успеем сойти, об этом нечего и думать, а сейчас выпьем последние сладкие остатки из жизненного бокала, упьемся всем лучшим, что может дать нам жизнь!..» Полгода назад, в конце лета 1894-го, Анна Турчанинова, отбившая Левитана у «женщины его жизни» Софьи Кувшинниковой, сделала всё, чтобы художнику было удобно работать в Горке, окружила его вниманием и заботой. Здесь живописно и красиво – название имение получило по своему расположению на небольшой возвышенности на южной стороне озера Островно. В том месте, где ручей впадает в озеро, помещение бани переоборудовали для Левитана в удобную мастерскую. Левитан прожил здесь с августа по декабрь. Зимние месяцы 1895 года Левитан провёл в Москве, в уютном особняке в Трехсвятительском переулке с изящной обстановкой и удобной мастерской. Ему было комфортно там, но к концу зимы стало так не хватать солнца. Он не любил зимы, почти никогда ее не писал. Как только пришла весна, Левитан собрался снова ехать в Горку – он знал: его там ждут. И Анна Николаевна, жена важного петербургского сенатора, отдавшая Левитану своё сердце. И пробуждающаяся природа – то, что Левитан ценил больше всего на свете. Он ехал и вспоминал слова своего любимого учителя, Алексея Саврасова, автора знаменитых «Грачей»: «Лови всегда весну, не просыпай солнечных восходов, раннего утра. Природа никогда не бывает более разнообразной и богатой. Пиши ее так, чтобы жаворонков не видно было на картине, а пение жаворонков было слышно». Приблизившись к деревянной усадьбе Турчаниновых, которую он писал осенью и помнил серой и хмурой, Левитан едва не зажмурился. Покрашенные в желтый и разогретые на солнце стены дома как будто светились, заливая сиянием всё вокруг – и стволы берёз, и рыхлый подтаявший снег, и бурые бока так хорошо знакомой Левитану лошадки Дианки... На этот раз художнику не придётся углубляться в лес, чтобы нащупать нужный мотив – он сам явился перед его глазами: деревянный дом, где Левитана любят и ждут, и весеннее солнце. «Март» называют одним из самых значительных пейзажей русского импрессионизма. Все цвета здесь насыщены светом, контраст желтых и голубых оттенков звучит звонко и радостно. Золотые рефлексы от желтой стены согревают даже холодные краски, рождают ощущение ликования. Искусствоведы отмечают интересное композиционное решение: симметричные стволы берёз образуют своего рода кулисы, за которыми открываются пожухшие за зиму деревья соснового бора. Особенно мастерски написан снег под лучами весеннего солнца. Известно, что Левитан во время работы над «Мартом» прибегал к сравнительно новому техническому изобретению – фотографии: он проверял соотношения светотени по фотоснимкам. ИсаакЛевитан Пейзаж Реализм _history https://t.me/pic_history2/238

"Снегурочка" 1899 г. Виктор Михайлович Васнецов Государственная Третьяковская галерея. Хрупкая фигурка юной девушки застыла на краю зимнего леса. Над ее головой — темное ночное небо, кое-где искрящееся звездами, вдалеке на горизонте едва видны огоньки деревенских окон. Легкая поземка дымчатой кисеей скрывает очертания деревьев и избушек на заднем плане, на толстом снежном слое отпечатались глубокие следы, идущие из леса. Перед нами «Снегурочка» — известная картина Виктора Михайловича Васнецова, написанная в 1899 году. Своим появлением это полотно обязано дружбе великого художника с Саввой Мамонтовым — российским предпринимателем и покровителем искусств. В 1881 году у Мамонтова появляется идея представить широкой публике театральную постановку пьесы «Снегурочка», написанную Островским. Он предлагает Васнецову поработать над декорациями будущего спектакля, и художник дает свое согласие — ведь для него это было возможностью получить новый художественный опыт. Спустя несколько лет Васнецову довелось заниматься оформлением сцены к опере Римского-Корсакова, и после этого он принимает решение о создании собственного полотна на эту тему. Так и появилась картина Виктора Васнецова «Снегурочка». Пьеса Островского — это литературное изложение известной народной сказки о дочке Мороза, которая ослушалась отцовского запрета и вышла к людям. На картине Васнецова «Снегурочка» мы видим молодую девушку, лицо которой отражает внутреннюю борьбу: ей очень хочется пойти туда, к людям, но она боится неизведанного — того, что ждет ее среди незнакомых и чужих людей. Она словно застыла в полуобороте, решая сложный вопрос: не вернуться ли домой к отцу, пока еще не поздно? На картине Виктора Васнецова «Снегурочка» лесная опушка с маленькими елочками по краю ярко освещена лунным светом, который позволяет разглядеть причудливые узоры на теплой одежде, цепочку заячьих следов и слегка сдвинутые в тревожном раздумье девичьи брови. В какую сторону пойти — продолжить ли опасный путь, повернуть ли обратно? Выросшую среди лесных обитателей девушку давно уже манят веселые песни и смех, часто доносящиеся со стороны деревни, она хочет познакомиться с этими людьми, стать такой же как они. Однако отец ее предостерегал от такого шага, убеждая в том, что в лесу ей будет безопасно. А что если он неправ? Для Виктора Михайловича Васнецова его картина «Снегурочка» стала одной из важных работ: он трудился над этим полотном на протяжении нескольких лет, стремясь перенести на холст то знание глубины русской души, которое он почерпнул из народного фольклора и своих поездок по стране. Реакция публики была положительной: современники художника восторгались тем мастерством, при помощи которого художнику удалось соединить небесное и земное. По словам критиков, никто из художников не смог бы так точно передать всю красоту русской женщины, как это удалось Васнецову. Сегодня полюбоваться картиной Васнецова «Снегурочка» можно в одном из залов Третьяковской галереи. ВикторВаснецов Романтизм _history

Сирота на кладбище 1824 Эжен Делакруа Лувр, Париж, Франция Образцовая картина, чётко отражающая замысел и цели художника: точный рисунок, чётко выделяющиеся контуры, тонкий мазок и сильная работа кисти создаёт живой эффект Делакруа создал эту картину в начале своей карьеры и она долгое время считалась одним из предварительных этюдов для его более поздней картины «Резня на Хиосе», также написанной в 1824 году, но рассматривается как самостоятельной работой, хотя её можно увидеть в контексте. Историческим фоном для драматических сцен, написанных Делакруа в то время, была Греческая революция с известной резнёй на острове Хиос, которую османы учинили против местного греческого населения. Историк искусства и эксперт по Делакруа Ален Дагер де Юро явно относит его к сценам резни на Хиосе.

​​Ста́туя Свобо́ды Полное название — Свобо́да, озаря́ющая мир, англ. Liberty Enlightening the World) — одна из самых знаменитых скульптур в США и в мире, часто называемая «символом Нью-Йорка и США», «символом свободы и демократии», «Леди Свобода». Это подарок французских граждан к столетию американской революции. Статуя находится на острове Свободы (англ. Liberty Island), примерно в 3 км на юго-запад от южной оконечности Манхэттена, в штате Нью-Йорк. До 1956 г. остров назывался «остров Бедлоу» (англ. Bedloe's Island), хотя в народе его называли «островом Свободы» уже с начала XX века. Статуя держит факел в правой руке и скрижаль в левой. Надпись на скрижали гласит «англ. JULY IV MDCCLXXVI» (написанная римскими цифрами дата «4 июля 1776»), эта дата является днем принятия Декларации независимости США. Одной ногой «Свобода» стоит на разбитых оковах. Посетители проходят 356 ступеней до короны статуи свободы или 192 ступени до вершины пьедестала. В короне расположено 25 окон, которые символизируют земные драгоценные камни и небесные лучи, освещающие мир. Семь лучей на короне статуи символизируют семь морей и семь континентов (западная географическая традиция насчитывает именно семь континентов). Общий вес меди, использованной для отлива статуи, — 31 тонна, а общий вес её стальной конструкции — 125 тонн. Общий вес бетонного основания — 27 тыс. тонн. Толщина медного покрытия статуи — 2,57 мм. Высота от земли до кончика факела — 93 метра, включая основание и пьедестал. Высота самой статуи, от верха пьедестала до факела — 46 метров. Статуя была построена из тонких листов меди, отчеканенных в деревянных формах. Сформированные листы потом были установлены на стальной каркас. Обычно статуя открыта для посетителей, как правило, прибывающих на пароме. Из короны, в которую можно подняться по лестнице, открывается обширный вид на нью-йоркскую гавань. В музее, расположенном в пьедестале, находится выставка истории статуи. К музею можно подняться на лифте. https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d3/Statue_of_Liberty%2C_NY.jpg

«От первого лица» – мир глазами Харуки Мураками. Когда мир вокруг сходит с ума, важно не потерять внутреннее равновесие. Новая книга всемирно известного японского писателя Харуки Мураками «От первого лица» – ваш личный островок спокойствия и умиротворения в бурлящем океане тревог. В этом сборнике рассказов богатый жизненный опыт 70-летнего писателя переплетается с философским и даже мистическим началом. Тоска и радость, спорт и музыка – о чём бы ни рассуждал Мураками, его мысли преисполнены мудрости. И пусть вас не смущает, что писатель беседует о высоком за кружечкой пенного с говорящей обезьяной. Ведь истина живёт там, где окружающий мир соприкасается с нашим внутренним…

"Просушка парусов" 1905 г. Андре Дерен ГМИИ имени А. С. Пушкина. Дерен привез из портового городка Коллиура, куда Матисс пригласил его и Синьяка поработать, серию морских пейзажей. Как резко отличается прямая яркая освещенность средиземноморского побережья от густого переплетения теней на заросшем садами острове Шату-ле-Сен! Свет так бел, так интенсивен, что все цветное видится блеклым, а тень – легкой, прозрачной, подчас даже окрашенной. Прежде живописцы работали в мастерских у северного окна, где мягкий свет в течение дня не слишком меняется. Выйдя на пленэр, они смогли оценить дары, которыми щедро осыпают колориста раннее утро, туман, рябь на воде… Но только не полдень, с его резкими тенями, «крадущий» цвет у всего цветного. И тем более не полдень на берегу моря, в котором ослепительный субтропический свет удваивается. Но смелый художник видит в этом пронизывающем все пространство свете праматерию. Из нее словно рождаются все объекты – горы, песок, стены, люди, лодки, море. Такой изначальной материей на коллиурских картинах Дерена служат просветы загрунтованного холста, не тронутого кистью художника. Зато цвет работает не только как цвет, но одновременно и как способ передать тень. Оттого цветные мазки Дерен кладет то крапинами, то цельными линиями и контурными обводками, то крупными пятнами, свободно внедряя зеленый в гущу оранжевого, красный – между разными синими. Предоставленное первородному свету и цвету пространство на плоской картине гибко и упруго – вот-вот спружинит и взломает раму. Цвет не мог диктовать композиционных решений, пока так не сделал Дерен, а Матисс, который продолжал делить цвет на оттенки, тут же перенял у младшего коллеги эту новую технику. «Просушка парусов» экспонировалась на Осеннем салоне 1905 года в Париже и стала эталоном нового движения в искусстве - фовизма. Оно не было задекларированным (Матисс и его соратники не любили теоретизировать), а сложилось из родственных стилей нескольких живописцев, которых роднили творческие устремления. Посмотрев их картины, критик Луи Воксель перешел к бронзовой детской головке работы скульптора Марка и воскликнул: «Донателло среди диких зверей!». После чего кличка «дикие», les fauves, объединила тех обитателей мастерских на Монмартре и Кур-ла-Рэн, для кого экспрессия была связана с «чистыми средствами» живописи: линией, формой и прежде всего – цветом как он есть. АндреДерен Пейзаж Фовизм _history

Фёдор Васильев (1850-1873) «На острове Валааме» 1869 холст, масло. 39х57 см Государственная Третьяковская галерея, Москва федор_васильев

"Северная деревня" 1902 г. Сергей Арсеньевич Виноградов Государственный Русский музей. «Северная деревня» — одна из самых известных импрессионистских картин художника Сергея Виноградова. Вместе с десятью другими работами автора она была представлена в Москве на второй выставке «36 художников» в декабре 1902 года. А через десять лет, когда художнику присваивали звание академика, «Северная деревня» была названа в числе лучших его работ. Это полотно Виноградов привез из большого путешествия по северу России (Рыбинск, Архангельск, Соловецкие острова), которое он вместе с художником Василием Переплетчиковым предпринял в начале века. Картина изображает деревню Нюксеницу, что на левом берегу реки Сухоны, в которой друзья останавливались по дороге на Белое море. В воспоминаниях, которые Виноградов в 1930-х годах публиковал в рижской газете «Сегодня», он писал: «Народ оказался славный, быт допетровский, точно в Древней Руси. Рубахи, порты, кафтаны — все белые домотканые. У баб кокошник, душегреи парчовые, а платья шелковые… Очень был занимателен молодой парень пастух. Беловолосый, во всем чистом, белом, с берестяной трубой, ловко играл на ней. Ну, совсем Лель из Снегурочки». Перед нами скупой северный пейзаж. Скрытое за облаками солнце освещает потемневшие от времени бревенчатые дома, покрытый зеленой травой двор, поленницу дров и хрупкого белокурого мальчика, прижавшегося к дому. Работа сознательно написана против света, по принципу театральной декорации. Контровой свет выпячивает массивные строения на заднем плане — структурные элементы композиции, ограничивающие глубину пространства полотна. Глядя на цветовую гамму работы Виноградова, невозможно не вспомнить картины Константина Коровина, который открыл для российских художников северный край. Именно с подачи Коровина в среде московских живописцев начала 1900-х годов появилась мода на благородные жемчужные и серо-пепельные оттенки, характерные для природы этих широт. Виноградов считал своего друга Коровина первым колористом России и восхищался его работами, привезенными из путешествий по северу. Для передачи неба на своем пейзаже художник использовал богатую гамму бело-лилово-голубых тонов. Он сумел подчеркнуть скоротечность, эфемерность северного лета, с его неярким солнцем, которое не успевает даже высушить траву. На фоне сурового пейзажа мальчик, лицо которого едва намечено, кажется очень одиноким. Фигура робкого ребенка усиливает интонацию легкой грусти, которой пропитана вся картина. «Северная деревня» написана после первой поездки Виноградова в Париж и его знакомства с работами французских импрессионистов. Здесь отчетливо виден переход художника к русскому импрессионизму, для которого характерна бо́льшая (по сравнению с французским импрессионизмом) «предметность» живописи, содержательность образа и передача внутреннего состояния автора. Следом за стилем меняется и тематика картин Виноградова: после поездки на север пейзажи вытесняют жанровые работы, занимая центральное место в его творчестве. СергейВиноградов Пейзаж _history

"Мокрый луг" 1872 г. Фёдор Александрович Васильев Государственная Третьяковская галерея. Что такое картина-ностальгия и как можно мучительно тосковать по среднерусскому болоту? Обстоятельства появления картины «Мокрый луг» Время с декабря 1871 по февраль 1872-го годов, когда писался «Мокрый луг», – первая зима Васильева в Крыму. Художник, у которого диагностирован туберкулёз гортани, живёт здесь безвыездно, скованный врачебными предписаниями и запретами, но полюбить Крым – не получается. Природа Крыма кажется Васильеву нарочито эффектной, краски – чересчур контрастными, формы – слишком резкими. Он поначалу пишет крымские пейзажи только по заказу, для заработка, но сам тяготится этой работой, отчаянно тоскуя по природе средней полосы России и её неброской красоте. Ивану Крамскому, своему близкому другу, Васильев пишет из Крыма элегические письма, где, между прочим, говорит о своей в любви к... болоту: «О болото, болото! Если б вы знали, как болезненно сжимается сердце от тяжкого предчувствия. Ну, ежели опять не удастся мне дышать этим привольем, этой живительной силой просыпающегося над дымящейся водой утра? Ведь у меня возьмут всё, если возьмут это. Ведь я, как художник, потеряю больше половины!» Крамской в ответ сообщает товарищу: в Обществе поощрения художников, которое субсидировало пребывание Васильева в Крыму, скоро планируется очередная выставка. Не пришлёт ли Васильев что-нибудь на конкурс? И Васильев по памяти начинает пейзаж – он называет его «утро над болотистым местом» – далёкий от крымских природных реалий, но зато хорошо знакомый ему по имению Знаменское под Тверью и местечку Хотени Сумского уезда Харьковской губернии, где художнику доводилось гостить у графа Строганова – мецената и большого поклонника незаурядного дарования Васильева. Он перебирает и пересматривает свои этюды и зарисовки, сделанные в Хотени, все эти, как выражался Репин, «прелестные лопушки на песке», но сам замысел Васильева – не камерный, отнюдь. В задуманной им работе появляется масштаб, простор и воздух, впечатляющая разомкнутость пространства (то самое «приволье», о котором вспоминал Васильев в письме Крамскому). Картина-ностальгия Позднее работа получит название «Мокрый луг». Это в полном смысле картина-ностальгия, картина-воспоминание, картина – признание в любви к тому, что можешь больше никогда не увидеть. Один из самых поражающих моментов – то, что Васильев писал её без натуры, почти целиком полагаясь на свою изумительно цепкую память, которая, раз схватив, удерживала и сберегала мельчайшие подробности, подобно тому как помнят и проносят через всю жизнь черты и особенности любимого лица. Память не подвела, оживив в этой картине впечатления Васильева от так ценимого им «северного» (это определение, конечно, условно – по контрасту с «южным» крымским) пейзажа. Противопоставление совсем не явно, но оно есть в подтексте: Васильев изображает не то, что видит «здесь и сейчас», а то, что помнит. Вместо бескрайнего моря – крошечный водоём, не то болотце, не то озерцо. Вместо выжженных солнцем крымских степей – «жирное» от влаги луговое разнотравье. Вместо островерхих ялтинских кипарисов, которые каждый день встают перед глазами Васильева в Крыму, – округлую крону акации или другого лиственного дерева. Импульсивного и темпераментного Илью Репина, еще одного старшего товарища Федора Васильева, его умение изображать растительный мир приводило в полный восторг: «Как он чувствует пластику всякого листка, стебля! Так они у него разворачиваются, поворачиваются в разные стороны и прямо ракурсом на зрителя. Какая богатейшая память у Васильева на все эти даже мельчайшие детали! А потом ведь всегда он обобщает картину до грандиозного впечатления». Пейзажи Васильева Крамской называл «субъективными». Действительно, и «Мокрый луг», при всей его мастеровитой техничности и точности рисунка, – это всё же не та чрезвычайно подробная, почти фотографическая «объективность» франкфуртской школы, которую мы встречаем у Шишкина (старшего друга и наставника Васильева, женившегося к тому же на его родной сестре Евгении).

​​️В Венеции вводят предварительную регистрацию и сбор на однодневное посещение. С января 2023 года туристы будут платить от 03 до 10 евро в зависимости от многолюдности. Новая цифровая система сможет контролировать наплыв туристов: более 20 миллионов человек посещает маленький город каждый год. Решение необходимо для сохранения природы и облика города со статусом культурного наследия. В прошлом году власти города запретили проход больших грузов и лайнеров, чем смогли избежать внесения Венеции в список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО, находящихся под угрозой. ️Проект «Искусство быть» открыл арт-резиденцию для художников со всей России. Проект будет представлен на трех площадках: ️Государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник «Остров-град Свияжск» ️Государственный Владимиро-Суздальский историко-архитектурный и художественный музей-заповедник ️Ивановский государственный историко-краеведческий музей имени Д.Г. Бурылина. ️Самый большой выставочный зал Екатеринбурга планируют открыть в этом году. Он станет дополнением культурно-просветительского центра «Эрмитаж-Урал». ️25 июля Еврейский музей и центр толерантности представит фотовыставку «Чувство дома». Проект, представленный двенадцатью фотографами, перенесет зрителей в разные точки России: от Финского залива до Биробиджана, от полуострова Таймыр до Северной Осетии, и покажет, как формируются эмоциональные связи с местом, которое человек называет «домом». Фото: Юлия Невская, Серия «Люди тундры», «Ангелина Вэнга с детьми» Таймырский (Долгано-Ненецкий) автономный округ, 2021 https://telegra.ph/file/dfd60b2c637f28e08a9b5.jpg

Загадка древнегреческой монеты с оптической иллюзией Это единственная древнегреческая монета с «оптической иллюзией». Остров Лесбос, Эгейское море, Греция. В первой половине 5 века до н. э. монетный двор города Митилины выпустил серию уникальных монет номиналом в 1/6 стартера. На передней части монеты (аверсе) голова Богини Афины. На реверсе две обращенные друг к другу женские головы, они как будто одно лицо вставленное в другое. Человек видит лица обоих одновременно, но и каждое в отдельности! Это оптическая иллюзия, техника, которую хорошо знали и применяли древние греки. Однако эта монета - единственное зарегистрированное использование оптической иллюзии в греческой чеканке. Металл этих монет - электро, т.е. сплав золота и серебра. В литературе зафиксировано несколько выпусков этой стоимости разных типов с монетного двора Митилини и других городов Лесбоса. Монета производит впечатление даже сегодня, и остается загадкой. Почему эта тема не нашла продолжения, что имел ввиду чеканщик?

Джон Уильям Уотерхаус "Гилас и нимфы" (1896) Гилас был сыном царя дриопов Феодаманта. После того, как Геракл убил отца Гиласа, тот стал компаньоном Геракла, а затем и его любовником. Они оба стали аргонавтами и сопровождали Ясона на корабле Арго в поисках Золотого руна. Во время путешествия, когда Арго причалил к одному из островов, Гилас отправился на поиски пресной воды. Он нашёл пруд, населённый наядами, которые заманили его в воду, после чего он исчез. Поиски Гиласа аргонавтами не увенчались успехом.

Пейзажи на срезе дерева. Художница из Нью-Йорка Элисон Морицугу (Alison Moritsugu) родом с Гавайских островов. На срезах брёвен и верхних частях пней пытается максимально точно воссоздать естественную красоту природы тех времён. Её работы напоминают американские пейзажи XVIII–XIX веков, в частности, Альберта Бирштада и Фредерика Эдвина Чёрча. Элисон Морицугу в своей практике использует только те деревья, которые упали по естественным причинам — от старости, в результате шторма или остались в виде отходов обработки, предназначенных на выброс. «На протяжении всей истории художники по-своему интерпретировали природу, превращая её в абстрактный символ мира, возвышенности и изобилия, в фантастическую область, которая каким-то образом существует отдельно от нас. Сегодня мы видим изображения, обработанные в Photoshop, на которых ярко-зелёные леса, чистейшие пляжи, внушающие ложное чувство, что дикая природа будет существовать вечно.»

Выставки Еврейского музея и центра толерантности Летом в Еврейском музее открылись две выставки — персональный проект «Разгуляй. Прощание» Семёна Файбисовича и фотовыставка «Чувство дома». Ядро экспозиции «Разгуляй. Прощание» составляют произведения из цикла «Ночной Разгуляй», ставшего последним живописным циклом Файбисовича, посвященным новой Москве и новой России. Картины из серии экспонируются впервые до 23 сентября 2022 года. Билеты: https://bit.ly/3zP9R3O Проект «Чувство дома» представляет работы фотографов Димы Жарова, Ольги Изаксон, Марины Меркуловой, Дарьи Назаровой, Юлии Невской, Владислава Некрасова, Станиславы Новгородцевой, Владимира Севриновского, Фёдора Телкова, Юрия Фокина, Станислава Чекмаева, Анастасии Яковицкой. Семнадцать фотоисторий выставки «Чувство дома» переносят зрителей в разные точки России: от Финского залива до Биробиджана, от полуострова Таймыр до Северной Осетии. Выставка работает до 30 октября 2022 года. Билеты: https://bit.ly/3JppIth

"Дорога на острове Сен-Мартен, Ветей" 1881 г. Клод Моне Художественный музей Филадельфии.

​​️В московском центре Artplay Media сегодня открылась мультимедийная выставка о Фриде Кало. Продлится до конца января 2023 года. ️Российский исследователь расшифровал письменность острова Пасхи. Он предложил свою версию чтения языка кохау ронго-ронго, используя экспонаты из петербургской Кунсткамеры. ️В Москве стартовал фестиваль моноспектаклей SOLO. Показы проходят на двух площадках: в Театральном центре «На Страстном» и в Боярских палатах Союза театральных деятелей России. Продлится до 10 октября. ️На аукционе Christie's в Азии планируют продать скелет тираннозавра за 25 миллионов долларов. Там же будут продаваться работы художницы Яёи Кусамы. ️В Москве открылась выставка молодых художников России «Наследие и современность». В Центральном зале Союза художников России в Западном крыле Новой Третьяковки. Продлится до 10 октября 2022 года. Вход – свободный. Выставка посвящается Году культурного наследия народов России. В работах отображена национальная идентичность и культурный код разных регионов страны. На выставке более 140 проектов 48 молодых мастеров в разных стилях. https://telegra.ph/file/82bf71d369e31f0d20bc4.jpg

Картина «Над вечным покоем» была создана, когда Левитану едва исполнилось 33 года – возраст зрелости, время полного раскрытия живописного дарования пейзажиста и, казалось, его безграничных возможностей, творческих исканий и открытий. Картина вобрала в себя и весь его художественный опыт, и опыт недолгой жизни, часто печальный и горький. Глухая тоска и чувство безмерного одиночества человека перед лицом вечности воплощены Левитаном в этом произведении. Забытый Богом и людьми, затерявшийся между небом и водой кусочек берега с церквушкой, покосившимися крестами на сельском кладбище, поросшем «травой забвения», – этот печальный пейзаж рождает мысли о бренности жизни, о суетности земного. Но над спящей холодной землей происходит вечное движение небесных стихий: бесконечно меняют свои формы и цвет облака, ветер безжалостно рвет верхушки деревьев и ерошит серую воду. Неутомимое движение облаков над недвижной землей сродни противостоянию быстротечной человеческой жизни и вечного бытия мироздания. Один из современников Левитана утверждал, что «это даже не пейзаж», а «картина души человеческой в образе природы». Сам художник считал ее одним из наиболее значительных своих произведений. Полотно вызывает широкие ассоциации – музыкальные, поэтические, живописные. Сопоставляют его и с популярной в 1890-е годы картиной швейцарского живописца Арнольда Бёклина «Остров мертвых» (1880). Их сближение проявляется в изображении «кладбищенского» острова, затерянного в океане времени, и в торжественно-эпическом строе.

Моаи http://telegra.ph/Moai-04-03 Туземцы, приветствовавшие в пасхальное воскресенье 1722 г. голландских мореплавателей, казалось, не имели ничего общего с гигантскими статуями своего острова. Детальный геологический анализ и новые археологические находки позволили раскрыть загадку этих изваяний и узнать о трагической судьбе каменотесов. Остров пришел в запустение, его каменные часовые пали, и многие из них утонули в океане. Подняться с посторонней помощью удалось лишь жалким остаткам таинственной армии. | Культурные каналы http://telegra.ph/Moai-04-03

В самом сердце Бата галерея Atticus Arts стала открытым полотном для последнего керамического нарратива Tatevik Gasparyan - инсталляции, резонирующей с глубокими тематическими подтонами и мастерским исполнением. Названная "Волны слияния" выставка продолжает исследование Gasparyan богатого гобелена культурных и исторических диалогов через её уникальные керамические формы. Обучавшаяся в Академии Штиглица в Санкт-Петербурге, Gasparyan потратила шесть лет на оттачивание своих навыков в технологии керамического исполнения. Каждое произведение в этой инсталляции тщательно создано вручную, что свидетельствует о её преданности наследию, о ее искуссном освоении как архаичных, так и современных керамических техник. Работы Gasparyan известны своей концептуальной глубиной и неповторимой эстетикой, характеризующейся стратегическим расположением керамики, кодирующей определенные сообщения. Текущая инсталляция в галерее Atticus Arts представляет собой яркое исследование западных ценностей, воспринятых через уникальную призму Gasparyan. "Волны слияния" включает два параллельных ряда керамических сосудов в черно-белых тонах, бросая вызов и размышляя над достижениями Запада в области равенства и деколонизации - как в историческом, так и в современном гендерном дискурсе. Контраст черного и белого не сливается в единый серый цвет - напротив, он ярко подчеркивает продолжительность борьбы и достижений в этих социальных целях. Выбор современных дизайнов ваз позволяет эффективно общаться с западной аудиторией, используя язык чистых линий и знакомых форм, хорошо резонирующих в контексте современного дизайна. Это эстетическое решение подчеркивает способность художницы соединять функциональное и символическое, что делает её работу одновременно доступной и глубокой. Одним из самых захватывающих аспектов инсталляции является её специфичность для данного места. Размещенные так, чтобы имитировать форму волны в передней части инсталляции, сосуды не только представляют окружающие остров воды, но и вызывают в воображении текстуры, напоминающие подводный мир, такие как ракушки и водоросли. Этот выбор красиво связывает инсталляцию с её географическим контекстом, усиливая тематическое исследование текучих границ природы и культуры. Выставка проходит в одном из больших залов галереи, выбранном Gasparyan после анализа потенциала помещения с треснувшим бетонным полом, который подчеркивает изоляцию и грубость инсталляции. Этот фон служит мощным контрастом к деликатным, но смелым формам её керамики, усиливая темы изоляции и взаимосвязанности, присущие инсталляции. Заметным дополнением к выставке является белая керамическая панель, установленная на стене, по форме напоминающая картину, но воплощающая текстуру и рельеф, которые напоминают исторические барельефы, когда-то изображавшие Трех Граций или библейские сцены. В интерпретации Gasparyan эта панель представляет современную абстракцию, делая акцент на эволюции художественного выражения от классических до современных нарративов в западном эстетическом каноне. "Волны слияния" - это не просто выставка; это диалог между художником и её окружением, между историей и настоящим, между зрителем и произведением. Галерея Atticus Arts приглашает аудиторию погрузиться в глубины керамических морей Tatevik Gasparyan, исследуя приливы и отливы культурного слияния и резонансную красоту созданной глины. #Gasparyan #Keramika #Artist #TatevikGasparyan