Любите вино и хотите знать о нём больше? Подписывайтесь на один из самых...

VLADEY X проведет первый в 2021 году тематический аукцион — LOVE. Художественные высказывания звёзд российского искусства на тему любви будут выставлены и проданы на аукционе в субботу, 13 февраля. Как обычно, артбиржа VLADEY X начнется в 15.00. Среди топовых лотов выделяются работы: ️Олег Голосий «Вдвоем» 1990 года (Лот 9) ️Дубосарский и Виноградов «Паучок» 2004 года (Лот 8) ️Василий Слонов LOVE из проекта «Light my fire» (Лот 7), фотография ️Сергей Братков «Любовное отражение» 2009 года (Лот 5) ️Валерий Чтак «Любовь топора не требует» 2017 года (Лот 16) ️и другие! Владимир Овчаренко: «Наступил 2021 год, ковид отступает и VLADEY продолжает еженедельно радовать коллекционеров и любителей искусства новыми шедеврами. Тематические торги всем понравились, и в преддверии праздников мы подобрали великолепные подарки, их можно сделать любимому человеку, а можно порадовать и себя. Дарить искусство - что может быть лучше?” VLADEY X LOVE Живой аукцион с онлайн-участием 13 февраля 15:00 Каталог https://vladey.net/ru/auctions/xlove

​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство обедает» Мясоедова Григорий Мясоедов - один из самых ярких представителей реализма второй половины XIX века. Художник принимал участие в создании Товарищества передвижных художественных выставок. Живописец, график, теоретик искусства. Ему удалось создать великолепное произведение «Земство обедает», которая отражает жизнь крестьян и дворян в России в период глобальных реформаций, а также острые социальные проблемы. Знаковую картину Мясоедова «Земство обедает» художник написал в 1872 году. Полотно было представлено на II-й выставке «передвижников» и была благоприятно воспринята публикой. Критики оценили картину как «одну из лучших и наиболее содержательных работ на современную тему». Таким образом, картина стала не только визитной карточкой Мясоедова, но и одним из лучших образцов реализма передвижников. Через год после написания «Земства» Мясоедов продал полотно меценату и коллекционеру Третьякову, который попросил его чуть доработать картину. Итак. Картина строится на реформационной России. Как правило, местные самоуправления только начали реформироваться в земства. Это тихий провинциальный городок. Сюжет картины предельно прост. Художник решил отобразить несоответствие сословий и социальные различия через трапезу. На переднем плане художник изобразил здание районного совета, верхняя часть крыльца имеет подсказку-надпись «Уездная земская управа». Внутри здания губернского совета разворачивается поистине аристократическая сцена: там виден официант, переставляющий блюда и бутылки с вином. По всей видимости, депутаты закончили обед. Зритель не видит весь дом, видны только светлая стена и два окна с дверью. Главные герои – крестьяне, которые сидят на крыльце у здания. Они ждут «хозяев», которые в это самое время завершили свою аристократическую трапезу (наверняка с шампанским и фазанами). Ожидая депутатов, крестьяне тоже решили пообедать. Их трапеза скудна и скромна, по сравнению c обедом «сильных мира сего». Еда простая: у одного сухой хлеб, у другого - хлеб с солью и пучок зеленого лука. Главным героям картины художник придал характерные черты (где-то лукавство, где-то благородство, а где-то обида). Главный посыл художника – передача яркого контраста между бедностью и богатством. Крестьяне думают об одном и том же и с горечью понимают, что справедливости у здания «Управы» им не добиться. https://telegra.ph/file/989c32dc9d6bda0b34c13.jpg

​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ ЗАРАБОТКУ НА РИСОВАНИИ И РОСПИСИ СТЕН! Если Вам нравится рисовать и не нравится нынешняя работа, или заработок на ней, пора расширять свои границы и выходить на новый уровень! Живопись востребована всегда, и, имея навыки рисования и продвижения, Вы всегда будете обеспечены заказами и хорошим заработком. Я Арон Оноре, и за годы практики в живописи я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнайте, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie?utm_source=telegram&utm_campaign=simpleartist https://telegra.ph/file/e8ea6c30c7a993a38b11c.jpg

Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать кряду, Тому вручает магистрат Почетную награду. Где-то далеко-далеко существует дивный край, страна Кокань. Чтоб туда попасть надо то ли найти сахарную гору и слизать ее, то ли проесть себе тоннель в пшеничной каше, но путешествие стоящее, ведь в этой волшебной стране вас ждет райское существование. Там в колодцах и реках благородные вина всех сортов, а на волнах качаются золотые и серебряные кубки чтоб эти вина зачерпывать, пироги и булки растут на деревьях, утки летают сразу жаренные и пытаются метко приземлиться прямо в открытый рот всем желающим, жареные поросята сразу с вилочкой в боку пасутся на лугах и сами предлагают собой отобедать. Дома сложены из множества вкуснейших рыб, дороги мостят сырами, а заборы состоят из колбас. Колбасы же колосятся на полях, а вокруг полей шкворчат на вертелах гуси и столы накрытые чем-то вроде скатертей-самобранок ежесекундно готовы предоставить блюда на любой вкус каждому желающему. Там всегда лето, но если вдруг зима и случается, то метели из муки и сахара. А еще три дня в неделю наблюдаются осадки из горячих кровяных колбас. Вот это уже звучит угрожающе, но все довольны. О, сколь много чудес в той стране! Ведь и одежда у всех там новая и чистая, никто не мерзнет и не одет в лохмотья, всем раздают лучшие суконщики прекрасные костюмчики, да туфельки. И любовь там процветает свободная - каждый может выбрать понравившуюся даму и каждая дама может свободно выбрать себе кавалера и никто их не осудит, потому что в стране Кокани осуждать не принято, там все счастливы. Это особенно прикольно, потому что первая рукопись про Кокань относится в 1250 году, а, вроде как, всего за лет 30 до этого католическая церковь официально постановила, что у женщины стоит спрашивать согласие на брак. Есть и некое противоречие - кто больше спит, тот больше всех зарабатывает, но совершенно не ясно зачем, ведь вокруг все бесплатное, а на полях тут и там валяются кошели полные разнообразных золотых монет. Наверное, так просто смешнее. Еще там необыкновенный календарь - в году четыре Пасхи, четыре дня святого Иоанна, четыре праздника сбора винограда, и вообще каждый день — либо праздничный, либо воскресный; есть четыре Дня Всех Святых, четыре Рождества, четыре Сретения, четыре праздника Карнавала, а вот Великий пост соблюдают лишь раз в двадцать лет, и то, по желанию. А самое чудесное, что есть в Кокани - это источник вечной молодости. Течет за городом река, Не широка, не глубока. Столетний дед с одышкой Ныряет в воду стариком, А вынырнет парнишкой. Когда поеду в ту страну, Я захвачу с собой жену. Пусть в речку окунется И вновь невестой молодой Немедля обернется.

Если у вас есть 5 минут, и вы любите танцы, то обязательно посмотрите работу ниже. В 2017 году художник адаптировал отрывок из одноименной оперы-балета "Галантная Индия" Жана Филиппа Рамо (фр. композитор) в сотрудничестве с танцорами крампа*. * Крамп — современный танец, зародившийся в гетто Лос-Анджелеса в 90-е. В атмосфере беспорядков (избиение людей, репрессии со стороны полиции), молодые танцоры стали выражать через танец напряженность физического, социального и политического тела страны. Автор: Clément Cogitore https://www.youtube.com/watch?v=9h9HP-VOJv4&list=FLIJYvYVJxJfVsNWRn9trq4w&index=6 https://www.youtube.com/watch?v=9h9HP-VOJv4&list=FLIJYvYVJxJfVsNWRn9trq4w&index=6

Джозеф Райт "Два мальчика с мочевым пузырем" (1770) На картине изображены двое мальчиков, надувающих свиной мочевой пузырь при свете свечи. В те времена мочевые пузыри животных служили игрушками. Дети надували их и использовали как воздушные шарики, или наполняли сушеным горошком и трясли как погремушки.

​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ 300К В МЕСЯЦ Художник - проводник прекрасного в этот мир! И если Вы увлечены этим искусством, вы априори достойны успешной профессиональной деятельности! Я Арон Оноре, и мой путь к успеху в мире искусства не был простым и быстрым, я не сразу пришел к тому, что вообще могу зарабатывать на этом. И сейчас встречаю большое количество художников с таким же мнением! Можно сказать, что жизнь сама привела меня к профессии художника. И, спустя годы, меня стали часто просить научить рисовать гиперреализм. Так и появилась Школа гиперреализма и росписи стен Арона Оноре. За годы творческой деятельности я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнаете, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке: http://aron-onore-school.ru/ https://telegra.ph/file/838ef97d59679502e5560.jpg

"Обезьяны в кухне" Давид Тенирс Младший, 1640 > Санкт-Петербург, Эрмитаж Тематический диапазон творчества фламандского художника был чрезвычайно широк. В частности, Тенирс прославился как талантливый анималист. На картине представлена компания обезьян, которые, бесцеремонно пьют вино, лакомятся фруктами, играют в карты, жарят жаркое на вертеле. Некоторые из них украсили себя бархатными беретами. Идея Тенирса показать животных, имитирующих поведение людей, восходит к басням античной эпохи и зоологическим трактатам Средневековья. Пародийно-комическая по форме, картина была задумана как юмористическое назидание: тот, кто предается чувственным удовольствиям, слепо следуя природным инстинктам, опускается до уровня обезьяны. Свеча на камине – эмблема бренности, напоминающая о быстротечности радостей земного бытия. Ступа с пестом – символ глупости, с которой отождествлялись грехи. Тенирс мастерски передает свет и фактуру разнообразных предметов: деревянной мебели, глиняной посуды, стеклянных бокалов.

"Священник на коньках" Генри Реберн, 1795 > Эдинбург, Национальная галерея Шотландии Реберн был художником-самоучкой из Эдинбурга, достигшим значительного мастерства в качестве живописца и ставшим известным благодаря портретам писателя Вальтера Скотта и геолога Джеймса Геттона. Вращаясь в кругах аристократии Эдинбурга, он познакомился со священнослужителем Церкви Шотландии Робертом Уокером. Вероятно, что заказчиком своего портрета стал именно Уокер. Он изображён катающимся на коньках по местному озеру, что и неудивительно, ведь Уокер был умелым фигуристом и членом первого в Великобритании клуба любителей катания на коньках. Картина отличается необычной композицией, а также сочетанием уравновешенности и точности в изображении священника-конькобежца.

"Натюрморт с серебряным кувшином" Виллем Кальф, 1660 > Амстердам, Государственный музей Тип натюрмортов, который развивал Кальф, называется «десерты»: такие композиции состоят из роскошных предметов, говорящих о богатстве заказчика. На картине серебряный кувшин, бокал с вином на золоченой подставке, глубокая тарелка из китайского фарфора с фруктами. И кувшин и подстаканник украшены модным в то время орнаментом, напоминающие форму ушной раковины. Художника интересовала игра света и цвета; он использует сочетание синего, желтого и белого цветов. Лимон отражается в кувшине, серебро блестит рядом с позолотой, тускло сияет, сверкает каплями сока мякоть лимона, в бокале мерцает в полумраке вино. Все будто живое, фрукты пахнут и хочется протянуть руку, взять и откусить. Также есть карманные часы: они лежат справа. Стеклянная крышка откинута, будто кто-то только что смотрел на циферблат. Часы, символ уходящего времени, напоминают о том, что плотские утехи не вечны.

​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ ЗАРАБОТКУ НА РИСОВАНИИ И РОСПИСИ СТЕН! Если Вам нравится рисовать и не нравится нынешняя работа, или заработок на ней, пора расширять свои границы и выходить на новый уровень! Живопись востребована всегда, и, имея навыки рисования и продвижения, Вы всегда будете обеспечены заказами и хорошим заработком. Я Арон Оноре, и за годы практики в живописи я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье у пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнайте, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie https://telegra.ph/file/f59a9331417df365a1145.jpg

► Почему «Обнаженная» Фалька вызвала гнев у Никиты Хрущева? ► Кто виноват в страшном виде Алёнки из Нововоронежа? ► Почему святого Христофора пишут на иконах с головой собаки? ► Почему Шишкин не сам нарисовал медведей на картине «Утро в сосновом бору»? ► Существует ли картина Репина «Приплыли»? ️ Об этих и других любопытных подробностях из жизни художников, интересных фактах о произведениях искусства, а также о репортажах с выставок читайте на канале: "Я люблю музеи" — t.me/ilovemuseum http://t.me/ilovemuseum

Я как-то рассказывала про самого популярного обнаженного мужчину в истории европейского искусства - святого Себастьяна. Примерно в эпоху Возрождения этот святой стал символом гомоэротизма, обрел черты нежнешего из юнош, пассивного и беззащитного. Но канон подобных изображений был заложен намного раньше, в древней Греции, конечно же. До христианства было далеко, а без красивого юноши, символизирующего межмужскую любовь непонятно как обходиться, поэтому греки себе придумали Ганимеда. Был у царя Троса сын от нимфы Каллирои. Тут данные разнятся и он то сын Дардана, то Эрихтония, то еще кого, но главное, что он был смертным, а еще прекрасным настолько, что сами боги на него заглядывались. Согласно некоторым источникам, Ганимеда сначала похитила богиня зари, Эос, а потом у нее его стащил Зевс. По другим же, Зевс сразу придумал превратиться в гигантского орла и понес юношу к себе на Олимп что твоего хоббита. Там восхитительный красавец Ганимед был назначен виночерпием на божественных вечеринках. Отец его, Трос, сначала огорчился исчезновениям сына, но Зевс ему подарил очень красивую оливковую веточку из золота и пару очень хороших лошадок. А так же объяснил, что сыну отныне даровано бессмертие и даже поместил его на небо в качестве созвездия. Оттуда он на нас и глядит в виде Водолея. Трактуют этот миф по разному. Например, как историю о том, как некий прекрасный юноша умер перед свадьбой - отсюда версия с Эос, то есть, невестой, лишившейся возлюбленного. Или как историю с метафорической смертью мальчика для превращения в мужчину и царя. Или о том, как одни правители брали в плен детей других, для того чтоб наладить отношения. Но самым популярным оказалось, конечно, прочтение мифа как подтверждения того, что сам отец небес Зевс одобрял однополую любовь и был замешан. Сюжет стал одним из самых популярных в Греции, потом перекатился в Рим, позже ужасно осуждался христианами и только с наступлением Ренессанса вновь вернулся в искусство. Правда, неоплатоники эпохи Возрождения попытались миф переосмыслить и сообщали, что это все про восхождение души к Богу, а не то что вы подумали. Поэтому можно и нужно вновь писать как можно больше Ганимедов.

​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ ЗАРАБОТКУ НА РИСОВАНИИ И РОСПИСИ СТЕН! Если Вам нравится рисовать и не нравится нынешняя работа, или заработок на ней, пора расширять свои границы и выходить на новый уровень! Живопись востребована всегда, и, имея навыки рисования и продвижения, Вы всегда будете обеспечены заказами и хорошим заработком. Я Арон Оноре, и за годы практики в живописи я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье у пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнаете, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie?utm_source=telegram&utm_campaign=simpleartist https://telegra.ph/file/2329ca770b8a80d29df6a.jpg

«Она – моя», сказала бы Рената Литвинова. Потому что «Северный ветер» это не фильм. Это настоящая картина – женского рода, красоты, ума, тайны, матриархата. Это прекрасный сон, понять который можно, лишь открыв сердце чарам неповторимой Ренаты, под музыку не менее чудесной Земфиры. И смотреть – на женщин, их власть, ожидание, одиночество и надежду. Смотрите «Северный ветер» и вы! В онлайн-кинотеатре Okko по подписке «Оптимум» и «Премиум».

«Гермес с младенцем Дионисом» 8 мая 1887 года была обнаружена скульптура, покрытая толстым слоем глины. Ее назвали «Гермес с младенцем Дионисом». Она была найдена в руинах храма Геры в городке Олимпия, который ранее был простым поселением на Пелопоннесе, где возникли и проводились Олимпийские игры. Высота фигуры Гермеса — 212 см, с пьедесталом — 370 см. Считается, что оригинал статуи выполнен Праксителем. Некоторым исследователям это кажется проблематичным из-за нехарактерных для классики приемов, примененных в этой работе. Гермес несет маленького Диониса на воспитание нимфам в Нису, мифическую страну. Остановившись в пути, они отдыхают, и Гермес, скорее всего, угощает дитя виноградом - он мог держать его в высоко поднятой правой руке, до нас не дошедшей. По сути дела, Гермес уже совершил самое главное в «воспитании» Диониса-бога: он приобщает маленькое божество к его стихии - винограду и вину.

"Гора Сент-Виктуар" 1887 г. Поль Сезанн Институт искусства Курто, Лондон. Сезанн жил одновременно с художниками-импрессионистами, участвовал в первой и третьей выставках, организованных «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов», он выходил на пленэры вместе с Писсарро и избавлялся от темных красок под его влиянием. Но именно пейзаж – тот художественный жанр, в котором Сезанн оказался самым неимпрессионистичным художником своего времени. И дело тут не в палитре и не в технике. Сезанн терпеть не мог теорий искусства – он как будто всегда боялся случайно увязнуть в одной из чужих стройных систем мировоззрения. В последние 20 лет жизни, сведя общение с художниками, писателями и семьей в основном почти к эпистолярному, он с удовольствием закрылся в небольшой студии и занялся поисками своей «земли обетованной». В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит этим картинам когда-нибудь оказаться на стенах Лувра. Нет-нет, он давно уже не грезит о славе и Лувре – он просто мучительно хочет выполнить одновременно несколько важных для себя задач: дать зрителю почувствовать красоту мест, столь близких и волнительно прекрасных для него лично, передать исключительно собственные эмоции и переживания от увиденного и при этом освободить изображение от всего лишнего и вскрыть через него логику природы, найти непреходящее, вечное – то, что присутствует на картинах старых мастеров. И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору Сент-Виктуар в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными. Эту картину Сезанн показал своим землякам на выставке, устроенной в Эксе в 1895 году Обществом художников-любителей. Они уже давно начали подумывать, что возможно Сезанн – не просто сумасшедший лицедей и к нему стоит присмотреться, решились в конце концов попробовать. Уже не ждущему признания художнику это предложение очень польстило. Он отправил на выставку две свои картины, увидев которые, смелые и прогрессивные художники-любители сразу забыли о желании быть смелыми и понять Сезанна – они повесили картины повыше, над входной дверью, чтоб в глаза сильно не бросались. Единственным человеком, который выразил художнику восторг от «Горы Сент-Виктуар», был сын местного бакалейщика Жоашим Гаске, начинающий поэт, позже написавший книгу о Сезанне. Растроганный Поль подарил юному Жоашиму картину. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

​ ЛЮБИТЕ РИСОВАТЬ? ПОВЫШАЙТЕ СВОИ НАВЫКИ И ЗАРАБАТЫВАЙТЕ НА ЭТОМ! Художник - проводник прекрасного в этот мир! И если Вы увлечены этим искусством, вы априори достойны успешной профессиональной деятельности! Я Арон Оноре, и мой путь к успеху в мире искусства не был простым и быстрым, я не сразу пришел к тому, что могу расписывать стены на высоком уровне и зарабатывать на этом. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 тр., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: -За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. -11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. -3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. -6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество. Воскресенье, 18:00 Регистрируйся: http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie https://telegra.ph/file/fe58bf5f7559fbd09fa11.jpg

Лот с дочерьми 1537 Альбрехт Альтдорфер Музей истории искусств, Вена Щекотливый сюжет пользовался популярностью у живописцев. Бог сжёг Содом и Гомору, два библейских города, которые были уничтожены Богом за распутство. Её жители спасались бегством. Несмотря на веление посланников Господа не оглядываться на умирающий город, жена Лота всё же это сделала и превратилась в соляной столб. Так Лот потерял жену. Дочери Лота приняли уничтожение греховных Содома и Гоморры за конец света и посчитали, что они остались последними женщинами на земле. Их долг, решили дочери, не дать роду человеческому сгинуть и «возлегли» они с отцом своим Лотом, до этого опоив его вином. Примечательно и колористическое исполнение: автору удалось особенное освещение, так что тела героев на картине будто светятся. Заметна тонкая прорисовка деталей, игра света и тени, цветовая насыщенность. Несомненно, перед нами зрелая работа, демонстрация выкристаллизованного стиля, который складывался годами…и последняя картина кисти мастера.

«Писающий мальчик или Маннекен-Пис» Жером Дюкенуа Старший Одна из наиболее известных достопримечательностей Брюсселя представляет собой миниатюрную бронзовую статую-фонтан в виде нагого мальчика, писающего в бассейн. Когда точно возник Маннекен–Пис, как называют его брюссельцы, неизвестно. Зато по этому поводу сложено немало легенд. Самая сказочная из них рассказывает о шалуне, который не постыдился облегчиться прямо на крыльце дома, принадлежащего фее. Хозяйка была очень рассержена и превратила малыша в статую. Сама скульптура за годы своего существования приобрели много традиций. Например, в праздничные дни ей заменяют струю воды вином или пивом. А одной из основных традиций является регулярная смена одежд Жюльена. Именно так зовут известного шалуна. Он уже поменял несметное количество нарядов. Смена его гардероба - целое событие, а одежды для него тщательно подбираются. Обычно они подарены известными или авторитетными личностями.

"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history

​​Что нужно знать перед посещением первой в России выставки классика видео-арта Билла Виолы в Пушкинском музее.   Экспозиция выставки отражает 14-ти летнее исследование одиссеи души человека и ее трансформации: от рождения до смерти.   Многолетние поиски сущности человеческой природы через христианский мистицизм, исламский суфизм и дзен-буддизм вывели Виолу на тончайший уровень мироощущения и его отражения в искусстве.   Билл Виола пришел к выводу, что практически все духовные традиции ведут к единому: просветление, освобождение, перерождение. Сострадание и любовь приводят нас на новый уровень существования, где открываются совершенные истины.   Видеоработы погружают в медитацию и саморефлексию: я отключилась от мира на час, позволив сознанию изменить восприятие времени. На выставке Билла Виолы можно отдохнуть и насладиться единству с собой, где твоими спутниками остануться лишь стихии. Смотреть выставку нужно, даже хотя бы потому, что привезти этого мирового художника — огромная заслуга команды Пушкинского музея.   Познакомьтесь с выставкой и почитайте про художника и его искусство, тогда вы поймете экспозицию и влюбитесь к нее и в свою стихию.   Билл Виола, Путешествие души, ГМИИ им. А. С. Пушкина, 2 марта — 30 мая 2021 https://telegra.ph/file/2d4cab406ab7e471f5f5f.mp4

"Триумф Вакха" 1629 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Картину «Триумф Вакха» Диего Веласкес написал, что называется, на спор. Но удивительным было даже не это, а тот факт, что до сего момента художнику не приходилось обращаться к мифологической живописи, которую так любила его эпоха – эпоха барокко. Картины мифологической тематики пользовались гигантской популярностью: ими украшали ратуши и замки, суды и университеты, гостиные и спальни. Вспомнить хотя бы старшего современника Веласкеса – Рубенса, который отдал аллегорической живописи чрезвычайно щедрую дань! Но 30-летнего Веласкеса античный антураж оставлял равнодушным. Почему же Веласкес создал «Триумф Вакха»? До 23 лет Веласкес жил в Севилье и там писал в основном бодегоны – реалистичные бытовые зарисовки в какой-нибудь таверне или харчевне. Иногда его упрекали: что же ты, дескать, всё малюешь гуляк да пьяниц, изобразил бы бога или героя какого! Но юный Веласкес придумал в ответ замечательную формулу, которой потом руководствовался всю жизнь: «Лучше быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном». А уже в 24 года художник оказался в Мадриде и долгое время писал исключительно портреты. Практически сразу он получил звание придворного живописца короля Филиппа IV. Веласкес был очень молод, но король – на 6 лет моложе. Филипп приблизил его к себе, устроил Веласкесу мастерскую прямо в своих покоях. Любил сидеть там и наблюдать, как художник работает. Не позволял портретировать себя никому, кроме Веласкеса. Давал ему одно придворное звание за другим. Не разрешал уезжать надолго, потому что очень скоро начинал скучать по своему камергеру и другу. И, конечно, у прочих художников это вызывало огромную ревность. При дворах европейских монархов традиционно работали приглашённые итальянцы, воспитанные на культуре античности. Они плели против Веласкеса интриги. Однажды взволнованный король пришёл в мастерскую к своему фавориту и заявил с порога: «Они говорят, что ты умеешь хорошо рисовать только лица! Неужели это правда?» Ответом Веласкеса и стала картина «Триумф Вакха» (известная также под испанским названием Los Borrachos – «Пьяницы»). С убедительной наглядностью он показывал заносчивым итальянцам: «Не только лица! И тела тоже! И композицию могу выстроить не хуже, чем на ваших античных фризах. И Вакха написать не менее живым и соблазнительно-хмельным, чем ваш хвалёный Караваджо!» В чем своеобразие картины Веласкеса «Триумф Вакха»? Но и в несвойственном ему мифологическом жанре Веласкес остался Веласкесом: античную вакханалию он скрестил с испанским бодегоном, высокое – с низким. Как правило, свита Вакха состоит из вакханок и сатиров. А Веласкес решил поместить бога вина и страсти среди простых крестьян, помятых и побитых жизнью, в простой одежде и с обветренными лицами. Его Вакх – белотелый, немного рыхлый. По нынешним меркам, его тело можно назвать слегка «поплывшим», а вот сатир позади него – мускулист и смугл. Противопоставляя их, Веласкес показывает, что он большой мастер своего дела (и чужого тела): он может передавать и сложные ракурсы, и разнообразные позы, и различающееся «агрегатное состояние» человеческой плоти. Вакх Веласкеса сидит на бочке с вином – это его трон. Нагота его прикрыта складками ткани «королевских» цветов – белого и пурпурного. На его голове – венец из виноградных листьев, а сам Вакх коронует кого-то из своих особенно ярых почитателей, отметившегося на ниве пития и разврата, таким же виноградным венком. Крестьяне пришли к божеству с просьбой облегчить их тяжелую жизнь. А Вакх даровал им вино – самый доступный способ забыть о горестях и печалях. Большая плоская чаша в руках у центрального персонажа (в шляпе) написана притягивающе-реалистичной. Кажется, что глядя на глянцевую поверхность вина, можно ощутить его прохладу и терпкий аромат. Взгляд обрадованного пьяницы направлен прямо на нас. Он улыбается так широко и по-свойски, что буквально «затягивает» зрителя в пространство картины, требуя разделить с ним его веселье и питьё. ДиегоВеласкес Барокко МифологическаяСцена _history

Что нам надо для жизни и настроения? Как писал Уинстон Черчиль: "У меня имеется все необходимое для жизни: Горячая ванна, холодное шампанское, свежий горошек и старый коньяк". _Wines - создает отличное настроение, здесь просто и вкусно о вине бюджетном, и не очень, интересные новинки, а также горячие скидки. Найди свое любимое вино с _Wines. http://t.me/pro_Wines

Картошка В 2010 году ирландский фотограф Кевин Эбош создал снимок органической картофелины и продал его за миллион евро. Фотографию приобрёл бизнесмен из Европы — его имя не раскрывается. Известно, что Эбош с покупателем выпивали вино и после нескольких бокалов бизнесмен заявил, что хочет купить снимок. Фотография ирландской картошки на черном фоне выполнена в фирменном стиле Эбоша. Фотограф прославился портретами звезд — от Йоко Оно до Джонни Деппа — сделанными именно на черном фоне.  Искусство или нет?

«‎Менуэт быка» Однажды Франц Йозеф Гайдн, к немалому своему удивлению, увидел у себя дома гостя — мясника, который оказался любителем и знатоком его произведений. — Маэстро, — мясник почтительно снял шляпу, — на днях свадьба моей дочери. Напишите мне новенький красивый менуэт. К кому же мне обратиться с такой просьбой, как не к прославленному Гайдну? В назначенный срок мясник явился и получил драгоценный подарок. Через несколько дней Гайдн услышал оглушительные звуки, в которых он с трудом узнал мелодию своего менуэта. Подойдя к окну, он увидел у своего крыльца великолепного быка с позолоченными рогами, счастливого мясника с дочерью и зятем и целый оркестр странствующих музыкантов. Мясник сделал шаг вперёд и произнёс с чувством: — Сударь, мне думается, что лучшим выражением признательности за прекрасный менуэт со стороны мясника может быть только лучший из его быков. С тех пор до-минорный менуэт Гайдна стал называться «Менуэтом быка.

Картина «Николай Мирликийский избавляет от смерти трёх невинно осуждённых». 1888 г. Автор Илья Репин. Сюжет был взят из византийской летописи. Это история из жизни Николая Чудотворца, который узнал, что трое невиновных людей осуждены на казнь из-за подкупа. Святой пошёл на место казни и остановил её.

Данте Габриэль Россетти "Прозерпина" (1874) Прозерпина – дочь Цереры, богини плодородия и земледелия. Бог царства мертвых Плутон похитил прекрасную Прозерпину и сделал своей женой. Безутешная Церера искала дочь повсюду – и от ее тоски земля стала бесплодной и сухой, виноградные лозы погибали, дикие звери уходили в норы и пещеры, целые народы умирали от голода. После долгой мольбы и слез матери Юпитер сжалился и разрешил вернуть Прозепину из царства мертвых при условии, что она не успела принять никакой пищи в подземном мире. Но девушка приняла от Плутона несколько гранатовых зернышек, символ брака, - и по решению Юпитера обязана была проводить под землей столько месяцев в году, сколько зерен съела. Их оказалось 6. С тех пор полгода Прозерпина живет на земле, тогда наступает тепло, поют птицы и цветут цветы, колосья наливаются и деревья тяжееют от плодов. Но когда она возвращается к мужу, в царство мертвых, земля замирает, погружается в сон и печаль.

​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым стеклом Шедевр Губерта и Яна ван Эйков, «Поклонение мистического агнца», также известный как Гентский алтарь, обрёл новый дом. Теперь одно из величайших мировых сокровищ будет находиться в пуленепробиваемом стеклянном контейнере стоимостью в 30 миллионов евро. Возможно, потраченная сумма кажется непомерно большой, однако стоит вспомнить, что этот полиптих — самое похищаемое произведение искусства всех времён. Братья Ван Эйки создали алтарь из двенадцати панелей в 1432 году для собора Святого Бавона в Генте (ныне — Бельгия). Сейчас он установлен в часовне Святого Причастия — самой большой часовне собора — в пуленепробиваемой витрине высотой в шесть метров и объёмом в 100 кубометров. В контейнере налажен климат-контроль для лучшего сохранения шедевра, чьё былое величие восстанавливали последние восемь лет. Температура в неотапливаемом соборе зимой опускается до двух градусов Цельсия, а часовня иногда наполняется солнечным светом, который проникает через цветные витражи. Но главным приоритетом для заказчиков и создателей витрины была безопасность шедевра. За свою 589-летнюю историю Гентский алтарь множество раз побывал на грани уничтожения. Полиптих пытались сжечь мятежные кальвинисты, Наполеон выкрал его для парижского Лувра, он был разделён, когда попал в руки короля Пруссии. Во время Второй мировой войны Герман Геринг пожелал преподнести «Поклонение мистического агнца» Адольфу Гитлеру, и похищенное творение Ван Эйков могли взорвать динамитом в австрийской соляной шахте, но его спасли двойные агенты-коммандос. К сожалению, алтарь не полностью сохранился в первоначальном виде. Одна из дюжины его панелей исчезла во время дерзкого ограбления вечером 10 апреля 1934 года. Это преступление до сих пор не раскрыто. В своё время попытка найти пропажу довела до отчаяния нацистских агентов, которых отправил Геббельс, и по сей день загадка сбивает с толку как следователей-профессионалов, так и сыщиков-любителей. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/53bc270c0334f28be8e10.jpg

► Почему «Обнаженная» Фалька вызвала гнев у Никиты Хрущева? ► Кто виноват в страшном виде Алёнки из Нововоронежа? ► Почему святого Христофора пишут на иконах с головой собаки? ► Почему Шишкин не сам нарисовал медведей на картине «Утро в сосновом бору»? ► Существует ли картина Репина «Приплыли»? ️ Об этих и других любопытных подробностях из жизни художников, интересных фактах о произведениях искусства, а также о репортажах с выставок читайте на канале: "Я люблю музеи" — t.me/ilovemuseum http://t.me/ilovemuseum

Погожий летний вечер. Просторная терраса с видом на Потсдам и его знаменитую гарнизонную церковь. На накрытом белой скатертью столе нехитрый ужин: хлеб, фрукты, вино. Вокруг стола расположились друзья-художники: три девушки и двое юношей, одетые в богемном стиле. Особенно бросается в глаза девушка, сидящая в центре: ее задумчивое лицо напоминает лик Христа. Молодые люди не веселятся и не беседуют с друг с другом. Каждый погружен в свои мысли, но видно, что им всем комфортно в этой компании. Картина, навевающая меланхолическое настроение, но совершенно не угнетающая, называется «Вечер над Потсдамом, или Сад на крыше».   Эта знаковая работа точно отражает эмоциональный настрой той эпохи, будущее которой, как и Потсдам на картине, лежало в дымке, и уже возникло тревожное предчувствие грядущих перемен к худшему. Полотно «Вечер над Потсдамом» создано в 1930 году и считается центральным произведением в творчестве Лотте Лазерштайн - яркой немецкой художницы еврейского происхождения, принадлежавшей к замечательному поколению живописцев, с именами которых был связан расцвет искусства эпохи Веймарской республики. Правда, имя самой Лазерштайн, которая после прихода к власти в Германии национал-социалистов была вынуждена бежать из страны, на несколько десятилетий было незаслуженно предано забвению. Художницу вновь "открыли" лишь в конце 1980-х годов.

"Сад Ошеде. Монжерон" 1881 г. Альфред Сислей ГМИИ имени А. С. Пушкина. Этот сад писал не только Сислей. Хозяин сада и дома в Монжероне, Эрнест Ошеде, был одним из первых поклонников молодых художников-импрессионистов. Он покупал их картины и часто спасал этим от голода. И был, кстати, владельцем легендарного полотна Моне «Впечатление. Восход солнца», которая дала название всему движению молодых художников. Он приглашал Клода Моне, Эдуара Мане и Альфреда Сислея в свое поместье в Монжероне, где они жили по несколько месяцев и писали местные пейзажи и декоративные панно для огромного дома Ошеде. Художники отдыхали: в этом доме их всегда ждала мастерская в парковом павильоне, приятное общество, изысканная еда и вино, солнце и живописные места. Эрнест - наследник успешного бизнеса. Его родители создали торговое предприятие и занимались продажей тканей. У него жена Алиса, тоже богатая наследница крупных промышленников, и пятеро детей. Дела идут неплохо. Когда Эрнест разорится, бестолково угробит родительский бизнес и истратит родительские деньги, парижские журналисты будут писать ядовитые статьи: как это мило со стороны художника Клода Моне - приютить у себя в доме семью Эрнеста Ошеде, который стал банкротом, покупая его картины. Это была правда лишь наполовину: Моне действительно пригласил Эрнеста, Алису и их детей снимать один дом на две семьи, когда с деньгами у Ошеде стало туго. Но в разорении неудачливого торговца виноват был только он сам. Этот солнечный пейзаж Сислея подписан 1881 годом - к тому времени Эрнест уже разорился и заложил поместье. Его семья уже жила с Клодом Моне, а сам он был в постоянных разъездах и увлеченно делал карьеру журналиста в Париже. Дети Эрнеста скоро станут называть Клода Моне папой, а пока еще законная жена Ошеде Алиса станет возлюбленной и помощницей Моне. Так что скорее всего Сислей начал работу над «Садом Ошеде» за несколько лет до этого, когда Эрнест еще мог себе позволить скупать картины импрессионистов сотнями, когда беззаботная жизнь в Монжероне казалась бесконечной, а легкий летний флирт хозяйки дома Алисы Ошеде и молодого темпераментного талантливого Клода Моне еще казался мимолетным и несерьезным. Вот только дотянутся знойные ленивые тени до другого края сада - и все это наваждение рассеется. АльфредСислей Импрессионизм _history

Похищение Прозерпины Мраморная скульптура Джованни Бернини, создавалась в 1621—1622 годах, когда скульптору было 23 года. Находится в галерее Боргезе (Рим). Высота статуи 295 см. «Я победил мрамор и сделал его пластичным, как воск…», — писал Джованни Бернини. Была у богини Деметры юная прекрасная дочь, Прозерпина. Отцом Прозерпины был громовержец Зевс. Однажды Прозерпина вместе со своими подругами резвилась в цветущей долине. Не знала она, какая судьба ей уготована отцом её Зевсом. Он отдал её в жены мрачному своему брату Плутону, властителю царства теней и умерших, и с ним должна была жить Прозерпина во мраке подземного царства. Плутон видел, как резвилась Прозерпина, и решил её тут же похитить. Он упросил богиню Гею вырастить цветок необыкновенной красоты. Прозерпина увидала цветок и протянула к нему руку. Но только сорвала она цветок, как разверзлась земля, и появился мрачный Плутон на золотой колеснице. Он схватил юную Прозерпину и скрылся в недрах земли. Только вскрикнуть успела Прозерпина. Никто не видел, как похитил Плутон девушку, лишь бог солнца — Гелиос. Услыхала крик Прозерпины Деметра. Стала всюду искать она свою дочь, но нигде не нашла. На десятый день пришла она к богу Гелиосу и стала молить его, чтобы он сказал, кто похитил Прозерпину. Гелиос обо всем рассказал скорбящей матери. Разгневалась Деметра, что Зевс отдал Прозерпину в жены Плутону без её ведома. Она покинула Олимп и приняла вид простой смертной. Но Деметра была богиней плодородия, и без неё всякий рост на земле прекратился. Листья на деревьях завяли и облетели, травы поблекли, цветы засохли. Не было плодов в садах, и не зрели в виноградниках тяжелые сочные гроздья. Замерла жизнь на земле. Гибель грозила всему людскому роду. Ничего не оставалось Зевсу, как повелеть Плутону отпустить Прозерпину на землю к матери. Плутон согласился отпустить Прозерпину, но предварительно дал ей проглотить зерна граната, символ брака. С тех пор Прозерпина две трети года живет с матерью, а одну треть проводит со своим мужем, Плутоном.

Есть среди вас ценители музыки? Сегодня благодаря интернету изучать музыкальные работы стало гораздо проще и приятнее. Ещё проще это делать с каналом Мне приснился сон и Walkman. Его автор Егор рассказывает о любимой музыке по-разному. В этом канале вы найдете еженедельные обзоры новинок, дельные рекомендации, интервью с музыкантами и увлекательные истории, например, про создание дуэта Florence and the Machine или про взросление солиста группы Tame Impala. Всё это приправлено отсылками, каламбурами и плейлистами от самого автора. Подписывайтесь на канал Мне приснился сон и Walkman, чтобы не проспать интересные новинки и расслушать любопытные работы из мира музыки!

Любите антиквариат? Или, может быть, Вас интересуют различные плакаты и афиши? Они, а также живопись, графика, старинные книги, винтажная мебель и много других интересных лотов Вас ожидают в Telegram-канале Регулярные Online и офлайн аукционы, высококачественные фото предметов искусства, интересная информация об авторах и их работах. А также команда специалистов, готовая оценить Ваш антиквариат и выставить его на аукционные продажи. Заходите и следите за обновлениями — https://t.me/Auctionhouse1

Теперь немножко про остальных бамбоччанти. В Италии в чести было искусство возвышенное и театральное, а бамбоччанти любили гротеск, темные стороны жизни и решительно не хотели писать персонажей не то что возвышенными, а даже просто красивыми. Взяли и скрестили хулиганско-наставительные сюжеты Питера Брейгеля Старшего с мрачноватыми последователями Караваджо и, пожалуй, сарказма еще добавили кое-где. Типичные герои их небольших картин или офортов - солдаты, бродяги, торговцы, фермеры и доярки, трактирщики, прачки или, как писал Сальватор Роза “негодяи, мошенники, карманники, бандиты, пьяницы, обжоры” - ну, то есть, как посмотреть. Бамоччанти критиковали представители официального искусства, называли их картины низостью и гадостью, призывали вернуться к изысканности и красоте заблудших художников. А вот покупатели и коллекционеры их гадостей очень быстро нашлись и жанр приобрел огромную популярность - и ван Лар и его друзья устанавливали довольно высокие цены на свои картины, но их раскупали, переправляли по всей Европе и особенно ценили на их родине, в Нидерландах. Считается, что эта группировка повлияла на Веласкеса, которые любил писать сценки из темных трактиров в ранние годы, что любитель нравоучительных бытовых серий Хогарт тоже насмотрелся, Гойя даже вроде что-то имел в личной коллекции, а еще что к камерным и иногда двусмысленным сценкам бамбочатти обращались после многие художники рококо. Но тут же тоже интересно, раз мы говорим о группе голландских художников, то стоит иметь в виду, что они не так просты чтоб быть обыкновенными реалистами, которые просто запечатлевают неприглядный окружающий мир как он есть ради анекдота. Вы же помните, что как раз голландцы даже в натюрморте с тыквой и букетом цветов зашифровывали сложные аллегории. Так и тут все было. Простые предметы и вульгарные сценки должны побудить нас, зрителей, к сложным размышлениям. Трюк такой. Особенно тут важно, что работают художники именно в Риме, поэтому то там то тут намекнут на то, в каких величественных пейзажах, да с каким прошлым, разворачиваются все эти мелкие житейские происшествия. В общем, рассматриваем и ищем глубокий смысл.

"Ветряная мельница на Монматре" 1886 г. Винсент Ван Гог Музей Крёллер-Мюллер. Винсент, Тео и Париж В конце февраля Винсент сбежал из ненавистной художественной академии в Антверпене и приехал в Париж к брату. Нельзя сказать, что Тео обрадовался его приезду. Да что там, он был в отчаянии. Тео переживал далеко не самые лучшие времена: у него были проблемы со здоровьем, да и на работе в фирме «Гупиль и Ко» все было не слишком гладко. К тому же, он жил в крошечной квартирке, в которой им с Винсентом вдвоем просто не хватило бы места. В то время, когда Винсент жил в Антверпене, Тео едва ли не в каждом письме умолял брата не бросать академию и не приезжать в Париж. Однако Винсент, как всегда, сделал все по-своему, не обращая внимания на нужды и желания других людей. Тео не оставалось ничего другого, кроме как смириться. Для того, чтобы Винсент мог жить вместе с ним, Тео пришлось снять другую квартиру. Братья поселились на Рю Лепик, очень крутой улочке неподалеку от Монмартра. Такое соседство их только радовало, несмотря на то, что этот район никак нельзя было назвать престижным. Однако в то время Монмартр был средоточием культурной жизни французской столицы. С началом жизни в Париже жизнь Винсента наполнилась посиделками в многочисленных ресторанчиках и кабаках за бутылкой вина или абсента и разговорами об искусстве с единомышленниками. Этот период в творчестве художника отличается тем, что о нем не осталось почти никаких документальных свидетельств: из-за того, что Ван Гог жил вместе с братом, необходимости писать ему письма не было, а обрывочные воспоминания других художников вряд ли можно считать достоверными. Всего за два года обитания во французской столице Винсент создал 230 работ, благодаря которым можно проследить его стремительную эволюцию и трансформацию. Картина «Ветряная мельница на Монмартре» была написана, по всей видимости, в самом начале парижского периода. В первое время здесь Винсенту очень нравилось изображать именно «изнанку» Монмартра с мельницами, почти деревенскими двориками и виноградниками. На полотне еще преобладают мрачноватые землистые цвета, изображенные здесь люди одеты по большей части в темную, неприметную одежду. На фасаде здания по центру только угадывается некогда ярко-красный цвет. А небо как будто стесняется показать свой истинный цвет, прикидываясь грязновато-белым, и лишь на горизонте робко проглядывает завораживающая синева. ВанГог Постимпрессионизм _history

"Муза, вдохновляющая поэта" 1909 г. Анри Руссо Базельский художественный музей. «Муза, вдохновляющая поэта», – не кто иная как возлюбленная Аполлинера Мари Лорансен, художница и гарвер. Соответственно, поэт – это сам Гийом Аполлинер. Портрет написан после знаменитого приёма у Пикассо, устроенного в честь Таможенника – прозвище Руссо, 15 лет проработавшего на парижской таможне. Руссо был большим любителем такого жанра как портрет-пейзаж. Относительно этой картины сохранилась фотография, раскрывающая способ работы художника. На фото запечатлен Руссо у картины, на которой практически полностью прописан фон и оставлено чистое пространство для фигур, которые он вписывал в последнюю очередь. Базельский портрет – это уже второй вариант. Дело в том, что Мари Лорансен просила изобразить у их ног турецкие гвоздики, символ поэтов. Руссо неоднократно посещал Ботанический сад, делал наброски, а в конце концов всё перепутал и «воткнул» в землю у ног поэта и музы левкои – символ смерти и забвения. Говорят, Мари устроила грандиозный скандал. Кстати, не стоит также забывать, что Мари Лорансен была барышней чрезвычайно стройной, с осиной талией, о чем по портрету догадаться, прямо скажем, непросто. На вопрос, почему он изобразил мадмуазель Лорансен в таком виде, Руссо невозмутимо ответил: «Так ведь большому поэту нужна большая муза!». Впрочем, другие источники утверждают, что чувство юмора у Мари возобладало над женским возмущением, и она дико хохотала, глядя на свое изображение. Но забирать его домой Аполлинер все же не рискнул. Картина оставалась у Руссо и попала на глаза русскому меценату и коллекционеру Сергею Щукину, который купил ее для своего собрания. Так «Поэт и Муза» на фоне левкоев» попали в Россию. И вот незадача – то ли Аполлинер по-новому взглянул на картину, то ли Мари перестала сердиться, но вскоре поэт пришел к Руссо с намерением забрать портрет. Что делать, пришлось писать новый! Нельзя не заметить, что во втором варианте исправлены не только цветы. Мари выглядит не такой крупной, и платье безусловно подчеркивает наличие талии – не осиной, конечно, но по сравнению с первым вариантом она, по крайней мере, имеется. Кстати, Фернанда Оливье, подруга Пабло Пикассо, Мари недолюбливала и язвительно констатировала, что с возрастом та становится всё больше похожа на свой портрет работы Руссо. Да и сам Аполлинер в базельском варианте кажется более «прилизанным», аккуратным. Если в первом варианте, с левкоями, образы Аполлинера и его Музы максимально индивидуализированы, в некоторой степени гротескны, укрупнены – словно мы смотрим на них, поднеся к холсту лупу, то второй вариант – попытка написать салонную картину. Украшения Мари в первом варианте – однозначно из живых цветов. Вся композиция несет некий отпечаток античности. На втором же портрете фигуры и лица изображенных схематичны, шею Мари обвивает просто некое украшение, пейзаж тоже усреднен, схематизирован, кроны деревьев четко образуют арку, под которой представлены объекты. Руссо вообще очень почитал академическую живопись и искренне верил, что он «тоже такой». Авангардизм он считал, по большому счету, баловством, недоумевал, «зачем Робер (Делоне – ред.) сломал Эйфелеву башню» и стремился писать салонную живопись, что не особо удавалось. Зато удавалось значительно большее. В этом смысле сопоставление двух вариантов «Поэта и Музы» очень интересно, поскольку наглядно демонстрирует, как в версии с гвоздиками стало чуть меньше Таможенника, чуть больше салона. АнриРуссо Примитивизм _history

Плохое предчувствие 1862 Джироламо Индуно Пинакотека Брера, Милан Мастера знали как наблюдательного и умелого композитора, который умело замечал детали композиции, которые и делали картину живой и дышащей. Про него говорили,что он художник наделённый теплотой чувства и превосходно владеющий всеми средствами живописи. Главные в ряду его картин — «Письмо из лагеря», «Рассказ гарибальдийца», «Гарибальдиец на карауле», «Маджентская битва», «Галантный друг дома», «Италия 1866 г.», «Эмигранты», «Расставанье призванного к отбыванию воинской повинности с его возлюбленной», «Любитель древностей», «Савоярка» и конечно сегодняшняя "Плохое предчувствие".

"Уличная сцена в Берлине" 1914 г. Эрнст Людвиг Кирхнер Новая галерея, Нью-Йорк. В 2006 году «Уличная сцена в Берлине» Эрнста Кирхнера - одна из самых важных картин немецкого экспрессионизма, как утверждали аукционисты, - была продана в частную коллекцию. Запутанная история, которая вызвала волну негодования среди искусствоведов, политиков, журналистов и любителей живописи – крайне редко произведения такой ценности уходят в частные руки из общественного музея. Brücke museum (музей, посвященный деятельности художественного объединения «Мост») вынужден был отдать картину Аните Хальпинс, которая заявила, что она прямая наследница коллекционера-еврея Альфреда Гесса, первого владельца картины. Ее дед вынужден был продать картину за бесценок во время преследования евреев национал-социалистической партией. В соответствии с Вашингтонской декларацией 1998 года власть Берлина согласилась снять картину с музейной стены и передать семье первого владельца. На аукцион Christie's картина попала в том же году и была продана по рекордной для Кирхнера цене – 38 миллионов долларов. Новым владельцем «Уличной сцены» стала Neue Gallery, частная нью-йоркская галерея. Споры вокруг этого решения не утихают уже много лет: обыкновенный коммерческий ход со стороны наследницы, комплекс вины со стороны немецкой власти, ненадежность сведений о первом владельце и тех причинах, которые побудили его к продаже (а может и не было никакого преследования? может, Альфред Гесс просто продал картину и получил за нее хорошие деньги?). В любом случае, возмущаются галеристы и искусствоведы, нельзя просто взять и отдать настолько значительный музейный экспонат, доступный миллионам людей, во владение одному человеку. Эрнст Людвиг Кирхнер написал 11 картин с берлинскими ночными уличными сценами в последний предвоенный год, 1913. Он переехал из провинциального и тихого Дрездена в Берлин, самый быстро растущий и самый освещенный город в начале ХХ века. Здесь резко меняется художественная манера Кирхнера, писавшего до сих пор обнаженную натуру среди дикой природы во время летних вылазок на Морицбургские озера. Город Кирхнера – это мегаполис, в котором одиноко и неуютно, который одинаково возбуждает и пугает обилием возможностей, агрессивным светом ночных клубов, ресторанов, театров, кабаре, кинотеатров. Героини этой живописной серии – берлинские проститутки, ярко одетые и вызывающе заметные. Позднее искусствоведы скажут о том, что продажная любовь для Кирхнера – это символ: коммерческой основы всех внутригородских отношений, процветавшей коррупции, битвы между личной свободой и цензурой в искусстве и одновременно продажности искусства. Все эти смыслы художник вряд ли формулировал как программу и художественную задачу – Кирхнер пишет не социальный пасквиль, а собственные ощущения и состояние ума, собственное отчаянье и одиночество. Не смотря на то, что между мужчинами-клиентами и городскими проститутками должен происходить сейчас бессловесный договор, не смотря на то, что пространство картины перегружено и плотно заполнено фигурами людей, все взгляды направлены в разные стороны и все движения разрознены. Здесь каждый сам по себе. Проводя вечера на центральных улицах и площадях, Кирхнер делает множество зарисовок – ему теперь хватает нескольких линий, чтобы обозначить движение, характеры, выражения лиц. Он пишет позже о том, что попытка передать движение привела его к отказу от одноточечной перспективы, именно несколько точек зрения способны создать ощущение хаотичного, разрозненного движения. Обрезанные фигуры на первом плане картины создают ощущение случайного снимка, сделанного в гуще быстро движущейся толпы. Вытянутые, угловатые лица – влияние одновременно двух равноудаленных от окружающей действительности традиций: экзотические африканские маски и древняя готическая иконография. ЭрнстКирхнер Экспрессионизм _history

"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств, Хьюстон. «Если бы я продавал только хорошие картины, я бы умер с голоду», - шутил Ренуар. Натюрморты он писал как раз для того, чтоб выжить. Они отлично продавались и создавались очень легко. Ренуар отдыхал, набрасывая свежесорванные цветы, как другие отдыхают, танцуя или попивая вино. Но этот натюрморт особенный. Это натюрморт-посвящение, натюрморт-признание. Эдуару Мане. Реминисценция первая: гравюра. На заднем плане ренуаровского натюрморта – гравюра к картине, о которой сейчас мало кто знает. В XIX веке ее считали произведением Веласкеса и она находилась в Лувре вместе с другими испанскими шедеврами, попавшими в музейные залы в качестве наполеоновских военных трофеев. Мане был в восторге от Испании и Веласкеса, он написал десятки полотен, вдохновленный испанскими мотивами, испанскими костюмами, композицией и мотивами испанских художников. Сейчас полотно приписывают зятю Веласкеса Хуану Батисте Мартинесу дель Масо или просто Мадридской школе. Но ту гравюру, которая оказалась внутри «Натюрморта с букетом и веером», абсолютно точно сделал Эдуар Мане. Реминисценция вторая: цветы. Если бы не было гравюры, все остальные переклички можно было бы считать слегка надуманными, но Ренуар сам узаконил дальнейшие поиски аллюзий. Букет на скандальной картине Эдуара Мане «Олимпия» слишком большой, критики не преминули упрекнуть художника в нарушении пропорций. Зато его невозможно не заметить: это смысловой центр картины, который превращает обыкновенное изображение обнаженной женской натуры в весьма недвусмысленный сюжет: за букетом где-то там, в гостиной, на пороге, за дверью, мужчина, которого вот-вот должна принять Олимпия, обнаженная Олимпия. Этот букет наверняка запомнили все: и критики, брызжущие ядовитыми упреками в неприличности, и молодые импрессионисты, которые назвали Мане своим учителем. Букет для натюрморта Ренуар собирал по своему вкусу, но обернул его точно в такую же, как у «Олимпии», плотную белую бумагу. Реминисценция третья: веер и книги. Япония стала для французов не меньшим откровением и художественным потрясением, чем Испания. Композиционные решения, цветовые находки, рисунок японских гравюр – все это буквально проросло в импрессионизм. Моне, Ван Гог, Сезанн и конечно Ренуар скупали стопки восточных пейзажей в художественных лавках, развешивали их по стенам, впитывали и учились. «Я уверен, что японские пейзажи не лучше других. Только одно: японские художники сумели найти спрятанный клад», - восхищался Ренуар уже много лет спустя. На этом японо-фанатском объяснении можно было бы остановиться, если бы не книги и если бы не заданная уже необходимость искать Мане. В каждой детали. И Мане снова находится. За два года до того, как Ренуар взялся собрать все эти знаковые вещи на одной картине, Мане пишет портрет Эмиля Золя за рабочим столом. Наверняка Ренуар его видел и схватил оттуда на память пару книг и японские мотивы. Во всяком случае так могло быть. ПьерОгюстРенуар Натюрморт Импрессионизм _history

Юлия Литвинова

Неизвестно кто именно это придумал, но эти художники решили объединиться, потому что их роднил не только уникальный опыт, но и общие интеллектуальные, художественные и иногда еще житейские вопросы. Интересно то, что к художникам присоединились граверы, скульпторы, ювелиры и даже поэты. Расширился и национальный состав общества - к нидерландцам и фламандцам позже примкнуло немножко немцев, французов и даже итальянцев. Называлось это общество, впоследствии ставшее серьезной оппозицией местной официальной академии Святого Луки, обществом Перелетных Птиц (хотя были редкие мастера, входившие и в Академию и в Птиц). Чтоб в него попасть, надо было пройти целое крещение и посвящение. Первая часть этого дела включала в себя высокоинтеллектуальные беседы о сути искусства на разных языках, а вторая прославила художников на весь Рим и окрестности, потому что это был вакхический кутеж на сутки. Ну, представьте, действующие члены общества наряжались в цветные простыни, типа это у них тоги как у греков, украшали головы венками, немножко неистовствовали, а новый член общества угощал всех вином, выслушивал напутственные речи и получал новое имя в честь античных богов, ну или просто смешное и полунеприличное прозвище. Затем процессия художников отправлялась в храм Санта Констанца, который был назначен храмом бога Вакха, потому что там находился античный саркофаг, и продолжала поднимать кубки с вином уже у этого саркофага. Вообще, католическому Риму не сильно нравились бурно пьянствующие протестанты, разыгрывающие языческие шествия, поэтому саркофаг потом передали в Ватикан от греха подальше.

Но кроме того, были и глубинные противоречия между официальным римским искусством и понаехавшим голландским. Для начала, члены Перелетных Птиц считали, что сами методы обучения художников через копирования старых мастеров донельзя унылы. Еще им претило подражание Рафаэлю, идеализация натуры, академизм и прочее занудство. Вместо этого они провозглашали торжество натурализма, живой интерес к реальности, низменным бытовым сюжетам и все такое, за что они даже получили прозвище “малых караваджистов”. Папству были эти ребята не по душе просто потому, что были чересчур независимы - местных художников можно было прижать и поутихомирить, если тех заносило, при помощи заказов, денег от меценатов и всякого такого или просто выпустив какой-нибудь приказ, которому те не смели не повиноваться. С Птицами так не получалось. Были попытки ввести специальные налоги на торговлю предметами искусства для иностранцев, но они встретили бурное сопротивление, которое продолжалось много лет и победителями вышли Птицы. . Так они и стояли на голове, возмущая публику и своими выходками и своим искусством, пока папа Урбан VIII быстро, решительно не издал особый приказ о роспуске общества в 1720 году. Разбрелись художники кто куда, но оставили свои интереснейший след в истории, работая где-то между голландской бытовой прекрасной живописью и барокко и писали они как всякое хулиганство, так и множество картин на темы античных мифов, групповые портреты и даже портреты монарших особ. Я вам чуть позже, на днях, расскажу про совсем хулиганское ответвление от Перелетных Птиц:3

"Маленькая девочка в синем кресле" 1878 г. Мэри Кассат Национальная галерея искусства, Вашингтон. Один из первых и лучших детских портретов Кассат, который, к тому же, зафиксировал переход художницы от реалистичной манеры живописи к импрессионизму. Эту картину вместе с десятью другими работами Кассат представила на четвертой, дебютной для нее выставке импрессионистов в апреле 1879 года. В создании «Маленькой девочки в синем кресле» непосредственным образом участвовал Эдгар Дега. Художники познакомились в 1877 году. Дега не только предложил американской коллеге выставляться с импрессионистами, но стал ее другом и наставником. Для картины позировала дочь одного из друзей Дега. Брюссельский грифон, изображенный в одном из кресел, — подарок художнице, который преподнес опять-таки Дега. Декоративная порода собак полюбилась Кассат во время путешествия в Антверпен в 1873 году. Обзаведясь первым щенком, она не расставалась с собаками этой породы до конца жизни. Позже Кассат неоднократно писала портреты женщин и детей, держащих на руках ее грифонов. В письме известному парижскому арт-дилеру Амбруазу Воллару Кассат призналась, что Дега помогал ей работать над фоном «Маленькой девочки в синем кресле». Многолетние исследования, проводившиеся в Национальной галерее искусства (Вашингтон), где хранится картина, подтвердили, что на ней есть следы кисти Дега. Кассат хотела представить картину в американском павильоне Всемирной выставки в Париже (1878 год), которая стала знаковым событием того времени. К примеру, соотечественник художницы Томас Эдисон презентовал там свои новые изобретения — мегафон и фонограф. Художница направила жюри «Маленькую девочку в синем кресле» и еще одну работу, название которой до сих пор неизвестно. «Неопознанную» картину включили в экспозицию, а вот детский портрет в импрессионистском стиле отклонили. Узнав об этом, Кассат была в ярости. Картина долгое время находилась в частных руках, пока в 1983 году тогдашние владельцы, чета Меллонов, не подарили ее вашингтонскому музею. Что же не понравилось жюри американского павильона, но восхитило зрителей выставки импрессионистов и до сих пор пленит любителей живописи? Сюжет картины предельно прост. Маленькая девочка, которая только что, судя по всему, бегала по комнате, расположилась в ярко-синем кресле. Взгляд у ребенка слегка недовольный. Девочке скучно, она, раскинув ноги в стороны, практически сползает с кресла, как часто делают непоседливые дети. Юбка задрана, колени оголены — приверженцев академической живописи, скорее всего, смущала именно «телесность» картины. Во второй половине XIX века детей все еще изображали как ангелочков — в чинных позах, в рюшках и со спокойным ясным взглядом. Импрессионизм, который декларировал «искренность в искусстве», отвергал такой подход. Кассат была одной из тех, кто стал изображать детей принципиально по-новому, в их «естественной среде». При помощи ограниченной палитры красок, широких мазков и ассиметричной композиции Кассат придала картине внутреннюю динамику. Свет, входящий в комнату через расположенные сзади двери, оживляет текстуру и рисунок неодушевленных предметов. Этот визуальный эффект усиливают энергичные мазки, с помощью которых выполнены бессистемно расставленные синие кресла и коричневато-серый пол. В противовес мебели девочка и собака изображены в состоянии покоя. Зрителям понятно, что художница «выхватила» момент между играми. Наклонная плоскость изображения и «обрезка» кресел выдают в картине влияние Дега и японской графики. Теоретики искусства называют «Маленькую девочку в синем кресле» одной из самых дерзких для своего времени иллюстраций детства. Картина Кассат передает то чувство несправедливости и беспомощности, которое ощущает подвижный ребенок, скованный социальными ограничениями взрослого мира. МэриКассат Импрессионизм _history

Влияет ли совместное творчество на цену произведений художников? ⠀ Давайте рассмотрим на конкретных примерах ⠀ Картина бывшего арт-дуэта Виталия Комара и Александра Меламида «Встреча Солженицына и Бёлля на даче у Ростроповича» ушла с аукциона за $1 011 194. Когда художники перестали работать вместе, произведения каждого оценивались не более, чем в $250 000. Самая дорогая картина бывшего творческого дуэта Александра Виноградова и Владимира Дубосарского «Big Paradise» была продана за $305 000. После распада работы художников можно приобрести за $16–20 тысяч. Сальвадор Дали в 1930-х годах поучаствовал в создании коллекции для модного дома Schiaparelli. Такой наряд стоит почти $20 000. Платье Schiaparelli без принта обойдется примерно в $4000. ⠀ Пражский арт-дуэт иллюстраторов Tomski&Polanski появился лишь в 2013 году, но уже приобрел популярность. Цены за их общие картины начинаются от $900, в то время как отдельные работы художников можно приобрести за $50.

Елена Базанова (1968) «Виноград моей мамы» 2020 бумага, акварель. 56х76 см елена_базанова

Я вам щас такое покажу! Корнелис Ван Далем был фламандским художником-любителем из богатой и, вероятно, дворянской семьи. Он был торговцем тканями, как и отец, а в свободное время баловался живописью. Художник был очень богат и очень любил живопись, а еще любил выпендриваться, поэтому пишут, что фасад своего дома он украсил нетипичными и даже возмутительными для протестантского спокойного Антверпена великолепием - там были нарисованы богини с мольбертами, всевозможные цветы и рядом стояли каменные бюсты Яна ван Эйка и Альбрехта Дюрера. За это, и еще за то что Ван Далем не был замечен в церкви, его подозревали в еретичестве. Против него даже выдвинули обвинения в 1571 году, что вынудило его уехать из Антверпена. Ходили слухи, что в своем замке недалеко от нидерландского города Берда, он приютил общину анабаптистов. Это были такие задорные хиппи-пацифисты, которые считали что надо креститься второй раз во взрослом сознательном возрасте и обобществлять деньги, имущество и женщин. Еще Корнелис как-то взял себе в ученики тогда еще совсем юного художника Бартоломеуса Спангера и ничему его не учил три года - просто ходил проверять чистенько ли в мастерской. Бартоломеус очень обиделся и уехал потом в Париж, но сегодня не о нем. Больше всего Ван Далем любил писать пейзажи и не очень хорошо рисовал людей - он даже приглашал других мастеров чтоб те ему на картине изобразили человечков или здания. Но у него встречаются совершенно неожиданные темы - например, он попытался придумать как выглядело возникновение цивилизации или пару раз написал картины по легенде про булочников из Экло. Про булочников не совсем ясно точно ли его картины - пока не договорились окончательно, но, будем считать что его (или последователей). То есть ему были интересны как высокие материи, так и всякие народные легенды. Так вот, с цивилизацией понятно - ну возникает и возникает (хотя поглядите как отпадно Ван Далем писал горы и гроты!), а вот с булочниками история ууу! Согласно легенде, возникшей в начале XIV века, люди недовольные своим характером или внешностью, ехали в город Экло и обращались там к булочникам. Там им отпиливали головы и вместо них делали новые - лепили из теста, украшали глазурью и запекали. Была, конечно, проблема с тем, что можно было передержать или недопечь новую голову, тогда лицо выходило не очень красивым, а характер дурацким, но, видимо, это случалось не часто потому что смотрите какие очереди из желающих. Отсюда пара многозначных терминов - misbaksel по-нидерландски означает неудавшийся, испорченный продукт и, одновременно, негодяя, а gaar - готовый продукт или так еще можно называть смышленого человека. Вместо головы, пока шел процесс работы, страждущим приделывали кочан капусты на время. Совершенно замечательный покой и порядок царит на этих картинах - люди мирно стоят в очереди, некоторые даже отпилили себе головы заранее или принесли чьи-то с собой - родственников и соседей, наверное. Качаноголовые терпеливо сидят сложив руки и ждут, а булочники одеты в одни фартуки, ибо жара - печи работают в две смены. Тут должна быть какая-то мораль, но я не придумала.

"Из озера" Джорджия О’Кифф, 1924 Любимыми тематиками Джорджии О’Кифф являлись растения и, как ни странно, черепа и кости животных. Но не смотря на это, среди двух с половиной тысяч работ написанных ею находятся и такие, как и представленная «Из Озера» Не стоит искать сюжет в данной работе, так как его попросту нет. Линии, формы, грани смешиваются, словно волны, поднявшиеся на поверхность спокойного до сей поры озерка, играющие насыщенными красками и тонами. Исходя из названия, можно подумать, что мы кого-нибудь обнаружим выходящим из озера, но это не так. Что бы по настоящему проникнуться полотном, нужно просто любоваться фантазией автора. И кто знает, может вы разглядите что-то незамеченное ранее, что-то иное. Чем больше всматриваешься в работу, тем больше погружаешься в водоворот неосязаемых эмоций. «Из Озера» словно тайна, которую хочется разгадать.

_Wines — для вас дегустации вин, подборки по сезону и по карману, а также вдохновляющие цитаты классиков. С каналом _Wines сложные слова Гави, Гевюрцтраминер, аппассименто и Мурведер станут простыми и вкусными. Найди своё вино с pro_Wines