Макс Курцвайль "Прощальный визит" (1894) На картине запечатлена сцена прощания...

​​️Борис Пиотровский станет вице-губернатором Петербурга, отвечающим за культуру и спорт.   ️Hamburger Kunsthalle создал и выложил онлайн каталог-резоне, включающий 843 произведения знаменитого немецкого художника Макса Бекманна. ️Полезный бесплатный вебинар для родителей от Московский института психоанализа и Центра толерантности Еврейского музея «Дети, родители и киберагрессия» пройдет 21 января. ️Даниловский рынок и онлайн-галерея Sample запускают совместный проект «Новый натюрморт: искусство в эпоху доставки». ️Неизданная обложка комикса о Тинтине продана за рекордные €3,2 млн. Кто смотрел мой рассказ о японском искусстве (выше в ленте), тот помнит как отличить японского дракона от китайского. Правильно: у японского дракона три пальца. На фото дракон китайский. Обложка комикса «Приключения Тинтина» для обложки альбома «Голубой лотос» с отчетливо видимыми линиями сгиба. 1936. Фото: Hergé Moulinsart https://telegra.ph/file/5cbe1c6edc29a0490e1f2.jpg

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history

Савелий Сорин (1878-1953) «Портрет А.М.Горького» 1902 холст, масло. 77х95 см савелий_сорин Музей изобразительных искусств Сан-Франциско, США –––––––––––––––– Образ «Буревестника революции», ставший «фирменным знаком» - имиджем пролетарского писателя Максима Горького, растиражированный потом многими художниками до и после революции 1917-го, определен и заложен этой работой 1902 года тогда ещё студента Савелия Сорина.

«Мадонна» 1894г. Эдвард Мунк Некогда скандальная картина изображает Мадонну в необычном ракурсе. Из канонических деталей здесь лишь нимб непривычно красного цвета. Неприкрытая нагота, экстаз на лице и распущенные волосы - произвели некогда на публику весьма неоднозначное впечатление. Максимальное очеловечивание образа Девы Марии, попытка показать ее земное, человеческое величие - вот главная задача, которая стояла перед автором. Известно, что мастер несколько раз менял название этой работы. Среди версий были - «Зачатие», «Любящая женщина». Автор остановился на «Мадонне», чтобы подчеркнуть свое отношение к изображаемой женщине. Фигура героини пластична и округла, живот подчеркнут особенно, руки схематичны, они словно исчезают за полупрозрачным фоном. Всякий может заметить неоспоримое сходство «мадонны» с античными скульптурными образцами, послужившими источниками для работы.

«Костел святого Жака в Дьеппе» 1901г. Камиль Писсарро Одна из последних работ Камиля Писсаро, всего два года остается до смерти мастера. В 1901 году Писсаро проживает в Дьеппе (Франция) в отеле, окна которого выходят на старинный величественный костел, посвященный святому Жаку. Художник очень страдает, привыкший писать на пленэре, он вынужден созерцать мир из окна своего гостиничного номера. Поэтому неудивительно, что Писсаро почти сразу задумал написать полотно с костелом-главным героем, тем более что работы подобной тематики у него уже были. Писсарро на картине акцентирует внимание на контрасте массивной величественности костела и легкой прозрачности неба. Художника волнует возможность запечатлеть, как геометрическая конструкция с четкой архитектурой пересекает пространство и как соединяется с ним. Именно поэтому костел на картине лишен максимального приближения и охватывается глазом мастера в общем плане. Взгляд издалека — вот, что важнее.

"Мечты о будущем" Василий Максимов, 1868 > Санкт-Петербург, Русский музей За эту картину Максимов получил в 1870 году звание классного художника первой степени с чином X класса. На ней мастер изобразил свою жену, ожидающую появления на свет первенца и приготовляющую «приданое» для него (на коленях у молодой женщины – белая детская рубашонка, на столе – принадлежности для шитья). Неяркий свет лился сквозь прозрачные занавески, выявляя зеленый ажур цветка, наполняя уютным полусумраком петербургскую квартиру. Отсутствие цветовых контрастов в колорите картины соответствовало состоянию счастья, покоя и тихого проникновенного ожидания радости. Из этой темы вытекало любование «вещной» красотой, сказавшееся в трактовке формы и фактуры предметов быта.

Вы бы хотели получать ЗАРПЛАТУ ОДНОВРЕМЕННО и в Apple, и в Coca-cola, а ещё и в Газпроме со Сбербанком заодно!? - " Что это? Бред сумасшедшего? Или заголовок статьи в бульварной газетёнке?... И даже если что-то подобное и возможно, то доступно лишь каким-то олигархам!"- скорее всего подумает любой из Вас: и простой клерк, и видавший виды бизнесмен. - " ЭТО ВСЁ не бред, и не сказки, - поверьте моему экспертному мнению! - и более чем ВОЗМОЖНО, причем практически с любым уровнем Вашего дохода! " Для этого ПРОСТО НЕОБХОДИМО: 1⃣ • научиться терпению и дисциплине! • начать грамотно распоряжаться своими финансами! • заставить собственные деньги работать на себя! 2⃣ • прийти в мой авторский блог, в котором простым языком и максимально честно и без прикрас, я раскрываю все светлые и тёмные стороны мира финансов и инвестиций ДОБЬЕМСЯ УСПЕХА ВМЕСТЕ! Ваш ЛИЧНЫЙ финансовый советник, Никита Костанда

Как не остаться без работы в 2021 году? Перестаньте надеяться на лучшее и трезво посмотрите в глаза реальности! Вторая волна пандемии, третья, новые более суровые мутации вируса — прогнозы все страшнее с каждым днем. Пусть 90 % из них не сбудется, но свое дело они уже сделали. Люди стали бояться общения, контакты сокращаются до минимума, все массово уходят в онлайн. Если вы хотите вместо бесполезных переживаний спокойно работать в 2021 году, идите в Instagram прямо сейчас. Бизнес, деньги и клиенты давно уже там. Приходите на бесплатный 3-х дневный марафон Максима Чернова, на котором вы узнаете как оформить, развить и монетизировать свой аккаунт. Максим Чернов — эксперт, которому доверяют: ️основатель Академии нетворкинга ️автор бестселлеров по построению личного бренда ️лучший российский эксперт по нетворкингу — 2015 ️223 000 подписчиков на YouTube ️113 000 подписчиков в Instagram. Главное преимущество бесплатного марафона Максима — вам не будут ничего навязывать и обещать золотые горы, вас будут по-настоящему учить. Уровень вашей подготовки не имеет значения. Регистрируйтесь бесплатно на марафон по ссылке https://main.pronetworking.ru/wbn-insta-trends-t3 Сделайте Instagram своим кабинетом, магазином, офисом, площадкой для общения с людьми и привлечения клиентов. https://main.pronetworking.ru/wbn-insta-trends-t3

"Городской замок" 1932 г. Пауль Клее Частная коллекция. Пауль Клее практически никогда не писал чистые абстракции. Ему важно было раскрутить даже самое условное и декоративное изображение до метафизических смыслов. Название было его дополнительным художественным приемом. Ученики вспоминали, что уже написанные картины могли месяцами стоять в мастерской Клее, расставленные у стен, пока для них не находилось ассоциация, точная эмоции, пока не случалась вспышка озарения нужными словами – и тогда появлялось название. Только после этого картину можно было считать законченной. Даже когда Клее изобрел свой собственный пуантилизм – создавал изображение не точками, как Сёра и Синьяк, а квадратами – здесь не было чистой геометрии. Всегда было что-то еще: звуки, дома, сады, дороги. Музыканта Клее захватывала архитектура, в ней он чувствовал и слышал ритм, он наверняка смог бы сыграть на скрипке самые любимые свои здания. И именно ритм рождает эту сетчатую, строгую технику заполнения квадратов разными красками. По признанию самого Клее, этот художественный метод – очередной творческий квест и головоломка, какими он любил развлекаться: «…я пытался добиться максимально возможного движения с наименьшими средствами (экономия средств, полученных повторением ограниченного числа простых структурных единиц)». Клее расколдовывает архитектуру, она уже больше не застывшая музыка – она движется и поет. Картины Клее – это ощущение города, ощущение улицы. Это категорическая противоположность пленэрной живописи, изучающей тонкости пейзажа, это впечатление от движения сквозь улицу, когда не смотришь специально на особенности архитектуры, световые потоки или детали. Ты сам – часть этого городского пейзажа, ты сам уловитель светового потока. И поэтому можешь даже посмотреть на все сразу с нескольких точек зрения. Например, увидеть дом изнутри и снаружи, а улицы - сверху и сбоку. Все ранние коллекционеры Клее, покупавшие картины у художника, были слегка одержимыми. Кто чем. И совсем не удивительно, что Richard Doetsch-Benziger до того, как начать собирать Клее, коллекционировал старинные книги. Он наверняка почувствовал в художнике летописца чего-то ужасно далекого, то ли прошлого, то ли будущего. В 2011 году картина «Городской замок» стала самой дорогой работой Клее, проданной с аукциона в частную коллекцию. Ее стоимость составила 4 млн. 252 тыс. долларов. ПаульКлее Абстракционизм _history

"Бой быков" 1910 г. Петр Петрович Кончаловский Государственная Третьяковская галерея. «Бой быков» написан по мотивам испанских впечатлений. В Испанию Кончаловский ездил в 1910-х годах вместе со своим тестем Василием Суриковым. Именно эта поездка стала ключевой для его становления как художника, в ней Кончаловский обрел свой путь. Парадокс заключается в том, что «освободителями», как он сам их назвал, на этом новом пути стали французы – Сезанн, Матисс. Но первые полноценные самобытные работы художника – это изображения испанской корриды, которые сложно сопоставить с какими-либо работами европейцев. Кончаловский во время путешествия по Испании написал множество эскизов к этой картине. Окончательная версия существенно отличается от них. Причем художник убрал из картины именно то, что его особенно зацепило в реальности: «Меня поразила яркость красок: желтый песок, голубое небо и совершенно изумрудные тени». Действительно, один из предварительных вариантов картины, «Бой быков в Севилье» демонстрирует пронзительно голубое небо, его напряженный контраст с песчаной ареной и заполненными трибунами. От картины исходит ощущение густой, плотной энергии, она пышет зноем, волнует и завораживает. Но всё это безжалостно убрано из окончательного варианта. Кончаловский говорил, что хочет приблизить свой «Бой быков» к ярмарочному стилю, чтобы быки получились подобны лубочным медведям – большие, сильные, дикие. Чтобы они были страшные, но от них – не страшно. «Помните этих троицких игрушечников, которые всю свою жизнь резали из дерева какого-нибудь игрушечного медведя с мужиком? С какой простотой и силой передавали они самое существо зверя и человека, пуская в дело элементарнейшие средства, все сводя к двум-трем характернейшим деталям. Вот так именно, “по-мужицки”, “по-игрушечному” и хотелось мне дать быка во время боя», – пояснял он. Реминисценции народного творчества – вообще один из наиболее любимых неопримитивистами приемов. Именно за счет внесенных в окончательную картину поправок Кончаловский достигает этого стиля ярмарочности, эффекта игрушки. Пространство максимально приблизилось к зрителю и замкнулось. Не видно ни трибун, ни неба. Перед нами словно ярко раскрашенная коробочка с персонажами: багровая арена, алая ткань, черный бык с застывшим белым глазом, белая полоса на ограждении арены, не пересекающиеся с другими элементами цвета одежды тореадоров. Здесь нет движения, это слепок, момент без «до» и «после» – вопреки логике сюжета, который, по идее, говорит о движении. У Кончаловского получилось сделать «Бой быков» таким, как он запланировал. Мы знаем, что бык – страшен, что изображенная сцена – опасна. Более того, бой быков выходит за пределы корриды, становится боем со смертью, приобретая архетипическое величие. Но вот что удивительно – знание о том, что это страшно, не возбуждает страх. По той же причине, по которой мы не боимся игрушечного ярмарочного медведя. ПетрКончаловский Экспрессионизм _history

Макс Курцвайль "Женщина в желтом платье" (1899)

Весна 1573 Джузеппе Арчимбольдо Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо, Мадрид В 1562 году он стал официальным портретистом императора Священной Римской империи Максимилиана II. Его живопись до сих пор тайна. Впечатляет уникальный художественный замысел, и смелое авангардное воплощение. Сегодня одна из четырёх аллегорических картин посвящённая временам года. Посмотрите ещё картины мастера из средневековья: Библиотекарь Вода Огонь Адам (последователь) Ева (последователь) Зима Зима 2 Юрист Голова и корзина с фруктами

​​Christie’s продал JPG-файл масштабного коллажа как токен за $69 млн NFT-мания: 11 марта на онлайн-аукционе Christie’s файл «Каждый день. Первые 5000 дней» в формате JPG, созданный цифровым художником Майком Винкельманном, известным как Beeple, был продан за 69,3 миллиона долларов. За час до завершения торгов было подано более 180 заявок. Цена стала новым максимумом для произведения искусства, которые существуют лишь в цифровом виде. Она превзошла аукционные рекорды «физических» картин таких мастеров, как Уильям Тёрнер, Жорж Сёра и Франсиско Гойя. Продажа коллажа Бипла длилась две недели и началась со ста долларов. Ещё за несколько секунд до окончания аукциона за работу давали менее 30-ти миллионов долларов. Но вал ставок, поступивших в последний момент, заставил организаторов продлить торги ещё на две минуты, и окончательная цена составила почти 70 миллионов. За коллаж сражались 33 участника торгов, а Бипл в результате вошёл в тройку самых дорогих из живущих художников после Джеффа Кунса и Дэвида Хокни. Работа «Каждый день. Первые 5000 дней», которую Christie’s объявил «уникальным произведением в истории цифрового искусства», представляет собой коллаж из всех изображений, которые Бипл размещает в Интернете ежедневно, начиная с 2007 года. Художник, который сотрудничал с Louis Vuitton и такими поп-звездами, как Джастин Бибер и Кэти Перри, создаёт дерзкие визуальные комментарии о жизни в XXI веке. Коллажированный JPG-файл Бипла был создан или «отчеканен» в виде «невзаимозаменяемого токена» (nonfungible token или NFT) в феврале. Безопасная сеть компьютерных систем, которая регистрирует продажу в «цифровом гроссбухе», известном как блокчейн, даёт покупателям доказательства подлинности и права собственности. Большинство из них платят криптовалютой эфириум (Ethereum). «Каждый день» был первым NFT, который продал Christie’s, и аукционный дом заявил, что принимает платежи в эфирах, что также стало первым случаем в 255-летней истории фирмы. Тодд Левин, советник по искусству из Нью-Йорка, видевший продажу «Спасителя Мира» Леонардо да Винчи за 450 миллионов долларов, сказал, что у него «смешанные эмоции» по поводу рекорда Бипла. «С одной стороны, очень интересно стать свидетелем исторической поворотной точки, — сказал эксперт. — С другой стороны, вовлечённые суммы могут исказить и повредить зарождающийся рынок». Christie’s провёл свой аукцион в момент, когда мир искусства попал под стремительный натиск спекулятивного рынка NFT. Стоимость произведений, отчеканенных во невзаимозаменяемых токенах, недавно резко выросла на таких специализированных сайтах, как Open Sea, Nifty Gateway, Super Rare и Makers Place и теперь не соответствует суммам на остальном арт-рынке. NFT также стал шансом для начинающих художников. На прошлой неделе анонимная группа «Сожжённый Бэнкси» продала уникальный NFT — цифровую копию принта Бэнкси «Идиоты» (2006). Продавцы заявили, что сожгли оригинальную работу стоимостью в десятки тысяч долларов в ходе «церемонии», которую транслировали на YouTube и Twitter. Всё, что осталось, — это сертифицированный блокчейном NFT «Идиотов». Этот токен ушёл за 382 тысяч долларов, что в три раза выше цены любого оригинала из ограниченного тиража «Идиотов» на аукционе. Победителем торгов стал пользователь с ником GALAXY, который немедленно выставил своё приобретение на продажу. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/866914a1d8e26f73fa2c9.jpg

"Бульвар Монмартр. Весеннее утро" 1897 г. Камиль Писсарро Частная коллекция. В 1890-х к Камилю Писсарро приходит долгожданное признание, его картины продаются за десятки тысяч франков. Стареющий и теряющий зрение художник наконец-то может позволить себе путешествовать, наслаждаться безбедной жизнью и снимать гостиничный номер прямо в Париже когда ему будет угодно. Писсарро пишет бульвар Монмартр днем, вечером, ночью, утром, в дождь, зимой, весной, летом – из гостиничного номера с тремя окнами. Потом те же эксперименты проводит с другими бульварами и городскими пейзажами: Авеню де ла Опера, бульвар Итальен, Лувр, улица Сент-Оноре и улица Сен-Лазар. Одних изображений Лувра при разной погоде в течение 1900 – 1901 года у Писсарро целых 18. Шумные, светлые городские площади и бульвары у него живут и дышат, ежесекундно меняясь, как лицо человека. Но именно «Бульвар Монмартр. Весеннее утро» на аукционе Sotheby's в 2014 году был продан за рекордную для Писсарро сумму – 32 млн. долларов. ХХ век нелегко дался этой картине и она обросла историей, которая дорогого стоит. До Второй мировой войны картина была частью огромной частной коллекции импрессионистов, которую собрал немецкий еврей, промышленник Макс Зильберберг. В конце 30-х дом коллекционера захватили солдаты СС, а его собрание картин, в том числе и «Бульвар Монмартр. Весеннее утро», ушло с молотка. Зильберберг вместе с женой погибли в концентрационном лагере, а полотно после некоторых путешествий оказалось в музее Израиля в Иерусалиме. Несколько лет оно оставалось в собственности музея, пока в 2000 году не состоялось справедливое возвращение полотна наследникам Зильберберга. Новый владелец не менее справедливо, в знак признательности музею за образцовое сохранение картины, позволил оставить ее в экспозиции до самой своей смерти. В 2013 году владелец «Бульвара Монмартр» умер – и на торги Sotheby's попало одно из самых важных полотен импрессионизма. КамильПиссарро Импрессионизм _history

Дэвид Хокни "Мои родители" (1977) За год до смерти отца художник запечатлевает Кеннета и Лору Хокни на картине «Мои родители» в стиле, ставшем его визитной карточкой: много света, много синего, почти фотографическая точность. Интерьер, в который Хокни поместил своих родителей, кажется минималистичным и максимально простым, чтобы не отвлекать внимание от главных персонажей полотна. В 2014 году в рамках проекта «Искусство повсюду», запущенного по всей Великобритании с целью популяризировать изобразительное искусство среди населения, картина «Мои родители» была признана британцами самой любимой в шорт-листе из 25 произведений.

"Слон Целебеса" Макс Эрнст, 1921 > Лондон, Тейт «Слон Целебеса» – первое масштабное произведение Макса Эрнста, ставшее одним из ключевых для сюрреализма. Созданная после Первой мировой войны работа стремится выразить весь ужас милитаризма. Эрнст рассказывал, что композиция картины пришла ему в голову, когда он увидел в антропологическом журнале фотографию большой корзины для зерна, используемой племенами в Южном Судане. Это объясняет и ритуальные столбы, изображённые на картине. Возможно, художник хотел сказать, что божества, перед которыми благоговели и которым поклонялись люди на заре человечества, никуда не ушли, а лишь переродились в другие, милитаристско-технические, формы. Механический слон, вызывающий в памяти образы танка, противогаза, печи, кажется огромным по сравнению со светлой женской фигурой на первом плане, которая словно зовёт его за собой неестественно повёрнутой рукой. У женщины нет головы – означает ли это, что творение может погубить своего же творца?

«Женщина с цветком» 1929г. Грант Вуд Картина содержит все авторские стилистические черты художника– главная героиня изображена крупным планом, чёткая линия рисунка, точная прорисовка, присутствие аллегорических символов. На полотне живописец изобразил свою мать. Ей здесь 71 год, и Вуд написал мать очень реалистично и максимально правдиво. Зритель сразу может отметить характерный «возрастной» цвет лица, глубокие морщины треугольником, уставший взгляд, старческие руки и редеющие седые волосы. Особенная худоба модели также характерна для пожилого человека. Передник, который был в моде десяток лет назад, ещё одна красноречивая отсылка к возрасту героини. Самый неожиданный элемент в картине – цветок в руках женщины. Читая название, мы ожидаем увидеть какое-нибудь цветущие живописное растение. Однако сразу замечаем, что мать художника держит трёхполосную сансевиерию в коричневом глиняном горшке. Сам живописец утверждал, что этот выбор не случаен - растение символизирует прямолинейный характер его мамы.

Мать 1932 Дейнека Третьяковка Образ матери в этом произведении – нарочито простой, собирательный. Статная женщина изображена неярко, на абсолютно нейтральном фоне, мягкие, светлые силуэты хорошо контрастируют с ним. В туманной палитре не сразу можно заметить ее обнаженную грудь, детали становятся второстепенными, сливаясь со словно припорошенным фоном. Этот образ – всеобъемлющий, нарицательный, образ материнства как такового, не зависящего от жизненных условий или бытовых ситуаций. Отсутствие одежды у героев тоже продумано как символ чистых, беспрепятственных чувств и проявлений друг к другу. Мать в сюжете Дейнеки обнажена не внешне, а внутренне – чувствами и переживаниями. Картина не постановочная, максимально живая и женщина здесь демонстрирует состояние всей прекрасной половины человечества, познавшей счастье материнства.

"Муза, вдохновляющая поэта" 1909 г. Анри Руссо Базельский художественный музей. «Муза, вдохновляющая поэта», – не кто иная как возлюбленная Аполлинера Мари Лорансен, художница и гарвер. Соответственно, поэт – это сам Гийом Аполлинер. Портрет написан после знаменитого приёма у Пикассо, устроенного в честь Таможенника – прозвище Руссо, 15 лет проработавшего на парижской таможне. Руссо был большим любителем такого жанра как портрет-пейзаж. Относительно этой картины сохранилась фотография, раскрывающая способ работы художника. На фото запечатлен Руссо у картины, на которой практически полностью прописан фон и оставлено чистое пространство для фигур, которые он вписывал в последнюю очередь. Базельский портрет – это уже второй вариант. Дело в том, что Мари Лорансен просила изобразить у их ног турецкие гвоздики, символ поэтов. Руссо неоднократно посещал Ботанический сад, делал наброски, а в конце концов всё перепутал и «воткнул» в землю у ног поэта и музы левкои – символ смерти и забвения. Говорят, Мари устроила грандиозный скандал. Кстати, не стоит также забывать, что Мари Лорансен была барышней чрезвычайно стройной, с осиной талией, о чем по портрету догадаться, прямо скажем, непросто. На вопрос, почему он изобразил мадмуазель Лорансен в таком виде, Руссо невозмутимо ответил: «Так ведь большому поэту нужна большая муза!». Впрочем, другие источники утверждают, что чувство юмора у Мари возобладало над женским возмущением, и она дико хохотала, глядя на свое изображение. Но забирать его домой Аполлинер все же не рискнул. Картина оставалась у Руссо и попала на глаза русскому меценату и коллекционеру Сергею Щукину, который купил ее для своего собрания. Так «Поэт и Муза» на фоне левкоев» попали в Россию. И вот незадача – то ли Аполлинер по-новому взглянул на картину, то ли Мари перестала сердиться, но вскоре поэт пришел к Руссо с намерением забрать портрет. Что делать, пришлось писать новый! Нельзя не заметить, что во втором варианте исправлены не только цветы. Мари выглядит не такой крупной, и платье безусловно подчеркивает наличие талии – не осиной, конечно, но по сравнению с первым вариантом она, по крайней мере, имеется. Кстати, Фернанда Оливье, подруга Пабло Пикассо, Мари недолюбливала и язвительно констатировала, что с возрастом та становится всё больше похожа на свой портрет работы Руссо. Да и сам Аполлинер в базельском варианте кажется более «прилизанным», аккуратным. Если в первом варианте, с левкоями, образы Аполлинера и его Музы максимально индивидуализированы, в некоторой степени гротескны, укрупнены – словно мы смотрим на них, поднеся к холсту лупу, то второй вариант – попытка написать салонную картину. Украшения Мари в первом варианте – однозначно из живых цветов. Вся композиция несет некий отпечаток античности. На втором же портрете фигуры и лица изображенных схематичны, шею Мари обвивает просто некое украшение, пейзаж тоже усреднен, схематизирован, кроны деревьев четко образуют арку, под которой представлены объекты. Руссо вообще очень почитал академическую живопись и искренне верил, что он «тоже такой». Авангардизм он считал, по большому счету, баловством, недоумевал, «зачем Робер (Делоне – ред.) сломал Эйфелеву башню» и стремился писать салонную живопись, что не особо удавалось. Зато удавалось значительно большее. В этом смысле сопоставление двух вариантов «Поэта и Музы» очень интересно, поскольку наглядно демонстрирует, как в версии с гвоздиками стало чуть меньше Таможенника, чуть больше салона. АнриРуссо Примитивизм _history

Максимов Василий Максимович (1844-1911). Среди художников, писавших на тему крестьянской жизни, Василий Максимович Максимов занимает особое место. Талант Максимова начал проявляться ещё в детском возрасте, когда выходец из бедной семьи стал учеником иконописца в местном монастыре. Благодаря трудолюбию, упорству и огромному желанию заниматься любимым делом, Василий Максимович смог добиться того, что в возрасте 18 лет был принят в Петербургскую Академию Художеств. После окончания курсов у талантливого молодого живописца появилась возможность уехать за границу, но он предпочёл остаться на родине, так как изображение русского народного быта было главным смыслом его жизни.

Василий Максимов "Семейный раздел" (1876)

Монументальная живопись или мурализм — разновидность монументального искусства, создание картин на архитектурных сооружениях. Иногда для обозначения произведений такого рода используется термин "мураль" или "мурал". В Нижнем Новгороде создан первый в этом году мурал в рамках международного фестиваля "Культурный код". Это работа испанского художника с русскими корнями Вячеслава Гунина, известного также как Sav45. Он к восьмисотому юбилею Нижнего написал огромный портрет Максима Горького на фасаде одного из зданий города. Первый - значит не последний. Участники фестиваля вскоре будут работать в Ставропольском крае, Татарстане, на Ямале... По задумке организаторов, в общей сложности до конца 2021 года в рамках фестиваля будет создано порядка 60 муралов. Этот фестиваль и существует для того, чтобы в буквальном смысле создать музей монументального искусства под открытым небом. Нам остаётся только ждать (и не завидовать нижегородцам).

"Расстрел императора Максимилиана I" 1868 г. Эдуар Мане Кунстхалле, Мангейм. Эдуар Мане занимал четкую гражданскую позицию и был ярым политическим спорщиком. Во время Франко-Прусской войны, например, он остается в осажденном Париже, идет добровольцем на его защиту и по вечерам, голодный, больной и измученный, тяжело переживает вести о гибели друзей, скучает от разлуки с женой и ведет яростные споры с Эдгаром Дега. Сходятся в итоге на том, что не прощают бегства Золя из Парижа, мирятся. Но это будет уже в 1870 году, когда война положит конец правлению Наполеона III, а Эдуара Мане доведет до нервного срыва. А за несколько лет до этого недовольство Мане-француза правлением императора прорвется лишь в одной напряженной, политически-заряженной картине. «Расстрел императора Максимилиана» был обречен – такую картину не отправишь в Салон и даже не покажешь на собственной выставке. Ее запретили – и до самой смерти Мане полотно не видел никто, кроме близких друзей художника. Здесь не обойтись без предыстории. «Расстрел» - это быстрая, дерзкая и вполне конкретная реакция на одну из самых постыдных кампаний Наполеона III: тщеславное завоевание Мексики, политический переворот и позорное бегство французской армии из этой заокеанской страны. Наполеону хотелось провернуть что-то вроде египетской кампании своего знаменитого родственника, а заодно подобраться поближе к Америке. Французская армия свергла местного правителя Мексики и усадила править здесь марионетку Наполеона III, императора Максимилиана. Все бы ничего, история не оригинальная и не новая, но только французов надолго не хватило: содержать армию в Мексике оказалось дорого и совершенно нелогично. Армию вернули домой, а императора Максимилиана оставили разбираться с мексиканцами. Когда мексиканцы расстреляли чужака Максимилиана и французские газеты об этом сообщили, Эдуар Мане задумал новую картину, свой единственный шедевр на основе исторического события. Страстный исследователь творчества Мане и один из лучших современных британских арт-критиков Вальдемар Янушчак говорит: «В истории современного искусства есть всего две картины, на которых с достаточной силой и эффектом запечатлены события своего времени: «Герника» Пикассо и «Расстрел» Мане». Мане удалось не просто рассказать о событии, а вовлечь в него зрителя. Глухую серую стену на заднем плане Мане выстроит только в третьей версии картины (на первых версиях-эскизах за расстрельной группой простирался сухой, лаконичный пейзаж), солдаты тоже сначала были одеты в сомбреро и вполне походили на мексиканцев. Потом, переодев солдат во французские мундиры, Мане бросит вызов и обвинит французов в соучастии, а французского императора – в убийстве. Это его черты должны были опознать современники в лице того солдата, который готовит ружье к финальному выстрелу в упор. Это он, Наполеон III, - убийца Максимилиана. Но кроме зевак, наблюдающих из-за забора за казнью, на картине присутствует еще один наблюдатель, который был рядом и ничего не сделал, чтобы помешать. Это вы. Это вы отбрасываете тень в нижней части картины и спокойно наблюдаете за казнью императора Максимилиана. Каждый из нас. ЭдуарМане Реализм _history

​​Портрет Максима Горького 2021 г. Sav45 Нижний Новгород. В Нижнем Новгороде торжественно открыли мурал с изображением Максима Горького работы испанского стрит-арт художника Sav45. Такой подарок городу к его 800-летию преподнес фестиваль "Культурный код" президентской платформы "Россия – страна возможностей". Картиной на фасаде здания недалеко от памятника писателю могут любоваться гости и жители города из самых разных точек. Один из лучших видов открывается с пешеходного моста неподалеку. Сам автор говорит, что для него Горький, имя которого носил Нижний, "был очень интересной и сильной личностью". Именно поэтому он решил сделать писателя героем своей работы. Вячеслав Гунин (он же Sav45) - испанский уличный художник родом из России. Он является победителем II Международного конкурса художественных фресок в Эстепоне, участником крупных международных фестивалей и выставок современного искусства, таких как L'Arcada Gallery, "Art Gallery Show Monaco", "Street Art Place Gallery", "Urban Nation Museum". Sav45 Портрет СтритАрт https://telegra.ph/file/cd3b5ca1b05ee55d51d9e.jpg

Дропы С 2016 года бруклинский арт-коллектив MSCHF занимается продажей неожиданных предметов в так называемых «дропах». Обычно в сфере ритейла система дропов предполагает поставку эксклюзивных товаров какого-либо бренда. MSCHF использует эту маркетинг-систему для создания максимального резонанса. При этом группа не имеет конкретных категорий товаров, и каждый дроп представляет собой коллекцию специфических предметов. Например, дроп 10 представляет собой бонг, похожий на курицу, которая кричит, когда его курят. Дроп 5 представляет собой расширение для Chrome, которое позволяет смотреть Netflix за работой, создавая впечатление, что вы участвуете в видео-конференции. В рамках дропа 3 покупатели получили шрифт Times Newer Roman, который выглядит абсолютно идентичным с Times New Roman, но из-за незначительной прибавки в ширине знаков занимает куда больше страниц при равном количестве символов. Искусство или нет?

Португалка 1916 Робер Делоне Холст, масло и воск. 180 × 205 см Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид Делоне французский художник, но первая мировая война застигла Робера и Соню Делоне на курорте Сан-Себастьян в Испании. После недолгого пребывания в Мадриде, с июня 1915 по март 1916 г., они поселились в португальской деревушке Вила-ду-Конди, неподалёку от Порту. Оба были очарованы тёплым ясным светом северной Португалии, который запечатлели в серии работ на тему деревенских рынков. Хотя Робер Делоне уже экспериментировал с беспредметной живописью в 1912—1913 годах, в отличие от таких художников как Василий Кандинский и Франтишек Купка, он не считал абстрактность самоцелью. В этой картине фигуративные абстрактные элементы комбинируются, усиливая динамизм цветовых сочетаний. Делоне достигает максимальной насыщенности цвета, с помощью техники смешивания масла и воска, к которой после отъезда из Португалии он больше не вернётся.

"Святая Инесса" 1641 г. Хосе де Рибера Дрезденская картинная галерея (Галерея Старых мастеров). Детали сюжета Житие этой святой весьма необычно. Инесса была юной и прекрасной римлянкой, дочерью богатых родителей. Втайне от семьи она приняла христианство. За это девушка была приговорена к обезглавливанию. Её мучители оказались изобретательными: по их замыслу, до места казни Инесса должна была прошествовать обнажённой. Она шла сквозь возбуждённую толпу, снедаемая тысячами жадных глаз. Спотыкалась, когда её подталкивали похотливые руки стражников. Однако Бог, за веру в которого Инесса шла на плаху, всё же услышал моление избавить её если не от смерти, то хотя бы от позора. Мгновенно отросшие волосы и белый покров, спущенный ангелом с неба, скрыли её наготу от беснующейся толпы. Замысел и композиция Интересно, что на картине не находится места римскому плебсу, хотя динамичные многофигурные композиции (например, толпа, с жестоким удовольствием распинающая святого Варфоломея) хорошо удавались Рибере. Очевидно, здесь имеет место приём вовлечения: все глазеющие на Инессу должны размещаться на том же месте и смотреть на святую под тем же углом, что и зрители картины. Зритель, таким образом, из пассивного соглядатая превращается в невольного соучастника всего того, что происходит с Инессой. По-видимому, Риберу в данном случае интересуют не противопоставление христианской святой – грешному миру, а лишь глубина внутреннего состояния самой Инессы. Ему важно передать её наивность, её детскую трогательность. Для достижения этой цели Рибера делает фон размытым и максимально условным, а саму фигуру Инессы, напротив, выписывает очень тщательно. Мы можем видеть следующие детали: отдельные пушистые пряди её волос, серебрящиеся у глаз слезинки, пронизанные розовым светом тонкие пальцы. Все они написаны с озязаемой вещественностью. Особенности колорита Одно из главных достоинств «Святой Инессы» – её колорит. Она создана в то время, когда Рибера отказался от резких светотеневых контрастов, а палитра его картин стала более светлой и уравновешенной. Здесь есть некоторый парадокс: многие картины художника (и «Святая Инесса» в особенности) кажутся едва ли не монохромными, заставляя вспомнить о пресловутой «испанской мрачности», при этом Рибера считается одним из лучших колористов своего времени. В чем здесь дело? Вероятно, в «пятидесяти оттенках серого» в творчестве Риберы. Невероятное богатство тонов и рефлексов, для каждого из которых даже нет отдельного названия – разнообразных невнятно-коричневых, серебристо-бежевых, серо-розовых и буровато-зелёных – заставляет знатоков восхищаться великолепной и мощной тональной живописью Риберы. Рибера Барокко РелигиознаяСцена _history

Песня Песней 1893 Гюстав Моро Яркий представитель живописи символистов. В качестве тем для своих работ он выбирал мистические, библейские и фантастические темы. Его картины оказали сильное влияние на творения фовистов, а также сюрреалистов. Мы видим прекрасную женщину. Она облачена в великолепный наряд, который позволяет максимально любоваться красотой ее тела. Перед нами настоящая восточная богиня. Блеск драгоценных камней и роскошь тканей будоражат своим великолепием. С другой стороны, кажется, что перед нами не живой человек, а настоящая статуя времен античности. Грандиозная колонна на заднем плане и ступени, более похожие на пьедестал, усиливают это впечатление. Моро считал, что он в своих работах хранит традиции. Каждая его картина – настоящий шедевр, который хочется рассматривать. В его творениях нет ни одной лишней детали. Все они помогают понять общий замысел художника. Неслучайно живописец стал предвестником модернистов.

​​«Ночной дозор» восстановлен в оригинальном размере «Ночной дозор» Рембрандта на протяжении веков восхищал миллионы людей своим масштабом и мелкими деталями. Но только теперь — впервые за 300 лет — гением мастера можно насладиться в полном размере. Искусственный интеллект помог воссоздать утраченные фрагменты, включая мазки кисти и перспективу. Обновлённое полотно демонстрируется сейчас в Рейксмузеуме. В 1715 году, через три четверти века после создания, работа была обрезана на 60 см слева, 22 см сверху, 12 см снизу и 7 см справа — чтобы она могла поместиться между двумя дверями в мэрии Амстердама. Но сейчас специалисты смогли воспроизвести полотно во всей красе. Им помогли высокоточные снимки того, что осталось от оригинала, компьютер, обученный технике Рембрандта и копия полной картины, которую выполнил современник мастера Геррит Лунденс (сейчас она находится в Национальной галерее в Лондоне). Рембрандт написал капитана Франса Баннинка Кока, который приказывает своим лейтенантам выступать. Когда картину обрезали, фигуры командиров оказались в центре. Однако в оригинале художник оставил пустое пространство слева и снизу, чтобы создать динамику движения ополченцев от правой половины холста — к выходу. Среди других новшеств — три фигуры на мосту, два милиционера и мальчик. Шлем на человеке в крайнем правом углу обрёл целостность, а за штандартом у него в руках появился «воздух». Это дало большей убедительности жесту прапорщика, поднимающего знамя роты. А ребёнок, который бежит перед дозором на переднем плане слева, обрёл пространство для движения и руку на ограде, показывающую направление. Лунденс написал неплохую копию «Ночного дозора» примерно через 13 лет после завершения оригинала. Но компьютер обнаружил, что художник, очевидно, располагался слева от картины, и это дало искажения в перспективе. Кроме того, его пигменты немного отличались от тех, что использовал Рембрандт, поэтому версия со временем состарилась несколько иначе, чем исходник. Эти недостатки устранялись, когда нейронные сети воссоздавали утраченные фрагменты пиксель за пикселем. Компьютеры научились воспроизводить даже мазки Рембрандта, и теперь репродукция максимально близка к оригиналу, созданному три столетия назад. Реставраторы разработали три типа алгоритмов: один — для выявления искажений перспективы и их исправления; второй — для распознания цветовой схемы оригинала и проецирования её на утраченные фрагменты; и третий — для восстановления техники мазков Рембрандта. Недостающие части распечатали на холсте в масштабе 1:1 и бесшовно прикрепили к оригинальной картине. В течение трёх месяцев посетители смогут полюбоваться оригинальной композицией — такой, какой её задумал Рембрандт. Однако затем дополнения уберут, чтобы не обманывать зрителей, которые могут решить, что перед ними подлинник во всей его полноте. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7550502c15cc29f1366be.jpg

Леон-Максим Февр "Две матери" (1888)

​​️Уличная выставка «Новые руины. Стекло» под кураторством художника Максима Имы открылась в «Манеже» в Санкт-Петербурге. ️Лоран Ле Бон назначен президентом Центра Помпиду в Париже. С 2014 года он занимал пост президента Национального музея Пикассо. ️6-я Уральская индустриальная биеннале современного искусства состоится осенью 2021-го года. Екатеринбург и города региона снова станут территорией развёртывания активного современного художественного процесса. Тема биеннале вторит цитате из Екклесиаста — «Время обнимать и уклоняться от объятий». В рамках публичной программы биеннале готовится серия событий с участием швейцарских художников. Программа реализуется при поддержке Швейцарского совета по культуре Про Гельвеция. ️️Полотно Рембрандта, которое считалось утраченным «considered lost and never shown until now», обнаружено на частной вилле в Риме после падения со стены. Владельцы картины отправили его на реставрацию, где мастера и произвели открытие. Называется работа «Поклонение волхвов» или «Посещение Иисуса Христа у кроватки тремя мудрецами». «Это самый прекрасный момент в моей работе: внезапное осознание того, что ты стоишь перед работой великого мастера, который открывает себя тебе, выходит из сумерок и выбирает тебя для возвращения из тьмы», — говорит реставратор Антонелла Ди Франческо. Дело в том, что Рембрандт создал множество картин и гравюр, что приводит специалистов к спору об авторстве. Семья, которой принадлежит холст, решила не продавать его, а предоставлять для выставок. Фото: Рембрандт, «Поклонение Волхвов», 1632-33. https://telegra.ph/file/ce1cee5aa8fe901ce6ce0.jpg

Исаак Бродский (1884-1939) «Сказка» 1911 холст, масло. 102х179 см исаак_бродский Государственный художественный музей, Ханты-Мансийск –––––––––––––––– Картина «Сказка» является вариантом одноименной картины 1911 г. (https://t.me/id_daily/3600), получившей на Всероссийском конкурсе 1912 г. премию Общества поощрения художников. Картина была задумана автором как обобщенный образ природы Италии, синтезирующий впечатления о благодатном солнечном юге. Бродский так рассказывал о замысле картины: «Я изобразил странный, нигде не существующий итальянский город. Когда смотришь на этот город, в воображении рисуется длинная цепь столетий, преходящих в вечность». Максим Горький, с которым Бродский вел постоянную переписку, предложил название картины: «Назовите просто: «Сказка», и это будет всем понятно».

"Юпитер и Фетида" 1811 г. Жан Огюст Доминик Энгр Музей Гране, Экс-ан-Прованс. «Зевс и Фетида» Энгра – «дипломная работа», подводившая итог стажировке в Риме, куда его направила парижская Академия изящных искусств. Он стремился сделать картину максимально благодатной и «богоугодной», поясняя, что «она должна за милю источать запах амброзии». Энгр отправил завершающую «посылку» (так называют его работы, отправленные из Рима в Париж в рамках стажировки) на Салон. Вердикт был безжалостен: лицо Зевса назвали недостаточно благородным, к телосложению Фетиды тоже упреков было достаточно. В основу картины положен мифологический сюжет. Морская нимфа Фетида влекла и Зевса, и Посейдона. Но предсказание гласило, что рожденный ею сын превзойдет в силе своего отца. Боги решили воздержаться от возможной сыновней конкуренции и отдали Фетиду замуж за смертного Пелея. От этого брака родился Ахилл. Картина изображает Фетиду, пришедшую к Зевсу и умоляющую защитить ее сына в противостоянии с Агамемноном в Троянской войне. Фетида склонилась у колен верховного бога, обхватив их одной рукой, вторая вытянута вверх и касается его бороды. Трон Зевса висит в облаках, фигуры Зевса и Фетиды резко контрастируют. Фигура Зевса темная, мощная, словно слившаяся с троном, левой рукой он опирается на кучевые облака. Взгляд его устремлен вдаль, кажется, что он даже не слышит Фетиду. Ее же фигура вся состоит из плавных линий. Даже то, что ставили Энгру в упрек – неестественно вытянутая левая рука Фетиды, ее чересчур запрокинутая голова и кажущаяся слишком полной по этой причине шея – выполняет свою функцию. Рука – словно воплощение мольбы и потаенной нежности, а вся фигура в целом, в том числе странный изгиб шеи – воплощает безудержную устремленность, словно эта диагональ, в которой Фетида расположена по отношению к Зевсу, включила в себя все ее чаяния, всю ее жизнь. Справа от Зевса – орёл, один из атрибутов бога. Слева мы видим лежащую на облаке и наблюдающую за происходящим фигуру Геры, супруги Громовержца. Как известно, она была весьма ревнивой богиней… Но здесь ее взгляд спокоен – она знает, что Зевс не внемлет мольбам Фетиды. А вот интимная подробность, которую видим мы, от Геры скрыта. Соприкасающиеся пальцы ног Зевса и Фетиды вносят очень теплую, глубоко лирическую и эротическую ноту в настроение картины. ДоминикЭнгр МифологическаяСцена Классицизм _history

Пророк Иона - единственный ветхозаветный пророк, попытавшийся убежать от Бога. Бог ему говорит - надо, мол, вылезти из своей уютной Галилеи и сходить к язычникам, попроповедовать им, потому что они совсем у себя в Ниневии распустились, творят злые дела, от рук отбились. Ты им там передай, что я их город планирую разрушить, но у тех, кто послушает тебя и покается есть шанс на спасение. “Лол нет” - как бы ответил Иона и прыгнул в ближайший корабль, чтоб отплыть в максимально противоположном Ниневии направлении, в Фарсис. Чтоб было понятно - Ниневия - это территории современного Ирака, а вот Фарсис - место загадочное, до сих пор гадают какие края имелись в виду под этим названием в Ветхом завете, но пока рабочие концепции - это или где-то в нынешней Турции, то ли в Испании, то ли в Индии. Курорт, короче, никаких проповедей для тех, кто не очень настроен слушать. Пророк Иона, будучи пророком, как-то догадался, что будет, если он притащится в сильный и большой языческий город, да к тому же вражеский, со своими проповедями. Потому что вообще-то как раз в это время евреи воевали с ассирийцами. Еще Иона наверняка решил, что всепрощающий и очень добрый Бог как-то без него справится и пощадит язычников самостоятельно. Чтоб образумить Иону, Бог устроил шторм. Команда и пассажиры в ужасе метались по кораблю, купцы выкидывали свои товары за борт и все пытались понять почему их настигло такое ненастье - каждый молился своему богу как умел, а Иона сладко дрых в трюме. Его попробовали разбудить и попросить тоже к своему богу обратиться, а потом решили кинуть жребий чтоб выяснить кто же виноват в шторме. Жребий пал, какой сюрприз, на Иону. Все на него вытаращились - ты, мол кто такой и чего с тобой делать? Вздохнул Иона, понял, что спать дальше не дадут и попросил выкинуть его в море, потому что как только выкинут - тут и шторм утихнет. Ну и выкинули. И повелел Господь большому киту поглотить Иону. Раз не выполняешь мою волю, сиди в ките, как дурак. Тут, видимо, логика такая - раз Бог создал землю, небо, воду и все остальное, а Иона порядку и повелению божию подчиняться не хочет, то он из этого порядка исключается. И болтается в неком Нигде - не на суше, не на море, а в ките. И сидел Иона в ките три дня и три ночи, что удивительно, даже сохраняя некоторую бодрость духа, сообразив, что хоть он и внутри рыбы, где темно и водоросли у него на голове, но все же он цел и жив. Поэтому начал Иона раскаиваться и молиться, обещать исправиться и услышал его Бог и велел киту пророка выплюнуть. Ну и как бы спросил - и чего, на чем мы остановились? В Ниневию-то пойдешь? А то они там утопают в роскоши, чтят ложных богов, и, напомню, отбились от рук. И пошел Иона в Ниневию, что, кстати, было довольно удобно, потому что кит его подбросил - по пути было идти теперь, всего три дня пешочком. Дошел и начал всем рассказывать, что через сорок дней город будет разрушен, если все вокруг не покаются. А жители такие - и чего это мы, и правда, не покаемся? А мы очень даже готовы! Объявили пост, нарядились в мешки, начали отказываться от всякого зла, насилия и вообще. И даже царь Ниневии как услышал, что творится - так тоже покаялся, сел на пепле и тоже в мешок одетый. И даже овцы, волы, ослики - тоже все постились и каялись. “И увидел Бог дела их, что они обратились от злого пути своего, и пожалел Бог о бедствии, о котором сказал, что наведет на них, и не навел.”

Ой, ребят, так жарко что жить невозможно. Поэтому вот картинка, от которой веет прохладой и свежестью - охота на оленей курфюрста Фридриха Мудрого в компании императора Максимилиана в пышных саксонских лесах. У речки! Фридрих III был прекрасно образован, любил читать древних мудрецов, уважал и защищал Лютера, основал Виттенбергский университет и при его дворе работал Лукас Кранах старший, вот эту картину и написавший в 1529 году. Картина, вероятно, была заказана другим курфюрстом, Йоном Верным (он тоже есть на картинке) после смерти и Максимилиана и Фридриха в память о прекрасных былых днях. В большой красивой шляпе на белом коне в самом центре скорее всего скачет сам Фридрих. Вообще, некоторые считают что картину надо читать как последовательность событий - вот в правом верхнем углу замок, а под ним начало охоты - все выехали нарядные и готовятся, а ниже уже сама погоня - несутся лошади, слуги, собаки, одна даже погибла в схватке с оленем, а еще ниже затаились добивающие дичь из арбалетов охотники. Тем временем на лодочке катаются ожидающие мужей дамы и кое-кто, предположительно какой-то монах-протестант, даже ведет себя непристойно и обнимается с шикарно одетой девицей. Кранах управляет тем, как мы смотрим на картину при помощи оленей - они задают тут всю динамику, двигаясь почти по часовой стрелке. Все так празднично, живо, вдалеке виднеется величественный город и заснеженные вершины. Только погибшая собачка напоминает нам о том, что мир не так уж идеален, а в каждом празднике есть место печали. Написана картина на липовой панели масляными красками и благодаря такому выбору материалов Кранах смог прописать мельчайшие детали. Только вот не смогла найти его подпись - фирменного змея-дракончика, а он тут где-то притаился, вроде бы, внизу. Может,у вас получится?

Приход колдуна на крестьянскую свадьбу 1875 Василий Максимов Третьяковка, Москва На картине изображён эпизод крестьянского свадебного пира, радостное течение которого нарушает неожиданное появление запорошенного снегом сельского колдуна. Произведение произвело хорошее впечатление на современников — в частности, критик Адриан Прахов писал, что картина «задумана и создана так, как если бы создала её народная фантазия». Прямо с выставки полотно купил Третьяков. «Приход колдуна» — глубокая и талантливая картина «деревенской веры и того обихода мысленного, чем поколения века живут у себя, по далёким деревням»; по его мнению, это «лучшее, важнейшее и значительнейшее» из того, что создал Максимов. Искусствовед Дмитрий Сарабьянов считал картину «Приход колдуна на крестьянскую свадьбу» лучшим произведением Максимова и писал, что это полотно принесло его автору всеобщую известность и выдвинуло его «в первые ряды русских художников-реалистов».

"Я и моя деревня" 1911 г. Марк Захарович Шагал Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Шагал писал картину «Я и моя деревня» в Париже. Сюжет ее построен на зеркальном отображении. Справа мы видим профиль самого художника, напротив – профиль коровьей морды. Художник протягивает ей связку веток и цветов, которую трактуют как древо жизни. В верхней части картины эти зеркальные профили, словно мостом, соединены изображением Витебска. Шагал и корова присматриваются, «принюхиваются» друг к другу. Интересный метод «матрешки» позволил художнику изобразить внутри головы животного отдельную сцену с дояркой и коровой. В центре мы видим круг, соединяющий все элементы в единое целое и символизирующий круговорот жизни. Вокруг этого круга и разворачиваются события картины: дома Витебска, в том числе, стоящие на собственных крышах, доярка с коровой, перевернутая женщина и догоняющий ее мужчина с косой. В светлой перевернутой фигуре женщины ощущается сила, ее трактуют как символ плодородия. Она словно убегает от изображенного в темных тонах мужчины с косой. Не отсылка ли это к старухе с косой? Впрочем, эта погоня не создает ощущения угрозы, она выглядит естественной частью круга, естественной частью жизни. Картина в полной мере проявляет свойственное Шагалу умение соединять бытовое и сверхъестественное. В картине «Я и деревня» ощущаются отголоски фовизма – законы перспективы отправлены в утиль за ненадобностью, да и размеры не озабочены соответствием реальности, кубизма – разделение на сектора, декомпозиция, импрессионизма – нестандартное использование цвета. При этом картина максимально насыщена символами: знаки (коса, церковь, дерево жизни), форма (круг, матрешка). Многие исследователи определяют ее жанр как «бытовой символизм». Но правильнее сказать, что перекликаясь с различными направлениями живописи, картина все же выходит за рамки любого из них. Шагалу удалось воплотить свою цель «не быть похожим на кого-то, найти свой путь». МаркШагал _history

"Танец" 1910 г. Анри Матисс Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Русский коллекционер Сергей Щукин в 1908 году заказал Анри Матиссу три больших панно, которые должны были изображать танец, музыкантов и купание. «Купание» не было написано, а «Музыка» и особенно «Танец» – это уже в полный голос заявивший о себе гений Матисса. Щукин планировал украсить этими панно холл своего московского особняка. Это был первый крупный заказ в жизни Матисса, позволивший ему окончательно проститься с нехваткой средств. Источником вдохновения для Анри Матисса послужили представления Айседоры Дункан, порвавшей с официальной балетной школой и наполнившей танец страстью, эмоциями, неистовством. Посещение Матиссом кабаре «Мулен де ла Галетт», в котором исполнялась фурандола (провансальский народный танец), тоже внесло свою лепту в создание панно. Матисс окончательно уходит как от детализации, так и от расплывчатости импрессионистов. Вот как он описывает работу над картинами для Щукина: «Мы стремимся к ясности, упрощая идеи и пластические средства. Цельность — наш единственный идеал… Речь идет о том, чтобы учиться и, быть может, учиться наново писать линиями». Технические средства действительно сведены до минимума, Матисс в этих работах предельно лаконичен: лазурное небо, изумрудная зелень холма, пылающие огненные тела. Люди максимально обобщены, перефразируя известное выражение Матисса про женщину и картину "Я рисую не женщин - я рисую картины"), здесь он пишет не танцоров - он пишет танец. Обнаженные тела несут ощущение некой первобытности, первозданности, вызывают аналогии с настенными росписями. Танец кажется грандиозным узором бытия, он вышел за пределы картины, это архетип, стихия танца, это сам миф о танце. Перед нами кружение пяти фигур, соединивших руки в неистовом хороводе. Они образуют замкнутый круг, настолько заряженный энергией, что кажется, от холста должно искрить. Картины были выставлены на Салоне 1911 года и вызвали бурную реакцию. Яростная, страстная обнаженность слившихся в танцевальном экстазе тел возмутила поклонников академических жеманных красавиц, возлежащих на диванах и окруженных пухлощекими амурами. Обнаженная натура не в диковинку, но здесь – больше, чем тела: чистый экстаз, страсть и секс выплескивались на зрителей из этого трехцветного полотна с танцующими фигурами. Щукину даже пришлось попросить Матисса заретушировать «срамоту». Но разве это могло сдержать эмоциональный и чувственный накал картины, который, право, живет не в линиях, уточняющих половые признаки. На первом этаже московского особняка Сергея Щукина должен был располагаться «Танец» Матисса – будоражащий, возбуждающий, влекущий. На втором этаже настроение гостей предполагалось уравновешивать «Музыкой», передающей совсем другое состояние – спокойствие, медитативность, погруженность в себя. Всё те же три краски, те же пять фигур изображены уже не на холме, а на равнине, они не сливаются воедино, а предстают отдельными персонажами, погруженными в себя и музыку. На третьем этаже планировалось разместить панно, изображающее отдых, купание, расслабление. У «Танца» Матисса есть еще одна версия. Она находится в Нью-йоркском Музее современного искусства (МоМА). Раймон Эсколье полагал, что это второй вариант «Танца», в котором Матисс превзошел чувственность и вакханские мотивы первой версии. Но большинство исследователей сходятся на том, что это лишь набросок к настоящему панно, которое после революции было национализировано и передано в Эрмитаж, где находится и поныне. Позже для Фонда Барнса по заказу его создателя Матисс создаст еще одно панно на тему танца, размером уже 13 метров, в котором применит технику декупажа. АнриМатисс Экспрессионизм _history

"Портрет старика с внуком" 1480-е Доменико Гирландайо Лувр, Париж. «Портрет старика с внуком» – самое знаменитое станковое произведение флорентийского художника Доменико Гирландайо, входящее в золотой фонд эпохи Возрождения. При этом современникам Гирландайо так не казалось: Вазари хоть и считал Доменико чуть ли не самым выдающимся живописцем Флоренции XV века, об этом полотне в своих «Жизнеописаниях» не сообщает ничего. Первое появление картины в информационном пространстве датируется 1866 годом – доску приобрел Лувр. А в 1880 году берлинский Музей Боде отказался перекупить полотно из-за его ужасного состояния. Неизвестные первые хозяева картины явно относились к ней с пренебрежением и надлежащих условий хранения шедевру не обеспечили. Полноценную реставрацию полотна провели только в 1996 году, и с тех пор «Портрет дедушки с внуком» - must-see для ценителей ренессансного портрета. «Не существует более гуманистической картины периода Кватроченто, будь то внутри или вне Италии», - считал историк искусств Бернард Беренсон. И действительно, - здесь и потрясающая для того времени прорисовка портрета в плане натуралистичности, и вечные ценности, но без доли пафоса. Единство старика и внука подчеркивается одинаковым цветом одежд, при этом каждый из них выражает любовь к другому по-своему: старик смотрит на мальчика с нежностью и словно с высоты прожитых лет, а в облике ребенка – детская невинная доверчивость и искреннее обожание. Спокойный пейзаж за окном и лентой вьющаяся река призваны усилить ощущения неумолимости времени и связи поколений. О том, кто был реальными прототипами старика и внука, известно не более, чем о том, что же происходило с картиной в течение 400 лет. Возможно, мальчик – это сын Доменико Ридольфо (ребенок подходит по возрасту), а старик весьма отдаленно напоминает Франческо Сасетти – одного из знатных людей Флоренции 15 века. Впрочем, сходство с Сасетти весьма условно, а вот ринофима у модели Гирландайо – заболевание, проявляющееся в шишковидных наростах на носу – неоспоримый факт. Точные причины возникновения ринофимы медикам до сих пор не ясны, при этом ряд специалистов считает, что алкоголь здесь играет не последнюю роль. Так что не исключено, что наш дедушка от лишнего бокала не отказывался. «Старик откровенно некрасив» – с этих слов начинается чуть ли не каждое описание картины. Может, именно поэтому шедевр и не был оценен по достоинству в свое время. Язык Ренессанса строго предполагал, что нравственность, высокие моральные стандарты, красота души и прочая духовность присущи лишь внешне привлекательным (по меркам эпохи) людям. Поэтому не совсем понятно, как в Кватрочетно мог появиться столь реалистичный, и, главное, человечный портрет. Классические лица XV века – это лица без тени каких-либо внутренних противоречий. И то же, в принципе, можно было бы сказать и об изображенном Гирландайо дедушке, если бы не оттягивающий на себя максимум внимания нос с бугорками. Но непривлекательность старика в сочетании с его благостным и любящим выражением лица, с обожанием смотрящий на деда внук-ангелочек – все это делает полотно на редкость гармоничным. Вот эта вот амбивалентность «на лицо ужасные, добрые внутри» появится в искусстве гораздо позже, портреты же раннего Возрождения предполагали однозначные посылы. Однако изображенная ринафима у Гирландайо – словно протест против принятой в искусстве идеализации. Впрочем, не исключено, что Гирландайо и не имел в виду ничего такого, а просто передал внешность своей модели с максимальной точностью, что и требовало ренессансное «подражание натуре». Вазари отмечает, что сходство портретов Гирландайо с оригиналом практически не имело во Флоренции себе равных. ДоменикоГирландайо Портрет Возрождение _history

"Письмо" 1891 г. Мэри Кассат Собрание Честера Дэйла, Нью-Йорк. «Письмо» — одна из десяти цветных гравюр Кассат, посвященных жизни современной женщины. Эту серию художница представила на своей первой персональной выставке в галерее Поля Дюран-Рюэля в 1891 году. Простые и в то же время изящные работы, выполненные в техниках «сухая игла» и «акватинта», очаровали парижскую публику. Скупой на комплименты Камиль Писсарро назвал их технически безупречными и удивительными по колориту. А ведущий исследователь творчества художницы Аделин Брискин считает гравюры самым значительным вкладом Кассат в историю мировой живописи. Оттиски гравюры «Письмо» сейчас хранятся в нескольких музеях. Кассат заинтересовалась графикой во время поездки в Италию в 1871 году. Она брала уроки у Карло Раймонди, руководителя отдела гравюры Пармской академии живописи. Но дальше обучения дело тогда не пошло. Спустя восемь лет Дега предложил Кассат вместе создать серию иллюстраций для журнала «День и ночь». Художница работала в мастерской наставника, где был печатный пресс и другие приспособления, необходые для создания офортов. В журнале эти иллюстрации не вышли: Дега внезапно разорвал договоренности, и проект закрылся. Созданные к тому времени работы Кассат представила на пятой выставке импрессионистов в 1880 году. К гравюрам она вернулась только через 10 лет. «Письмо» иллюстрирует одно из важнейших занятий образованных и обеспеченных женщин конца XIX века. Дамы использовали письма не только для общения с родственниками и друзьями. Домоводство и социальные коммуникации (различные заказы, ответы на приглашения и проч.) тоже были завязаны на переписке. Мы видим молодую женщину, которая сидит за столом и запечатывает только что написанное письмо. В ней чувствуется сдержанная красота и достоинство. Глаза женщины выражают решимость и безысходность одновременно. Скорее всего, это письмо далось ей трудно. Как и другие работы серии, «Письмо» создано под впечатлением от японского графического искусства, в частности, ксилографий Утагавы Хиросигэ. Кассат уплощила пространство и исказила перспективу, чтобы максимально приблизить зрителя к изображению. Элементы композиции уравновешены с помощью цвета (пестрое платье и обои vs однотонная поверхность стола, бумаги и конверта). Черты лица и черные волосы выдают в женщине азиатку. А вот антураж комнаты характерен для Франции времен Кассат. Откидной столик, изображенный на гравюре, принадлежал самой художнице. «Письмо» отличается не только композиционной упорядоченностью и гармоничным цветовым решением. Кассат проявила свой талант рисовальщика и владение линией, которое так восхищало в ней Дега. Гравюра, пусть и опосредованно, рассказывает о положении современниц Кассат, живших в мире многочисленных социальных табу. Художница и сама страдала из-за несправедливых ограничений. В «Письме» Кассат передала хорошо знакомое ей чувство щемящей грусти. МэриКассат _history

Тинторетто. Я́копо Робу́сти, более известный как Тинторе́тто — живописец венецианской школы позднего Ренессанса. Художник обозначил ключевые позиции, которые потом возьмут на вооружение мастера барокко и разовьют их в целую систему. Приближал одни фигуры очень сильно к нам, другие отдалял. Если эпоха возрождения все-таки тяготела максимальной ясности пространства, оно было с точки зрения математики выверено, а с точки зрения жизни не совсем. У Тинторетто пространство начинает утопать в неких черных провалах, безднах, проемах. Свет, полноценный игрок в программе картины, им он показывал, например, мистическое состояние. Использовал контрастное освещение, когда сильно высветлены одни части и полностью уходят в тень другие. Композиционный строй. Пользуется уже не горизонталью и вертикалью, как мастера эпохи возрождения, а диагональю. Тинторетто принимает прием у Микеланджело, когда с помощью тел ведет взор зрителя внутри своей картины. В картинах никаких ярких и чистых цветов. Действует масса персонажей.

"Ярмарка в Гавре" 1906 г. Альбер Марке Музей изящных искусств, Бордо. «Ярмарке в Гавре» написана в период расцвета фовизма. Марке до конца своих дней дружил с Анри Матиссом. Но даже в разгар увлечения фовизмом его картины все же не были в достаточной мере «дикими». Черты фовистического направления – яркие цвета, широкие окрашенные плоскости, декоративность – присущи этой картине. Но вместе с тем Марке не спешит уходить от пространства к плоскости, с помощью усиления интенсивности цветовых аспектов он создает перспективу. А яркие цвета так изящно распределены по холсту, что, пожалуй, в отношении этой работы знаменитое высказывание Луи Вокселя, обвинившего группу Матисса в том, что «они швырнули публике в лицо банку с красками», – несколько избыточно. Ранние работы Марке представляли собой импрессионистические пейзажи. К 1906 году он с импрессионизмом окончательно простился. Его мазок во многом похож на импрессионистический, но отход от этой традиции выдает в том числе благосклонность к черному цвету, который импрессионисты не использовали, а фовисты – вполне. Марке любил применять черный как цветовой камертон, позволяющий зрителю видеть контрасты самого светлого и самого темного. С удовольствием он использует и контур, чаще всего в виде штриха-мазка, нередко черного цвета. «Ярмарку в Гавре» по тональности и общему настроению сравнивают с работами Альфреда Сислея. Но по тонкости изображения, общему лиризму и изяществу рисунка Марке того периода до Сислея, пожалуй, не дотягивает. Нередко, характеризуя работы Марке, говорят об идеальном сочетании конкретного и общего. В отношении этой картины – весьма конкретен пейзаж, а люди представляют собой скорее некий образ людей, идею о людях, в них никакой конкретики мы не найдем. Такой подход достаточно типичен для Марке: в его пейзажах практически всегда есть следы людей, так или иначе фигурируют люди, но при этом они максимально обобщены. А вот в картинах, изображающих Неаполь, уже и сам пейзаж теряет конкретику, и Неаполитанский залив становится не самим морем, а чудесной мечтой о море. АльберМарке _history

"Рассвет" Максфилд Пэрриш, 1922 «Рассвет» – одна из самых знаменитых работ американского художника. Картина написана масляными красками на деревянной доске в фирменной технике Пэрриша. Секрет Максфилда Пэрриша заключался в поэтапной проработке картины, тщательных мазках и промежуточной лакировке работ. Так он создавал свой знаменитый бирюзовый цвет небес: смешивая кобальтовый синий и белую грунтовку, он покрывал их лаком, который под действием ультрафиолета давал нижнему слою краски желто-зеленый оттенок. Этот почти нереальный оттенок небесно-синего назвали в честь художника – «Parrish Blue». Когда художник заканчивал очередную картину, на ее гладкой поверхности не было заметно ни одного мазка. «Рассвет» стал самой дорогой картиной Пэрриша: в 2006 была продана на аукционе Christie’s за $7,6 млн. А приобрела картину Робин – жена актера Мэла Гибсона.

Святая Евлалия 1885 Джон Уильям Уотерхаус Галерея Тейт, Лондон На картине мученическая смерть христианской святой Евлалии Меридской. Когда началось гонение на христиан в римсой империи при императоре Диоклетиане в 303 году, Евлалия, которой 12 лет, была отослана родителями в деревню. Евлалия бежала на суд к наместнику Дакийскому в Эмерите, объявила себя христианкой, оскорбила языческих богов и императора Максимиана и потребовала от властей мученичества. Евлалия сказала на суде: «Исида, Аполлон, Венера — ничто, и Максимиан — не больше их, все они — ничто, руками созданы, и вы ручным творениям поклоняетесь». Её приговорили к пытке крючками и факелами, а потом — к казни через сожжение. Она все время насмехалась над своими мучителями. Присутствующие видели, как душа мученицы покинула тело в виде белой голубки. Тело Евлалии обнажили и бросили без погребения. Внезапно пошёл снег, который покрыл тело мученицы и не растаял даже от пламени полыхавшего рядом костра.

"Макс Шмитт в лодке-одиночке" 1871 г. Томас Икинс Метрополитен-музей, Нью-Йорк. В июле 1870 года Томас Икинс возвращается в родную Филадельфию после четырех лет обучения в Школе изящных искусств в Париже. С этого времени художник начинает часто писать спортсменов, в частности – гребцов. Интерес Икинса к спортивной тематике был неслучайным – любовь к упражнениям на свежем воздухе (и к рисованию) привил ему отец, обеспечив Томасу весьма насыщенное детство. Картина «Макс Шмитт в лодке-одиночке» изображает момент из регаты, проходившей на реке Скулкилл в октябре 1870 года, за которой Икинс наблюдал с двойным интересом. Во-первых, каждое подобное соревнование было знаковым событием для жителей Филадельфии, а во вторых, в регате участвовал его близкий друг. Томас и Макс дружили еще со школы, и объединила их любовь к спорту. В то время, пока Икинс учился в Париже, Шмитт продолжал шлифовать свое мастерство и участвовал в регатах, одерживая победу за победой. У него была собственная одноместная лодка, которой он дал имя «Джози» в честь сестры (на картине Икинса название лодки можно увидеть под правой рукой спортсмена). В своей работе художник запечатлел друга с почти фотографической точностью (сохранившийся снимок Шмитта это подтверждает), изобразив его не в момент гонки, а во время отдыха после победы. Кроме того, Икинс поместил на картину и самого себя: его мы видим в лодке на заднем плане (надпись на борту гласит «Eakins 1871»). Позже художник неоднократно будет вписывать в свои работы такие скрытые автопортреты. Картина «Макс Шмитт в лодке-одиночке» стала первой из почти тридцати работ (рисунков, акварелей и картин), посвященных гребле, которые Икинс создал за следующие четыре года. При жизни художника она выставлялась лишь однажды и всего на четыре дня, оставив критиков в легком недоумении. Благодаря Икинсу гребля впервые стала сюжетом серьезного живописного полотна. Один из критиков даже назвал картину вызовом традициям. В конце концов, художник подарил полотно Шмитту, а в 1934 году, когда Икинс посмертно стал популярным художником, работу приобрел музей Метрополитен. ТомасИкинс ЖанроваяCцена Реализм

"Оливковые деревья в Кавальере" 1906 г. Анри Шарль Манген Частная коллекция. Пейзаж «Оливковые деревья в Кавальере», написанный на пике расцвета фовизма, входит в число самых важных картин в творчестве Анри Мангена. Работа датируется 1906 годом, когда смелые цвета и выразительные мазки выдвинули фовистов в авангард современного искусства, а Манген оказался на переднем крае этого движения вместе со своим коллегой Анри Матиссом. Оба художника познакомились в Школе декоративных искусств, а затем в ноябре 1894 года поступили в Школу изящных искусств, где их наставником стал символист Гюстав Моро. И хотя учитель был членом консервативного Института Франции, он предоставлял своим студентам большую свободу – а они высоко оценили его толерантное отношение. После смерти наставника в 1898-м Манген оставил обучение, и год спустя переехал с молодой женой и любимой натурщицей Жанной Каретт в дом по улице Бурсо, 61. Будучи сыном состоятельных родителей, он обустроил в саду разборную студию, куда созвал своих однокашников и оплачивал моделей, которые им позировали. За год до легендарной Осенней выставки в Салоне 1905 года в этой мастерской работали Матисс, Альбер Марке, Жан Пюи и Шарль Камуан. Они разделили увлечение Матисса дивизионизмом (или пуантилизмом): для развлечения и удовольствия писали друг друга и обнаженных натурщиц, больше ориентируясь на небрежный стиль Максимильена Люса, чем на скрупулёзную технику Поля Синьяка. Зима была периодом интриг, заговоров и неистового закулисного лоббирования: различные фракции художественного мира пытались продвинуть на показы следующего года своих фаворитов. Поэт Шарль Герен в декабре записал Матисса на встречу по планированию Осеннего салона, поручив ему «привести Мангена, Марке и других сочувствующих, которых он сможет привлечь». Об этом пишет Хилари Сперлинг в своей книге «Неизвестный Матисс» (1998). Лето 1905 года прошло у новаторов в лихорадочной работе. Они писали виды на юге Франции, в Сен-Тропе и близлежащем Коллиуре, увлечённые ослепительным жарким солнечным светом, заливающим ландшафт с оливковыми рощами. Но их энергичные мазки, густо наложенные краски и яркие чистые цвета вызвали настоящий скандал в Салоне осенью того же года. «Горшок с краской был брошен в лицо публике», – возмущалась критик Камилла Моклер. А по свидетельству писательницы Гертруды Стайн зрители даже царапали холсты в знак презрения. Там же пионеры фовизма получили своё крещение. Критик Луи Воксель описал зал №7, где были выставлены их работы, как «Донателло среди диких зверей» (имелось в виду, что в центре, окружённая эпатажными полотнами, стояла скульптура в стиле Ренессанса). Журналист пытался оскорбить художников, но тем понравилось прозвище «дикие» (fauves, фов). Вскоре оно получило широкое распространение, а затем стало обозначением нового движения. После выставки Манген продолжил создавать блестящие, выразительные и эмоционально наполненные полотна. Именно за любовь к цвету и прославление жизни через поэтические образы беззаботной неги и безмятежности поэт Гийом Аполлинер назвал фовиста «сладострастным живописцем». В мае 1906 года арт-дилер Амбруаз Воллар проявил недюжинную проницательность, купив свыше девяноста работ Мангена. Спустя 80 с лишним лет журналист Жан-Луи Ферриер написал: «Картина Мангена – это симфония сильных цветов, где чистый красный доминирует над красно-оранжевым, пурпурно-фиолетовым, тёмно-синим, тёмно-зелёным и золотисто-жёлтым. Линии, формы – всё выражает силу. Всё поражает. Это возвышенное произведение, которое согревает сердце и приносит радость». В марте 1907 года пейзаж «Оливковые деревья в Кавалер-сюр-Мер» приобрела у художника парижская галерея Bernheim-Jeune. Спустя почти 30 лет Анри Манген выкупил его у частного лица и хранил в своей коллекции вплоть до смерти в 1949 году, после чего картину получила в наследство его дочь Люсиль. В мае 2016 года произведение было продано на аукционе Sotheby’s за 1 млн 150 тыс. долларов США. АнриШарльМанген Пейзаж Фовизм _history

"Маки и бабочки" Май 1889 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Настоящий мастер сумеет отыскать сюжет для картины даже в самых простых вещах и явлениях. Таким мастером по праву можно назвать Винсента Ван Гога — любое его полотно, будь то зарисовка из уличной жизни или натюрморт, наполнены глубокой задумчивостью и скрытым восторгом перед красотой живой природы, предстающей перед нами в разнообразных обличьях. Картина Ван Гога «Маки и бабочки» — одна из многих композиций великого художника, которые привлекают зрителя гармоничностью линий и контрастными оттенками. На ней изображены цветки мака и пара бабочек, порхающих возле них. Это произведение живописец написал в сложный период своей жизни. Поссорившись в 1888 году с Гогеном, художник утратил душевное равновесие и обратился за помощью к врачам. Весной 1889 года он был помещен в лечебницу неподалеку от городка Сен-Рени, где провел целый год. На протяжении этого времени Ван Гог боролся с приступами депрессии и отчаяния, находя спасение в рисовании: неиссякаемым источником вдохновения для него служил живописный сад, в котором росли разнообразные деревья и цветы. Именно здесь он создал свои пейзажи с оливами и кипарисами, а также множество натюрмортов с цветами, в числе которых — картина Ван Гога, на которой изображены маки и бабочки. Искусствоведы отмечают созвучие этого полотна традиционной японской живописи. Художник словно скопировал традиционную манеру японских живописцев, изобразив все детали максимально декоративно. Издалека картина напоминает цветной эскиз, наспех набросанный в перерыве между работой над крупным холстом. Грубая неровная рамка, будто вышедшая из-под широкой кисти, обмакнутой в черную тушь, создает канву асимметричной композиции. Практически вся правая сторона картины Ван Гога «Маки и бабочки» заполнена художником, а в левой части он оставил почти пустое пространство, тронутое краской лишь в нескольких местах. Основная роль на картине Ван Гога «Маки и бабочки» отведена ярким контрастным пятнам, которые складываются в изображение пылающих красных маков, ярко-зеленой остролистной травы и нераспустившихся бутонов. Фоном для них служит лазурное небо, которое художник схематически изобразил несколькими широкими мазками. Две белых бабочки-капустницы, порхающих на клумбе с маками, служат противовесом крупным лепесткам цветков и составляют с ними единое целое. От картины веет спокойствием, которого можно достигнуть только во время созерцания живой природы. Картина Ван Гога «Маки и бабочки» хранится в Амстердаме в музее Винсента Ван Гога. Она стала источником вдохновения для многих современных художников и скульпторов, а ее многочисленные репродукции украшают интерьеры частных домов и деловых офисов. ВинсентГог Натюрморт Постимпрессионизм _history

Василий Максимов "По примеру старших" (1864)

"Станчик" 1862 г. Ян Матейко Национальный музей, Варшава. Картина «Станчик» Яна Матейко часто служит иллюстрацией к статьям о романтизме в искусстве: переживания главного героя показаны художником необыкновенно выразительно. «Станчик» (полное название картины - "Станчик при дворе королевы Боны после взятия Смоленска") - одна из первых художественных исторических работ Яна Матейко. Полотно было написано в 1862 году, его автору было всего 24 года. Станчик – историческая личность: он был придворным шутом великих князей литовских и королей польских Александра Ягеллона, Сигизмунда I Старого и Сигизмунда II Августа. Согласно скудным данным, его настоящее имя - Станислав Гуса, или Станислав Вассота. Он родился около 1480 года в деревеньке Прошовицы неподалеку от Кракова, а Станчиком его называли, сократив имя «Станислав». Попав ко двору, Станчик стал королевским шутом, за словом в карман не лез и быстро стал популярной личностью. Остроумие и ясность мышления вкупе со своеобразными «служебными обязанностями» позволили Станчику не только беспощадно критиковать королей и придворных, но и занять достаточно привилегированное положение в Вавельском замке. Однако на картине мы видим грустного шута: Ян Матейко запечатлел своего Станчика в момент, когда он скорбит о поражении литовской армии под Смоленском. Об этом свидетельствует слово «Смоленск» и римские цифры «1514», изображенные на только что прочтенном письме. Утрачена важнейшая крепость на востоке, ее захватили войска московского князя Василия III, но, кажется, никого это не волнует, кроме шута. Вряд ли сам Станчик вскрыл важное письмо – это сделал кто-то из вельмож, возможно, сама королева Бона (вспомним полное название картины). За приоткрытыми дверями справа видны фигуры придворных – там шумит веселый бал. И только Станчик, бросив на пол свой шутовской кадуцей, размышляет над будущим государства и его невеселых перспективах. Тревожность момента Матейко подчеркивает, изображая в окне слева летящую комету – предвестника войн и смутных времен. Еще и свет, падающий на фигуру Станчика, не имеет видимого источника – возможно, это «свет истины» - «luх veritatis». Взгляд персонажа, полный боли и тревоги – взгляд самого автора картины, Яна Матейко, который «списал» образ Станчика с собственного облика. Он еще не раз изобразит свое лицо: практически сразу после «Станчика» художник начал работу над картиной «Проповедь Скарги» (завершена в 1864 году), где образ центральной фигуры также является автопортретом. Изображая себя в роли шута, остроумного, быстрого на язвительное словцо, или священника, гневно проповедующего с алтаря, Матейко тем самым подчеркивает дух национального патриотизма, живущий в его сердце, отождествляет себя со своими героями. Любовь к Польше, где семья эмигрантов Матейко обрела настоящую Родину, была настоящей и искренней. Два старших брата Яна принимали участие в революционных событиях «Весны народов» в 1848 году, а интерес к старине и народным традициям ему привил еще один старший брат — Франчишек Матейко, историк по образованию. Да и сам Краков с его средневековой архитектурой, Королевским замком и гробницами польских правителей способствовал увлечению национальными патриотическими идеями. Картина «Станчик» наглядно показывает, что Ян Матейко недаром изучал принцип работы Поля Делароша и его ученика Карла Теодора фон Пилоти - изображать на полотне наиболее драматичный момент исторического события, пробуждающий в зрителях максимальную эмоцию. Яркая личность Станчика, шута и истинного патриота, вдохновляла не только живописца: ему отдавали должное польские писатели в своих произведениях на исторические темы. А политическая группировка, действовавшая в середине XIX века в Галиции и выступавшая за улучшение жизни поляков под пятой оккупации Австрии, выбрала себе название «Станчики». ЯнМатейко Романтизм _history

Георг Шольц (10 октября 1890 – 27 ноября 1945) — немецкий художник. Шольц быстро стал одним из лидеров «Новой вещественности» — группы художников, практиковавших наиболее циничную форму реализма. Известными представителями этого течения были Макс Бекман, Георг Гросс и Отто Дикс, в своих работах Шольц некоторое время соперничали с ними по ярости посыла. Однако к 1925 году его подход к картинам стал мягче и в чём-то ближе к неоклассицизму, что видно в таких работах как «Автопортрет перед рекламной тумбой» (1926) — первый в галерее выше. После прихода в 1933 году к власти в Германии Гитлера и национал-социалистов Шольц быстро потерял работу преподавателя. Его творчество было объявлено дегенеративным искусством, в 1937 году его произведения были изъяты в рамках кампании по «очищению» немецкой культуру, а самому художнику в 1939 году было запрещено рисовать.