Маленький музыкант 1882 Джузеппе Константини Любимые развлечения детворы...

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.

Тамара Лемпицка "Автопортрет в зеленом Бугатти" (1929) Легенда гласит, что редактор самого влиятельного модного журнала Германии была сражена наповал видом богемной деятельницы искусства, выходившей из своего автомобиля перед роскошной гостиницей в Монте-Карло. Элегантная, независимая и эмансипированная, она выглядела идеальной ролевой моделью для продвинутых читательниц журнала, поэтому редактор тут же заказала Лемпицкой ее автопортрет для обложки следующего номера издания. Легким движением руки Тамара превратила свой маленький желтый «Рено» в сверкающий хромированный «Бугатти», справедливо рассудив, что он будет куда лучше оттенять ее аристократический лоск. Она не учла лишь одну маленькую деталь: до 1963 года автомобили этой марки выпускались с правосторонним рулем. Впрочем, это не помешало «Автопортрету в зеленом Бугатти» с обложки популярного журнала наделать много шума и получить титул «гимн современной женщине».

"Волга в окрестностях Юрьевца" 1870 г. Алексей Кондратьевич Саврасов Частная коллекция, Франция. «Волга в окрестностях Юрьевца» была выставлена анонимно в 1871 году на ежегодном конкурсе Московского общества ценителей искусства. Картина произвела фурор. «Волге» Саврасова досталось первое место в разделе ландшафтных изображений. Вот как она описывалась современниками: «Картина эта довольно обширных размеров (более сажени в ширину). Колорит, если так можно выразиться, дождливый. Бесконечная зыбь матушки-кормилицы Волги; облачное небо; Юрьевец на взгорье; куча бурлаков, тянущих на бечеве баржу; невеселая, но характерная картина...» В следующий раз публика об этой картине услышала в декабре 2014 года на парижском аукционе Audap & Mirabaud. Эстимейт был определен в 70–90 тысяч евро. Организаторы аукциона, похоже, не потрудились разобраться, что же перед ними, поставив столь скромную цену. А вот коллекционеры стоимость шедевра вполне осознавали, в итоге картина ушла за 939 тысяч евро (более 1 миллиона долларов) - во французскую частную коллекцию. В июне 2015 года на русских торгах аукциона Sotheby's в Лондоне картина была выставлена с эстимейтом 2 миллиона 150 тысяч – 2 миллиона 800 тысяч долларов. Она считалась одним из самых дорогих и лакомых лотов русских торгов, но покупателя не нашла. Не то чтобы «Волга в окрестностях Юрьевца» вообще исчезала. О ней знали, фотографии ее встречались в монографиях художника, ее даже школьники в сочинениях иногда описывали. Но где она находится и цела ли – не было известно. Надпись на обороте свидетельствует о том, что картина входила в коллекцию профессора Киевского университета, доктора Владимира Меринга. Точно нельзя проследить путь, по которому она попала за границу. По состоянию на 2015 год эта картина стала самым значимым полотном Саврасова, когда-либо выставленным на аукционе Sotheby's. И в целом она входит в число лучших произведений Саврасова. Бурлаки на фоне монументального волжского пейзажа, вернее, бурлаки как часть этого пейзажа открывают цикл работ Саврасова, посвященных Волге. В начале 1870 года художник вместе с женой Софией и их две дочери переехали в Ярославль. Здесь, неподалеку от Юрьевца (маленький городок восточнее Ярославля), Саврасов работал над этой картиной. Здесь же он написал самые известные свои полотна, в том числе легендарную картину «Грачи прилетели». Это было счастливое время в его жизни – любимая семья, возможность писать, вдохновение, природа. И вместе с тем это было тяжелое время – здесь после сложных родов Софии умер третий ребенок Саврасовых. На этом сплаве из трагических переживаний и счастливого быта создавались лучшие полотна художника. В 1860-70-е годы ряд крупных российских художников пытались привлечь внимание к теме бурлаков, в ней видели символ жестокой социальной несправедливости. Конечно, нельзя не вспомнить знаменитых «Бурлаков на Волге» Ильи Репина. Саврасов и Репин писали своих бурлаков параллельно и независимо друг от друга. На обоих безусловно повлияла написанная в 1866 году работа Василия Верещагина. Обе картины были представлены 1871 году, Репин показал своих «Бурлаков» в Санкт-Петербурге, Саврасов «Волгу» – в Москве. Известно, что Репин картину дорабатывал, и публика знает вариант, к которому он пришел в 1873 году. Саврасов тоже работал над картиной после первой выставки. По некоторым сведениями, он вносил правки до 1871 года. АлексейСаврасов Реализм _history

Картина «Щегол». 1654 г. Автор Карел Фабрициус. В XVII веке щеглы были популярными домашними питомцами, их учили набирать воду и переносить её в миниатюрном ведре. Название картины на голландском языке дословно переводится как «маленький водонос».

"Капризница" 1718 г. Антуан Ватто Государственный Эрмитаж. Поэт Шарль Бодлер утверждал, что самое ценное в искусстве Ватто – его капризные, своенравные, но бесконечно элегантные женщины. «Капризница» из собрания Эрмитажа – безусловно, одна из них. В центре композиции, с небольшим смещением влево, сидит миловидная дама в струящемся черном платье. За её спиной игриво полулежит господин в красном берете с пером и, очевидно, заигрывает с девушкой. Но её напряжённо-прямая осанка и явное неудовольствие на лице свидетельствуют, что поклонник чересчур навязчив и уступать его напору героиня не расположена. Во всяком случае, сейчас. Флирт и ухаживания, проявления галантности – это вообще центральная тема рококо. И именно Ватто положил ей начало своими «галантными празднествами». «Капризница» также принадлежит к этому жанру. Нарядно одетые герои явно принимали участие в каком-то увеселении, а вот сейчас удалились от общества, чтобы прояснить отношения наедине. Однако, в отличие от абсолютного большинства сюжетов «галантных празднеств», где ухаживания совершаются к полному взаимному удовольствия, «Капризница» демонстрирует интересный психологический разворот – женское раздражение от навязчивого внимания. Развернувшись спиной к собеседнику, героиня проявляет высшую степень неучтивости. Этим она показывает, что относится к визави без всякого уважения. Мечтательный взгляд Капризницы устремлён вдаль. Некоторые даже предполагают – на некоего другого кавалера, которого она предпочла бы видеть рядом с собой. Ватто любил смешивать реальность и театр, наряжать друзей в театральные костюмы, которые он коллекционировал, и в таком виде рисовать их. Ему импонировала идея игрового смешения иллюзии и реальности, нравилось извлекать из этого взаимного проникновения неожиданные психологические эффекты. Всё это есть и в «Капризнице». Трудно отделаться от мысли, что героиня ощущает себя на сцене, перед полным зрительным залом, что она чересчур озабочена тем, как выглядит со стороны. Этому впечатлению подыгрывает даже пейзаж, покорно выполняющий роль кулис. В «Капризнице» есть то, за что Ватто ценят больше всего – некая умышленная недоговоренность. Загадочная будничность. Трактовка смысла картины вроде бы лежит на поверхности и в то же время – вызывает трудности, ускользает от окончательного понимания. Именно за это качество Ватто впоследствии выше всех прочих художников будут ценить символисты. Может быть, Капризница не отклоняет ухаживания, а наоборот – слушает оправдания и принимает извинения? Может быть, это не начало отношений, а их конец или явный кризис? Может быть, что-то вызвало ревность героини и герой (любовник?) вынужден оправдываться? Так или иначе, Ватто предстаёт перед нами мастером тонкого и затейливого психологического рисунка. Именно во внимании к личности и нюансам переживаний героини заключена ценность картины. Известный искусствовед Михаил Алпатов писал, что для её понимания стоит сравнить «Капризницу» с работами кого-нибудь из голландцев ХVII века: Ватто «интересуют в первую очередь не красивые вещи, не блестящие ткани, как многих голландцев, а характер и мимика людей». Но голландских мастеров Ватто в самом деле очень ценил и многому у них учился. Исследователи мягко укоряют художника за вольные или невольные заимствования: дескать, и наряды у него уж больно а-ля Франс Халс. А красный берет персонажа «Капризницы» - так и вовсе списан у Рембрандта. И все-таки нельзя не признать, что платье героини – само по себе маленький шедевр с бесконечным разнообразием переходов цвета, который лишь условно может быть назван черным. АнтуанВатто Рококо _history

Немного примеров разнообразной живописи Перелетных Птиц (за последние пару лет художники из этого объединения уже не раз тут встречались, кстати): Флагелланты, Питер ван Лар; Солдатская драка, Руланд ван Лаер; Прометей и Вулкан, Дирк ван Бабюрен; Концерт, Ян ван Бийлерт; Лебедь, защищающий гнездо от собаки, Ян Асселин (по прозвищу Маленький краб хихи); Аллегория Ноября, Йоахим Зандрарт; Удаление зуба, Иоганн Лисс; Туша на кухне, Якоб Лейссес; Ипомея, жабы и насекомые, Отто Марсеус ван Скрик; Орфей играет на лире, Якоб ван Ставерден

"За завтраком" 1914 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственная Третьяковская галерея. «Как же за завтраком, когда обед подают?», – удивлялись зрители. Но в доме Серебряковых был принят европейский режим питания, более физиологичный, чем привычный трехразовый, состоящий из завтрака, обеда и ужина. Утром подавался «маленький завтрак», а в полдень следовало то, что мы называем ланчем, плотный второй завтрак. О нем и речь. За столом изображены трое старших детей художницы. По дальнюю сторону – восьмилетний Женя, на переднем плане – Саша, которому 6-7 лет, справа двухлетняя Тата. Младшей, Катюше, за стол пока рано, она еще на руках у кормилицы. Отдельный персонаж – руки кого-то взрослого, разливающие суп. Мы не знаем, кто это – бабушка, няня или кухарка. Но именно ее руки добавляют уюта и ощущения защищенности картине. Дети не оставлены, они под присмотром, их кормят. Смотреть, как ест ребенок – особое, понятное каждой матери ощущение. Это о том, что дети здесь, рядом, с ними всё хорошо, они сыты и здоровы. Руки на этом портрете вообще написаны виртуозно: разливающие суп руки взрослой женщины, мягкие, пухлые ладошки Таты, длинные пальцы уже большого Жени, Сашина ладонь с зажатой в ней ложкой – еще не такая вытянутая, как у старшего брата, еще таящая отголоски детский пухлости, но уже гораздо более «взрослая», чем младенческая ладошка Таты. Композиция кажется спонтанной, но при этом очевидно, что она хорошо продумана и согласована. Помимо великолепной работы портретиста, обращает на себя внимание и натюрморт. Серебрякова отлично передает фактуру предметов: матовое сияние столового серебра, блестящий желтый бок кувшина, поджаристая корочка хлеба, контраст материалов, тяжесть деревянных стульев, мягкая белизна скатерти, соединяющая и предметы, и персонажей вокруг себя. Эта работа – одно из самых интимных и обаятельных произведений Серебряковой. Она на долгие годы стала образцом семейного и детского портрета. По словам Александра Бенуа, Зинаида Серебрякова, «не знает себе соперников» в этом жанре. Картина «За завтраком» возникла не на пустом месте. Предварительные портреты, эскизы – в них уже заметно мастерство, с которым Серебрякова пишет детей: материнская интонация бесконечной нежности и при этом ни малейшего намека на слащавость, сентиментальность, сюсюканье. Так ребенка видит любящая его мать, а не дамы в салоне, умиляющиеся над парадным вариантом абстрактного ангелочка в кудряшках. Если попытаться сравнить детские портреты Серебряковой с кем-то, то разве с классиками. Впрочем, сама она такой аналогией была бы возмущена до глубины души, потому что чрезвычайно скромно оценивала собственное дарование и боготворила классиков. ЗинаидаСеребрякова Реализм _history

"Возьмите своего сына, сэр!" незаконченная картина художника-прерафаэлита Форда Мэдокса Брауна, начатая в 1851. На картине изображена женщина, только что родившая ребенка и протягивающая новорождённого его отцу. На бледном, измученном лице женщины лихорадочный румянец, а маленький тонкогубый рот приоткрыт, демонстрируя зубы. В зеркале за спиной женщины - отец ребенка, протягивающий руки. Моделью для картины послужила любовница и впоследствии вторая жена художника, Эмма Хилл. Работа над картиной была начата, когда художник и модель еще не состояли в браке, но после появления на свет первого, незаконнорожденного ребенка. По строгим порядкам викторианской Англии, подобные связи заслуживали порицания. В этой интерпретации название картины «Возьмите своего сына, сэр!» означает не бытовую просьбу подержать ребенка, а требование к отцу признать своего сына. По мнению историка искусства Маршии Пойнтон, картина намеренно парадоксальна и заключает в себе противопоставление жизни и смерти. Так, изображение ребенка и складок простыни, в которую он завернут, напоминает иллюстрацию из медицинских трактатов того периода, изображающего плод и внутренности женщины в разрезе. Считается, что художник окончательно забросил картину после смерти сына Артура, скончавшегося в июле 1857 года в возрасте десяти месяцев. Композиция полотна отсылает также к религиозным картинам, изображающим Мадонну с младенцем. На это указывает и зеркало, визуально образующее нимб вокруг головы матери, и рисунок обоев, напоминающий звёздное небо. Художник мог ссылаться на эту иконографию либо искренне, либо в ироничном контексте.

Возьмите своего сына, сэр! 1856 Форд Мэдокс Браун Британская галерея Тейт, Лондон Незаконченная картина художника-прерафаэлита, начата в 1851 году. На картине изображена женщина, только что родившая ребенка и протягивающая новорождённого его отцу. Маленький тонкогубый рот приоткрыт, демонстрируя зубы. Демонстрация зубов в контексте викторианской культуры символизирует женскую обиду и агрессию. За спиной на зелёных в звёздный рисунок обоях висит небольшое круглое зеркало, в котором отражается обстановка комнаты и отец ребенка в костюме и шляпе, протягивающий руки, чтобы взять ребенка. Зеркало было заимствовано как отсылка к «Портрету четы Арнольфини». Название картины означает не бытовую просьбу подержать ребенка, а требование к отцу признать своего сына. Изображение ребенка и складок простыни, в которую он завернут, напоминает иллюстрацию из медицинских трактатов того периода, изображающего плод и внутренности в разрезе.

Рафаэль «Сикстинская мадонна». Картина хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене. У картины есть маленький секрет: задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов. А два ангелочка, изображенные на картине внизу, стали мотивом многочисленных открыток и плакатов.

1930-е годы были в Германии временем расцвета фашизма. Дикс боялся в открытую критиковать режим, но втайне презирал Гитлера и его правление, считал что лень и безразличие немцев привело к диктатуре. И, подобно Босху нового времени, решил обличить пороки общества в своей картине, обратившись к библейскому сюжету. Костлявая старуха в лохмотьях - алчность. Правит ей маленький и ничтожный человечек в белой маске с узнаваемыми черными усиками. Это Зависть в облике Гитлера. Его глаза косят в разные стороны, потому что хочется ухватить всего и побольше, а рот изогнут в скорбной гримасе. Что интересно, в 1933 году художник побоялся изображать Зависть с усами, чтобы не было слишком явного сходства с фюрером. Эту деталь он добавил только в 1945 году, после окончания войны, когда правитель скончался. Фигура пляшущего скелета, белые линии которого образуют свастику, это Лень. Сладострастная женщина с обнаженной грудью – Похоть, рогатый монстр – Злость, жутковатая огромная голова с анусом вместо рта, задранным вверх носом и закрытыми ушами – это Тщеславие, а толстячок с кастрюлей на голове – Обжорство.

Август Фридрих Зигерт "Маленький знаток" (1863)

"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник Джон Генри Твахтман восхищался творчеством Клода Моне. Подобно своему кумиру, он принимает решение обосноваться в сельской местности. И, по следам Моне с его стогами сена, начиная с 1895 года Твахтман как минимум пять раз пишет маленький пешеходный мостик через ручей Хорснек, что протекает через его ферму в Коннектикуте. Как и Моне, он практикуется в изображении избранного объекта в разное время года и суток, с разнообразных ракурсов и различной степенью освещенности. Конечно, в первую очередь на ум приходит серия японских мостиков Моне, но над ними мэтр начал работать несколько позже. А в 1893 году картины художника Твахтмана были включены в экспозицию Галереи американского искусства, в которой, помимо прочих, были и работы Моне. Так что с точки зрения хронологии шансы на то, что американец мог вдохновиться на свою серию именно стогами француза, а не мостами, самый первый из которых датируется 1896 годом, велики. Чувство и чувствительность Довольно сложно проследить последовательность создания цикла и эволюцию манеры художника. Он почти никогда не датировал работы и часто давал им одинаковые названия (в данном случае это всякий раз был «Белый мост» и лишь единожды – «Мостик»). Считается, что все они написаны в течение последней пятилетки 19 века. Несмотря на то, что на всех полотнах серии очевидно запечатлена одна и та же конструкция, форма моста все же немного разнится. Твахтман видит его то абсолютно ровным, как на этом примере, то дугообразным. Особенность его подхода заключалась в том, что, в отличие от Моне, который исследовал техническую сторону игры света и воздуха, наблюдал, как изменяется объект в зависимости от условий освещенности и погоды (как в случае с пресловутыми стогами и видами на Руанский собор), Твахтмана интересовал прежде всего субъективный взгляд на глубоко личные для него вещи. Именно поэтому довольно часто он выбирает для своих пейзажей не особо-то и зрелищные, но персонально значимые виды. Это парадоксальным образом подкупило тогдашних американских критиков, которые порицали импрессионизм даже не за бойкотирование стандартов классической живописи, но за отказ от социального и духовного аспектов в пользу мимолетного, сиюминутного впечатления. Поэтому избыточная сентиментальность и эмоциональная привязанность художника Твахтмана к своей земле и ее ландшафтам вызвали тогда симпатии современных ему противников импрессионистских методов. Предтеча Инстаграма Появление фотографии освободило живопись от возложенной на нее функции реалистичного изображения действительности. Теперь художники могли позволить себе не только писать предметы и сцены так, как они их видели, но и позаимствовать у фотографов пару приемов. Таких как кадрирование, например. Это позволяло импрессионистам подгонять композицию под свои задачи, ведь для них было критично схватывать мимолетные кол...ия в движении и освещении. Кажется, Твахтман написал больше квадратных картин, чем кто-либо другой. Даже несмотря на то, что это его художественное решение подхватили и поддержали такие европейские современники, как Густав Климт и некоторые из молодого поколения американских почитателей Твахтмана вроде художника Марсдена Хартли. По следам французских собратьев-импрессионистов Твахтман черпал вдохновение в искусстве японской гравюры, и в радиальной композиции – в частности. Архитектоника почти всех версий «Белого моста» опирается на этот принцип: из центра квадратного «кадра» во все стороны расходятся ключевые элементы, разделяя его на диагонали. Будь то ветви дерева, береговые линии ручья, плоскость самого мостика или его отражения в воде – расширяясь, они одновременно создают впечатление сжатого, концентрированного пространства. ДжонТвахтман Импрессионизм Пейзаж _history

Небольшая жанровая сценка, изображенная Пабло Пикассо, называется «Свидание» (1900 г.) В 1900 году Пикассо впервые приезжает в Париж. Именно с переездом и связано создание этой небольшой картины. В этот период своего творчества художник часто обращается к мотиву свиданий, который он трактует как тему человеческой близости Пара изображена в замкнутом пространстве, в интерьере. Все второстепенные подробности опущены. Сами фигуры написаны выразительными цветовыми пятнами. Таким образом, между возлюбленными создается собственный маленький мир и зритель чувствует это напряжение чувств. Кстати, произведение хранится в ГМИИ им. Пушкина, в Москве, и у вас есть возможность его увидеть А какую историю за этим изображением видите вы?

3 факта из жизни Пикассо. 1. Рисовать Пабло Пикассо начал ещё в раннем детстве, а его первым учителем живописи был собственный отец. 2. Первым словом, которое маленький Пикассо произнёс, было «карандаш». 3. Его родители устроили сына в лучшую художественную академию Испании, но строптивый отпрыск вскоре бросил учёбу и отправился самостоятельно покорять Францию.

"Сирень" 1900 г. Михаил Александрович Врубель Государственная Третьяковская галерея. На рубеже 19 – 20 веков Врубель работал нал циклом картин, который называют «Сказочным». В него входят картины «Пан», «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Жемчужная раковина» и «Сирень». Помимо присутствия на них сказочных существ, все эти работы объединяет время действия – ночь, из-за чего их еще называют ноктюрнами. Сумерки придают картинам особенный таинственный и сказочный колорит. К тому же ночные сюжеты позволяют художнику выжимать все возможности из своей любимой палитры: любых оттенки синего и фиолетового цветов. Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени. Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее. Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь. Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура. У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете». Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель. МихаилВрубель _history

Селена и Эндимион 1797 Иванов А.И. Псково-Изборский объединенный музей-заповедник В основе сюжета — греческий миф о любви Селены, богини любви, отождествляемой с Артемидой — Дианой к прекрасному юноше Эндимиону, наказанному Зевсом за любовь к его супруге, Гере, вечным усыплением. По просьбе Селены ему была сохранена ещё и вечная молодость. По другой версии мифа Селена сама усыпила Эндимиона. Мощной статике лежащей фигуры противостоит ответная легкое движение Богини Селены, окутанной прозрачными развевающимися драпировками. Маленький амур, также обращенный к Эндимиону, заполняет часть пространства и приближает общее очертание трех фигур к устойчивому треугольнику. Картина соединяет в себе строгость классицизма с динамикой в стиле барокко.

Визит в Версальский дворец https://youtu.be/BFX_MZr2Lxk Я - солнце! Я - солнце ! - закричал радостно мальчик. С тех пор его так и называли - «Король-солнце». Еще в юности монарх мечтал о чем-то большом, безукоризненном, таком, что поразило бы всю Европу - лучше Лувра, Венсен и Фонтенбло вместе взятых. Местом для строительства нового дворца юный король избрал маленький поселок юго-западнее Парижа, в котором его отец, Людовик XIII, построил скромный, но уютный, охотничий павильон. Впоследствии на этом месте, среди леса, вырос замок - из камня, кирпича и кровельного сланца. «Король-солнце» превратил его в самый большой дворец в Европе, где могли одновременно разместиться, не много не мало - 20 тысяч человек! Через десять лет в провинциальном Версале появился роскошный парк, уникальные фонтаны и зазвучал кокетливый «щебет» придворных дам. https://youtu.be/BFX_MZr2Lxk

Продожаем про Шишкина. И давайте еще немного развею мифов вам=) На самом деле, Иван Иванович (имя-то какое русское) - представитель дюссельдорфской пейзажной школы. Кратко ее характеристики - архитектурность, острота, точность. Что еще свойственно? Сценографичность натуры – отдельные части пейзажа – отдельная световая и пространственная режиссура для каждой части. Получается реализм, но немного фантастический. Это и про «Рожь» можно сказать, и про самый любимый и известный всеми нами пейзаж - «Утро в сосновом лесу». Есть у этой картины маленький секретик. На самом деле, ее автор - не только Шишкин. Медведей написал не он, у него вообще с животными (фауной) не так хорошо получалось, как с флорой. Да и идея была не Шишкина, а художника Константина Савицкого. НО! Когда Третьяков картину покупал, он решил, что в произведении больше Шишкина, чем Савицкого, поэтому подпись второго художника просто стер… Ну а что? Мог себе позволить. Про развитие этого мотива в современной живописи интересно? Или дальше по передвижникам пойдем? PROшишкин

​​️В Венеции вводят предварительную регистрацию и сбор на однодневное посещение. С января 2023 года туристы будут платить от 03 до 10 евро в зависимости от многолюдности. Новая цифровая система сможет контролировать наплыв туристов: более 20 миллионов человек посещает маленький город каждый год. Решение необходимо для сохранения природы и облика города со статусом культурного наследия. В прошлом году власти города запретили проход больших грузов и лайнеров, чем смогли избежать внесения Венеции в список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО, находящихся под угрозой. ️Проект «Искусство быть» открыл арт-резиденцию для художников со всей России. Проект будет представлен на трех площадках: ️Государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник «Остров-град Свияжск» ️Государственный Владимиро-Суздальский историко-архитектурный и художественный музей-заповедник ️Ивановский государственный историко-краеведческий музей имени Д.Г. Бурылина. ️Самый большой выставочный зал Екатеринбурга планируют открыть в этом году. Он станет дополнением культурно-просветительского центра «Эрмитаж-Урал». ️25 июля Еврейский музей и центр толерантности представит фотовыставку «Чувство дома». Проект, представленный двенадцатью фотографами, перенесет зрителей в разные точки России: от Финского залива до Биробиджана, от полуострова Таймыр до Северной Осетии, и покажет, как формируются эмоциональные связи с местом, которое человек называет «домом». Фото: Юлия Невская, Серия «Люди тундры», «Ангелина Вэнга с детьми» Таймырский (Долгано-Ненецкий) автономный округ, 2021 https://telegra.ph/file/dfd60b2c637f28e08a9b5.jpg

«Что он Гонзаге? Что ему Гонзага?» Был ли Рафаэль хорошо знаком с Элизабеттой? В отличие от многочисленных «Мадонн» и женских портретов, модели которых так и остались неизвестными (или, если их имена история сохранила, то роль в судьбе художника либо неясна совсем, либо же окутана легендами, в которых сложно отличить правду от вымысла), в случае с моделью этого портрета мы можем ответить утвердительно: да, Рафаэль знал её, и весьма близко. Но чтобы объяснить обстоятельства, в которых пересеклись герцогиня и Рафаэль, начать нужно с его отца – Джованни Санти. Как и сын, он был уроженцем итальянского города Урбино. Герцогом Урбино во время старшего Санти был кондотьер Федериго да Монтефельтро – выдающийся деятель эпохи Возрождения, военачальник, политик и ценитель искусств. Всем, кто интересуется живописью того периода, безусловно, хорошо памятен двойной портрет герцога Федериго и его жены Баттисты Сфорца, написанный Пьеро делла Франческа: увидев раз этот волевой профиль с выразительным изломом носа, его не скоро забудешь. У этого незаурядного правителя, задумавшего сделать из Урбино «идеальный город», «город-дворец», и состоял придворным художником Джованни Санти, отец Рафаэля. Шестым ребёнком герцога и его жены Баттисты был слабый и болезненный мальчик Гвидобальдо. Ему было лишь 10 лет, когда в 1482-м году скончался Федериго да Монтефельтро, но именно Гвидобальдо стал герцогом Урбино после отца, поскольку все дети, родившиеся до него, были девочками. В Национальной галерее Марке, в которую со временем трансформировался урбинский дворец, хранится династический портрет, на котором изображён Федериго и его маленький ангелоподобный наследник Гвидобальдо. Автора его мы точно не знаем: сначала считалось, что это Мелоццо да Форли, потом – Юстус ван Гент, сейчас более или менее единогласно предполагается, что портрет написал испанец Педро Берругете. Любопытней всего в этой картине детальное выписывание регалий: у Федериго на шее орден горностая, а под коленом – орден подвязки, а его маленький сын одет в платье, обильно покрытое крупными жемчужинами, его лоб и грудь украшают аметисты, напоминающие зодиакальные символы, а в руках Гвидобальдо держит скипетр Гонфалоньера (в Риме так называли главнокомандующего папскими войсками, во Флоренции – главу правительства и гаранта конституции), хотя по возрасту ему здесь не больше пяти лет. Итак, в 10 лет Гвидобальдо получил герцогство, а через 6 лет он задумал (или точнее, так решило его окружение) жениться. В невесты ему была выбрана наша героиня – Элизабетта Гонзага, сестра макграфа мантуанского. Она не отличалась особой красотой и была немного старше юного герцога да Монтефельтро, но влиятельные родственники сочли её прекрасной партией, и Гвидобальдо отправился на смотрины в Мантую. Иные беллетристы называют Элизабетту «перезрелой невестой» – по нашим временам, это смешно: Гвидобальдо было 16, а ей 17. Но если мы вспомним, как у Шекспира Парис, сватаясь к 14-летней Джульетте, говорит её сомневающемуся отцу, графу Капулетти: «Я матерей счастливых знал моложе…», нам станет понятнее это жестокое определение. При встрече Элизабетта поразила жениха разве что высоким, как для женщины, ростом. Известно, что после подписания в Мантуе всех документов, касающихся брачного договора, хилый Гвидобальдо решил покрасоваться в седле – и весьма неудачно. Норовистая лошадь скинула его на всём скаку, в Урбино герцог возвращался с переломами руки и рёбер и смещением шейных позвонков. Тем не менее, несмотря на неблагоприятные предзнаменования, громкая свадьба Элизабетты Гонзага и Гвидобальдо да Монтефельтро состоялась: из разных уголоков Италии съехалось более пятисот высокородных гостей, гуляния длились до глубокой ночи, а Джованни Санти в честь праздника даже сочинил и поставил трёхактную комедию в стихах, к которой сам написал декорации, и теперь стал считаться не просто художником, а чем-то вроде министра просвещения при герцогском дворе. Его сыну Рафаэлю в это время было около шести лет.

Картина «Стоун Сити» пронизана ностальгией. Изображенная здесь местность, находилась совсем рядом с фермой, на которой родился и вырос Вуд. Стоун Сити нельзя было назвать городом в общепринятом смысле, это была так называемая межобщинная территория, на которой в то время жили работники каменоломен. И хотя картина была написана во время Великой Депрессии, она буквально дышит солнцем и радостью, передавая детские воспоминания и ощущения художника. Спустя два года после создания этой работы Вуд вместе с галеристом Эдвардом Роуэном и художником Адрианом Дорнбушем основал в Стоун Сити художественную колонию и школу искусств. Их целью было объединить и поддержать молодых живописцев, страдавших от нехватки денег и практически полного отсутствия работы во время Депрессии. Пейзаж, изображенный Вудом, как и на многих его картинах периода регионализма, выглядит одновременно почти кукольным, но при этом удивительным образом не менее реалистичным. Время на этих полотнах словно застыло в янтаре, остановилось в тот момент, когда маленький Грант Вуд был счастлив. Вот что удивительно: получив возможность рисовать только после смерти отца, художник в своих работах постоянно обращается к воспоминаниям о том времени, когда Мервил Вуд был еще жив. Кажется, будто дух отца навсегда поселился в его картинах. Некоторые из строений, которые можно рассмотреть на этом полотне, существуют в Стоун Сити по сей день, например, церковь Святого Иосифа, универмаг и кузнечная лавка. _history ГрантВуд Пейзаж

Павел Дольский (1978) «Маленький монах» 2012 холст, масло. 158х140 см павел_дольский Галерея39

Кукла лондонских трущоб Вот история одной удивительной куклы, найденной в трущобах Лондона приблизительно в 1905 году. Эта кукла, сделанная из каблука мужского ботинка, черного носка и кусочков ткани из дома, поражает своей простотой и значимостью. Чувствуется любовь родителей, которые не могли позволить себе купить обычную куклу для своего ребенка. В каждом шве этой куклы заложена нежность и забота, которые делают ее настоящим шедевром. Интересно, что благодаря Эдварду Ловетту, коллекционеру кукол со всего мира, эта самодельная игрушка сохранилась более ста лет. Каждый шов, каждый обрывок ткани, каждый стоптанный каблук – это кусочек истории, который пережил время и донес к нам свой уникальный смысл. А этот маленький чепчик, сшитый из обрывков, будто венчает эту куклу, делая ее еще более трогательной. Такие детали напоминают нам о том, что красота может быть найдена в самых неожиданных местах, в самых простых вещах. Эта кукла – не просто игрушка, это символ любви, заботы и выживания. Ее история напоминает нам о том, что даже в самых трудных временах люди находят способы делать мир ярче и добрее. Кукла лондон музей | Культурные каналы

Самый известный пейзаж в русской живописи Кто не знает Шишкина? Шишкина знают все И его картину «Утро в сосновом лесу», конечно, тоже. Мы уже выяснили, что картина очень популярна благодаря конфетам Но не только в них дело! Произведение действительно шедевр. Пожалуй, еще и самый фотогеничный в Третьяковской галерее. Перед ним всегда толпятся люди в ожидании возможности сделать удачный кадр. Так почему же это все-таки шедевр? ️Потрясающая реалистичность изображения. Шишкин вообще был очень дотошным художником, выписывал каждый листик и травинку в пейзажах. Такой у него был творческий метод ️Светопередача. Объясню по названию мы догадались, что здесь изображено утро. А если смотреть на полотно, не зная, как оно называется, что нам намекает на то, что это именно начало дня? Внимательно присмотритесь к лесу. Его еще окутывает голубоватый утренний туман ️ а верхушки деревьев уже окрашиваются в золото дня. Ну красота же! ️ «Утро в сосновом лесу» было сразу принято и современниками художника, и коллекционерами. Третьяков сразу приобрел картину в свою коллекцию. Вы когда-нибудь задумывались почему? А потому что это был большой прорыв для нашей школы живописи. Еще за 50 лет до этого пейзажи у нас были совсем иными.. если художники и писали природу, то либо выдуманную, либо итальянскую. А тут такая любовь к своему, родному, воплощенная на холсте с мастерством Третьяков это прекрасно знал и понимал в истории искусства он разбирался. Что еще интересного? Есть у этой картины маленький секрет. На самом деле, подписана она была изначально двумя авторами - Константином Савицким и Иваном Шишкиным. Почему так получилось? История темная. Можно встретить иноформацию о том, что медведей написал не Шишкин, а второй художник, якобы у Шишкина животных плохо получилось изображать … но это не правда. Скорее всего, первоначально идея произведения принадлежала именно Савицкому. И Иван Иванович, как честный человек, не мог коллегу по цеху в авторах картины не указать. Правда, Третьяков потом имя второго художника стер так что сейчас у «Утра в сосновом лесу» только одна подпись - Шишкина. В качестве иллюстрации - Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889 P. S. Согласитесь, когда знаешь детали и понимаешь, какую роль играло произведение в истории нашего искусства, картины совсем иначе воспринимаются? удовольствия от их созерцания в разы больше! Поэтому я за систему и за то, чтобы знать, как наше искусство развивалось и изменялось сквозь года ️ и поэтому столько интересностей вам рассказываю PROшишкин PROинтересныефакты PROживопись