Марат Николаевич Смирнов — российский художник, иллюстратор. Член Союза...

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.

Самохвалов Александр Николаевич (1894–1971). «Натюрморт со скрипкой», конец 1950-х. Alexander Nikolaevich Samokhvalov (1894-1971). "Still life with a violin", late 1950s.

"Старик-крестьянин" 1878 г. Иван Николаевич Крамской Государственное музейное объединение "Художественная культура Русского Севера", Архангельск.

"Неизвестная" 1883 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. «Кто она?», – спрашивали его. «Неизвестная», – лаконично отвечал Крамской. Давайте разбираться. Куртизанка? Содержанка высокопоставленного человека? А может, возлюбленная самого императора? Или все же литературная героиня? Дочь художника? Признаемся сразу, точного ответа мы не знаем. После Крамского осталось немало дневников и писем. Ни единого упоминания о работе над этой картиной в них не встречается. На 11-ю выставку передвижников не рекомендовали приводить юношей и молодых девушек. Дело в том, что среди народнических, обличительных картин, словно гостья из другого мира, затесалась «Неизвестная» Крамского. Изящно и подчеркнуто богато одетая красивая женщина, в чьем взгляде таится высокомерие и еще что-то трудно вербализируемое. «Кокотка в коляске!» – обошелся без поиска глубоких смыслов художественный критик Владимир Стасов. Общественное мнение такую версию в основном поддержало, потому что именно из-за этой картины был установлен эдакий возрастной ценз 16+. Неприлично-с! В ней видели Анну Каренину, Настасью Филипповну и даже «Незнакомку» Блока, хотя стихотворение было написано гораздо позже. А что же прообразы из реальной жизни? Самая распространенная версия озвучена Стасовым. Кокотка, куртизанка, содержанка. В пользу этого – подчеркнуто роскошный наряд. Высший свет уже вводил в моду «изысканную простоту»: аристократы разорялись, поэтому особым шиком стало не гнаться за модой слишком стремительно. В то же время купеческие дочери и куртизанки часто могли себе позволить «всё лучшее сразу». А поскольку вход в высшее общество для них был закрыт, они особенно старательно наряжались для прогулок. Но Дмитрий Андреев, специалист по костюмам эпохи Александра II, утверждает, что дама на окончательной версии картины одета не только богато, но и с безупречным вкусом. Нувориши и их женщины так не одевались… Немало и мелодраматических версий, пытающихся пролить свет на имя дамы в модной шляпке «франциск». История про невиданной красоты крестьянку Матрену Саввишну, на которой женился дворянин Бестужев, после бросил ее, и она умерла, вообще заслуживает того, чтобы стать сюжетом сериала на пару сотен серий. Минус традиционный – отсутствие каких бы то ни было доказательств того, что на картине изображена Матрена. Мы не знаем имя, но есть кое-то, что мы можем утверждать. Крамской рассказал нам историю об одиночестве, о противостоянии одиночки и толпы, о презрении, которое возвращает социуму презираемая им. Эти темы мы встречаем и в других работах художника. ИванКрамской Портрет Реализм _history

​​️Новым директором Лувра назначена Лоранс де Кар. Она станет первой женщиной на посту директора музея. ️29 мая в Flacon.Cube Flowgardenz совместно с музыкантом Кариной Казарян (kptransmission) покажут аудиовизуальный перформанс Still Life. ️Пушкинский музей и Томский государственный университет откроют первую в России резиденцию, объединяющую искусство и науку. ️Два филиала «Ясной Поляны» откроют в Тульской области к 100-летнему юбилею музея-заповедника — в Туле и бывшем уездном городе Крапивна. Этим летом обязательно навестите Льва Николаевича! Незабываемее впечатления от усадьбы и атмосферы 19 века, где были написаны «Война и мир» и «Анна Каренина». Больше понимаешь князя Болконского, который так полюбил жизнь в усадьбе: размеренно и по-настоящему счастливо. ️В Москве на территории бывшего завода «Рассвет» на Пресне открылось новое культурное пространство. ️Фестиваль «Первая фабрика авангарда» превратил город в настоящую столицу современного искусства, пусть и всего на неделю. Выставка «Светлый путь» в Музейно-выставочном центре продлится до 22 августа. Иваново — чудесный город и настоящая «текстильная столица России»! Вокзал в Иванове был возведен в 1929–1933 годах по проекту архитектора-конструктивиста Владимира Каверинского. Это крупнейший в России вокзал в конструктивистском стиле: его площадь составляет более 9 тыс. кв. м. https://telegra.ph/file/82b700d66271a284bad2a.jpg

Ермолаев Борис Николаевич (1903 – 1982). «Под Москвой». 1956. Цветная литография. Yermolaev Boris Nikolaevich (1903-1982). "Near Moscow". 1956. Color lithography.

«Коронация Наполеона». Ценители искусства едут в Лувр, чтобы вживую увидеть монументальные картины французского художника Жака Луи Давида «Клятва Горациев», «Смерть Марата» и грандиозное полотно, запечатлевшее коронацию Наполеона. Полное название картины — «Посвящение императора Наполеона I и коронование императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года». Давид выбрал момент, когда Наполеон коронует Жозефину, а папа Пий VII дает ему свое благословение. Картина была создана по заказу самого Наполеона I, который хотел, чтобы на ней все выглядело лучше, чем было на самом деле. Поэтому он попросил Давида изобразить в самом центре картины свою мать, которой не было на коронации, себя сделать чуть выше, а Жозефину — чуть моложе.

Шильдер Андрей Николаевич (1861 - 1910) Весенний вечер в лесу. 1880-е гг. Холст, масло; 132 х 96 см. Andrey Nikolaevich Schilder (1861-1910) Spring evening in the forest. The 1880s. Oil on canvas; 132 x 96 cm.

"Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года" 1807 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. «Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года» – апофеоз пропагандисткой живописи не только в творчестве классициста Жака-Луи Давида, но и во всём европейском искусстве. Не странно ли: тот самый Давид, который был одним из первых лиц Великой французской буржуазной революции, другом Марата и Робеспьера, членом Конвента и подписантом решения о казни короля Людовика XVI, уже через несколько лет станет прославлять самопровозглашённого императора? Когда Наполеон спросил у одного из приближённых (в прошлом – ярого республиканца, как и Давид), понравилась ли ему коронация, тот отвечал: «Великолепно, ваше Величество. Жаль только, что на ней не присутствовали те триста тысяч людей, которые положили свои жизни, чтобы такие церемонии стали невозможны». Но Давид заглушил в своём сердце подобные рефлексии. Торжественный въезд Наполеона в Париж в 1797 году потряс художника как событие не столько политическое, сколько эстетическое. Корсиканец поразил его, тонкого ценителя античной эстетики, своим римским профилем и энергией абсолютной, не подлежащей малейшему сомнению власти. «Какая же у него голова! – восторгался Наполеоном Давид. – Она настолько совершенна, что достойна сравнения с лучшими образцами античной скульптуры и живописи!» Наполеон, следует заметить, не отвечал художнику взаимностью. Он полагал, что прошлое «живописца революции» даёт основания сомневаться в искренности его верноподданнических инстинктов. Но Бонапарт всегда высоко ценил профессионалов (именно это во многом определило его успех) и потому запечатлеть для потомков торжество своего «венчания короной и помазания на царство» он поручил именно Давиду. Почти три года понадобилось художнику для выполнения этого масштабного гимна имперскому величию. Устроители церемонии коронации постарались на славу: такой помпезности Франция не могла упомнить и во времена монархии. Кортеж из золотых карет с представителями знати, боевыми генералами, церковниками во главе с Папой Пием VII, которого Наполеон решил пригласить на торжество, обеспечивая себе религиозную легитимность, – этот в буквальном смысле блестящий кортеж медленно и торжественно двигался от дворца до Собора Парижской Богоматери, а десятки тысяч парижан толпились на улице, чтобы поглазеть на грандиозное зрелище. Апогеем самой коронации стал момент, когда Папа собирался возлагать на императора золотой лавровый венец, а Наполеон вырвал из его рук корону и сам водрузил её себе на голову. Этим вызывающим жестом Бонапарт утверждал абсолютный характер своей власти, показывал, что обязан ею только самому себе, а не содействию Папы, да и кого бы то ни было (кстати, позже, когда Наполеон присоединит к Франции Папскую область, Пий VII будет брошен в темницу). Изначально Давид намеревался изобразить именно момент возложения короны. Но, по размышлении, решил, что это внесёт ненужную конфликтность и драматизм, и изобразил следующий этап церемонии – когда Наполеон коронует Жозефину. В «Коронации Наполеона» Давид старается не упустить ни одной важной детали. Многочисленные присутствующие на церемонии – реальные лица. Сам художник изображён сидящим где-то на трибунах. Многие чиновники наполеоновского госаппарата, опознав себя на картине, потом выражали неудовольствие: зачем Давид расположил их так далеко от императора. Художник парировал: «Быть слишком близко к солнцу – небезопасно для жизни». Наполеон потребовал внести кое-какие правки – например, Давиду пришлось дописать его мать Летисию, которая в реальности на церемонии отсутствовала. Но в целом император остался «Коронацией» доволен: «Прекрасно, просто прекрасно! Давид, вам удалось постичь мои мысли и изобразить меня французским рыцарем!» ЖакЛуиДавид ИсторическаяСцена Классицизм _history

Дмитрий Николаевич Кардовский

"Лунная ночь" 1880 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. Талантливый российский пейзажист и портретист Иван Крамской сумел покорить сердца своих почитателей умением наделить практически любой сюжет, перенесенный им на полотно, невероятно мощной эмоциональной составляющей. Для этого он использовал все доступные ему средства — выразительный фон или его отсутствие, тщательно прорисованную мимику и позу персонажа, выверенное сочетание красок. Шедевры его кисти поражают зрителей даже по прошествии полутора сотен лет, и картина Крамского «Лунная ночь» — яркий тому пример. На полотне изображен укромный уголок старого парка, раскинувшегося подле пруда. На скамье под большим тополем, озаренная светом полной луны, сидит молодая женщина. Ее голова слегка наклонена, а взгляд задумчив — о чем грезит она, глядя на белые цветки лилии, замершие на водной глади? Какие мечты завладели ее мыслями в эту теплую лунную ночь? Рука женщины покоится на спинке скамейки, от позы веет умиротворенностью и покоем. Это ощущение подчеркивают плавные, почти струящиеся линии длинного белого платья и легкой шали-накидки. Кажется, будто свет исходит не от ночного светила, а от таинственной незнакомки, присевшей отдохнуть во время вечерней прогулки по парку. «Лунная ночь» — картина Крамского, созданная им в 1880 году. Работа над полотном была начата в 1879 г., и моделью для эскизов послужила А.И.Попова, ставшая впоследствии супругой Д.И.Менделева. На заключительном этапе работы над полотном в роли натурщицы выступила Е.А.Третьякова, которая была второй женой известного российского мецената и коллекционера С.М.Третьякова. Художник долго выбирал название для своего произведения, колеблясь между «Старыми тополями», «Волшебной ночью» и просто «Ночью». В итоге некоторое время он использовал для выставок последний вариант, который позже трансформировался в название, знакомое сегодня каждому почитателю таланта Крамского. На картине Крамского «Лунная ночь» природа предстает перед нами во всей своей первозданной красоте, которую подчеркивает образ молодой женщины в белых одеяниях. Создавая свой шедевр, Иван Николаевич постарался передать очарование летней ночи, наполненной тайной и безмятежностью, и это ему удалось благодаря искусной подаче игры света и тени. Там, где на пути лунных лучей встали густые кроны деревьев, парк погружен во тьму, и можно лишь угадывать, что скрывается за стволами деревьев и цветущим кустом. Природа скована сном, и ничто не в состоянии потревожить ее покой: на водной глади не видно ни малейшей ряби от ветерка, все замерло в ожидании утра… Современники Крамского высоко оценили это полотно: в 1880 году картина «Лунная ночь» стала экспонатом 8-й выставки, устроенной Товариществом передвижников, а после окончания выставки ее приобрел Сергей Третьяков. Сегодня картину Крамского «Лунная ночь» можно увидеть в Третьяковской галерее в Москве. ИванКрамской Реализм _history

"Смерть Марата" 1907 г. Эдвард Мунк Королевские музеи изящных искусств Бельгии, Брюссель.

​​️Летний кинотеатр РОСИЗО открывает кинопоказы коротким метром.   Начиная с 10 июня под открытым небом будет демонстрироваться уникальный контент — фильмы, недавно вышедшие в прокат и вызвавшие интерес у публики.   Покажут и ролики победителей конкурса «Миры Тарковского». За расписанием сеансов в летнем кинотеатре можно следить на сайте   Вход бесплатный при регистрации ️Фестиваль креативных индустрий НИУ ВШЭ Telling Stories пройдет в Казани 11 июня.   Посетителей ждут бесплатные лекции, выставка и концерты.   Проект посвящен инновациям, трендам и образованию в сферах кино, новых медиа, игровой индустрии, маркетинга и коммуникаций, искусства, дизайна и моды. Регистрация и программа   ️10 июня на ВДНХ откроется мультимедийная выставка-погружение «Петр Великий. Рождение империи».   ️Шестой международный театральный фестиваль под открытым небом «Толстой» пройдет в музее «Ясная Поляна». Даты будут объявлены позднее.   От автора: Была в «Ясной Поляне» и до сих пор чувствую запах яблок и то впечатление, будто время остановилось. Усадьба у Льва Николаевича необъятна. Невероятно, но музей был основан в 1921 году. А саму усадьбу прадед Льва Толстого князь Сергей Волконский купил в 1763 году. В своем доме Лев Толстой родился и прожил более 50 лет. Именно здесь он написал свои главные труды.   Читала, что Лев Николаевич сам насажал большой яблочный сад: более 7800 деревьев. Софья Толстая писала: «Взглянешь в окно в сад и всякий раз поразишься этим воздушным белым облакам цветов в воздухе, с розовым оттенком местами и со свежим зеленым фоном вдали». Сейчас в яблочном соду можно найти 30 различных сортов яблок. Посмотрите это чудесное видео и навестите «Ясную Поляну» этим летом   Фото: Дом Льва Николаевича Толстого, Предоставлено пресс-службой фестиваля https://telegra.ph/file/db1fccc49e08b32606da6.jpg

"Девушка с кошкой" 1882 г. Иван Николаевич Крамской Национальный музей «Киевская картинная галерея».

"Русалки" 1871 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. Русалочьи посиделки под лунным светом. В обширном списке произведений И.Н.Крамского особое место занимает его картина под названием «Русалки». Народная молва окрестила это полотно мистическим, поскольку с ним связаны таинственные случаи, и некоторые из них — с печальным финалом. Но обо всем по порядку. Являясь почитателем литературного таланта Н.В.Гоголя, Крамской мечтал создать полотно по мотивам его произведений. Художник был, без преувеличения, очарован описаниями украинских ночей и тех мифических существ, которые появлялись под светом луны, пока обычные люди были погружены в сон. Помимо этого, живописец страстно мечтал запечатлеть на полотне удивительное сочетание ночной мглы и струящегося лунного света, озаряющего отдельные предметы. Картина Крамского «Русалки» свидетельствует, что с этой задачей художник отлично справился. Сюжетом для картины Крамского «Русалки» послужил отрывок из гоголевской «Майской ночи», где автор описывает сон Левка. Художник не ставил перед собой цель точно передать все детали сна, он лишь стремился поделиться со зрителем тем чудесным видением, которое посетило его во время работы над эскизами будущего шедевра. Картина Крамского «Русалки» наполнена светлой грустью. На переднем плане мы видим группу молодых девушек, облаченных в белые одеяния. Они собрались на берегу старого пруда, чтобы посидеть под лунным светом, спеть свои любимые песни и рассказать друг другу сокровенные тайны. Тонкие фигурки утопленниц застыли в живописных позах, их лица печально-строги. Кое-кто, запрокинув лицо вверх, всматривается в диск полной луны, другие же склонили головы, будто оплакивая свою горькую судьбу. Они словно сияют под светом полной луны, которая освещает лишь небольшие участки — заросли осоки, невысокий холм и старую усадьбу на нем. На современников Крамского его «Русалки» произвели неизгладимое впечатление: картина пользовалась необычайным успехом у публики, а критики единодушно хвалили мастера за точную передачу лунного света и новизну сюжета. Впрочем, сам живописец был недоволен собой и время от времени порывался доработать картину даже после того, как она оказалась в коллекции Третьякова. Само же полотно, казалось, жило своей жизнью. На 1-й выставке, организованной Товариществом передвижников, его поместили рядом с полотном «Грачи прилетели» кисти Саврасова. Утром обнаружилось, что пейзаж Саврасова ночью необъяснимым образом упал со стены; работники выставки в шутку говорили, что это дело русалок, которым пришлось не по душе соседство с птицами. Однако после того как картину Крамского «Русалки» купил П.Третьяков, всем стало не до шуток: челядь утверждала, будто в тех комнатах, куда вешали холст, воздух становился прохладным и наполненным сыростью, а по ночам оттуда слышалось тихое пение. Сам хозяин говорил, что после длительного созерцания картины он чувствует упадок сил. Также ходили слухи, будто картина сводит с ума молоденьких барышень, да так, что одна из них утопилась в реке. Вся мистика прекратилась после того, как по совету старой няни полотно повесили в угол, подальше от света — чтобы он не тревожил утопленниц на холсте. Сегодня картина является частью экспозиции Третьяковской галереи в Москве. ИванКрамской МифологическаяCцена Реализм _history

​​️Ясная Поляна запустила telegram-бота «Спроси Толстого» — _Tolstoy_bot Можно адресовать боту вопрос и он ответит цитатой из писем, дневников и трудов Льва Толстого. Недаром современники часто приезжали к Льву Николаевичу за советом и мудрым словом. ️Музей современного искусства PERMM приглашает городские сообщества стать частью проекта «Придумай Пермь». Проект приурочен к 300-летию города в следующем году. ️В 2022–2024 годах более 440 муниципальных российских музеев получат современное техническое оборудование. ️Музей современного искусства «Гараж» проводит набор волонтеров для проекта «Прогулки с „Гаражом“». ️ММОМА представляет выставочный проект «Копи смех к зиме...», посвященный современному искусству Якутии. Экспозиция анализирует связь художественных практик между поколениями Якутских художников, где старшие являются учителями или идейными вдохновителями. Название проекта цитирует строки молодого поэта и философа Габбы (Глеба Габаева): — «Копи смех к зиме, Как зверь копит мех и сало...», которые отражают целый пласт северной культуры. Фото: Наталья Николаева. Красный день календаря. 2022 https://telegra.ph/file/aec89f7fd33abec293037.jpg

"Жиль" 1719 г. Антуан Ватто Лувр, Париж. Художника, обидеть может каждый «Жиль» - без преувеличения самое известное произведение Антуана Ватто. Когда речь идёт о чем-то столь знаменитом, мы вправе задуматься: в чём заключена его харизма? В чём секрет притягательности? Ватто с детства был без ума от театра. Он сам собрал приличную коллекцию театральных костюмов, любил наряжать в них своих друзей и в таком виде рисовать их. Так на картинах возникали загадочные «гибриды», когда не понятно - реальность перед нами или театр, всё по-настоящему или понарошку, играют люди или просто живут. Но еще больше, чем французскую комедию, чем сумасшедше популярную среди всех социальных слоёв Комеди Франсез, Ватто любил итальянский площадной театр, комедию дель арте, комедию масок. Персонажи комедии дель арте – ветреная Коломбина, коварный Меццетен, печальный Пьеро, которого французы называют Жилем, – не однажды становились героями картин Ватто. Однако Жиль с нашей картины – особенный. Попробуем разобраться, почему. «Жиль» – это история не о персонаже комедии масок, не о самом Пьеро как таковом. Это – история об актёре, «ряженом под Пьеро» и его человеческом одиночестве вне сцены. Актёры на втором плане веселы, они улыбаются и балагурят. Жиль – одинок. Его печальное растерянное лицо как бы говорит: я не знаю, кто я вне этого костюма, вне сцены. И, видимо, оттого так безвольно опущены его руки. «Художника может обидеть каждый», как известно. Жиль и осёл у него под ногами – они так беззащитны, и поэтому так взывают к нашему сочувствию. Марат Гельман писал: «Над этой печалью Ватто склонен скорее иронизировать, его сочувствие глубоко скрыто: изображая театр, он всегда любуется им, ведь театральные страсти – не повод для настоящих переживаний. И все же трудно забыть круглое розовое лицо, доверчиво обращенное к зрителю. Каждому чудится: только ему приоткрыл комедиант свою печаль». Нам, зрителям, даже самым жесткосердным, сложно устоять перед таким проявлением доверия. Мы вынуждены откликнуться. Не исключено, что именно в этом и заключён секрет проникновенности (и популярности) картины «Жиль» Антуана Ватто. АнтуанВатто Портрет Рококо _history

На своей финляндской даче в Ино Валентин Серов предпочитал писать то, что хотел, оставляя заказные работы за стенами этой бревенчатой крепости. Исключения он делал лишь изредка: портрет писателя Леонида Андреева стал одним из них. В 1906-м портрет Андреева Серову заказал издатель журнала «Золотое руно» Николай Рябушинский, причем Андреев желал быть нарисованным «только Серовым и никем другим». Сдать работу в срок Серову не удалось: Андреев, имевший отношение к восстанию матросов Балтийского флота в Свеаборге, был вынужден бежать и скрываться от ареста в Европе. В письме, которое Серов получил из Берлина, писатель признавался: «Более всего жалею, что не придется мне быть написанным вами». Год спустя Серов узнал, что Андреев построил дом в пяти километрах от его дачи в Ино – сама судьба намекала, что пришло время отдать Рябушинскому старый долг. Серов впервые увидел Леонида Андреева на даче Максима Горького в Куоккале, где обсуждали первый номер сатирического журнала «Жупел». Это был красивый молодой человек, полный энергии, жизни, благородной ярости и желания сделать мир лучше. Два года спустя Андреев был тенью себя прежнего: в Берлине он похоронил жену, кроме того Леонид Николаевич несколько разуверился в революционных идеалах. Эта перемена и стала основой портрета: траурные одежды, потухший взгляд, скорбная складка над переносицей. Написанное акварелью и темперой лицо – «прозрачно», оно будто сливается со стеной: Андреев опустошен и отстранен, он словно не здесь. Этот человек уже не рвется на баррикады и, кажется, не решается встретиться с публикой взглядом. В 1905-м Леонида Андреева – еще полного решимости и надежд – писал Репин. О той работе писатель отзывался с некоторым пренебрежением: «Не портрет, а идиллия». Серовский же портрет Андреев ценил – за правдивость и точно взятую трагическую ноту. Изрядно потрепав, жизнь все же не сломила этого человека. Он оставался остроумным и интересным собеседником, чьим обществом Серов дорожил. После того как портрет был окончен, художник регулярно бывал у Андреева в гостях. Он любил его как писателя, друга, соседа. У них были схожие взгляды на происходившие в России события. Кроме того, Андреев отвозил Серова домой на лодке с мотором – по меркам тех мест и лет, это была невидаль и роскошь. Через два года, после того как был написан этот портрет, Леонид Андреев женился во второй раз. В 1912-м у него родился сын, которого писатель назвал Валентином. _history ВалентинСеров Портрет Импрессионизм

В последние годы Александр Николавеич Волков является одним из самых востребованных художников не только на просторах СНГ но и в мире. Об этом красноречивее всего говорят итоги торгов на самых престижных аукционных площадках Европы. После своей смерти художник оставил богатое творческое наследие, которое вызывает неподдельный живой интерес у любителей и коллекционеров живописи. В чем же заключается исключительный феномен работ Александра Николаевича. Давайте начнем с истоков пути художника. В 1905 году после окончания Оренбургского кадетского корпуса, он поступает в Петербургский университет, но проучившись несколько лет оставляет его, осознав для себя, что его призванием является именно живопись, поступив учиться в мастерскую акварелиста Д.И. Бортникера, он получает первые теоретические знания об изобразительном искусстве, далее его зачисляют в Высшее Художественное училище при Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге(которую окончили И.Крамской, И.Репин, В.Суриков, М.Врубель, В.Серов), в класс В.Е. Маковского (1908—1910). Большое влияние на судьбу будущего художника оказали занятия в частной школе М.Д. Бернштейна, где преподавали такие титаны, как Н.К. Рерих, И.Я. Билибин, скульптор Л.В. Шервуд (1910-1911 года). Николай Константинович Рерих уделял начинающему художнику особое внимание, так как видел в нем новое «юное» дарование. Своё дальнейшее обучение А.Н. Волков продолжил в Киевском художественном училище (1912-1916 годы), у крупнейшего мастера-монументалиста Ф.Г. Кричевского и пейзажиста В.К. Менка, там же он познакомился с художниками Александрой Экстер и Александром Тышлером. Сложно представить какой колоссальный профессиональный опыт получил Волков за время своего становления. Александр Николаевич восторгался мозаиками Софии Киевской и заворожившими его росписями М. Врубеля в Кирилловской церкви. Под влиянием творчества М. Врубеля и древнерусской живописи художник создаёт свои первые самостоятельные работы. Уже в этот период времени Александр Николаевич удивлял свое окружение смелыми и оригинальными творческими подходами в живописи. Основатели русского авангардного искусства В. Кандинский и К. Малевич, несомненно, оказали воздействие на формирование мировоззрения художника и появление в его искусстве новых пластических форм. В это время Волков создает произведения в духе европейского импрессионизма, постимпрессионизма, примитивизма, кубизма, футуризма и ищет себя постоянно в других направлениях. Вернувшись в 1916 г. на родину, в Среднюю Азию (Ташкент), Волков, преподавал в Ташкентском художественном училище (1916-19). Творческая жизнь Волкова была чрезвычайно активна. Он постоянно работал. В 1920, 1921, 1922 годах в Ташкенте состоялись персональные выставки художника. В 1923 году такая выставка состоялась в Москве, вызвавшая многочисленные отклики в прессе, отмечавшие талантливость и неординарность живописного языка художника, его любовь к Востоку, а в 1934 году работы художника представляли искусство Узбекистана на выставке в Филадельфии (США). Присутствующий на выставке в Филадельфии советский журналист отмечал в своей статье, огромный интерес местной публике к картинам Александра Николаевича. Некоторые его работы уже тогда через торгпредство пытались приобрести местные ценители искусства. Советская власть по праву оценив талант и искусствоведческие знания А.Волкова назначает его первым директором созданного в Ташкенте Государственного художественного музея. Помимо данной деятельности, художника приглашают обучать молодое поколение, он активно занимается педагогической работой - преподает в Туркестанской Краевой народной художественной школе, на педагогическом факультете Туркестанского университета, ведет занятия композиции в изостудии. С 1929 по 1941 год он преподает в Ташкентском художественном техникуме – позднее в Республиканском художественном училище, работает художником декоратором в студии Рабочего театра. В 30-е годы А.Волков становится «вождем монументализма», организуется «Бригада Волкова». В ее состав входили У.Тансыкбаев, Б.Хамдами, Н.Карахан, А.Ташкенбаев, Ч.Ахмаров, П.Щеголев, А.Венедиктов, А.Подковыров. Все перечисленные его ученики стали известными художниками. Своим творчеством и педагогической работой Волков оказал значительное влияние на становление современного национального узбекского искусства. В 1930-х манера Волкова изменилась: от стилизаторства, декоративно-красочной насыщенности цвета он перешел к большей сдержанности, от полуабстрактных композиций — к фигуративному искусству. В своем творчестве художник любил эксперименты. Колорит живописи художника насыщенный, горячий почти всегда основанный на модулях красного цвета, который мы отчетливо видим на картинах «Гранатовая чайхана», «Окучка хлопка», «Испания», «Караван», «Брат и сестра», «Натюрморт» и тд. Александр Николаевич был сильным и во многом талантливым человеком - всю жизнь писал стихи, пел, любил долгие пешие походы. В 1946 г. получает звание Народного художника Узбекской ССР. Вся его жизнь, жизнь неутомимого творца. Александр Волков – выдающийся живописец и рисовальщик, его творчество, по сути, не имеет аналогов в отечественной и мировой живописи ХХ века.

Социалистический реализм — творческий метод в литературе, кинематографе, архитектуре, театре и живописи начала XX века. Александр Николаевич Волков (1886–1957) был выдающимся художником, который стоял у истоков одного из уникальных направлений в искусстве живописи Страны Советов - "соцреализма". Это направление объединяло элементы традиционного реализма с символическими и метафорическими образами, создавая глубокие и многослойные произведения, в которых реальность переплеталась с идеальными представлениями о счастливом обществе, строящем светлое будущее под руководством Коммунистической партии. К концу 1920-х годов вполне окрепшая Советская власть всерьез решила навести порядок в искусстве. Ей нужен был мощный инструмент идеологического воздействия на массы в условиях строительства коммунизма, которым и стал соцреализм. Главными принципами произведений социалистического реализма были провозглашены народность, идейность и конкретность. Социалистический реализм и его черты легко распознавались по типичным сюжетам: воодушевленные лица рабочих и крестьян, радостные пионеры и комсомольцы, энтузиазм субботников и спортивные успехи советских спортсменов, проявление героизма в борьбе против угнетателей. Среди самых известных художников-соцреалистов особо выделяются: Александр Дейнека, Вера Мухина, Исаак Бродский, Александр Герасимов. Волков родился в Фергане, на территории современного Узбекистана, и его творчество было тесно связано с культурой, традициями, обычаями коренного народа. Его работы характеризуются яркими красками и выразительными формами, а также глубоким внутренним символизмом. В своих произведениях он часто обращался к темам повседневной жизни, природы и культуры Средней Азии, показывая их через призму своей художественной философии. Волков стремился отразить в своих картинах внутреннюю сущность изображаемых объектов, их "созревание" до полной художественной выразительности. Волков стал одним из первых художников, активно развивавших социалистический реализм. Он стремился отображать новые советские реалии, показывая изменения в жизни людей и их борьбу за светлое будущее. Художник был внимателен к деталям и стремился передать дух времени. Его работы стали важной частью культурного наследия СССР и продолжают изучаться и цениться за их художественное мастерство и историческую значимость. Основными знаковыми картинами данного являются: «Девушки с хлопком», «Красный обоз», «Колхозник», «Выход бригады в поле», «Испания», «Сбор хлопка», «В культмаге». Волков оказал влияние на последующие поколения художников, которые продолжили развивать традиции социалистического реализма.

(С) Крамской Иван Николаевич

Александр Николаевич Волков (1886–1957) был выдающимся художником, который стоял у истоков одного из уникальных направлений в искусстве живописи «Страны Советов» - "соцреализма". Это направление объединяло элементы традиционного реализма с символическими и метафорическими образами, создавая глубокие и многослойные произведения, в которых реальность переплеталась с идеальными представлениями о счастливом обществе, строящем светлое будущее под руководством Коммунистической партии. К концу 1920-х годов вполне окрепшая Советская власть всерьез решила навести порядок в искусстве. Ей нужен был мощный инструмент идеологического воздействия на массы в условиях строительства коммунизма, которым и стал соцреализм. Главными принципами произведений социалистического реализма были провозглашены народность, идейность и конкретность. Социалистический реализм и его черты легко распознавались по типичным сюжетам: воодушевленные лица рабочих и крестьян, радостные пионеры и комсомольцы, энтузиазм субботников и спортивные успехи советских спортсменов, проявление героизма в борьбе против угнетателей. Среди самых известных художников-соцреалистов особо выделяются: Александр Дейнека, Вера Мухина, Исаак Бродский, Александр Герасимов. Будущий художник- Александр Николаевич Волков родился в Фергане, на территории современного Узбекистана, и его последующее творчество было тесно связано с культурой, традициями, обычаями коренного народа. Его работы характеризуются яркими красками и выразительными формами, а также глубоким внутренним символизмом. В своих произведениях он часто обращался к темам повседневной жизни, природы и культуры Средней Азии, показывая их через призму своей художественной философии. Волков стремился отразить в своих картинах внутреннюю сущность изображаемых объектов, их "созревание" до полной художественной выразительности. Волков стал одним из первых художников, активно развивавших социалистический реализм. Он стремился отображать новые советские реалии, показывая изменения в жизни людей и их борьбу за светлое будущее. Художник был внимателен к деталям и стремился передать дух времени. Волков создавал много сюжетные композиции, в которых главными героями выступали коллективные образы советских людей. Он показывал их в моменте трудовой деятельности, участия в общественной, коллективной жизни, проявления героизма и отваги. Волков изображал людей сильными, целеустремленными и вдохновенными. Герои его полотен часто обладают монументальностью и эпическим размахом, что подчеркивает их значимость и важность для «нового» общества. Его работы стали важной частью культурного наследия СССР и продолжают изучаться и цениться за их художественное мастерство и историческую значимость. Основными знаковыми картинами Александра Николаевича являются: «Девушки с хлопком», «Красный обоз», «Колхозник», «Выход бригады в поле», «Испания», «Сбор хлопка», «В культмаге». Волков оказал влияние на последующие поколения художников, которые продолжили развивать традиции социалистического реализма.