Марина Лескова (1963) «Новогодняя утро» 2003 бумага, акварель, цветной...

"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Летом 1888 года Винсент Ван Гог живет на юге Франции, в Арле, где пишет самые знаменитые свои картины. В июне художник решил отправиться к морю – в маленькую рыбацкую деревушку Сент-Мари-де-ла-Мер. Винсент надеялся, что морской воздух поправит его слабое здоровье, которое с каждым годом лишь ухудшалось из-за недоедания и алкогольных возлияний. В недельную поездку Ван Гог взял с собой три холста и несколько листов бумаги. Картина «Море в Сент-Мари» стала одним из двух морских пейзажей, написанных художником во время этого «отпуска». На третьем холсте Винсент изобразил белые деревенские домики. В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет. Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле. Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым». ВанГог Постимпрессионизм Марина _history

Вкус Марины Абрамович В 2017 году художница Марина Абрамович выпустила пирожные макароны, которые «точь-в-точь как она». «Моя бабушка, раннее утро, варится кофе, — говорит художница в сопровождающем релиз пирожных видео. — Запах кофе был по всему дому. Дальше я вспоминаю ароматы свежего базилика, тмина, семян кардамона и экзотические запахи путешествий, в которых я бывала, вулканов и водопадов, которые я исследовала, я вспоминаю раннее утро, когда видишь линию моря, встречающего океан, и океан, встречающий небо. Всё это — в моих макаронах». Совместная работа Абрамович и производителя luxury-десертов Kreëmart была представлена на арт-ярмарке Frieze в Лондоне.  Макароны имени Марины Абрамович продавались в лондонском универмаге Harrods. Искусство или нет?

"Завтрак" 1924 г. Наталья Сергеевна Гончарова Государственная Третьяковская галерея. Большинство исследователей сходятся в том, что «Завтрак» – не типичная для Натальи Гончаровой картина. Как правило, художница не особо жаловала бытовой жанр. Но, видимо, попробовать свои силы в нем решила. Одно дело – не любить, другое – не уметь. Гончарова написала «Завтрак» и убедилась, что умеет. Перед нами сцена, наполненная глубоким психологизмом. Тщательно выстроенная внутренняя драматургия позволила сделать мгновенный слепок истории жизни нескольких людей. Учитывая, что начинала свой путь Наталья Гончарова с импрессионистических картин, многочисленные завтраки импрессионистов ее явно не обошли стороной. А пикантность ситуации не дает забыть о скандально известном «Завтраке» Мане, изображавшем обнаженную женщину в компании двух одетых мужчин. У Гончаровой все одеты, но всё тайное – оно столь явное… Перед нами стол в саду, семейная пара и их гости. Видимо, недавно закончили завтракать. Служанка несет большое блюдо с фруктами. Такова видимость. А что за ней? Безусловным центром картины является усатый мужчина за столом, всё происходит вокруг него. Хозяин дома? Скорее всего. С какой плотоядно-сладострастной, масляной ухмылкой он смотрит на даму в розовом. Они с «розовой» словно в одной плоскости, а «голубая» - вероятно, жена - отстранена, она на обочине. У нее усталый вид, ей, похоже, давно приелись шашни супруга, в ее лице ни малейшего намека на ревность – полное равнодушие и отстраненность с легкой нотой скепсиса. Небрежно отставив руку с сигаретой, она наклонилась в сторону «розовой», скорее всего, говорит что-то типа «какие нынче погоды стоят», скорее всего, подразумевает «как это, право, скучно, и сколько вас таких было-перебыло»… Но «розовая» сейчас не способна ее услышать, она вся устремлена к «усатому», наклон тела, слегка вытянутая в его сторону шея, взгляд, даже кончики туфель. Кстати, о туфлях – ноги здесь исполняют свой показательный танец. Мужская нога, возможно, мгновение назад касалась нынче скрещенных, но неумолимо направленных к нему ног «розовой». А дама в голубом, скрестив ноги под собственным стулом, осталась в стороне. Сладострастие, грех, пресыщенность витают над столом. Руки мужчины сжимают сорванные цветы – он, вероятно, специалист в этом деле, в срывании цветов. Пейзаж соответствует: непосредственно за «черным человеком» – иссохшие деревья, в то время как по сторонам – зеленая буйная листва. Обратим внимание на правый угол. Вопиюще глупого вида юнец – кто он? Младший брат «розовой»? Сын? Племянник? Послушный и не сводящий с нее взгляда. Или же, напротив, воспитанник хозяев, влюбленный в любовницу «усатого»? Девушка в белом – искренняя, печальная и, кажется, понимающая больше, чем надо для спокойных снов на заре туманной юности. Она повернута к молодому фанту, носок ее туфельки тоже смотрит в его сторону, но ни во взгляде, ни в позе не читается любовное томление. Скорее осознание, что ей его не избежать. Возможно, о ее браке с этим глупцом уже договорено? Про собаку, забравшуюся на стул подле «усатого» и повернутую оскаленной пастью к даме в розовом, Марина Цветаева сказала: «собака есть, но не пёс, а бес». Собака нас отсылает к «Завтраку» Сезанна. У Сезанна яблоко – символ греха и обольщения – в руках у женщины. Здесь же женщина – служанка – вносит целое блюдо с фруктами, словно окончательно обозначая происходящее. Она одета в строгое черно-белое одеяние. Явление служанки вносит в картину ритуальный элемент, создает ауру жертвоприношения. НатальяГончарова _history

Марина Маркина

Есенин – алкаш. Маяковский – параноик. Оба – самоубийцы. Бродский – тоже, ибо курил, несмотря на запреты врачей, что и стало причиной инфаркта. А между тем – гениальные люди, которых все знают и все любят. Но в школе всё виделось как-то иначе. Там все писатели и поэты будто выхолощенные памятники, родившиеся сразу же высеченными из бронзы и мрамора. Мы просто не видели в них людей, потому что учителя беспощадно вырывали их из контекста! Вот вы знали, что Есенин женился на ирландке, не зная английского? А о панической боязни Маяковского заразиться инфекцией? А про то, что Марина Цветаева де-факто убила собственную дочь? Учителя об этом не говорят, а ведь о писателях и поэтах куча историй и лишь меньшая часть из них – о литературе. Присоединяйтесь к каналу «В контексте», чтобы быть в курсе главных литературных казусов и баек. «В контексте» – ваш шанс блеснуть интеллектом в любом разговоре об искусстве. http://t.me/vcontext

"Автопортрет с желтыми лилиями" 1907 г. Наталья Сергеевна Гончарова Государственная Третьяковская галерея. «Автопортрет с желтыми лилиями» – изображение не просто человека, женщины, а художницы. Наталья Гончарова обладала невероятным трудолюбием. За свою жизнь она успела поработать, кажется, во всех направлениях, которыми была так богата эпоха модернизма. Здесь она запечатлена в период становления своего таланта. Гончарова все еще увлечена импрессионизмом, об этом свидетельствуют мягкие переливы картин на заднем плане и белой блузке. Но полыхающие лилии в руках художницы отсылают к постимпрессионизму и фовизму и даже вполне определенно перекликаются с Ван Гогом. Гончарова изобразила себя нарочито крупной, никакой «тонкости изящных запястий», напротив – охапку сияющих лилий держит рука труженицы, сильная рука художника. Марина Цветаева так описывает Гончарову: «Внешнее явление Гончаровой. Первое: мужественность. (…) Прямота черт и взгляда, серьезность — о, не суровость! — всего облика. Человек, которому все всерьез. Почти без улыбки, но когда улыбка — прелестная». И действительно, мягкая обезоруживающая улыбка, умный, несколько насмешливый и ироничный взгляд смягчают грубость черт и придают всему образу художницы нежность и открытость. Не нежность ее двоюродной прабабки и тезки Натали Гончаровой (жены Пушкина), выраженную в покатых линиях, изящных чертах и тонких изгибах, а нежность сильной и мудрой женщины, не открытость наивного ребенка, но открытость художника, оживляющего своими руками холст. Само лицо героини портрета выглядит так, словно оно – холст. Кажется, фактурой оно схоже с картинами на заднем плане. И действительно, через несколько лет Наталья Гончарова вместе с мужем Михаилом Ларионовым, Давидом Бурлюком и другими футуристами будет разгуливать по городу, разукрасив лицо красками. Нет-нет, не в смысле макияжа, речь о том, что мы сегодня называем фейс-артом, когда лицо становится холстом. НатальяГончарова Портрет _history

Балканское барокко В 1997 году Марина Абрамович представила свой перфоманс «Балканское барокко», который являлся реакцией на гражданскую войну в Югославии. Перед глазами публики представала целая гора говяжьих костей (всего около 1500 штук) весом около полутора тонн, от которых шел невыносимый запах. Сама же художница находилась также среди этих костей и занималась тем, что методично очищала кости от остатков мяса. Помимо этого, в разных местах помещения располагались странные медные емкости с черной водой, а на стенах вокруг «горы» зрители могли видеть проекции детских фотографий самой Абрамович, где она запечатлена вместе со своей семьей. В качестве же звукового сопровождения выступали записи, на которых Абрамович рассказывала различные истории и пела балканские народные песни из своего детства. За эту работу Марина Абрамович была удостоена премии «Золотой Лев». Искусство или нет?

"Пряхи, или Миф об Арахне" 1650-е Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Перед нами масштабная картина, которую знаменитый социолог ХХ века Хосе Ортега-и-Гассет считал лучшей из поздних картин Веласкеса. Не избалованные всеобщим вниманием «Менины» с испанскими королевскими особами, а простонародных «Прях», написанных Веласкесом за три года до смерти (Прадо, где хранится полотно, датирует картину 1655 - 1660 гг), называет Ортега настоящей вершиной. Но для понимания картины, полное название которой «Пряхи, или Миф об Арахне», потребуется определённое интеллектуальное усилие. С первого взгляда не сразу и сообразишь, что именно перед нами происходит: никто из женщин не смотрит на зрителя, не посылает ему объяснительных сигналов. Позы прях на переднем плане настолько же реалистичны, насколько необычны. Обычно Веласкес писал королевских или придворных особ – они располагались лицом к зрителю и изображались в традиционной торжественной статике. А здесь мы видим героинь в ритмичном волнообразном движении. Некоторых – со спины. Других – наклонившимися, развернувшимися, присевшими – словом, полностью поглощенными работой. Помещение, где женщины заняты пряжей, темновато. Это заставляет вспомнить о ранних бодегонах Веласкеса – бытовых сценках, исполненных в манере Караваджо. А впереди, в смежной комнате, отделённой от нашей двумя массивными ступенями, потоком струится солнечный свет. Ортега-и-Гассет, кстати, полагал, что этот поток света, падающего слева, и есть протагонист (главный герой) картины. Свет щедро проливается на другую группу женщин в парадных пышных платьях. Рядом с ними располагаются музыкальные инструменты, а вся стена затянута гигантским дорогим гобеленом, изображение которого, при желании, тоже поддаётся расшифровке. Но прежде возникает вопрос: а что общего между этими двумя группками женщин? Чем они связаны? Почему эти два разнородных пространства Веласкес объединил? Причем не просто объединил, а подчинил принципу зеркальности. Композиционно эти группы аналогичны: по две героини справа и слева, а одна – впереди и несколько в глубине. Но уподоблены группы героинь на первом и втором планах только для того, чтобы тут же их противопоставить. «Здесь работают – там играют, здесь необработанная шерсть – там готовый гобелен, здесь отдёргивают портьеру, чтобы впустить свет, – там все залито светом, здесь крутится колесо прялки – там стоит виолончель, на которой никто не играет. Здесь пространство работы, ремесла, действия, там – созерцания, чистого искусства, - сравнивает искусствовед Марина Торопыгина, - две эти темы – ремесло и искусство – сопоставляются и в то же время как будто отражаются одна в другой». Однако оказывается, что связь между этими двумя группами персонажей, двумя разнородными мирами – гораздо глубже. Она не просто композиционная, но и смысловая. Дело в том, что, гобелен, который с таким вниманием рассматривают знатные дамы, рассказывает нам о… пряхах. Сравнительно недавно удалось установить, что изображение гобелена написано по мотивам картины Тициана «Похищение Европы». А это сразу же заставляет вспомнить о мифической пряхе Арахне. Согласно античной легенде, Арахна так возгордилась своим умением, что вызвала на поединок саму Афину – не просто богиню мудрости, но еще и изобретательницу веретена. Дерзость Арахны простиралась и дальше: она выткала на полотне эпизод из многочисленных любовных приключений отца Афины Зевса, а именно тот, где он похищает дочку сидонского царя Европу. Афина в назидание превратила Арахну в паука, чтобы ей вечно плести свою паутину (боязнь пауков так и называется – «арахнофобия»).

"Взрыв корабля" 1900 г. Иван Константинович Айвазовский Феодосийская картинная галерея имени И.К. Айвазовского. Последняя картина Айвазовского Рожденный в приморском городе Феодосия, Иван Айвазовский всю жизнь оставался верным морской тематике, до конца своих дней отдавая дань любви к этой противоречивой стихии. Даже последний из них он провел в творчестве, стремясь удовлетворить свою поистине юношескую жажду познавать красоту моря и раскрывать ее зрителю. Картина Айвазовского «Взрыв корабля» создана на закате долгой и плодотворной жизни. Несмотря на то, что смерть прервала его работу, исследователи считают ее исключительно ценной в отношении изучения его творчества. По этому неоконченному в силу трагических обстоятельств полотну можно сделать вывод о том, что было для художника самым главным в процессе создания его произведения. Тщательно прорисованы корабль и пламя взрыва – центральные элементы полотна, с первых минут обращающие на себя внимание зрителя. Живописец трудился над картиной весь день, им были созданы три варианта эскизов, и большую часть времени он посвятил именно этой ее части. Все остальные детали не окончены, они изображены лишь контурно. Им художник планировал посвятить следующий день, так и не наступивший для него. За основу сюжета для этого полотна живописец взял реальное историческое событие, касающееся борьбы за освобождение между греческими повстанцами и турками. В ходе освободительного движения Константин Канарис, грек по происхождению, отстаивая права своего народа, взорвал у острова Хиос корабль, принадлежащий туркам, что и изображено на картине Айвазовского «Взрыв корабля». Объятый пламенем и дымом турецкий адмиральский корабль занимает центральную часть картины. Само пламя и обломки корабля, летящие в воздухе, четко прорисованы художником. Лишь наброском, слегка размыто, просматривается шлюпка, на которой греческие повстанцы удаляются от места взрыва. Так же нечетко зритель видит и остров с домами в подножии, будто оттеняющий своей безмятежностью трагизм происходящего. Живописец сохраняет в этой картине свойственную ему манеру выделять на холсте самую интересную, насыщенную цветом точку. Отталкиваясь от этого источника света, он предлагает зрителю скользить взглядом по остальным деталям, будто бы мимоходом проникаясь настроением полотна, его атмосферой. Картина Айвазовского «Взрыв корабля» является еще одним подтверждением неизменной требовательности живописца к своим творениям, которая с возрастом только возрастала. Он не переставал искать новые формы выражения для своего восхищения перед морем, его величием и красотой. Будучи уже признанным и состоявшимся мастером, он трудился над каждым новым произведением с полной отдачей, стремясь воплотить в нем плоды своего воображения и передать каждому, кто смотрит на них, то чувство восторга, которое неизменно вызывала в нем морская стихия. Последняя незаконченная картина Айвазовского служит достойным завершением его творчества, поскольку это полотно даже в незавершенном виде производит неизгладимое впечатление на зрителя. ИванАйвазовский Марина _history

Если вы знакомы с жанром перформанса, то это имя слышали много раз. Марина Абрамович — сербская королева перформанса, выставляющаяся в Нью-Йорке. Ее перформансы будоражат кровь. Один из них был в сцене легендарного сериала «Секс в большом городе». «Дом с видом на океан» имитирует практики тибетских монахов. В данном случае дзен Марины Абрамович заключался в том, что в течение 12 дней она находится на виду у публики, лишенная воды, еды. Она медитирует, принимает душ на под наблюдением аудитории, не покидая сцену ни разу. В одном из эпизодов сериала «Секс в большом городе» Кэрри Брэдшоу знакомится с художником Александром Петровским на выставке, где проходит перформанс: художница живет в галерее без еды и воды. Очевидно, кто стал ее прототипом. После этого у Марины Абрамович завязалась крепкая дружба с Ким Кэтролл — Саманта Джонс в сериале.

Марина Лескова (1963) «Помирятся? Помирятся!», диптих. 2021 серия «Переславские Коты» бумага, цветной карандаш. марина_лескова

​​️Пушкинский музей в год своего 110-летия начнет собирать новую коллекцию — музыкальную.   Это будут сочинения современных композиторов, связанные с музеем и его программами, сообщила директор музея Марина Лошак.   И еще интересно о музыке:   ️Выставка «Музыка победы» открылась в Волгограде.   Выставка посвящена произведениям, которые во время Великой Отечественной войны звучали на передовой и создавались в тылу. Также можно увидеть музыкальные инструменты, дирижерскую палочку, ноты, тексты песен, фотографии с фронтовыми концертами. Открытие экспозиции в музее-панораме «Сталинградская битва» приурочено к празднованию 79-ой годовщины победы в битве на Волге. ️Общественность Твери протестует против планов по сносу здания железнодорожного вокзала. Построенный в 1991 году вокзал является ярким примером позднесоветского модернизма.   ️Гобелен Пабло Пикассо «Герника» вернулся в ООН. Гобелен был выполнен в Atelier J. de la Baume-Durrbach в 1955 году по заказу Нельсона Рокфеллера и передан в аренду ООН в 1984 году. В начале прошлого года ООН вернула гобелен по просьбе Нельсона Рокфеллера-младшего. Теперь гобелен возвращается в ООН. В дальнейшем Рокфеллер намерен передать работу в дар Национальному фонду сохранения исторического наследия. Оригинальная картина Пикассо хранится в Испании в Музее королевы Софии. Фото: Гобелен Пабло Пикассо «Герника» в штаб-квартире ООН, Нью-Йорк. Источник: today.i-n24.com https://telegra.ph/file/73064499c07963534d81b.jpg

ПРОЩАЙТЕ КРАЙНОСТИ ПРОЩАЙ ЧИСТОТА ПРОЩАЙ СОВМЕСТНОСТЬ ПРОЩАЙ НАСЫЩЕННОСТЬ ПРОЩАЙ РЕВНОСТЬ ПРОЩАЙ СТРУКТУРА ПРОЩАЙТЕ ТИБЕТЦЫ ПРОЩАЙ ОПАСНОСТЬ ПРОЩАЙ ОДИНОЧЕСТВО ПРОЩАЙ НЕСЧАСТЬЕ ПРОЩАЙТЕ СЛЕЗЫ ПРОЩАЙ УЛАЙ (с) Марина Абрамович

Странно, но здесь еще не было о дорогой Мариночке Абрамович Планирую поговорить о перформансе и поделиться секретными практиками, которые Абрамович и ее ученики совершают в лесу. Помимо своих ярких и провокационных работ, художница преподает всем желающим искусство перформанса. Это выглядит как современный ретрит с гвоздестоянием и купанием в бочках. У выездной группы отбираются телефоны, и Марина начинает учить выдержке, концентрации, восприимчивости, самоконтролю, силе воли и тестировать ментальные и физические ограничения. Кстати, именно это и составляет основу перформансов Марины Абрамович. В последние часы выходных можно заняться практиками, которые предлагает Марина Абрамович своим ученикам. Выбирайте, что по душе ️‍