«Мечта» («Рафаэла на зеленом фоне» 1927г.). Тамара де Лемпицка — американская...

"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. С 50-х годов ХХ века картина Камиля Коро «Итальянка, или женщина с жёлтым рукавом» не выставлялась публично. Запертая в частных коллекциях, она пропала из виду. О ней начали забывать. Да и сам Коро существовал в общественном сознании как пейзажист по преимуществу. Однако в начале 2013 года в художественном мире произошла в некотором роде сенсация: стало известно о завещании скончавшегося в 2011 году Люсьена Фрейда – одного из наиболее дорогих художников своей эпохи и внука родоначальника психоанализа Зигмунда Фрейда. В завещании Люсьен Фрейд упоминал о благодарности английскому народу за гостеприимство, оказанное его еврейско-немецкой семье: когда-то она вынуждены была бежать от нацистов и нашла в Англии новую отчизну. Вещественным выражением этой благодарности стали несколько бронзовых скульптур Эдгара Дега и еще картина, которую сам Фрейд приобрёл в 2001 году на аукционе и с тех пор она украшала верхний этаж его дома в Лондоне. Люсьен Фрейд хотел, чтобы после его смерти она стала национальным достоянием Британии. Этой картиной была «Женщина с жёлтым рукавом» Коро. Французский художник XIX века Жан-Батист Камиль Коро (1796 – 1875) известен, прежде всего, как один из прямых предшественников импрессионизма, писавший лирические пейзажи. Его портреты – в основном поздние работы, и некоторые из них не менее значительны, чем его пейзажная живопись, хотя и менее известны. Интересно, что Коро, за редкими исключениями, почти не писал мужчин. Большинство его портретов – женские. Можно даже говорить об особом женском типе Коро – немного холодном, меланхолическом и совершенно чуждом всякого заигрывания со зрителем. Все «девушки Коро» погружены в себя, задумчивы и отстранённо-мечтательны. Таковы героини его знаменитых картин «Прерванное чтение» и «Ателье», таковы портреты племянниц художника Мари-Луизы Лауры Сеннегон, в замужестве госпожи Филибер Бодо, и Луизы Клер Сеннегон, будущей госпожи Шармуа, таков и последний шедевр 78-летнего Коро «Дама в голубом». Так что «тёмный, прямой и взыскательный взгляд» (воспользуемся строчками Марины Цветаевой) и плотно сжатые губы «Итальянки с жёлтым рукавом» не являются в творчестве Коро чем-то исключительным. Скорее, эти черты отражают его психологические предпочтения и, возможно, его собственный характер – закрытый, целеустремлённый и цельный. Трижды в своей жизни Коро путешествовал по Италии – в 1820-х, 1834-м и 1843-м. Именно там его талант окреп и освободился от сковывающих условностей французской Академии; в Италии Коро, можно сказать, нашёл себя. Он воздавал должное не только прелести итальянской природы, но красоте римских женщин. Сохранилось письмо художника к другу его молодости Абелю Осмону, фрагмент из которого уместно процитировать: «По-моему, римлянки – самые красивые женщины в мире… Их глаза, плечи, руки и бёдра превосходны. В этом они лучше, чем наши… Но, с другой стороны, им далеко до грации и любезности француженок… Как художник, я предпочитаю итальянку; но в вопросах, касающихся чувственности отношений между мужчиной и женщиной, - я однозначно выбираю француженку». КамильКоро Портрет Романтизм _history

«Заросший пруд» – один из самых знаменитых пейзажей Василия Поленова. Вместе с «Московским двориком» и «Бабушкиным садом» они составляют своего рода трилогию, элегическое повествование о доживающих свой век дворянских усадьбах. Всё так узнаваемо, что, кажется, даже нечего к написанному Поленовым и добавить – любые слова будут излишни. Вот старый пруд с заиленным дном. Он давно не чистился и «цветёт»: вода у берегов затянута ряской, а ближе к центру водоёма – покрыта кувшинками. Заросли камышей наступают, отвоёвывая территорию у купальщиков. Заброшенный парк с серебристым тополем у мостков и наклонившимися к воде дубами – одичал и разросся. Красноречивая деталь: доски ветхих мостков побелели от долгого использования и частого хождения. Должно быть, когда-то мостки вели к купальне, где было шумно и весело, а сейчас уже никуда не ведут: небольшой песчаный пляж окончательно зарос травой. Одних только школьных сочинений, не говоря об искусствоведческих эссе, сколько написано о мечтательной грусти и молчаливом вел

Внимание родителям!!! Давно мечтали, чтобы ваш ребёнок с интересом ходил в музеи? Тогда предлагаем вашим детям погрузиться в мир искусства и культуры с нами. Сегодня мы предоставляем 4 коротких курса по 8 занятий: 1. Русская культура и искусство: от Киевской Руси до Новейшего времени. 2. Женщины в искусстве: о художницах. 3. Музеи мира: история создания и коллекции. 4. Культурология: введение в теорию культуры. Первые три курса направлены на детей от 9 до 13 лет. А последний от 12 до 16 лет. Для подробностей _levkovskaia С отзывами и преподавателем курсов можно познакомиться здесь: https://instagram.com/daria_levkovskaia?igshid=1q2dt0nsohof1

Мечтатель Российский художник Арсений Жиляев создал работу «Мечтатель». Работа представляла собой бутафорскую скульптуру спящего работника цеха по переработке образов, который уснул на рабочем месте в галерее после 15-часовой смены. Скульптура являлась частью постоянной экспозиции Третьяковки на Крымском Валу, пока её не убрали по приказу директора галереи. Официальная причина — многочисленные жалобы посетителей на то, что скульптура их пугает. Кому-то стало плохо при виде этой работы. Искусство или нет?

Внимание родителям!!! Давно мечтали, чтобы ваш ребёнок с интересом ходил в музеи? Тогда предлагаем вашим детям погрузиться в мир искусства и культуры с нами. Сегодня мы предоставляем 4 коротких курса по 8 занятий: 1. Русская культура и искусство: от Киевской Руси до Новейшего времени. 2. Женщины в искусстве: о художницах. 3. Музеи мира: история создания и коллекции. 4. Культурология: введение в теорию культуры. Первые три курса направлены на детей от 9 до 13 лет. А последний от 12 до 16 лет. Для подробностей _levkovskaia С отзывами и преподавателем курсов можно познакомиться здесь: https://instagram.com/daria_levkovskaia?igshid=1q2dt0nsohof1

Филипп Кубарев "Сон-мечта солдата" (2008)

"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума, если бы не закончил эту серию из 20 полотен. Это была настоящая одержимость, которую у него могли вызвать только деревья, кувшинки, стога или цветы. Он часто совершал невероятные поступки, чтобы сохранить в нужном ему виде объект своей одержимости: платил крестьянину, чтобы тот весной оборвал листья на дубе в соответствии с первоначальным зимним эскизом, мостил дорогу рядом со своим домом, чтобы пыль не оседала на его цветах, выкупал стога сена, когда их собирались убирать с поля, устраивал эффектный спектакль для директора вокзала, чтобы тот задержал отправку поезда и обеспечил необходимое количество дыма на перроне. Над серией «Тополя» Моне работал всю весну и лето 1891 года, для чего выкупил островок Крапивный, с которого открывался нужный ему вид. Он грузил на тележку штук 20 – 30 холстов, вез их к месту лучшей точки зрения и работал над каждым из них в разное время суток. Иногда освещение менялось так быстро, что некоторые состояния длились всего минут 7. Когда солнце перемещалось, художник быстро искал среди уже начатых работ нужную, чтобы успеть оставить на ней несколько необходимых цветовых акцентов или поменять полностью. Моне сам изобрел этот метод и сам же переживал с ним самые отчаянные моменты творческого бессилия. Однажды он в ярости швырнул в воду и холст, который долго не находился, и краски с кистями. Ушел. Вернулся. Полез в реку доставать хотя бы кисти и краски. Как-то утром, прикатив к острову свою тележку с будущими шедеврами, Моне обнаружил, что тополя пометили для вырубки. Конечно, он заплатил, чтобы их не рубили, пока серия не будет окончена. Это самая «шумная» серия Моне. И в «Стогах», и в «Руанском соборе» от одной картины к другой меняется освещение, меняется плотность воздуха и цвет каменной кладки или поля. А тополя прекрасны еще и своей податливостью ветру – они шелестят листьями и скрипят старыми стволами в каждый схваченный момент. Сила ветра или отражение деревьев в реке – это новые измерения, в которых Моне заставляет меняться свои тополя. Художник всегда мечтал, чтобы его серии оставались единым целым, занимая целую стену в музее или в частной коллекции. Ему был очень ценен этот эффект прожитого в одном музейном зале светового дня. Ни одна из серий Клода Моне, за исключением «Кувшинок», для которых он сам придумал специальный музей, не собрана в одном месте. Даже в салоне Поля Дюран-Рюэля «Тополя» не задержались надолго и были распроданы, а сейчас они по всему миру – от Нью-Йорка до Токио. За эту же картину в 2011 на аукционе Кристис неизвестный американец заплатил 22,5 млн. долларов. КлодМоне Импрессионизм _history

"Капризница" 1718 г. Антуан Ватто Государственный Эрмитаж. Поэт Шарль Бодлер утверждал, что самое ценное в искусстве Ватто – его капризные, своенравные, но бесконечно элегантные женщины. «Капризница» из собрания Эрмитажа – безусловно, одна из них. В центре композиции, с небольшим смещением влево, сидит миловидная дама в струящемся черном платье. За её спиной игриво полулежит господин в красном берете с пером и, очевидно, заигрывает с девушкой. Но её напряжённо-прямая осанка и явное неудовольствие на лице свидетельствуют, что поклонник чересчур навязчив и уступать его напору героиня не расположена. Во всяком случае, сейчас. Флирт и ухаживания, проявления галантности – это вообще центральная тема рококо. И именно Ватто положил ей начало своими «галантными празднествами». «Капризница» также принадлежит к этому жанру. Нарядно одетые герои явно принимали участие в каком-то увеселении, а вот сейчас удалились от общества, чтобы прояснить отношения наедине. Однако, в отличие от абсолютного большинства сюжетов «галантных празднеств», где ухаживания совершаются к полному взаимному удовольствия, «Капризница» демонстрирует интересный психологический разворот – женское раздражение от навязчивого внимания. Развернувшись спиной к собеседнику, героиня проявляет высшую степень неучтивости. Этим она показывает, что относится к визави без всякого уважения. Мечтательный взгляд Капризницы устремлён вдаль. Некоторые даже предполагают – на некоего другого кавалера, которого она предпочла бы видеть рядом с собой. Ватто любил смешивать реальность и театр, наряжать друзей в театральные костюмы, которые он коллекционировал, и в таком виде рисовать их. Ему импонировала идея игрового смешения иллюзии и реальности, нравилось извлекать из этого взаимного проникновения неожиданные психологические эффекты. Всё это есть и в «Капризнице». Трудно отделаться от мысли, что героиня ощущает себя на сцене, перед полным зрительным залом, что она чересчур озабочена тем, как выглядит со стороны. Этому впечатлению подыгрывает даже пейзаж, покорно выполняющий роль кулис. В «Капризнице» есть то, за что Ватто ценят больше всего – некая умышленная недоговоренность. Загадочная будничность. Трактовка смысла картины вроде бы лежит на поверхности и в то же время – вызывает трудности, ускользает от окончательного понимания. Именно за это качество Ватто впоследствии выше всех прочих художников будут ценить символисты. Может быть, Капризница не отклоняет ухаживания, а наоборот – слушает оправдания и принимает извинения? Может быть, это не начало отношений, а их конец или явный кризис? Может быть, что-то вызвало ревность героини и герой (любовник?) вынужден оправдываться? Так или иначе, Ватто предстаёт перед нами мастером тонкого и затейливого психологического рисунка. Именно во внимании к личности и нюансам переживаний героини заключена ценность картины. Известный искусствовед Михаил Алпатов писал, что для её понимания стоит сравнить «Капризницу» с работами кого-нибудь из голландцев ХVII века: Ватто «интересуют в первую очередь не красивые вещи, не блестящие ткани, как многих голландцев, а характер и мимика людей». Но голландских мастеров Ватто в самом деле очень ценил и многому у них учился. Исследователи мягко укоряют художника за вольные или невольные заимствования: дескать, и наряды у него уж больно а-ля Франс Халс. А красный берет персонажа «Капризницы» - так и вовсе списан у Рембрандта. И все-таки нельзя не признать, что платье героини – само по себе маленький шедевр с бесконечным разнообразием переходов цвета, который лишь условно может быть назван черным. АнтуанВатто Рококо _history

"Двенадцать подсолнухов в вазе" Август 1888 г. Винсент Ван Гог Новая пинакотека, Мюнхен. Первый год жизни в Арле стал для Винсента годом желтого цвета. Ван Гог поселился в знаменитом «Желтом доме» (который, к сожалению, был полностью разрушен во время Второй Мировой войны), единственном месте, которое он считал по-настоящему своим домом. Он писал золотые пшеничные поля, залитые солнцем улицы. Желтыми на его картинах были цветы, овощи и посуда, даже небо и лица людей. Но особенно Винсента завораживали безграничные поля подсолнухов, которые в Арле и цветком-то не считали, выращивая их для производства масла. Осенью Ван Гог с нетерпением ожидал приезда Поля Гогена, который согласился жить вместе с ним. Винсент считал, что это положит начало созданию коммуны художников, о которой он так мечтал. Однако вряд ли он знал, что Гоген поселился в «Желтом доме» в обмен на материальную помощь, обещанную Тео. Со всеми остальными друзьями-художниками Винсент в разное время умудрился рассориться, так что никто из них на его приглашение не ответил. Гоген проживет вместе с Ван Гогом лишь три месяца и фактически сбежит из Арля после печально известной истории с ухом. Но все это будет после. А пока Винсент полон надежд и ожиданий и хочет устроить гостю достойный прием. Он собирался повесить на стены комнаты Гогена (которая, к слову, была крошечной) 12 полотен с изображением подсолнухов. Неизвестно, успел ли Ван Гог в полной мере осуществить задуманное (известны только четыре оригинальные картины с подсолнухами этого периода и их поздние авторские копии), и хватило ли ему места, но в любом случае, впервые переступив порог своей комнаты, Гоген увидел весьма психоделическую картинку. Душевного порыва коллеги он не оценил и просто снял все подсолнухи со стен. Винсента это, похоже, не слишком обеспокоило, и на его любовь к солнечным цветам никак не повлияло. Он сделал несколько копий «Пятнадцати подсолнухов» и, что называется, легким движением руки превратил этот цветок в один из самых знаменитых живописных образов. Гоген, кстати, позже изобразил Ван Гога за работой – естественно, рисующим подсолнухи. ВанГог Натюрморт Постимпрессионизм _history

"Ночная терраса кафе в Арле" Сентябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Крёллер-Мюллер, Otterlo. «Ночное кафе в Арле» - одна из самых узнаваемых и цитируемых работ Ван Гога. В популярности она уступает, разве что, «Подсолнухам» и «Звездной ночи». Благодаря довольно необычному изображению звездного неба «Ночное кафе» перекликается с другими картинами Винсента, написанными в то же время – «Звездной ночью над Роной» и «Портретом Эжена Боша». Звезды на этих полотнах больше напоминают миниатюрные цветы, из которых год спустя вырастут огромные «подсолнечные» светила и спиральные вихри «Звездной ночи». Еще задолго до переезда в Арль Винсент мечтал написать ночной пейзаж. Сначала на свет появилась «Звездная ночь над Роной». Существует легенда, согласно которой Ван Гог закреплял на полях своей соломенной шляпы свечи, чтобы освещать холст во время работы, поскольку уличное освещение было слишком скудным. О своей работе над изображением ночного кафе он упоминал в письме сестре Вильгельмине, вспоминая «Милого друга» Ги де Мопассана. А в одном из писем брату Тео Винсент писал, что звезды в ночном небе похожи на черные точки на незнакомой карте, обозначающие далекие города. Кафе, увековеченное Ван Гогом на этой картине, находится на прежнем месте до сих пор. Теперь оно носит название «Le Café La Nuit». Однако туристов, побывавших в Арле и разместившихся на знаменитой террасе в надежде выпить кофе и в полной мере проникнуться атмосферой картин Винсента, ждет жестокое разочарование. Судя по отзывам, зайти в это кафе стоит разве что для того, чтобы в нем сфотографироваться. Но, несмотря на высокие цены, оставляющее желать лучшего обслуживание и качество блюд, поток туристов остается неизменным. ВанГог Постимпрессионизм _history

Краткие тезисы по «Явлению Христа народу» -Иванов писал картину более 20 лет -Он объездил всю Италию и создал 600 этюдов, чтобы написать «Явление Христа народу» -Сначала эта картина находилась в Румянцевском музее, в здании дома Пашкова. И только в 20-е годы стала частью собрания Третьяковской галереи -Иванов - великий художник, один из главных романтиков, который сильно опередил свое время - Главный герой этой картины - момент. А точнее, само появление Спасителя в момент крещения людей в Иордане -Да, на картине, скорее всего, Гоголь, но документальных подтверждений этому нет -Александр Иванов так и не дописал свое главное произведение. Он мечтал создать картину, которая разделила бы жизнь людей на «до и после», помогла бы людям по-новому взглянуть на жизнь и свой духовный путь -Каждый персонаж «Явления Христа народу» имеет свой смысл, каждый жест и поворот головы - не просто так. Эта картина - целое собрание психологических портретов. -Иванов создал композицию, в которой одно «вытекает» из другого, поэтому картина не «разваливается» на части - Почти каждый художник, который считал себя «талантом», пытался повторить идею Иванова и создать произведение, которое перевернет сознание людей - Картину, в итоге, купил император Александр II. Изначально он видел ее в Италии еще будучи цесаревичем -Иванов не дожил до момента, когда картину оценили. При первом ее показе отзывы были очень противоречивыми -Идея картины связана, в том числе, с настроениями в Российской империи, в частности, с грядущей отменой крепостного права -Работы Иванова «Явление Христа Марии Магдалине» и «Братья Иосифа находят чашу в мешке Вениамина» связаны с главным шедевром Иванова. Они были результатами поиска сюжета для огромной картины, размер которой - 5,5 на 7,5 м PROиванов

Мечтаешь о карьере ювелирного дизайнера? Пора действовать — запишись на курс от Skillbox «Профессия ювелирный дизайнер»! На курсе ты научишься создавать дизайн украшений и разрабатывать коллекции на уровне лучших ювелирных брендов, узнаешь, как делать эскизы, переносить их в 3D и рассчитывать бюджет. После курса ты сможешь стать универсальным ювелирным дизайнером и работать над частными заказами. Обучайся на практике из любой точки мира! Первые 3 месяца БЕСПЛАТНО — сначала учись, плати потом. Начать обучение на курсе — ответственное решение, и лучше познакомиться с курсом еще до покупки. Поэтому мы дарим тестовый доступ к первому модулю курса. Не упускай шанс обучиться со скидкой! Переходи: https://clc.am/e26IVQ и регистрируйся!

"У колыбели" 1872 г. Берта Моризо Музей д’Орсе, Париж. Французское общество второй половины XIX века оказалось самым изображаемым за всю историю живописи. Кажется, что в каждом уголке Парижа – начиная от оперного театра и заканчивая спальнями француженок – ежедневно сидел художник и вел летопись жизни своих современников. И без Берты Моризо эта летопись была бы неполной. Балерины, проститутки, прачки, рабочие, завсегдатаи баров и танцевальных площадок, купальщики, торговцы занимали мысли и полотна ее друзей художников-мужчин. Они уезжали в другие страны и покоряли стихии, чтобы отыскать новые образы. Они уходили на войну и заводили бурные романы, чтобы найти вдохновение. А Берте Моризо было достаточно наблюдать, чем живут ее родные и друзья. И чем ближе и роднее человек, тем глубже можно проникнуть в его сущность и тем больше вдохновенных мимолетностей он может подарить для новой картины. Писать для Берты Моризо – часть ежедневной жизни, как дышать или спать. Герои самой известной картины художницы «У колыбели» - ее сестра Эдма и новорожденная дочь Эдмы Бланш. С сестрой у Берты на всю жизнь осталась особая связь – они долгие годы работали в одной мастерской, дышали одним воздухом и вдохновлялись одними и теми же сюжетами. А еще мечтали посвятить всю свою жизнь живописи. Для Эдмы мечты остались мечтами – она вышла замуж и перестала писать, но сцены из ее семейной жизни стали самыми нежными, светлыми и щемящими в творчестве ее сестры Берты. Полотно «У колыбели» было представлено публике на первой выставке импрессионистов, которая состоялась в 1874 году и стала вызовом академическому Салону. И Берта Моризо была единственной женщиной из 30 художников, отважившихся бросить этот вызов. Благодаря традиционному сюжету и взрывоопасным соседям это полотно осталось практически незамеченным критиками и до 1930 года находилось в собственности семьи Эдмы Понтийон. Вместе с другими картинами наследники передали это полотно в дар Лувру, откуда оно перекочевало в Музей д`Орсэ. БертаМоризо Импрессионизм _history

Тамара Лемпицка "Рафаэла на зеленом фоне" (1927)

"Игроки в карты" 1893 г. Поль Сезанн Семейное собрание Эмира Катара. Пока в 2015 году картина Поля Гогена «Когда свадьба?» не была продана за 300 миллионов долларов, эти «Игроки в карты» Сезанна оставались самой дорогой картиной в мире, когда-либо выставленной на продажу за последние полтора века. Картину купил в 2011 году эмир Катара для своей частной коллекции (за 250 млн). В отличие от многих своих друзей-художников, сомневающихся в ценности собственных работ, Сезанн периодически отчетливо чувствовал, а иногда и заявлял вслух, что он гений и что его картины начнут понимать сильно нескоро после его смерти. Даже друзья, будущие художники-импрессионисты, устраивавшие свои революционные выставки, побаивались дикой живописи Сезанна. Критики и без Сезанна их всех без разбору презирали, а с Сезанном затеваемые ими мероприятия выглядели заведомо и чрезмерно вызывающими. Искусствоведы находят в этой серии, состоящей из 5-ти картин, много не подтвержденных философских и символических смыслов. Были попытки рассмотреть здесь аллегорию живописной битвы, из которой сам Сезанн выходит победителем, были вариации на тему карт судьбы и того выбора, который человек делает сам из предоставленных ему на выбор возможностей. Любители психологических подтекстов видели в сюжете противостояние Поля и его отца, продолжавшееся до самой смерти старика, а кубисты, объявившие Сезанна своим предшественником, утверждали, что в этих фигурах не больше душевности, чем в натюрморте, что вся живопись – это не более чем «цилиндр, шар и конус». Но вряд ли Сезанн так прост – интересуйся он исключительно формами, он бы не выходил из мастерской и просто заказывал по килограмму яблок на неделю. На самом деле художник мог иметь в виду все эти смыслы или ни одного – гораздо важнее потенциальный вызов зрителю: подключаться к созданию смыслов, сотворить и напрягаться, чтобы понять. С большей уверенностью можно предположить, что особенно привлекло Сезанна в игральном процессе: напряженное противостояние и душевная работа при полной неподвижности. Именно за это Поль любил горы и яблоки – за неподвижность. Именно о таких натурщиках он мечтал, выходя из себя, когда уставшая жена на 20 сеансе позирования вдруг шевелилась и все портила. Он мечтал, чтобы люди были как яблоки. И окончательно уехав из громкого, суетливого Парижа в поместье отца Жа де Буффан, он нашел свои яблоки. Местные крестьяне, садовник, служанки, они умели быть по-настоящему неподвижными и сосредоточенными, они жили размеренно и вдумчиво, в одном ритме с природой, с солнцем. Работая над серией больше пяти лет, Сезанн начинал с огромного двухметрового полотна и многофигурной композиции, на второй картине сократил количество фигур до четырех, и на остальных оставил только самое главное – двух соперников, бутылку, на которую они скорее всего и играют, стол и карты. Ничего лишнего и отвлекающего, ничего преходящего и сиюминутного. Только вечное. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

"Лесная тропа, идущая вдоль пруда" Жан-Батист Камиль Коро, 1872 > Индианаполис, Художественный музей Жан-Батист Камиль Коро – французский художник и гравёр, один из самых выдающихся пейзажистов эпохи романтизма. Он не получил классического художественного образования, но много путешествовал по Европе, знакомился с творчеством мастеров различных направлений. Пейзаж "Лесная тропа, идущая вдоль пруда" полон светлой меланхолии и погружен в мечтательную дымку. Цветовая гамма Коро основана на тонких отношениях серебристо-серых и жемчужно-перламутровых тонов, что является неизменной чертой его произведений. Расплывчатость и мягкость форм, за которую его часто критиковали современники, передают движение природы, легкое дуновение ветерка. Художник показывает не пейзаж, а скорее воспоминание о нем. "Я хочу, чтобы глядя на мой неподвижный холст, зритель ощущал бы движение вселенной и предметов", – писал Коро о своем творчестве.

Сэму сделали необычное предложение — стать живым произведением искусства Попав в Европу, он случайно встречает известного современного художника Джеффри Годфруа. Годфруа хочет наколоть на спине беженца огромную татуировку шенгенской визы и выставлять Сэма как арт-объект в музеях мира. Надеясь, что сделка позволит ему свободно передвигаться по Европе и наконец повстречаться с возлюбленной, с которой они были разлучены, Сэм соглашается. Сперва все идёт замечательно — сириец становится настоящей звездой. Но вскоре он почувствует, что стал всего лишь вещью, которая переходит из рук в руки. В основе картины лежит классическая история о сделке с дьяволом. В облике искусителя предстает художник Годфруа, известный своими эпатажными инсталляциями. Этот коварный Мефистофель предлагает одинокому и потерянному Сэму подарить ему свою спину. Договор не нужно даже подписывать кровью. Бывший беженец, работавший на складе, внезапно оказывается сверхпопулярен — люди носят футболки с изображением его татуировки, поклонники совершают настоящее паломничество в музей, а главные арт-дилеры мира мечтают заполучить тело Сэма себе в коллекцию. По мнению Бен Ханья, режиссёрски фильма, тиражируемость и эксплуатация современного искусства сегодня приобретают характер хищнический, капиталистический.И сам фильм подтверждает это — «Человек, который продал свою кожу» был представлен на Венецианском кинофестивале, а также получил номинацию на «Оскар» в категории «лучший иностранный фильм». https://www.youtube.com/watch?v=GwSS62Vp2NY

"Березовая роща" 1879 г. Архип Иванович Куинджи Государственная Третьяковская галерея. В 1880 году Архип Куинджи официально вышел из состава Общества передвижников. Разрыв этот сказался на нем самым благотворным образом – именно в начале 80-х художник написал картины, сделавшие его по-настоящему знаменитым. Освободившись от гнета какой-либо идеологии, он вернулся к тому, с чего начинал: ярким радостным краскам, солнечному свету, восторженному преклонению перед красотой природы - всему, что считалось у передвижников едва ли не дурным тоном. Он по-прежнему оставался ярым приверженцем реализма. Но реализм этот был уже иного толка. Публицист Алексей Суворин писал: «Пусть ультрареальные критики утверждают, что художник обязан писать то, что у всех и всегда перед глазами, что каждого влечет во мрак, туман, в грусть, в слякоть, в болото. Это - петербургский, деланный реализм, выросший в кабинете, среди политических передряг, недоразумений, вражды, ненависти... Но действительно художественная натура, но богато одаренный талант пойдет своим путем... Так поступил Куинджи». В 1881-м Архип Куинджи представил публике написанную двумя годами ранее «Березовую рощу». Это снова была моновыставка, Куинджи вновь использовал искусственное освещение – он явно рассчитывал повторить невероятный успех своей «Лунной ночи на Днепре». Полноценной сенсации на этот раз не вышло: «грамотный Петербург» не толкался в километровых очередях, поэты не посвящали «Роще» пронзительных строк, а музыканты не пытались переложить ее на нотный стан. По мнению некоторых биографов, именно поэтому разочарованный Куинджи вскоре после «Рощи» исчез и не выставлял своих новых работ почти 20 лет. Впрочем, в профессиональных кругах полотно произвело настоящий фурор. Резкая, почти «стереоскопическая» контрастность и невесомая пляска солнца на полыхающих стволах, филигранная работа со светом и тенью и разлитая в воздухе почти былинная поэзия – Куинджи-реалист встречался здесь с Куинджи-импрессионистом. И явно проигрывал бой. «У нас, правда, не образовалась школа импрессионизма, теоретические воззрения этой школы не только не возникли сами собой, но даже не забрели случайно из Франции, – писал арт-критик Владимр Чуйко. – А между тем у нас-то именно и явился художник, который сразу, инстинктивно и почти в совершенстве осуществил все мечтания импрессионистов». «Березовая роща» стала очередной жанровой вехой и спровоцировала лавину подражаний – в том числе, в среде признанных состоявшихся мастеров. К примеру, еще один видный «солнцепоклонник» - Владимир Орловский – жаловался Репину, что испытывает нешуточные душевные муки, пытаясь раскрыть «тайну куинджевских красок». Разговоры о «Березовой роще» еще долго не смолкали после того, как Куинджи «сошел со сцены». А определеннее других высказался Иван Иванович Шишкин, который со свойственным ему красноречием резюмировал: «Это - не картина, а с нее картину можно писать». АрхипКуинджи Пейзаж _history

"Танец в городе" 1883 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. Импрессионизм, зародившийся во Франции в конце XIX века, пришел на смену академизму, который господствовал в изобразительном искусстве на протяжении двух столетий. Французские живописцы искали новые средства для передачи не столько объектов, сколько эмоций, которые эти объекты вызывают. Одним из ярких представителей этого течения является Пьер Огюст Ренуар. Его творчество было настолько ярким и впечатляющим, что современники художника, поначалу относившиеся к импрессионизму с некоторой иронией и пренебрежением, полностью изменили свое мнение. Состоятельные парижане охотно приобретали его полотна, находя в них особое очарование, и не скупились на заказы. Одним из заказчиков живописца был Поль Дюран-Рюэль — известный коллекционер и меценат импрессионистов. Благодаря ему появился «Танец в городе» — картина кисти Пьера Огюста Ренуара, которая вызывает восхищение у истинных ценителей искусства живописи. Дюран-Рюэль, неплохо разбиравшийся в искусстве, сумел разглядеть потенциал в зарождавшемся течении импрессионизма. Он всячески поддерживал художников-новаторов, помогая им с организацией выставок и предлагая интересные и выгодные заказы. В 1883 году меценат заказал Ренуару три картины на один сюжет — парный танец. Художник увлеченно принялся за работу: все три полотна были написаны в течение года. Сохранился набросок, датированный 1880 годом, на котором изображена танцующая пара — это свидетельствует о том, что такая идея появилась у живописца задолго до предложения Дюран-Рюэля. Некоторые искусствоведы называют это полотно «зимней» картиной, а холсты с танцами в Буживале и деревне — соответственно «весенней» и «летней». И действительно: если приглядеться к фону, можно увидеть некоторые признаки, указывающие на определенное время года. Обстановка, изображенная на картине Огюста Ренуара «Танец в городе», говорит нам о том, что действие происходит в зале, украшенном декоративными растениями, либо в оранжерее. Картина Огюста Ренуара «Танец в городе», как и два других полотна из этой серии — «Танец в деревне» и «Танец в Буживале», — имеет вертикальный формат. На всех холстах изображена пара, танцующая медленный танец. Внешнее сходство персонажей этих трех картин позволяет предположить, что замысел художника заключался в том, чтобы показать танцоров в различной обстановке и продемонстрировать зрителю, как вместе с окружающей обстановкой и костюмами главных героев меняется и их настроение. Перед нами — элегантная пара, танцующая бальный танец. На женщине, повернутой спиной к зрителю, надето роскошное белое платье с длинным шлейфом. Спина и плечи дамы открыты, на руках — длинные перчатки из белого атласа. Голова танцующей замерла в полуобороте: нам виден ее миловидный профиль с тонким носом, полными губами и мечтательно прикрытыми глазами. Волосы женщины собраны в причудливую прическу, украшенную белым цветком. Мужчина, склонившийся к партнерше. практически скрыт за фигурой дамы — можно лишь различить фалды фрака, кончик начищенных до сияния ботинок и белые перчатки. Фоном для танцующей пары Ренуар избрал светлую мраморную стену, которая заканчивается круглой колонной и переходит в темно-зеленую стену из растений. Известно, что натурщицей Пьера Огюста Ренуара была Сюзанна Валандон — именно с нее написана картина «Танец в городе». Кто позировал для мужского персонажа нам остается лишь гадать, так как его лица не видно. Предполагают, что это мог быть друг живописца Поль Лот. В 1978 году картина Огюста Ренуара «Танец в городе» стала частью коллекции Лувра. С 1986 года это произведение находится в музее д'Орсе (г. Париж,Франция). ПьерОгюстРенуар Импрессионизм _history

"Сирень" 1900 г. Михаил Александрович Врубель Государственная Третьяковская галерея. На рубеже 19 – 20 веков Врубель работал нал циклом картин, который называют «Сказочным». В него входят картины «Пан», «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Жемчужная раковина» и «Сирень». Помимо присутствия на них сказочных существ, все эти работы объединяет время действия – ночь, из-за чего их еще называют ноктюрнами. Сумерки придают картинам особенный таинственный и сказочный колорит. К тому же ночные сюжеты позволяют художнику выжимать все возможности из своей любимой палитры: любых оттенки синего и фиолетового цветов. Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени. Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее. Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь. Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура. У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете». Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель. МихаилВрубель _history

"Ветка цветущего миндаля" 1888 г. Винсент Ван Гог Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Винсент прожил в Париже вместе с Тео ровно два года. 20 февраля 1886 года он приехал к брату из Антверпена, а 20 февраля 1888 года – сошел с поезда в Арле. На самом деле Ван Гог страстно мечтал о путешествии в Страну Восходящего Солнца из-за увлечения японским искусством, особенно живописью. Но для нищего художника, живущего на попечении младшего брата, подобная поездка была из области фантастики, поэтому Винсент отправился в Арль, представляя себе, что едет в Японию. Когда Ван Гог сошел с поезда в Арле и увидел, что весь город покрыт снегом, его радости не было предела. Такая погода, кстати, для небольшого южного городка была необычайной редкостью. Некоторые люди могли прожить здесь всю жизнь, так и не увидев снега. Но Винсенту повезло: заснеженный Арль как нельзя лучше соответствовал его японским фантазиям. Самое удивительное, что в это же время здесь начали цвести деревья, в первую очередь – миндаль. И снова художник не мог не провести параллелей с Японией, ведь голые ветки деревьев, покрытые нежными, воздушными бело-розовыми цветками, были так похожи на цветущую сакуру. Совсем не удивительно, что картина «Ветка цветущего миндаля» получилась такой «японской». Винсент использует яркие, чистые цвета, уплощает изображение, очень условно прорисовывая тени. Но при этом с помощью довольно грубых мазков создает безошибочное ощущение тепла первого весеннего солнца. За следующие несколько дней Ван Гог напишет еще 14 картин с цветущими фруктовыми деревьями: снежные пейзажи за окнами гостиницы, в которой он поселился в первые дни в Арле, быстро сменились по-настоящему весенними. Но скромная маленькая веточка миндаля в грубоватом толстостенном стакане все равно останется завораживающим в своей простоте символом пробуждения природы после зимней спячки. ВанГог Натюрморт Импрессионизм _history

Эрмитаж Онлайн. Украшения - это серьезно. Греческое золото в Эрмитаже. https://youtu.be/c-eeFhXG4uY?t=23 Все основные виды украшений пришли к нам из глубокой древности. Некоторые сохранились в практически неизменном виде, другие претерпели значительные изменения, третьим суждено было остаться в античном мире навсегда. Изящные формы греческих украшений требовали виртуозного исполнения и безупречного художественного вкуса от ювелира, и на экскурсии будут раскрыты некоторые тайны античных златокузнецов. Носить драгоценности – это искусство. Одни обладают этим даром от природы, другие мечтают научиться. Что и как носили гречанки античной эпохи, чей облик до сих пор считается идеалом красоты, узнаем на экскурсии по залам Отдела Античного мира Эрмитажа. Секретами античных красавиц с нами поделится Ольга Горская, научный сотрудник Отдела Античного мира. https://youtu.be/c-eeFhXG4uY?t=23

Ван Гог: На пороге вечности (2018) https://www.youtube.com/watch?v=nUyMzqEPkOc Винсент Ван Гог был одержим живописью и мечтал изменить мир. Он жил в Париже на Монмартре и водил дружбу с Полем Гогеном. Из спиртного отдавал предпочтение абсенту, а если уж влюблялся, то со всей страстью. В то время его холсты почти не продавались, а сегодня – одни из самых дорогих в мире. Как истинный гений, он всегда находился на пороге вечности... Год: 2018 Страна: Великобритания, Франция, США Жанр: драма, биография Режиссер: Джулиан Шнабель _vangog https://www.youtube.com/watch?v=nUyMzqEPkOc

Визит в Версальский дворец https://youtu.be/BFX_MZr2Lxk Я - солнце! Я - солнце ! - закричал радостно мальчик. С тех пор его так и называли - «Король-солнце». Еще в юности монарх мечтал о чем-то большом, безукоризненном, таком, что поразило бы всю Европу - лучше Лувра, Венсен и Фонтенбло вместе взятых. Местом для строительства нового дворца юный король избрал маленький поселок юго-западнее Парижа, в котором его отец, Людовик XIII, построил скромный, но уютный, охотничий павильон. Впоследствии на этом месте, среди леса, вырос замок - из камня, кирпича и кровельного сланца. «Король-солнце» превратил его в самый большой дворец в Европе, где могли одновременно разместиться, не много не мало - 20 тысяч человек! Через десять лет в провинциальном Версале появился роскошный парк, уникальные фонтаны и зазвучал кокетливый «щебет» придворных дам. https://youtu.be/BFX_MZr2Lxk

Эпосы и сознание, мифы и магия Канал Калевала — _etc. Без претензий на исключительность. Строго в целях релакса. Чуточку истории и этнографии. По максимуму сказаний, магии, легенд. Немного помечтать, что-то узнать вновь или вспомнить, и просто улыбнуться. Загляните

"Зимняя гармония" 1890-е Джон Генри Твахтман В начале девяностых годов 19 века художник Джон Генри Твахман приобретает ферму неподалеку от городка Гринвич в Коннектикуте. Это позволяет ему совмещать жизнь в тихой сельской местности, о которой он давно мечтал, с преподавательской деятельностью в Нью-Йорке, куда от его владений было буквально рукой подать. Вскоре после переезда Твахман напишет в письме своему близкому товарищу и коллеге Уиру о том, что более всего его вдохновляет смена времен года, а в особенности – зима: «Теперь я отчетливо понимаю, насколько важно постоянно жить за городом, в каждое из времен года. Нам нужен снег, и как можно больше. Природа никогда не бывает настолько очаровывающей, как в моменты, когда идет снег. Вокруг стоит такая тишина, и вся земля, кажется, будто укутана покрывалом... Весь мир убаюкивается до полного безмолвия». Вместе с фермерскими угодьями Твахтману достается тихий пруд, окруженный деревцами. Художнику настолько полюбился каменистый ручей Хорснек, впадающий в этот водоем, что он становится частым героем картин Джона Генри. Запечатлевая один и тот же пейзаж в разные поры года, а иногда и в разные дни одного и того же сезона, он оттачивает мастерство в передаче едва уловимых изменений в природе, освещении, погоде. В отличие от работ его французских современников, зимние пейзажи Твахтмана часто монохромны, с приоритетом белого и лишь редкими вкраплениями цвета. Особенно в сравнении с куда более щедро расцвеченными зимними видами ортодоксальных европейских импрессионистов вроде Альфреда Сислея, Камиля Писсарро и Клода Моне. Живопись Твахтмана ограничена и в рамках тематики. Панорамным пейзажам он предпочитает крупный план. Насколько редко он пишет залитые солнцем ландшафты, настолько нечасто (проще сказать – никогда) привлекали его вечерние сумерки. Конек художника – зима во всех ее проявлениях: от почти полностью укрытых снегом бескрайних далей до живописания всех возможных стадий его таяния. Осеннее буйство красок едва вписывалось в его эстетику. «Зимняя гармония» – один из наиболее известных «портретов» облюбованного Твахтманом вида на свой пруд. Среди прочих он выделяется как раз нехарактерным для его снежных ландшафтов цветовым многообразием. В кои-то веки в ход идет практически вся палитра: одних только оттенков синего и лилового не счесть. Да еще желтизна жухлой травы, проступающей сквозь снег, и ржавые остатки листвы на деревцах, и намеки на оттенки зеленого в веточках хвои. Но на этом сходство с французскими импрессионистами заканчивается. В отличие от них, Твахтман работает не раздельными мазками, густо покрывающими полотно, не оставляя просветов, а применяет старую добрую лессировку, нанося почти сухие краски поверх первичной основы. Его кисть свободно порхает по холсту, так что основные оттенки и штрихи просвечивают сквозь прерывистую, неравномерную текстуру верхнего слоя. Это приближает его манеру к тонализму, создавая ощущение интимности и уюта, присущее картинам художника Уира и поздним работам пейзажиста Джорджа Иннесса. ДжонГенриТвахтман Пейзаж Импрессионизм _history

Обнажённая молодая женщина с зеркалом 1515 Джованни Беллини Дерево, масло. 62 × 79 см Музей истории искусств, Вена Картина итальянского художника эпохи Возрождения. Одна из последних работ итальянского живописца. В своём произведении Беллини предпринял попытку совместить пейзаж и фигуру и с помощью света создать целостное, почти мечтательное настроение, характерное для венецианской школы живописи. Спокойствие, ясная одухотворённость характерны для всех лучших работ зрелого периода Беллини. За окном виднеется пейзаж: густое синее небо, горы вдали и тонкая полоска низко висящего солнца. В данном случае художник, конечно, не имел намерения создать предмет религиозного почитания, хоть она и напоминает некоторые живописные произведения Беллини, представляющие Деву Марию; эта обнажённая являет светский идеал женской красоты. Ещё пару картин: Пиршество богов Портрет Дожа Леонардо

"Русалки" 1871 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. Русалочьи посиделки под лунным светом. В обширном списке произведений И.Н.Крамского особое место занимает его картина под названием «Русалки». Народная молва окрестила это полотно мистическим, поскольку с ним связаны таинственные случаи, и некоторые из них — с печальным финалом. Но обо всем по порядку. Являясь почитателем литературного таланта Н.В.Гоголя, Крамской мечтал создать полотно по мотивам его произведений. Художник был, без преувеличения, очарован описаниями украинских ночей и тех мифических существ, которые появлялись под светом луны, пока обычные люди были погружены в сон. Помимо этого, живописец страстно мечтал запечатлеть на полотне удивительное сочетание ночной мглы и струящегося лунного света, озаряющего отдельные предметы. Картина Крамского «Русалки» свидетельствует, что с этой задачей художник отлично справился. Сюжетом для картины Крамского «Русалки» послужил отрывок из гоголевской «Майской ночи», где автор описывает сон Левка. Художник не ставил перед собой цель точно передать все детали сна, он лишь стремился поделиться со зрителем тем чудесным видением, которое посетило его во время работы над эскизами будущего шедевра. Картина Крамского «Русалки» наполнена светлой грустью. На переднем плане мы видим группу молодых девушек, облаченных в белые одеяния. Они собрались на берегу старого пруда, чтобы посидеть под лунным светом, спеть свои любимые песни и рассказать друг другу сокровенные тайны. Тонкие фигурки утопленниц застыли в живописных позах, их лица печально-строги. Кое-кто, запрокинув лицо вверх, всматривается в диск полной луны, другие же склонили головы, будто оплакивая свою горькую судьбу. Они словно сияют под светом полной луны, которая освещает лишь небольшие участки — заросли осоки, невысокий холм и старую усадьбу на нем. На современников Крамского его «Русалки» произвели неизгладимое впечатление: картина пользовалась необычайным успехом у публики, а критики единодушно хвалили мастера за точную передачу лунного света и новизну сюжета. Впрочем, сам живописец был недоволен собой и время от времени порывался доработать картину даже после того, как она оказалась в коллекции Третьякова. Само же полотно, казалось, жило своей жизнью. На 1-й выставке, организованной Товариществом передвижников, его поместили рядом с полотном «Грачи прилетели» кисти Саврасова. Утром обнаружилось, что пейзаж Саврасова ночью необъяснимым образом упал со стены; работники выставки в шутку говорили, что это дело русалок, которым пришлось не по душе соседство с птицами. Однако после того как картину Крамского «Русалки» купил П.Третьяков, всем стало не до шуток: челядь утверждала, будто в тех комнатах, куда вешали холст, воздух становился прохладным и наполненным сыростью, а по ночам оттуда слышалось тихое пение. Сам хозяин говорил, что после длительного созерцания картины он чувствует упадок сил. Также ходили слухи, будто картина сводит с ума молоденьких барышень, да так, что одна из них утопилась в реке. Вся мистика прекратилась после того, как по совету старой няни полотно повесили в угол, подальше от света — чтобы он не тревожил утопленниц на холсте. Сегодня картина является частью экспозиции Третьяковской галереи в Москве. ИванКрамской МифологическаяCцена Реализм _history

​​Еще не феминизм, но... Нет, она не призывала к борьбе за права женщин, особо не рассуждала о роли женщин и мужчин, о равенстве. Она жила так, будто всё уже есть, и умудрилась стать равной среди лучших. Именно Сюзанна Валадон оказалась первой женщиной, принятой в общество независимых художников (1920 г.). А пробиться на художественном олимпе и прочно завоевать свое место в то время женщине было значительно сложнее, чем сегодня. И потому что положение женщин в обществе оставляло желать лучшего, и потому что творила она в годы, когда гениальные мужчины чуть ли не ежедневно создавали новые направления, шокировали, впечатляли, навсегда меняли облик мировой живописи. Ее совершенно не волновало, можно ли было в то время женщине писать обнаженную натуру (спойлер: нельзя), ню составляют существенную часть ее наследия. Не факт, что слово «объективация» было тогда в ходу, факт, что ее картины не упрекнешь в том, что женщины на них изображены ради услады мужских глаз. Даже нарисованные ею дети не вызывают умиления, а ее обнаженные женщины не эротичны, да и красивыми их назвать далеко не всегда можно. Отношение Валадон к моделям порой подвергалось критике. Так, поэт Жан Вертекс по поводу ее «обнаженки» писал: «Она ненавидит женщин и мстит за любой имеющийся у них шарм, проклиная их своей кистью». Сказано, пожалуй, слишком категорично, но за «сделать красиво» точно не стоило идти к Валадон. Она признавалась, что не умеет льстить, не рекомендовала обращаться к ее услугам женщинам, предупреждая, что не изобразит их обаятельными или приукрашенными, а потому наверняка разочарует. К себе она была не менее строга, самолюбования в ее автопортретах не отыскать. Сама Сюзанна, безусловно, была притягательна для мужчин. А была ли она счастлива? Про главного ее мужчину — в следующей части (полотно текста уже не вместилось в одно сообщение, простите). А итог своим любовным делам сама художница уже в весьма почтенном возрасте подвела так: «Мужчины любили меня, это правда. Но я хочу быть любимой мужчинами, которые никогда меня не видели, хочу чтобы они мечтали обо мне и воображали меня перед квадратом холста, на котором с помощью красок я оставила частицу своей души». Кажется, больше ее волновали мужчины, которые смотрят, смотрели и будут смотреть на ее картины, нежели вожделевшие и обожавшие саму ее. СюзаннаВаладон _history https://telegra.ph/file/de00f498cab910f759b91.jpg

Как сложилась дальнейшая судьба пейзажа «Мокрый луг»? Слухи о картине появились еще до того, как она была окончена. После того как в прошлом году наследник престола, будущий император Александр III, заказал для Аничкова дворца копию картины 20-летнего Васильева «Оттепель», его нових работ ждали – и ждали с нетерпением. На «Мокрый луг» заочно «положил глаз» двоюродный брат Александра III, великий князь Николай Константинович – личность незаурядная, он был первым среди Романовых, окончившим по собственной инициативе высшее учебное заведение (Академию Генерального штаба), много путешествовал и с увлечением собирал западноевропейскую живопись. Судьба у Николая Константиновича сложится необыкновенная: спустя всего пару лет, весной 1874-го, семья обвинит его в краже трёх бриллиантов с оклада иконы, семейной реликвии, ради подарка любовнице – американской танцовщице Фанни Лир; на суде великий князь солжет, поклявшись на Библии, что не виновен, хотя все улики были против него. Романовы публично объявят его сумасшедшим, лишат наследства и запретят упоминание его имени, а самого Николая Константиновича навсегда вышлют без права возвращения в Узбекистан. Впрочем, и там он не пропадёт: женится, доживет до Октябрьского переворота (умрёт только в 1918-м), станет основателем нескольких бизнесов, а его коллекция из пяти сотен предметов искусства обогатит Ташкентский музей изобразительных искусств. Но только картины «Мокрый луг», о которой в 1872-м году мечтал Николай Константинович, там не будет, потому что соперничать с великим князем за васильевский шедевр станет Павел Третьяков. Средств, выделяемых Федору Васильеву на прожитие в Крыму Обществом поощрения художников, решительно не хватало. За первый год он несколько раз обращается в письмах к Павлу Третьякову с просьбой прислать денег: «Положение моё самое тяжелое, самое безысходное. Я один в чужом городе, без денег и больной. Мне необходимо 700 рублей...» Третьяков высылает денег в счёт будущих картин, и еще раз, и еще... Он щедр, но щедр расчётливо: «Будьте здоровы, любезный друг, мужайтесь! Кто смолоду похворает, под старость крепче бывает!.. Ваш преданный П.Третьяков». Чувствуя себя облагодетельствованным и обязанным, художник обещает Третьякову, что только у него будет неотъемлемое право первым смотреть и выбирать васильевские картины. От таких предложений не отказываются. И Третьяков начинает мягко, но настойчиво ставить условия. Например, просит Федора Васильева перед тем, как отправлять «Мокрый луг» в Петербург на выставку, прислать картину ему в Москву – для предварительного знакомства. Мы не знаем, что двигало в тот момент Федором Васильевым, но это условие он нарушил. В конце февраля 1872-го года, вопреки просьбе Третьякова, он отсылает «Мокрый луг» в Петербург – Крамскому. Впрочем, выставочный конкурс он всё-таки проиграет, заняв лишь второе место: первое отдадут картине Шишкина «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии». Узнав о том, что «Мокрый луг» вот-вот уйдёт из его рук, настойчивый Третьяков специально едет в Петербург. Шишкинский «Сосновый бор» он уже без всяких препятствий купил до открытия конкурса, а вот за картину Васильева намерен побороться. Зная, что главный претендент на неё – великий князь, Третьяков назначает сразу значительную сумму – тысячу рублей – и «Мокрый луг» остаётся за ним. Сейчас это достояние Третьяковской галереи. «Первый взгляд не в пользу силы, – писал Федору Васильеву, получив «Мокрый луг», о своём противоречивом первом впечатлении от картины Крамской. – Она показалась мне чуть-чуть легка, и не то чтобы акварельна, а как будто перекончена. Но это был один момент... Во всём остальном она сразу до такой степени говорит ясно, что Вы думали и чувствовали, что и самый момент в природе не сказал бы ничего больше... Эта картина рассказала мне больше Вашего дневника». _history https://t.me/pic_history2/256

Вера Шевцова, которая в 18 лет вышла замуж за Илью Репина, была, по его же критериям, идеальной спутницей для художника: жила его интересами, увлекалась живописью, терпеливо позировала для портретов, занималась домашним хозяйством и воспитанием детей – именно с такой женщиной он мечтал оставаться до конца своих дней. Илья Ефимович каждый вечер собирал гостей – писателей, ученых, художников, а его жена, обремененная домашними хлопотами, не любила этих собраний, не умела вести светских бесед, избегала шума и суеты. Биограф Репина С. Пророкова пишет: «Никто точно не скажет, когда в доме поселился раздор, но виноваты в нём были одинаково оба. Репин был человеком горячим и вспыльчивым, увлекающимся всем: искусством, людьми, природой, книгами. Он никогда не был примерным супругом и своими частыми увлечениями доставлял немало горя жене». Популярность Репина росла с каждым годом, и он не отказывал себе во флирте и романах со своими поклонницами. Жена об этом знала, хотя и старалась молчать. Как вспоминала позже дочь художника, атмосфера в их доме бывала настолько накалена, что «за обедом иногда тарелки летали». Через 15 лет их брак распался. Все четверо детей после развода приняли сторону матери и долгое время конфликтовали с отцом.

Поговорим о продвижении? Быть художником — это хорошо и гордо, а быть прибыльным художником еще и приятно. Если вы считаете, что ваши работы недостойны продажи — напишите об этом в комментариях, обсудим с вами в другой день эту мысль. Сейчас же поговорим о том, как же все-таки продавать произведения и начать получать деньги за свою работу. Предупреждаем сразу: никаких «секретных» лайфхаков и способов «начать зарабатывать здесь и сейчас» мы не дадим. Только честный творческий путь! 1. Кто я Найдите место, где заявите о себе (в 2022 году рекомендуем развивать соцсети, но не распыляться на все сразу: 1-2 хватит), расскажите о своем пути: покажите, с чего начинали рисовать, публикуйте наброски и их истории, ваши мысли, мечты, страхи и сомнения. Общайтесь с аудиторией. Будьте собой — только громкими. Для удобства можете составить контент-план и ввести постоянные рубрики, чтобы ваши подписчики привыкли к определенному распорядку и ждали вас. 2. Кто моя аудитория Вы работаете в 3D и мечтаете рисовать персонажей для компьютерных игр? Разрисовываете тарелки и часы? Пишете портреты маслом? У всего есть своя аудитория, главное ее определить. Интереснее (и сложнее) всего делать это не через интересы аудитории, а через ее беспокойства: что ваши подписчики получат, подписавшись на вас? Найдут оригинальный подарок близкому? Получат новые знания? Будут успокаиваться во время рабочей суеты, рассматривая ваши работы? 3. Кто мои конкуренты Они есть всегда. И это хорошо — значит, для ваших работ точно есть своя аудитория! У конкурентов можно не только подчерпнуть информацию для вдохновения, но и найти разницу с вами. К слову, конкуренты — это не только другие художники. Косвенными конкурентами могут быть даже школы рисования и галереи (если вы не решите с ними подружиться). Говорите о себе, заявляйте громко и уверенно: никто не узнает, насколько вы хороши, если вас не будет слышно. Расскажите, что делаете для своего продвижения?

Море с розовым облаком 1867 Иван Айвазовский Феодосийская картинная галерея имени И. К. Айвазовского. Это одна из многих работ художника, посвящённых Черному морю и крымской природе и одна из его поздних работ, в которой он продолжал изображать морские пейзажи с лунным светом и романтическим настроением. Эта картина показывает красоту и величие моря. Над морем лежит розовое облако, которое создаёт контраст с темнеющим небом и придаёт картине мечтательный и лирический характер. Айвазовский хотел показать, как море может быть спокойным и нежным, не только диким и опасным. Он также хотел выразить свою любовь к родному Крыму и его природе. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

В 1894 году Густав Климт был чрезвычайно популярным художником в Вене. О славе, которая его окружала, многие его коллеги могли только мечтать. За его плечами была не только череда успешных полотен, обласканных критиками, но и благосклонно встреченное оформление здания «Бургтеатра» и венского Художественно-исторического музея. Он – шутка ли! – в возрасте 26 лет получил императорскую награду за заслуги в искусстве. И вот в 1894 году Климт получил очередной престижный и масштабный заказ: ему предстояло написать три полотна, которые должны были украсить потолок большого актового зала главного здания Венского университета. О том, что заказ будет выполнен не совсем так, как предполагали университетские власти, стоило задуматься уже тогда, когда Климт стал предводителем Венского сецессиона и начал писать скандальные картины, шокирующие публику своей откровенностью. Когда в 1901 году полотна «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция» были представлены на выставке сецессиона, на художника обрушился шквал критики. Картины называли «извращенными» и «порнографическими». «Медицина», которая должна была изображать торжество науки в победе над болезнями, подверглась особенно жестокой обструкции. Художнику пеняли на то, что на полотне вообще отсутствует какое бы то ни было упоминание о медицинской науке, и что оно изображает скорее победу смерти над жизнью. Жалобы на Климта написали 87 профессоров с разных факультетов Венского университета, после чего дело дошло даже до рассмотрения в Австрийском парламенте. В 1905 году уставший от многолетней эпопеи художник вернул полученный от Министерства образования аванс и вскоре продал «университетскую серию» частным коллекционерам. Полотна, к сожалению, постигла трагическая судьба. После вторжения Германии в Австрию нацисты присвоили себе множество предметов искусства, в их числе оказались и «университетские» картины Климта. В 1943 году они были перевезены на хранение в замок Иммендорф, но в 1945 году отступающие под натиском союзнической армии нацисты сожгли замок вместе с полотнами. От них остались лишь несколько предварительных набросков и фотографий. _history ГуставКлимт Модерн https://clck.ru/Ro4iq

ТИБЕТ. Хань Юйчэнь в Третьяковской галерее / Экскурсия по выставке https://www.youtube.com/watch?v=uzC8qOJYHWY 00:17 Выставка китайского художника Хань Чен • Видео начинается с приветствия от художника Хань Чен, который представляет свою выставку в Третьяковской галерее. • Выставка включает 25 живописных работ, 23 эскиза и работы с натуры, охватывающие временной промежуток в 50 лет. • Хань Чен рассказывает о своей жизни и о том, как он мечтал о Тибете с детства. 03:01 Влияние Тибета на творчество художника • Хань Чен много путешествовал по Тибету, изучал его культуру и быт, и это повлияло на его творчество. • Он создал множество произведений искусства, посвященных Тибету, его природе, быту и людям. 06:45 Впечатления от Тибета и его влияние на творчество • Хань Чен описывает свои впечатления от первого визита в Тибет, где он столкнулся с трудностями из-за непривычной атмосферы и культуры. • Он также отмечает, что его работы часто связаны с традициями и преемственностью поколений. 10:36 Религиозные обряды Тибета • Видео рассказывает о флажках, которые используются в религиозных обрядах Тибета. • Каждый флажок имеет текст с молитвой, и в определенные моменты флажки поднимаются высоко в горы. • Это символизирует доброту и добросердечие не только к себе, но и ко всему миру. 13:19 Паломничество и религиозные обряды • Художник обращается к теме паломничества и религиозных обрядов в своих работах. • Он показывает, как люди совершают паломничество к святым местам, и как это требует от них физических и духовных усилий. • Художник подчеркивает важность веры и преданности высшим силам. 16:00 Монахи и их жизнь • Художник уделяет большое внимание жизни монахов на Тибете. • Он описывает их путь паломничества на гору Кайлос, их преданность и упорство в служении высшим силам. • Художник подчеркивает, что несмотря на технический прогресс, люди на Тибете остаются такими же, как и много тысячелетий назад. | Культурные каналы https://www.youtube.com/watch?v=uzC8qOJYHWY

Ну раз понравилась тема, тогда смотрите на еще одно произведение из 18 века Точнее, даже из 17 Это портрет Петра 1, который был написан в 1698 году английским художникам в Утрехте (там встречались английский и русский монархи). В Англии, кстати, картина и по сей день хранится! На момент написания портрета Петру Алексеевичу было 26 лет. Это был высокий юноша, полный мечтаний о том, что его страна станет великой державой. Собственно, для этого он и поехал в Европу - учиться уму разуму, перенимать опыт. Но ладно, давайте посмотрим на портрет. Во-первых, интересна «танцующая» поза будущего императора (да-да, Россия тогда еще не была империей, станет таковой только через 23 года), во-вторых, рыцарские доспехи. Ими художник хотел показать, что царь успешен в военном деле. А где держава и корона, спросите вы? А они на заднем плане. Немного «обрезаны» рамой картины. Но самое главное - это флот на заднем плане. Он сразу бросается в глаза Интересно, что тогда у нас флот только начал строиться, царство еще не стало великой морской державой, да и побед у нас особых не было на море, разве что Азовские походы Петра … Получается, что живописец написал мечту художника на этом портрете, которая в скором времени сбудется ну или просто знал о царских планах… но первый вариант мне нравится больше! Надо сказать, что в нашей стране мастеров, которые могли бы создать картину такого уровня, в то время еще не было… но за 18 век наше искусство сильно изменится. И художники появятся P. S. У меня все больше и больше желания рассказать вам всю историю искусства, ну ладно, хотя бы до начала 20 века В качестве иллюстрации - Готфрид Кнеллер. Портрет Петра I. 1698 PROинтересныефакты PRO18век

Сказка из детства и роковые танцы Знаю, что вы любите истории любви. Поэтому неделю мы начнем с них PROисториилюбви Расскажу вам про роковую красавицу, хотя по фотографии так и не скажешь, да? Кто же она? Матильда Кшесинская. Прима-балерина Мариинского театра. Ее влияние на сцене было настолько сильным, что она даже получила прозвище «генералиссимус» русского балета. Была ли она талантлива? О да! Родившись в семье танцора Феликса Кшесинского, девочка с детства была окружена танцами и богемой. К этому приложились ее стальной характер и врожденный талант. Они и сделали ее абсолютной звездой ️ Ну ладно, не только они еще и влиятельные поклонники. Про них чуть позже … А пока расскажу про сказку из детства Матильды, которую близкие звали Малей, которая и определила ее судьбу Как-то раз в детстве Маля нашла в кабинете у отца перстень с сапфиром. Девочка примерила его на палец и стала любоваться переливами драгоценного камня на руке. Именно за этим занятием ее и застал отец, который рассказал Матильде, что перстень -это единственное, что осталось от их графского титула. Якобы бумаги на дворянство были утеряны, а вот украшение осталось. К чему эта история? А к тому, что Матильда с тех самых пор стала мечтать о том, чтобы стать дворянкой. Как минимум, графиней Отсюда и ее любовь в будущем к особам голубой крови, о которой буду рассказывать в следующих постах. P. S. Дорогие мои читатели, купившие курс по 10 векам русского искусства не забывайте добавляться в канал с лекциями! Если вам не пришел доступ, напишите в комментарии под этим постом, свяжусь с вами ️