Микеланджело Караваджо "Коронование терновым венцом" (1605)

Нападение на «Пьету» Микеланджело 21 мая 1972 года в базилике Святого Петра в Ватикане сразу после окончания праздничной литургии по случаю Дня святой Троицы австралийский геолог Ласло Тот набросился на работу Микеланджело «Пьета». С криком «Я — Иисус Христос, Христос восстал из мертвых!» Тот нанес статуе Девы Марии 15 ударов скальным молотком, отбив левую руку на уровне локтя, левое веко и оставив на ее носу щербинки, не считая множества других мелких повреждений. Базилика была полна народу, поэтому вандала быстро оттащили от статуи. Тот и на суде утверждал, что он Иисус, и поэтому был признан невменяемым.

Вот Корреджо, Эсташ Лесюэр, пара Рубенсов, легендарный рисунок Микеланджело и еще картина Баттиста Франко Венециано, стащившего этот рисунок и поместившего орла, слившегося в объятиях с Ганимедом, над полем битвы при Монтемурло. Просто потому что мог. Ну, или, будучи фанатом Микеланджело, поместив над войнами Ганимеда, художник намекает, что у Козимо Медичи, разбившего неприятельскую армию, есть прекрасный божественный заступник, который уже как-то уговаривал Зевса помочь троянцам в битве с ахейцами.

А вот вам внезапный Ганимед от Рембрандта. Описавшийся от ужаса большезадый младенец совсем не рад вниманию со стороны орла. Тут некоторые видели аллегорию младенческой смертности или ругали Рембрандта за незнание мифологии. Но, кажется мне, художник просто прикололся - рисунок Микеланджело, что был в подборке выше, как раз приобрел невероятную популярность и страстно копировался, а сюжет ворвался в ренессансную живопись и буйно там зацвел. Так что может быть вот этот Ганимед - пародия на Микеланджело лично и на всех его подражателей.

"Прометей" 1630 г. Хосе де Рибера Частная коллекция. Летом 2009 года Барбара Пьясецка-Джонсон (1937-2013), бывшая польская горничная, ставшая после удачного замужества наследницей гигантской фармацевтической империи Johnson & Johnson, выставила на торги лондонского отделения аукциона Sotheby's свою коллекцию мебели и предметов искусства эпохи барокко. Общая сумма продаж составила тогда 9,9 млн фунтов (около 16 млн. долларов), а самым дорогим лотом из всей торговавшейся коллекции стала картина «Прометей» Хосе де Риберы: она была продана за 3,8 млн фунтов. Высокая цена – всегда результат синергии многих факторов. Причём далеко не всегда можно сказать, какой из них имел решающее значение. Возможно, дело в том, что «Прометей» – одна из характернейших картин Риберы с его «фирменным» острым драматизмом и резкой светотенью. А быть может, к легендированию картины имеют непосредственное отношение слухи о нездоровом интересе Риберы к истязаниям и пыткам. Или же свою роль сыграла «караваджиевская» манера исполнения «Прометея», а Караваджо, как известно, всегда отлично продаётся. Рибера использовал в «Прометее» своё излюбленное композиционное решение – разместить тело в напряженнной и сложной позе строго по диагонали картины. В подобных, хотя и не тождественных, положениях предстают в 1620-х годах на картинах Риберы святые Варфоломей, Андрей, Себастьян. Композиция, «отработанная» на христианских святых, в 1630-м году или позже, когда написан «Прометей», оказалась едва ли не более подходящей для античного титана. Тем более, сюжет мифа о Прометее, самоотверженном защитнике человеческого рода от произвола богов, располагает к живописным упражнениям в передаче телесных мук и корчей. Точная передача анатомии прикованного Прометея, предельного напряжения всех мышц, рваной кровавой раны в боку и, главное, передача эмоционального накала огромной силы – вот «визитная карточка» Риберы. Все это делает картину драматически-волнующей и такой желанной для покупателей. Согласно некоторым данным, для этюдов и зарисовок Рибера регулярно посещал неапольские тюрьмы, где наблюдал за истязаемыми заключенными. Это позволяло ему натуралистично изображать человеческое тело, насильственно вывернутое, распластанное в неудобном и мучительном положении. Недаром Риберу иногда называют «художником истязаний». Рибера действительно заимствует у Караваджо живописные техники, известные как «кьяроскуро» и «тенебросо». Некоторые старые авторы настойчиво пытались найти доказательства их личных встреч. Но, ради исторической справедливости, следует уточнить, что Хосе де Рибера и Микеланджело Меризи да Караваджо познакомиться всё-таки не успели: Караваджо бежал из Неаполя в 1607-м, а Рибера, вероятнее всего, перебрался туда и остался там на всю жизнь несколькими годами позже, когда Караваджо уже не было в живых. Среди восьми покупателей, охотящихся за этим лотом на Sotheby's, были представители Прадо, но им так и не удалось пополнить коллекцию главного музея Испании. К огромному сожалению, личность нового владельца «Прометея», согласно аукционным правилам конфиденциальности, остаётся неизвестной. Рибера Барокко МифологическаяСцена _history

«Венера тряпичная» – Микеланджело Пистолетто.

«Отдых на пути в Египет» (1597) Микеланджело Меризи да Караваджо — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко. Одним из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени, а также «тенеброcсо» («тенеброзо»). О Караваджо: https://telegra.ph/Tvorchestvo-Karavadzho-i-masterov-bolonskoj-Akademii-02-26-2

"Пишущий Святой Иероним" 1605 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Галерея Боргезе, Рим.

Но вернемся к художникам пока. Недавно интернет облетела фотография статуи Микеланджело (я ее ниже прикреплю), с вот такой вот подписью: “В предплечьях есть одна очень маленькая мышца, которая сокращается только при поднятии мизинца. Моисей Микеланджело приподнимает мизинец, поэтому эта крошечная мышца сокращается. 10 вниманий к деталям из 10!” - ну и понимаете, что это самое внимание к деталям было бы невозможно без досконального изучения и глубинного понимания анатомии человека. Я тут как-то рассказывала про художников-назарейцев, которые отказались по идеологическим соображениям от такого изучения анатомии и, не смотря на все достоинства их живописи, тела на их картинах выглядят как сосиски. И такими же сосисками выглядят герои картин до повального интереса к анатомии. Выставка Хагенса - редчайшая возможность поглядеть как устроено человеческое тело для тех, кто не студент-медик. Мне, кстати, кажется довольно интересным то, что Хагенс не называет себя художником (хотя есть версия, что его не принял артмир из-за этических сложностей) - он просто показывает зрителю как велико и восхитительно творение совсем другого автора - Природы, ну или, если хотите - Бога. То есть, не смотря на все этические сложности и обсуждения этой выставки как чего-то мрачного и зловещего, мне кажется, что она не про смерть, а про жизнь. У меня дома есть несколько анатомических атласов, основная часть из них - это анатомия для художников, но, конечно, самые потрясающие - это атласы медицинские. Атлас Френка Неттера, который я умыкнула у своего брата-врача, является буквально моей настольной книгой, в нем миллион закладок и он всегда под рукой. А тут приехала возможность поглядеть на все это трехмерное, настоящее. Да, действительно жутковато осознавать, что там настоящие тела, хоть и залитые пластиком по особой технологии. Но, с другой стороны, у нас в Пушкинском музее лежит мумия, а в Кунсткамере вообще заспиртованные младенцы. А еще есть церковь из костей, катакомбные святые, анатомические препараты, скелеты в музеях и еще миллион всего - и это тоже настоящие тела, но просто к ним как-то уже привыкли, а тут свежее нарушение табу. Отсюда и беспокойство - за нарушением табу, если это воспринимать так, следует какая-нибудь кара, поэтому и предлагают выставку закрыть как бы чего не вышло неконтролируемого. Приветствую дискуссию и отзывы тех, кто там побывал, потому как вопрос мне кажется сложным, но интересным.

Микеланджело из интернета, которого обещала, и та самая мышца.

Сивилла 1525-50 Баккьякка Музей истории искусств, Вена Франческо Убертини, известен также как Баккьякка (род 1 марта 1494, Борго-Сан-Лоренцо. Умер 5 октября 1557, Флоренция) — итальянский художник эпохи Возрождения. Картины можно посмотреть в галерее Google Arts & Culture На картине изображена Сиви́лла — в античной культуре пророчицы и прорицательницы предрекавшие будущее. Наиболее известным изображением сивилл является цикл фресок работы Микеланджело в Сикстинской капелле. Интересные факты: — В англоязычном мире распространено женское имя Сибилла (Sybil), а слово «сивилла» пишется как sibyl. — В честь Сивиллы назван астероид (168) Сибилла, открытый в 1876 году. — Дж. Роулинг назвала одну из героинь серии романов о Гарри Поттере этим именем.

Сидящий обнаженный мужчина (автопортрет) 1910 Эгон Шиле Музей Леопольда, Вена Невозможно уйти от традиционной живописи дальше, чем Шиле с его автопортретами. Его работы и сегодня, спустя столетие, шокируют и потрясают. В 1910 году ему было всего лишь 20 лет, но к этому времени он выставлял работы уже в течение двух лет. В «Автопортрете в виде сидящего обнаженного» художник раздет, его тело - странное, нездорово бледное на белом фоне. Как будто он существует в пустоте, неспособный соединиться ни с чем вне себя. Удивительный симбиоз нового взгляда сквозь калейдоскоп Микеланджело и Родена — youtube.com/watch

Двое детей дразнят кота ок 1589 Аннибале Карраччи Метрополитен, Нью-Йорк Итальянский художник эпохи барокко. Карраччи это один из тех итальянских художников, которые "возрождали" великие традиции Рафаэля и Микеланджело. При всём этом, Карраччи был удивительно эклектичный. Он смешивал разные стили и художественные приёмы, что отмечается искусствоведами как отличительная черта художника того времени. В 1609 году Аннибале умер и был похоронен, согласно его желанию, недалеко от Рафаэля в Пантеоне в Риме.

"Хижина в горах" 1874 г. Гюстав Курбе ГМИИ имени А. С. Пушкина. «Иногда он писал пейзажи, которые не сумел бы создать никто другой, пейзажи, на которые мог бы ложиться снег», - сказал о Курбе британский арт-критик Джон Бёрджер. Сезанн называл Курбе каменотёсом и говорил, что «он так же велик, как Микеланджело». Сам же Курбе был лаконичен: «Я пишу, как Господь!» Конечно, этот француз известен не только своими картинами, но и образом жизни. Он был тщеславен и хвастлив. Его невозможно было представить без пива, трубки и облака дыма, из которого он громогласно, с деревенским задором (своим простонародным происхождением Курбе гордился больше, чем иные орденами) теоретизировал об искусстве реализма, требовал спуститься на землю и поискать красоту буквально под ногами. Хвастовство хвастовством, но Курбе и правда достоин сравнения с Микеланджело. Его пейзажи - даже когда на них нет гор, скал или валунов – напоминают скульптуры, кажутся не написанными, а вылепленными или высеченными из камня. Взгляните хоть на картину «Волна» из коллекции Пушкинского музея. Только, в отличие от Микеланджело, Курбе считал, что художник не должен «отсекать лишнее»: его задача - переносить на холст все как есть. Если перед глазами художника не роскошные бархатные драпировки, а выстиранное бельё – значит, быть на холсте ему. «Хижина в горах» считается одним из лучших альпийских пейзажей Курбе. Картина написана в Швейцарии. Дело в том, что энергии Гюстава Курбе хватало не только на арт-революции, он ещё и к Парижской коммуне примкнул. Когда ненадолго свергнутая власть вернулась, Курбе осудили за разрушение Вандомской колонны, бросили в тюрьму, выписали огромный штраф – в итоге ему пришлось бежать в Швейцарию, где он через несколько лет и умер. Ну, а что же Господь? Есть ли основания сравнивать Курбе и с Создателем, который творил мир сам, а не послушно и достоверно воспроизводил уже созданное? Пожалуй, есть. Курбе хоть и ратовал за работу на пленэре и бескомпромиссную честность в переносе природы на холст, сам иногда все же писал пейзажи в мастерской – когда по памяти, а когда и по воображению. Соблазнялся самыми эффектными природными явлениями (вроде морских бурь на фоне огненного заката). Или выкручивал яркость и контрастность в своих реалистичных пейзажах до открыточного уровня – публике был по душе такой колорит, а Курбе не собирался игнорировать её вкусы и спрос. ГюставКурбе Реализм _history

Падение восставших ангелов 1554 Франс Флорис Королевский музей изящных искусств в Антверпене Картина брабантского художника. Был первым живописцем в Южных Нидерландах, организовавшим свою студию по итальянскому образцу. По этой причине послужил примером для Рубенса. По мнению искусствоведов, эта картина, написанная по заказу гильдии фехтовальщиков Антверпена, является центральной в наследии Флориса и представляет собой ассимиляцию итальянского искусства эпохи Возрождения. В этой работе отчётливо просматривается влияние Рафаэля и Микеланджело, в частности фрески «Страшный суд» из Сикстинской капеллы. Тема картины связана с конфликтами между католиками и протестантами в XVI в. Флорис написал переплетение рук, ног, крыльев и хвостов. В верхней части картины — армия ангелов. Под предводительством Архангела Михаила они атакуют с небес семиглавого дракона и его демонов. Сюжет битвы восходит к апокалиптическому видению Иоанна и символизирует борьбу Христа со Злом.

3D-копия Давида готовится к транспортировке в Dubai Expo 2021 из Флоренции Статуя Микеланджело "Давид" получает 3D-отпечатанного близнеца. Италия заказала копию шедевра эпохи Возрождения. И она ее отправит представлять страну на выставке Dubai Expo 2021. Такая же высокая, 5,2 метра, но в 10 раз легче. Точная копия распечатана на 3D-принтере и покрыта мраморной пылью. Копию создала группа технических специалистов Hexagon Italia под кураторством Университета Флоренции, а завершили мастера-реставраторы. В отличие от предыдущих слепков, этот процесс проходил без риска повреждения. Давид был отсканирован, и его копия была создана из акриловой смолы. При весе 550 кг, включая основание, он в 10 раз легче оригинала. И в конце концов копия, которая должна прибыть в Дубай, была завершена мастерами и реставраторами, которые применили мраморную пыль для создания аутентичного финального эффекта.

Херувим, играющий на лютне 1521 Россо Фьорентино Галерея Уффици, Флоренция Итальянский живописец флорентийской школы. Ключевая фигура в развитии флорентийского маньеризма. Его мольбертные работы знамениты выдержанными композициями и ровной живописью яркими красками. Работал в Риме, где он изучал работы Микеланджело, Рафаэля и других художников Возрождения. После разграбления города войсками Карла V (1527) переехал во Францию, получил место при дворе Франциска I. Последний поручил ему росписи королевского поместья в Фонтенбло. Здесь художник обретает творческую независимость, порывая связь с прошлым.

​​️С 19 мая в галерее Lazy Mike откроется выставка Богдана Широкова «Topophilia». ️В 2022 году арт-ярмарка Frieze пройдет в Сеуле.   ️В Туле открылся фестиваль военного кино, посвященный 100-летию со дня рождения Юрия Озерова.   ️NFT картины Микеланджело «Мадонна Дони» из собрания галереи Уффици продан за €140 тыс.   ️Рисунок «Голова медведя» Леонардо да Винчи, который выставят на Christie's в июле, может побить рекорд на рисунки Леонардо. Рисунок выполнен около 1480 года и остается одним из восьми известных рисунков да Винчи, остающихся в частных руках. «Медведь» бывал и в России в Эрмитаже и Пушкинском музее. Фото: Леонардо да Винчи. «Голова медведя». Около 1480 г., Christie's https://telegra.ph/file/b74ca8e4a04d887c75870.jpg

"Мальчик с корзиной фруктов" 1593 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Галерея Боргезе, Рим.

Микеланджело Буонарроти. Мадонна у лестницы, 1490 После реставрации.

"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти, Флоренция. Собрание Галереи Палатина, занимающей верхний этаж во флорентийском Палаццо Питти, начиналась с коллекции живописи олигархического семейства Медичи. Неудивительно, что одно из самых почетных мест отведено в галерее их придворному художнику и автору знаменитых «Жизнеописаний» Джорджо Вазари. Хранящееся там же «Искушение святого Иеронима» - одна из самых известных его картин. Иероним принадлежит к числу наиболее почитаемых католических святых. Как правило, в искусстве Возрождения и барокко его изображают с двумя обязательными атрибутами – пером и свитком, поскольку Иероним был переводчиком Священного Писания и создал одобренный церковью перевод Библии на латынь – Вульгату. Но Вазари выбирает для изображения менее распространённый сюжет с Иеронимом – момент борьбы аскета и пустынника с плотским искушением. Пышнотелые кудрявые купидоны позволяют догадаться, что женщина, присутствующая на картине, – это Венера, богиня любви и одна из излюбленных героинь творчества Вазари. Вообще, Венера и Иероним – персонажи не то чтобы из разных исторических эпох (во времена поздней античности верования в языческих божеств хронологически уживались с верой в Христа и почитанием христианских святых). Точнее будет сказать, Венера и Иероним – не из разных эпох, а из принципиально разных дискурсов, христианского и языческого. Вазари это, однако, не останавливает. Ему, похоже, импонирует подобная эклектика, ведь она позволяет «впрячь в одну телегу» и сугубо религиозное содержание (диктуемое заказчиком), и чтимую Вазари греко-римскую античность с её культом телесности. Об «Искушении святого Иеронима» Вазари оставил в «Жизнеописаниях» подробный комментарий, избавляющий нас от лишних поисковых усилий. Он объясняет, что праведник изображён в тот редкий момент, когда его преследуют искушения плоти – именно их и олицетворяет Венера, наделённая рыжими кудрявыми волосами и пышными плечами – почти обязательными чертами возрожденческой идеальной красавицы. Избавляется от греха Иероним, погружаясь в созерцание тела Христа на кресте. Интересно, что Его Вазари изображает не в виде распятия, гипсового или деревянного, а как живое человеческое тело, только в уменьшенном масштабе. По замыслу, это должно засвидетельствовать не книжную, а живую веру книжника Иеронима. Вера эта сильна настолько, что даже обращает в позорное бегство Венеру. Та держит в объятиях амура, а за руку ведёт, как пояснил Вазари, «фигуру Резвости». Стрелы амуров ломаются и не достигают цели. Голубкам Венеры нечего делать в жизни святого Иеронима. По части «многих интересных изобретений» и расстановки персонажей Вазари был большой затейник. Удачен ли замысел «Искушения святого Иеронима»? Мягко говоря – неоднозначен. Сам Вазари питал к картине смешанные чувства. О ней и о выполненной одновременно копии одной из работ Микеланджело он писал: «Хотя в то время все эти картины мне очень нравились и были написаны мною на совесть, всё же я так и не знаю, насколько они нравятся мне сейчас, в настоящем моём возрасте. Однако, поскольку искусство само по себе вещь трудная, нельзя требовать от художника того, что он сделать не может». И с этим, пожалуй, не поспоришь. ДжорджоВазари РелигиознаяСцена _history

​​️Vans открывает собственное музыкальное пространство в Москве. ️Фестиваль «Архстояние» объявил программу. Международный фестиваль ландшафтных объектов в Калужской области пройдет с 23 по 25 июля ️В Нижнем Новгороде воссоздадут историческую сцену Александровского сада. Реконструкцию ведут в рамках благоустройства Александровского сада к 800-летию города ️Художник Оливье Гросстет символически воплотил задуманный Микеланджело проект моста над рекой Тибр в Риме Проект «Мост Фарнезе» призван символизировать нерушимую дружбу Италии и Франции Инсталляция Оливье Гросстета «Мост Фарнезе». Фото: REUTERS / Yara Nardi. Источник: reuters.com https://telegra.ph/file/865d9b5e032f86d1d339f.jpg

"Купальщики на отдыхе" 1877 г. Поль Сезанн Фонд Барнса, Филадельфия. У Сезанна есть картины, которые стали культовыми для нескольких поколений художников. Непризнанный, отвергаемый, намеренно игнорируемый критиками, Сезанн считался непостижимым гением среди своих: художников-импрессионистов, нескольких коллекционеров и нескольких писателей. «Купальщики на отдыхе» - одна из тех картин, которые именно для этой небольшой группы почитателей имели огромную ценность, обладали сверхъестественными свойствами. Она появилась впервые на Третьей выставке импрессионистов в 1877 году – Сезанн тогда представил для экспозиции щедрую подборку: 14 картин и 3 акварели. После того, как выставка закроется, работы Сезанна в Париже увидеть не удастся очень долго – целых 12 лет. А пока художник привычно собирает возмущенные отзывы журналистов, критиков и зрителей. На его защиту встают лишь несколько человек – именно в «Купальщиках» эти несколько защитников видят древнюю мощь, микеланджеловскую монументальность фигур, непостижимую гармонию объемов, цвета, свойственные старинной керамике. Восторженные коллеги Сезанна удивляются, как другие не видят внутренней силы работы, как позволяют придирками к анатомическим неточностям уничтожить самый смысл полотна. Почитатели в своем мнении единодушны, они видят одно и то же: молчаливую гармонию, преобразующее божественное присутствие, вместо несовершенств – осознанные совершенствования, которыми Сезанн исправляет видимое. Третья выставка импрессионистов закрылась – и Сезанн уходит со сцены, закрывается в мастерской, работает как одержимый, но прежде всего ищет тишины и покоя, чтобы отключить хор спорщиков и найти теоретическое обовнование своих взглядов, своего способа видения. И тут же у самого Сезанна и у его картины «Купальщики на отдыхе» появляется новый поклонник – неожиданный и спасительный. Жан Ренуар в книге об отце и его друзьях рассказывает историю о первом владельце «Купальщиков». Сезанн вышел из поезда на вокзале Сен-Лазар и нес картину подмышкой – ее увидел молодой человек, тут же высказавший восхищение насыщенными цветами, которые художник использовал для изображения трав и деревьев. Сезанн, не раздумывая, подарил картину молодому человеку. Скоро они снова встретятся – и будут близкими друзьями. Счастливым обладателем «Купальщиков» стал композитор, поэт и музыкант Эрнест Кабанер. Нищий, изможденный, эксцентричный – Кабанер был другом Рембо и Верлена, играл в кабаках на фортепиано и «Купальщиков» водрузил над своей кроватью. Сезанн ценил мысли и взгляды Кабанера, а несколько лет спустя взял на себя заботу о смертельно больном друге. Он уговорил коллег-художников пожертвовать по несколько картин, от себя добавил две – и на вырученные деньги обеспечил своему первому стихийному поклоннику небольшую пенсию. После смерти Кабанера «Купальщиков» купил Гюстав Кайботт. И вместе с другими картинами его знаменитой коллекции, которую Кайботт завещал государству после смерти, сезанновское полотно наконец предстало перед двумя важными судьями: директором Школы изящных искусств и директором Люксембургского дворца. Эти двое принимали от умершего Кайботта его несвоевременный и провокативный дар. Как бы ни раскачивали импрессионисты за прошедшие 20 лет упрямо следующую по проторенной дороге крепкую повозку академического искусства, она лишь немного сдвинулась с основного курса. Для «Купальщиков» Сезанна в стенах парижских музеев пока места не нашлось – коллекцию Кайботта приняли в дар не полностью и, конечно, без этой картины. В итоге ее продали за границу – сейчас картина в Америке. Но истории искусства и самому Сезанну не столь важно было местонахождение «Купальщиков»: художник повторит центральную фигуру в нескольких отдельных полотнах, Эдгар Дега купит одну из этих версий для своей коллекции, одной из первых покупок юного Пабло Пикассо будет раскрашенная акварелью авторская литография по мотивам «Купальщиков». Остановить это движение уже не представлялось возможным – Сезанн протоптал для современного искусства новую тропинку и пошел по ней пешком. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

"Святая Екатерина Александрийская" 1599 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. «Святая Екатерина Александрийская» – это вневременное изображение красоты в лучших традициях портретной живописи. Микеланджело Меризи да Караваджо не показал героиню в мистическом трансе, а повернул её к зрителю, установив между ними прямой зрительный контакт. Для картины, которую почти наверняка заказал в Риме кардинал Франческо Мария дель Монте, первый покровитель живописца, позировала молодая куртизанка Филлида Меландрони, входившая в круг общения Караваджо. Святая одета в богатые одежды по моде того времени – белую блузу с широкими рукавами, ниспадающими свободными складками, и с золотой отделкой на декольте, а также в лиловое платье, украшенное широкой тесьмой из золотой нити спереди и на бретелях. Она стоит на коленях на подушке из красного дамаста, наклонённое тело опирается на сломанное колесо, символ её мученичества, с оси которого свисает роскошная, плотная и тяжёлая синяя ткань. Женщина осторожно сжимает меч, кончик которого окрашен красным – возможно, это намёк на пролитую кровь или просто отражение подушки – а у её ног лежит пальмовая ветвь. Драматическое освещение сцены создаёт эффект кьяроскуро, характерный для Караваджо. Его подход к свету и объёму, ярко выраженный на этом полотне, оказал значительное влияние на художников как в Италии, так и по всей Европе. Ныне «Святая Екатерина Александрийская» – одна из самых знаковых работ в коллекции Национального музея Тиссена-Борнемисы в Мадриде. Полный провенанс позволяет проследить её историю практически с момента написания и до наших дней. Холст значится в описи имущества, составленной после смерти кардинала Франческо Марии дель Монте, а затем в посмертной инвентаризации собственности его наследника Угуччоне дель Монте в 1626 году. Двумя годами позже картина была продана, и её новым владельцем, судя по всему, стал кардинал Антонио Барберини. В документах его семьи «Святая Екатерина» фигурирует в 1644-м, 1671-м и 1817 годах. Позже она была выставлена на рынок, и в 1934 году куплена для коллекции Тиссена-Борнемисы в галерее в Люцерне. Картина была предметом многочисленных комментариев и дискуссий по поводу своей атрибуции, даты создания и того, как художник подошёл к раскрытию темы. В 1916 году Роберто Лонги, один из крупных специалистов по Караваджо, предположил, что автором полотна может быть Орацио Джентилески. Однако шесть лет спустя искусствовед Маттео Марангони заявил, что высокое качество работы свидетельствует о том, что это – рука Караваджо. На сегодняшний день это мнение принимается всеми экспертами по художнику без каких-либо оговорок. Холст был написан незадолго до крупного цикла, который Караваджо создал для капеллы Контарелли в Риме. Тогда он переходил к использованию более компактных форм на основе техники кьяроскуро (игры света и тени), которой подчёркивал выразительность своих композиций. Специалисты отмечают, что в этой работе источник света находится справа, что необычно для творчества Караваджо. Такой нюанс наводит на мысль, что картина разрабатывалась для определённого интерьера. В 2018 году Музей Тиссена-Борнемисы завершил реставрационные и технические исследования картины. Анализ красок показал, что в первом варианте платье героини было красным, но позже художник выбрал для него другой оттенок. Причина изменений неизвестна, можно лишь предположить, что кардинал Франческо Мария дель Монте пожелал, чтобы святая выглядела более сдержанно и пристойно. Караваджо РелигиознаяСцена Барокко _history

И еще немного более поздних изображений. После средневековья к этому сюжету намного реже обращались художники. Кстати, спешу добавить, что “кит” в Ветхом завете не совсем прям вот кит - это скорее слово для обозначения здоровенной рыбы, а была то акула, касатка или какая-то специально по случаю запущенная кастомная рыба - не понятно. Питер Ластман, Мастерская Лукаса Кранаха, Ян Брейгель старший, мрачный шторм от Альберта Пинкхэма Райдера, кит делающий кусь от Микеланджело, еще одна книжная миниатюра, смешная картинка от Джотто, русская житийная икона XVII века, в которой рассказывается вся история проповедования в Ниневии и низвергающий Иону кит от Тинторетто

Чёрное на коричневом 1958 Марк Ротко Галерея Тейт, Лондон Картина входит в одну из трёх серий картин, написанных Ротко по заказу ресторана «The Four Seasons», расположенного в здании Сигрем-билдинг на Парк-авеню, в Нью-Йорке. Первоначальная концепция работы Ротко становилась в процессе всё более мрачной. Позже художник отмечал: «после того, как я некоторое время работал, я понял, что на меня очень сильно повлияли стены Микеланджело в лестничной комнате Библиотеки Медичи во Флоренции. Он добился именно того чувства, которое мне было нужно…» Фрески в итоге не были установлены в ресторане, так как согласно распространённой версии Ротко не хотел, чтобы его картины были фоном для трапез привилегированных классов. В 1965 году художник предложил отдать их в дар лондонской Современной галереи Тейт, что и было сделано в 1969 году. В день их доставки, в 1970 году, когда ящики с работами были распакованы, из Нью-Йорка пришла телеграмма, которая сообщала, что Ротко найден мёртвым в своей студии.

Плащ совести. Плащ совести — скульптура, художницы Анны Хроми. Фигура в плаще впервые появилась на фоне картины, которую она написала в 1980 году. Фигура была пустой и показывала, что от старой женщины не осталось ничего, кроме лохмотьев плаща. Анна решила воплотить скульптуру в форме пустого плаща, который должен символизировать дорогу, по которой мы все идем в жизни, — дорогу, образ которой придает наша совесть. У мрамора, использованного для создания скульптуры, есть своя история. Его добывали из того же карьера, откуда поставляли мрамор для работ Микеланджело. Этот карьер — единственный в мире, где все еще можно получить достаточно большие куски. Тот, что требовался Хроми, весил 200 тонн, поэтому большая часть начальной работы проходила в карьере. Уменьшенные версии Плаща были установлены в разных местах по всей Европе: от Рима до Монако и Праги.

Тинторетто. Я́копо Робу́сти, более известный как Тинторе́тто — живописец венецианской школы позднего Ренессанса. Художник обозначил ключевые позиции, которые потом возьмут на вооружение мастера барокко и разовьют их в целую систему. Приближал одни фигуры очень сильно к нам, другие отдалял. Если эпоха возрождения все-таки тяготела максимальной ясности пространства, оно было с точки зрения математики выверено, а с точки зрения жизни не совсем. У Тинторетто пространство начинает утопать в неких черных провалах, безднах, проемах. Свет, полноценный игрок в программе картины, им он показывал, например, мистическое состояние. Использовал контрастное освещение, когда сильно высветлены одни части и полностью уходят в тень другие. Композиционный строй. Пользуется уже не горизонталью и вертикалью, как мастера эпохи возрождения, а диагональю. Тинторетто принимает прием у Микеланджело, когда с помощью тел ведет взор зрителя внутри своей картины. В картинах никаких ярких и чистых цветов. Действует масса персонажей.

"Семь деяний милосердия" 1607 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Церковь Пио-Монте-делла-Мизерикордия, Неаполь.

Голова фавна 1489 Микеланджело Буонарроти Утраченная мраморная скульптура Микеланджело. Cкульптуру мастер создал в Саду скульптур Медичи, как копию античной головы «старого морщинистого смеющегося фавна со вздёрнутым носом». Микеланджело немного переделал выражение лица фавна — рот изобразил полностью открытым, так что виден был и язык, и все зубы. Лоренцо Великолепный, увидел произведение и похвалил мастера, но сделал замечание, что у стариков не могут быть целыми все зубы. Микеланджело сломал Фавну один зуб и сделал в деснах ямку. Именно эта история помогла юному дарованию получить расположение со стороны Лоренцо Медичи. На момент создания этой статуи Микеланджело было уже 15 лет, а значит он уже был относительно взрослым, и эта история больше напоминает красивую легенду. Само существование скульптуры представляется сомнительным — никаких свидетельств о ней, кроме рассказа самого Микеланджело своим биографам (Кондиви и Вазари), не сохранились.

Купальщица 1911 Зинаида Серебрякова Русский музей В 1911 году Серебрякова создала «Купальщицу» — свою первую картину в жанре «ню». Серебрякова как художник обнаженной натуры занимает особое место в истории отечественного искусства. Не получившая систематического образования, дававшего навыки в изображении тела, она имела природный вкус к жанру «ню». На речке Муромке, в Нескучном, в прибрежных камышах, художница писала сестру Екатерину. Она уподоблена античной богине, «лесной нимфе», которая словно прячется от посторонних глаз. Опору в художественном решении картины Серебрякова ищет в классической живописи: в образах Пуссена, Микеланджело, Боттичелли… Серебрякова экспериментирует с ракурсом, беря его чуть снизу, отчего фигура кажется еще более монументальной и величественной.

"Обращение Святого Савла" 1601 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, Рим.

"Шулера" 1594 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Художественный музей Кимбелл, Форт-Уэрт. Великий Караваджо велик и в малом – в своей жанровой картине «Шулеры», двое мошенников обыгрывают простодушного, неопытного юношу в карточной игре, одной из разновидностей покера. Пожилой шулер стоит за спиной у поглощённого игрой юнца, подглядывает в его карты и подаёт условные знаки своему молодому сообщнику. Рука сообщника за спиной, он готовится вытащить из своих панталон заранее заготовленную карту по тайному знаку подельника. Перчатки старшего мошенника выглядят странно – на них срезаны кончики, для того, чтобы лучше чувствовать краплёные карты. Оба мошенника одеты в пёстрые костюмы с множеством мелких деталей и узоров, на поясах – короткие ножи, на головах – шляпы с яркими перьями. На лице у молодого шулера выражение простодушия и даже лёгкой глупости. Всё сделано, чтобы отвлечь внимание играющего с мошенниками мальчика от «закулисных» трюков. Многие художники эпохи Караваджо обращались в своих картинах к сюжету мошенничества и шулерства, изображали городское дно во всех его проявлениях и «наготе», всячески изобличали язвы общества. На полотне же великого итальянца – скорее гениально поданная беллетристика, спокойное повествование (не без эстетического любования) и, как всегда, реалистический эффект присутствия. Вспомним, наконец, о том, что великий художник и сам вёл «бурный» образ жизни, ввязывался в драки и скандалы и не раз дрался на дуэли. Выходит – хорошо знал то, о чём писал… МикеланджелоКараваджо Барокко _history

Элементы с Джеймсом Брэдбёрном. "Караваджо. Ужин в Эммаусе" https://youtu.be/FYSagUAukZA Директор Пинакотеки Брера в Милане Джеймс Брэдбёрн – предлагает новые тайны картины Караваджо "Ужин в Эммаусе", обнаруженные не так давно. А также о судьбе и творчестве знаменитого Микеланджело Меризи по прозвищу Караваджо. https://youtu.be/FYSagUAukZA

​​«Новую» работу Караваджо, прежде оценённую в 1500 евро, продают в Испании Региональное правительство Мадрида получит право первенства среди покупателей во время продажи картины, которую считают произведением художника-суперзвезды XVI века Микеланджело Меризи да Караваджо. Работа, известная как «Коронование терновым венцом», была снята с аукциона прошлой весной. Основанием стало заявление кураторов Национального музея Прадо о «достаточных стилистических и документальных свидетельствах», указывающих на её подлинность. Власти испанской столицы недавно присвоили картине охранный статус, объявив её объектом культурного интереса. Произведение должно было уйти с молотка на торгах Ansorena 8 апреля 2021 года с начальной ценой всего в 1500 евро. В онлайн-каталоге аукционного дома было указано, что небольшое полотно принадлежит кисти художника из круга испанского живописца XVII века Хосе де Риберы. Впоследствии испанское правительство наложило запрет на экспорт этой работы. «Коронование терновым венцом» принадлежит трём детям основателя мадридской школы дизайна IADE Антонио Переса де Кастро и художницы Мерседес Мендес Аттард. Учитывая то, что произведение взято под охрану, владельцы должны сообщить правительству о любой его продаже. Сейчас реставрацией, аутентификацией и последующим выходом картины на рынок заведует коммерческая галерея Colnaghi, базирующаяся в Лондоне и Нью-Йорке. Первоначально заключить частную сделку с семьёй Перес де Кастро Мендес пытался итальянский дилер Джанкарло Чиарони. Он предложил за работу свыше полумиллиона евро до запланированного аукциона. «Colnaghi сделают всё, что в их силах, но картину всё равно должно будет тщательно изучить правительство. Вероятность того, что её купит испанское государство, очень высока. Но сумма сделки будет не такой высокой, как на международном рынке. В таких случаях очень сложно установить ценность, поскольку это результат бесчисленного количества переменных», — заявил Чиарони. В своём недавнем заявлении правительство Мадрида поддержало версию о том, что «Коронование терновым венцом» принадлежит кисти основоположника караваджизма: «Информация, появившаяся за последние несколько месяцев, вкупе с исследованиями, которые провели эксперты, подтверждает теорию о том, что это — работа Караваджо». А в британской газете The Guardian произведение охарактеризовано как «пример совершенства и живописного мастерства итальянского натурализма», который оказал большое влияние на мадридскую школу живописи XVII века. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/582e1a2dc751390536b8e.jpg

Микеланджело Буонарроти. Микеланджело поставил подпись только на одном произведении — на "Пьете", своем первом скульптурном шедевре. Он был так хорош, что люди не верили в авторство молодого художника, поэтому он выгравировал свое имя на поясе Девы Марии.

"Сотворение Адама" 1511 г. Микеланджело Буонарроти Сикстинская капелла, Ватикан. Одно из самых известных и знаковых образов в истории искусства. Как часть потолочных фресок, заказанных Папой Юлием II (1444–1513) для Сикстинской капеллы в 1508 году, он отмечался, анализировался, пародировался и обсуждался, и больше, чем что-либо другое, сформировал образ публики. вообразил Бога, Адама, ангелов и библейское творение человечества. Эстетически он уравновешен и динамичен, а мускулистое, молодое тело Адама основано на более раннем греческом и римском классическом искусстве, а также на обширных знаниях Микеланджело о пропорциях и анатомии. Хотя на первый взгляд это кажется простым изображением Бога, дающего Адаму искру жизни, как описано в Книге Бытия, как и многие другие произведения искусства эпохи Возрождения, в нем содержатся секретные послания, которые историки искусства и широкая публика все еще пытаются разгадать столетия спустя. Фокус Творения Адама - почти соприкасающиеся пальцы первого человека и его создателя. Микеланджело мастерски нарисовал их как можно ближе к контакту, оставив нас гадать, является ли это моментом непосредственно перед тем, как Бог касается Адама, давая ему жизнь и представляя союз земного и божественного, или сразу после него, представляя их разделение. Адам показан в расслабленной позе, по-видимому, готовым принять дар Бога, а Бог - мощная, решительная, внушительная фигура, окруженная и поддерживаемая стайкой ангелов (и двумя часто обсуждаемыми фигурами) на фоне красного плаща. Среди херувимов, ставших свидетелями этого ключевого момента в христианской мифологии, есть женская фигура, которая кажется значимой для Создателя. Она ярче других, и Его рука обнимает ее. Это Ева, ожидающая рождения из ребра Адама? Дева Мария? Если так, то есть ли херувим слева от нее, с перстом Божьим на плече, Иисусом? Неужели он отвернулся, потому что однажды ему придется пострадать за грехи нового фаворита своего отца? И это угрюмый архангел Михаил, летящий внизу, словно поддерживая весь состав. Среди этого небесного окружения есть тот Люцифер, будущий падший ангел, лицо которого наполовину в тени, схватившее женщину за руку (может быть, это Ева? Или это и Ева, грешница, и Мария, святая, образ универсальной женщины?) и шепчет ей на ухо? А кто такой несчастный задумчивый ангел внизу слева? Как и любой уважающий себя художник эпохи Возрождения, Микеланджело оставил ученым и ценителям искусства множество ключей, секретов и загадок, над которыми они могли размышлять в течение сотен лет. Одно конкретное послание, которое Микеланджело добавил в свой шедевр, будет замечено только в 20 веке. В выпуске журнала Американской медицинской ассоциации от 10 октября 1990 года Фрэнк Линн Мешбергер, доктор медицины, гинеколог из Медицинского центра Св. Иоанна в Андерсоне, штат Индиана, отметил, что саван, окружающий Бога и ангелов, невероятно похож на человеческий мозг. В самом деле, как только вы это видите, это не может быть невидимым. Как было принято для художников того времени, Микеланджело препарировал трупы, чтобы больше узнать об анатомии человека и, конечно же, знать, как выглядит мозг внутри и снаружи. Что пытался передать мастер, поместив Создателя Вселенной в гигантский человеческий мозг? Возможно, настоящим даром, который, как он изображал, принимает Адам, был интеллект. Или, может быть, он пытался передать более бунтарское послание. Мог ли искренний католический художник тайно изобразить Бога как воображение в разуме Адама на потолке одного из самых святых мест католической церкви? Если так, это был бы величайший пример троллинга в истории человечества.

Еще одна загадка картины, на которую часто указывают, - это то, что у Адама пупок. Зачем первому человеку, рожденному без матери, понадобился пупок? Было ли это упущением со стороны гения или еще одним намеком на его истинные убеждения? Тень позади Адама удивительно похожа на женскую грудь, соски и все такое. Были ли у Микеланджело сомнения относительно божественного сотворения человечества? К сожалению, только сам художник мог ответить на эти вопросы, и он давно умер, оставив нам только строить догадки и догадки. Некоторые утверждали, что вместо мозга форма, окружающая Бога, - это матка, а пуповина - это Его рука, протянувшаяся и дающая жизнь Адаму. Ангелы, даже Иисус, не очень рады видеть Адама. Возможно, они завидуют человеку или имеют дальновидность, чтобы увидеть, какие проблемы создаст Его новое любимое творение. И сам Адам, похоже, не очень заинтересован в установлении связи со своим создателем. Его тело расслаблено и пассивно, и он прилагает минимальные усилия, чтобы протянуть руку к Богу, который, кажется, борется с сильным ветром, чтобы добраться до Адама, используя всю свою силу. Что означает это несоответствие? Что Бог хочет, чтобы мы пришли к нему? Все, что для этого требуется, - это малейшая попытка установить контакт с божественным? Первоначально потолок Сикстинской капеллы был окрашен в синий цвет с золотыми звездами, но в 1508 году папа Юлий II поручил Микеланджело перекрасить его. Великий художник опасался браться за такой большой проект и подозревал, что его ждут неудачи. После того, как он сначала отклонил приказ нарисовать только двенадцать апостолов, Папа смягчился и предоставил Микеланджело полную свободу действий, чтобы спроектировать потолок так, как он хотел. Всего мастер нарисовал 460 квадратных метров фресок и более 300 фигур, изображающих творение, Адама и Еву, а также Великий потоп. Он также нарисовал Страшный суд, основанный на Книге Откровений, покрывая всю стену за алтарем. Являясь единственным истинным соперником да Винчи за звание «архетипичного человека эпохи Возрождения», Микеланджело затмил всех своих соперников - внутри церкви и за ее пределами - этим поистине изменяющим мир шедевром, влияющим на популярную и религиозную культуру по сей день. Микеланджело РелигиознаяСцена Возрождение _history

Человек – творение Бога. Для всего искусства эпохи Ренессанса человек – это мощь, сила, воля. «Давид» Микеланджело Буонарроти. Скульптор выбирает момент, когда Давид принимает решение, что он сможет победить Голиафа.

Микеланджело "Сотворение Адама" 1511 г. Фреска "Сотворение Адама" является четвертой из девяти центральных композиций потолка Сикстинской капеллы, посвященных девяти сюжетам книги Бытия. Фреска иллюстрирует эпизод: "И сотворил Бог человека по образу Своему" (Быт.1:27).

Микела́нджело Буонарро́ти. Для Микеланджело ключевым этапом в работе над скульптурой был выбор мраморной глыбы. Он считал, что любая скульптура уже существует внутри камня: надо только найти этот камень и освободить сокрытое в нём творение, отсечь всё лишнее. В 15-м сонете он писал: "И у величайшего художника не может быть идеи, какую кусок мрамора не хранит в потенциале в массе своей, но лишь рука, послушная сознанию, способна добраться до этого образа".

"Давид с головой Голиафа" 1610 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Галерея Боргезе, Рим. Итальянский художник Караваджо неоднократно обращался к библейской истории о противостоянии молодого пастуха Давида и великана Голиафа. В период с 1599-го по 1610 год он создал три полотна, на которых изображен финальный момент этого поединка: победитель держит в руке отрубленную голову побежденного. Картина «Давид с головой Голиафа», описание которой мы вам предлагаем, была написана в 1610 году незадолго до смерти великого живописца. Согласно Библии, войско филистимлян выступило против израильтян, царем которых в то время был Саул. Три старших брата Давида отправились на защиту своего народа, оставив дома юного Давида и престарелых родителей. Спустя несколько дней отец отправил младшего сына в стан израильского войска, поручив ему передать братьям еду и узнать как обстоят дела. Придя к братьям, Давид увидел огромного филистимлянина, облаченного в доспехи — выйдя на поле брани, тот насмехался над израильтянами. Воины Саула не решались ответить великану, и тогда Давид обратился к царю с просьбой разрешить ему выступить против Голиафа. Пастушок убедил царя, что сумеет справиться с опытным воином, и, отказавшись от доспехов и оружия, вышел на поединок с одной только пращей. Первый же выпущенный из нее камень угодил Голиафу точно в лоб — великан рухнул замертво. Испуганные филистимляне стали убегать, и войско Саула одержало быструю победу. На полотне Караваджо изображен Давид, стоящий с головой Голиафа. Победив великана, он отсек голову врага, чтобы устрашить филистимлянских воинов. Фигура юноши словно выступает из непроглядной тьмы, освещенная яркими лучами солнца. Давид одет в просторную белую рубаху, один рукав которой юноша снял перед боем, чтобы ткань не мешала как следует размахнуться, и домотканые штаны на завязках. В его правой руке зажат меч с тонким острым лезвием, левая приподнимает отрубленную голову поверженного противника. Несмотря на победу, Давид, замерший с головой Голиафа в руке, не выглядит победителем: Караваджо изобразил на лице юноши печаль и сожаление. Это полотно разительно отличается от двух других картин, написанных мастером на этот же сюжет. На полотне, датированном 1599 годом, мы видим юношу, деловито склонившегося над великаном — его сосредоточенное лицо обращено к зрителю в профиль. «Давид с головой Голиафа», созданный Караваджо в 1607 году, композиционно похож на более позднюю картину, однако выражение лица пастушка можно назвать скорее задумчивым, нежели трагично-печальным. По одной из версий, на картине «Давид с головой Голиафа» в образе пастушка художник изобразил самого себя в юности, а голова Голиафа — автопортрет Караваджо. Как известно, Микеланджело, слывший с юных лет забиякой, всю свою жизнь скитался из-за того, что не раз преступал закон. В этом случае картина интерпретируется так: Давид с головой Голиафа — это психологический конфликт между испытывающим вину и нуждающемся в наказании Я (образ Голиафа) и карающим Сверх-Я (образ Давида). Микеланджело РелигиознаяСцена Барокко _history

"Воин" 1982 г. Сальвадор Дали «Воин» (или «Голова воина») стал одним из последних произведений Сальвадора Дали. Написан он по скульптурному портрету Лоренцо Ди Медичи, который выполнил Микеланджело. Лицо крупным планом занимает практически всё пространство полотна. Голова в каске, рот прикрыт согнутыми пальцами, из глазниц на зрителя смотрит это же лицо, уменьшенное и отражённое дважды (художник потратил много времени, воспроизводя его). Надбровные дуги подпираются копьями, а одну из ноздрей поддерживает костыль. У воина бессмысленный взгляд сумасшедшего. Левая часть полотна представляет собой нагромождение мелких деталей. Из шлема растёт дерево, чья крона теряется в плотном клубящемся облаке. С основания побега свисают мягкие часы. Рядом с головой изображена группа кипарисов, а отдельно стоящее дерево на фоне напоминает свечу. Всё это – и деревья, и часы – символы течения времени. Персонаж картины не ощущает его. Ни каска, ни копья, ни костыль не имеют значения. Воин остаётся жнецом смерти независимо от возраста. Возможно, это солдат, обезумевший от бесконечной череды убийств, смертей и ужасов, которые он видел в бойне, называемой войной. Римский легионер или викинг, крестоносец, кирасир, гусар, рядовой пехотинец или военачальник, слепо стремящийся к победе любой ценой – его лицо это собирательный образ. Кажется, что персонаж картины просто перешагнул тонкую грань, разделяющую безумие и здравый смысл. Ведь, несмотря на то, что в зрачках мы видим отражение человека, они всё же напоминают глубокие тёмные колодцы человеческого сознания, где скрыты жестокость, жажда величия и ненависть. И не превратятся ли эти глаза в бойницы неприступной крепости, откуда нацелены безжалостные руки, готовые в любой момент поразить врага из лука или арбалета, вылить на него кипящую смолу? Время идёт своим чередом, а люди по-прежнему уничтожают друг друга. Время смерти – субъективное время, которое отсчитывают «мягкие» часы Дали – может наступить в любой момент. Воин носит его с собой. СальвадорДали Портрет Сюрреализм _history

​​️Всемирная неделя космоса пройдет в Музее космонавтики в Москве с 4 по 10 октября. Рассмотреть в деталях первый, а также все остальные искусственные спутники Земли можно в экспозиции музея. Доступен аудиогид или экскурсия с научным коммуникатором. ️В Праге обнаружена рондела старше Стоунхенджа и египетских пирамид. Ее возраст может составлять более семи тысяч лет. ️В России планируют направить на нацпроект «Культура» 54 млрд руб в 2023, 47 млрд руб — в 2024 году. ️В Москве в этом году согласовали почти 70 новых граффити. На фасадах должны размещаться изображения соответствующие тематике: портреты выдающихся личностей, композиции, посвященные историческим событиям, достижениям науки, спорта и искусства. ️Музеи обожглись на NFT — в Италии приостановили производство криптокопий шедевров. Крупнейшие мировые музеи начали экспериментировать с превращением своих шедевров в NFT c последующей их продажей больше года назад. Самой громкой сделкой стала продажа за €140 тыс. галереей Уффици в мае 2021 года криптокопии знаменитого тондо «Мадонна Дони» Микеланджело. https://telegra.ph/file/c41faf5bcbcb3d1bc0acb.jpg