Назад

Мне снились сны... Художница Трейси Гримвуд (Tracie Grimwood) живёт и работает...

Описание:
Мне снились сны... Художница Трейси Гримвуд (Tracie Grimwood) живёт и работает в австралийском Мельбурне. Её работы — очень простые, но очень добрые и волшебные, как детские сны. Мир прекрасных лошадей, забавных зверюшек и птиц, нежной дружбы и веры в чудеса.

Похожие статьи

"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента...
"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Летом 1888 года Винсент Ван Гог живет на юге Франции, в Арле, где пишет самые знаменитые свои картины. В июне художник решил отправиться к морю – в маленькую рыбацкую деревушку Сент-Мари-де-ла-Мер. Винсент надеялся, что морской воздух поправит его слабое здоровье, которое с каждым годом лишь ухудшалось из-за недоедания и алкогольных возлияний. В недельную поездку Ван Гог взял с собой три холста и несколько листов бумаги. Картина «Море в Сент-Мари» стала одним из двух морских пейзажей, написанных художником во время этого «отпуска». На третьем холсте Винсент изобразил белые деревенские домики. В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет. Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле. Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым». ВанГог Постимпрессионизм Марина _history
5310 

19.02.2021 20:36

"Парижское кафе" 1875 г. Илья Ефимович Репин Частная коллекция. Как мог Репин...
"Парижское кафе" 1875 г. Илья Ефимович Репин Частная коллекция. Как мог Репин написать какое-то там парижское кафе, когда на него после «Бурлаков» возлагали надежды как на певца народных чаяний и обличителя угнетателей?! Прогрессивная российская общественность негодовала. Крамской возмущался: «Я думал, что у вас сидит совершенно окрепшее убеждение относительно главных положений искусства, его средств и специально народная струна». Корней Чуковский в своих великолепно написанных воспоминаниях о Репине, изданных, однако, следует учитывать, в Советском Союзе, утверждал, что «Репин везде видел бурлаков». Не совсем верное замечание, прямо скажем. Видел Репин и французскую вольницу. Он стал пенсионером Императорской Академии художеств, получив за дипломную картину «Воскрешение дочери Иаира» Большую золотую медаль Академии и право на 6-летнюю стажировку в Италии и Франции. С восторгом говорил Репин о том, что французская живопись отбросила академические и публицистические рамки. «Царит наконец настоящее французское, увлекает оно весь свет блеском, вкусом, легкостью, грацией…», – в стороне от этого «настоящего французского» не остался и Репин. Картина оказалась скандальной не только для русских. Французская публика тоже была сконфужена. Обратимся к сюжету: празднично-легкомысленная атмосфера вечернего шумного кафе, блеск и обаяние парижских развлечений, волнующая атмосфера светской жизни. Кажется, празднично-расслабленный гул достигает наших ушей. Кто-то читает, кто-то разговаривает, официант разносит напитки. В центре внимания – женщина на переднем плане, с зонтом в руках. В чем же загвоздка? А в том, что дама пришла в кафе одна! Интересно, что на одном из предварительных эскизов она была изображена стоящей, явно кого-то ожидающей. Конечно, это совсем иное настроение, в окончательном варианте Репин от него отказался. Героиня его картины отнюдь не стоит, скромно опершись о стул и ожидая, пока явится ее сопровождение. Неотразимая в своей самоуверенности, горделивая, с вызовом как во взгляде, так и во всей позе, красавица с соболиными бровями представляет собой центр картины, всё крутится вокруг нее. Что означает ее двусмысленное положение? Почему она одна? Эмансипе? Кокотка в поисках клиента? С каким негодованием на нее взирает пышно одетая дама справа! А вот усатый мужчина подле нее с большим интересом смотрит в ту же сторону. А два франта вообще поспешно покидают заведение, оскорбленные до глубины души таким развратом – женщина (!) одна (!) явилась в кафе! Один из них отвернулся и, похоже, зевает – ему такое видеть не впервой, второй же, «как денди лондонский одет», не может отвести глаз от бесстыдства эдакого и пятится чуть ли не спиной вперед. Как тут не вспомнить явление народу дерзкой «Олимпии» Мане двенадцатью годами раньше? Тот же бесстыдный взгляд и эротизм, который не в изгибах женских прелестей, а в непередаваемой дерзости и свободе изображенной. Если Олимпию называли лежащей Венерой современности, то женщину Репина иные критики окрестили урбанистической Венерой. Позировала для нее актриса Анна Жидюк. Картину Репин выставил на Парижского Салоне весной 1875 года. Вероятно, под влиянием общественного мнения, дружно скандировавшего «Скандал, скандал!» (хоть русские и французы видели разные поводы для своего негодования), Репин уже готовую картину «подправил», сделав ее скромнее. Дерзкий взгляд девушки он погасил, заставив ее опустить глаза – и она уже казалось жертвой, а не нарушительницей заведенных приличий. ИльяРепин Реализм _history
5344 

21.02.2021 20:37

Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по...
Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по крайней мере, немногие рукописи бесконечной басни из почти двух сотен куплетов пришли именно оттуда), а потом уже идея этой волшебной страны добралась до Италии, Испании, Германии и Нидерландов. Не знаю точно, не из этой ли страны в наши края текла та самая молочная река с кисельными берегами. Забавно вот что - во французском варианте волшебную страну населяют благороднейшие и приятнейшие люди, в то время как в немецкой волшебной стране все сплошь жулики, тупицы и ротозеи, а хороших, то есть, трудолюбивых людей оттуда выгоняют. Протестантская мораль, знаете ли - ничего хорошего не может быть в месте, где все лентяи. Немецкий вариант Кокани, кстати, называется Шлараффенландом, а в переводе песни на русский язык Львом Гинсбуром она становится Шлараффией. Оттуда и кусочки стихов, а целиком вот тут эта песенка: https://facetia.ru/node/4756 Тут, конечно, поражает то, сколько внимания уделено еде. А это важно, потому что средневековому жителю голод грозил совершенно неиллюзорно и буквально постоянно. Не голод человека первого мира, когда захотелось пончик и не голод студенческий, когда выпил кипятка на ночь, а утром стрельнул макарон у соседа по общаге, а голод до смерти. Случилась засуха или пожар и конец тебе и всему твоему поселению. И на помощь никто не явится. Древние греки и римляне тоже про голод слыхали, но они умели накапливать ресурсы и у них была невероятная система дорог и передачи новостей. Средневековая Европа же эти блага немного прощелкала. То же самое касается и одежды, ведь одежда в средневековье выполняла, помимо прямого назначения - защиты и утепления, еще одну важнейшую функцию - по одежде можно было мгновенно понять кто перед тобой, крестьянин, купец, монах, рыцарь. А тут у всех такая одежда, какую пожелаешь! Так что, вот так выглядят средневековые мечты о бесклассовом обществе, обществе всеобщего благоденствия, где сама природа у человека на посылках, а труд полностью упразднен. Адам и Ева в раю не работали, а вот когда их выгнали, то труд стал их наказанием. Собственно, все это рассказываю, в основном стащив из небольшой статьи из сборника “Герои и Чудеса средних веков” историка-медиевиста Жака Ле Гоффа как предисловие к картине Питера Брейгеля Старшего “Страна Лентяев”. …Все это нынешней зимой Мне рассказал один немой, А подтвердил публично Слепой, который этот край Недавно видел лично.
5239 

16.02.2021 12:57

​​– Эмиль Швицер, страдавший шизофренией, был пациентом психиатрической клиники...
​​– Эмиль Швицер, страдавший шизофренией, был пациентом психиатрической клиники...
​​– Эмиль Швицер, страдавший шизофренией, был пациентом психиатрической клиники в Цюрихе, где работал доктор Юнг, – подхватила Сара. – В галлюцинациях он видел солнце с огромным фаллосом, покачивание которого создавало ветер. Поначалу Юнг никак не мог понять сущность этого невроза, столь конкретного и своеобразного, – ничего подобного он не встречал ни в своей врачебной практике, ни в обширной на тот момент литературе по психиатрии и психоанализу. Но затем ему в руки попался безвестный перевод древних текстов, посвященных Митре – индоиранскому божеству, чей культ возник за две тысячи лет до нашей эры и угас к третьему веку. В текстах говорилось, что земной ветер исходит из трубы на солнце. Не было сомнений, что Эмиль Швицер ничего не знал о Митре и связанных с ним мифах, однако один из этих мифов нашел образное воплощение в его шизофреническом бреде. https://telegra.ph/file/2623f59d8ead4506f098a.jpg
5208 

25.08.2020 12:03

​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ...
​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ...
​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ 300К В МЕСЯЦ Художник - проводник прекрасного в этот мир! И если Вы увлечены этим искусством, вы априори достойны успешной профессиональной деятельности! Я Арон Оноре, и мой путь к успеху в мире искусства не был простым и быстрым, я не сразу пришел к тому, что вообще могу зарабатывать на этом. И сейчас встречаю большое количество художников с таким же мнением! Можно сказать, что жизнь сама привела меня к профессии художника. И, спустя годы, меня стали часто просить научить рисовать гиперреализм. Так и появилась Школа гиперреализма и росписи стен Арона Оноре. За годы творческой деятельности я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнаете, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке: http://aron-onore-school.ru/ https://telegra.ph/file/838ef97d59679502e5560.jpg
5249 

20.02.2021 13:11

Париж, Национальный музей современного..." />
"Афиши в Трувиле" Рауль Дюфи, 1906 > Париж, Национальный музей современного...
"Афиши в Трувиле" Рауль Дюфи, 1906 > Париж, Национальный музей современного искусства В 1906 году, после прошедшей в Париже знаменитой выставки фовистов, Дюфи (в компании с Альбером Марке) отправился в Трувиль. Молодой художник был поражен открывшимися ему возможностями живописи. Картины, написанные им в Трувиле, несут на себе несомненный отпечаток его впечатления от работ фовистов. Дюфи, правда, никогда не был строгим последователем фовизма, но «Афиши в Трувиле» – безусловно, лучшее, что создано им в этой манере. Впрочем, и здесь он отступает от канонов фовизма – цвета хоть и ярки, но не агрессивны, контуры фигур и предметов обозначены очень четко. Кроме того, рисунок и перспективу Дюфи можно назвать почти безупречными, а фовисты относились к этим элементам довольно небрежно. Восхищение Дюфи уличными афишами в чем-то предвещает американский поп-арт 1960-х годов. Используя визуальную мощь цвета, Дюфи сумел превратить вульгарные афиши в настоящее произведение искусства.
5256 

23.12.2020 10:46

Ярославль, Художественный музей На полотне «Иней..." />
"Иней" Игорь Грабарь,1905 > Ярославль, Художественный музей На полотне «Иней...
"Иней" Игорь Грабарь,1905 > Ярославль, Художественный музей На полотне «Иней» представлена настоящая волшебная сказка зимнего леса, увиденная солнечным морозным утром. На фоне голубого неба застыли белесые деревья, свесив свои тонкие серебристые, замороженные ветви. Живописец увидел и удивительно тонко передал на холсте нежно-звучный хрустальный образ. Сам он о любимом зимнем явлении говорил следующее: «Немного на свете таких потрясающих по красочной полифоничности моментов, как солнечный день инея, где цветовая гамма, ежеминутно меняясь, окрашивается в самые фантастические оттенки, для которых на палитре не хватает красок». Колорит полотна строится на сочетании белого оттенков голубого, яркими акцентами выступают насыщенные темно-серые тона. Манера написания картины малыми, как бы вибрирующими мазочками отчасти напоминает приемы пунктуализма. В целом «Иней» прекрасно передает невероятное ощущение нежности и воздушности этого скованного холодом состояния природы.
5247 

03.02.2021 00:40

Санкт-Петербург, Русский..." />
"Закат зимой. Берег моря" Архип Куинджи, 1890 > Санкт-Петербург, Русский...
"Закат зимой. Берег моря" Архип Куинджи, 1890 > Санкт-Петербург, Русский музей Величие и красота природы Крыма неизменно восхищали Куинджи. Особое пристрастие художник питал к тем явлениям, изображая которые он мог бы передать на холсте эффекты природного освещения. Ряд произведений в творчестве живописца посвящен закатному солнцу и пылающему от его лучей небу. Здесь Куинджи изображает расплывающийся в туманном воздухе желтый солнечный шар, опускающийся в море, яркие лучи и насыщенные пурпурными красками небеса, раскинувшиеся над зимним морским берегом. Для неба, морского побережья и самого зимнего моря, освещенного закатными солнечными лучами, художник использует форсированную цветовую гамму, в которой сочетаются оранжево-красные, фиолетовые и темно-зеленые тона. Сочетания красок, построенные на цветовом контрасте, можно было бы посчитать нереальными, если не знать, насколько трепетно мастер относился к природным тонам и сколько он прилагал усилий, чтобы как можно точнее перенести их на холст или бумагу.
5311 

06.02.2021 00:31

Где-то я однажды вычитала красивую фразу про Сандро Боттичелли - мол, у него не...
Где-то я однажды вычитала красивую фразу про Сандро Боттичелли - мол, у него не могло быть последователей, только подражатели. Ну вот Франческо Боттичини был художником, родившимся тоже во Флоренции всего на год позже Боттичелли. Отец его делал рисунки для игральных карт и, вероятно, был его первым учителем, а дальше Боттичини попал в мастерскую Нери ди Бичи, сбежал оттуда через год, устав раскрашивать ящики, и дальше уже учился вместе с Сандро Боттичелли в мастерской Андреа Верроккьо. В этой мастерской Боттичини настолько лихо перенял стиль учителя, что ранние его работы Верроккьо и приписывались, а потом он дополнил свою манеру боттичелиевскими нежностями, поэтому более поздние картины уже приписывали Сандро и его мастерской. И правда, сейчас увидите, что похоже. Хотя его красавицы совсем немного другие, а палитра чуть-чуть, да потемнее. Боттичини в свое время был художником уважаемым и довольно популярным. О его жизни известно довольно мало и он даже был проигнорирован Джорджио Вазари и не вошел в его знаменитый гигантский сборник “Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев” то из-за своей вторичности, то ли из-за того, что работал он, в основном, в маленьких провинциальных городах, приезжая туда чтоб выполнить роспись стен, потолка или написать алтарные образы.
5265 

23.02.2021 17:56

"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей...
"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей Тараса Шевченко, Киев. «Крестьянская семья» Тараса Шевченко лишь на очень поверхностный взгляд может показаться незамысловатой этнографической зарисовкой. Но пусть вас не отвлекают от сути национальная одежда и украинская хата-мазанка под соломенной или камышовой крышей. На самом деле перед нами – украинская версия Holy Family, «святого семейства», один из архетипических сюжетов европейской живописи. К моменту работы над картиной Шевченко чуть менее тридцати. Всего 5 лет минуло с того момента, как он стал свободен от крепостной зависимости и смог посещать классы знаменитого Карла Брюллова в Императорской Академии художеств. Всё это время его излюбленными техниками оставались карандаш и акварель. В них он чувствует себя свободно: его карандаш остёр и точен, его акварели на редкость гармоничны по колориту. Но к масляной живописи Шевченко на первых порах боится подступиться. Масло и холст, в качестве рабочих инструментов, будто сковывают его, связывают академическими путами, лишают свободы выражения – а ведь никто не ценит свободу (в любых проявлениях и сферах) как тот, кто был её когда-то лишён. Перед началом работы над «Крестьянской семьёй» Шевченко делает массу карандашных зарисовок из украинского быта. Он много путешествует по Украине, а его дорожные альбомы переполнены эскизами. Начав, наконец, работу маслом, он отказывается от эмалевой «гладкописи» своего учителя Брюллова. Мазки Шевченко ложатся точечно, нервно. Объекты и фигуры картины лишены четких контуров. Но именно это и создаёт ощущение трепетного движения жизни. Предполагают даже, что если бы не арест и ссылка, и Шевченко смог бы, как планировал, поехать для продолжения работы в Европу, он вряд ли продолжил бы там академические традиции и, весьма вероятно, вошёл бы в круг родоначальников импрессионизма. Мы уже упоминали, что Шевченко делал не сотни - тысячи зарисовок народного быта. Почему из всего потока зрительных впечатлений он выбирает именно этот простой и незамысловатый сюжет? Ребёнок стоит в окружении своих матери и отца. Движения их рук и линии их тел образуют плавный овал – некую область безопасности, защищённости для младенца, который только-только начал ходить. Шевченко обрисовывает не конкретную бытовую ситуацию из жизни семьи – он передаёт нечто более глубокое: ощущение духовного единства, семейной общности, семьи как «малой церкви». Кто хоть немного знаком с биографией Шевченко, тот, несомненно, сможет прочесть в «Крестьянской семье» одно из самых глeбоких и интимных переживаний художника. Дело в том, что именно семьи в том самом идеальном представлении, которое он рисовал себе, Шевченко как раз не имел ни в детстве, ни во взрослой жизни. Нынешние психоаналитики уверены, что в детстве Тарас был лишён родительского внимания и любви: детские травмы отверженности будут сопровождать его на протяжении всей взрослой жизни. Семья в немного идеализированном, даже можно сказать идиллическом понимании (как вершина человеческих отношений, защита от холода внешней жизни) надолго станет его «идеей фикс». Но, в силу разных обстоятельств, способных составить захватывающий сюжет не одного романа, создать собственную семью Шевченко так и не удастся. Если уж продолжить психоаналитические аналогии, шевченковская «Крестьянская семья» - это чистой воды сублимация: воплощение в творчестве того, чего очень жаждешь, но никак не можешь получить в реальности. ТарасШевченко _history
5250 

24.02.2021 20:55

Вы бы хотели получать ЗАРПЛАТУ ОДНОВРЕМЕННО и в Apple, и в Coca-cola, а ещё и в...
Вы бы хотели получать ЗАРПЛАТУ ОДНОВРЕМЕННО и в Apple, и в Coca-cola, а ещё и в...
Вы бы хотели получать ЗАРПЛАТУ ОДНОВРЕМЕННО и в Apple, и в Coca-cola, а ещё и в Газпроме со Сбербанком заодно!? - " Что это? Бред сумасшедшего? Или заголовок статьи в бульварной газетёнке?... И даже если что-то подобное и возможно, то доступно лишь каким-то олигархам!"- скорее всего подумает любой из Вас: и простой клерк, и видавший виды бизнесмен. - " ЭТО ВСЁ не бред, и не сказки, - поверьте моему экспертному мнению! - и более чем ВОЗМОЖНО, причем практически с любым уровнем Вашего дохода! " Для этого ПРОСТО НЕОБХОДИМО: 1⃣ • научиться терпению и дисциплине! • начать грамотно распоряжаться своими финансами! • заставить собственные деньги работать на себя! 2⃣ • прийти в мой авторский блог, в котором простым языком и максимально честно и без прикрас, я раскрываю все светлые и тёмные стороны мира финансов и инвестиций ДОБЬЕМСЯ УСПЕХА ВМЕСТЕ! Ваш ЛИЧНЫЙ финансовый советник, Никита Костанда
5250 

24.02.2021 21:11

Три балетных хита, которые узнаешь с первого звука

1. «Танец с саблями» из...
Три балетных хита, которые узнаешь с первого звука 1. «Танец с саблями» из...
Три балетных хита, которые узнаешь с первого звука 1. «Танец с саблями» из балета Хачатуряна «Гаяне» Этот балет написан во время войны по всем канонам соцреализма. За него Хачатурян получил Сталинскую премию I степени. Тут и трудовые подвиги армянских колхозников (красавица Гаяне - бригадир колхозного звена), и враги народа, и диверсант с парашютом, и финальная победа добра над злом с плясками и вручением переходящего красного знамени. 2. «Танец рыцарей» из балета Прокофьева «Ромео и Джульетта» Музыка этого Танца так впечатляет своей жёсткой силой, что любое хореографическое воплощение кажется бледным. Этот фрагмент звучит в начале балета и не оставляет сомнений в том, что развязка будет кровавой. 3. «Болеро» Равеля «Болеро» - это женский сольный танец размером в целый балет. Сейчас эта музыка известна больше в симфоническом варианте, но написал её Равель именно для балетного перформанса Иды Рубинштейн - иконы парижского творческого бомонда.
5287 

25.02.2021 15:10

​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на...
​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на...
​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на публике Крупная работа Винсента Ван Гога парижского периода, которая более века находилась в частной коллекции одной французской семьи, будет выставлена на всеобщее обозрение впервые с момента её написания весной 1887 года. «Уличная сцена на Монмартре» — часть очень редкой серии, изображающей знаменитую «Мулен де ла Галетт», возвышающуюся над городом на вершине холма. Цикл был написан в течение двух лет, которые художник провёл в одной квартире со своим братом Тео на улице Лепик. Картина была приобретена французским коллекционером в 1920 году и с тех пор переходила из поколения в поколение в одной семье. Полотно никогда не одалживали для публичных выставок, несмотря на то, что оно было внесено в семь каталогов. Теперь «Уличная сцена на Монмартре» будет выставлена в Лондоне, Амстердаме и Париже. А в марте её продадут на аукционе Sotheby’s. Ожидается, что работу купят не меньше, чем за 5−8 миллионов евро. «Очень немногие картины Ван Гога „периода Монмартра“ остаются в частных руках. Большинство же находится в коллекциях престижных музеев по всему миру, — представительница аукционного дома Орели Вандевоорд. — Появление на рынке работы такого калибра из такой знаковой серии, несомненно, станет крупным событием». Клаудиа Мерсье из аукционного дома Mirabaud Mercier, связанного с продажей, назвала работу «пленительной». На картине изображена ветряная мельница на Монмартре, разрушенная в 1911 году, а также вход в «Мулен де ла Галетт», увенчанный декоративными фонариками, и карусель за деревянным забором. Монмартр, также известный как Ла-Бют, Холм, в то время быстро превращался из пригородного поселения в район развлечений. Среди парижан всё большую популярность набирали его кафе, а у поколения художников, интеллектуалов и писателей — его богемная атмосфера. Два года, которые Ван Гог провёл в Париже (с 1886-го по февраль 1888-го), прежде чем уехать в Арль, принято считать основополагающими для его более позднего уникального стиля. На него оказали влияние такие импрессионисты, как Клод Моне и Камиль Писсарро, а также молодая генерация художников, включая Поля Синьяка, Эмиля Бернара и Анри де Тулуз-Лотрека. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/974e0fec3fde7f6cc6d83.jpg
5289 

26.02.2021 22:13

№ 5 .. № 22
1949
Марк Ротко 
Museum of Modern Art, Нью-Йорк

Без определённой...
№ 5 .. № 22 1949 Марк Ротко Museum of Modern Art, Нью-Йорк Без определённой...
№ 5 .. № 22 1949 Марк Ротко Museum of Modern Art, Нью-Йорк Без определённой идеи, чем он хочет заниматься, Маркус Ротко́вич переехал в Нью-Йорк, снял комнату в доме № 19 на 102-й западной улице и сразу окунулся в бурную атмосферу художественной жизни большого города. По мнению Ротко, «тот факт, что художественная работа начинается с рисунка — уже академический подход. Мы начинаем с цвета», — писал художник, оценивая влияние примитивных культур на модернистов и их мимикрию под детское творчество. Ротко считал, что модернист, как ребёнок или человек примитивной культуры, должен в своей работе идеально выразить внутреннее ощущение формы без вмешательства разума. Это должен быть физический и эмоциональный, но не интеллектуальный опыт. Ротко стал использовать цветовые поля в своих акварелях и городских ландшафтах, именно тогда предмет и форма в его работах начали терять смысловую нагрузку. Ротко сознательно стремился имитировать детские рисунки.
5304 

01.03.2021 11:08


"Серый мерин" 2003 г. Люсьен Фрейд Частная коллекция. «Серый мерин» - одна из...
"Серый мерин" 2003 г. Люсьен Фрейд Частная коллекция. «Серый мерин» - одна из поздних работ Люсьена Фрейда, которая затесалась между стройными рядами обнаженных человеческих тел, кажется, по какому-то недоразумению. При первом взгляде на это полотно даже сложно поверить, что оно принадлежит кисти того самого Фрейда, который на своих полотнах снимает с моделей оболочку за оболочкой, не оставляя в конце концов даже тела – одну лишь сердцевину. И только когда возникает безотчетное желание прикоснуться к изображению (удивительная особенность, объединяющая большинство работ художника), все сомнения отпадают – это и в самом деле Фрейд. В отличие от людей, по отношению к которым художник в своих работах, суждениях и определениях часто бывал довольно безжалостен, к животным он всю жизнь относился особенно трепетно и нежно. Что, впрочем, неудивительно, ведь в определенный период жизни Фрейда животные были его единственными друзьями. Когда семья Фрейда переехала из Германии в Англию, мальчик на долгое время замкнулся в себе. Люсьен плохо знал английский язык, из-за чего его дразнили сверстники, и тогда он стал искать утешения в общении с природой. С тех пор лошади и собаки окружали художника всю жизнь. Он часто укладывал своих собак рядом со спящими обнаженными натурщиками, создавая на картинах неуловимую ауру безмятежности и полного доверия. Когда Люсьен увлекся живописью, родители будущего художника восприняли это с большим энтузиазмом. Настолько большим, вспоминал потом Фрейд, что он даже стал подумывать о том, чтобы отказаться от карьеры художника и стать жокеем или ветеринаром. И, несмотря на то, что живопись все же взяла верх, лошади навсегда остались едва ли не самой сильной его любовью. В 60-х годах Фрейд каждую свободную минуту проводил на скачках, а позже часто бывал в конюшнях Дворцовой кавалерии, рисуя королевских скакунов. ЛюсьенФрейд Анимализм Натурализм _history
5242 

04.03.2021 21:37

«Эстафета» 1947г. Александр Дейнека

Советские люди в работах Дейнеки...
«Эстафета» 1947г. Александр Дейнека Советские люди в работах Дейнеки...
«Эстафета» 1947г. Александр Дейнека Советские люди в работах Дейнеки - красивые, с высокими моральными принципами, сильные, здоровые, спортивные, стремящиеся к победам. Такие юноши и девушки и изображены на одном из известных полотен Александра Александровича - «Эстафета». Спортивная тема всегда интересовала художника и вдохновением в данном случае послужила ежегодная эстафета, проводимая весной в Москве на Садовом кольце, начиная с 1930 года, за исключением военных 1940-х. Прекрасный, светлый, весенний день на картине. Композиция из юношей и девушек, наверняка самых лучших представителей своих команд, расположена в центре возле разделительной линии на асфальте. Статичности в изображении совсем не чувствуется, наоборот, картина полна движения и энергичности благодаря ракурсу - как бы по диагонали от наблюдателя. Слева и справа - наблюдающие за эстафетой, просто гуляющие прохожие, любопытствующие. По мнению некоторых знатоков искусства, в дальней правой группе зрителей художник изобразил себя.
5216 

02.03.2021 10:40

"Бой быков" 1910 г. Петр Петрович Кончаловский Государственная Третьяковская...
"Бой быков" 1910 г. Петр Петрович Кончаловский Государственная Третьяковская галерея. «Бой быков» написан по мотивам испанских впечатлений. В Испанию Кончаловский ездил в 1910-х годах вместе со своим тестем Василием Суриковым. Именно эта поездка стала ключевой для его становления как художника, в ней Кончаловский обрел свой путь. Парадокс заключается в том, что «освободителями», как он сам их назвал, на этом новом пути стали французы – Сезанн, Матисс. Но первые полноценные самобытные работы художника – это изображения испанской корриды, которые сложно сопоставить с какими-либо работами европейцев. Кончаловский во время путешествия по Испании написал множество эскизов к этой картине. Окончательная версия существенно отличается от них. Причем художник убрал из картины именно то, что его особенно зацепило в реальности: «Меня поразила яркость красок: желтый песок, голубое небо и совершенно изумрудные тени». Действительно, один из предварительных вариантов картины, «Бой быков в Севилье» демонстрирует пронзительно голубое небо, его напряженный контраст с песчаной ареной и заполненными трибунами. От картины исходит ощущение густой, плотной энергии, она пышет зноем, волнует и завораживает. Но всё это безжалостно убрано из окончательного варианта. Кончаловский говорил, что хочет приблизить свой «Бой быков» к ярмарочному стилю, чтобы быки получились подобны лубочным медведям – большие, сильные, дикие. Чтобы они были страшные, но от них – не страшно. «Помните этих троицких игрушечников, которые всю свою жизнь резали из дерева какого-нибудь игрушечного медведя с мужиком? С какой простотой и силой передавали они самое существо зверя и человека, пуская в дело элементарнейшие средства, все сводя к двум-трем характернейшим деталям. Вот так именно, “по-мужицки”, “по-игрушечному” и хотелось мне дать быка во время боя», – пояснял он. Реминисценции народного творчества – вообще один из наиболее любимых неопримитивистами приемов. Именно за счет внесенных в окончательную картину поправок Кончаловский достигает этого стиля ярмарочности, эффекта игрушки. Пространство максимально приблизилось к зрителю и замкнулось. Не видно ни трибун, ни неба. Перед нами словно ярко раскрашенная коробочка с персонажами: багровая арена, алая ткань, черный бык с застывшим белым глазом, белая полоса на ограждении арены, не пересекающиеся с другими элементами цвета одежды тореадоров. Здесь нет движения, это слепок, момент без «до» и «после» – вопреки логике сюжета, который, по идее, говорит о движении. У Кончаловского получилось сделать «Бой быков» таким, как он запланировал. Мы знаем, что бык – страшен, что изображенная сцена – опасна. Более того, бой быков выходит за пределы корриды, становится боем со смертью, приобретая архетипическое величие. Но вот что удивительно – знание о том, что это страшно, не возбуждает страх. По той же причине, по которой мы не боимся игрушечного ярмарочного медведя. ПетрКончаловский Экспрессионизм _history
5226 

07.03.2021 21:47

А вот вам новость: карандашную надпись “такое мог нарисовать только...
А вот вам новость: карандашную надпись “такое мог нарисовать только сумасшедший” на картине “Крик” Эдварда Мунка, оказалось, сделал сам Мунк. Вариантов этой картины у художника было четыре шутки и вот, одну из них, написанную в 1893 году эта фраза, нацарапанная через пару лет после создания, и украшает. Сейчас этот “Крик” находится в Национальном музее Норвегии. Целая команда искусствоведов и реставраторов провела расследование, сравнив почерк из дневников и писем художника, и пришла к однозначному выводу. Тут же и версия появления подъехала: в 1895 году в Осло прошла выставка Мунка, вызвавшая шквал негативных отзывов. Живопись Мунка возмущала, волновала и тревожила, была страшно неоднозначной и сложной для понимания, поэтому его позвали на дебаты в Ассоциацию студентов, чтоб он свои картины лично защитил. И там, в пылу спора, один студент-медик по имени Йохан Шарффенберг, язвительно поинтересовался у художника, не скорбен ли тот головой, раз такую фигню рисует. По мнению исследователей, в тот вечер расстроенный Мунк пришел домой и психанул. Ну не надо потому что спрашивать у художников что они курят и не сумасшедшие ли. Конечно, сумасшедшие, да и курят все подряд (нет).
5232 

09.03.2021 17:49

Чтоб вы понимали уровень исполнения коллекции Топоровского - несколько моих...
Чтоб вы понимали уровень исполнения коллекции Топоровского - несколько моих знакомых, вовсе не специалистов в области русского авангарда, не зная подоплеки этой всей выставки, отправились глядеть на те картины. Все же музей-то их выставлял авторитетный, а директор этого музея была на слуху как куратор всяких хороших штук про современное искусство. Так вот, обалдели даже не специалисты. Комментарии и впечатления были в духе “да вы его это, вы чего?” - особенно зрителей привели в восторг развеселые расписные торбы и прялки от Казимира Малевича. Московский галерист Емельян Захаров тогда написал о «невыносимом ощущении испанского стыда, которое охватывает тебя целиком, когда ты находишься в этом зале». Это еще что, Топоровский дома гостям показывал деревянные головы, которых Малевич понавырезал. Обещал потом тоже выставить. Выставка выставлялась, а вопросов становилось все больше с каждым днем. Музей отбивался, отвечая на все запросы о том, что за экспертиза подтвердила авторство что-то типа “у нас все документы в порядке” и вообще обещал открыть потом еще одну, большую-пребольшую выставку коллекции Топоровского. Зрители недоумевали, эксперты похохатывали, журналисты вели расследование, Топоровский раздавал интервью в своей особой манере. Постепенно выяснили, что все-все-все, что плел Топоровский - концентрированная брехня от начала до конца, то есть, буквально, начиная даже от темы его диплома в университете и он не специалист по Наполеону, как всем рассказывал. Что те эксперты, на которых ссылался Топоровский не видели его в глаза, что каталог выставки из Харьковского музея 1992 года, в котором, вроде как, Топоровский скупил еще часть своей коллекции и который предъявлял как доказательство подлинности коллекции, подделка уровня бэ - туда просто вклеили другие работы поверх настоящих и прочее прекрасное. И вот это наконец убедило правительство закрыть выставку и начать расследование. Бельгийские журналисты в интервью с министром культуры сетовали, что Бельгия стала международным посмешищем, специалисты по авангарду возмущались тем, как дискредитируется наследие великих русских художников, музею был нанесен колоссальный репутационный урон, директора из музея выгнали, коллекция Топоровского была арестована, а он сам рассказывал о травле, организованной преступной группой искусствоведов, пока в 2019 году не присел за мошенничество, отмывание денег и торговлю краденым. Ну и сидит по сей день, вроде бы. Прикольно, в общем, хоть кино снимай. Интересно еще и то, что при современном уровне технологий и экспертиз удалось одним пусканием пыли в глаза и забалтыванием Топоровскому удалось пролезть в музей такого уровня. Мне кажется, что я примерно представляю типаж этого человека - сталкивалась полтора раза в жизни с такими. И тут ты или успеешь убежать или попадешь под гипноз и не то что в прялку Малевича поверишь, а вступишь в секту, уйдешь в рабство и что угодно, поэтому я даже сочувствую Катрин де Зегер и верю, что она не специально.
5242 

10.03.2021 16:50

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная...
"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history
5247 

10.03.2021 22:37

Лот с дочерьми
1537
Альбрехт Альтдорфер
Музей истории искусств...
Лот с дочерьми 1537 Альбрехт Альтдорфер Музей истории искусств...
Лот с дочерьми 1537 Альбрехт Альтдорфер Музей истории искусств, Вена Щекотливый сюжет пользовался популярностью у живописцев. Бог сжёг Содом и Гомору, два библейских города, которые были уничтожены Богом за распутство. Её жители спасались бегством. Несмотря на веление посланников Господа не оглядываться на умирающий город, жена Лота всё же это сделала и превратилась в соляной столб. Так Лот потерял жену. Дочери Лота приняли уничтожение греховных Содома и Гоморры за конец света и посчитали, что они остались последними женщинами на земле. Их долг, решили дочери, не дать роду человеческому сгинуть и «возлегли» они с отцом своим Лотом, до этого опоив его вином. Примечательно и колористическое исполнение: автору удалось особенное освещение, так что тела героев на картине будто светятся. Заметна тонкая прорисовка деталей, игра света и тени, цветовая насыщенность. Несомненно, перед нами зрелая работа, демонстрация выкристаллизованного стиля, который складывался годами…и последняя картина кисти мастера.
5267 

13.03.2021 21:06

Ветвь омелы
1790
Фрэнсис Уитли

Сюжет картины, на первый взгляд, может...
Ветвь омелы 1790 Фрэнсис Уитли Сюжет картины, на первый взгляд, может...
Ветвь омелы 1790 Фрэнсис Уитли Сюжет картины, на первый взгляд, может показаться странным и непонятным, но это только если не знаешь обычая, который связан с ветвью омелы. Присмотритесь, под потолком подвешена веточка. Подвешенный к потолку пучок омелы (вечнозелёное кустарниковое растение) – традиционное рождественское украшение в Англии до распространения рождественской ёлки во второй половине XIX столетия. Считалось,что если мужчина и женщина оказывались под омелой, они могли поцеловаться. Происхождение обычая неизвестно, но есть предположение, что в нем отразились архаические свадебные обряды – согласно древнеримским историкам, омела использовалась в ритуалах друидов в дни зимнего солнцестояния. Они считали вечнозелёную омелу священным растением. В качестве рождественского украшения омела упоминается впервые в середине XVII века. Персону, случайно оказавшуюся под висящей веткой омелы, позволялось поцеловать любому. Отсюда происходит название «ветка поцелуев».
5175 

14.03.2021 16:21

Тут сейчас будет о довольно спорной выставке и о смерти, поэтому вы, если что...
Тут сейчас будет о довольно спорной выставке и о смерти, поэтому вы, если что, пролистайте это дело просто. Меня тут, видимо, как эксперта по любым вопросам, пару раз попросили высказаться на тему выставки “Body Worlds”, которая сейчас проходит на ВДНХ и которую, что особо иронично, пытаются закрыть деятели, относящие себя к коммунистической партии. И, хоть я обычно не лезу в современность, тут решила поддаться и ответить. В двух словах, о чем тут речь: в Москву снова приехала выставка немецкого анатома Гунтера фон Хагенса, на которой все экспонаты собраны из частей настоящих человеческих тел. И, конечно, это вызывает множество вопросов, диалогов и, куда без них, скандалов. Гунтер фон Хагенс в 1977 году изобрел особый способ консервации анатомических препаратов, который называется пластинацией - это когда воду и липиды в биологических тканях заменяют смолами и полимерами. Вот описание процесса от автора: “Этот метод я изобрёл случайно в 1977 году, когда был ассистентом в Анатомическом институте Гейдельбергского университета. Я спрашивал себя, рассматривая выставленные препараты, залитые полимером, почему их заливают, а не вводят полимер внутрь? Тогда-то мне и пришла в голову идея пропитать препараты биополимером при помощи вакуума. Для этого препарат сначала нужно погрузить в ледяной ацетон. Когда в результате диффузии вода в тканях заменится ацетоном, вещество следует погрузить в биополимер. Ацетон вакуумным способом откачивается, и его место в тканях заполняется силиконом. После этого с веществом можно работать как с художественным материалом”. Тело как художественный материал. А нужно ли нам такое? Ну, начнем с того, что человеческое тело - штука безумно интересная. Анатомия как наука появилась в эпоху Возрождения и первым анатомом был вовсе не врач, а наш любимый художник Леонардо да Винчи. Он вскрыл, разобрал на запчасти и описал с точки зрения механики более тридцати трупов. За ним следовала целая плеяда выдающихся анатомов, которые разбирали устройство человеческого тела, то и дело открывая что-то новое и потрясающее - то риолановы аркады, то вормиевы кости, то евстахивеву трубу или капсулу Глиссона какую. Каждая крохотная мышца, косточка, связочка, из которых собрано это чудо, наше тело, в результате кропотливой работы и бесконечных зарисовок десятков, сотен ученых были описаны и поняты. Надо ли говорить насколько огромный вклад это внесло в медицину? Но еще интереснее то, что это все оказалось огромным вкладом в искусство. Я не зря выше там про зарисовки написала - между врачами и художниками издавна существует тесная связь, и как раз в эпоху Возрождения художники и врачи входили обычно в один цех и имели общего покровителя - святого Луку. Художники эпохи Возрождения учили анатомию не по атласам и манекенам, а именно что по трупам и даже иногда их воровали с кладбищ под покровом ночи. Проблема воровства покойников докторами и рисовальщиками встала в какой-то момент настолько остро, что на захоронениях даже начали устанавливать специальные приспособления - клетки или тяжелые плиты, которые не под силу было быстро взломать или перетащить. В случае же с работами Гунтера фон Хагенса, который себя считает продолжателем традиций анатомов эпохи Возрождения и даже специально, чтоб это подчеркнуть, постоянно носит черную шляпу, как это было принято у анатомов тех времен, мы имеем дело с донорами, которые добровольно при жизни завещали свои тела. То есть это свободное выражение воли людей, которые, видимо, слишком буквально восприняли идею попадания в музеи после смерти.
5140 

15.03.2021 16:46

Но вернемся к художникам пока. Недавно интернет облетела фотография статуи...
Но вернемся к художникам пока. Недавно интернет облетела фотография статуи Микеланджело (я ее ниже прикреплю), с вот такой вот подписью: “В предплечьях есть одна очень маленькая мышца, которая сокращается только при поднятии мизинца. Моисей Микеланджело приподнимает мизинец, поэтому эта крошечная мышца сокращается. 10 вниманий к деталям из 10!” - ну и понимаете, что это самое внимание к деталям было бы невозможно без досконального изучения и глубинного понимания анатомии человека. Я тут как-то рассказывала про художников-назарейцев, которые отказались по идеологическим соображениям от такого изучения анатомии и, не смотря на все достоинства их живописи, тела на их картинах выглядят как сосиски. И такими же сосисками выглядят герои картин до повального интереса к анатомии. Выставка Хагенса - редчайшая возможность поглядеть как устроено человеческое тело для тех, кто не студент-медик. Мне, кстати, кажется довольно интересным то, что Хагенс не называет себя художником (хотя есть версия, что его не принял артмир из-за этических сложностей) - он просто показывает зрителю как велико и восхитительно творение совсем другого автора - Природы, ну или, если хотите - Бога. То есть, не смотря на все этические сложности и обсуждения этой выставки как чего-то мрачного и зловещего, мне кажется, что она не про смерть, а про жизнь. У меня дома есть несколько анатомических атласов, основная часть из них - это анатомия для художников, но, конечно, самые потрясающие - это атласы медицинские. Атлас Френка Неттера, который я умыкнула у своего брата-врача, является буквально моей настольной книгой, в нем миллион закладок и он всегда под рукой. А тут приехала возможность поглядеть на все это трехмерное, настоящее. Да, действительно жутковато осознавать, что там настоящие тела, хоть и залитые пластиком по особой технологии. Но, с другой стороны, у нас в Пушкинском музее лежит мумия, а в Кунсткамере вообще заспиртованные младенцы. А еще есть церковь из костей, катакомбные святые, анатомические препараты, скелеты в музеях и еще миллион всего - и это тоже настоящие тела, но просто к ним как-то уже привыкли, а тут свежее нарушение табу. Отсюда и беспокойство - за нарушением табу, если это воспринимать так, следует какая-нибудь кара, поэтому и предлагают выставку закрыть как бы чего не вышло неконтролируемого. Приветствую дискуссию и отзывы тех, кто там побывал, потому как вопрос мне кажется сложным, но интересным.
5127 

15.03.2021 16:46


«Зимнее солнце» 1916г. Константин Юон

На картине нарисован простой пейзаж и...
«Зимнее солнце» 1916г. Константин Юон На картине нарисован простой пейзаж и...
«Зимнее солнце» 1916г. Константин Юон На картине нарисован простой пейзаж и редко встречающийся ракурс – художник и вместе с ним зритель находится прямо напротив садящегося солнца. Его лучи «бьют» навстречу взгляду, но не мешают ему, потому что дробятся стройными рядами стволов деревьев. Изображение подано таким образом, что кажется выше уровня взгляда зрителя. Художник находится внизу, у склона холма, а высокие деревья и персонажи – вверху, на пригорке, почти на линии горизонта. Благодаря такому приему лошадь с телегой, полной собранного хвороста, и собирающий его на снегу в вязанку человек кажутся изображенными в контражуре – почти черными. Они четко вырисовываются на светлом фоне снега и зимнего неба. Стройные деревья без листьев кажутся кружевными, это ощущение поддерживается редкими пушистыми облачками на бледном небе. В противовес этому темные ели служат фоном нежной и хрупкой красоте голых ветвей, но не придают мрачности полотну, потому что в нем использованы достаточно яркие и сочные краски.
5201 

16.03.2021 10:40

​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд

Ксилография Кацусики Хокусая...
​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд Ксилография Кацусики Хокусая...
​​«Большая волна» Хокусая установила новый рекорд Ксилография Кацусики Хокусая «Большая волна в Канагаве», созданная примерно в 1831 году, была продана за 1,6 миллиона долларов на распродаже японских и корейских произведений искусства Christie’s. Окончательная цена в 10 раз превышает предварительную оценку в 150 тыс. долларов, которую дали эксперты аукционного дома. Сцена, ставшая «визитной карточкой» японского художника XIX века, изображает лодочников, которые борются с волнами на фоне горы Фудзи. Гравюры Хокусая с изображением волн, созданные в начале 1800-х годов, пожалуй, его самые известные работы. Они были представлены на европейском рынке в середине XIX века. К моменту создания данной работы художнику было за 70 лет, и он нуждался в деньгах. Это первый лист «36 видов Фудзи» — серии настолько популярной, что отпечатки с неё делали до тех пор, пока деревянные пластины, с которых они производились, не начали изнашиваться. Предположительно, с оригинальных досок Хокусая было отпечатано около пяти тысяч копий. Широко признано, что мастер изобразил бессилие и незначительность человека на фоне неукротимой стихии. Мы видим рыбаков, которые плывут навстречу верной гибели, и их суденышки вот-вот разлетятся на щепки. Но есть и другое мнение. Культуролог-японист Евгений Штейнер указывает, что в японском искусстве движение в картине идет справа налево. «Соответственно, рыбачьи лодки являют собой активное начало, они двигаются и внедряются в волну, в податливое аморфное начало, а некоторые уже прошли её насквозь», — поясняет он. Предыдущий рекорд для работ Кацусики Хокусая был установлен девять лет назад. В 2002 году альбом ксилографий с видами на гору Фудзи ушёл с молотка на аукционе Sotheby’s в Париже за 1,47 миллиона долларов. Сборник подавали наследники французской арт-дилера Огетты Берес. На аукционе Christie’s вместе с «Большой волной в Канагаве» была выставлена ещё одна гравюра Хокусая — «Водопад Йоро в провинции Мино». Она была куплена за 100 тысяч долларов, что в 10 раз превышает её первоначальную оценку в 10 тысяч. Там же был установлен ещё один рекорд. Свиток японского художника XVIII века Ито Дзякутю под названием «Пара журавлей и восходящее солнце» также был продан за 1,6 миллиона долларов. Это в пять раз выше его предварительной оценки в 300 тысяч долларов. Два белых журавля — символы Нового года и бессмертия в Восточной Азии. Работа принадлежала частному японскому коллекционеру и никогда ранее не продавалась на рынке. Предыдущий рекорд для творчества Дзякутю работы установлен в 2006 году. Тогда Метрополитен-музей продал на Christie’s в Нью-Йорке рукописный свиток «Наслаждение от чернил» за 441 тысячу 600 долларов, хотя первоначально его оценили в 80 тысяч долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/f8bf89407ab4389f27409.jpg
5099 

21.03.2021 20:37

"Купальщица" 1911 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственный Русский...
"Купальщица" 1911 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Распространено мнение, что Серебрякова изобразила здесь саму себя. На самом деле ей позировала сестра Катя, с которой они были очень похожи. Стиль портрета определяют как неоклассицизм. Мы видим возврат к красоте и гармонии тела и свойственное, пожалуй, всем ню Серебряковой слияние чувственности и невинности, свежести, естественности. Зинаида Серебрякова, по сути, первая в России смело вернулась к изображению женского тела не как способа выражения неких живописных тенденций или «учебного пособия», а как источника красоты, проявления красоты, самоценного эстетического объекта. Женское тело у Серебряковой приобретает самостоятельное значение, а не выражает некие идеи. Купальщица – очень красивая женщина, с чуть раскосыми глазами – изображена в естественной, непринужденной позе на берегу реки среди густой зелени. Контраст прохладной зелени и золотистого молодого тела смягчен белоснежной драпировкой. Очень характерное, запоминающееся лицо у девушки: немного лукавый взгляд, легкий поворот головы, полуулыбка, выбившиеся прядки волос. При кажущейся «классичности» сюжета, картина оставляет впечатление сиюминутности и неповторимой естественности. Сама Серебрякова так поясняла любовь к ню: «просто потому, что хорошо человеческое юное и чистое тело». Со временем написанная ею обнаженная натура стала цениться куда выше, чем было при жизни художницы. К примеру, картина «Спящая девочка» была продана за 500 долларов в 1923 году на американской выставке русских художников. А в июне 2015 года на аукционе Sotheby’s неизвестный покупатель приобрел эту картину за 5,9 млн долларов при эстимейте 600–900 тысяч долларов, что на тот момент стало рекордной ценой на работы Серебряковой. ЗинаидаСеребрякова Модерн _history
5153 

25.03.2021 21:37

Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс...
Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс, «Лот и его дочери» (ок. 1613-1614) Стоимость: 58,2 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Сцена «Лот и его дочери» сэра Питера Пауля Рубенса с XIX века была включена во все основные каталоги картин художника. Но более столетия она скрывалась от публики в частных собраниях и была известна лишь по чёрно-белой фотографии. Прежде её владельцами были крупные антверпенские купцы, королевские особы и аристократы Европы, например, император Священной Римской империи Иосиф I и Джон Черчилль, первый герцог Мальборо. На аукционе в 2016 году иллюстрация к библейскому эпизоду соблазнения Лота его дочерьми стала самой дорогой работой старых мастеров за 250-летнюю историю Christie’s. Картину купил благотворительный фонд, который передал её в долгосрочную аренду Метрополитен-музею в Нью-Йорке. 4. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1611-1612) Стоимость: 76,5 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2002 Эта картина в конце XVII века вошла в коллекцию князя Лихтенштейна Ганса-Адама I и хранилась у его потомков до XIX века. Некоторое время её приписывали Франциску де Неве Младшему, затем Яну ван ден Хёке, одному из ассистентов Рубенса. В 2001 году было доказано, что это работа самого мастера барокко. Перед распродажей в июле 2002 года эксперты Sotheby’s оценили её в 4−6 миллионов фунтов стерлингов, однако в ходе торгов стоимость взлетела до 49,5 миллионов. Их выложил канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон. Впоследствии он передал полотно Художественной галерее Онтарио в Торонто. 3. Сандро Боттичелли, «Портрет юноши с медальоном» (ок. 1480) Стоимость: 92,2 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2021 До торгов в прессе муссировались сомнения о том, что картина принадлежит кисти самого Боттичелли. Однако они рассеялись после того, как неизвестный покупатель по телефону предложил окончательную цену. Глава отдела старых мастеров Sotheby’s Кристофер Апостол назвал все подозрения «отвлекающим манёвром». Искусствоведы были единодушны в том, что этот портрет длинноволосого юноши воплощает идеалы красоты Возрождения, а яркие краски и простота делают его «вечно современным». 2. Рембрандт ван Рейн, парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит (1634) Стоимость: 195 млн долларов Аукцион: закрытая сделка, 2016 Технически этим двум шедеврам Рембрандта не место в данном списке. Все приведённые здесь работы были проданы на открытых торгах, а свадебные портреты молодого купца и его невесты куплены в частной сделке. Её заключили Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже с бароном Ротшильдом, чей предок приобрёл картины в 1877 году. Эти изображения — единственные известные портреты Рембрандта в полный рост. Они были написаны когда самому мастеру было 28 лет. До продажи полотна в последний раз демонстрировались публике в Нидерландах в 1956 году. Теперь же оба музея-совладельца пообещали выставлять пару только вместе. 1. Леонардо да Винчи, «Спаситель Мира» (ок. 1500) Стоимость: 450,3 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Похоже, эта работа ещё многие годы будет удерживать лидерство среди самых дорогих произведений искусства в истории. Она же, судя по всему, станет одной из самых загадочных картин в мире. В 2016 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке её приобрёл неизвестный покупатель за невообразимую цену в 450 миллионов долларов. Позже СМИ уверенно назвали новым владельцем наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана. Однако после сенсационных торгов панель исчезла, породив множество слухов, предположений и фантастических теорий. Изображение Христа с полупрозрачным шаром в левой руке по-прежнему вызывает ожесточённые споры. Оно долгое время считалось копией, и окончательно было приписано гению Возрождения лишь после реставрации в 2006 году. Перед продажей картина выставлялась в 2011-м в Национальной галерее в Лондоне. Но даже после этого многие искусствоведы подвергают сомнению её атрибуцию. Жмите на ссылки в названиях! Первая часть вот тут. _history
5145 

24.03.2021 20:37

Эту историю мне прислала замечательная художница Армине Х. Удивительно, как...
Эту историю мне прислала замечательная художница Армине Х. Удивительно, как...
Эту историю мне прислала замечательная художница Армине Х. Удивительно, как жизнь иногда подкидывает нам такие повороты: "Итак, напишу интересную историю, в неё сложно поверить, но это история полностью правдивая. Некоторое время назад, мне поступил заказ на портрет пастелью, человек который его заказал, хотел подарить его своему дорогому другу на 23 февраля. В итоге он отправил мне фотографию, и я приступила к работе, но по ходу написания портрета я почувствовала, что лицо человека мне очень знакомое, что где-то я его раньше видела. Тогда я загрузила его фотографию через сервис Яндекс.Картинки и оказалась в шоке, выяснилось, что его разыскивают родственники через сервис Жди Меня! Все данные по поиску я передала Заказчику, и он сразу же передал это своему другу, а вот что было дальше, я не знаю, но надеюсь, что все хорошо! А что думаете вы, Заказчика свела со мной судьба или счастливый случай?" Узнайте продолжение этой и других историй портретов на канале художницы — https://t.me/armine_art
5152 

24.03.2021 17:15


«Портрет сумасшедшей» 1822г. Теодор Жерико

Картина относится к позднему...
«Портрет сумасшедшей» 1822г. Теодор Жерико Картина относится к позднему...
«Портрет сумасшедшей» 1822г. Теодор Жерико Картина относится к позднему периоду творчества художника. Предчувствие скорой смерти тяготило его. Портрет безумной женщины - результат этого предчувствия. По своей сути, психическое заболевание - это духовная смерть человека. Перед зрителем старая женщина, давно уже потерявшая способность реально воспринимать окружающий мир. Иллюзии - ее реальность. Больничный наряд, желтоватая, безжизненная кожа обтягивает удлиненный череп. Лихорадочный румянец подчеркивает безумие в потухших, равнодушных глазах героини. Губы растянуты в полуулыбку. Все вместе - образ несчастной, потерявшей рассудок. Что же привлекло художника-романтика в образе несчастной обитательницы клиники для душевнобольных? Несомненно, это страх перед безумием, страх перед неизвестным и необъяснимым. Автор с нескрываемом сочувствием относится к своей героине, завороженный ее измененным состоянием, он дает возможность зрителю задуматься о хрупкой грани, которая отделяет любого человека от безумия.
5189 

24.03.2021 10:40

«‎Менуэт быка»

Однажды Франц Йозеф Гайдн, к немалому своему удивлению, увидел...
«‎Менуэт быка» Однажды Франц Йозеф Гайдн, к немалому своему удивлению, увидел...
«‎Менуэт быка» Однажды Франц Йозеф Гайдн, к немалому своему удивлению, увидел у себя дома гостя — мясника, который оказался любителем и знатоком его произведений. — Маэстро, — мясник почтительно снял шляпу, — на днях свадьба моей дочери. Напишите мне новенький красивый менуэт. К кому же мне обратиться с такой просьбой, как не к прославленному Гайдну? В назначенный срок мясник явился и получил драгоценный подарок. Через несколько дней Гайдн услышал оглушительные звуки, в которых он с трудом узнал мелодию своего менуэта. Подойдя к окну, он увидел у своего крыльца великолепного быка с позолоченными рогами, счастливого мясника с дочерью и зятем и целый оркестр странствующих музыкантов. Мясник сделал шаг вперёд и произнёс с чувством: — Сударь, мне думается, что лучшим выражением признательности за прекрасный менуэт со стороны мясника может быть только лучший из его быков. С тех пор до-минорный менуэт Гайдна стал называться «Менуэтом быка.
5098 

25.03.2021 18:30

"Не верится, что время так быстро пролетело! Хочется верить (а что еще...
"Не верится, что время так быстро пролетело! Хочется верить (а что еще остается в 58), что утром я проснусь и мне снова исполнится 18. Я тогда взгляну в зеркало и увижу там юную, красивую, полную сил и желания изменить этот мир девочку, по которой очень тоскую, по которой сняться мне сны. Не грусти, скажет мне сын, радуйся, скажут мне близкие, не парься, скажут мне незнакомые люди, но от этого мне легче не станет! А ведь утром я проснусь на день старше, но это не страшно, когда понимаешь, что это нормально. Надеюсь, что в следующей жизни, мне будет всегда 18!" Друзья, эта художница пишет не менее прекрасные портреты, чем слова о самой себе. Загляните, полистайте - https://t.me/armine_art. Каждый портрет не просто рукописная копия, но холст наполненный жизнью, историей и любовью к искусству и своим моделям!
5141 

31.03.2021 17:15


"Автопортрет" 1933 г. Казимир Северинович Малевич Государственный Русский...
"Автопортрет" 1933 г. Казимир Северинович Малевич Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Среди сотен работ Казимира Малевича можно отыскать не так уж много автопортретов. Причем большая часть из них была написана еще на заре карьеры художника, когда он смело экспериментировал со стилями в поисках собственного творческого пути. Первый автопортрет Малевич написал в 1907 году, эта работа была одной из его «фресковой» серии с религиозными сюжетами. В следующих трех автопортретах от схожести с иконами не осталось и следа: художник открыл для себя постимпрессионистов и фовистов, и для него наступило время опытов – сначала с цветом, а потом и с формой. Известный автопортрет Малевича из собрания Третьяковской галереи, написанный в 1910 году, символизирует переход художника к совершенно новым живописным принципам. Здесь на смену бесполым фигурам святых на заднем плане приходят демонически подсвеченные красным очертания женских тел, да и сам Малевич выглядит довольно пугающе. Спустя несколько лет, в год создания знаменитого «Черного квадрата», отец-основатель супрематизма написал еще одно полотно, в котором крайне сложно было бы узнать автопортрет, если бы не название. Но вот в последние годы жизни Малевич вдруг отходит от геометрической строгости своих супрематических работ и начинает писать неоклассические портреты. 1933 год был тяжелым для художника: изнутри его постепенно уничтожала смертельная болезнь, а снаружи на него давил вездесущий соцреализм, ставший едва ли не единственным одобряемым стилем живописи в Советском Союзе. Доказать всем вокруг и самому себе, что он не опустил руки и по-прежнему способен творить, Малевич может только с помощью своих картин. Он пишет новый автопортрет, не похожий ни на один из предыдущих. Некоторые эксперты сравнивают эту работу со знаменитым автопортретом Альбрехта Дюрера (1500). Малевич предстает перед зрителем в костюме венецианского дожа и помещает себя на нейтральный «супрематический» фон, не перегружая пространство картины лишними образами и сосредотачиваясь лишь на собственной фигуре. Казимир Северинович никогда не числил скромность среди своих добродетелей и этим итоговым портретом ставит себя в один ряд с мастерами Возрождения. Он даже воспроизводит на холсте эффект фресковой живописи. Многочисленные исследователи в разное время обнаруживали в автопортрете Малевича 1933 года разные загадки и скрытые послания. Самое очевидное из них – изображение крошечного черного квадрата в правом нижнем углу полотна, где художники обычно ставят свою подпись (Малевич неоднократно подписывал таким образом свои поздние реалистические работы. Много споров вызывал и странный жест художника, однако в конце концов большинство критиков сошлись на мнении, что Малевич держит в руке невидимый «черный квадрат», выражая тем самым надежду, что рано или поздно его творчество будет признано и понято будущими поколениями. Таким же жестом Богородица указывает на Младенца на одигитриях - иконах, изображающий Богородицу с отроком Иисусом. Одигитрия в переводе с греческого - указующая путь. Малевич мыслит себя тем, кто указал новый путь искусству, а свой Черный квадрат - божественным младенцем. И это отнюдь не предположение: еще в 1915-м Малевич называл свой квадрат "царственным младенцем". Написанный в реалистичной манере автопортрет становится апофеозом провозглашенной Малевичем беспредметности: "Черного квадрата" здесь нет - есть только прямой угол меду большим пальцем и ладонью, где царственный младенец Малевича мог бы поместиться. Этот автопортрет стал своеобразным манифестом Малевича, утверждением собственной несокрушимости и свободомыслия. И именно его последователи и ученики художника повесили в изголовье его супрематического гроба рядом с «Черным квадратом». КазимирМалевич Портрет Неоклассицизм _history
5109 

14.04.2021 22:34

"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ...
"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history
5130 

01.04.2021 23:08

По всем вопросам пишите на admin@art-todays.ru