"Мучения святого Антония"

«Дрезденский алтарь» 1496—1497гг. Альбрехт Дюрер Сюжет центральной панели - поклонение Девы Марии Младенцу. Левая створка изображает святого Антония, он спокоен, несмотря на то, что окружен фантастическими существами, искушавшими его в пустыне. На правой створке - святой Себастьян. Его облик нетрадиционен: стрелы, которыми он был пронзен, отсутствуют, но на теле остались раны от них. Центральная панель помимо главной сцены содержит важные сюжетные детали. Так, рядом с Девой Марией на пю­питре помещена книга. Это аллюзия на Книгу Премудрости Соломона. Ангелы держат над головой Девы корону, что указывает на нее как на «Regina Coeli» (с латинского - «Царица Небесная»). Триптих, вопреки традиции, не предназначен для складывания, оборотные стороны его крыльев не расписаны. Алтарь предназначался для часовни замка Виттенберг, первоначально была выполнена лишь центральная его часть. Потом в связи с эпидемией чумы, к алтарю были добавлены две боковые панели с изображениями святых покровителей больных.

Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать кряду, Тому вручает магистрат Почетную награду. Где-то далеко-далеко существует дивный край, страна Кокань. Чтоб туда попасть надо то ли найти сахарную гору и слизать ее, то ли проесть себе тоннель в пшеничной каше, но путешествие стоящее, ведь в этой волшебной стране вас ждет райское существование. Там в колодцах и реках благородные вина всех сортов, а на волнах качаются золотые и серебряные кубки чтоб эти вина зачерпывать, пироги и булки растут на деревьях, утки летают сразу жаренные и пытаются метко приземлиться прямо в открытый рот всем желающим, жареные поросята сразу с вилочкой в боку пасутся на лугах и сами предлагают собой отобедать. Дома сложены из множества вкуснейших рыб, дороги мостят сырами, а заборы состоят из колбас. Колбасы же колосятся на полях, а вокруг полей шкворчат на вертелах гуси и столы накрытые чем-то вроде скатертей-самобранок ежесекундно готовы предоставить блюда на любой вкус каждому желающему. Там всегда лето, но если вдруг зима и случается, то метели из муки и сахара. А еще три дня в неделю наблюдаются осадки из горячих кровяных колбас. Вот это уже звучит угрожающе, но все довольны. О, сколь много чудес в той стране! Ведь и одежда у всех там новая и чистая, никто не мерзнет и не одет в лохмотья, всем раздают лучшие суконщики прекрасные костюмчики, да туфельки. И любовь там процветает свободная - каждый может выбрать понравившуюся даму и каждая дама может свободно выбрать себе кавалера и никто их не осудит, потому что в стране Кокани осуждать не принято, там все счастливы. Это особенно прикольно, потому что первая рукопись про Кокань относится в 1250 году, а, вроде как, всего за лет 30 до этого католическая церковь официально постановила, что у женщины стоит спрашивать согласие на брак. Есть и некое противоречие - кто больше спит, тот больше всех зарабатывает, но совершенно не ясно зачем, ведь вокруг все бесплатное, а на полях тут и там валяются кошели полные разнообразных золотых монет. Наверное, так просто смешнее. Еще там необыкновенный календарь - в году четыре Пасхи, четыре дня святого Иоанна, четыре праздника сбора винограда, и вообще каждый день — либо праздничный, либо воскресный; есть четыре Дня Всех Святых, четыре Рождества, четыре Сретения, четыре праздника Карнавала, а вот Великий пост соблюдают лишь раз в двадцать лет, и то, по желанию. А самое чудесное, что есть в Кокани - это источник вечной молодости. Течет за городом река, Не широка, не глубока. Столетний дед с одышкой Ныряет в воду стариком, А вынырнет парнишкой. Когда поеду в ту страну, Я захвачу с собой жену. Пусть в речку окунется И вновь невестой молодой Немедля обернется.

«Костел святого Жака в Дьеппе» 1901г. Камиль Писсарро Одна из последних работ Камиля Писсаро, всего два года остается до смерти мастера. В 1901 году Писсаро проживает в Дьеппе (Франция) в отеле, окна которого выходят на старинный величественный костел, посвященный святому Жаку. Художник очень страдает, привыкший писать на пленэре, он вынужден созерцать мир из окна своего гостиничного номера. Поэтому неудивительно, что Писсаро почти сразу задумал написать полотно с костелом-главным героем, тем более что работы подобной тематики у него уже были. Писсарро на картине акцентирует внимание на контрасте массивной величественности костела и легкой прозрачности неба. Художника волнует возможность запечатлеть, как геометрическая конструкция с четкой архитектурой пересекает пространство и как соединяется с ним. Именно поэтому костел на картине лишен максимального приближения и охватывается глазом мастера в общем плане. Взгляд издалека — вот, что важнее.

"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей Тараса Шевченко, Киев. «Крестьянская семья» Тараса Шевченко лишь на очень поверхностный взгляд может показаться незамысловатой этнографической зарисовкой. Но пусть вас не отвлекают от сути национальная одежда и украинская хата-мазанка под соломенной или камышовой крышей. На самом деле перед нами – украинская версия Holy Family, «святого семейства», один из архетипических сюжетов европейской живописи. К моменту работы над картиной Шевченко чуть менее тридцати. Всего 5 лет минуло с того момента, как он стал свободен от крепостной зависимости и смог посещать классы знаменитого Карла Брюллова в Императорской Академии художеств. Всё это время его излюбленными техниками оставались карандаш и акварель. В них он чувствует себя свободно: его карандаш остёр и точен, его акварели на редкость гармоничны по колориту. Но к масляной живописи Шевченко на первых порах боится подступиться. Масло и холст, в качестве рабочих инструментов, будто сковывают его, связывают академическими путами, лишают свободы выражения – а ведь никто не ценит свободу (в любых проявлениях и сферах) как тот, кто был её когда-то лишён. Перед началом работы над «Крестьянской семьёй» Шевченко делает массу карандашных зарисовок из украинского быта. Он много путешествует по Украине, а его дорожные альбомы переполнены эскизами. Начав, наконец, работу маслом, он отказывается от эмалевой «гладкописи» своего учителя Брюллова. Мазки Шевченко ложатся точечно, нервно. Объекты и фигуры картины лишены четких контуров. Но именно это и создаёт ощущение трепетного движения жизни. Предполагают даже, что если бы не арест и ссылка, и Шевченко смог бы, как планировал, поехать для продолжения работы в Европу, он вряд ли продолжил бы там академические традиции и, весьма вероятно, вошёл бы в круг родоначальников импрессионизма. Мы уже упоминали, что Шевченко делал не сотни - тысячи зарисовок народного быта. Почему из всего потока зрительных впечатлений он выбирает именно этот простой и незамысловатый сюжет? Ребёнок стоит в окружении своих матери и отца. Движения их рук и линии их тел образуют плавный овал – некую область безопасности, защищённости для младенца, который только-только начал ходить. Шевченко обрисовывает не конкретную бытовую ситуацию из жизни семьи – он передаёт нечто более глубокое: ощущение духовного единства, семейной общности, семьи как «малой церкви». Кто хоть немного знаком с биографией Шевченко, тот, несомненно, сможет прочесть в «Крестьянской семье» одно из самых глeбоких и интимных переживаний художника. Дело в том, что именно семьи в том самом идеальном представлении, которое он рисовал себе, Шевченко как раз не имел ни в детстве, ни во взрослой жизни. Нынешние психоаналитики уверены, что в детстве Тарас был лишён родительского внимания и любви: детские травмы отверженности будут сопровождать его на протяжении всей взрослой жизни. Семья в немного идеализированном, даже можно сказать идиллическом понимании (как вершина человеческих отношений, защита от холода внешней жизни) надолго станет его «идеей фикс». Но, в силу разных обстоятельств, способных составить захватывающий сюжет не одного романа, создать собственную семью Шевченко так и не удастся. Если уж продолжить психоаналитические аналогии, шевченковская «Крестьянская семья» - это чистой воды сублимация: воплощение в творчестве того, чего очень жаждешь, но никак не можешь получить в реальности. ТарасШевченко _history

Нападение на «Пьету» Микеланджело 21 мая 1972 года в базилике Святого Петра в Ватикане сразу после окончания праздничной литургии по случаю Дня святой Троицы австралийский геолог Ласло Тот набросился на работу Микеланджело «Пьета». С криком «Я — Иисус Христос, Христос восстал из мертвых!» Тот нанес статуе Девы Марии 15 ударов скальным молотком, отбив левую руку на уровне локтя, левое веко и оставив на ее носу щербинки, не считая множества других мелких повреждений. Базилика была полна народу, поэтому вандала быстро оттащили от статуи. Тот и на суде утверждал, что он Иисус, и поэтому был признан невменяемым.

► Почему «Обнаженная» Фалька вызвала гнев у Никиты Хрущева? ► Кто виноват в страшном виде Алёнки из Нововоронежа? ► Почему святого Христофора пишут на иконах с головой собаки? ► Почему Шишкин не сам нарисовал медведей на картине «Утро в сосновом бору»? ► Существует ли картина Репина «Приплыли»? ️ Об этих и других любопытных подробностях из жизни художников, интересных фактах о произведениях искусства, а также о репортажах с выставок читайте на канале: "Я люблю музеи" — t.me/ilovemuseum http://t.me/ilovemuseum

Я как-то рассказывала про самого популярного обнаженного мужчину в истории европейского искусства - святого Себастьяна. Примерно в эпоху Возрождения этот святой стал символом гомоэротизма, обрел черты нежнешего из юнош, пассивного и беззащитного. Но канон подобных изображений был заложен намного раньше, в древней Греции, конечно же. До христианства было далеко, а без красивого юноши, символизирующего межмужскую любовь непонятно как обходиться, поэтому греки себе придумали Ганимеда. Был у царя Троса сын от нимфы Каллирои. Тут данные разнятся и он то сын Дардана, то Эрихтония, то еще кого, но главное, что он был смертным, а еще прекрасным настолько, что сами боги на него заглядывались. Согласно некоторым источникам, Ганимеда сначала похитила богиня зари, Эос, а потом у нее его стащил Зевс. По другим же, Зевс сразу придумал превратиться в гигантского орла и понес юношу к себе на Олимп что твоего хоббита. Там восхитительный красавец Ганимед был назначен виночерпием на божественных вечеринках. Отец его, Трос, сначала огорчился исчезновениям сына, но Зевс ему подарил очень красивую оливковую веточку из золота и пару очень хороших лошадок. А так же объяснил, что сыну отныне даровано бессмертие и даже поместил его на небо в качестве созвездия. Оттуда он на нас и глядит в виде Водолея. Трактуют этот миф по разному. Например, как историю о том, как некий прекрасный юноша умер перед свадьбой - отсюда версия с Эос, то есть, невестой, лишившейся возлюбленного. Или как историю с метафорической смертью мальчика для превращения в мужчину и царя. Или о том, как одни правители брали в плен детей других, для того чтоб наладить отношения. Но самым популярным оказалось, конечно, прочтение мифа как подтверждения того, что сам отец небес Зевс одобрял однополую любовь и был замешан. Сюжет стал одним из самых популярных в Греции, потом перекатился в Рим, позже ужасно осуждался христианами и только с наступлением Ренессанса вновь вернулся в искусство. Правда, неоплатоники эпохи Возрождения попытались миф переосмыслить и сообщали, что это все про восхождение души к Богу, а не то что вы подумали. Поэтому можно и нужно вновь писать как можно больше Ганимедов.

Символы в живописи и их значения - Черный цвет используется для обозначения смерти или зла. В то время как белый означает жизнь и чистоту. - Собака часто выступает за верность или преданность. - Лестница может представлять отношения между небом и землей или вознесением. Еще символизирует поддержку, приобретение знаний и достижение моральной зрелости. - Ласточки, изображенные возле святого сооружения, могут символизировать отступников или грешников. Ласточка, в греческой мифологии — птица, посвященная Афродите, а в христианской символике — символ жажды духовной пищи и считается одним из воплощений Иисуса Христа. - Топор - почти универсальный символ решающей силы и власти. Также топор атрибут некоторых христианских святых мучеников, например апостола Матфея.

Шалость Джотто Джотто расписал базилику Святого Франциска в XIII веке, а в 2011 году реставраторы разглядели дьявола в облаках на одной из фресок: для этого пришлось приблизиться вплотную к сцене, которая изображает смерть святого Франциска. Если смотреть на фреску, стоя на полу, в ней нет ничего вопиющего. Но стоило лишь вооружиться стремянкой, как справа в облаках был обнаружен профиль с хитроватой усмешкой, носом крючком и даже рогами. Возможно, живописец хотел таким образом подшутить над своим недругом, придав дьяволу его черты.

Диптих Мэрилин - Энди Уорхол Сюжет и объекты: Портрет Стиль: Поп-арт Техника: Шелкография, Акрил Материалы: Холст Дата создания: 1962 Размер: 205.4×289.5 см Местонахождение: Тейт Британия, Лондон В девять лет Энди заболел хореей Сиденгама (также известной как «пляска святого Витта») и несколько месяцев провел в постели. Мать, которая ухаживала за Уорхолом, искала любые способы развлечь и отвлечь мальчика, но больше всего ему были по душе книжки-раскраски. За каждую аккуратно раскрашенную страницу Джулия давала сыну кусочек шоколада. Спустя много лет Энди напишет свою первую картину, в которой, как и во всех последующих, безошибочно угадываются отголоски его детской любви к раскраскам. Четко очерченные черные контуры и области, ровно заполненные чистым цветом, стали одной из главных особенностей творчества художника.

Лев на площади Сан-Марко Задумывались ли Вы, почему на колонне на площади Сан-Марко в Венеции именно Лев? Всё просто: лев это символ Святого Марка — одного из четырех евангелистов. А что же с остальными? Лев - символ Святого Марка, Ангел – символ Святого Матфея, Телец – символ Святого Луки, Орёл – символ Святого Иоанна. Эти четыре животных стали символами евангелистов неслучайно. Традиционное толкование таково: Лев символизирует действенность, господство и царская власть Христа-Царя. Ангел (Человек) символизирует человеческую природу Христа, его воплощение. Телец (бык, вол) символизирует священнодейственное и священническое достоинство Христа, его жертву. Орел символизирует дар Святого Духа, носящегося над церковью, а также Вознесение Господне.

Тут сейчас будет о довольно спорной выставке и о смерти, поэтому вы, если что, пролистайте это дело просто. Меня тут, видимо, как эксперта по любым вопросам, пару раз попросили высказаться на тему выставки “Body Worlds”, которая сейчас проходит на ВДНХ и которую, что особо иронично, пытаются закрыть деятели, относящие себя к коммунистической партии. И, хоть я обычно не лезу в современность, тут решила поддаться и ответить. В двух словах, о чем тут речь: в Москву снова приехала выставка немецкого анатома Гунтера фон Хагенса, на которой все экспонаты собраны из частей настоящих человеческих тел. И, конечно, это вызывает множество вопросов, диалогов и, куда без них, скандалов. Гунтер фон Хагенс в 1977 году изобрел особый способ консервации анатомических препаратов, который называется пластинацией - это когда воду и липиды в биологических тканях заменяют смолами и полимерами. Вот описание процесса от автора: “Этот метод я изобрёл случайно в 1977 году, когда был ассистентом в Анатомическом институте Гейдельбергского университета. Я спрашивал себя, рассматривая выставленные препараты, залитые полимером, почему их заливают, а не вводят полимер внутрь? Тогда-то мне и пришла в голову идея пропитать препараты биополимером при помощи вакуума. Для этого препарат сначала нужно погрузить в ледяной ацетон. Когда в результате диффузии вода в тканях заменится ацетоном, вещество следует погрузить в биополимер. Ацетон вакуумным способом откачивается, и его место в тканях заполняется силиконом. После этого с веществом можно работать как с художественным материалом”. Тело как художественный материал. А нужно ли нам такое? Ну, начнем с того, что человеческое тело - штука безумно интересная. Анатомия как наука появилась в эпоху Возрождения и первым анатомом был вовсе не врач, а наш любимый художник Леонардо да Винчи. Он вскрыл, разобрал на запчасти и описал с точки зрения механики более тридцати трупов. За ним следовала целая плеяда выдающихся анатомов, которые разбирали устройство человеческого тела, то и дело открывая что-то новое и потрясающее - то риолановы аркады, то вормиевы кости, то евстахивеву трубу или капсулу Глиссона какую. Каждая крохотная мышца, косточка, связочка, из которых собрано это чудо, наше тело, в результате кропотливой работы и бесконечных зарисовок десятков, сотен ученых были описаны и поняты. Надо ли говорить насколько огромный вклад это внесло в медицину? Но еще интереснее то, что это все оказалось огромным вкладом в искусство. Я не зря выше там про зарисовки написала - между врачами и художниками издавна существует тесная связь, и как раз в эпоху Возрождения художники и врачи входили обычно в один цех и имели общего покровителя - святого Луку. Художники эпохи Возрождения учили анатомию не по атласам и манекенам, а именно что по трупам и даже иногда их воровали с кладбищ под покровом ночи. Проблема воровства покойников докторами и рисовальщиками встала в какой-то момент настолько остро, что на захоронениях даже начали устанавливать специальные приспособления - клетки или тяжелые плиты, которые не под силу было быстро взломать или перетащить. В случае же с работами Гунтера фон Хагенса, который себя считает продолжателем традиций анатомов эпохи Возрождения и даже специально, чтоб это подчеркнуть, постоянно носит черную шляпу, как это было принято у анатомов тех времен, мы имеем дело с донорами, которые добровольно при жизни завещали свои тела. То есть это свободное выражение воли людей, которые, видимо, слишком буквально восприняли идею попадания в музеи после смерти.

"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history

​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым стеклом Шедевр Губерта и Яна ван Эйков, «Поклонение мистического агнца», также известный как Гентский алтарь, обрёл новый дом. Теперь одно из величайших мировых сокровищ будет находиться в пуленепробиваемом стеклянном контейнере стоимостью в 30 миллионов евро. Возможно, потраченная сумма кажется непомерно большой, однако стоит вспомнить, что этот полиптих — самое похищаемое произведение искусства всех времён. Братья Ван Эйки создали алтарь из двенадцати панелей в 1432 году для собора Святого Бавона в Генте (ныне — Бельгия). Сейчас он установлен в часовне Святого Причастия — самой большой часовне собора — в пуленепробиваемой витрине высотой в шесть метров и объёмом в 100 кубометров. В контейнере налажен климат-контроль для лучшего сохранения шедевра, чьё былое величие восстанавливали последние восемь лет. Температура в неотапливаемом соборе зимой опускается до двух градусов Цельсия, а часовня иногда наполняется солнечным светом, который проникает через цветные витражи. Но главным приоритетом для заказчиков и создателей витрины была безопасность шедевра. За свою 589-летнюю историю Гентский алтарь множество раз побывал на грани уничтожения. Полиптих пытались сжечь мятежные кальвинисты, Наполеон выкрал его для парижского Лувра, он был разделён, когда попал в руки короля Пруссии. Во время Второй мировой войны Герман Геринг пожелал преподнести «Поклонение мистического агнца» Адольфу Гитлеру, и похищенное творение Ван Эйков могли взорвать динамитом в австрийской соляной шахте, но его спасли двойные агенты-коммандос. К сожалению, алтарь не полностью сохранился в первоначальном виде. Одна из дюжины его панелей исчезла во время дерзкого ограбления вечером 10 апреля 1934 года. Это преступление до сих пор не раскрыто. В своё время попытка найти пропажу довела до отчаяния нацистских агентов, которых отправил Геббельс, и по сей день загадка сбивает с толку как следователей-профессионалов, так и сыщиков-любителей. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/53bc270c0334f28be8e10.jpg

«Снятие пятой печати» 1608—1614гг. Эль Греко Кроме часто изображаемых библейских сюжетов, Эль Греко писал и достаточно редкие сцены. Одна из таких «Снятие пятой печати». Эль Греко обратился к теме Апокалипсиса. Картину заказал госпиталь Тавера в Толедо. Выбор столь страшного сюжета был вполне объясним для живописца - Эль Греко увядал, и мысли о смерти стали посещать его всё чаще. Сюжет следующий: души усопших, которые сгинули за веру, за слово Божье, обращаются к небесам, и Господь шлёт им белые одежды. Как знак отмщения за их пролитую безвинно кровь. На переднем плане зритель видит утрированно вытянутую фигуру Святого Иоанна. Он возвел руки к небесам и пребывает в каком-то религиозном экстазе-трансе. Задний план заполнили мученики, вставшие из могил. Эль Греко настолько реалистично изобразил происходящее, что, кажется, можно услышать стенания мечущихся душ. Группа из трёх мужчин, фоном для которых служит зелёная драпировка, получают с небес одеяния.

► Почему «Обнаженная» Фалька вызвала гнев у Никиты Хрущева? ► Кто виноват в страшном виде Алёнки из Нововоронежа? ► Почему святого Христофора пишут на иконах с головой собаки? ► Почему Шишкин не сам нарисовал медведей на картине «Утро в сосновом бору»? ► Существует ли картина Репина «Приплыли»? ️ Об этих и других любопытных подробностях из жизни художников, интересных фактах о произведениях искусства, а также о репортажах с выставок читайте на канале: "Я люблю музеи" — t.me/ilovemuseum http://t.me/ilovemuseum

​«Троица» 1425 — 1426гг. Мазаччо Это изображение распятия, темы, весьма распространенной в церковном искусстве, выполнено в непривычном, неканоническом виде. Фреска создает иллюзию крупного архитектурного фрагмента, выполненного в совершенно нетрадиционном для готики стиле. Это уже настоящий Ренессанс с его тонким пониманием пропорций и роли перспективы в искусстве. Нижняя часть фрески изображает каменное надгробие, принадлежащее Доменико Ленци. Этот факт дает право предполагать, что две фигуры — мужская и женская, находящиеся симметрично выше надгробия, принадлежат лицам, оплатившим фреску — Лоренцо Ленци и его супруге. Центральная часть симметричной композиции — это, собственно, сцена распятия. На кресте изображен Христос, за спиной которого стоит Бог-отец, поддерживающий своего сына в его смертный час. По сторонам печальной группы расположены фигуры Девы Марии и святого Иоанна. Интересно, что Дева Мария поворачивается к зрителям лицом и протягивает руку к своему страдающему на кресте сыну, как бы говоря: «Посмотрите, на что пошел Христос ради вас». http://chnly.pro/file/92d8472d56fb421697c9f3c19e3ade47

"Женщина с зонтиком" 1875 г. Клод Моне Национальная галерея искусства, Вашингтон. Клод Моне честно признавался, что кроме живописи и садоводства ни на что больше не годен. И пожалуй, хуже всего ему удавалась роль мужа, особенно в первый раз. Камилла Моне оказалась одной из самых несчастных и печальных женщин во всей истории живописных героинь и жен художников. 18-летняя натурщица Камилла Донсье, дочь торговца, позировала юному красавчику Моне для картины «Женщина в зеленом», одной из самых успешных и стремительно прославившихся. Картину не просто приняли в Салоне, но и удостоили нескольких лестных отзывов. Камилле приятно, Моне счастлив, они молоды, влюблены и им кажется, что все прекрасное в их жизни только начинается. Следующие несколько отчаянных лет Камилла и Клод живут в сырых, холодных комнатах, часто без света и отопления и очень часто без еды. Бывает, что Ренуар приезжает к ним в гости, чтобы писать вместе с Клодом (в том числе - и Камиллу), и привозит немного хлеба – на несколько дней хватает. Иногда среди ночи они собирают вещи и бегут из очередного сельского домика, зная, что наутро не смогут заплатить хозяину долг за несколько месяцев. Клод работает с утра до вечера, как одержимый, не получая ни одобрения в официальном Салоне, ни признания среди заказчиков. Его картины не покупают. Хотя бы за 30, за 50 франков – он готов получить любые копейки. Когда Камилле придет время рожать, Моне уедет искать вдохновения – не очень-то похоже на безумную любовь. Издалека он будет в письмах умолять Фредерика Базиля выслать голодной Камилле денег, взывая к его человеколюбию, а вернувшись ненадолго, почти с удивлением обнаружит, что ребенок его по-настоящему радует. Отец и тетка Моне, узнав о его любовнице, отказывают в содержании и требуют бросить и возлюбленную, и новорожденного сына. Клод пишет Камиллу взахлеб, постоянно – и почти на всех портретах в глазах Камиллы такая бездонная пропасть и такая непоправимая печаль, что опознавать ее среди моделей художника можно именно по этой безнадежности. Она умрет в 32 года, в 1879-м, в страшных мучениях, всю заботу о ней во время тяжелой болезни возьмет на себя другая женщина, Алиса Ошеде, которая к тому времени будет в доме Моне чувствовать себя полноправной хозяйкой. Пройдет больше 10 лет – и призрак Камиллы с зонтиком Моне случайно увидит, возвращаясь вечером после пленэра в своем саду в Живерни. На насыпи, на фоне огромного неба, стояла его падчерица Сюзанна. «Вылитая Камилла в Аржантее! Завтра придем сюда, ты мне будешь позировать!» Он ставит Сюзанну в нужную позу, запрещая шевелиться и гонясь за призраком давно ушедшей за горизонт Камиллы. Он в ярости пинает ногами один из двух этюдов (1 и 2), рвет холст, Сюзанна теряет сознание от зноя, Моне в отчаянии – у него ничего не получается. У женщины с зонтиком, повернутой влево, и у женщины с зонтиком, повернутой вправо, не видно лица. Критики в один голос заявляют, что это шедевры, по сравнению с первой картиной, написанной в Аржантее, более динамичные, идеально уравновешенные, мастерски исполненные и создающие ощущение живописной целостности. Но когда видишь все три рядом, трудно отделаться от мысли, что безликие, застывшие в правильных позах правая и левая женщины – два неподвижных призрака той легкой, внезапно повернувшейся к художнику, тревожной, еще живой, но уже готовой скрыться за холмом Камиллы. КлодМоне Импрессионизм _history

Неизвестно кто именно это придумал, но эти художники решили объединиться, потому что их роднил не только уникальный опыт, но и общие интеллектуальные, художественные и иногда еще житейские вопросы. Интересно то, что к художникам присоединились граверы, скульпторы, ювелиры и даже поэты. Расширился и национальный состав общества - к нидерландцам и фламандцам позже примкнуло немножко немцев, французов и даже итальянцев. Называлось это общество, впоследствии ставшее серьезной оппозицией местной официальной академии Святого Луки, обществом Перелетных Птиц (хотя были редкие мастера, входившие и в Академию и в Птиц). Чтоб в него попасть, надо было пройти целое крещение и посвящение. Первая часть этого дела включала в себя высокоинтеллектуальные беседы о сути искусства на разных языках, а вторая прославила художников на весь Рим и окрестности, потому что это был вакхический кутеж на сутки. Ну, представьте, действующие члены общества наряжались в цветные простыни, типа это у них тоги как у греков, украшали головы венками, немножко неистовствовали, а новый член общества угощал всех вином, выслушивал напутственные речи и получал новое имя в честь античных богов, ну или просто смешное и полунеприличное прозвище. Затем процессия художников отправлялась в храм Санта Констанца, который был назначен храмом бога Вакха, потому что там находился античный саркофаг, и продолжала поднимать кубки с вином уже у этого саркофага. Вообще, католическому Риму не сильно нравились бурно пьянствующие протестанты, разыгрывающие языческие шествия, поэтому саркофаг потом передали в Ватикан от греха подальше.

Испанские власти наложили запрет на вывоз из страны картины «Увенчание терновым венцом», приписываемой художнику круга Хосе де Риберы (1591-1652). Работа предназначалась для продажи в аукционном доме Ansorena (Мадрид) с начальной ставкой €1,5 тыс., однако при более тщательном ее осмотре было установлено, что она может являться картиной Караваджо. В настоящее время полотно изучается специалистами. Решение о запрете вывоза картины было принято на экстренном заседании министерства культуры 7 апреля. «Учитывая скорость, с которой все это произошло, теперь нам необходимо тщательное техническое и научное изучение данной картины. Нужны научные дебаты о том, правдоподобна ли новая атрибуция полотна и примет ли ее научное сообщество», — заявил источник в министерстве. Эксперт по творчеству Караваджо, предпочитающий остаться анонимным, говорит, что «Испания не хочет допустить еще одну экспортную ошибку с Караваджо; в 1976 году они разрешили вывоз картины "Распятие святого Андрея", приобретенной Художественным музеем Кливленда».

Караваджо (1571-1610) «Распятие святого Андрея» 1606-1607 холст, масло 203х153 см Художественный музей Кливленда, США караваджо

"Стоун Сити, Айова" Грант Вуд, 1930 > Омаха, Музей искусств Джослин В 1929 году Грант Вуд вернулся на свою родину, что бы провести здесь остаток жизни, ведь он понял, что места лучше ему не найти. Тогда же художник заявил, что отныне будет рисовать только Айову. Данная местность находилась совсем рядом с фермой, на которой родился и вырос Вуд. Несмотря на то, что картина была написана во времена Великой Депрессии, она пронизана солнцем и радостью и передаёт детские воспоминания художника. Полотно «Стоун Сити, Айова» является ностальгическим переживанием автора. Художник получил возможность рисовать только после смерти отца, но часто возвращается к воспоминаниям, когда Марвин Вуд был ещё жив. Создаётся впечатление, будто дух отца навсегда поселился в его картинах. Некоторые из строений, которые можно рассмотреть на этом полотне, существуют в Стоун Сити по сей день, например, церковь Святого Иосифа, универмаг и кузнечная лавка.

Предположительно, в 1445 году португальский художник Нуну Гонсалвеш написал здоровенный полиптих, который называют Алтарем святого Винсента. Нуну Гонсалвеш - ужасно загадочная личность. Не известно ни когда он родился, ни когда умер, и не слишком понятно где он выучился рисовать, потому что в пятнадцатом веке в Португалии он был такой вот один - ни до него, ни одновременно с ним, на даже долго после в Португалии таких мощных живописцев не было. Ну вот разве что известно, что в 1428 году в Португалию приехал Ян ван Эйк в качестве участника посольства, что прибыло сватать Изабеллу Португальскую за Филиппа Доброго, и затусил в Лиссабоне на целый год. Но успел ли он поучить Гонсалвеша чему-нибудь или хотя бы был ли с ним знаком - об этом можно только гадать. Известно, что Гонсалвеш между 1450 и 1472 годами был придворным художником. Про него почти позабыли, настолько, даже считали вымышленным персонажем. Упоминания его эпичного полиптиха в исторических хрониках остались - в трактатах шестнадцатого века его описывали как картину, созданную для часовни Святого Винсента в Лиссабоне, но считалось, что если такая работа и существовала, то точно давным давно погибла - то ли во время Иберийской унии, когда Габсбурги набежали на Пиренейский полуостров и им не понравилось, что на картине изображены члены королевской семьи, но не той; то ли дело было во время Великого лиссабонского землетрясения, когда вообще погибло все подряд, от королевских дворцов, музеев, библиотек и трети населения Лиссабона до португальских колониальных амбиций. В общем, стала история про какую-то здоровенную и очень классную картину постепенно забывающейся сказкой и так было до тех пор, пока в 1882 году вдруг ее не нашли случайно в хранилище монастыря Сан Висенте де Фора. Вообще, конечно, эта находка поразила всех. Было не совсем понятно чего это нашли, но то что это невероятный шедевр было ясно всем и сразу. Исследователи бросились разбираться и, собственно, пришли к выводу, что вот он, легендарный алтарь Нуну Гонсалвеша. К слову, больше никаких его картин до нас не дошло. Иногда щекастенький портрет Жуаны Португальской еще приписывают кисти Гонсалвеша, но, вроде уже договорились, что его, скорее всего, написал какой-то неизвестный ученик художника. На пяти створках высотой 2,2 метра изображены вообще все. За створками закрепились названия (слева направо) - Монахи, Рыбаки, Инфант, Архиепископ, Рыцари и Реликвия. Инфант и Архиепископ шириной 128 сантиметров, все остальные - по 64 см, написано все это темперой и маслом на дубовых панелях. Имя, под которым нынче картина известна, дал ей в 1910 году португальский исследователь Жозе де Фигейреду, который, собственно, предположил, что тут все поклоняются Святому Винсенту и все понятно. Фигейреду написал о картине огромный подробный труд и был проделанной работой очень доволен. Но через пятнадцать лет в обсуждение ворвался другой исследователь, Жозе Сарайва, и заявил, что Фигейреду не прав и на самом деле главный во всей тусовке на панно - дон Фернанду, святой инфант. Фернанду был шестым сыном короля Жуана I, с детства религиозным и кротким юношей, которого за его такую кротость Папа Римский даже сделала кардиналом. В 35 лет Фернанду и его братья отправились в Северную Африку и попытались захватить Танжер, а в итоге нарвались на превосходящие силы противников и Фернанду попал в плен к злым маврам. Там его обижали, отказывались менять на других заложников, отправили в итоге работать рабом в конюшни, где он заболел и умер. Поэтому его в 1470 году причислили к святым. И вот, Жозе Сарайва настаивал на том, что на полиптихе юноша в черном, который стоит перед святым преклонив колено - это главный персонаж всего повествования, Святой Фернанду, покровитель Лиссабона, и его чествование всеми-всеми, включая и Святого Винсента, который его принимает где-то, вероятно даже в раю.

Как создать святого https://tanjand.livejournal.com/3305866.html

Саломея с головой Иоанна Крестителя около 1530 Лукас Кранах Масло на панели. 87 × 58 см Музей изящных искусств, Будапешт Легенда, которая стала классическим сюжетом в живописи. Мать Саломеи, Иродиада, состояла в связи с братом своего мужа Филиппа (Ирода Боэта), за что публично осуждалась Иоанном Крестителем. Осуждение, вероятно, и послужило причиной заключения, а в дальнейшем и казни Иоанна. Танец юной Саломеи на праздновании дня рождения Ирода Антипы привёл к тому, что Антипа согласился выполнить любое её желание, и, будучи научена своей матерью, Саломея потребовала убить пророка Иоанна Крестителя, и после казни ей была принесена на блюде его голова. Святыня, глава Иоанна Предтечи, хранится на Афоне. 11 сентября, в память усекновения главы святого Иоанна Крестителя Церковью установлен праздник и строгий пост, как выражение скорби христиан о насильственной смерти великого Пророка.

"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти, Флоренция. Собрание Галереи Палатина, занимающей верхний этаж во флорентийском Палаццо Питти, начиналась с коллекции живописи олигархического семейства Медичи. Неудивительно, что одно из самых почетных мест отведено в галерее их придворному художнику и автору знаменитых «Жизнеописаний» Джорджо Вазари. Хранящееся там же «Искушение святого Иеронима» - одна из самых известных его картин. Иероним принадлежит к числу наиболее почитаемых католических святых. Как правило, в искусстве Возрождения и барокко его изображают с двумя обязательными атрибутами – пером и свитком, поскольку Иероним был переводчиком Священного Писания и создал одобренный церковью перевод Библии на латынь – Вульгату. Но Вазари выбирает для изображения менее распространённый сюжет с Иеронимом – момент борьбы аскета и пустынника с плотским искушением. Пышнотелые кудрявые купидоны позволяют догадаться, что женщина, присутствующая на картине, – это Венера, богиня любви и одна из излюбленных героинь творчества Вазари. Вообще, Венера и Иероним – персонажи не то чтобы из разных исторических эпох (во времена поздней античности верования в языческих божеств хронологически уживались с верой в Христа и почитанием христианских святых). Точнее будет сказать, Венера и Иероним – не из разных эпох, а из принципиально разных дискурсов, христианского и языческого. Вазари это, однако, не останавливает. Ему, похоже, импонирует подобная эклектика, ведь она позволяет «впрячь в одну телегу» и сугубо религиозное содержание (диктуемое заказчиком), и чтимую Вазари греко-римскую античность с её культом телесности. Об «Искушении святого Иеронима» Вазари оставил в «Жизнеописаниях» подробный комментарий, избавляющий нас от лишних поисковых усилий. Он объясняет, что праведник изображён в тот редкий момент, когда его преследуют искушения плоти – именно их и олицетворяет Венера, наделённая рыжими кудрявыми волосами и пышными плечами – почти обязательными чертами возрожденческой идеальной красавицы. Избавляется от греха Иероним, погружаясь в созерцание тела Христа на кресте. Интересно, что Его Вазари изображает не в виде распятия, гипсового или деревянного, а как живое человеческое тело, только в уменьшенном масштабе. По замыслу, это должно засвидетельствовать не книжную, а живую веру книжника Иеронима. Вера эта сильна настолько, что даже обращает в позорное бегство Венеру. Та держит в объятиях амура, а за руку ведёт, как пояснил Вазари, «фигуру Резвости». Стрелы амуров ломаются и не достигают цели. Голубкам Венеры нечего делать в жизни святого Иеронима. По части «многих интересных изобретений» и расстановки персонажей Вазари был большой затейник. Удачен ли замысел «Искушения святого Иеронима»? Мягко говоря – неоднозначен. Сам Вазари питал к картине смешанные чувства. О ней и о выполненной одновременно копии одной из работ Микеланджело он писал: «Хотя в то время все эти картины мне очень нравились и были написаны мною на совесть, всё же я так и не знаю, насколько они нравятся мне сейчас, в настоящем моём возрасте. Однако, поскольку искусство само по себе вещь трудная, нельзя требовать от художника того, что он сделать не может». И с этим, пожалуй, не поспоришь. ДжорджоВазари РелигиознаяСцена _history

"Святая Инесса" 1641 г. Хосе де Рибера Дрезденская картинная галерея (Галерея Старых мастеров). Детали сюжета Житие этой святой весьма необычно. Инесса была юной и прекрасной римлянкой, дочерью богатых родителей. Втайне от семьи она приняла христианство. За это девушка была приговорена к обезглавливанию. Её мучители оказались изобретательными: по их замыслу, до места казни Инесса должна была прошествовать обнажённой. Она шла сквозь возбуждённую толпу, снедаемая тысячами жадных глаз. Спотыкалась, когда её подталкивали похотливые руки стражников. Однако Бог, за веру в которого Инесса шла на плаху, всё же услышал моление избавить её если не от смерти, то хотя бы от позора. Мгновенно отросшие волосы и белый покров, спущенный ангелом с неба, скрыли её наготу от беснующейся толпы. Замысел и композиция Интересно, что на картине не находится места римскому плебсу, хотя динамичные многофигурные композиции (например, толпа, с жестоким удовольствием распинающая святого Варфоломея) хорошо удавались Рибере. Очевидно, здесь имеет место приём вовлечения: все глазеющие на Инессу должны размещаться на том же месте и смотреть на святую под тем же углом, что и зрители картины. Зритель, таким образом, из пассивного соглядатая превращается в невольного соучастника всего того, что происходит с Инессой. По-видимому, Риберу в данном случае интересуют не противопоставление христианской святой – грешному миру, а лишь глубина внутреннего состояния самой Инессы. Ему важно передать её наивность, её детскую трогательность. Для достижения этой цели Рибера делает фон размытым и максимально условным, а саму фигуру Инессы, напротив, выписывает очень тщательно. Мы можем видеть следующие детали: отдельные пушистые пряди её волос, серебрящиеся у глаз слезинки, пронизанные розовым светом тонкие пальцы. Все они написаны с озязаемой вещественностью. Особенности колорита Одно из главных достоинств «Святой Инессы» – её колорит. Она создана в то время, когда Рибера отказался от резких светотеневых контрастов, а палитра его картин стала более светлой и уравновешенной. Здесь есть некоторый парадокс: многие картины художника (и «Святая Инесса» в особенности) кажутся едва ли не монохромными, заставляя вспомнить о пресловутой «испанской мрачности», при этом Рибера считается одним из лучших колористов своего времени. В чем здесь дело? Вероятно, в «пятидесяти оттенках серого» в творчестве Риберы. Невероятное богатство тонов и рефлексов, для каждого из которых даже нет отдельного названия – разнообразных невнятно-коричневых, серебристо-бежевых, серо-розовых и буровато-зелёных – заставляет знатоков восхищаться великолепной и мощной тональной живописью Риберы. Рибера Барокко РелигиознаяСцена _history

​​️Чувашская биеннале современного искусства объявляет open-call для художников. ️Во Владимире 01 июля откроется выставка Зураба Церетели. ️Памятник Александру Блоку планируют установить в Санкт-Петербурге на улице Декабристов. ️Tate анонсировал выставку шведской художницы-медиума Хильмы аф Клинт и Пита Мондриана. ️В Музее Фаберже открылась выставка «Русский эпос в камне». Традиции художественной обработки цветного камня существуют на Урале уже 300 лет. Выставка знакомит с камнерезным искусством через сюжеты и героев русской истории и фольклора. Фото: Царевна Лебедь, 2012, Студия камнерезного искусства «Святогор», Автор модели: Григорий Пономарев Камнерезы: Григорий Пономарев, Станислав Ширяев Шлифовщики: Алексей Атемасов, Константин Котков Ювелир: Виктор Соболев Фонд семьи Шмотьевых https://telegra.ph/file/089e4905766496ef20de2.jpg

Святой Себастьян 1493—1494 Пьетро Перуджино Эрмитаж, Питер Картина итальянского художника эпохи Раннего Возрождения. Портрет раннехристианского святого Себастьяна, пронзённого стрелами по приказу римского императора Диоклетиана. На стреле, застрявшей в шее, имеется подпись художника на латыни: «PETRUS PERUSINUS. PINXIT» (Петрус Перузинус писал), сделанная золотой краской. Ведущий научный сотрудник отдела западноевропейского искусства Эрмитажа Т. К. Кустодиева, описывая картину, отмечала: "Особое внимание художник сосредоточил на лице Себастьяна. Это характерный, раз навсегда избранный мастером тип лица и его выражение: миловидные правильные черты, некоторая женственность образа, большие, томные глаза, пушистые кудри, рассыпанные по плечам. Одна-единственная стрела, использованная с чисто умбрийской склонностью к декоративности, указывает на то, о каком святом идёт речь."

​​Расскажу вам интересную историю, которую вам никто ещё не рассказывал: Молодой Эгон Шиле написал портрет Труде Энгель приблизительно в 1913 году, во времена своей богемной жизни в Вене. Труде была дочерью зубного врача Германа Труде и Шиле написал портрет в качестве оплаты. История полотна захватывает и одновременно задает вопросы: почему полотно проткнуто ножом и почему над головой Труде на нижнем слое обнаружен череп. Зная мятежный характер Шиле, можно предположить, что картина ему не понравилась и он пытался уничтожить ее. Все до невероятности иначе: картина не понравилась Труде и она в порыве гнева набросилась на ее с ножом. Был ли ей чужд экспрессионистский стиль Шиле или молодой мастер задел ее чувства и вопрос здесь совсем не эстетический, потому что портрет совершенен. Лишь 30 лет назад брат Труде, Франц Энгель, писал директору музея Lentos Kunstmuseum Linz, Вольфгангу Гурлитту, что Труде возмутило очевидное несходство портрета c ее внешностью. Особенно ей противоречили темные волосы, тогда как у Труде они были каштаново-коричневые. Что касается рентгенографического исследования и изображения черепа, то это объясняется тем, что Шиле повторно использовал старый холст, на котором был изображен этюд от другой известной картины 1911 года «Женщина с ребенком в красном пальто». Всего Эгон Шиле передал Герману Энгель 6 работ, но они остались неоцененными и были розданы во время войны. Но шедевр всегда вернется на свое место — Гентский алтарь братьев Яна и Губерта ван Эйк, который за свою 600-летнюю историю не раз крался, вывозился из страны, хранился в шахтах, но всегда возвращался в Собор Святого Бавона в Генте, для которого был написал, где он живет и сейчас. На мой взгляд портрет Труде не уступает Адель Климта, пусть и скромнее. Невозможно отвести глаз от красоты и величественности портрета Труде Энгель австрийца Эгона Шиле. https://telegra.ph/file/7fea68dc322d115ce59a2.jpg

«Тайная вечеря» Сальвадор Дали, 1955 > Вашингтон, Национальная галерея Некоторые из критиков отвергали картину, в то время как другие считали, что художнику удалось на новой основе воссоздать традиционный молитвенный образ. Споры усугублялись тем, что публика знала Дали как человека, склонного скорее к игре понятиями и эмоциями, чем к искреннему выражению своих убеждений. Иисус и двенадцать его учеников помещены в модернистский интерьер со стеклянными стенами. Апостолы, склонив головы, стоят на коленях вокруг большого каменного стола; их осязаемые фигуры контрастируют с прозрачностью тела Христа. Две половины хлеба и полстакана вина представляют священную трапезу. Дали создавал эту картину по математическим принципам, основанным на изучении искусства Возрождения, и влияние Леонардо да Винчи. Взятым с фрески Леонардо жестом Иисус указывает на небеса и на фигуру (возможно, Святого Духа), распростертые руки которой как бы обнимают всех присутствующих.

Аппиева дорога при закате солнца 1845 Александр Иванов Третьяковская галерея, Москва На картине вид в сторону Рима вдоль Аппиевой дороги (самая значимая из античных общественных римских дорог. Через неё было налажено сообщение Рима с Грецией, Египтом и Малой Азией.) — одной из самых древних мощёных римских дорог, строительство которой началось в 312 году до н. э. Дорога проходит между развалинами древних гробниц, а вдали видны силуэты римских зданий, среди которых выделяется купол собора Святого Петра. В этом полотне «можно видеть пейзаж, не уступающий по значению исторической картине», и никто из творивших в Италии пейзажистов «не сумел увековечить образ вечного города [Рима] так величественно и просто, как это удалось великому русскому мастеру. «Аппиева дорога» стала «квинтэссенцией художественной концепции Иванова, воплощением важнейшего свойства его художественного сознания, образом его творческого пути».

"Апофеоз святого Фомы Аквинского" 1631 г. Франсиско де Сурбаран Музей изящных искусств, Севилья. «Апофеоз Фомы Аквинского» – огромная, почти пятиметровая картина, написанная Сурбараном в 1631-м году для Коллегии св. Фомы в Севилье. Когда-то она венчала собой алтарь доминиканского монастыря, к которому относилась Коллегия, а сейчас представлена в севильском Музее изящных искусств. Есть некоторый парадокс восприятия: для нас Сурбаран ассоциируется в первую очередь с практически монохромными одиночными композициями, скупыми и строгими, с резкой светотенью. Но современники художника его величайшей работой считали как раз «Апофеоз Фомы Аквинского» – не вполне по-сурбарановски многофигурный и многоцветный. Композиция с её разделением на два яруса – схематична, но такая «двухчастность» земли и неба была в искусстве времен Сурбарана традиционной. К тому же Сурбарану удалось идеально сбалансировать монументальность форм и внимание к мельчайшим подробностям. По всей вероятности, тему картины Сурбарану внушили заказчики. «Апофеоз Фомы Аквинского» посвящён торжественному основанию Коллегии св. Фомы, которое произошло в 1517 году. На покрытом пурпурным бархатом столе внизу картины лежит Акт основания Коллегии. В нижнем ярусе мы можем видеть её учредителей – императора Карла V и кардинала Диего де Деса. За спиной короля стоят коленопреклоненные знатные граждане Севильи, а за спиной кардинала – монахи-доминиканцы. Что касается верхнего яруса, то в нём сосредоточены все те, кто осуществляет, так сказать, небесный патронат над Коллегией. На облаке справа – Христос и Дева Мария. Напротив них, слева, – Бог Отец, который, оживлённо жестикулируя, беседует со святым Домиником. Голубь, осеняющий крыльями голову св.Фомы (в центре композиции), традиционно олицетворяет Дух Божий, или, согласно менее распространённой версии, - божественное вдохновение, снизошедшее на Аквината. Теолог Фома Аквинский, чьё учение было положено в основу доктрины католической церкви, изображён с пером и книгой в руках. Вокруг него расположены другие именитые книжники: справа – святые Иероним и Августин, слева – Амвросий и Георгий. Их жесты красноречиво указывают на то, что сейчас они сверяют по книгам какие-то теологические тонкости. Особое восхищение вызывает то, как реалистически достоверно написаны действующие лица. Сейчас мы просто оцениваем то, насколько они индивидуализированы и конкретны, а современники Сурбарана – узнавали в них своих знакомых. В круглом лице Фомы с высоким лбом они видели эконома Коллегии Нуньеса де Эскобара, друга художника; в человеке за спиной короля – служителя Гонсалеса де Абре. Во втором слева монахе-доминиканце, изображённом в профиль, некоторые искусствоведы видят самого Сурбарана. Как известно, художник не оставил автопортретов, поэтому искать Сурбарана инкогнито на его картинах исследователи продолжают уже несколько столетий. Доминиканец с «Апофеоза Фомы Аквинского» пока (до появления каких-либо новых фактов или методов исследования) конкурирует в плане идентификации со святым Лукой с «Распятия» 1639-го года из музея Прадо. ФрансискоДеСурбаран РелигиознаяСцена Барокко _history

Еще тут есть: Райский сад с изгнанием из него (обратите внимание на трехликого Бога, такие изображения были в ходу как раз до XVI века, потом за них художников очень гоняли) Вавилонская башня (с одной хулиганской деталью), животные, покидающие Ноев ковчег (тут вы найдете три послепотопных Ноя сразу - и жертву приносящего и возделывающего виноградники и пьяненького накануне неудачного пранка его сына Хама), Благовещение, выполненное как житийная икона, Давид с арфой, пораженный страстью к Вирсавии в окружении миниатюр с изображением святого Павла, Страсти Христовы, Сошествие в Ад, совершенно сказочный Хлодвиг, получающий fleur de lys, свой новый герб с лилиями (на самом деле ирисами), от своей жены Клотильды, а еще, конечно, сам заказчик, Джон Ланкастер, молящийся перед Святым Георгием в невероятном синем плаще, украшенном орденом имени самого себя (это орден король Эдуард III придумал в 1348 году, но кто скажет, что это анахронизм!) и жена заказчика, Анна, молящаяся Святой Анне, конечно же.

Семь радостей Марии 1480 Ганс Мемлинг Старая пинакотека, Мюнхен Семь радостей Девы (Матери Иисуса) - это события из жизни Девы Марии взятые из средневековой религиозной литературы и искусства. Семь радостей обычно обозначают как: 1. Благовещение 2. Рождество Иисуса 3. Поклонение волхвов 4. Воскресение Христа 5. Вознесение Христа на небо 6. Пятидесятница или сошествие Святого Духа на Апостолов и Марию 7. Коронация Богородицы на небесах. Сложнейшая задача - не семь, а двадцать христианских религиозных сцен вплетены в ландшафт полотна: Благовещение, Рождество, Благовещение пастухам, звезда, явившаяся волхвам, посещение волхвами Ирода, дорога туда и обратно, поклонение волхвов, избиение младенцев, бегство Святого Семейства в Египет, искушение Христа, Воскресение, Не прикасайся ко Мне, Христос в Эммаусе, Пётр на море, явление Христа Марии, Вознесение, Троица, Успение и Вознесение Девы Марии. Стоит отметить, что в английской литературе эта картина назвается — «Пришествие и Триумф Христа».

"Призрак Оивы" 1832 г. Кацусика Хокусай Бостонский музей изящных искусств. Один из листов серии Хокусая «100 историй о призраках» посвящен Оиве – самому известному в Японии привидению онрё. В японской мифологии онрё – «обиженный, мстительный дух» – неупокоенная душа человека, цель которой наказать обидчика, нанесшего ей оскорбление при жизни. Японцы очень любят традиционные сказки-страшилки с участием онрё – кайданы. Часто ставили их на сцене театра кабуки, где призраков обычно играли женщины в белых погр...ьных одеждах, с длинными распущенными волосами и мертвенно-бледным гримом. Этот образ плавно перекочевал в кинематограф: сначала японский, а затем и мировой. Самый, пожалуй, известный призрак онрё в кино – девочка с видеокассеты-убийцы из фильма «Звонок». Нет повести печальнее на свете История Оивы основана на реальных событиях, а увековечена благодаря пьесе театра кабуки, написанной Цуруя Намбоку IV. Премьера «Страшной истории о призраке из деревни Ёцуя с дороги Токайдо» состоялась в 1825 году, после чего пьеса приобрела немыслимую популярность, а с появлением кинематографа пережила десятки экранизаций. Чаще всего онрё становились женщины, погибшие по вине своих мужей. И героиня гравюры Хокусая – не исключение. Оива была замужем за ронином – самураем без хозяина. Иэмон был вынужден изготавливать зонты, чтобы содержать жену и новорожденного сына. Это было настолько унизительно для него, что он начинает ненавидеть молодую супругу, в которой видит источник своих бед, и совершает целую серию убийств. Еще до свадьбы жертвой Иэмона становится отец невесты, осведомленный о злодеяниях ронина, которые тот совершал ранее. Затем сосед – дед девушки, влюбленной в Иэмона, уговаривает угостить жену «тонизирующим средством», которое в действительности было ядом, вызывающим мучительную смерть. Вскоре ронину приходится избавиться от слуги – свидетеля преступления. Во время свадебной церемонии он по ошибке отрубает голову своей новой невесте, так как вместо нее ему видится изуродованное мучениями лицо умершей жены. Позже, пытаясь мечом отмахнуться от призрака убитого им слуги, нечаянно убивает и старика-соседа. Привидение Оивы продолжает истязать подлого мужа на протяжении всей пьесы. Куда бы он ни шел, везде является ему ее зловещий лик. В одной из сцен в Оиву внезапно превращается загоревшийся бумажный фонарь, а из дыма от этого огня проявляется тело призрака. Именно этот образ Оивы в виде горящего фонаря и запечатлен на ксилографии Хокусая. Проклятие призрака Оивы Подобно тому, сколько суеверий и загадочных событий связано с попытками экранизации романа Булгакова «Мастер и Маргарита», в Японии слагают истории о проклятии, преследующем всех, кто имеет отношение к постановке пьесы об Оиве. В 1976 году череда несчастных случаев постоянно вмешивалась в размеренное течение жизни театра Иванами-холл в Токио. Болезни настигали актеров и их родных, приходил в негодность реквизит, переносились репетиции. В конце концов вся труппа прибыла на место погребения Оивы, чтобы отслужить там панихиду. А на премьере пьесы одно место в первом ряду оставили незанятым, и с тех пор это стало непреходящей традицией. Как и обычай проводить поминальные службы на могиле Оивы перед каждой новой постановкой. Актрисы, которым предстоит играть мстительного призрака, обязательно посещают храм, посвященный Оиве, ведь считается, что им более всего стоит опасаться ее козней. И хотя ее почитают особенно злобным онрё, на гравюре Хокусая Оива изображена скорее печальной, чем разъяренной. Пронзительны опущенные вниз уголки глаз, в бессильной злобе разинута беззубая пасть привидения-фонаря. Созданный мастером образ разительно отличается от призраков Оивы на гравюрах других авторов, где она предстает устрашающей сущностью, от одного вида которой стынет в жилах кровь. КацусикаХокусай _history

Площадь Святого Марка в Венеции всегда привлекала художников, как сладкое – муравьев. Бывал тут и Валентин Серов…

Кто такие назарейцы? На днях мы проводили викторину, в которой нужно было ответить на вопрос: «Кто такие назарейцы?» Назарейцы — это группировка немецких и австрийских художников-романтиков XIX века Они писали картины на христианские, исторические и аллегорические сюжеты, которые очень похожи на живопись эпохи Возрождения Художники назвали себя «Братством Святого луки», но из-за чудаковатого внешнего вида их прозвали «назарейцы» Работали они в Италии и сильно повлияли на западноевропейское искусство, заложив фундамент для возникновения символизма Правда, похоже на Ренессанс?

Церковь Сан-Джованни-Баттиста. Церковь Сан-Джованни Баттиста (San Giovanni Battista) расположена в альпийской деревне Mogno в швейцарском кантоне Тичино. Она была построена между 1994 и 1996 годами на месте более старой церкви (1626 года), которая была снесена лавиной в 1986 году. Сан-Джованни-Баттиста возведена в честь Святого Иоанна Крестителя. Новая церковь была спроектирована швейцарским архитектором Марио Ботта (Mario Botta). В ходе ее строительства были использованы мрамор и гранит, добытые из долин этого региона. Церковь отличается необычной формой – это эллипсис с наклонной стеклянной крышей. Также вокруг церкви образован многоугольник. Эти формы символизируют арку древней церкви, защищавшей часть деревни от апрельской лавины. Интерьер церкви довольно прост: напротив алтаря стоят две деревянные скамейки, а сам алтарь создан из двух блоков белого мрамора. Также слева находится статуя Мадонны, стоящая над мраморной купелью.

"Застольная молитва" 1951 г. Норман Роквелл Частная коллекция. Когда в 1955 году журнал «The Saturday Evening Post» провел опрос своих читателей, какая иллюстрация Нормана Роквелла им больше всего нравится, то большинство назвали картину «Застольная молитва». Эта работа была написана ко Дню Благодарения и долгие годы оставалась олицетворением святого для американцев праздника. Опубликованная в журнале в 1951 году иллюстрация Норманна Роквелла точно передавала атмосферу послевоенного времени в Америке и сопровождалась текстом: «Наш мир – не самое счастливое место в наши дни». Вторая Мировая война перевернула сознание людей и очередной раз доказала как «призрачно все, в этом мире бушующем». После всемирного хаоса пришли растерянность, страх и безнадежность – неумолимые последствия войны. Картина Роквелла отвечала на многие вопросы американцев: как, пройдя через насилие и жестокость, сохранить веру в любовь и доброту и где взять силы, чтобы снова доверять людям и смотреть в будущее с надеждой? Ответ пришелся по душе многим американцам – источник силы художник видит в идущей от самого сердца молитве-благодарности за дар жизни. Идея сюжета появилась благодаря одной из читательниц «The Saturday Evening Post». В 1950 году миссис Эрл в своем письме описала сцену, очевидицей которой она стала. Она красочно поведала, как на ее глазах в кафе вбежала веселая молодая женщина с маленьким озорным мальчиком. Эта парочка сразу привлекла внимание всех посетителей своим радостным и возбужденным настроением. Когда они, довольные собой, сели за столик, то, ничуть не смущаясь переполненного зала и соседей по столику, на несколько минут застыли в молитве. Затем они с воодушевлением принялись за свой обед. Впечатленный рассказом, Роквелл написал эту сцену так достоверно, словно сам ее увидел, только для большей выразительности вместо молодой женщины художник изобразил бабушку с внуком. Каждый раз, когда художник загорался идеей, им овладевала патологическая страсть к совершенству и картина «Застольная молитва», как и многие другие, была тщательнейшим образом спланирована. Вначале сцена была разыграна в кафе на Тайм-сквер на Манхеттене. Оставшись недовольным сделанными там фотографиями, Роквелл выбирает кафе на вокзале, а чтобы точно изобразить обстановку, он даже привозит столики и стулья из кафе в свою студию. Неутолимое желание достоверности вынудило его сфотографировать двор железной станции в Ренселларе недалеко от Нью-Йорка, который на окончательном варианте виднеется за окном. В работе над картиной Роквелл, как обычно, выступает в роли режиссера спектакля: он придумывает сцену, подбирает моделей, антураж и кроме подготовительных эскизов делает сотню фотографий. Он считал, что фотография очень хорошо передает спонтанность и экспрессию. В этой картине Роквелл даже использовал прием фотографов «глубокий фокус», в котором первый и второй планы переданы с гипер-реалистичной ясностью. Для картины художнику позировали его любимые модели: молодой человек, сидящий спиной к окну, – старший сын художника Джерри, рядом с ним за столиком с сигаретой сидит ученик Роквелла, Дон Уинслоу. Картина Нормана Роквелла «Застольная молитва» стала самым дорогим произведением американского реалистического искусства - в 2013 году она была продана на аукционе Сотбис за 46 млн. долларов. НорманРоквелл Реализм _history

Ответ. «Прогулка заключённых» — картина Винсе́нта Ви́ллема Ван Гога, написанная в феврале 1890 года. Копия с гравюры «Острог» Гюстава Доре, сделанную для книги Б. Жерральда «Лондон» (1872). В конце декабря 1888 года у Ван Гога произошёл первый приступ душевной болезни, вскоре припадки стали повторяться, и он добровольно отправился в психиатрическую лечебницу Святого Павла. В лечебнице провёл с мая 1889 по май 1890. Находясь в больнице, Ван Гог не мог писать с натуры, поэтому он начал использовать литографии, гравюры и чёрно-белые репродукции других художников в качестве натуры для своих произведений. В частности, в этот период он делает копии с гравюр Милле, Рембрандта, Делакруа и Домье.

Ответ. Первое здание, которое ЮНЕСКО признало достоянием человечества в недостроенном виде, – это храм Святого Семейства в Барселоне, Испания. Его строительство идёт с 1882 года и продолжается по сей день. Первый проект был разработан архитектором Франсиско дель Вильяр, на место которого в конце 1883 года был приглашён Антонио Гауди, значительно изменивший первоначальный проект. По решению инициаторов строительства храма финансирование работ должно выполняться исключительно за счёт пожертвований прихожан, что является одной из причин столь длительного строительства. Это действующая церковь. Саграда Фамилия является одним из самых впечатляющих модернистских строений Барселоны. Его высокие шпили песочного цвета видны из любой точки города. На каждом фасаде расположены скульптуры, изображающие библейские сцены, храм украшен резными змеями и ящерицами.

Святой-всадник на западном фасаде справа от главного входа. Церковь Святого Георгия. Курбиново, Северная Македония. XII век. The Holy Horseman is on the western facade to the right of the main entrance. St. George's Church. Kurbinovo, North Macedonia. XII century.

"Святой Себастьян" 1570-е Тициан Вечеллио Государственный Эрмитаж. Одна из последних картин, написанных Тицианом, «Святой Себастьян» (1570-1572) ныне является жемчужиной Эрмитажа, попавшей туда в середине 1850-х годов из семейного собрания династии Барбариго. В 1585-м году, спустя почти десятилетие после кончины художника, сын Тициана Помпонио продал отцовский дом вместе со всем содержащимся там движимым и недвижимым имуществом некому Кристофоро из знатного падуанского рода Барбариго. Частью этой оптовой сделки оказался и такой шедевр, как «Святой Себастьян». Легенда о Святом Себастьяне В базилике Святого Себастьяна, расположенной в районе античных катакомб Рима, хранятся мощи легионера, капитана римских лучников, который за стойкость в исповедании веры был признан Католической церковью святым. Себастьян тайно принял христианство и приобщал к нему других язычников. За это император Диоклетиан назначил страшное наказание: легионера привязали к дереву и лучники из его когорты должны были пускать в Себастьяна стрелы, пока он не превратится, по словам одного доминиканского монаха, «в подобие дикообраза». Житие сообщает, что после этого истязания Себастьян выжил, однако был приговорен к повторной казни через побиение камнями. Его изувеченное тело обнаружила в придорожной канаве святая Лючия и предала земле близ Аппиевой дороги. Художественное своеобразие картины Тициана «Святой Себастьян» В определённом смысле «Святой Себастьян» представляет собой итог творческих исканий Тициана как величайшего колориста. Тициан мыслит не линиями, не объемами и массами, не светотенью или пропорциями, как другие художники, - он воспроизводит мир и воссоздаёт форму исключительно красками, через цвет и соотношение тонов. Тончайшие рефлексы желтого, розового, коричневого позволяют передать дыхание и трепет живой и страдающей плоти. Тревожный колорит картины, где ночь освещена языками пламени, бросающими на тело мученика капризные дрожащие отсветы, а мрачная земля сливается с апокалиптически черным небом, позволил искусствоведам увидеть в этом темном полотне «настоящую симфонию цвета». Интересно, что если в ранний и зрелый периоды творчества Тициана основным носителем цвета выступали ткани и предметы интерьера, то в поздний период главным ретранслятором красочного звучания становится человеческое тело, беззащитное и прекрасное в своей наготе. Поза Себастьяна, привязанного к дереву, но не сломленного, не утратившего достоинства и даже перед лицом надвигающейся смерти не открекшегося от Христа, выражает глубокую веру Тициана в стойкость человеческого духа. ТицианВечеллио РелигиознаяСцена Возрождение _history

Антонис ван Дейк (1599 - 1641). Штудия Святого Губерта. 1620-е годы. 49x37 см. Национальный музей в Варшаве. Anhtony van Dyck (1599 - 1641). Study of Saint Hubertus. 1620s. 49x37 cm. National Museum in Warsaw.

"Обращение Святого Савла" 1601 г. Микеланджело Меризи де Караваджо Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, Рим.

"Вдовушка" 1852 г. Павел Андреевич Федотов Государственная Третьяковская галерея. «Будет просто, когда напишешь раз со сто» – единственный известный афоризм художника относится как раз к «Вдовушке». Федотова угнетала сложность технических вопросов. Жесточайшая установка, которую он выработал для себя и которая потом, уже вне его ведома, легла в основу русского реалистического искусства, была такова: художник не должен «писать из головы», не должен ничего выдумывать, работать только с натуры. Сестра оставалась в Москве и позировать не могла. Как не соврать в изображении женского лица? Есть история о том, что, приехав к приятелю, Федотов долго играл с тремя его резвыми маленькими сыновьями и, вглядываясь в их лица, пояснял: «Вот где природа женщины сходится с природой детей: посмотри на эту нежную кожу, просвечивающие жилы». Уезжал домой умиротворённым, твердил: «Теперь для моей «Вдовушки» у меня есть лоб и виски. Недостаёт только любящих глаз». Но умиротворение опять сменялось мучениями. Как, например, безошибочно написать два источника освещения – свет из окна и от свечи?! Однажды на пике напряжения во сне ему явился Брюллов, самый «техничный» русский художник 1-й половины XIX века. Сначала он не верил в Федотова, отговаривал уходить из военных в художники. Но потом признал, что ошибся, и когда Федотова травили, всегда был на его стороне. «Сегодня поговорил с Брюлловым», – доверительно сообщил Федотов приятелю. Тот онемел: шёл 1852-й год, Брюллов совсем недавно скончался. Федотов быстро осёкся, стал оправдываться: «Мы, художники, иногда доходим до того состояния, когда беседа с отжившими для нас более чем возможна». Но главная тайна «Вдовушки», утянувшей Федотова в сумасшествие и могилу, в том, что это, по сути, автопортрет. За спиной вдовы, рядом с образом Спасителя, в золоченой раме – портрет покойного мужа. Где искать для него натуру? Да в зеркале! На этом портрете бывший военный Павел Федотов в гусарском мундире изобразил себя. Не вполне удачная, хотя и не лишённая оригинальности, шутка – автопортрет в роли покойника. Ужасная примета. Напоминает о театральном суеверии не ложиться на сцене в гроб. Конец жизни художника (приступообразная шизофрения с острым чувственным бредом, усмиряющие обливания холодной водой, плеврит, одинокая смерть в доме скорби в 37 лет) поневоле заставляет видеть мистику в тот самом Федотове, которого нарекли родоначальником русского реализма. ПавелФедотов Реализм

"Искушение святого Антония" 1490-е Иероним Босх Национальный музей Прадо, Мадрид. Житие святого Антония – одна из магистральных тем в творчестве Иеронима Босха. Помимо триптиха «Искушение святого Антония», представляющего жизнь христианского пустынника в разнообразных ситуациях и эпизодах, известны две одноимённых доски – первая хранится в Прадо, а вторая, атрибутированная Босху совсем недавно, – в Канзас-сити. Атрибуция мадридской доски время от времени оспаривается. Так, голландский исследовательский проект Bosch Research and Conservation Project не считает данное «Искушение св. Антония» подлинником, в то время как музей Прадо не ставит авторство Босха под сомнение. Изначально верхняя часть панели имела дугообразную (арочную) форму, но в XIX веке форма была изменена на прямоугольную при помощи добавления кусочков дуба по углам. Таким образом, в верхней части картина имеет более поздние дописи. Тема мадридской доски – медитация святого Антония, которого дьявол пытается отвлечь от молитвы, насылая разнообразных монстров. Святой показан на лоне природы, под сенью виртуозно изображённого полого дерева. Замкнутый округлый силуэт Антония со сплетенными в замок руками говорит о крайней степени концентрации святого. Ничто из происходящего вокруг не может отвлечь его от молитвы. Но что же всё-таки творится рядом? Свинья с миниатюрным колокольчиком в ухе лежит у ног Антония. Гибридное чудовище с птичье головой и корпусом, составленным из каменной башни и воронки, пытается ударить свинью молотом. Больше никто из чертей не пытается атаковать святого – ни рыба на ножках, ни гримасничающий в реке монстр. Многие чудовища поглощены своими делами: ставят мосты, тащат лестницу к дому святого. Несколько демонов тянут глиняный кувшин и льют из него воду на дерево позади святого Антония. Реставрация показала, что дерево на изначальном рисунке Босха было объято огнём. После реставрации можно различить отдельные искры и дым. Интересный вопрос – а видит ли вообще окружающих демонов святой Антоний? Некоторые исследователи склоняются к мысли, что нет. Их видим только мы – грешные люди, ведь, согласно фламандскому мистику Яну ван Рёйсбруку, жившему за 100 лет до Босха, «то, что мы созерцаем, – это то, что мы есть». ИеронимБосх РелигиознаяСцена _history https://t.me/pic_history2/233

Pierre Huyghe «Сезон праздников», 2010 На одной клумбе художник объединил растения, ставшие символами справляемых по всему миру праздников: розы святого Валентина, рождественскую ель и тыквы Хеллоуина. Получился своего рода календарь, где в оранжерейных условиях все праздники смешиваются и наслаиваются друг на друга.

Святой Иероним 1482 Леонардо да Винчи Дерево, масло. 103 × 75 см Ватиканская пинакотека, Ватикан Картина кисти великого итальянского художника. Она так и осталась незавершенной, поскольку художник отбыл в Милан в 1482 году. Центральный герой композиции — кающийся Святой Иероним (создатель канонического латинского текста Библии). Фигура Иеронима выразительна. В правой руке он держит камень. Перед ним лежит обычный спутник этого святого — лев. Картина дошла до нашего времени в испорченном состоянии. Она была сильно обрезана и затем распилена на две части, из которых нижняя могла служить крышкой ларя. Эти части собрал вместе кардинал Феш. По преданию, он нашёл нижнюю часть картины в какой-то лавке, где она служила столешницей.