Наглядные принципы сочетаний цветов познавательное практика

Кошка с птенцом во рту 1885 Бруно Лильефорс Национальный музей, Стокгольм Этот художник один из лучших и самых ярких художников-анималистов Швеции конца XIX — начала XX века. Автор реалистических изображений животных и птиц в дикой природе. Его называют великим живописцем дикой природы, в работах мастера биологические принципы объединились с мастерством реалистического импрессионизма, наука стала частью искусства. Всю свою жизнь Лильефорс был азартным охотником, и часто изображал действия хищника и его жертва (например, охоту лисы на зайца, орлана на гагу, ястреба на тетерева и пр.). Его картины лишены сентиментальности. Влияние импрессионистов проявилось в его внимании к воздействию окружающей среды и света. Лильефорс был пионером изображения дикой природы в искусстве, установил стандарты анимализма и пейзажа, которые существенно повлияли на последующее развитие этого вида искусства в XX веке. А 1 марта, кстати, в России отмечают день кошек

«Портрет Екатерины II» 1763г. Фёдор Рокотов Этот портрет был наиболее любим российской императрицей Екатериной II среди всех многочисленных ее парадных изображений. Он был приурочен к моменту коронации великой императрицы. Ее «золотой век» еще впереди, но на портрете она уже выступает как великая правительница. На картине можно найти все традиционные принципы парадного изображения, которые отсылают нас к классическим методам изображения царей, разработанных еще во времена Древнего Рима. На самом деле на полотне много отсылок к этому времени. Например, композиция картины с запечатленной на троне императрицей сразу указывает на ее главенствующее положение в обществе, недосягаемое для остальных смертных. Екатерина II изображена в профиль, что также характерно для античности. Ее лицо четко читается на фоне смутно видимой на заднем плане классической архитектуры с массивной колонной. Он выглядит совсем также, как и профили великих римских императоров на монетах и медалях времен античности.

"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории мировой живописи художник-еврей*, немного испанец, немного доминиканец, он все же известен как французский художник-импрессионист. Его искренне любили и уважали все друзья-художники и литераторы, независимо от темперамента и художественных принципов. Он обладал завидным внутренним стержнем, особой силой духа и характера, и, должно быть, золотой тенью – звездами импрессионизма стали те, кто работал рядом с ним и кого он перезнакомил друг с другом. Этот автопортрет написан в то время, когда Писсарро открывает французам Сезанна. Приглашает молодого художника, которого никто не воспринимает всерьез, к себе в дом, настойчиво рекомендует включить его работы в экспозицию выставок импрессионистов, дает Полю уроки, которые тот не забудет никогда. Для обоих художников это было время перемены стиля и взаимного обогащения художественными идеями. Писсарро учится по-сезанновски моделировать объем цветом и прорабатывать композицию, а Сезанн наконец-то впускает свет в свою палитру и избавляется от черного цвета. Свой автопортрет Писсарро пишет так же, как если бы это был холм в Понтуазе или уходящая вдаль дорога в Лювесьенне. Не водную гладь и не колышущиеся деревья, которые меняют форму от порывов ветра, а некую непоколебимую основательность, чье настроение меняется, а суть неизменна. Здесь та же неуловимая игра солнечного света, те же короткие мазки и ощущение живого мира. При этом нужно понимать, что Писсарро в 1873 году всего 43 года, война уже позади, а первая выставка импрессионистов состоится только через год. Это время надежд и дерзких экспериментов, время, когда старые художественные принципы и стандарты трещат по швам. А Писсарро… Он всегда был мудрым старцем, холмом, скалой и дорогой. *У евреев существует запрет на изображение визуальных образов: «не делай себе кумира и никакого изображения того, что на небе вверху, что на земле внизу, и что в воде ниже земли», вторая заповедь. В синагогах не встретишь фресок или скульптур. Британский искусствовед Вальдемар Янушчак считает, что до Писсарро никто из евреев этот запрет не нарушал, а потому до него не было художников-евреев. КамильПиссарро Импрессионизм _history

Супрематистская композиция 1921 Иван Кудряшов Бумага, карандаш, акварель. 23,5 × 22,2 MoMA, Нью-Йорк Русский художник-авангардист, ученик Казимира Малевича. Кудряшов вместе с Лисицким изучал принципы сечения красок, преломления света в живописи и пространственного формообразования. В своих произведениях он активно разрабатывал тему полетов в космос. В концептуально связанных с теориями космизма работах Кудряшова геометрическая абстракция служит средством для рассказа о межзвездном пространстве, исполненном непостижимого вихреобразного движения и особенного цвета и света. Художник писал об этом: «исследуя супрематическую форму в движении, приходим к решению, что движение по прямой к какой-нибудь планете не может быть побеждено иначе, как через кольцеобразное движение промежуточных супрематических спутников, которые образуют прямую линию колец от спутника к спутнику». Пластическое воплощение космических полетов и космоса в живописи стало ведущей темой в творчестве Кудряшова.

​Во времена старых мастеров секреты живописи часто передавали по наследству. А если и принимали на обучение в академии, то отбор учеников был очень строгий. Мастера считали, что искусством должны заниматься только те, для кого живопись — это призвание жизни. Потому что, если мастерство требует опыта, то непревзойденное мастерство всегда связано с призванием. Именно поэтому картины получались живыми и настоящими и сохранились до наших дней почти в первозданном виде. А их “выдержка” в коллекциях королей придала шедеврам только особый шарм вечности. Страсть к своей профессии становится той движущей силой, которая помогает возвысить прекрасное до степени великого. В наше время восхищение теми, кто отдает своей работе всю жизнь, стало отправной точкой создания арт-проекта The Makers бренда односолодового виски The Balvenie, 20 июля. Гости мероприятия ознакомились не только с процессом приготовления, но во время ужина продегустировали The Balvenie PortWood 21-летней выдержки. Вообще, The Balvenie — единственная винокурня Шотландии, развивающая пять традиционных ремесел, чьи принципы производства не менялись на протяжении последних ста лет. Начиная с выращивания собственного ячменя, медника, бондаря и мастерства купажа. Все эти технологии не меняются столетиями, чтобы сохранить именно тот неповторимый вкус и аромат. Вы только послушайте: “Бархатисто сладковатый и удивительно мягкий, фруктовые и цитрусовые нотки в ансамбле с корицей, мускатным орехом и мёдом.” И это только вкус! А ещё есть и аромат, и послевкусие. Да, это затратная технология, но окупается всё это исключительным качеством виски. Это всего одна из полутора десятков разной выдержки бутылок с сайта https://wgsacademy.com/brands/the-balvenie/ А ещё о виски The Balvenie говорят, что это самый рукотворный односолодовый виски. THEBALVENIE THEMAKERSBYBALVENIE https://telegra.ph/file/8e04ee4ee6b60a6c2741c.jpg

Ищем иллюстраторов, чтобы обучить профессии с нуля до уровня PRO. За 12 месяцев вы научитесь создавать коммерческие иллюстрации, персонажей и анимацию и сможете зарабатывать от 80 000 рублей! На курсе возможна отсрочка платежа на шесть месяцев - первый платеж через полгода. Через 12 месяцев вы сможете: – Рисовать в цифре и от руки Освоите графические редакторы, чтобы создавать векторные и растровые изображения. – Выстраивать композицию Узнаете базовые принципы композиции и перспективы, научитесь использовать академические правила рисунка и эффектно выходить за их рамки. – Работать с цветом Научитесь использовать палитру, придавать настроение персонажу и рисунку с помощью цвета. – Создавать коммерческие иллюстрации Научитесь делать иконки, рекламную и книжную иллюстрацию. – Делать анимацию Сможете оживлять изображения в After Effects и правильно встраивать анимацию в проект. Переходите по ссылке, чтобы узнать подробности о курсе и забронировать место со скидкой: https://clc.am/m7BJlQ

"Новый Адам" Шандор Бортник, 1924 > Будапешт, Венгерская национальная галерея Бортник – живописец и графический дизайнер. На его творчество повлияли кубисты, экспрессионисты и конструктивисты. В 1922 он отправился в Веймар, где изучал принципы Баухауса. По возвращении мастер основал школу последователей Баухауса, а потом стал директором Академии художеств Будапешта. «Новый Адам» является парной картиной к «Новой Еве». Фигура помещена в футуристическое безлюдное пространство. Герой, тело которого составлено из геометрических фигур, изображен один в окружении теплых красок, посреди холодного мира. В отличие от своего ветхозаветного прототипа он не может им обладать. Адам замкнут в тесном пространстве, ограниченном стеклянными перегородками. Окружающий его мир безлик и недружелюбен по отношению к человеку. Лицо персонажа условно, сам он – механическая кукла, которую можно завести ручкой шарманки, а желторозовые краски вокруг еще сильнее подчеркивают этот игрушечный образ в нарочито строгом костюме.

Поговорим о готике? ⠀ Термин «готика» определяет культурный период XII-XVI веков в истории между Средневековьем и эпохой Возрождения. Готический стиль развивался во всех сферах жизни и был пронизан христианским мировоззрением. В искусстве период готики ярче всего отразился в архитектуре, а также живописи. ⠀ Характерные черты: ⠀ Глубокая религиозность сюжетов и отражение реальности через христианские мотивы. Помпезность, которая передавала величественность господствующей религии. Одухотворенность и легкость в пространстве, при этом серьёзность и некая суровость изображаемых героев. Преобладание «благородных» оттенков: золотистых и бордовых, преимущественно глубоких и густых. Вертикальность композиций, угловатость и заострённость форм. ⠀ Что почитать? ⠀ М.К. Муратова «Мастера Французской Готики» ⠀ Разные подходы к готическому искусству, особенно к архитектуре. Также в книге присутствуют наглядные разборы теории и практики мастеров этого периода. ⠀ Рольф Томан «Готика. Архитектура. Скульптура. Живопись.» ⠀ История развития готического стиля от его взлета до падения. Подробные разборы об особенностях направления в разных странах, а также дополнительные статьи о социальной жизни в эту эпоху. ⠀ Гораций Уолпол «Замок Отранто» ⠀ Считается первым готическим романом, в котором скорее интереснее наблюдать за развитием стиля, чем сюжета. ⠀ А что вы посоветуете почитать или посмотреть об этом периоде?

История про здание Третьяковской галереи на Крымском валу, она же - Новая Третьяковка, или то место, где проходят обычно самые посещаемые выставки - Серов, Репин, Поленов, Врубель - все показывают там. К середине 1950-х годов и Третьяковская Галерея, и Союз Художников СССР ощущали острую необходимость в пространстве для экспонирования коллекции. Главным архитектором был назначен Н.П. Сукоян Часть здания, которую финансировал Союз Художников, открылась в 70-е годы, вторая часть - за которую платило государство, строилась дольше и была сдана только в 1986 году. Проект здания на Крымском Валу аккумулировал в себе основные принципы классической архитектуры и главные достижения модернизма. Основа здания - железобетонный каркас. Одно из важнейших технических решений — устройство освещения. К работе над ним привлекались сотрудники лаборатории светотехники Института строительной физики. В результате удалось осветить 70% экспозиции верхним естественным светом, для чего в крыше были сделаны зенитные фонари, а в экспозиционных залах — подвесной потолок со светопроницаемым остеклением. Цветовая гамма здания строится на использовании контрастных оттенков природного камня: мрамора, гранита, известняка. Самыми выразительными предметами интерьера холлов и вестибюлей стали люстры. Они были заказаны специально для здания в компании «М. Хаупт» (Австрия), которая несколькими годами ранее выполняла заказ для Кремлевского Дворца съездов. Так что, когда пойдете в Новую Третьяковку, обратите внимание на люстры! PROинтересныефакты

Лунная ночь 1898 Аксели Галлен-Каллела ГМИИ им. А.С. Пушкина Стиль художника Аксели Галлен-Каллела — финский художник шведского происхождения, наиболее известен по иллюстрациям к Калевале. Он писал монументальные панно, посвященные героям карело-финского эпоса. В его произведениях сочетались символическая трактовка образов, четкость изображения деталей с броскими цветовыми и композиционными ритмами. Важное значение в его сюжетных композициях играли пейзажные фоны. Создавал Галлен-Каллела и чистые пейзажи, в которых он часто представлял обобщенный цикл человеческой жизни-смерти вкупе с рождением-умиранием природы. Переезд В 1894 году Галлен-Каллела переехал в построенный им деревянный дом в Калеле, на берегу озера Руовеси в центральной Финляндии. Изображенный фрагмент деревянной постройки в пейзаже «Лунная ночь» имеет большое сходство с террасой дома художника. Можно предположить, что на картине представлено озеро Руовеси. Галлен-Каллела неоднократно писал виды с террасы своего дома. Особенности северного символизма Данный пейзаж в полной мере воплощает особенности северного символизма, где новые принципы изобразительного языка не только не противоречили традиционной реалистической манере, но и успешно уживались с ней в рамках одного произведения. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

На этот сюжет Делакруа вдохновил лорд Байрон, а еще, добавляют шепотом биографы, маркиз де Сад, чьи книги активно печатались во Франции в начале XIX века. Правда, нелегально. С Байроном как раз все законно: один из друзей художника работал над иллюстрациями к французскому изданию Байрона и дал почитать Делакруа пьесу об ассирийском царе Сарданапале. История царя, повелевшего сжечь все свои богатства перед приходом врага, настолько поразила юного Эжена, что он проделал поистине научную работу по поиску подробностей. В Лувре он копировал профили с монет Древнего Востока, изучал в библиотеке гравюры в книгах великих путешественников и монгольские миниатюры, читал труды древнегреческих историков. Какая-то утварь и пестрые шелка подсмотрена в антикварных лавках и напоминают скорее Индию, какие-то элементы архитектуры пришли из увиденных в Англии картин о гибели древних городов. А вот от маркиза де Сада контрабандой на полотно прокралось упоительная смесь сладострастия и смерти, обостренные ощущения и самые прекрасные в живописи XIX века женские спины. Биографы говорят, что Делакруа не любил вспоминать об этой картине в зрелом возрасте. Как будто он вскрыл свои самые сокровенные страсти и фантазии, чтобы потом навсегда спрятать их от чужих глаз. В канонической истории Сарданапала, ни у Байрона, ни у древних историков, ничего не говорилось об убийстве жен, слуг и лошадей. Царь-сибарит (это он изобрел пуховую перину) просто попросил уничтожить все, что доставляло ему удовольствие при жизни. Это Делакруа в своем воображении нарисовал юных красавиц, резню и спокойного тирана, удовлетворенно принимающего гибель любимых и собственную гибель. На первых набросках в роли Сарданапала Делакруа изображал себя. А еще предвосхищал импрессионистичную манеру в живописи. В рабочих заметках между прочим есть запись: «Желательно, чтобы мазки лежали раздельно, они сольются на расстоянии, сообщив цвету большую чистоту и интенсивность». Именно живописную эмоциональность и свежесть «Сарданапала» даже самому Делакруа удастся превзойти не скоро. Чтобы понять, каким фейерверком должна была выглядеть эта картина 29-летнего художника, можно взглянуть на гвоздь сезона в Салоне того года – «Апофеоз Гомера» Энгра. Абсолютно глянцевое и статичное изображение, которое как будто распадается на части и не дает глазу зацепиться за что-то важное. Делакруа в «Сарданапале» совершил переворот: изображение невероятно динамичное (сравните хотя бы с «Гомером»), а композиция выстроена по закрученной спирали. Сочетание ярких, насыщенных красок, которых Делакруа уже научился не бояться, создает настолько страстную и страшную картину, что Департамент изящных искусств и критики забили тревогу. В газетах можно было увидеть, например, такую рецензию: «Господин Делакруа заказал два фургона с тем, чтобы вывезти разрушенную мебель из дворца господина Сарданапала, двое похоронных дрог для мертвых и два омнибуса для тех, кто остался в живых». Делакруа после этой картины впал в немилость и был лишен государственных заказов. Благо, правительство во Франции в XIX веке менялось чаще, чем художественные принципы. Немилость продлилась всего три года – до Июльской революции. ЭженДелакруа Романтизм _history