Настиг кризис творческих идей? Если Вы дизайнер, художник, фотограф...

"Капризница" 1718 г. Антуан Ватто Государственный Эрмитаж. Поэт Шарль Бодлер утверждал, что самое ценное в искусстве Ватто – его капризные, своенравные, но бесконечно элегантные женщины. «Капризница» из собрания Эрмитажа – безусловно, одна из них. В центре композиции, с небольшим смещением влево, сидит миловидная дама в струящемся черном платье. За её спиной игриво полулежит господин в красном берете с пером и, очевидно, заигрывает с девушкой. Но её напряжённо-прямая осанка и явное неудовольствие на лице свидетельствуют, что поклонник чересчур навязчив и уступать его напору героиня не расположена. Во всяком случае, сейчас. Флирт и ухаживания, проявления галантности – это вообще центральная тема рококо. И именно Ватто положил ей начало своими «галантными празднествами». «Капризница» также принадлежит к этому жанру. Нарядно одетые герои явно принимали участие в каком-то увеселении, а вот сейчас удалились от общества, чтобы прояснить отношения наедине. Однако, в отличие от абсолютного большинства сюжетов «галантных празднеств», где ухаживания совершаются к полному взаимному удовольствия, «Капризница» демонстрирует интересный психологический разворот – женское раздражение от навязчивого внимания. Развернувшись спиной к собеседнику, героиня проявляет высшую степень неучтивости. Этим она показывает, что относится к визави без всякого уважения. Мечтательный взгляд Капризницы устремлён вдаль. Некоторые даже предполагают – на некоего другого кавалера, которого она предпочла бы видеть рядом с собой. Ватто любил смешивать реальность и театр, наряжать друзей в театральные костюмы, которые он коллекционировал, и в таком виде рисовать их. Ему импонировала идея игрового смешения иллюзии и реальности, нравилось извлекать из этого взаимного проникновения неожиданные психологические эффекты. Всё это есть и в «Капризнице». Трудно отделаться от мысли, что героиня ощущает себя на сцене, перед полным зрительным залом, что она чересчур озабочена тем, как выглядит со стороны. Этому впечатлению подыгрывает даже пейзаж, покорно выполняющий роль кулис. В «Капризнице» есть то, за что Ватто ценят больше всего – некая умышленная недоговоренность. Загадочная будничность. Трактовка смысла картины вроде бы лежит на поверхности и в то же время – вызывает трудности, ускользает от окончательного понимания. Именно за это качество Ватто впоследствии выше всех прочих художников будут ценить символисты. Может быть, Капризница не отклоняет ухаживания, а наоборот – слушает оправдания и принимает извинения? Может быть, это не начало отношений, а их конец или явный кризис? Может быть, что-то вызвало ревность героини и герой (любовник?) вынужден оправдываться? Так или иначе, Ватто предстаёт перед нами мастером тонкого и затейливого психологического рисунка. Именно во внимании к личности и нюансам переживаний героини заключена ценность картины. Известный искусствовед Михаил Алпатов писал, что для её понимания стоит сравнить «Капризницу» с работами кого-нибудь из голландцев ХVII века: Ватто «интересуют в первую очередь не красивые вещи, не блестящие ткани, как многих голландцев, а характер и мимика людей». Но голландских мастеров Ватто в самом деле очень ценил и многому у них учился. Исследователи мягко укоряют художника за вольные или невольные заимствования: дескать, и наряды у него уж больно а-ля Франс Халс. А красный берет персонажа «Капризницы» - так и вовсе списан у Рембрандта. И все-таки нельзя не признать, что платье героини – само по себе маленький шедевр с бесконечным разнообразием переходов цвета, который лишь условно может быть назван черным. АнтуанВатто Рококо _history

Пророк Иона - единственный ветхозаветный пророк, попытавшийся убежать от Бога. Бог ему говорит - надо, мол, вылезти из своей уютной Галилеи и сходить к язычникам, попроповедовать им, потому что они совсем у себя в Ниневии распустились, творят злые дела, от рук отбились. Ты им там передай, что я их город планирую разрушить, но у тех, кто послушает тебя и покается есть шанс на спасение. “Лол нет” - как бы ответил Иона и прыгнул в ближайший корабль, чтоб отплыть в максимально противоположном Ниневии направлении, в Фарсис. Чтоб было понятно - Ниневия - это территории современного Ирака, а вот Фарсис - место загадочное, до сих пор гадают какие края имелись в виду под этим названием в Ветхом завете, но пока рабочие концепции - это или где-то в нынешней Турции, то ли в Испании, то ли в Индии. Курорт, короче, никаких проповедей для тех, кто не очень настроен слушать. Пророк Иона, будучи пророком, как-то догадался, что будет, если он притащится в сильный и большой языческий город, да к тому же вражеский, со своими проповедями. Потому что вообще-то как раз в это время евреи воевали с ассирийцами. Еще Иона наверняка решил, что всепрощающий и очень добрый Бог как-то без него справится и пощадит язычников самостоятельно. Чтоб образумить Иону, Бог устроил шторм. Команда и пассажиры в ужасе метались по кораблю, купцы выкидывали свои товары за борт и все пытались понять почему их настигло такое ненастье - каждый молился своему богу как умел, а Иона сладко дрых в трюме. Его попробовали разбудить и попросить тоже к своему богу обратиться, а потом решили кинуть жребий чтоб выяснить кто же виноват в шторме. Жребий пал, какой сюрприз, на Иону. Все на него вытаращились - ты, мол кто такой и чего с тобой делать? Вздохнул Иона, понял, что спать дальше не дадут и попросил выкинуть его в море, потому что как только выкинут - тут и шторм утихнет. Ну и выкинули. И повелел Господь большому киту поглотить Иону. Раз не выполняешь мою волю, сиди в ките, как дурак. Тут, видимо, логика такая - раз Бог создал землю, небо, воду и все остальное, а Иона порядку и повелению божию подчиняться не хочет, то он из этого порядка исключается. И болтается в неком Нигде - не на суше, не на море, а в ките. И сидел Иона в ките три дня и три ночи, что удивительно, даже сохраняя некоторую бодрость духа, сообразив, что хоть он и внутри рыбы, где темно и водоросли у него на голове, но все же он цел и жив. Поэтому начал Иона раскаиваться и молиться, обещать исправиться и услышал его Бог и велел киту пророка выплюнуть. Ну и как бы спросил - и чего, на чем мы остановились? В Ниневию-то пойдешь? А то они там утопают в роскоши, чтят ложных богов, и, напомню, отбились от рук. И пошел Иона в Ниневию, что, кстати, было довольно удобно, потому что кит его подбросил - по пути было идти теперь, всего три дня пешочком. Дошел и начал всем рассказывать, что через сорок дней город будет разрушен, если все вокруг не покаются. А жители такие - и чего это мы, и правда, не покаемся? А мы очень даже готовы! Объявили пост, нарядились в мешки, начали отказываться от всякого зла, насилия и вообще. И даже царь Ниневии как услышал, что творится - так тоже покаялся, сел на пепле и тоже в мешок одетый. И даже овцы, волы, ослики - тоже все постились и каялись. “И увидел Бог дела их, что они обратились от злого пути своего, и пожалел Бог о бедствии, о котором сказал, что наведет на них, и не навел.”

"Две девушки за фортепиано" 1892 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. У самого бесстрашного и дальновидного французского маршана Поля Дюран-Рюэля в 1892 году открывается выставка. Выставка посвящена одному Ренуару. Еще 10 лет назад Дюран-Рюэль скупал у импрессионистов картины, чтоб они не умерли от голода, и идея такого мероприятия выглядела дерзко даже для него. А теперь ему пришлось собирать экспозицию, выпрашивая самые значимые полотна Ренуара у новых владельцев. 111 произведений, написанных совсем недавно и очень давно, оказались собраны в галерее и представлены восхищенным парижанам. За последние 20 лет они научились видеть иначе: солнечные блики на коже «Обнаженной» уже не кажутся им трупными пятнами, объемные, страстные мазки не выглядят мазней. На этой выставке происходит важное для 50-летнего Ренуара событие: впервые его картину покупает Департамент изящных искусств для Люксембургского музея. Когда-то продававший картины по 50 франков, Ренуар получает за нее 4 тысячи! Эта картина – «Две девушки за фортепиано». Дальше ее ждала феерическая звездная судьба: Лувр, Галерея современного искусства Же-де-Пом и, наконец, Музей д'Орсе. А пока французы привыкали к импрессионизму, каждый импрессионист уже подумывал, к чему приучать французов дальше, изобретал новые техники и замешивал на палитре новые краски. После путешествия в Италию, после встречи с Рафаэлем и Энгром Ренуар счистил со своей палитры весь этот яркий изумрудный и прозрачно-розовый, аккуратно выдавил краски из тюбиков с охрой и кобальтом и начал обводить фигуры настойчивым контуром. Он убежден, что импрессионизм недооценивал значение классического рисунка. Очень скоро ренуаровской палитре становится скучно – и он возвращает туда для начала красный, белый, черный и все остальные. Картину «Девушки за фортепиано» Ренуар написал в тот восторженный период выхода из классицистического кризиса и обретения собственного живописного языка. «Жемчужный» период – называют его искусствоведы за особую, уже не импрессионистскую и не совсем не энгровскую, переливчатость цветов. И тени на платьях, и волосы двух девушек, и штора на заднем плане, и отблески света на рояле создают цельную переливающуюся, полную взаимных рефлексов, светящуюся изнутри маленькую вселенную, где все со всем связано и ничто друг без друга невозможно. В этот художественный мир ничего не добавишь и ничего не убавишь. Он идеально уравновешен. ПьерОгюстРенуар Импрессионизм _history

"Призрак Оивы" 1832 г. Кацусика Хокусай Бостонский музей изящных искусств. Один из листов серии Хокусая «100 историй о призраках» посвящен Оиве – самому известному в Японии привидению онрё. В японской мифологии онрё – «обиженный, мстительный дух» – неупокоенная душа человека, цель которой наказать обидчика, нанесшего ей оскорбление при жизни. Японцы очень любят традиционные сказки-страшилки с участием онрё – кайданы. Часто ставили их на сцене театра кабуки, где призраков обычно играли женщины в белых погр...ьных одеждах, с длинными распущенными волосами и мертвенно-бледным гримом. Этот образ плавно перекочевал в кинематограф: сначала японский, а затем и мировой. Самый, пожалуй, известный призрак онрё в кино – девочка с видеокассеты-убийцы из фильма «Звонок». Нет повести печальнее на свете История Оивы основана на реальных событиях, а увековечена благодаря пьесе театра кабуки, написанной Цуруя Намбоку IV. Премьера «Страшной истории о призраке из деревни Ёцуя с дороги Токайдо» состоялась в 1825 году, после чего пьеса приобрела немыслимую популярность, а с появлением кинематографа пережила десятки экранизаций. Чаще всего онрё становились женщины, погибшие по вине своих мужей. И героиня гравюры Хокусая – не исключение. Оива была замужем за ронином – самураем без хозяина. Иэмон был вынужден изготавливать зонты, чтобы содержать жену и новорожденного сына. Это было настолько унизительно для него, что он начинает ненавидеть молодую супругу, в которой видит источник своих бед, и совершает целую серию убийств. Еще до свадьбы жертвой Иэмона становится отец невесты, осведомленный о злодеяниях ронина, которые тот совершал ранее. Затем сосед – дед девушки, влюбленной в Иэмона, уговаривает угостить жену «тонизирующим средством», которое в действительности было ядом, вызывающим мучительную смерть. Вскоре ронину приходится избавиться от слуги – свидетеля преступления. Во время свадебной церемонии он по ошибке отрубает голову своей новой невесте, так как вместо нее ему видится изуродованное мучениями лицо умершей жены. Позже, пытаясь мечом отмахнуться от призрака убитого им слуги, нечаянно убивает и старика-соседа. Привидение Оивы продолжает истязать подлого мужа на протяжении всей пьесы. Куда бы он ни шел, везде является ему ее зловещий лик. В одной из сцен в Оиву внезапно превращается загоревшийся бумажный фонарь, а из дыма от этого огня проявляется тело призрака. Именно этот образ Оивы в виде горящего фонаря и запечатлен на ксилографии Хокусая. Проклятие призрака Оивы Подобно тому, сколько суеверий и загадочных событий связано с попытками экранизации романа Булгакова «Мастер и Маргарита», в Японии слагают истории о проклятии, преследующем всех, кто имеет отношение к постановке пьесы об Оиве. В 1976 году череда несчастных случаев постоянно вмешивалась в размеренное течение жизни театра Иванами-холл в Токио. Болезни настигали актеров и их родных, приходил в негодность реквизит, переносились репетиции. В конце концов вся труппа прибыла на место погребения Оивы, чтобы отслужить там панихиду. А на премьере пьесы одно место в первом ряду оставили незанятым, и с тех пор это стало непреходящей традицией. Как и обычай проводить поминальные службы на могиле Оивы перед каждой новой постановкой. Актрисы, которым предстоит играть мстительного призрака, обязательно посещают храм, посвященный Оиве, ведь считается, что им более всего стоит опасаться ее козней. И хотя ее почитают особенно злобным онрё, на гравюре Хокусая Оива изображена скорее печальной, чем разъяренной. Пронзительны опущенные вниз уголки глаз, в бессильной злобе разинута беззубая пасть привидения-фонаря. Созданный мастером образ разительно отличается от призраков Оивы на гравюрах других авторов, где она предстает устрашающей сущностью, от одного вида которой стынет в жилах кровь. КацусикаХокусай _history

"Портрет Екатерины Сергеевны Авдулиной" 1823 г. Орест Адамович Кипренский Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. «Портрет Е.С.Авдулиной» был весьма высоко оценён современниками Кипренского, однако нынешние искусствоведы, признавая бесспорное мастерство художника, находят в этом портрете некий «настораживающий холод». Дело в том, что в «Портрете Авдулиной» более не ощущается того близкого и живого контакта между художником и его моделью, который помогает выявить глубинные пласты натуры портретируемого и которым, собственно, и славен был Орест Кипренский. «Портрет Е.С.Авдулиной» написан в период, когда художник уже пережил высшую точку своей славы и мастерства и приближался к сложному творческому кризису. Возможно, именно этим объясняется несколько элегическое звучание картины. Екатерина Сергеевна Авдулина – кто она? О героине портрета Кипренского известно не слишком много. Она происходила из весьма богатой, но не отличающейся знатностью семьи, была замужем за генерал-майором Алексеем Авдулиным. Вместе с мужем Екатерина Сергеевна покровительствовала литераторам и художникам; дружила с русской актрисой Александрой Каратыгиной и итальянской певицей Анжеликой Каталани. Дом Авдулиных был поставлен на широкую ногу, регулярно давались балы, на которых иногда бывал даже Пушкин. Что касается портрета Кипренского, то об обстоятельствах его создания известно только то, что он написан не в России, а либо во Франции, либо в Италии. Техническое мастерство Кипренского и ориентация на художников Возрождения Нельзя не отметить, насколько совершенно Кипренский, живя в Италии, научился технике живописной передачи украшений и тканей. Узорчатая персидская шаль сложно-горчичного цвета, пенящаяся кисея чепца, отчетливый холодный блеск жемчуга, оттеняющего нежность карнации (изображения открытых участков тела) – всё это даже несколько затмевает саму героиню, о которой один из современников сказал: «В её физиономии есть душа». Композиция, при которой героиня изображается на фоне темной стены и фрагментарно видимого пейзажа, а также «джокондовский» рисунок рук говорят об ориентации Кипренского на образцы живописи эпохи Возрождения, в том числе и на знаменитую картину Леонардо да Винчи, которую художник видел в Лувре. Облетающий белый левкой (по другой версии – гиацинт) на фоне тревожного багрового неба имеет аллегорический смысл. Гиацинт был символом печали и умирающей природы, а левкой, согласно поверьям, опадал в минуту смерти кого-то из домочадцев. Таким образом, посредством цветка намекается на печальные события в судьбе героини, остающиеся вне пределов нашей компетенции, но отчасти объясняющие минорное настроение портрета. ОрестКипренский Портрет Романтизм _history

"Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях" 1864 г. Фредерик Уильям Бертон Национальная галерея Ирландии, Дублин. По итогам опроса, проведённого в 2012 году, работа Фредерика Уильяма Бёртона «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях» была признана самой любимой картиной в Ирландии, опередив произведения более известных художников. Результаты ничуть не удивили кураторов Национальной галереи в Дублине: они знают, насколько популярна у посетителей эта композиция, а её репродукция – постоянный бестселлер в музейном магазине. Источником вдохновения для Бёртона послужила поэма «Хеллелила и Хильдебранд», опубликованная в 1855 году во «Втором сборнике датских баллад» в переводе Уитли Стоукса, друга художника. По сюжету, дочь короля, прекрасная Хеллелила (варианты: Хилле, Хиллелиль), полюбила одного из двенадцати своих телохранителей – принца Хильдебранда. Влюблённые бежали, прихватив с собой казну. Обнаружив это, отец и семеро его сыновей пустились в погоню и настигли беглецов. Но Хильдебранд оказался грозным противником, он убил короля и шестерых его отпрысков. Хеллелила вмешалась, чтобы спасти жизнь последнего брата, назвала своего возлюбленного по имени и тем самым лишила сил. В тот же миг он упал замертво. Выживший брат привязал сестру к коню и доставил домой, где их мать умолила его продать девушку в рабство, а не казнить. Свою историю Хеллелила рассказала королеве, у которой служила вышивальщицей, после чего умерла. В картине отражена чувствительная натура Бёртона, который избегал кровожадных или сексуальных сцен. Этот эпизод иногда интерпретируют как момент расставания Хеллелилы и Хильдебранда после близости, но художник вряд ли изобразил бы такой момент. Скорее, это воображаемая ситуация, когда пара случайно встречается на лестнице, и принц страстно ловит руку своей возлюбленной. Бёртон создаёт эмоционально напряжённую ситуацию, изобразив внезапные объятия и девушку, которая от неожиданности уронила букет. Лепестки, рассыпавшиеся по лестнице, символизируют мимолётность их любви и её разрушительный характер. Получив травму правой руки в детстве, Бёртон рисовал левой. При этом он не выносил запах масла или (что более вероятно) растворителей, а потому писал только красками на водной основе – акварелью и гуашью. Он сделал множество предварительных эскизов – сейчас их известно более тридцати – включая один детально проработанный, который больше финальной композиции. Ностальгическое настроение, исторический антураж и костюмы сближают эту работу Фредерика Уильяма Бёртона с произведениями прерафаэлитов. Дополнительным акцентом стала сдержанная манера, с которой художник передаёт сцену, избегая чрезмерностей мелодрамы. Бёртон также позаботился об оформлении картины. В его инструкции написано, что её нельзя снимать с доски, на которой она закреплена, и вынимать из оригинальной позолоченной рамы. Масштабная (почти метр в высоту!) работа написана акварелью, что создаёт дополнительные сложности консерваторам: краски могут поблекнуть под воздействием прямого света. Поэтому «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на башенных ступенях» хранится в специальном закрытом боксе. Увидеть её можно лишь в течение двух часов в неделю: по четвергам с 17:30 до 18:30 и по воскресеньям с 14:00 до 15:00. Картина была написана в период, когда художник находился на пике своей карьеры. Каждый элемент композиции – от предварительных набросков до завершённой работы – иллюстрирует перфекционистское внимание Бёртона к деталям, его обширные знания о средневековом мире, а также утончённое чувство цвета. Через 10 лет после создания «Хеллелилы и Хильдебранда» он был назначен директором Национальной галереи в Лондоне и оставил живопись. Но при нём учреждение приобрело значительные произведения Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли, Ганса Гольбейна и многих других мастеров. ФредерикБертон _history

Закрытые территории В 2013–2015 годах художник Данила Ткаченко создал проект «Закрытые территории». Он снимал секретные сооружения для проекта о том, к чему приводит технический прогресс. Художник: «Человек склонен всегда хотеть большего, чем имеет, вследствие чего и появился технический прогресс, который был средством для создания всевозможных удобств, стандартов, а также инструментов насилия для удержания власти. Принцип „лучше, выше, сильнее“ часто является основной идеологией государств, ради этого они готовы пожертвовать почти всем. Человек при этом должен стать инструментом для достижения поставленных целей, а взамен получить более высокий уровень комфорта. Я путешествую в поисках мест, сыгравших важную роль для технического прогресса: секретные города, которых нет на картах, забытые научные проекты, брошенные технократические конструкции, зараженные вследствие производственных аварий территории. Идеальное технократическое будущее, которое так и не смогло наступить. Любой прогресс рано или поздно заканчивается. Это может произойти по разным причинам. Из-за атомной войны, экономического кризиса или природного катаклизма. Мне интересно увидеть, что остается после». Искусство или нет?

Триптих «Окопная война» Создав серию «Война», Дикс сказал о Первой мировой всё, что хотел, и почти десять лет эта тема не играла заметной роли в его творчестве. Как мы упоминали выше, во второй половине 20-х годов художник наслаждался славой и популярностью, вышедшими за пределы Германии. Но в мрачной атмосфере кризиса Веймарской республики, накануне и во время прихода к власти нацистов Дикс вернулся к призракам своего прошлого. Когда Германию захлестнул реваншизм, и массовую поддержку получили национал-социалисты, Дикс смело создавал яркие антивоенные манифесты. С высоты наших дней триптих «Окопная война» (1932 год) можно назвать своеобразным эпилогом темы Первой мировой войны в творческой карьере Отто Дикса, неким подведением итогов. Не может не вызывать восхищение мастерство художника – Дикс блестяще обыгрывает эстетику средневековой и ренессансной религиозной живописи, делая её актуальной для своей эпохи.