Небольшая шпаргалка – на что обращать внимание при рисовании глаз. Автор...

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history

Чаепитие 1903 Андрей Рябушкин Наиболее глубокое полотно Рябушкина на тему крестьянской жизни. Это совсем небольшая картина, но производит впечатление поистине неотразимое. "Они пьют чай. За столом, покрытым белой скатертью. Сосредоточено и молчаливо они пьют чай в прикуску, с блюдечка. Они пьют чай на фоне сумеречной стены тесной и сутулой избы и усталых неподвижных лиц за своей спиной. В их позах — что-то серьёзное, почти торжественное, словно они совершают за этим столом древний священный обряд. Именно таким "незаконченным" рисунком художник достиг силы настроения, которая убеждает нас, что его надо или принять целиком, или полностью отвергнуть. Эта целостность творчества обнаруживает качество таланта." Сергей Маковский

Павел Федотов "Все холера виновата" (1848) Небольшая домашняя пирушка, один гость свалился со стула, перебрав в напитках, а вокруг него суета: женщина растирает ему щеткой грудь, хозяин тянется со стаканом чаю, между двумя дамами идет жаркий, чуть ли не до драки, спор о необходимых средствах, а потерпевший меж тем лежит пластом, раскинув руки. На обороте картины художник написал шутливые стишки: «Как лукавого в грехах Наш брат укоряет Так, когда холеры страх В городе гуляет Все всему она виной Все холеры. Так иной Чуть до вкусного дорвется Не утерпит — так напрется, Что в здоровую-то пору Перварить желудку в пору. Так подчас забывши страх На приятельских пирах Выпьют одного вина По полдюжины на брата Смотришь худо кто ж вина Все холера виновата».

"Этюд натурщика" 1811 г. Теодор Жерико ГМИИ имени А. С. Пушкина. Небольшая картина «Этюд натурщика» попала в собрание ГМИИ из коллекции С.М. Третьякова. Несмотря на имя «Теодор Жерико» на табличке, полной уверенности в авторстве нет — великолепно сложенного усатого натурщика, позировавшего в мастерской наставника Жерико Пьера Герена, писали многие. Среди предполагаемых авторов «Этюда...» называли и Делакруа, и некоего неизвестного русского мастера (что сомнительно — всё-таки картина была приобретена в коллекцию Третьякова при посредничестве известного дома «Буссо и Валадон» за солидную сумму в 4 500 франков). Но, учитывая, что подписанного Жерико в наших музеях нет, да и просто работ Жерико в мире немного, будем относиться к этому портрету как к доказанной работе одного из первых французских художников-романтиков. Тем более, что все характерные признаки у этюда присутствуют: сложный разворот фигуры, резкий контраст света и тени, глубокая темнота фона, великолепная лепка формы, и, главное, предельная романтизация образа — всё, что так любил Жерико. Героя картины — растрёпанного хмурого человека с античным торсом и совершенно не античным лицом, легко представить и на поле боя, и на палубе корабля, и на покорённой вершине — в любом месте, позволяющем поспорить с судьбой или стихией и красиво победить или драматически погибнуть. Известно, что занимаясь у Герена, Жерико часто «улучшал» постановки, то приписывая натуре воображаемый фон, то усиливая контрастность света. Герен, известный живописью классической и скучноватой, терпел его эксперименты, но предостерегал от подобного остальных студентов: «Что вы стараетесь подражать ему. Пусть работает как хочет, в нем материала на трех-четырех живописцев, не то, что у вас». Вероятно, когда-то картина была светлее, но сейчас её краски изрядно изменились — причина в готовом красителе на основе битума, который был очень эффектен при написании теней, но со временем сильно потемнел. ТеодорЖерико Портрет Романтизм _history

"Интерьер, мать и сестра художника" 1893 г. Жан Эдуар Вюйар Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). «Интерьер, мать и сестра» - одна из самых дерзких работ Вюйара. В репродукции на первый взгляд очень легко спутать ее с цветной литографией: лица-маски и руки в один тон, четкий, почти декоративный, узор на обоях, сплошное черное пятно платья. Вюйар, увлеченный японским искусством и подготовивший к печати немало собственных гравюр, переносит в живописную работу визуальные эффекты, присущие цветной печати. При этом сохраняет фактуру масляного мазка в других частях картины, не давая нам шанса ошибиться со второго взгляда на работу. Это тонкая живопись. Но дерзость Вюйара даже не в техническом изяществе – эта небольшая работа настолько интимная, открывающая личные связи, мысли и отношения, что способна вызвать ощущение неловкости и беспокойства. Как будто вы случайно услышали ссору или исповедь, не предназначенную для ваших ушей. Женщины на этом странном двойном портрете – мать художника мадам Вюйар и его сестра Мари. Они находятся в пространстве, готовом довести кого угодно до приступа клаустрофобии. Если Мари разогнется, ей придется удариться о картинную раму. Этот эффект сдавленности, даже угрожающей подвижности пространства довершают падающие вперед комод и стол, подскочивший кверху пол. Наверняка, в пределы полотна попала только нижняя часть комнаты, но фигура Мари ясно дает понять, что все! Потолок тоже где-то неподалеку, он падает и висит просто над головой. Мари в этом пространстве неуютно, узор на обоях сливается с узором на ее платье – и стены поглощают ее фигуру, она теряется здесь, становится лишь частью интерьера. Это мир, в котором доминирует мать – именно она чувствует себя спокойно и уверенно. Это ее мир. Мадам Вюйар была на 27 лет младше мужа, отставного военного – и скоро осталась вдовой без средств к существованию и с двумя детьми, которых еще предстояло выучить и вырастить. И тогда она открыла швейную мастерскую, в которой работала сама и нанимала помощниц. В этом доме на ней держалось все. Мать за работой, ее заказчиц, выкройки, ножницы, узоры на тканях Вюйар будет писать постоянно. Он проживет с матерью до самой ее смерти (Вюйару будет 60 лет, когда матери не станет) – и эти швейные декорации будут интерьером его собственной взрослой жизни. Современные арт-критики находят такие небольшие личные работы Вюйара не только обнажающее, исповедально откровенными, но и социально острыми. Резкие перемены в обществе того времени способствуют поискам таких смыслов. Ну или хотя бы делают их оправданными. Это эпоха, когда женщины начинают работать и выбираться из кухонь, когда гендерные и социальные модели стремительно меняются. В другой работе Вюйара «Интерьер с рабочим столом» Мари, стоящая спиной, как будто вышла из стены мастерской – узор ее платья повторяется в нескольких элементах окружающего пространства. Она – лишь то, чем она занимается в этих стенах: монотонная, тихая, повторяющаяся работа, бесконечные узоры, от которых кружится голова. ЭдуарВюйар Постимпрессионизм _history

"Богоматерь Сухого Дерева" 1465 г. Петрус Кристус Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. Небольшая панель «Богоматерь Сухого Дерева» была приписана Петрусу Кристусу в 1919 году. В XX веке одним из её владельцев был первый федеральный канцлер Германии Конрад Аденауэр, а с 1965 года картина входит в собрание Музея Тиссена-Борнемисы в Мадриде. Иконография этого произведения очень необычна, и сам живописец прибегал к ней лишь однажды. Но впоследствии этот мотив использовали его коллеги, в частности, Питер Классен – в своём триптихе для церкви Святой Вальбурги в Брюгге, датированном 1620 годом. Тематика картины непосредственно связана с Братством Богоматери Сухого Дерева, членами которого Петрус Кристус и его жена Гаудицина стали между 1458-м и 1463 годами. Это общество, упомянутое в документе от 1396 года, собиралось в собственной часовне в монастыре францисканцев в Брюгге, разрушенном во время религиозных войн в 1578 году. В Братстве состояли герцоги Бургундские, аристократы, члены семей высшего класса и богатые предприниматели. В одном из документов XVIII века утверждалось, что содружество основал герцог Филипп III Добрый. Якобы, Богоматерь с Младенцем явились ему в стволе сухого дерева перед битвой с французами. Правитель помолился этому образу о победе и разбил врага. В благодарность он и основал это Братство. На самом же деле оно существовало ещё до рождения Филиппа. Вполне вероятно, что панель «Богоматерь Сухого Дерева» заказал один из членов общества для домашних богослужений или художник написал её для себя. Ключ к иконографической интерпретации работы можно найти в Книге пророка Иезекииля. Слова «…Я, Господь, [...] зеленеющее дерево иссушаю, а сухое дерево делаю цветущим…» были истолкованы как прямая отсылка к первородному греху и роли Марии как Новой Евы. Сухое дерево отождествляется с Древом Познания, которое засохло после падения первых людей, но вновь расцвело с Непорочным зачатием Христа, почитаемым членами Братства. В этой небольшой картине Христос символически представляет Искупителя – он держит земную сферу, увенчанную крестом. В придачу, изогнутые и переплетённые сухие ветви дерева принимают форму венца, который явно указывает на его будущие Страсти. Висящие на ветвях пятнадцать золотых букв «А» означают «Аве, Мария» («Радуйся, Мария»). Число 15 было связано с чётками, по которым читались молитвы Богородице – заступнице человека перед Богом. Судя по тщательности отделки, картина была задумана как ценный коллекционный предмет. На это указывают также материалы и текстуры. Фигуры со скруглёнными головами и чётко выраженными чертами являются примером высокого мастерства Кристуса. Создавая типажи, он явно вдохновлялся работами Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена, у которого художник позаимствовал манеру выражения эмоций. Влияние обоих живописцев ярко проявляется в заключительном периоде творчества Кристуса, к которому относится и эта панель. ПетрусКристус Возрождение _history

"Срывайте розы поскорее" 1909 г. Джон Уильям Уотерхаус Частная коллекция. «Срывайте розы поскорее» — живописная работа Уотерхуса 1909 года, посвященная теме скоротечности времени, красоты женщины и окружающего мира. Это не первая попытка создания картины с таким содержанием: годом ранее он написал одноименное, но менее известное полотно. Живопись и литература неразлучны в творчестве Уотерхауса, и вдохновением для него может послужить одна лишь строка. Тема женщин и цветов была востребована среди прерафаэлитов и английских романтиков, но Уотерхаус подходит к ней иначе. Он не просто любуется милыми глазу образами и предметами, а вкладывает философский смысл, буквально цитируя первое четверостишие стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика — английского поэта XVII века: Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью. Первая строка, как и само название картины, на английском звучит так: «Gather ye rosebuds while ye may», что дословно переводится как «срывайте розовые бутоны, пока можете». Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах. На фоне цветочной поляны изображены две девушки, срывающие цветки с розового куста и складывающие их в букет. Художник изобразил их, как античных нимф: они воплощение нежности, женственности и чистоты, они беззаботны и слились с природой. Именно таким слушательницам Геррик посвящает свои слова. Их головы склонились над цветами, их шеи и плечи чувственны и обнажены, но, как и цветы, эти девушки спокойны и бесстрастны. Платья их, как туники, легки и прозрачны, воздушными складками окутывают героинь, живописно передавая слова автора: Отбросьте скромность, и наряд Оденьте подвенечный; Пройдёт весна и сей обряд Вам ждать, быть может, вечно. Позади юных дев течет небольшая река — символ течения жизни и уходящего времени, и на другом берегу, вдалеке, среди кедровой рощи еще две женские фигуры: одна девушка наклонилась за цветком, а вторая стоит с поднятым передником, полным цветов. Вся картина выполнена в ярком весеннем колорите. Это синие горы на горизонте, свежая трава и темные кроны деревьев. Пыльно-розовое и васильковое платья — цветовая доминанта всей работы. Добавляют контраста насыщенные цвета волос девушек: золотисто-рыжий и иссиня-черный. Автор всеми художественными способами создает для зрителя ощущение свежести и абсолютной молодости, призывая радоваться каждому моменту. Интерес к живописи Уотерхауса после его смерти значительно снизился. Это привело к тому, что какое-то время его картины можно было приобрести за бесценок. Именно поэтому многие значимые полотна сейчас находятся в частных коллекциях, а не в государственных музеях. Такая же участь постигла работу «Срывайте розы поскорее», хотя ее история более чем туманна. Картина пропала из поля зрения практически на сто лет и была случайным образом обнаружена в одном из домов в Торонто. Когда владельцы приобрели дом у предыдущих хозяев, она уже висела на стене. Каким образом работа оказалась в Канаде, до сих пор никому не известно. На аукционе Sotheby's она была оценена в сумму от 1,75 до 2,5 миллионов долларов, но ее так никто и не приобрел. ДжонУотерхаус _history

Небольшая жанровая сценка, изображенная Пабло Пикассо, называется «Свидание» (1900 г.) В 1900 году Пикассо впервые приезжает в Париж. Именно с переездом и связано создание этой небольшой картины. В этот период своего творчества художник часто обращается к мотиву свиданий, который он трактует как тему человеческой близости Пара изображена в замкнутом пространстве, в интерьере. Все второстепенные подробности опущены. Сами фигуры написаны выразительными цветовыми пятнами. Таким образом, между возлюбленными создается собственный маленький мир и зритель чувствует это напряжение чувств. Кстати, произведение хранится в ГМИИ им. Пушкина, в Москве, и у вас есть возможность его увидеть А какую историю за этим изображением видите вы?

Петербургский ангел. Петербургский ангел — это небольшая скульптура, скромно расположившаяся на одной из скамеек Измайловского сада. Его не сразу заметно, скромного вида дедушка, читающий книжку с обязательным атрибутом для Петербурга, зонтиком и самое главное у него есть крылья. Из далека кажется, что дедушка сидит с грустным видом, но стоит подойти поближе и вам будет подарена добрая улыбка. Автором этого чудесного произведения искусства является Роман Шустров. В саду добрый дедушка -ангел появился в 2012 году, выполнен из бронзы.

"Отравленные газом" Джон Сингер Сарджент, 1919 > Лондон, Ламбет Полотно было заказано британским мемориальным комитетом. Тема полотна – газовая атака. Первый раз газ хлор был использован германскими войсками под Ипром. Последствия были чудовищны – более 6000 солдат и офицеров задохнулись в своих траншеях и убежищах, огромное количество людей ослепло и получило страшные повреждения слизистых оболочек и органов дыхания, сделавшие их инвалидами на всю оставшуюся жизнь. На картине изображены солдаты, у которых из-за газовой атаки пострадали глаза. Они закрыты повязками и сильно обожжены хлором, поэтому видеть солдаты не могут. Выстроившись цепочкой и положив руку на плечо предшествующего, они медленно передвигаются к госпиталю, ведомые единственным помощником или санитаром. Вдали справа видна еще одна небольшая колонна солдат и офицеров, также ведомая санитаром. А вокруг прямо на земле лежит и сидит множество других пострадавших, очередь на осмотр врачом которых еще не пришла. На глазах у всех плотные повязки.

Е.А.Лещенко (род.в 1952 году) - заслуженный художник Украины, победитель международного биеннале 1998 года. По собственному определению, Евгений Александрович является основателем направления «Paradise art», то есть «райское искусство». По данным некоторых влиятельных изданий, является одним из самых высокооплачиваемых художников Украины. Имеет несколько высоких ценовых рекордов на ведущих мировых аукционах. Каждое полотно мастера - это небольшая метафора или притча, которая несет свой вполне объяснимый и понятный посыл. Его фантастические композиции, построенные на единстве цветных узоров, образов людей, животных и растений, отражают взаимосвязь всего живого на Земле. Эти картины-сказки приглашают хотя бы на время отрешиться от будничной суеты и вспомнить о своей давней детской мечте, вернуться в мир детских фантазий, ощущений и впечатлений, а намеренно перенасыщенный колорит призван отвлечь от повседневного круговорота новостей, забот и стрессов. Он захватывает взгляд зрителя и ведет по лабиринтам извилистых линий картин от образа к образу, уводя в полуфантастический, полуреальный мир воображения художника. художник новыйвзгляд живопись галерея колорит искусство лебедиЛеонардо вневремени играцвета арт

Венера Виллендорфская Автор неизвестен Известняк. Высота 11 см Музей естествознания, Вена Небольшая статуэтка обнаруженна в одном из древних захоронений граветтской культуры близ местечка Виллендорф в Вахау в Австрии 7 августа 1908 года. Возраст статуэтки насчитывает 29 500 лет. Почти ничего не известно ни о месте, ни о методе изготовления, ни о культурном назначении данной статуэтки. Фигура женщины выполнена в реалистическом стиле. Её грудь, живот и бёдра имеют большие округлые формы. Чётко выраженные линии подчёркивают пупок, половые органы и руки, сложенные на груди. На голове видны хорошо вырезанные волосы или головной убор; черты лица при этом полностью отсутствуют. Некоторые специалисты отождествляют её с Матерью-Землёй — хтонической богиней плодородия, почитавшейся в доиндоевропейской Европе. На 2005 год стоимость статуэтки оценивалась в 60 млн долларов.

Итак, небольшая подборка его работ (почему-то выходит только вразнобой и случайном порядке выложить, прошу прощения). Третьей прикрепилась та самая Деревенская любовь. первая картинка в подборке - Благовещение пастухам, там еще есть Продавщица цветов, Диоген, Октябрь - сбор картофеля, Сенокос и портреты мальчиков и девочек

Работа уникальной художницы XIX века снова превзошла ожидания аукционистов. Небольшая акварель викторианской миниатюристки Сары Биффин была продана за 9000 фунтов ($12.000), что почти удвоило предварительную оценку. Художница сотворила фурор. Родившись без рук и ног, она была участницей бродячего цирка, где ее прозвали «Чудом без конечностей». Свои работы она писала ртом.

Затопленная современность В 2018 году датский художник Асмунд Хавстин-Миккельсен создал проект «Затопленная современность». Он отправил на дно датского фьорда копию одного из самых важных зданий в истории французского модернизма — виллу Савой, построенную архитектором Ле Корбюзье в 1931 году. Копия виллы весит примерно 5,5 тонн. Для того чтобы поместить ее на дно, понадобился специальный кран, небольшая лодка и несколько рабочих. «…это критический комментарий к настоящему, попытка обратить внимание на важность того, что происходит сейчас в мире, и то, что мы будем делать с этим наследием в будущем», — говорит художник. Искусство или нет?

Небольшая кураторская экскурсия по выставке «Мумии Древнего Египта. Искусство бессмертия» До 31 мая в Пушкинском музее проходит первая полномасштабная выставка, посвященная мумиям Древнего Египта: более 400 экспонатов, большая часть которых еще не выставлялась и была доступна только специалистам. https://www.youtube.com/watch?v=RG5IjtW_E34

Валентин Серов "Окно" (1886) С августа 1884 года Серов гостит у Мамонтовых в Абрамцеве, а Ольга Трубникова, его возлюбленная, проводит лето в Псковской губернии. Они встретятся после долгой разлуки только летом 1886-го. Ольга приедет из Одессы в деревню Едимоново. И Валентин Серов задумает написать ее у окна. Эта небольшая картина – этюд к будущему портрету. Самой девушки на полотне еще нет. Но картина пропитана радостью предвкушения встречи с любимой. «Все, что я добивался, это той особой свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах», – говорил Серов.

Карп Бык карп — XVIII век; бык — 1763 Ито Дзякутю ГМИИ им. А.С. Пушкина Об авторе Ито Дзякутю происходил из семьи богатых торговцев и должен был продолжить дело отца, хотя считал себя не подходящим для этой работы по складу характера. С юности он интересовался живописью, брал уроки у мастера школы Кано, однако только в 40 лет смог оставить семейное дело и полностью посвятить время искусству Кисти Дзякутю принадлежат работы совершенно разные и по жанру, и по технике, но везде проявляется яркая индивидуальность этого художника. В окружающем мире его особенно привлекали насыщенные цвета, и поэтому он так любил писать разноцветных ярких петухов или жёлтых цыплят. Но даже в монохромных, выполненных только тушью работах, таких как «Карп» и «Бык», что представлены на выставке, художник подчёркивает эффектность контраста между глубоким чёрным цветом туши и белизной бумаги. Обращает на себя внимание и композиционное построение свитков: художник не боится приблизить объекты к первому плану и дать их фрагментарно. О произведении Дзякутю очерчивает мощное тело быка решительными мазками сухой кисти. А для написания плавников и хвоста карпа Дзякутю применил необычную технику судзимэ-гаки («складки»), которую считали неприемлемой крупные художники школы Кано. Техника судзимэ-гаки заключается в том, что художник пишет очень жидкой тушью, а мазки накладывает так, чтобы между ними оставалась небольшая полоса чистого листа. Три эксцентрика За смелость техники и неординарность подхода Ито Дзякутю причисляют к «трём эксцентрикам» эпохи Эдо. Кроме него, в их числе Нагасава Росэцу (1754–1799) и Сога Сёхаку (1730–1781). Все три художника признаны выдающимися живописцами своего времени. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Огонь, вода и неожиданный Айвазовский Иван Айвазовский - известный маринист, то есть художник, который писал морские пейзажи. Но не только их… У него было очень много батальных картин. Да-да, картин, изображающих войну. Но не на суше, а на море. Айвазовский же был не просто художником, а живописцем, который служил в Главном военном морском штабе. Рассмотрим одну из таких военных картин Ивана Константиновича - Чесменский бой, которая была создана в 1848 году. Произведение очень запоминающиеся, согласитесь! Пожар на фоне ночного неба. Очень драматично и контрастно. Но почему корабли горят? Рассказываю Для славы русского оружия Чесменское сражение было легендарным! Да что уж тут, весь мир это обсуждал. Во время русско-турецкой войны 1768-1774 годов в неравном бою в море была одержана победа над турецким флотом. За ночь он был почти полностью уничтожен. 26 наших кораблей победили 63 турецких ️ Как победили? Сожгли в Чесменской бухте корабли. Каким это было? Атака случилась ночью. Выход из бухты был загражден нашим флотом. А к турецким кораблям были направлены 4 брандера (небольших суда, наполненных порохом). Победу принес брандер Ильина - огонь с него перекинулся на турецкие корабли, которые за три часа были уничтожены. Собственно, момент пожара Айвазовский на картине и показывает. Тут, кстати, и люди есть - переднем плане слева турки, которым удалось спастись. P. S. Участники клуба и те, кто к нам планирует присоединиться - вы даже не представляете, сколько интересных и удивительных открытий вас ждет в лекциях про Айвазовского! буду рассказывать и про историю, и про религию, и про литературу, и про любовь Ну и напоминаю, что в боте вас ждет небольшая лекция про этого удивительного художника - смотреть видео ️ PROинтересныефакты PROайвазовский