Невероятно реалистичные работы Художник: William Mangum мастерство

"Иней" Игорь Грабарь,1905 > Ярославль, Художественный музей На полотне «Иней» представлена настоящая волшебная сказка зимнего леса, увиденная солнечным морозным утром. На фоне голубого неба застыли белесые деревья, свесив свои тонкие серебристые, замороженные ветви. Живописец увидел и удивительно тонко передал на холсте нежно-звучный хрустальный образ. Сам он о любимом зимнем явлении говорил следующее: «Немного на свете таких потрясающих по красочной полифоничности моментов, как солнечный день инея, где цветовая гамма, ежеминутно меняясь, окрашивается в самые фантастические оттенки, для которых на палитре не хватает красок». Колорит полотна строится на сочетании белого оттенков голубого, яркими акцентами выступают насыщенные темно-серые тона. Манера написания картины малыми, как бы вибрирующими мазочками отчасти напоминает приемы пунктуализма. В целом «Иней» прекрасно передает невероятное ощущение нежности и воздушности этого скованного холодом состояния природы.

А вы бывали на мюзиклах? Возможно вы попадаете в те 80% людей, которые считают, что этот жанр слишком наивный или скучный? А зря! И мы докажем вам это! На нашем новом канале мы погружаемся в бесконечно любимую нами тему мюзиклов. Отечественные и зарубежные, известные и артхаусные, старые и новые... Нам интересны мюзиклы как таковые, от невероятно дорогих бродвейских шедевров до студенческих постановок. И, конечно же, нам интересны технические закулисные детали этой темы. Присоединяйтесь к каналу, полностью посвященному мюзиклам мира, от команды создающей отечественные мюзиклы прямо сейчас!

Невероятно реалистичная завернутая "Звездная ночь" художника Робина Элей. В комментариях - процесс создания

Французская художница РБ Мирьям (RB Myriam) Пишет гиперреалистичные картины пастелью. мастерство

"Триумф Вакха" 1629 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Картину «Триумф Вакха» Диего Веласкес написал, что называется, на спор. Но удивительным было даже не это, а тот факт, что до сего момента художнику не приходилось обращаться к мифологической живописи, которую так любила его эпоха – эпоха барокко. Картины мифологической тематики пользовались гигантской популярностью: ими украшали ратуши и замки, суды и университеты, гостиные и спальни. Вспомнить хотя бы старшего современника Веласкеса – Рубенса, который отдал аллегорической живописи чрезвычайно щедрую дань! Но 30-летнего Веласкеса античный антураж оставлял равнодушным. Почему же Веласкес создал «Триумф Вакха»? До 23 лет Веласкес жил в Севилье и там писал в основном бодегоны – реалистичные бытовые зарисовки в какой-нибудь таверне или харчевне. Иногда его упрекали: что же ты, дескать, всё малюешь гуляк да пьяниц, изобразил бы бога или героя какого! Но юный Веласкес придумал в ответ замечательную формулу, которой потом руководствовался всю жизнь: «Лучше быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном». А уже в 24 года художник оказался в Мадриде и долгое время писал исключительно портреты. Практически сразу он получил звание придворного живописца короля Филиппа IV. Веласкес был очень молод, но король – на 6 лет моложе. Филипп приблизил его к себе, устроил Веласкесу мастерскую прямо в своих покоях. Любил сидеть там и наблюдать, как художник работает. Не позволял портретировать себя никому, кроме Веласкеса. Давал ему одно придворное звание за другим. Не разрешал уезжать надолго, потому что очень скоро начинал скучать по своему камергеру и другу. И, конечно, у прочих художников это вызывало огромную ревность. При дворах европейских монархов традиционно работали приглашённые итальянцы, воспитанные на культуре античности. Они плели против Веласкеса интриги. Однажды взволнованный король пришёл в мастерскую к своему фавориту и заявил с порога: «Они говорят, что ты умеешь хорошо рисовать только лица! Неужели это правда?» Ответом Веласкеса и стала картина «Триумф Вакха» (известная также под испанским названием Los Borrachos – «Пьяницы»). С убедительной наглядностью он показывал заносчивым итальянцам: «Не только лица! И тела тоже! И композицию могу выстроить не хуже, чем на ваших античных фризах. И Вакха написать не менее живым и соблазнительно-хмельным, чем ваш хвалёный Караваджо!» В чем своеобразие картины Веласкеса «Триумф Вакха»? Но и в несвойственном ему мифологическом жанре Веласкес остался Веласкесом: античную вакханалию он скрестил с испанским бодегоном, высокое – с низким. Как правило, свита Вакха состоит из вакханок и сатиров. А Веласкес решил поместить бога вина и страсти среди простых крестьян, помятых и побитых жизнью, в простой одежде и с обветренными лицами. Его Вакх – белотелый, немного рыхлый. По нынешним меркам, его тело можно назвать слегка «поплывшим», а вот сатир позади него – мускулист и смугл. Противопоставляя их, Веласкес показывает, что он большой мастер своего дела (и чужого тела): он может передавать и сложные ракурсы, и разнообразные позы, и различающееся «агрегатное состояние» человеческой плоти. Вакх Веласкеса сидит на бочке с вином – это его трон. Нагота его прикрыта складками ткани «королевских» цветов – белого и пурпурного. На его голове – венец из виноградных листьев, а сам Вакх коронует кого-то из своих особенно ярых почитателей, отметившегося на ниве пития и разврата, таким же виноградным венком. Крестьяне пришли к божеству с просьбой облегчить их тяжелую жизнь. А Вакх даровал им вино – самый доступный способ забыть о горестях и печалях. Большая плоская чаша в руках у центрального персонажа (в шляпе) написана притягивающе-реалистичной. Кажется, что глядя на глянцевую поверхность вина, можно ощутить его прохладу и терпкий аромат. Взгляд обрадованного пьяницы направлен прямо на нас. Он улыбается так широко и по-свойски, что буквально «затягивает» зрителя в пространство картины, требуя разделить с ним его веселье и питьё. ДиегоВеласкес Барокко МифологическаяСцена _history

Невероятно красивые и наполненные жизнью картины Альфредо Родригеса Профессиональным художником Родригес стал в 1968 году, рисуя на заказ картины из жизни американских индейцев. Его портреты и жанровые сцены из жизни индейцев и белых поселенцев, золотоискателей и ковбоев снискали международную известность. Он передает дух эпохи, перенося зрителя в яркий и красочный мир американского Запада. Свой стиль живописи Родригес определяет как традиционный классический реализм плюс немного импрессионизма. мастерство

"Вывеска лавки Жерсена" 1720 г. Антуан Ватто Шарлоттенбург, Берлин. Знаменитая «Лавка Жерсена» - последняя и, как считают многие, лучшая картина Антуана Ватто. Она настолько богата колористически, что в ней заложены все цветовые возможности будущего рококо. Тем курьёзнее факт, что картина создавалась с вполне утилитарной целью – она действительно должна была служить вывеской, своего рода наружной рекламой для магазина произведений искусства на мосту Нотр-Дам, принадлежащего другу Ватто Жерсену. В 1720-м году Ватто вернулся из заграничной поездки. Англия воздала должное его таланту: здесь Ватто ценили едва ли не больше, чем в родной Франции. Но долго наслаждаться признанием не пришлось. Прохладный и влажный британский климат обострил давнее заболевание – туберкулёз. Полумёртвый художник вынужден был вернуться в Париж. Жить ему оставалось не более года. К этому моменту 35-летний Ватто был не только широко известен, но и весьма богат. Однако, как и раньше, ему и в голову не приходит обзавестись собственным домом. Всю прошедшую жизнь он предпочитал жить под кровом кого-то из друзей. Так было и на этот раз. Торговец предметами искусства Жерсен с радостью дал приют измождённому чахоткой художнику. В благодарность и чтобы «размять пальцы, истосковавшиеся по работе», Ватто предложил написать для его заведения вывеску – нечто вроде рекламного панно полтора на три метра, раскрывающего покупателю, что его ждёт, когда он переступит порог лавки Жерсена. Жерсен, кстати, отказывался – ему было чудовищно неловко, что такой знаменитый мастер будет писать его скромную лавку. Но Ватто было невозможно переспорить, настолько он был упрям. «Вывеска лавки Жерсена» была окончена всего за неделю, хотя работать Ватто мог только утром, послеобеденное время до вечера уходило на восстановление сил. Чахотка доконала его, и видимо, художник это чувствовал: сейчас картину называют «Завещанием Ватто». Мы видим на ней самый обычный день в магазине, торгующем картинами. Кто-то из покупателей приценивается к картинам. Кто-то уже определился – и его покупку упаковывают в коробку, чтобы доставить по назначенному адресу. Тщательно и реалистично написаны обстановка и ткани, мастерски расставлены фигуры. А картины на «Вывеске Жерсена» не условны, а конкретны и узнаваемы. На стенах – только работы любимых художников Ватто: Веласкеса, Рубенса, Йорданса. А в ящик пакуют портрет Людовика XIV, написанный придворным художником Риго. Король-Солнце скрывается со сцены. Король-солнце сыграл в ящик. Для биографии Ватто этот образ очень символичен, ведь ему суждено было стать родоначальником новой эпохи в живописи, наступившей как реакция на искусство уходящего века Людовика XIV, – эпохи рококо. Но самое значительное в «Лавке Жерсена» – её колорит. Здесь нет чистых и ярких цветов. Вместо этого мы видим невероятное богатство сложных оттенков, их тонких переливов. Говорят, всем будущим приверженцам рококо и последователям Ватто уже не нужно было ничего изобретать в области цвета: все его возможности абсолютно исчерпывающе представлены в палитре «Лавке Жерсена». Уже художники-современники это хорошо понимали. После смерти Ватто они извели Жерсена упрёками, что шедевр такой силы не должен «работать вывеской». Картина провисела снаружи совсем недолго, Жерсен был вынужден уступить и убрать картину, чтобы её не испортила непогода. Сейчас «Лавка Жерсена» хранится в замке Шарлоттенбург, в Берлине. АнтуанВатто Рококо _history

"Завтрак на траве" 1865 г. Клод Моне ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1865 году Клод Моне решил писать огромную картину - 4 на 6 метров. Фигуры людей на ней должны превосходить средний человеческий рост вдвое. В лесу Фонт... он делает много этюдных зарисовок, для которых просит позировать друзей, и вскоре набрасывает предварительный вариант - именно этот пробный вариант сейчас хранится в музее Пушкина в Москве. И название будущей работы, и ее общий замысел - это дань уважения другому «Завтраку на траве», картине Эдуара Мане, которая двумя годами ранее была представлена в знаменитом Салоне отверженных и вызвала бурю негодования критиков, салонных судей и посетителей. На Клода Моне, ученика частной студии, она произвела тогда грандиозное впечатление - и сейчас он готов объявить Мане о своем восхищении и совершить что-то настолько же невероятное. Он не собирается возмущать публику обнаженными женщинами, как это сделал Мане, он хочет писать яркие солнечные пятна и контрастные глубокие тени на одежде и на лицах, на траве и белом покрывале. Трудно представить, где и как юный художник хранил огромное полотно во время работы над ним. Зато он подробно рассказывал позже, как при своем росте в 165 сантиметров ухитрялся доставать до его верхней части. Моне вырыл глубокий длинный ров, опускал в него картину - и сам оказывался на нужном уровне. Этой работой Моне одержим, он пишет друзьям, что не может больше ни о чем думать, что сойдет с ума, если не доведет дело до конца. Эта работа отнимает все силы и, если честно, обходится совсем не дешево. Сегодня воссоздать общий вид готового «Завтрака на траве» можно только по этому предварительному наброску. Окончательный вариант не сохранился, вернее, сохранился изрядно потрепанным, побывав в нескольких передрягах. Моне полжизни был в долгах - он сбегал среди ночи из арендованной квартиры, когда не мог расплатиться с хозяином, он делил долгое время мастерскую с Фредериком Базилем и с Огюстом Ренуаром, он ссорился с владельцами гостиниц и давал обещания. А однажды, оставшись без гроша в кармане, он свернул свой огромный «Завтрак на траве» и оставил хозяину квартиры в качестве залога. Деньги у Моне появятся не скоро - и он вернется за картиной много лет спустя. Все это время она пролежала свернутая в рулон в сыром подвале - и в некоторых местах начала подгнивать. Картину пришлось разрезать на куски - и спасти удалось только три неповрежденных фрагмента. Но и из этих трех фрагментов до музейных стен добрались только два - сегодня они находятся в музее д’Орсе. Каждый - в отдельной раме. Третий фрагмент потерялся. От предварительного, но вполне самостоятельного и завершенного, варианта огромная итоговая картина немного отличалась. Моне переодел девушку слева из белого платья в серо-красное и заменил центральную фигуру сидящего юноши на другую. Новый участник «Завтрака на траве», веселый, крупный бородач, очень похож на художника Гюстава Курбе. С Курбе, тогда уже шумно знаменитым и признанным мастером, Клод Моне познакомился как раз во время работы над «Завтраком». Картину Курбе, по одним воспоминаниям, восторженно повалил, по другим - одобрил, но порекомендовал немного доработать. Как бы то ни было, Моне уже не собирается отправлять «Завтрак» в Салон, он решительно настроен покорить судей новым портретом дамы в зеленом платье. КлодМоне Импрессионизм _history

В стиле пандемии. Проект старинных картин с масками немецкого живописца Volker Hermes стартовал 10 лет назад. «В какой-то момент я задумался о социальном контексте картин. И я обнаружил, что мы не так много знаем о людях, изображенных на этих портретах, мы не задумываемся о значении их одежды и о кодексах моды». Художник решил закрыть лица на портретах, чтобы зритель направил свой взгляд на значимые детали в одежде и задумался, например, над тем, почему графиня или король сидят именно таким образом, что они держат в руках. Поначалу Hermes считал работу над портретами второстепенной и продолжал писать другие картины. Но со временем он понял, насколько важным оказалось смещение фокуса с лиц на детали картин, и начал добавлять элементы современности в классические сюжеты. Затем наступила пандемия, и его работы стали невероятно актуальными, ведь мы ежедневно вынуждены носить маски.

Хризантемы 1905 Игорь Грабарь Грабарь воспринял искания французских мастеров, активно используя приемы дивизионизма - раздельного наложения красок на холст. «Хризантемы» - самый эффектный натюрморт художника. Универсальная фигура в русской художественной культуре: художник, историк искусства, преподаватель, реставратор, музейный и общественный деятель. С 1913 по 1925 — директор Третьяковской галереи, создал в музее новую экспозицию, научно обоснованную и с тщательно продуманной концепцией, ставшую своего рода образцом для последующих музейных реэкспозиций. Он написал портрет девочки по имени Светлана, который вдруг стал невероятно популярен. Принимал непосредственное участие в реставрации иконы Андрея Рублёва «Троица». В начале 1943 года выдвинул идею компенсации потерь советских музеев за счет конфискации произведений из музеев Германии и её союзников. Умер 16 мая 1960 года в Москве. Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Реалистичные рисунки. Американская художница Карла Миалинн (Karla Mialynne). Изначально девушка начинала работать цветными карандашами. Позже к ним добавились маркеры и акриловые краски. В результате рождались гиперреалистичные картины на всевозможные темы, начиная от портретов знаменитостей, заканчивая изображениями животных. Ее иллюстрации используются в рекламах, для украшения панелей смартфонов и оформления календарей. Для того, чтобы ни у кого из зрителей не возникало сомнения в подлинности картины или предметов, которыми они были нарисованы, Karla Mialynne всегда выкладывает возле рисунка ряд карандашей и маркеров, которыми была написана работа.

"Святая Инесса" 1641 г. Хосе де Рибера Дрезденская картинная галерея (Галерея Старых мастеров). Детали сюжета Житие этой святой весьма необычно. Инесса была юной и прекрасной римлянкой, дочерью богатых родителей. Втайне от семьи она приняла христианство. За это девушка была приговорена к обезглавливанию. Её мучители оказались изобретательными: по их замыслу, до места казни Инесса должна была прошествовать обнажённой. Она шла сквозь возбуждённую толпу, снедаемая тысячами жадных глаз. Спотыкалась, когда её подталкивали похотливые руки стражников. Однако Бог, за веру в которого Инесса шла на плаху, всё же услышал моление избавить её если не от смерти, то хотя бы от позора. Мгновенно отросшие волосы и белый покров, спущенный ангелом с неба, скрыли её наготу от беснующейся толпы. Замысел и композиция Интересно, что на картине не находится места римскому плебсу, хотя динамичные многофигурные композиции (например, толпа, с жестоким удовольствием распинающая святого Варфоломея) хорошо удавались Рибере. Очевидно, здесь имеет место приём вовлечения: все глазеющие на Инессу должны размещаться на том же месте и смотреть на святую под тем же углом, что и зрители картины. Зритель, таким образом, из пассивного соглядатая превращается в невольного соучастника всего того, что происходит с Инессой. По-видимому, Риберу в данном случае интересуют не противопоставление христианской святой – грешному миру, а лишь глубина внутреннего состояния самой Инессы. Ему важно передать её наивность, её детскую трогательность. Для достижения этой цели Рибера делает фон размытым и максимально условным, а саму фигуру Инессы, напротив, выписывает очень тщательно. Мы можем видеть следующие детали: отдельные пушистые пряди её волос, серебрящиеся у глаз слезинки, пронизанные розовым светом тонкие пальцы. Все они написаны с озязаемой вещественностью. Особенности колорита Одно из главных достоинств «Святой Инессы» – её колорит. Она создана в то время, когда Рибера отказался от резких светотеневых контрастов, а палитра его картин стала более светлой и уравновешенной. Здесь есть некоторый парадокс: многие картины художника (и «Святая Инесса» в особенности) кажутся едва ли не монохромными, заставляя вспомнить о пресловутой «испанской мрачности», при этом Рибера считается одним из лучших колористов своего времени. В чем здесь дело? Вероятно, в «пятидесяти оттенках серого» в творчестве Риберы. Невероятное богатство тонов и рефлексов, для каждого из которых даже нет отдельного названия – разнообразных невнятно-коричневых, серебристо-бежевых, серо-розовых и буровато-зелёных – заставляет знатоков восхищаться великолепной и мощной тональной живописью Риберы. Рибера Барокко РелигиознаяСцена _history

Питер Пауль Рубенс Самсон и Далила 1609 Питер Пауль Рубенс (1577-1640) - фламандский художник, ярчайший представитель эпохи барокко. Особенности творчества Рубенса - это широкий жанровый диапазон, он писал картины на мифологические, религиозные, исторические сюжеты, кроме этого, был крайне изобретателен в композиционных решениях своих картин, мастерски изображая драматичные позы и жесты; вошел в историю также как автор собственного идеала красоты - пышных «рубенсовских форм». Библейский богатырь Самсон заснул, упав на колени красавицы Далилы. Его могучее тело оказалось бессильным перед чарами прекрасной обольстительницы. Рубенс перенес место действия в бордель, отступая от прямого религиозного сюжета, представляя своих персонажей как простых исторических личностей и вкладывая в происходящее двойственный смысл. Мудрость Священного писания гласит о вреде неумеренности и о неминуемом наказании за несоблюдение человеком этого закона. Упавшему под действием вина и женских ласк грозному воину Самсону остригают волосы – источник его невероятной силы. Ему грозит постыдный плен, ослепление и рабский труд на своих коварных врагов. Воины с оружием уже входят в дверь, приглашенный цирюльник и старуха-сводница со свечой завершают печальную сцену. Ярко-красная одежда Далилы, как хлынувшая кровь, приковывает взгляд зрителя, безмолвно вещая о бушующих на полотне страстях. Плен и позор… но не конец истории. Легендарный Самсон, будучи слепым, разрушит дом своих врагов, похоронив под обломками себя и ненавистных ему филистимлян. художник Рубенс живопись галерея историяшедевра искусство лебедиЛеонардо

Космос. Мексиканский художник Аксель Хуарес (Axel-Astro-Art) - один из немногих современных художников-фантастов, работающих в классической манере. Его удивительно яркие картины выполнены акриловыми красками. Аксель Хуарес часто изображает пейзажи со спутников больших планет, похожих на Сатурн, когда на небе можно увидеть много других небольших тел. Конечно, с астрономической точки зрения гравитационное равновесие таких сложных систем сомнительно, но выглядит это невероятно.

Рокки – это не только кино. Во всем мире Сильвестра Сталлоне знают по сыгранным в боевиках ролям, в том числе во франшизах "Рэмбо" и "Рокки". Но в Америке актер и режиссер известен и как художник. В октябре 2020 года в Санкт-Петербурге была выставка картин американского актера. Работы представлялись в Инженерном замке Русского музея. На открытии выставки Сильвестр присутствовал лично. Он признался в любви к петербуржцам и отметил, что быть выставленным в Русском музее для него – невероятное достижение. До этого работы демонстрировались только в галереях современного искусства. Было представлено 27 живописных работ и больше 10-ка фотографий Сталлоне в интерьерах его мастерских. 6 картин актер написал специально для экспозиции в Русском музее. Стать художником Сталлоне хотел еще в юности. Он прошел курс обучения в Швейцарии и вот уже более 4-х десятилетий серьезно занимается живописью. Работы Сталлоне, по мнению кураторов, можно отнести к абстрактному экспрессионизму.

Л.М.Эндаурова (1853-1938) - младшая сестра известной русской художницы Елизаветы Бём. Любовь не стала столь же известной, как сестра, но её тонкие акварели с изображением растений поражают умением видеть в каждом цветке живой мир природы и мастерски передавать его на бумаге. Большое место в творчестве художницы занимала работа над акварелями для открытых писем. Ведь там, где цветы и стихи – там душевное волнение, грезы и мечты. Поэтому художница и создавала удивительно изысканные и символичные композиции – нежные цветы, растения, а рядом пожелтевшие старинные свитки, напоминающие пергамент, на которых начертаны стихи известных поэтов: В.А.Жуковского, А.А.Фета, Н.И.Гнедича, А.Н.Майкова, К.Д.Бальмонта и других. Такие акварели, репродуцированные на почтовые карточки, были невероятно востребованы, быстро раскупались и переиздавались значительными тиражами. Сегодня поэтические акварели Любови Меркурьевны - раритет для знатоков и коллекционеров. художник открытка живопись галерея вневремени искусство лебедиЛеонардо

​​Расскажу вам интересную историю, которую вам никто ещё не рассказывал: Молодой Эгон Шиле написал портрет Труде Энгель приблизительно в 1913 году, во времена своей богемной жизни в Вене. Труде была дочерью зубного врача Германа Труде и Шиле написал портрет в качестве оплаты. История полотна захватывает и одновременно задает вопросы: почему полотно проткнуто ножом и почему над головой Труде на нижнем слое обнаружен череп. Зная мятежный характер Шиле, можно предположить, что картина ему не понравилась и он пытался уничтожить ее. Все до невероятности иначе: картина не понравилась Труде и она в порыве гнева набросилась на ее с ножом. Был ли ей чужд экспрессионистский стиль Шиле или молодой мастер задел ее чувства и вопрос здесь совсем не эстетический, потому что портрет совершенен. Лишь 30 лет назад брат Труде, Франц Энгель, писал директору музея Lentos Kunstmuseum Linz, Вольфгангу Гурлитту, что Труде возмутило очевидное несходство портрета c ее внешностью. Особенно ей противоречили темные волосы, тогда как у Труде они были каштаново-коричневые. Что касается рентгенографического исследования и изображения черепа, то это объясняется тем, что Шиле повторно использовал старый холст, на котором был изображен этюд от другой известной картины 1911 года «Женщина с ребенком в красном пальто». Всего Эгон Шиле передал Герману Энгель 6 работ, но они остались неоцененными и были розданы во время войны. Но шедевр всегда вернется на свое место — Гентский алтарь братьев Яна и Губерта ван Эйк, который за свою 600-летнюю историю не раз крался, вывозился из страны, хранился в шахтах, но всегда возвращался в Собор Святого Бавона в Генте, для которого был написал, где он живет и сейчас. На мой взгляд портрет Труде не уступает Адель Климта, пусть и скромнее. Невозможно отвести глаз от красоты и величественности портрета Труде Энгель австрийца Эгона Шиле. https://telegra.ph/file/7fea68dc322d115ce59a2.jpg

"Орфей, ведущий Эвридику из преисподней" 1861 г. Камиль Коро Музей изящных искусств, Хьюстон. Картина Камиля Коро «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» – пожалуй, самое волнующее из всех живописных воплощений древнего мифа. Пронзительная нежность её тончайшей серебристо-зеленоватой гаммы сопоставима разве что со скрипичной увертюрой к опере «Орфей и Эвиридика» Кристофа Виллибальда Глюка. Согласно мифу, воспроизводимому в «Георгиках» Вергилия, лесная нимфа Эвридика была покорена музыкой и пением влюблённого в неё Орфея. Но счастье взаимной любви длилось недолго. Когда Эвридика с подругами-дриадами водила хороводы в роще, её ужалила смертоносная змея. Потерявший жену Орфей был безутешен. Он решает отправиться в подземное царство и вымолить у Аида и Персефоны отпустить Эвридику с ним. Его музыка помогла ему быть убедительным. Лишь одно условие было выдвинуто легендарному певцу: не оглядываться – иначе Эвридика умрёт. Но Орфей не вытерпел. Он повернулся удостовериться, что любимая следует за ним, и лишился Эвридики, теперь уже навсегда. У Камиля Коро есть и менее известная картина «Орфей оплакивает Эвридику», рисующая предпоследний акт свершившейся драмы (финалом которой станет растерзание Орфея обезумевшими вакханками). А картина «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» показывает зрителю тот момент, когда еще жива надежда, когда Орфей держит свою лиру в высоко поднятой руке, как путеводный факел, озаряющий путь, а мрачные тени подземного царства тают в предутреннем тумане. Пейзаж для Коро в этой картине оказывается, как ни удивительно, намного важнее главных персонажей. Коро был настоящим виртуозом в передаче переходных состояний природы – этих туманов, которые вот-вот рассеются, но могут и угрожающе сгуститься. Или этих коротких минут, которые уже и не ночь, но и еще и не утро – недаром его называли «певцом рассвета», а президент Французской Республики Наполеон III шутил: «Чтобы понять этого художника, придётся слишком рано вставать». В изображении Царства теней нет ничего пугающего или резкого – только призрачность, только прозрачность. Достичь этой невероятной зыбкости Коро помогали валёры – тончайшие переходы тонов в пределах одного цвета. Известен афоризм художника «Валёры – прежде всего!». Коро еще будут называть «поэт деревьев». Его деревья – особые, узнаваемые. Они написаны тонкой кистью, мазками и помельче, и покрупнее. Разные размер и плотность мазка дают возможность показать, как волнуется крона деревьев, как подрагивают на ветру листья. Мы смотрим на неподвижное полотно и – о, чудо! – ощущаем вибрацию воздуха и трепет листвы. После импрессионизма этому больше не принято удивляться. Но Коро начал писать за несколько десятилетий до экспозиций импрессионистов, а к ним самим отнёсся настороженно: называл «бандой», отговаривал своего ученика и тёзку Камиля Писсарро участвовать в их выставках. И, тем не менее, лирический пейзаж Коро делает его самым близким предтечей имперессионизма. Коро пришлось снести немало нападок за верность собственной манере, за свой незапланированный авангардизм. Им долго и высокомерно пренебрегал официальный Салон. Картины Коро развешивали в самых тёмных залах выставок Салона, где его валёры мудрено было разглядеть, а о его великолепных деревьях обидно утверждали, что это-де «какая-то грязная мыльная пена». В действительности живые деревья в царстве мертвых – чудесная живописная находка Коро. Он видел в создании пейзажей высшую и единственную цель собственной жизни. Ради неё он отрёкся от радостей супружества – по сути, сознательно отказался от счастья Орфея и Эвридики. «У меня, – признавался Коро, – есть единственная цель, которой я намерен следовать всю жизнь, – писать пейзажи. Это решение не подлежит изменению и не позволяет мне связывать себя узами брака». КамильКоро МифологическаяСцена Романтизм _history

Африканский дневник в Музее Востока Вчера команда ARTLIFE, в лице Крестины Ланцовой и Анны Тимофеевой, побывала на открытии новой выставки Ольги Мичи «Уязвимые» в Музее Востока. Выставка получилась невероятно красивой и интересной, поэтому мы не можем не поделиться своими впечатлениями и фото с мероприятия. И, конечно, рекомендуем к посещению. Проект призван рассказать о культурном своеобразии народов современной Африки. 35 фотографий, представленных на выставке, соединены в концептуальную серию, которая выражает «уязвимость» не только объектов наблюдения, но и самих наблюдателей. Помимо фотографий в экспозиции также представлены предметы искусства африканских стран из коллекции Музея. Выставка «Уязвимые» в Музее Востока продлится до 5 сентября. Ольга Мичи — фотохудожник, она использует в своей работе современные цифровые технологии. В этом году впервые на ARTLIFE FEST будут представлены фотохудожественные произведения. арт_новости

Лора Гульшани — французская художница родом из Канады. Она создаёт работы для Burberry, Chanel, Missoni, Salvatore Ferragamo, Vogue, участвует в выставках в Канаде, Великобритании, Франции и Испании, работает в качестве приглашённого иллюстратора на Неделях моды в Париже, Милане и Лондоне. Её экспрессивный и яркий авторский стиль, который отличается подчёркнутой детализацией, невероятно востребован в модной индустрии, а использование акриловых и масляных красок позволяет ей превращать иллюстрации в произведения искусства Работы Лоры Гульшани будут представлены на ARTLIFE FEST 2021 в Манеже с 25 по 31 октября

Еще тут есть: Райский сад с изгнанием из него (обратите внимание на трехликого Бога, такие изображения были в ходу как раз до XVI века, потом за них художников очень гоняли) Вавилонская башня (с одной хулиганской деталью), животные, покидающие Ноев ковчег (тут вы найдете три послепотопных Ноя сразу - и жертву приносящего и возделывающего виноградники и пьяненького накануне неудачного пранка его сына Хама), Благовещение, выполненное как житийная икона, Давид с арфой, пораженный страстью к Вирсавии в окружении миниатюр с изображением святого Павла, Страсти Христовы, Сошествие в Ад, совершенно сказочный Хлодвиг, получающий fleur de lys, свой новый герб с лилиями (на самом деле ирисами), от своей жены Клотильды, а еще, конечно, сам заказчик, Джон Ланкастер, молящийся перед Святым Георгием в невероятном синем плаще, украшенном орденом имени самого себя (это орден король Эдуард III придумал в 1348 году, но кто скажет, что это анахронизм!) и жена заказчика, Анна, молящаяся Святой Анне, конечно же.

Что такое анаморфоз? Это конструкция в живописи, созданная таким образом, что в результате оптического смещения, изначально не распознаваемая форма складывается в легко читаемый образ. Именно такой прием использовал участник ARTLIFE FEST 2021 Арсен Курбанов в своей работе «Анаморфозы COVID». Являясь мастером сюжетной живописи, Арсен Курбанов стремится придавать актуальное прочтение технике старых мастеров, сочетая в своих картинах библейские и исторические сюжеты с современными темами. Свои навыки и знания он передаёт студентам отделения станковой живописи Института им. И. Е. Репина в Санкт-Петербурге. А в рамках ARTLIFE FEST 2021, 27 октября в 16:00, художник проведет авторский мастер-класс «Портрет с натуры», на котором расскажет, как создавать объемные, динамичные и реалистичные портреты с натуры. Билеты можно приобрести по ссылке: https://bit.ly/3lKGOpR Получилось найти анаморфоз на изображении?

И еще немного, совсем потрясное: серия гравюр “Четыре падения”, изображающие четверку наказанных за свое высокомерие персонажей древнегреческих мифов, Тантала, Икара, Фаэтона и Иксиона. Созданы эти гравюры были по наброскам Корнелиса ван Харлема и тут, конечно, Гольциус разгулялся - невероятно мощные фигуры, дрожащие от напряжения мускулы, спирали облаков подчеркивающие движение. Что самое тут прикольно - это то, что будучи собранными вместе фигуры на гравюрах (кстати, в примерно одинаковых позах, но нарисованные под разными ракурсами) тоже создают что-то вроде спирали, то есть художником было задумано, что вы их рассматривать будете одновременно.

"Авиньонские девицы" 1907 г. Пабло Пикассо Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Едва ли найдется много художников, которые кардинально меняли стиль в один момент. Чаще всего существует некий переходный период, во время которого работы совмещают в себе разные техники и стили. «Авиньонские девицы» Пикассо относятся, пожалуй, именно к таким картинам. С одной стороны это уже практически кубизм в чистом виде, но в то же время лица героинь полотна имеют неоспоримое сходство с масками, что было свойственно «африканскому периоду» в творчестве художника. Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально кроме обнаженных женщин присутствовали еще и мужчины – завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина называлась «Бордель в Авиньоне». По словам Пикассо, он назвал ее так в память о том времени, когда жил неподалеку от квартала «красных фонарей» в Барселоне – Carrer d’Avingo. «Как ни странно, - вспоминал художник, - там я нашел единственную лавку по продаже бумаги и акварели по низкой цене». Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов. Он искажает лица и тела своих героинь, разбивая их на фрагменты, используя геометрические формы. Художник бросает вызов привычным нормам идеализированного изображения женского тела как чего-то исключительно прекрасного. Женщины на полотне кажутся застывшими в страхе, они как будто стараются максимально отделиться и отдалиться друг от друга. Они скорее сосредоточены на зрителе, они смотрят прямо на вас, изучающе и настороженно, а их написанные в разных стилях лица и несимметричные глаза только усиливают магнетическую силу взглядов и окончательно сводят на нет эротизм сцены. По мнению искусствоведов, Пикассо написал «Авиньонских девиц» под влиянием сразу нескольких произведений коллег: чаще всего здесь упоминаются «Радость бытия» Матисса, «Купальщицы» Сезанна, «Турецкая баня» Энгра, «Открытие пятой печати» Эль Греко и скульптура Гогена «Овири». В свою очередь, «Авиньонские девицы» невероятно впечатлили художника Жоржа Брака, с которым Пикассо познакомился в том же 1907 году. Эта работа положила начало не только многолетней дружбе двух основоположников кубизма, но и триумфальному шествию крайне противоречивого живописного направления по Европе. ПаблоПикассо Кубизм | Слушать аудиоразбор _history

Советское кино https://youtu.be/AcnyIEUmHtY В СССР ежегодно в кино ходили 4 миллиарда зрителей! И это при населении в 290 миллионов! Разгадка простая – в кино ходили по много раз. В советском кинотеатре есть и пить было не принято: никакой колы или попкорна. Зато прокат, как правило, был невероятно популярный и прибыльный. https://youtu.be/AcnyIEUmHtY

"Танец в Буживале" 1883 г. Пьер Огюст Ренуар Бостонский музей изящных искусств. 1883 год был удачным для Пьера Огюста Ренуара: он получил довольно крупный заказ от известного коллекционера и покровителя импрессионистов Поля Дюран-Рюэля, благодаря которому появилась картина «Танец в Буживале». Заказчик пожелал стать обладателем трех полотен, объединенных общей тематикой: парным танцем. Ренуар с увлечением принялся за работу. Несколькими годами ранее он написал картину, изображающую множество танцующих на открытом пространстве пар. В этот раз художник решил уменьшить количество танцоров до двух человек: на всех трех холстах мы видим одну и ту же пару, однако обстановка, окружающая танцующих, разная. На одном полотне пара танцует в городе, на втором — в предместье, а на третьем — в деревне. Картина Огюста Ренуара «Танец в Буживале» переносит зрителя в предместье Парижа, весьма популярное в то время среди парижан и гостей города. Сюда приходили, чтобы посидеть с друзьями в уютном кафе, подышать свежим воздухом под сенью деревьев, завести новые знакомства. Буживаль с его невероятно красивыми пейзажами притягивал к себе многих живописцев, в том числе импрессионистов. На полотне изображена танцующая пара: молодая девушка и мужчина средних лет. Наряд девушки подчеркивает ее красоту: модное приталенное платье нежно-розового оттенка удивительно гармонирует с белоснежной кожей и легким румянцем на щеках. Многочисленные оборки юбки, ниспадающие пышным водопадом, взметнулись в движении — из-под них едва виднеется изящная туфелька. На голове танцующей прелестницы надета стильная красная шляпка, которую украшает букет цветов с темно-фиолетовыми бутонами. Партнер девушки одет в контрастный темный костюм и щегольские ботинки, сочетающиеся по цвету с соломенной шляпой. Головной убор закрывает от зрителей лицо танцора: видны лишь борода и усы. Если относительно женщины, позировавшей Ренуару, у искусствоведов нет никаких сомнений — ею была Сюзана Валандон, — то скрытое лицо мужчины породило две версии. По одной из них на картине Огюста Ренуара «Танец в Буживале» изображен И.-А.Фурнез, по другой — друг художника П.Лот. По положению головы мужчины можно предположить, что тот о чем-то шепчет своей партнерше. Девушка слегка отвернулась от кавалера, ее взор направлен в сторону и вниз, и кажется, будто она смущена, но ее рука, обнимающая мужчину за шею, говорит об обратном. Вполне вероятно, что она смотрит на бутоньерку, которая откололась во время быстрого поворота и упала на землю, а партнер утешает ее, обещая купить другую. Картина Огюста Ренуара «Танец в Буживале» отличается от двух других полотен особой легкостью, воздушностью. Танцующая пара изображена на фоне людей, сидящих за столиками открытого летнего кафе, но взгляд зрителя почти не задерживается на них. Лица второстепенных персонажей нечетки, а ярко-зеленая листва на ветках деревьев смазана — этот прием позволил художнику реалистично передать ощущение движения танцующей пары. Вся сцена залита ярким солнечным светом, что создает атмосферу праздника. У этого полотна есть уменьшенная авторская копия, которую Ренуар создал специально для Сюзанны Валандон. Она практически полностью повторяет оригинал, но, рисуя этот вариант, художник тщательно выписал лицо юной танцовщицы — так, что не остается никаких сомнений: на картине изображена Сюзанна. Сегодня этой копией владеет некий частный коллекционер из США. Оригинальный «Танец в Буживале» из коллекции Поля Дюран-Рюэля, заказчика Пьера Огюста Ренуара, попал в бостонский Музей изящных искусств: картина была куплена Музеем в 1937 году за 150 тыс. долларов. Два других полотна из этой серии сейчас находятся в Париже в музее Орсе. ПьерРенуар Импрессионизм _history

"Лунная ночь" 1880 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. Талантливый российский пейзажист и портретист Иван Крамской сумел покорить сердца своих почитателей умением наделить практически любой сюжет, перенесенный им на полотно, невероятно мощной эмоциональной составляющей. Для этого он использовал все доступные ему средства — выразительный фон или его отсутствие, тщательно прорисованную мимику и позу персонажа, выверенное сочетание красок. Шедевры его кисти поражают зрителей даже по прошествии полутора сотен лет, и картина Крамского «Лунная ночь» — яркий тому пример. На полотне изображен укромный уголок старого парка, раскинувшегося подле пруда. На скамье под большим тополем, озаренная светом полной луны, сидит молодая женщина. Ее голова слегка наклонена, а взгляд задумчив — о чем грезит она, глядя на белые цветки лилии, замершие на водной глади? Какие мечты завладели ее мыслями в эту теплую лунную ночь? Рука женщины покоится на спинке скамейки, от позы веет умиротворенностью и покоем. Это ощущение подчеркивают плавные, почти струящиеся линии длинного белого платья и легкой шали-накидки. Кажется, будто свет исходит не от ночного светила, а от таинственной незнакомки, присевшей отдохнуть во время вечерней прогулки по парку. «Лунная ночь» — картина Крамского, созданная им в 1880 году. Работа над полотном была начата в 1879 г., и моделью для эскизов послужила А.И.Попова, ставшая впоследствии супругой Д.И.Менделева. На заключительном этапе работы над полотном в роли натурщицы выступила Е.А.Третьякова, которая была второй женой известного российского мецената и коллекционера С.М.Третьякова. Художник долго выбирал название для своего произведения, колеблясь между «Старыми тополями», «Волшебной ночью» и просто «Ночью». В итоге некоторое время он использовал для выставок последний вариант, который позже трансформировался в название, знакомое сегодня каждому почитателю таланта Крамского. На картине Крамского «Лунная ночь» природа предстает перед нами во всей своей первозданной красоте, которую подчеркивает образ молодой женщины в белых одеяниях. Создавая свой шедевр, Иван Николаевич постарался передать очарование летней ночи, наполненной тайной и безмятежностью, и это ему удалось благодаря искусной подаче игры света и тени. Там, где на пути лунных лучей встали густые кроны деревьев, парк погружен во тьму, и можно лишь угадывать, что скрывается за стволами деревьев и цветущим кустом. Природа скована сном, и ничто не в состоянии потревожить ее покой: на водной глади не видно ни малейшей ряби от ветерка, все замерло в ожидании утра… Современники Крамского высоко оценили это полотно: в 1880 году картина «Лунная ночь» стала экспонатом 8-й выставки, устроенной Товариществом передвижников, а после окончания выставки ее приобрел Сергей Третьяков. Сегодня картину Крамского «Лунная ночь» можно увидеть в Третьяковской галерее в Москве. ИванКрамской Реализм _history

Между вышивкой и живописью. Хлоя Джордано (Chloe Giordano) — известная британская художница, иллюстратор и графический дизайнер, которая удивляет всех своей невероятно реалистичной вышивкой животных с очень мелкими деталями. Заниматься ручной вышивкой Хлоя начала на последнем курсе учебы в Университете Западной Англии в 2011 году. Она как раз заканчивала обучение по специальности «Художественная иллюстрация» и занялась подобным в рамках знакомства с творчеством известного на весь мир художника-текстильщика Лаури Фаджони. К этому времени у Chloe Giordano был только опыт работы с карандашом и масляными красками, но она не унывала и в течение нескольких лет оттачивала свое мастерство с иголкой и разноцветными нитями. Спустя время у девушки выработался определенный творческий почерк, а ее работы приобрели широкую известность.

Врубель в Новой Третьяковке (2021)/ Oh My Art https://youtu.be/WgiAbHcsl6M Это грандиозный проект. У Третьяковки грандиозные не редкость, но тут невероятное сочетание количества работ и качества экспозиции. Не ретроспектива, а исследование творческого метода. Даже в последнем периоде, когда Врубель в тисках душевной болезни, увидели и показали не угасание, а новые поиски, и не важно даже, насколько осознанными они были. Ну и, конечно, все «Демоны» в сборе, две «Сирени» и «Пророк», сложенный из двух работ. Не пропускайте! https://youtu.be/WgiAbHcsl6M

В начале декабря на YouTube вышел документальный фильм «Музыка души и рэп реальной жизни», набравший за несколько дней почти полмиллиона просмотров. С первых минут влюбляешься в героев фильма и в съемочную группу, находящуюся за кадром. Талантливые молодые музыканты, ни разу не встречавшиеся друг с другом ранее, собираются в группы, чтобы определить победителя, который отправится в турне и сыграет на Ural Music Night – невероятном по замыслу и атмосфере фестивале, объединившим почти тысячу музыкантов, сотни тысяч жителей Екатеринбурга и гостей со всего мира. Альтист Андрей Зубенко, который стал прекрасным академическим музыкантом, а мог бы стать шахматистом, шестнадцатилетняя уличная певица Настя из Новосибирска, бариста Ксения из Екатеринбурга, как по волшебству собравшая вокруг себя мощный soul-band Pills me, потрясающая Кристина Облицова из маленького башкирского села Аскино и, конечно, группа «Мама» Татьяны Соколовой из Питера делают то, что называется простым слово «чудо». О чём этот фильм ️О музыке и юности, о том как поймать ритм и источник вдохновения, как найти силы посвятить себя любимому делу. В общем, 40 минут на одном дыхании! Посмотреть фильм можно тут https://www.youtube.com/watch?v=iUv72F35sr8 https://www.youtube.com/watch?v=iUv72F35sr8

Пьетро деи Ротари, успевший поучиться в Вероне, Риме и Неаполе, и поработать в Венеции, Падуе, Вене и Мюнхене, в 1756 году был приглашен в Санкт-Петербург императрицей Елизаветой Петровной в качестве придворного художника. Праздничное, шикарное, ошеломительное елизаветинское барокко расцветало пышным цветом - строились дворцы, во дворцах требовали украшений и росписей паркеты, плафоны, стены, двери, одежды и даже игрушки - то есть, буквально все. Парадные портреты тоже вошли в моду и были всем очень нужны. Художников не хватало - в России умели писать иконы, а новые времена требовали совсем других мастеров. Первые русские, назовем их светскими, художники обучались в Европе по велению Петра I, других художников, иностранных, привозили в Россию чтоб тут любить. Ну, потому что, сами понимаете - был дефицит кадров, а Императорскую Академию художеств учредят через год после приезда Ротари в Россию, в 1757 году. И вот Ротари приехал, имея за плечами опыт создания картин на библейские сюжеты и, конечно же, портретов, и сосредоточился на жанре, который придумал сам для себя - его ласково так и называют - “головки”. Он писал много-много небольших женских портретиков, изображал придворных, но чаще просто каких-то девиц, которые то читают, то скучают, то флиртуют прикрываясь веером, то еще как кокетничают. Искусствовед Геннадий Вдовин, например, предполагает, что эти портреты Ротари - не портреты вовсе, а выдумки, шалости, не настоящие люди. Хотя считается при этом, что он работал с натурщицами, просто мог с пяти девушек написать 250 разных портретов. Генерил, что нейросети, в общем, Ротари своих прелестниц. Благодаря изящной и легкой манере письма, умелой колористике и бесконечной милоте Ротари в России был невероятно моден. Вот что Александр Бенуа про этого художника пишет: “Россия особенно богата произведениями уроженца Вероны графа Петро Ротари, скончавшегося в С.-Петербурге в 1762 г. Их у нас так много, что это несколько вредит впечатлению, получаемому от творчества мастера, к которому историческая критика вообще склонна относиться с некоторым предубеждением - как к ремесленнику, изготовлявшему с методической, лишенной возбуждения, сноровкой однообразный модный «товар». Скопления картин Ротари имеются в Китайском дворце, в Ораниенбауме, в Гатчинском дворце, в подмосковной Юсуповых Архангельском, но особенно их много в Большом Петергофском дворце, где они сплошь заполняют весь средний зал, получивший благодаря этому в XVIII веке прозвище «кабинета мод и граций» (по другой версии - «мод и страстей»).”

А Бенуа пишет о том, что Ротари некоторые считают ремесленником с однообразны товаром в 1929 году, то есть уже из XX века, когда, конечно, отношение к живописи совершенно иное, чем во времена самого художника, но все же и он отмечает “образцовый рисунок” и то, что “он полон природного изящества и какой-то юношеской грации”. С еще одной интересной стороны, сейчас портреты, или, если угодно, псевдопортреты Ротари наоборот выглядят очень современно - если вы следите за кем-нибудь из популярных в соцсетях художников, то, может быть, замечали, что как раз там сегодня очень ценится серийность, некоторая однообразность и узнаваемость. И, конечно, девичьи портретики, которые ничьи не портреты, а просто женские (наверное) лица - мультяшные, анимешные, реалистичные, гиперреалистичные, но, вообще-то, ничейные, фантазийные. Ротари чем-то мне напоминает певцов, которые не поражают публику какими-то удивительными редкими приемами или силой голоса в несколько октав (если что, я совершенно не разбираюсь в пении), а овладели мастерски своими навыками и вот вроде и звучит средне, а всегда неплохо за счет того, что несколько узнаваемых приемов отточены до блеска. Ну, рококо, конечно, шаловливое-игривое. Хоть и считается, что благодаря своему интересу к костюмам и платьям, художник создал не только галерею ужимок, но и целую энциклопедию - у него можно увидеть как выглядели и одевались крестьянки, принцессы, придворные дамы, горничные и фрейлины. Не только девушки из разных сословий, но и из разных этнических групп в своих национальных нарядах. Можно поэтому сказать, что у Ротари портрет - не просто портрет, а целая жанровая сценка. Пьетро Ротари открыл в Санкт-Петербурге свою школу живописи, которая была довольно популярна и его учениками были, например, Алексей Петрович Антропов, Федор Степанович Рокотов и первый смелый русский художник, взявшийся за историческую живопись - Антон Павлович Лосенко. Кстати, до сих пор иногда сложно верно атрибутировать работы Пьетро Ротари, потому что ученики часто писать почти точь-в-точь как учитель и дописывали за него некоторые “головки”. Умер художник, как уже было упомянуто, в Санкт-Петербурге и почти все его наследие хранится в России.

"Сотворение Адама" 1511 г. Микеланджело Буонарроти Сикстинская капелла, Ватикан. Одно из самых известных и знаковых образов в истории искусства. Как часть потолочных фресок, заказанных Папой Юлием II (1444–1513) для Сикстинской капеллы в 1508 году, он отмечался, анализировался, пародировался и обсуждался, и больше, чем что-либо другое, сформировал образ публики. вообразил Бога, Адама, ангелов и библейское творение человечества. Эстетически он уравновешен и динамичен, а мускулистое, молодое тело Адама основано на более раннем греческом и римском классическом искусстве, а также на обширных знаниях Микеланджело о пропорциях и анатомии. Хотя на первый взгляд это кажется простым изображением Бога, дающего Адаму искру жизни, как описано в Книге Бытия, как и многие другие произведения искусства эпохи Возрождения, в нем содержатся секретные послания, которые историки искусства и широкая публика все еще пытаются разгадать столетия спустя. Фокус Творения Адама - почти соприкасающиеся пальцы первого человека и его создателя. Микеланджело мастерски нарисовал их как можно ближе к контакту, оставив нас гадать, является ли это моментом непосредственно перед тем, как Бог касается Адама, давая ему жизнь и представляя союз земного и божественного, или сразу после него, представляя их разделение. Адам показан в расслабленной позе, по-видимому, готовым принять дар Бога, а Бог - мощная, решительная, внушительная фигура, окруженная и поддерживаемая стайкой ангелов (и двумя часто обсуждаемыми фигурами) на фоне красного плаща. Среди херувимов, ставших свидетелями этого ключевого момента в христианской мифологии, есть женская фигура, которая кажется значимой для Создателя. Она ярче других, и Его рука обнимает ее. Это Ева, ожидающая рождения из ребра Адама? Дева Мария? Если так, то есть ли херувим слева от нее, с перстом Божьим на плече, Иисусом? Неужели он отвернулся, потому что однажды ему придется пострадать за грехи нового фаворита своего отца? И это угрюмый архангел Михаил, летящий внизу, словно поддерживая весь состав. Среди этого небесного окружения есть тот Люцифер, будущий падший ангел, лицо которого наполовину в тени, схватившее женщину за руку (может быть, это Ева? Или это и Ева, грешница, и Мария, святая, образ универсальной женщины?) и шепчет ей на ухо? А кто такой несчастный задумчивый ангел внизу слева? Как и любой уважающий себя художник эпохи Возрождения, Микеланджело оставил ученым и ценителям искусства множество ключей, секретов и загадок, над которыми они могли размышлять в течение сотен лет. Одно конкретное послание, которое Микеланджело добавил в свой шедевр, будет замечено только в 20 веке. В выпуске журнала Американской медицинской ассоциации от 10 октября 1990 года Фрэнк Линн Мешбергер, доктор медицины, гинеколог из Медицинского центра Св. Иоанна в Андерсоне, штат Индиана, отметил, что саван, окружающий Бога и ангелов, невероятно похож на человеческий мозг. В самом деле, как только вы это видите, это не может быть невидимым. Как было принято для художников того времени, Микеланджело препарировал трупы, чтобы больше узнать об анатомии человека и, конечно же, знать, как выглядит мозг внутри и снаружи. Что пытался передать мастер, поместив Создателя Вселенной в гигантский человеческий мозг? Возможно, настоящим даром, который, как он изображал, принимает Адам, был интеллект. Или, может быть, он пытался передать более бунтарское послание. Мог ли искренний католический художник тайно изобразить Бога как воображение в разуме Адама на потолке одного из самых святых мест католической церкви? Если так, это был бы величайший пример троллинга в истории человечества.

Вдохновляющие картины художников Artlife Academy. Мишель Корман, Блэр Брайтенштайн, Эллен Балок и Валерия Куликова действительно творят невероятное кистью и фантазией.

Ранняя весна (Последний снег) Пурвит Пурвит изображает раннюю весну. Пора эта действительно чудесна. Снег уже местами сошел, обнажив голую землю. Деревья стоят с голыми ветками и ждут прихода настоящего тепла. На первом плане мы видим холмистый пейзаж с редкими деревьями. Прямо за возвышенностью виднеется деревянный дом. Если мы посмотрим еще дальше, то увидим еще целый ряд холмов. Впечатляет мастерство пейзажиста. Ему удается передать особое очарование обычной, на первый взгляд, картины природы. Перед нами действительно живая картина, впечатляющая особой рельефностью. Каждая деталь невероятно осязаема и жива. Художник умело использует тона для передачи снега. Он у него не просто белый, а розоватый и желтоватый. Синеватые тени, которые отбрасывают деревья, прорезают заснеженные участки и те, которые уже успели освободиться от этого покрова. Небо голубовато-серое с белыми облаками. Солнца мы не видим. Но именно оно озаряет практически все детали этого пейзажа.

​​️Летний кинотеатр РОСИЗО открывает кинопоказы коротким метром.   Начиная с 10 июня под открытым небом будет демонстрироваться уникальный контент — фильмы, недавно вышедшие в прокат и вызвавшие интерес у публики.   Покажут и ролики победителей конкурса «Миры Тарковского». За расписанием сеансов в летнем кинотеатре можно следить на сайте   Вход бесплатный при регистрации ️Фестиваль креативных индустрий НИУ ВШЭ Telling Stories пройдет в Казани 11 июня.   Посетителей ждут бесплатные лекции, выставка и концерты.   Проект посвящен инновациям, трендам и образованию в сферах кино, новых медиа, игровой индустрии, маркетинга и коммуникаций, искусства, дизайна и моды. Регистрация и программа   ️10 июня на ВДНХ откроется мультимедийная выставка-погружение «Петр Великий. Рождение империи».   ️Шестой международный театральный фестиваль под открытым небом «Толстой» пройдет в музее «Ясная Поляна». Даты будут объявлены позднее.   От автора: Была в «Ясной Поляне» и до сих пор чувствую запах яблок и то впечатление, будто время остановилось. Усадьба у Льва Николаевича необъятна. Невероятно, но музей был основан в 1921 году. А саму усадьбу прадед Льва Толстого князь Сергей Волконский купил в 1763 году. В своем доме Лев Толстой родился и прожил более 50 лет. Именно здесь он написал свои главные труды.   Читала, что Лев Николаевич сам насажал большой яблочный сад: более 7800 деревьев. Софья Толстая писала: «Взглянешь в окно в сад и всякий раз поразишься этим воздушным белым облакам цветов в воздухе, с розовым оттенком местами и со свежим зеленым фоном вдали». Сейчас в яблочном соду можно найти 30 различных сортов яблок. Посмотрите это чудесное видео и навестите «Ясную Поляну» этим летом   Фото: Дом Льва Николаевича Толстого, Предоставлено пресс-службой фестиваля https://telegra.ph/file/db1fccc49e08b32606da6.jpg

11 июня 1605 года в истории России случилось невероятное событие - на престол взошёл Лжедмитрий I - ловкий авантюрист, выдававший себя за чудесно спасшегося младшего сына Ивана Грозного. Был ли он монахом Григорием Отрепьевым либо кем-то другим, но ему удалось стать полноправным владыкой России. Через год он женился на полячке Марине Мнишек, которая была коронована как русская царица. Свадьба эта стала для самозванца началом конца. Народ был недоволен обилием иностранцев в окружении нового царя, чем решили воспользоваться его политические противники. Пьяные поляки врывались в московские дома, бросались на женщин, грабили прохожих. Ситуация стала взрывоопасной. Оппоненты Лжедмитрия решили, что пришло время для решительных действий. 24 мая 1606 года Василий Шуйский собрал верных ему купцов и служилых людей, вместе с которыми составил план действий - отметили дома, в которых живут поляки, и решили в субботу ударить в набат, призвав народ к бунту под предлогом «защиты царя». В результате бунта были убиты около 520 поляков. Шуйский въехал в Кремль через Спасские ворота и приказал толпе «идти на злого еретика». Тем временем Лжедмитрий, проснувшийся от шума и набата, послал выяснить, что происходит, полагая, что в городе начался пожар. Лжедмитрий попытался спастись, спустившись из окна дворца по стропилам, но сорвался и упал с большой высоты. Он повредил ногу и получил сильный ушиб груди. Во дворе дежурил караул стрельцов, не принимавший участия в бунте. Лжедмитрий умолял стрельцов помочь, вывести его на Красную площадь к народу. Стрельцы сперва согласились и даже открыли огонь по мятежникам. В это время среди бунтовщиков раздались крики: «Давайте пойдём в Стрелецкую слободу и убьём их женщин и детей!». Стрельцам кричали, что они защищают не царя, а самозванца. Последние защитники Лжедмитрия, опасаясь за судьбу родных, готовы были отступиться от него, но всё-таки потребовали, чтобы мать настоящего царевича Дмитрия Марфа Нагая подтвердила, что Дмитрий — её сын, иначе пригрозили убить его. Князь Иван Голицын, выступавший в роли гонца, вернувшись, крикнул, что Марфа Нагая сказала: её настоящий сын убит в Угличе. Толпа взревела от ярости. Боярский сын Григорий Валуев, выступив вперёд, крикнул: «Что толковать с еретиком: вот я благословляю польского свистуна!». После этого Валуев выстрелил в Лжедмитрия в упор. Сразу за этим на то ли уже мёртвого, то ли ещё живого самозванца набросились с мечами и алебардами. Труп страшно изуродовали После трёх дней надругательств тело похоронили на погосте для до смерти упившихся или замёрзших. Вокруг погибшего Лжедмитрия продолжали роиться слухи. Его «чарам» приписывали наступившее похолодание, уничтожившее посевы на полях. Говорили, что по ночам он выходит из могилы и бродит по окрестностям. Тогда вопрос решили радикально — труп откопали, сожгли, пепел смешали с порохом, зарядили в пушку и выстрелили в сторону польской границы, откуда Лжедмитрий прибыл в Россию.

​​Друзья, хочу порекомендовать: Центр толерантности при поддержке благотворительного фонда «Абсолют-Помощь» проводит модуль об общении с незрячими и слабовидящими людьми на онлайн-платформе «Культура.Inc».  Case-study описывают типовые ситуации взаимодействия с людьми с инвалидностью в стенах учреждений культуры и других общественных пространств. От автора: «Я проходила курс по инклюзивному волонтерству в Еврейском музее и центре толерантности в 2020 году и скажу, что это изменило мою жизнь. Потом я стала активным волонтёром и мое видение инвалидности сменилось на простое понимание, что если хотите что-то сделать, то делать нужно не «для» людей, а «с» людьми. P. S. Для, конечно, тоже приветствуется:) Но как хорошо вместе! Делюсь с вами фото с недавней пасхальной инклюзивной ярмарки в Тверская 15. Здесь много мероприятий для детей и взрослых и невероятное Inclusive coffee. Вы почувствуете семейную атмосферу через миг. Вам захочется остаться! Рекомендую поучиться на платформе. Я тоже обучалась — великолепная платформа. https://telegra.ph/file/a7a32d5a9253ca8a56514.jpg

На этот сюжет Делакруа вдохновил лорд Байрон, а еще, добавляют шепотом биографы, маркиз де Сад, чьи книги активно печатались во Франции в начале XIX века. Правда, нелегально. С Байроном как раз все законно: один из друзей художника работал над иллюстрациями к французскому изданию Байрона и дал почитать Делакруа пьесу об ассирийском царе Сарданапале. История царя, повелевшего сжечь все свои богатства перед приходом врага, настолько поразила юного Эжена, что он проделал поистине научную работу по поиску подробностей. В Лувре он копировал профили с монет Древнего Востока, изучал в библиотеке гравюры в книгах великих путешественников и монгольские миниатюры, читал труды древнегреческих историков. Какая-то утварь и пестрые шелка подсмотрена в антикварных лавках и напоминают скорее Индию, какие-то элементы архитектуры пришли из увиденных в Англии картин о гибели древних городов. А вот от маркиза де Сада контрабандой на полотно прокралось упоительная смесь сладострастия и смерти, обостренные ощущения и самые прекрасные в живописи XIX века женские спины. Биографы говорят, что Делакруа не любил вспоминать об этой картине в зрелом возрасте. Как будто он вскрыл свои самые сокровенные страсти и фантазии, чтобы потом навсегда спрятать их от чужих глаз. В канонической истории Сарданапала, ни у Байрона, ни у древних историков, ничего не говорилось об убийстве жен, слуг и лошадей. Царь-сибарит (это он изобрел пуховую перину) просто попросил уничтожить все, что доставляло ему удовольствие при жизни. Это Делакруа в своем воображении нарисовал юных красавиц, резню и спокойного тирана, удовлетворенно принимающего гибель любимых и собственную гибель. На первых набросках в роли Сарданапала Делакруа изображал себя. А еще предвосхищал импрессионистичную манеру в живописи. В рабочих заметках между прочим есть запись: «Желательно, чтобы мазки лежали раздельно, они сольются на расстоянии, сообщив цвету большую чистоту и интенсивность». Именно живописную эмоциональность и свежесть «Сарданапала» даже самому Делакруа удастся превзойти не скоро. Чтобы понять, каким фейерверком должна была выглядеть эта картина 29-летнего художника, можно взглянуть на гвоздь сезона в Салоне того года – «Апофеоз Гомера» Энгра. Абсолютно глянцевое и статичное изображение, которое как будто распадается на части и не дает глазу зацепиться за что-то важное. Делакруа в «Сарданапале» совершил переворот: изображение невероятно динамичное (сравните хотя бы с «Гомером»), а композиция выстроена по закрученной спирали. Сочетание ярких, насыщенных красок, которых Делакруа уже научился не бояться, создает настолько страстную и страшную картину, что Департамент изящных искусств и критики забили тревогу. В газетах можно было увидеть, например, такую рецензию: «Господин Делакруа заказал два фургона с тем, чтобы вывезти разрушенную мебель из дворца господина Сарданапала, двое похоронных дрог для мертвых и два омнибуса для тех, кто остался в живых». Делакруа после этой картины впал в немилость и был лишен государственных заказов. Благо, правительство во Франции в XIX веке менялось чаще, чем художественные принципы. Немилость продлилась всего три года – до Июльской революции. ЭженДелакруа Романтизм _history

Картина «Гавань в Провансе» написана в период увлечение Дерена кубизмом. Весьма заметны в ней и отголоски примитивизма: отсутствие перспективы, не соотнесенность масштабов: огромное дерево на переднем плане, тщательно прорисованные травинки. Невероятно большие с точки зрения классической перспективы деревья на дальней белой горе и крошечные облака над горой. Подобным образом писал Анри Руссо. Цвет нанесен четко и плотно, пуантилизм остался в далеком прошлом. Плоскости плотного локального цвета заполняют геометрические формы. Темные деревья и насыщенного теплого цвета почва контрастируют со светлыми домами, прохладной голубизной воды и синевой неба. Общее настроение картины было бы светлым, если бы не слишком темное, с практически черной листвой переднее дерево. За счет него возникает ощущение внутренней напряженности. С картиной Дерена перекликается «лирический кубизм» русского художника Роберта Фалька. Интересна позиция, с которой мы видим картину – высокая точка, провал пространства, дальний план, на котором можно рассмотреть мельчайшие детали. Подобное Дерен делал в пейзажах с мостами. Впрочем, приём этот отнюдь не был новшеством, он встречается еще в работах Брейгеля. Дерен подобным образом написал и открытое окно, мотив которого безусловно навеян Матиссом – у мэтра он был одним из любимейших. Можно уйти из фовизма, но близкое общение с Матиссом не проходит бесследно. АндреДерен Фовизм _history

​​Сегодня день рождения великолепных Ирины Антоновой и Святослава Рихтера Предлагаем посмотреть чудесные и невероятно наполненные лекции Ирины Александровны и выступления Святослава Теофиловича. Например, лекция Культурный код XXI века Фото: Пушкинский музей https://telegra.ph/file/72c5cc59fbe90955c3335.jpg

Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально кроме обнаженных женщин присутствовали еще и мужчины – завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина называлась «Бордель в Авиньоне». По словам Пикассо, он назвал ее так в память о том времени, когда жил неподалеку от квартала «красных фонарей» в Барселоне – Carrer d’Avingo. «Как ни странно, - вспоминал художник, - там я нашел единственную лавку по продаже бумаги и акварели по низкой цене». Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов. Он искажает лица и тела своих героинь, разбивая их на фрагменты, используя геометрические формы. Художник бросает вызов привычным нормам идеализированного изображения женского тела как чего-то исключительно прекрасного. Женщины на полотне кажутся застывшими в страхе, они как будто стараются максимально отделиться и отдалиться друг от друга. Они скорее сосредоточены на зрителе, они смотрят прямо на вас, изучающе и настороженно, а их написанные в разных стилях лица и несимметричные глаза только усиливают магнетическую силу взглядов и окончательно сводят на нет эротизм сцены. По мнению искусствоведов, Пикассо написал «Авиньонских девиц» под влиянием сразу нескольких произведений коллег: чаще всего здесь упоминаются «Радость бытия» Матисса, «Купальщицы» Сезанна, «Турецкая баня» Энгра, «Открытие пятой печати» Эль Греко и скульптура Гогена «Овири». В свою очередь, «Авиньонские девицы» невероятно впечатлили художника Жоржа Брака, с которым Пикассо познакомился в том же 1907 году. Эта работа положила начало не только многолетней дружбе двух основоположников кубизма, но и триумфальному шествию крайне противоречивого живописного направления по Европе. _history ПаблоПикассо Кубизм

Герои портрета с порога заявили, что они пока не знамениты, но непременно станут такими. Они хотели, чтобы Кустодиев – один из самых прославленных портретистов России – написал их здесь и сейчас. «И такие они бровастые, краснощекие (им и голод нипочем), такие самоуверенные и веселые были, что пришлось согласиться, – рассказывал Кустодиев Шаляпину. – Притащили они рентгеновскую трубку, с которой работали в своем институте, и дело пошло. Потом и гонорар принесли, знаете какой? Петуха и мешок пшена. Как раз заработали тогда где-то под Питером, починив какому-то хозяйчику мельницу». Молодые люди не обманули Кустодиева: спустя годы оба стали нобелевскими лауреатами. Один – Петр Капица (слева с курительной трубкой) – по физике. Другой – Николай Семенов – по химии. Наука пока не знает ответа на вопрос, чего в этой истории больше – очевидного или невероятного. То ли молодые ученые были настолько уверены в себе, что решили получить немного славы авансом. То ли легкая кустодиевская кисть стала для них благословением и принесла удачу. К слову, Капица и Семенов – уже на правах старых приятелей – появились и на другом полотне Кустодиева: «Праздник в честь II конгресса Коминтерна на площади Урицкого». Вот они, в самом центре композиции, наблюдают народное ликование с чисто научным интересом. И, кажется, видят, к чему все идет, даже без рентгеновской трубки. _history БорисКустодиев Портрет https://clck.ru/RqYSo