Нежные краски весны Художник: Рамиль Гапасов мастерство

Диего Веласкес | «Венера с зеркалом» | ок. 1644—1648 | Лондонская Национальная галерея 6 июня 1599 - деньрождения придворного живописца короля Филиппа IV. и крупнейшего представителя мадридской школы времён золотого века испанской живописи. youknowart art classicart artoftheday artwork arts artstagram artshow artlife artgallery instaart picture pictureoftheday искусство  творчество творение картина картинадня краскижизни др  диего  веласкес  венера

Поль Гоген | Кафе в Арле | 1888 | 7 июня 1848 в Париже родился французский живописец, скульптор-керамист и график, крупнейший представитель постимпрессионизма - Эжен Анри Поль Гоген. youknowart art classicart artoftheday artwork arts artstagram artshow artlife artgallery instaart picture pictureoftheday искусство  творчество творение картина картинадня краскижизни др  кафе гоген польгоген

Винсент Ван Гог| Художник на пути в Тараскон | август 1888 года | бывший музей Магдебурга | Предполагается, что картина погибла в огне во время Второй мировой войны. youknowart art classicart classicartworks artoftheday artwork arts artstagram artshow artlife artgallery instaart picture pictureoftheday искусство  творчество творение картина картинадня краскижизни  вангог

Эдуард Вильгельм Даге|Изобретение живописи. Сюжет, восходящий к античной мифологии: дочь Бутада обводит углём на стене тень своего возлюбленного | 1832 | Старая национальная галерея, Берлин . . . ️ youknowart art classicart classicartworks artoftheday artwork arts artstagram artshow artlife artgallery instaart picture pictureoftheday искусство  творчество творение картина картинадня краскижизни даге

Смотря на пейзаж невзначай начинают вспоминаться строки стихотворения Пушкина – “Мороз и солнце день чудесный”. Эта зимняя сказка, изображённая маслом на холсте, создает незабываемо впечатление, которое не только радует глаза, но и вводит в легкое состояние транса. Тема картины полностью описана в данном пейзаже, вплоть до мельчайших деталей картина полностью разворачивает зимнюю сказку, которую старался показать автор картины. Навалом снега, просто горы снега покрывают все пространства земли, и елей стоящих по краям дорожки протоптанной людьми. Снежные горы на горизонте дополняют образ картины, создавая общий снежный, белый-белый вид. Картина написана в холодных белых красках, в этой картине не присутствует теплых цветов, однако это не делает картину темной или мрачной. Напротив, картина белоснежно белая, идеально подойдет для спальной комнаты. Репродукция работы Peder Mork Monsted (1859-1941), выполнена маслом на холсте.

"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Летом 1888 года Винсент Ван Гог живет на юге Франции, в Арле, где пишет самые знаменитые свои картины. В июне художник решил отправиться к морю – в маленькую рыбацкую деревушку Сент-Мари-де-ла-Мер. Винсент надеялся, что морской воздух поправит его слабое здоровье, которое с каждым годом лишь ухудшалось из-за недоедания и алкогольных возлияний. В недельную поездку Ван Гог взял с собой три холста и несколько листов бумаги. Картина «Море в Сент-Мари» стала одним из двух морских пейзажей, написанных художником во время этого «отпуска». На третьем холсте Винсент изобразил белые деревенские домики. В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет. Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле. Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым». ВанГог Постимпрессионизм Марина _history

Цветущие маки (1907) - Густава Климта Пейзажи Климта близки к импрессионистским вещам Моне, но при этом изящная детальность полотен возведена здесь в абсолют («Цветущие маки»). Мазки становятся меньше и, если зритель расфокусирует взгляд, полотно рискует рассыпаться на крошечные «пиксели» краски, это же, впрочем, и добавляет картинам жизни, как будто лёгкий ветерок заставляет дрожать траву и листья деревьев вокруг смотрящего. Может показаться, что кто-то разобрал абсурдистские брызги Поллока и, собрав их, как кубик Рубика, получил эффект, которого чуть позже и в несколько ином решении добьётся Клее, когда множество разрозненных на первый взгляд несущественных элементов и создают самое картину. Безусловно Климт далёк от абстракционизма и сюрреализма, но необычайная техника мастера заставляет искать столь же необычные сравнения. Некоторые полотна («Сад с распятием у коттеджа») по постимпрессионистскому накалу близки, например, Гогену, а иные («Две девушки с олеандром») даже к прерафаэлитам. Чувствуете масштаб

«Ночной Пассаж» 1999г. Сесили Браун Чувственное пространство цвета и текстуры, растянувшееся почти на три метра в ширину - все это сложная ранняя работа Сесили Браун. Следуя мантре Виллема де Кунинга о том, что «плоть была причиной изобретения масляной краски», ее картины были заряжены эротизмом. В абстрактных мазках на картине можно разглядеть соблазнительные человеческие формы, которые исчезают и выходят из фокуса. Работа нарисована в теплых спектрах желтых и красных тонов. По данным аукционного дома «Кристис» картина реализована за внушительную сумму в 3,131,250 фунтов стерлингов.

Эпилептический психоз у Ван Гога «Этот человек должен был или сойти с ума, или превзойти нас всех. Я не ожидал, что оба предположения подтвердятся» так Камиль Писсарро говорил о Винсенте Ван Гоге. Часть своих картин мастер писал в психиатрической лечебнице, куда он загремел с пугающим диагнозом «эпилепсия височных долей»‎. Там самыми частыми его гостями стали жуткие галлюцинации, а во время сильных припадков художник мог даже есть краски. Кстати, считается, что изобилие жёлтых красок на полотнах художника объясняется его болезнью. Лечение эпилепсии предполагало употребление лекарства, которое «способствовал» жёлтому цветовидению окружающего мира. Но у Винсента была ещё одна слабость – он употреблял абсент. Художник в течение всей жизни злоупотреблял абсентом и, как утверждают многие, эта вредная привычка «окрасила» его картины в цвет солнца. Но был ли Ван Гог безумцем на самом деле? На этот вопрос трудно найти ответ и сегодня.

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history

Диптих Мэрилин - Энди Уорхол Сюжет и объекты: Портрет Стиль: Поп-арт Техника: Шелкография, Акрил Материалы: Холст Дата создания: 1962 Размер: 205.4×289.5 см Местонахождение: Тейт Британия, Лондон В девять лет Энди заболел хореей Сиденгама (также известной как «пляска святого Витта») и несколько месяцев провел в постели. Мать, которая ухаживала за Уорхолом, искала любые способы развлечь и отвлечь мальчика, но больше всего ему были по душе книжки-раскраски. За каждую аккуратно раскрашенную страницу Джулия давала сыну кусочек шоколада. Спустя много лет Энди напишет свою первую картину, в которой, как и во всех последующих, безошибочно угадываются отголоски его детской любви к раскраскам. Четко очерченные черные контуры и области, ровно заполненные чистым цветом, стали одной из главных особенностей творчества художника.

«Крещение Христа» 1472—1475гг. Андреа Верроккьо, Леонардо да Винчи Будучи прежде всего скульптором, Андреа Верроккьо выполнял живописные заказы с перерывами, вследствие чего одну из своих картин - «Крещение Христа» - никак не мог закончить. Он попросил довершить начатое своего ученика Леонардо да Винчи. На картине изображено крещение Иисуса Иоанном Крестителем на берегу реки Иордан. Центральные фигуры и ангел справа уже были написаны в типичной для Верроккьо манере - суховатой, с изысканными силуэтами фигур. Леонардо изобразил ангела, стоящего слева, но использовал не темперу, как учитель, а масляные краски, сохнущие дольше и позволяющие передать мягкую светотень, окутать образ легкой дымкой. Так родилась ставшая потом знаменитой леонардовская техника «сфумато». Художник написал и часть пейзажа позади ангелов, основой для которой послужил сделанный им рисунок с изображением долины реки Арно. Работа молодого живописца поразила Верроккьо и стала так популярна, что с этой группы ангелов выполняли копии.

Румынская художница Анка Булгару (Anca Bulgaru) Художница испытывает огромную любовь к природе, откуда и черпает темы для своих картин. Бесспорно ее творчество связано с ее родной Румынией. ⠀ Особое место занимают натюрморты из цветов. Из всего разнообразия Анка отдает предпочтение сирени и изображает эти цветы так, словно их только что срезали, собрали в букет и поместили в цветочную вазу. Картины наполнены солнцем, светом и красками всех цветов радуги. Художнице удается точно передать краски букетов, отчего цветы становятся реальными. мастерство

«Девушка в центре внимания» Цифровая копия известной картины «Девушка с жемчужной сережкой» разрешением 10 гигапикселей была создана в рамках проекта «Девушка в центре внимания» музея Маурицхёйса в Гааге. Для этого использовался микроскоп Hirox 3D со сложным механизмом, который сделал 9100 фотографий с детализацией до 4 микрон, и позволил увидеть различия в высоте слоёв краски. В результате чего была получена «топографическая» карта поверхности полотна. В дополнение к современной уникальности стоит отметить, что эта картина - не просто портрет, а «Трони» - разновидность живописного портрета, где фокусировались на необычном выражении лице модели или деталях костюма. К примеру, привлекающий внимание тюрбан на голове девушки, краска для которого стоила дороже золота, потому что была сделана из полудрагоценного камня - лазурита. Подобные истории о картинах, уникальных предметах разных эпох и необычных находках вы увидите на VIOLITY Удивляйте друзей невероятными историями вместе с VIOLITY!

"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума, если бы не закончил эту серию из 20 полотен. Это была настоящая одержимость, которую у него могли вызвать только деревья, кувшинки, стога или цветы. Он часто совершал невероятные поступки, чтобы сохранить в нужном ему виде объект своей одержимости: платил крестьянину, чтобы тот весной оборвал листья на дубе в соответствии с первоначальным зимним эскизом, мостил дорогу рядом со своим домом, чтобы пыль не оседала на его цветах, выкупал стога сена, когда их собирались убирать с поля, устраивал эффектный спектакль для директора вокзала, чтобы тот задержал отправку поезда и обеспечил необходимое количество дыма на перроне. Над серией «Тополя» Моне работал всю весну и лето 1891 года, для чего выкупил островок Крапивный, с которого открывался нужный ему вид. Он грузил на тележку штук 20 – 30 холстов, вез их к месту лучшей точки зрения и работал над каждым из них в разное время суток. Иногда освещение менялось так быстро, что некоторые состояния длились всего минут 7. Когда солнце перемещалось, художник быстро искал среди уже начатых работ нужную, чтобы успеть оставить на ней несколько необходимых цветовых акцентов или поменять полностью. Моне сам изобрел этот метод и сам же переживал с ним самые отчаянные моменты творческого бессилия. Однажды он в ярости швырнул в воду и холст, который долго не находился, и краски с кистями. Ушел. Вернулся. Полез в реку доставать хотя бы кисти и краски. Как-то утром, прикатив к острову свою тележку с будущими шедеврами, Моне обнаружил, что тополя пометили для вырубки. Конечно, он заплатил, чтобы их не рубили, пока серия не будет окончена. Это самая «шумная» серия Моне. И в «Стогах», и в «Руанском соборе» от одной картины к другой меняется освещение, меняется плотность воздуха и цвет каменной кладки или поля. А тополя прекрасны еще и своей податливостью ветру – они шелестят листьями и скрипят старыми стволами в каждый схваченный момент. Сила ветра или отражение деревьев в реке – это новые измерения, в которых Моне заставляет меняться свои тополя. Художник всегда мечтал, чтобы его серии оставались единым целым, занимая целую стену в музее или в частной коллекции. Ему был очень ценен этот эффект прожитого в одном музейном зале светового дня. Ни одна из серий Клода Моне, за исключением «Кувшинок», для которых он сам придумал специальный музей, не собрана в одном месте. Даже в салоне Поля Дюран-Рюэля «Тополя» не задержались надолго и были распроданы, а сейчас они по всему миру – от Нью-Йорка до Токио. За эту же картину в 2011 на аукционе Кристис неизвестный американец заплатил 22,5 млн. долларов. КлодМоне Импрессионизм _history

«Зимнее солнце» 1916г. Константин Юон На картине нарисован простой пейзаж и редко встречающийся ракурс – художник и вместе с ним зритель находится прямо напротив садящегося солнца. Его лучи «бьют» навстречу взгляду, но не мешают ему, потому что дробятся стройными рядами стволов деревьев. Изображение подано таким образом, что кажется выше уровня взгляда зрителя. Художник находится внизу, у склона холма, а высокие деревья и персонажи – вверху, на пригорке, почти на линии горизонта. Благодаря такому приему лошадь с телегой, полной собранного хвороста, и собирающий его на снегу в вязанку человек кажутся изображенными в контражуре – почти черными. Они четко вырисовываются на светлом фоне снега и зимнего неба. Стройные деревья без листьев кажутся кружевными, это ощущение поддерживается редкими пушистыми облачками на бледном небе. В противовес этому темные ели служат фоном нежной и хрупкой красоте голых ветвей, но не придают мрачности полотну, потому что в нем использованы достаточно яркие и сочные краски.

Картины Юстины Копаня Польская художница Юстина Копаня пишет свои полотна маслом на больших холстах. Она говорит, самое главное, это передать на картине, то настроение, эмоции и воспоминания, которые она переживала во время создания картины. Юстина пытается показать окружающий нас мир немного по-другому, с другой точки зрения, отличной от той, с которой мы привыкли смотреть на этот мир, показать атмосферу того момента, который врезался ей в память. Сама Юстина говорит, что как картина, так и кисть требуют краски и она ее не жалеет. Большое количество краски на холсте создает рельеф, так рождается пастозная живопись. Сами работы больше напоминают импрессионизм, без особого внимания к деталям, но очень чувственные. Её картины показывают удивительное понимание и мастерство в использовании масляных красок. Она тщательно смешивает цвета и позволяет аудитории рассматривать каждый мазок в каждой из ее работ.

Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс, «Лот и его дочери» (ок. 1613-1614) Стоимость: 58,2 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Сцена «Лот и его дочери» сэра Питера Пауля Рубенса с XIX века была включена во все основные каталоги картин художника. Но более столетия она скрывалась от публики в частных собраниях и была известна лишь по чёрно-белой фотографии. Прежде её владельцами были крупные антверпенские купцы, королевские особы и аристократы Европы, например, император Священной Римской империи Иосиф I и Джон Черчилль, первый герцог Мальборо. На аукционе в 2016 году иллюстрация к библейскому эпизоду соблазнения Лота его дочерьми стала самой дорогой работой старых мастеров за 250-летнюю историю Christie’s. Картину купил благотворительный фонд, который передал её в долгосрочную аренду Метрополитен-музею в Нью-Йорке. 4. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1611-1612) Стоимость: 76,5 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2002 Эта картина в конце XVII века вошла в коллекцию князя Лихтенштейна Ганса-Адама I и хранилась у его потомков до XIX века. Некоторое время её приписывали Франциску де Неве Младшему, затем Яну ван ден Хёке, одному из ассистентов Рубенса. В 2001 году было доказано, что это работа самого мастера барокко. Перед распродажей в июле 2002 года эксперты Sotheby’s оценили её в 4−6 миллионов фунтов стерлингов, однако в ходе торгов стоимость взлетела до 49,5 миллионов. Их выложил канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон. Впоследствии он передал полотно Художественной галерее Онтарио в Торонто. 3. Сандро Боттичелли, «Портрет юноши с медальоном» (ок. 1480) Стоимость: 92,2 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2021 До торгов в прессе муссировались сомнения о том, что картина принадлежит кисти самого Боттичелли. Однако они рассеялись после того, как неизвестный покупатель по телефону предложил окончательную цену. Глава отдела старых мастеров Sotheby’s Кристофер Апостол назвал все подозрения «отвлекающим манёвром». Искусствоведы были единодушны в том, что этот портрет длинноволосого юноши воплощает идеалы красоты Возрождения, а яркие краски и простота делают его «вечно современным». 2. Рембрандт ван Рейн, парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит (1634) Стоимость: 195 млн долларов Аукцион: закрытая сделка, 2016 Технически этим двум шедеврам Рембрандта не место в данном списке. Все приведённые здесь работы были проданы на открытых торгах, а свадебные портреты молодого купца и его невесты куплены в частной сделке. Её заключили Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже с бароном Ротшильдом, чей предок приобрёл картины в 1877 году. Эти изображения — единственные известные портреты Рембрандта в полный рост. Они были написаны когда самому мастеру было 28 лет. До продажи полотна в последний раз демонстрировались публике в Нидерландах в 1956 году. Теперь же оба музея-совладельца пообещали выставлять пару только вместе. 1. Леонардо да Винчи, «Спаситель Мира» (ок. 1500) Стоимость: 450,3 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Похоже, эта работа ещё многие годы будет удерживать лидерство среди самых дорогих произведений искусства в истории. Она же, судя по всему, станет одной из самых загадочных картин в мире. В 2016 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке её приобрёл неизвестный покупатель за невообразимую цену в 450 миллионов долларов. Позже СМИ уверенно назвали новым владельцем наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана. Однако после сенсационных торгов панель исчезла, породив множество слухов, предположений и фантастических теорий. Изображение Христа с полупрозрачным шаром в левой руке по-прежнему вызывает ожесточённые споры. Оно долгое время считалось копией, и окончательно было приписано гению Возрождения лишь после реставрации в 2006 году. Перед продажей картина выставлялась в 2011-м в Национальной галерее в Лондоне. Но даже после этого многие искусствоведы подвергают сомнению её атрибуцию. Жмите на ссылки в названиях! Первая часть вот тут. _history

В индонезийской пещере обнаружены старейшие в мире произведения искусства В пещерах на острове Сулавеси в Индонезии археологи обнаружили древнейшие наскальные рисунки. Радиоуглеродный метод датирования определяет возраст этих рисунков приблизительно в 40 тыс. лет. Среди петроглифов* в пещерах Сулавеси археологи выделяют рисунки диких копытных животных и трафаретные рисунки рук, сделанные путем выдувания краски вокруг прижатой к скале кисти. Находка в Индонезии говорит как о том, что искусство развивалось параллельно сразу в нескольких частях света, так и о том, что оно зародилось десятки тысяч лет назад. Исследователи точно не знают, что обозначают эти отпечатки рук. Возможно, это своеобразная подпись автора, а может, ранние признаки мистицизма. *Петро́глифы — выбитые или нанесённые краской изображения на каменной основе.

Венеция. Мост Риальто 1908 Константин Коровин бумага на картоне, гуашь. 25 × 69,7 см Киевская картинная галерея, Киев Мост Риальто, один из самых известных архитектурных объектов города Венеции, был написан Коровиным в утренней дымке. Очертания моста утрачивают чёткость, а цвет, теряя свою конкретность, переходит в систему вибрирующих пятен, словно художник замешал свои краски на светлом игристом вине. В этом небольшом пейзаже, отмеченном блестящим артистизмом и остротой композиционного решения, Коровину удалось выразить душу города. Мастер имел необычайный талант. Наряду с даром живописца, он обладал и незаурядным литературным талантом. Когда ухудшение зрения вынудило полностью отказаться от изобразительного искусства, художник продолжал писать рассказы. Написал более четырёхсот рассказов.

"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history

"Пейзаж с красными деревьями" 1906 г. Морис де Вламинк Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Известный парижский галерист Амбруаз Воллар к моменту создания пейзажа «Красные деревья» уже посетил мастерскую Вламинка и скупил множество его картин. Художник воодушевлен, полон идей и жизненных сил. Лето 1906 года нередко называют самым плодотворным и успешным периодом его творчества. Он работает в окрестностях Шату на берегу Сены, где вместе с Дереном снимает мастерскую. «Только киноварь могла передать ярчайший красный цвет черепичных крыш на противоположном склоне. Оранжевый цвет земли, жесткие и резкие цвета стен и зелени, ультрамарин и кобальт неба гармонировали между собой до непристойности в чувственном и мелодичном порядке», – так художник описывал работу над пейзажами в то счастливое для его кисти лето. Период с 1903 по 1907 годы исследователи его творчества называют фовистическим. Причем под завершение этого этапа буйство цветовых контрастов на палитре частично смягчилось. Теперь основные приемы, с помощью которых Вламинк выражает эмоциональную напряженность пейзажа – контуры, формы. Сравним, к примеру, этот пейзаж и написанный в 1905 году. На переднем плане зеленая и желтая крона деревьев соседствует с красными, местами переходящими в охряные, стволами. Черные, нарочито небрежные контуры упорядочивают изображение. Контур использован не везде. Мазки сочные, сияющие и, в отличие от начала фовистского периода, широкие и густые. Нередко Вламинк вообще откладывал кисть и выдавливал краски из тюбика прямо на холст. Такой прием активно использовал и Ван Гон, чья яростная неистовость была особенно близка Вламинку. Отсветы розового неба вносят неожиданный элемент легкости, словно расширяя и облегчая пространство плотного цвета и сильных эмоций. Вламинк стремится не столько передать внешнее – то есть изобразить деревья, сколько воплотить посредством цвета и движения кисти ощущения. Причем никакой мимолетности, импрессионисты его не привлекали. Напротив, краски передают жгучую силу жизни, несут в себе необузданную радость и таят замершую в ожидании разрядки тревожность – такова эмоциональная палитра художника «дикого цвета». Некоторые исследователи считают, что необузданный темперамент – не только сила, но и слабость Вламинка, поскольку за пределы его он так и не вышел. Впрочем, такое мнение чересчур субъективно. Сам же Вламинк считал, что теории в искусстве бессмысленны, а живопись – это «манера жить». МорисДеВламинк Модерн _history

​​Эксперты выяснили, почему одна картина Пикассо стареет быстрее других Международная команда экспертов выяснила, почему одна из четырех картин Пабло Пикассо, годами находившихся в одних условиях, состарилась быстрее, чем другие. Учёные утверждают, что их проект — один из первых в своём роде. В нём сочетаются исследования химических свойств материалов с наблюдениями за механическими повреждениями. Это прорыв в усилиях консерваторов по предотвращению деградации картин. Он позволяет сохранить произведения, контролируя состояние окружающей среды. Исследование было сосредоточено на четырёх картинах, вдохновленных «Русскими балетами» Сергея Дягилева. Пикассо создал работы всего за несколько месяцев, работая в студии друга в Барселоне в 1917 году. В этот период художник мерсеризовал хлопковые холсты и закупал материалы — в том числе масляные краски на основе высыхающих масел, таких как льняное и подсолнечное, а также животный клей, которым он покрывал полотна — у ограниченного числа поставщиков. До 1970 года эти работы хранились в семейном доме Пикассо и впоследствии были переданы в дар музею художника в Барселоне. То есть на протяжении всего времени они подвергались идентичным воздействиям окружающей среды. Поэтому персонал учреждения забеспокоился, когда обнаружилось, что одна из работ, «Сидящий человек», оказалась повреждена сильнее, чем три другие. «Всю окрашенную поверхность картины покрыли трещины, — сказала Лаура Фустер-Лопес, профессор консервации Политехнического университета Валенсии. — Это похоже на русло пересохшей реки, где видны расселины и складки на поверхности». Чтобы разгадать загадку, музей в 2017 году инициировал трёхлетний исследовательский проект ProMeSa. Деньги выделило Министерство науки и инноваций Испании. В команду вошли консерваторы, эксперты по механическим повреждениям и специалисты по неинвазивным методам исследования из Италии, Канады и Дании. Сходство между составом и возрастом произведений, а также тот факт, что они никогда не разделялись, позволило учёным выделить переменные, чтобы точно определить, какие материалы вызвали деградацию. Команда прибегла как к химическим анализам, так и неинвазивным методам (рентген, инфракрасное излучение и рефлектография) для изучения различных слоёв — от краски на поверхности до грунтового слоя на холсте. Портрет «Бланкита Суарес» Пабло Пикассо написал в тот же период, что и «Сидящего человека». Обе картины хранились в доме художника, а потом одновременно были переданы в музей. Однако «Бланкита» сохранилась существенно лучше. Исследователи обнаружили, что для «Сидящего человека» Пикассо взял холст с более плотным плетением и покрыл его более толстым слоем грунта из животного клея. Эти два фактора привели к тому, что когда картины подвергались воздействию переменной влажности, возникало большое внутреннее напряжение. А химические реакции между определёнными пигментами и связующими веществами вызывали разрушение красок. В результате красочный слой постепенно потрескался. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/28b1361415353c8e8097b.jpg

Лучистская композиция: господство красного 1911–1913 Михаил Ларионов Нью-Йорк, Музей cовременного искусства Ведущий представитель направления Михаил Ларионов создаёт композиции, пронизанные штрихами, подобными заостренным стрелам (откуда и название «лучизм»), яркие краски, за которыми исчезает сюжет картины. Но рождается глубинная неосознанная эмоция, которая в обход сознания вызывает запрятанные в глубине подсознания образы и мысли, которые даже невозможно полностью постигнуть. Но почему-то это волнует нас не меньше, фигуративное искусство, но как-то особенно, совсем иначе влечёт за собой и взгляд не оторвать.

Идолослужение царя Соломона 1620 Корнелис де Вос ГМИИ им. А.С. Пушкина Согласно Ветхому Завету, царь Соломон по наущению своих языческих жен отвернулся от истинного Бога и стал поклоняться идолам, за что был наказан: «И сказал Господь: за то, что ты так поступал и не соблюдал завета Моего и уставов Моих, которые Я заповедал тебе, Я отторгну царство от тебя и отдам его рабу твоему». Де Вос, брат жены Франса Снейдерса, был связан с кругом Рубенса и стремился придать изображенной сцене помпезный характер, используя яркие краски и мастерски изображая драгоценности, ткани и драпировки. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Интерьер с футляром от скрипки" 1919 г. Анри Матисс Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). «Интерьер с футляром от скрипки» написан в Ницце. Юг Франции для многих художников оказывался целительным, Матисс – не исключение. Мотив окна – один из любимых у Матисса, причем его окно всегда открыто во внешний мир. Будь то окно, выходящее в сад, окно в пустом номере или даже окно с закрытыми ставнями – все равно Матисс найдет возможность открыть хотя бы небольшую форточку! «Оконные» сюжеты наполнены светом и умиротворением, они радостные и успокаивающие, дышащие свежестью озаренного солнцем то ли моря, то ли сада, то ли проникающего в окно неба. Друг-враг-соперник Матисса Пабло Пикассо говорил, что «в утробе у Матисса солнце». Написанные в Ницце картины это вполне подтверждают. Высокое окно, расширяющее пространство, лазурь неба, уплотняющаяся по линии перехода в море, совпадающий с небом и морем оттенок раскрытого футляра, из которого, вероятно, только вынули скрипку. Белоснежные, кажется, колышущиеся от морского свежего ветра, занавески и завораживающие взгляд солнечные лучи, падающие на пол сквозь узорные балюстрады огораживающего балкон бортика. Здесь всё дышит свежестью и радостью! Наследие поездок в Марокко – восточные арабески покрывают стены. На этой картине заметно виртуозное владение Матисса черным цветом, столь пугавшим импрессионистов. «Когда я не знал, какой цвет класть, я брал черный. Черный – это мощь», – заявлял Матисс. Впрочем, из-под его кисти черный – это всё, что ему будет угодно, в данном случае – тонкость, изящество и невесомость. Сам Матисс говорил, что у него нет теории, он накладывает краски, «пока это не станет хорошо», и всё, чего он хочет – это чтобы усталый человек, глядя на его картины, познал покой и радость. И, пожалуй, его окна открыты именно в эти состояния. Из знаменитых предшественников на Матисса существенное влияние оказал Делакруа, которому иногда удавалось, кажется, «приоткрыть окно» в свет, цвет и сияние. Окно, которое окончательно распахнет Анри Матисс. В Ницце Матисс познакомился с Ренуаром, которому очень приглянулись «оконные» картины. После встречи Ренуар, смеясь, просунул воображаемую кисть под колено и признался: «Я думал, что этот парень работает вот так… Это неправда… Он много трудится!..» АнриМатисс Фовизм _history

"Апельсиновые деревья" Гюстав Кайботт, 1878 > Хьюстон, Музей изящных искусств Кайботт запечатлел тему изысканного отдыха. На картине изображен уголок сада семейного имения Кайботтов в Йере. Эта усадьба была куплена отцом художника в 1860 и продана в 1878, в год написания картины и смерти матери художника. Кайботт имел тягу к садоводству, предпочитал ухоженное расположение растений. Мужская фигура на переднем плане – брат художника Марсиаль. Одетый в соломенную шляпу и фиолетовые туфли, он изображен читающим газету или журнал с наклоненной вперед головой спиной к зрителю. На заднем плане кузина Зои в полосатом платье и красных сапожках склонилась над кадкой с апельсиновым деревом. Кайботт использует резкий контраст между теневым пространством и ярким солнечным задним фоном. Тени окрашены в приглушенные зеленые и фиолетовые тона, в то время как газон и цветник сочетают в себе яркие зеленые, красные и белые краски. Контраст между областями света и тени вносит ощущение полуденного зноя, покоя и тишины.

60% россиян интересуется им, но только 36% умеет его понимать. Искусство. Как за пару недель научиться видеть в картинах нечто большее, чем просто цвет и краски? Palitra — нескончаемый источник знаний о великих художниках и их работах. Прочитай историю картины, просто посмотрев на нее. Узнай больше о современном искусстве и гениях своего дела. Научись различать полотна Босха и Ренуара, поддерживать светские беседы и выделяться эрудированностью. Подписывайся на канал Palitra — наслаждайся эстетикой, глубиной и философией мирового искусства в одном месте.

Рафаэль Санти "Дама с единорогом" (1506) Судя по композиции этого портрета, Рафаэль пытался закосплеить Леонардо с его «Моной Лизой», написанной в то же время. У этой картины удивительная история. Сначала Рафаэль написал женскую фигуру до талии, пейзаж и небо. Затем другой художник превратил девушку в даму с собачкой (символом супружеской верности). Потом, спустя несколько десятилетий, третий художник омолодил ее и переделал собачку в единорога (символ целомудрия). А потом, где-то в конце XVII века кто-то еще превратил его рог в пальмовую ветвь и нарядил даму в плащ, таким образом превратив ее в Святую Екатерину с традиционными атрибутами. Но когда в XX веке исследователи все это выяснили, снять слои краски они смогли только до стадии единорога, потому что глубже все почти утрачено.

"Смеющийся кавалер" 1624 г. Франс Хальс Собрание Уоллеса, Лондон. «Смеющийся кавалер» – это пышный портрет молодого человека, стоящего в нарочито небрежной позе на простом сером фоне. В правом верхнем углу указан его возраст, 26 лет, и дата написания картины – 1624 год. Эта работа уникальна среди мужских портретов Франса Хальса, благодаря богатой цветовой палитре. Особо обращает на себя внимание яркий костюм натурщика – дублет с причудливой вышивкой белой, золотой и красной нитью и позолоченная рукоять рапиры, выглядывающая из-под левого локтя. Ни личность молодого человека, ни предназначение портрета наверняка неизвестны, однако некоторые важные подсказки исследователям может дать ослепительный костюм. Мотивы вышивки на дублете идентифицированы как распространённые в те времена эмблемы и символы удовольствия и любовных мук – стрелы, пылающие рога изобилия и узы влюблённых. Эти намёки на любовные интриги и ухаживания дают основания предполагать, что перед нами свадебный портрет. Однако для него не найдено парное изображение. Также высказывалось предположение, что некоторые элементы на костюме (особенно кадуцей, атрибут римского бога Меркурия) указывают на занятие торговлей. Авторитетный искусствовед Питер Бисбоер недавно предположил, чтобы натурщиком был Тилеман Ростерман, богатый торговец текстилем из Гарлема. К 1624 году Хальс уже написал несколько одиночных и парных портретов, а также групповой портрет «Банкет офицеров Гарлемской стрелковой гильдии св. Георгия». Последний, пожалуй, самая известная работа живописца, демонстрирующая его виртуозную способность передавать жизненную силу и дух своих моделей. Представительный вид «Смеющегося кавалера» объясняется тем, что художник поместил его в непосредственной близости к зрителю и изобразил с низкой точки. Рука, упирающаяся в бедро, также является отличительной особенностью мужских портретов Хальса – так он показывал уверенность натурщиков в себе. Кроме того, эта поза придаёт картине визуальную глубину. Портрет выполнен разными мазками – от тонких сливающихся штрихов на лице до более широких, свободных мазков на костюме. Детали тонкого кружева издалека выглядят тщательно проработанными, но вблизи оказываются быстрым наброском. Может показаться, что широкие линии руки и складки драпировки над животом мужчины были написаны за несколько секунд быстрыми длинными штрихами. Есть что-то чрезмерное в сочетании румяного лица и массы шелков и кружев. Герой портрета реален и нереален одновременно. К началу XIX века творчество Хальса было практически забыто. Несмотря на это, холст «Смеющийся кавалер» стал объектом яростной битвы между Ричардом Сеймуром-Конуи, 4-м маркизом Хартфордом и бароном Джеймсом де Ротшильдом на парижском аукционе в 1865 году. Первый победил, заплатив королевскую сумму в 51 тысячу франков (ныне около 3 тыс. долларов). Это событие оказалось поворотным моментом в репутации художника, интерес к которому начал возрождаться. Свободная, спонтанная техника и иллюзия мимолётного снимка сделали картину привлекательной для коллекционеров и художников викторианского периода. Последние стремились именно к такому ощущению реализма – без лощёной фактуры и гладкого нанесения краски. Влияние Хальса заметно в широких мазках Эдуара Мане и его последователей-импрессионистов, а Джеймс Эббот Макнейл Уистлер подражал голландцу в своей работе «Композиция в светло-розовом и чёрном. Портрет Теодора Дюре» (ок. 1883). Первоначально картина называлась просто «Портрет мужчины», но на выставке Королевской академии в 1888 году она уже значилась как «Смеющийся кавалер». Несмотря на то, что человек на ней на самом деле не смеётся и не является кавалером, изображение излучает веселье, бодрость и долю чванства. Среди составляющих такого настроения – низкая точка обзора, ослепительная техника, закрученные кверху усы, блеск в глазах и надменная поза молодого человека. ФрансХальс Барокко _history

Гавань в Марселе Около 1906—1907 Поль Синьяк Государственный Эрмитаж, Питер На картине в пуантилистической манере (стилистическое направление в неоимпрессионизме в основе которого лежит манера письма раздельными мазками правильной, точечной или прямоугольной, формы) изображена внутренняя гавань Старого марсельского порта. Пуантилизм провозглашал бесстрастность художника, отвергая характерную для импрессионизма спонтанность и ярко выраженную индивидуальность. Исповедники нового течения разводили краски на палитре, а потом систематично наносили их на холст в виде точек. Импрессионисты же всегда работали широко и быстро — они стремились «схватить» ускользающее мгновение, и тут уж было не до «планомерной» серьёзности пуантилистов.

60% россиян интересуется им, но только 36% умеет его понимать. Искусство. Как за пару недель научиться видеть в картинах нечто большее, чем просто цвет и краски? Palitra — нескончаемый источник знаний о великих художниках и их работах. Прочитай историю картины, просто посмотрев на нее. Узнай больше о современном искусстве и гениях своего дела. Научись различать полотна Босха и Ренуара, поддерживать светские беседы и выделяться эрудированностью. Подписывайся на канал Palitra — наслаждайся эстетикой, глубиной и философией мирового искусства в одном месте.

Медитативная живопись. Томас Эндрю Дарнелл родился 2 февраля 1958 года в Сан-Антонио, штат Техас. Американский художник, известный своими масляными картинами. Специализировался в области биологии и изобразительного искусства в Техасском университете (Остин) и получил степень магистра с отличием. "Моя работа вдохновлена необходимостью найти порядок и смысл в этом прекрасном беспорядке, который мы называем жизнью. Я выбираю образы, вызывающие во мне ощущение равновесия и гармонии. А затем перехожу от технически ориентированного представления к произведению более медитативной, абстрактной живописи, так как многообразие поддерживает свежесть. Что остается неизменным во всей моей работе, так это свет. Он представляет собой энергию, дух и силу, которую мы не видим, но ощущаем через эмоции, звуки, мысли, силу тяжести, вибрации. Я начинаю со смазанных изображений и с каждым проходом подчеркиваю детали и контраст в изображении, стирая краски и возвращаясь к уточнению деталей, пока не достигаю правильного баланса".

Портреты на перьях. Кристи Мисайлдин (Krystle Missildine) — художница-самоучка из Праттвилл, Алабама, США, которая очень любит искусство и животных. Художеством вплотную начала заниматься в 2011 году, после рождения дочери и выхода в декрет. Одной из ее одержимостей в рисовании стали работы, которые она выполняет на птичьих перьях диких индеек и больших попугаев Ара. «Прежде чем наносить краску на такой небольшой и тонкий холст, я должна убедиться в том, что мои мазки будут нежны и точны. Я использую акриловые краски и крошечные кисти, перья, с которыми я работаю, выпали естественным путем, многие из них были подарены мне владельцами попугаев, а некоторые я получила от своих собственных пяти птиц».

"Этюд натурщика" 1811 г. Теодор Жерико ГМИИ имени А. С. Пушкина. Небольшая картина «Этюд натурщика» попала в собрание ГМИИ из коллекции С.М. Третьякова. Несмотря на имя «Теодор Жерико» на табличке, полной уверенности в авторстве нет — великолепно сложенного усатого натурщика, позировавшего в мастерской наставника Жерико Пьера Герена, писали многие. Среди предполагаемых авторов «Этюда...» называли и Делакруа, и некоего неизвестного русского мастера (что сомнительно — всё-таки картина была приобретена в коллекцию Третьякова при посредничестве известного дома «Буссо и Валадон» за солидную сумму в 4 500 франков). Но, учитывая, что подписанного Жерико в наших музеях нет, да и просто работ Жерико в мире немного, будем относиться к этому портрету как к доказанной работе одного из первых французских художников-романтиков. Тем более, что все характерные признаки у этюда присутствуют: сложный разворот фигуры, резкий контраст света и тени, глубокая темнота фона, великолепная лепка формы, и, главное, предельная романтизация образа — всё, что так любил Жерико. Героя картины — растрёпанного хмурого человека с античным торсом и совершенно не античным лицом, легко представить и на поле боя, и на палубе корабля, и на покорённой вершине — в любом месте, позволяющем поспорить с судьбой или стихией и красиво победить или драматически погибнуть. Известно, что занимаясь у Герена, Жерико часто «улучшал» постановки, то приписывая натуре воображаемый фон, то усиливая контрастность света. Герен, известный живописью классической и скучноватой, терпел его эксперименты, но предостерегал от подобного остальных студентов: «Что вы стараетесь подражать ему. Пусть работает как хочет, в нем материала на трех-четырех живописцев, не то, что у вас». Вероятно, когда-то картина была светлее, но сейчас её краски изрядно изменились — причина в готовом красителе на основе битума, который был очень эффектен при написании теней, но со временем сильно потемнел. ТеодорЖерико Портрет Романтизм _history

Флуоресцентная крольчиха В 2000 году бразильско-американский художник Эдуардо Кац создал работу «Альба». Художник вживил в кроличью яйцеклетку ген медузы, который отвечает за свечение. Тот успешно прижился, и на свет появилась необычная крольчиха: она светилась ярко-зеленым в темноте. Кац назвал крольчиху Альбой. Художник говорил: «Мы вступили в новую эру. Требуется новое искусство. Не имеет смысла использовать краски так же, как их использовали в пещерах». Работа вызвала много споров в обществе и прессе: когда кролика показали на выставке, все заговорили об ответственности художника за произведение, о том, где же находится граница творчества, и в принципе о будущем человечества и природы. Искусство или нет?

Реалистичные рисунки. Американская художница Карла Миалинн (Karla Mialynne). Изначально девушка начинала работать цветными карандашами. Позже к ним добавились маркеры и акриловые краски. В результате рождались гиперреалистичные картины на всевозможные темы, начиная от портретов знаменитостей, заканчивая изображениями животных. Ее иллюстрации используются в рекламах, для украшения панелей смартфонов и оформления календарей. Для того, чтобы ни у кого из зрителей не возникало сомнения в подлинности картины или предметов, которыми они были нарисованы, Karla Mialynne всегда выкладывает возле рисунка ряд карандашей и маркеров, которыми была написана работа.

Винный художник. Эрик Кристенсен занимался музыкой и ботаникой, пробовал себя на литературном поприще. И все это не давало творческого удовлетворения. 20 лет назад он начал рисовать, акварелью в не совсем обычной технике – сухой кистью (акварелью так писать нельзя). Но, Эрик об этом не знал. Автор берет акварельные краски и наносит на полотно до 30 слоев. Используя эту технику Эрик, рисовал всё, что представляло интерес для молодого автора. В 2001 году отправляется в путешествие в Долину Напа. И тут, выяснилось, что виноделам нужен такой художник, который может рисовать очень точно. Как фото, но ещё ярче и «вкуснее». Почему востребованы работы художника? 1. Очень сложно, с точностью достойной фотографии, передать и игру вина в солнечном свете, и этикетку в мельчайших подробностях, и создать композицию, и угадать колорит, и дать настроение. 2. Психология. Вино сфотографировал фотограф или вино написал художник. Плоды вашего нелегкого труда запечатлены на холсте. Это увидят и внуки, и правнуки.

В гостях 1915 Абрам Архипов Русский музей, Питер Молодые рязанские крестьянки, каждая из которых олицетворяет бытующее в народе представление о женской красоте. Это крепкие, здоровые, цветущие женщины с румянцем во всю щеку, знающие себе цену. В их облике, позах, жестах – величавость, уверенность, достоинство. Несмотря на обобщенность образов, данных преимущественно в своеобразии внешне броского облика, и типизированность лиц, художник передает и индивидуальные черты своих моделей. Применяя в размещении четырех женских фигур на полотне принцип кольцевой композиции, Архипов сдвигает всю эту группу вправо и акцентирует на ней внимание зрителя сочно взятыми, широко положенными пятнами освещенных солнцем одежд. Архипов искал пути, краски, лица и, наконец, достиг апогея творчества. Картина действительно имела успех и стала лучшей в творчестве Архипова этого периода.

Поединок Пересвета с Челубеем на Куликовом поле 1943 Михаил Иванович Авилов Русский музей, Питер Самая известная картина советского художника Михаила Авилова. Изображён бой русского богатыря Пересвета с татарским воином Челубеем перед началом Куликовской битвы. Развевающиеся гривы, оскаленные зубы и свирепые морды делают коней страшными. Щиты и кольчуги не выдерживают удара и копья протыкают их, вонзаясь в тела богатырей. Челубей слетает с седла лошади от удара копья русского богатыря. С его бритой головы летит красный малахай. Подался назад и Пересвет. Его фигура крайне напряжена, глаза лютой ненавистью впиваются в поверженного врага. Игрой красок Авилов передаёт состояние войск перед боем. Скромные, строгие, сероватые тона в левой части картины характеризуют выдержку, спокойствие и уверенность в победе русского войска. Впереди строя на белом коне великий князь Дмитрий Иванович Донской. Яркие, пёстрые краски татаро-монгольского войска передают их беспокойство и неуверенность в исходе поединка.

"Актриса Маргарита" Нико Пиросмани, 1909 При жизни художнику едва хватало на хлеб и краски. Он умер от голода в подвале одного из грузинских домов. Лишь после смерти стал мировой знаменитостью. Маргарита де Севр – французская певица и танцовщица. Увидев ее на афише, Пиросмани был покорен. В этот же вечер он написал картину «Актриса Маргарита», где изобразил девушку в своей манере примитивизма, выполненную на черной клеенке. Пиросмани отправлял к актрисе огромные повозки с цветами. Для этого он продал последнее – долю в молочной лавке. Позже об этом напишет Паустовский в рассказе «Простая клеенка» и споёт Пугачева в хите «Миллион роз». Эта мелодия любви закончилась, так и не развившись. Маргарита уехала с богатым любовником, даже не попрощавшись с Нико. Но история имела удивительное продолжение. В 1968 году «Актриса Маргарита» выставлялась в Лувре. Перед портретом долго стояла пожилая женщина – та самая Маргарита.

"Портрет Гертруды Лёв" 1902 г. Густав Климт Частная коллекция. 19-летняя дочка владельца фешенебельного санатория Вены, пленительный портрет, утраченная при нацистах коллекция, внебрачный сын Густава Климта и его модели, наконец, продажа за $39,2 млн «лучшей за последние 20 лет работы Климта» на торгах Sotheby’s летом 2015 года и особые условия раздела суммы — все это не просто картина. Это — сюжет. Работа гения венской сецессии создана в 1902 году. Вот отзывы критиков о работах того периода (включая и портрет Гернтруды Лёв), выставленных на коллективной выставке творцов Сецессиона в 1903 — 1904 годах: «…волшебное очарование сияющих обликов — отличительная черта живописной манеры Климта», и «самая тонкая лирика, которую только способна создать палитра художника». В то время на переломе веков художник тяготел к почти монохромной гамме, создавая нежные, воздушные образы героинь. А пленительная Гертруда тогда идеально соответствовала его живописным представлениям. Наша героиня была дважды замужем: первый брак поначалу был безоблачным, и апартаменты четы оформлял сам Коломан Мозер. Однако супруги расстались после ранней смерти их единственной дочери. Во втором браке с венгерским промышленником у пары было трое детей, но в 1923 году муж умер от скоротечной пневмонии: он не надел пальто, возвращаясь из ночного клуба. Гертруда, дочь своего отца, продолжала управлять санаторием, а ее портрет кисти Климта занимал почетное место в прихожей квартиры. Картина с сияюще-воздушной Гертрудой Лёв была признана современниками Климта и вошла в редкое лимитированное издание 50 литографий лучших его работ (удачная затея арт-дилера Метке (H. O. Miethke)). А теперь — вовсе не радужное продолжение истории. Под давлением нацистов еврейское семейство Лев в 1939 году покидает страну и бежит в США. Часть коллекции остается в Австрии, в том числе и бесценный портрет. Дочь Гертруды — Мария, — возвращается туда после войны, надеясь разыскать сокровище. Однако друг семьи, которому поручили приглядывать за оставшимися ценностями, продал картину (вероятнее всего, за бесценок), что называется, под дулом пистолета. Мария Лев в Вену больше не приезжала. Она скончалась в 1964 году в Калифорнии. Портрет кисти Климта после войны оказался у вероятного внебрачного сына художника — Густава Учицки (Gustav Ucicky: его мать, 19-летняя Мария из Праги, работала служанкой в доме Климта). Густав Учицки во время войны создавал в Вене пропагандистские фильмы для нацистов. Вроде бы именно им в 1942 году и была куплена работа. Вдова кинематографиста — Урсула, основавшая Фонд Климта в 2013 году, — в 2014 году «достигла соглашения» насчет портрета с внучкой Гертруды Лев. Средства от продажи картины в 2015 году с аукциона было решено поделить. «Этот портрет показывает храбрую и решительную природу моей бабушки. На этом визуальном воплощении живет сила ее характера и красоты» — сказала внучка прекрасной и вечно юной Гертруды, которую нарисовал австрийский гений — Густав Климт. ГуставКлимт Портрет _history

Л.М.Эндаурова (1853-1938) - младшая сестра известной русской художницы Елизаветы Бём. Любовь не стала столь же известной, как сестра, но её тонкие акварели с изображением растений поражают умением видеть в каждом цветке живой мир природы и мастерски передавать его на бумаге. Большое место в творчестве художницы занимала работа над акварелями для открытых писем. Ведь там, где цветы и стихи – там душевное волнение, грезы и мечты. Поэтому художница и создавала удивительно изысканные и символичные композиции – нежные цветы, растения, а рядом пожелтевшие старинные свитки, напоминающие пергамент, на которых начертаны стихи известных поэтов: В.А.Жуковского, А.А.Фета, Н.И.Гнедича, А.Н.Майкова, К.Д.Бальмонта и других. Такие акварели, репродуцированные на почтовые карточки, были невероятно востребованы, быстро раскупались и переиздавались значительными тиражами. Сегодня поэтические акварели Любови Меркурьевны - раритет для знатоков и коллекционеров. художник открытка живопись галерея вневремени искусство лебедиЛеонардо

Фонд поддержки искусства «Краски жизни» (г. Санкт-Петербург) объявляет КОНКУРС • «Посвящение Стравинскому» — конкурс эскизов к новелле писателя Андрея Логинова «Час пробил!». Литературно-музыкальный проект по новелле Андрея Логинова «Час пробил!» реализуется совместно с Санкт-Петербургской государственной Академической филармонией им. Д.Д. Шостаковича. Координатор проекта – народный артист России, кинорежиссер А.Н. Сокуров. Для участия в конкурсе необходимо: • создать эскиз картины, отражающей содержание новеллы «Час пробил!»; • в случае победы — реализовать эскиз на холсте/бумаге размером от 80 см по широкой стороне. Материалы будут предоставлены организатором. Призы: • ФПИ «Краски жизни» наградит автора картины сертификатом на 100 000 рублей; • Картина будет демонстрироваться на премьере концерта в Большом зале Филармонии 24 ноября 2021 г.; • Два пригласительных билета на премьеру концерта. Заявки на участие принимаются до 20 сентября 2021 г. на почту paintslifegallery.com С более подробной информацией можно ознакомиться по ссылке: http://kraski-zhizni-spb.ru/news/konkurs-jeskizov-posvjashhenie-stravinskomu-s-prizovym-fondom-100-000-rublej/ https://kraski-zhizni-spb.ru/news/konkurs-jeskizov-posvjashhenie-stravinskomu-s-prizovym-fondom-100-000-rublej/

"Танец" 1910 г. Анри Матисс Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Русский коллекционер Сергей Щукин в 1908 году заказал Анри Матиссу три больших панно, которые должны были изображать танец, музыкантов и купание. «Купание» не было написано, а «Музыка» и особенно «Танец» – это уже в полный голос заявивший о себе гений Матисса. Щукин планировал украсить этими панно холл своего московского особняка. Это был первый крупный заказ в жизни Матисса, позволивший ему окончательно проститься с нехваткой средств. Источником вдохновения для Анри Матисса послужили представления Айседоры Дункан, порвавшей с официальной балетной школой и наполнившей танец страстью, эмоциями, неистовством. Посещение Матиссом кабаре «Мулен де ла Галетт», в котором исполнялась фурандола (провансальский народный танец), тоже внесло свою лепту в создание панно. Матисс окончательно уходит как от детализации, так и от расплывчатости импрессионистов. Вот как он описывает работу над картинами для Щукина: «Мы стремимся к ясности, упрощая идеи и пластические средства. Цельность — наш единственный идеал… Речь идет о том, чтобы учиться и, быть может, учиться наново писать линиями». Технические средства действительно сведены до минимума, Матисс в этих работах предельно лаконичен: лазурное небо, изумрудная зелень холма, пылающие огненные тела. Люди максимально обобщены, перефразируя известное выражение Матисса про женщину и картину "Я рисую не женщин - я рисую картины"), здесь он пишет не танцоров - он пишет танец. Обнаженные тела несут ощущение некой первобытности, первозданности, вызывают аналогии с настенными росписями. Танец кажется грандиозным узором бытия, он вышел за пределы картины, это архетип, стихия танца, это сам миф о танце. Перед нами кружение пяти фигур, соединивших руки в неистовом хороводе. Они образуют замкнутый круг, настолько заряженный энергией, что кажется, от холста должно искрить. Картины были выставлены на Салоне 1911 года и вызвали бурную реакцию. Яростная, страстная обнаженность слившихся в танцевальном экстазе тел возмутила поклонников академических жеманных красавиц, возлежащих на диванах и окруженных пухлощекими амурами. Обнаженная натура не в диковинку, но здесь – больше, чем тела: чистый экстаз, страсть и секс выплескивались на зрителей из этого трехцветного полотна с танцующими фигурами. Щукину даже пришлось попросить Матисса заретушировать «срамоту». Но разве это могло сдержать эмоциональный и чувственный накал картины, который, право, живет не в линиях, уточняющих половые признаки. На первом этаже московского особняка Сергея Щукина должен был располагаться «Танец» Матисса – будоражащий, возбуждающий, влекущий. На втором этаже настроение гостей предполагалось уравновешивать «Музыкой», передающей совсем другое состояние – спокойствие, медитативность, погруженность в себя. Всё те же три краски, те же пять фигур изображены уже не на холме, а на равнине, они не сливаются воедино, а предстают отдельными персонажами, погруженными в себя и музыку. На третьем этаже планировалось разместить панно, изображающее отдых, купание, расслабление. У «Танца» Матисса есть еще одна версия. Она находится в Нью-йоркском Музее современного искусства (МоМА). Раймон Эсколье полагал, что это второй вариант «Танца», в котором Матисс превзошел чувственность и вакханские мотивы первой версии. Но большинство исследователей сходятся на том, что это лишь набросок к настоящему панно, которое после революции было национализировано и передано в Эрмитаж, где находится и поныне. Позже для Фонда Барнса по заказу его создателя Матисс создаст еще одно панно на тему танца, размером уже 13 метров, в котором применит технику декупажа. АнриМатисс Экспрессионизм _history

"Рассвет" Максфилд Пэрриш, 1922 «Рассвет» – одна из самых знаменитых работ американского художника. Картина написана масляными красками на деревянной доске в фирменной технике Пэрриша. Секрет Максфилда Пэрриша заключался в поэтапной проработке картины, тщательных мазках и промежуточной лакировке работ. Так он создавал свой знаменитый бирюзовый цвет небес: смешивая кобальтовый синий и белую грунтовку, он покрывал их лаком, который под действием ультрафиолета давал нижнему слою краски желто-зеленый оттенок. Этот почти нереальный оттенок небесно-синего назвали в честь художника – «Parrish Blue». Когда художник заканчивал очередную картину, на ее гладкой поверхности не было заметно ни одного мазка. «Рассвет» стал самой дорогой картиной Пэрриша: в 2006 была продана на аукционе Christie’s за $7,6 млн. А приобрела картину Робин – жена актера Мэла Гибсона.

"Две девушки за фортепиано" 1892 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. У самого бесстрашного и дальновидного французского маршана Поля Дюран-Рюэля в 1892 году открывается выставка. Выставка посвящена одному Ренуару. Еще 10 лет назад Дюран-Рюэль скупал у импрессионистов картины, чтоб они не умерли от голода, и идея такого мероприятия выглядела дерзко даже для него. А теперь ему пришлось собирать экспозицию, выпрашивая самые значимые полотна Ренуара у новых владельцев. 111 произведений, написанных совсем недавно и очень давно, оказались собраны в галерее и представлены восхищенным парижанам. За последние 20 лет они научились видеть иначе: солнечные блики на коже «Обнаженной» уже не кажутся им трупными пятнами, объемные, страстные мазки не выглядят мазней. На этой выставке происходит важное для 50-летнего Ренуара событие: впервые его картину покупает Департамент изящных искусств для Люксембургского музея. Когда-то продававший картины по 50 франков, Ренуар получает за нее 4 тысячи! Эта картина – «Две девушки за фортепиано». Дальше ее ждала феерическая звездная судьба: Лувр, Галерея современного искусства Же-де-Пом и, наконец, Музей д'Орсе. А пока французы привыкали к импрессионизму, каждый импрессионист уже подумывал, к чему приучать французов дальше, изобретал новые техники и замешивал на палитре новые краски. После путешествия в Италию, после встречи с Рафаэлем и Энгром Ренуар счистил со своей палитры весь этот яркий изумрудный и прозрачно-розовый, аккуратно выдавил краски из тюбиков с охрой и кобальтом и начал обводить фигуры настойчивым контуром. Он убежден, что импрессионизм недооценивал значение классического рисунка. Очень скоро ренуаровской палитре становится скучно – и он возвращает туда для начала красный, белый, черный и все остальные. Картину «Девушки за фортепиано» Ренуар написал в тот восторженный период выхода из классицистического кризиса и обретения собственного живописного языка. «Жемчужный» период – называют его искусствоведы за особую, уже не импрессионистскую и не совсем не энгровскую, переливчатость цветов. И тени на платьях, и волосы двух девушек, и штора на заднем плане, и отблески света на рояле создают цельную переливающуюся, полную взаимных рефлексов, светящуюся изнутри маленькую вселенную, где все со всем связано и ничто друг без друга невозможно. В этот художественный мир ничего не добавишь и ничего не убавишь. Он идеально уравновешен. ПьерОгюстРенуар Импрессионизм _history

Ноктюрн в синем и золотом: Старый мост в Баттерси 1872 — 1875 Джеймс Уистлер Галерея Тейт, Лондон Картина с вечерним пейзажем и феерверком полна атмосферного эффекта. Для дополнительного эффекта деревянный мост написан выше, чем в реальности. Сегодня этого моста уже нет. Серия Ноктюрнов Уистлера, частью которой была эта картина, получила известность в 1877 году, когда влиятельный критик Джон Рёскин посетил выставку этой серии в Гросвенорской галерее. Он написал разгромную статью в которой обвинил Уистлера в том что тот "просит две сотни гиней, чтобы бросить горшок краски в лицо общественности". Это резко снизило стоимость работ художника. Уистлер подал в суд за клевету в 1878 году. Судья по этому делу, один барон Хаддлстон, вызвал смех в зале, когда он (очевидно, искренне) спросил Уистлера: «Какая часть картины является мостом?» Дело закончилось тем, что суд присудил Уистлер только один фартинг (название английской монеты в 1/4 пенни). После этого Уистлер объявил себя банкротом.

Изображения цветов. Ви Данн-Харр (Vie Dunn-Harr), талантливый современный американский художник. Родилась в городе Сан-Антонио, что в штате Техас, Соединенные Штаты, в 1953 году. Данн-Харра искала свой художественный стиль очень долго, сознательно не торопясь и не принимая никаких поспешных решений, и даже сейчас, обладая собственной, уникальной манерой рисования, продолжает изучать новые способы работы в живописи. Образование, художница, получила обучаясь, сначала в институте искусств Лоренцо Медичи во Флоренции, Италия, затем в художественной академии Толбач-Доббиако, Италия. "Мои работы — это отражение всего того, что я вижу вокруг себя и тех людей, которых я знаю. Однажды я осознала, что цветы, столь же нежные создания, как и женщина. Однако, любое из этих существ, каким бы слабым, на ваш взгляд, оно ни было, имеет свои сильные стороны, которые в любом положении позволяют ему взять верх, насколько бы бедственным оно ни было."

"Оливковые деревья в Кавальере" 1906 г. Анри Шарль Манген Частная коллекция. Пейзаж «Оливковые деревья в Кавальере», написанный на пике расцвета фовизма, входит в число самых важных картин в творчестве Анри Мангена. Работа датируется 1906 годом, когда смелые цвета и выразительные мазки выдвинули фовистов в авангард современного искусства, а Манген оказался на переднем крае этого движения вместе со своим коллегой Анри Матиссом. Оба художника познакомились в Школе декоративных искусств, а затем в ноябре 1894 года поступили в Школу изящных искусств, где их наставником стал символист Гюстав Моро. И хотя учитель был членом консервативного Института Франции, он предоставлял своим студентам большую свободу – а они высоко оценили его толерантное отношение. После смерти наставника в 1898-м Манген оставил обучение, и год спустя переехал с молодой женой и любимой натурщицей Жанной Каретт в дом по улице Бурсо, 61. Будучи сыном состоятельных родителей, он обустроил в саду разборную студию, куда созвал своих однокашников и оплачивал моделей, которые им позировали. За год до легендарной Осенней выставки в Салоне 1905 года в этой мастерской работали Матисс, Альбер Марке, Жан Пюи и Шарль Камуан. Они разделили увлечение Матисса дивизионизмом (или пуантилизмом): для развлечения и удовольствия писали друг друга и обнаженных натурщиц, больше ориентируясь на небрежный стиль Максимильена Люса, чем на скрупулёзную технику Поля Синьяка. Зима была периодом интриг, заговоров и неистового закулисного лоббирования: различные фракции художественного мира пытались продвинуть на показы следующего года своих фаворитов. Поэт Шарль Герен в декабре записал Матисса на встречу по планированию Осеннего салона, поручив ему «привести Мангена, Марке и других сочувствующих, которых он сможет привлечь». Об этом пишет Хилари Сперлинг в своей книге «Неизвестный Матисс» (1998). Лето 1905 года прошло у новаторов в лихорадочной работе. Они писали виды на юге Франции, в Сен-Тропе и близлежащем Коллиуре, увлечённые ослепительным жарким солнечным светом, заливающим ландшафт с оливковыми рощами. Но их энергичные мазки, густо наложенные краски и яркие чистые цвета вызвали настоящий скандал в Салоне осенью того же года. «Горшок с краской был брошен в лицо публике», – возмущалась критик Камилла Моклер. А по свидетельству писательницы Гертруды Стайн зрители даже царапали холсты в знак презрения. Там же пионеры фовизма получили своё крещение. Критик Луи Воксель описал зал №7, где были выставлены их работы, как «Донателло среди диких зверей» (имелось в виду, что в центре, окружённая эпатажными полотнами, стояла скульптура в стиле Ренессанса). Журналист пытался оскорбить художников, но тем понравилось прозвище «дикие» (fauves, фов). Вскоре оно получило широкое распространение, а затем стало обозначением нового движения. После выставки Манген продолжил создавать блестящие, выразительные и эмоционально наполненные полотна. Именно за любовь к цвету и прославление жизни через поэтические образы беззаботной неги и безмятежности поэт Гийом Аполлинер назвал фовиста «сладострастным живописцем». В мае 1906 года арт-дилер Амбруаз Воллар проявил недюжинную проницательность, купив свыше девяноста работ Мангена. Спустя 80 с лишним лет журналист Жан-Луи Ферриер написал: «Картина Мангена – это симфония сильных цветов, где чистый красный доминирует над красно-оранжевым, пурпурно-фиолетовым, тёмно-синим, тёмно-зелёным и золотисто-жёлтым. Линии, формы – всё выражает силу. Всё поражает. Это возвышенное произведение, которое согревает сердце и приносит радость». В марте 1907 года пейзаж «Оливковые деревья в Кавалер-сюр-Мер» приобрела у художника парижская галерея Bernheim-Jeune. Спустя почти 30 лет Анри Манген выкупил его у частного лица и хранил в своей коллекции вплоть до смерти в 1949 году, после чего картину получила в наследство его дочь Люсиль. В мае 2016 года произведение было продано на аукционе Sotheby’s за 1 млн 150 тыс. долларов США. АнриШарльМанген Пейзаж Фовизм _history