"Новая Ева" Шандор Бортник, 1924 > Будапешт, Венгерская национальная...

​​Наши друзья организовывают выставку «Переменное напряжение» Дата проведения: 25.02.21-11.03.21 Открытие: 25.02.21 четверг в 19.00 С 25 февраля по 11 марта в пространстве самоорганизованного сообщества «Галерея 22» в Электрических мастерских пройдет выставка «Переменное напряжение». За этим названием скрывается не выставка электротехнического оборудования, а рассуждения о различных видах напряжения, с которыми в наше непростое время сталкивается человек, а именно психологическим, социальным, визуальным, эстетическим. Участники выставки:  Байдаков Константин (Северодвинск), Гришечкина Инна (Санкт-Петербург), Гулякина Ирина (Москва), Журавлева Вика (Воронеж), Имасс Тома (Москва), Коновалов Роман (Москва), Лазарева Ирина (Москва), Марковская Анастасия (Москва), Мора Валентин (Москва), Мунтян Артем (Нижневартовск), Шабалина Анастасия (Москва), Шолохова Елена (Москва). Идейный вдохновитель: Митерева Анна. Выставка открыта для посещения с 17 до 21 в ПТ, СБ, ВС. В остальные дни недели по предварительной записи в инстаграм https://instagram.com/22gallery.art?igshid=1atdy7mf87nvj Адрес: Москва, Электрический пер. д.3/10 стр. 3, 2 этаж, дверь слева от Ленина. Каналы 22 в соцсетях: телеграмм t.me/gallery22art и инстаграмм https://instagram.com/22gallery.art?igshid=1atdy7mf87nvj Организатор: http://22gallery.art/ https://telegra.ph/file/a57d5a755665b7af8e3c3.jpg

Поль Гоген | Женщина с цветком | 1891 | Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген youknowart  польгоген

Франц Марк | Косули в камышах | 1909 | Новая пинакотека, Мюнхен   пинакотека марк германия

Сумерки. Стога (этюд) 1899 Картон, масло. 17 x 23 см Нижегородский художественный музей В поздний период творчества Левитан обращается к спокойным, умиротворенным сюжетам. Любимым временем суток для художника становятся сумерки и поздний вечер. Темы полей и стогов в пейзаже не новы, к ним обращались и другие художники. Серия изображений стогов Моне вдохновила Левитана на колористические искания в конце 1890-х годов. Я публиковал ранее саму картину из Третьяковки «Сумерки. Стога», где художник обратился к излюбленному Моне мотиву, но решил её в ином ключе. Сегодня этюд к картине, из Нижнего Новгорода. Искусствовед Фаина Мальцева отмечала: "В сочетании лирического и эпического начала заключены неповторимое обаяние и трогательная нежность пейзажа «Сумерки. Стога». Сила воздействия этого произведения кажется неисчерпаемой именно потому, что оно способно вызвать широкий круг жизненных ассоциаций и вместе с тем донести до зрителя лирические чувства, пережитые пейзажистом перед лицом натуры."

​Выставка “Переменное напряжение” Дата проведения: 25.02.21-11.03.21 Открытие: 25.02.21 четверг в 19.00 С 25 февраля по 11 марта в пространстве самоорганизованного сообщества «Галерея 22» в Электрических мастерских пройдет выставка «Переменное напряжение». За этим названием скрывается не выставка электротехнического оборудования, а рассуждения о различных видах напряжения, с которыми в наше непростое время сталкивается человек, а именно психологическим, социальным, визуальным, эстетическим. Отталкиваясь от места своего базирования, художники расширяют техническое понятие «переменного напряжения» до разных контекстов, пропуская этот заряд через себя и свое искусство. По невидимым проводам художественного высказывания авторы передают зрителю свое послание электронами и позитронами искусства, опираясь на внутреннее напряжение творческого потенциала. В современном мире, как и в современном искусстве, все переменно и все под напряжением, главное, чтобы не замкнуло. Участники выставки: Байдаков Константин (Северодвинск), Гришечкина Инна (Санкт-Петербург), Гулякина Ирина (Москва), Журавлева Вика (Воронеж), Имасс Тома (Москва), Коновалов Роман (Москва), Лазарева Ирина (Москва), Марковская Анастасия (Москва), Мора Валентин (Москва), Мунтян Артем (Нижневартовск), Шабалина Анастасия (Москва), Шолохова Елена (Москва). Идейный вдохновитель: Митерева Анна. Выставка открыта для посещения с 17 до 21 в ПТ, СБ, ВС. В остальные дни недели по предварительной записи в инстаграм https://instagram.com/22gallery.art?igshid=1atdy7mf87nvj Адрес: Электрический пер. д.3/10 стр. 3, 2 этаж, дверь слева от Ленина. Каналы 22 в соцсетях: телеграмм t.me/gallery22art и инстаграмм .art. Организатор: http://22gallery.art/ https://telegra.ph/file/d26efea1430bf2731a40b.jpg

«Дрезденский алтарь» 1496—1497гг. Альбрехт Дюрер Сюжет центральной панели - поклонение Девы Марии Младенцу. Левая створка изображает святого Антония, он спокоен, несмотря на то, что окружен фантастическими существами, искушавшими его в пустыне. На правой створке - святой Себастьян. Его облик нетрадиционен: стрелы, которыми он был пронзен, отсутствуют, но на теле остались раны от них. Центральная панель помимо главной сцены содержит важные сюжетные детали. Так, рядом с Девой Марией на пю­питре помещена книга. Это аллюзия на Книгу Премудрости Соломона. Ангелы держат над головой Девы корону, что указывает на нее как на «Regina Coeli» (с латинского - «Царица Небесная»). Триптих, вопреки традиции, не предназначен для складывания, оборотные стороны его крыльев не расписаны. Алтарь предназначался для часовни замка Виттенберг, первоначально была выполнена лишь центральная его часть. Потом в связи с эпидемией чумы, к алтарю были добавлены две боковые панели с изображениями святых покровителей больных.

Баку 1927 Генрих Фогелер Старая и Новая Национальные Галереи, Берлин Фогелер представитель немецкого югендстиля (модерна). С 1923-го года Фогелер несколько раз ездил в Советский Союз. Впечатления о пребывании в СССР нашли отражение в таких «комплексных картинах» как «Баку». На картине отображены все события и изменения, которые выросли в столице Советского Азейбарджана на заре СССР. Живопись Фогелера начала 1930-х годов демонстрирует всё большее приближение к стандартам, заданным соцреалистическим методом изображения действительности. В 1931 художник получил приглашение в Советский Союз работать в Комитете по стандартизации, в 1932 году он был направлен на службу в бюро пропаганды в Ташкенте. Приход в Германии к власти нацистов сделал невозможным возвращение художника на родину. В сентябре 1941 года Фогелера как немца депортировали в Казахскую ССР, где он и скончался в Корнеевке в 1942 году.

Каким был в жизни Михаил Врубель Легкости, с которой работал Михаил Врубель, силе, выразительности, стремительности его кисти завидовали многие. Он быстро отпускал натурщиков, тогда как другим приходилось оплачивать многочасовые сеансы. Он за полчаса набрасывал великолепный эскиз, над которым неделю безуспешно бились Серов с Коровиным. Крайне дисциплинированный в творчестве, он вел на удивление беспорядочный образ жизни. Окружал себя сомнительными и странными персонажами. Живя впроголодь, мог истратить последние деньги, к примеру, на пару лайковых перчаток или эпическую попойку. Был вдохновенным вралем. Однажды коллеги собрали ему денег, чтобы художник смог съездить из Киева в Харьков на похороны отца. И были немало удивлены, когда отец Врубеля — живой и здоровый — вскоре приехал в Киев навестить сына. Чувство ответственности было ему неведомо. Он мог опоздать на назначенную встречу на два дня. Или нарисовать поверх уже проданной заказчику картины цирковую наездницу, в которую был влюблен.

️Музей «Гараж» запустил инклюзивную онлайн-платформу. ️Новый Национальный музей откроется в Осло в 2022 году.   Для произведений Эдварда Мунка устроят отдельный зал.   ️Музей Виктории и Альберта загрузил картины Рафаэля для Сикстинской капеллы в высоком разрешении. ️ Арт-пространство Surface Lab Art представляет коллективный проект «Холодец».   ️Новая онлайн-ярмарка Intersect 21 объединяет межкультурные галереи. https://www.colta.ru/news/26473-muzey-garazh-zapustil-inklyuzivnuyu-onlayn-platformu

​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и виртуальная».   Экспозиция развивает острую тему: реально существующий город, разрушенный несколько раз, и его виртуальные воплощения, направленные на сохранение облика города.   Я уже рассказывала вам, что готовится полная цифровая модель Венеции. Недавно я общалась с подводными археологами и была просто шокирована, открыв целый мир цивилизаций, который сегодня находится под водой.   ️Во Франции объявили номинантов премии «Сезар». ️Фотовыставка о животных из приютов открылась на Цветном бульваре в Москве. Питомцев можно приютить! ️ГМИИ им. Пушкина рассказали о предстоящей выставке «Билл Виола. Путешествие души». Это будет первая в России ретроспектива классика видеоарта.   Билл Виола один из моих любимых современных художников. Сила стихий, религиозные и античные сюжеты, время и пространство — это все о Билле Виола. «Все художники эпохи Возрождения были одержимы изображением движения — развевающиеся одежды, морской шторм… — но Джотто был первым, кто использовал абсолютный эмоциональный реализм», — говорит художник. Ведь именно Джотто считают родоначальником эпохи Возрождения. Он начал писать небо голубым цветом — первый шаг к реализму. До этого небо изображалось золотым по канонам готики, как знак небесного Божественного света. Только послушайте: На фото я выбрала для вас инсталляцию «Вознесение Изольды». Виола изобразил Изольду восходящую из глубины к лучу света. Это прямая аллегория настолько глубокой и сильной любви Тристана и Изольды, что она не помешается в материальных телах героев и выходит за пределы земной жизни. Вода для Виолы — признак сильных эмоциональных чувств. Мгновенно вспоминаю «Песнь песней Соломона» — «ибо крепка, как смерть любовь... большие воды не могут потушить любви, и реки не зальют ее». Фото: Stella Art Foundation https://telegra.ph/file/9e547b09b945ef133fe82.jpg

"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор американка Мэри Кассат сделала в одиннадцатилетнем возрасте, когда, побывав на Всемирной выставке в Париже, решила стать художницей. С тех пор ей приходилось отстаивать его, сталкиваясь с сопротивлением едва ли не на каждом шагу. Ее семья – сплошь преуспевающие банкиры, финансисты, промышленники – была против. Американское общество – в те годы бесконечно далекое от идей гендерного равноправия – было против. В 1861 году семнадцатилетняя Мэри поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. И встретилась со снисходительным пренебрежением менторов: в те времена было принято считать, что единственное искусство, необходимое девушке – это умение правильно оттопыривать мизинец, поднимая чашку чая. Позднее, оказавшись в Париже, Мэри Кассат обнаружила, что «раскованная» Европа не далеко ушла от пуританской Америки: в Парижскую школу изящных искусств женщин не принимали. Она училась практически самостоятельно – перебиваясь частными уроками, копируя полотна старых мастеров в Лувре, в одиночестве, наперекор всему. Ей нравилось рисовать. Но еще больше Мэри Кассат нравилось выбирать самой. В историю она вошла не только как одна из трех «гранд-дам импрессионизма» (наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон), но и как завзятая суфражистка – всю свою жизнь Мэри Кассат боролась за предоставление женщинам избирательных прав. Всемирную известность художнице принесла несколько неожиданная для столь эмансипированной особы тема: материнство и детство. Не имея своих детей (отказ от брака – еще один осознанный выбор Мэри Кассат), она как одержимая рисовала чужих. Возможно, таким образом, она компенсировала что-то в психологическом плане. Или делала это по идейным соображениям: Мэри Кассат без устали боролась со стереотипами, а феминистка, которую не интересуют дети – это стереотип. Не исключено, впрочем, что она просто любила детей: в конце концов, не всякий фанат, ну скажем, футбола выходит на поле сам. 1890-е годы, когда была написана картина «Мать и дитя», были для Кассат периодом уверенности, зрелости, признания. Ее роман с импрессионизмом испустил к тому времени дух. Художница, всегда стремившаяся к самостоятельности, переплавила все, чему училась – сначала у Коро и Жерома, а позднее – у Моне и Сезанна, в свою собственную, вполне узнаваемую манеру. Взглянув на эту работу, трудно не вспомнить пастели Эдгара Дега – давнего друга и наставника Кассат. Впрочем, у этих двоих было слишком много общего (оба питали слабость к пастели, оба были без ума от японской гравюры, оба были убежденными холостяками, оба под конец жизни практически ослепли). Так что здесь можно говорить не о влиянии, а о творческом родстве, почти мистической связи. Эксперименты с композицией, настроением, цветом остались позади – это вполне иконографическое изображение. У младенца не столько лицо, сколько лик. Остальное отдано на откуп скупой беглой штриховке. Отчасти это дань увлечению минималистичной восточной графикой. Отчасти – смысловой акцент. Ребенок явно накормлен, здоров и не обделен материнской лаской. Остальное, включая избирательные права женщин, не так уж важно. МэриКассат Импрессионизм _history

"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Летом 1888 года Винсент Ван Гог живет на юге Франции, в Арле, где пишет самые знаменитые свои картины. В июне художник решил отправиться к морю – в маленькую рыбацкую деревушку Сент-Мари-де-ла-Мер. Винсент надеялся, что морской воздух поправит его слабое здоровье, которое с каждым годом лишь ухудшалось из-за недоедания и алкогольных возлияний. В недельную поездку Ван Гог взял с собой три холста и несколько листов бумаги. Картина «Море в Сент-Мари» стала одним из двух морских пейзажей, написанных художником во время этого «отпуска». На третьем холсте Винсент изобразил белые деревенские домики. В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет. Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле. Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым». ВанГог Постимпрессионизм Марина _history

Иоахим Эйтевал - На кухне, 1605, масло, холст, 65 x 98 см, Берлинская картинная галерея, Берлин, Германия Joachim Wtewael - Kitchen Scene, 1605, oil on canvas, 65 x 98 cm, Gemäldegalerie, Berlin, Germany

Джозеф Райт из Дерби - Две девочки, одевающие котёнка при свете свечи, 1768—1770, холст, масло, 90,8 × 72,4 см, Кенвуд-хаус, Лондон, Великобритания Joseph Wright of Derby - Two Girls Dressing a Kitten by Candlelight, c. 1768–1770, oil on canvas, 89 × 68 cm, Kenwood House, London, UK

"Парижское кафе" 1875 г. Илья Ефимович Репин Частная коллекция. Как мог Репин написать какое-то там парижское кафе, когда на него после «Бурлаков» возлагали надежды как на певца народных чаяний и обличителя угнетателей?! Прогрессивная российская общественность негодовала. Крамской возмущался: «Я думал, что у вас сидит совершенно окрепшее убеждение относительно главных положений искусства, его средств и специально народная струна». Корней Чуковский в своих великолепно написанных воспоминаниях о Репине, изданных, однако, следует учитывать, в Советском Союзе, утверждал, что «Репин везде видел бурлаков». Не совсем верное замечание, прямо скажем. Видел Репин и французскую вольницу. Он стал пенсионером Императорской Академии художеств, получив за дипломную картину «Воскрешение дочери Иаира» Большую золотую медаль Академии и право на 6-летнюю стажировку в Италии и Франции. С восторгом говорил Репин о том, что французская живопись отбросила академические и публицистические рамки. «Царит наконец настоящее французское, увлекает оно весь свет блеском, вкусом, легкостью, грацией…», – в стороне от этого «настоящего французского» не остался и Репин. Картина оказалась скандальной не только для русских. Французская публика тоже была сконфужена. Обратимся к сюжету: празднично-легкомысленная атмосфера вечернего шумного кафе, блеск и обаяние парижских развлечений, волнующая атмосфера светской жизни. Кажется, празднично-расслабленный гул достигает наших ушей. Кто-то читает, кто-то разговаривает, официант разносит напитки. В центре внимания – женщина на переднем плане, с зонтом в руках. В чем же загвоздка? А в том, что дама пришла в кафе одна! Интересно, что на одном из предварительных эскизов она была изображена стоящей, явно кого-то ожидающей. Конечно, это совсем иное настроение, в окончательном варианте Репин от него отказался. Героиня его картины отнюдь не стоит, скромно опершись о стул и ожидая, пока явится ее сопровождение. Неотразимая в своей самоуверенности, горделивая, с вызовом как во взгляде, так и во всей позе, красавица с соболиными бровями представляет собой центр картины, всё крутится вокруг нее. Что означает ее двусмысленное положение? Почему она одна? Эмансипе? Кокотка в поисках клиента? С каким негодованием на нее взирает пышно одетая дама справа! А вот усатый мужчина подле нее с большим интересом смотрит в ту же сторону. А два франта вообще поспешно покидают заведение, оскорбленные до глубины души таким развратом – женщина (!) одна (!) явилась в кафе! Один из них отвернулся и, похоже, зевает – ему такое видеть не впервой, второй же, «как денди лондонский одет», не может отвести глаз от бесстыдства эдакого и пятится чуть ли не спиной вперед. Как тут не вспомнить явление народу дерзкой «Олимпии» Мане двенадцатью годами раньше? Тот же бесстыдный взгляд и эротизм, который не в изгибах женских прелестей, а в непередаваемой дерзости и свободе изображенной. Если Олимпию называли лежащей Венерой современности, то женщину Репина иные критики окрестили урбанистической Венерой. Позировала для нее актриса Анна Жидюк. Картину Репин выставил на Парижского Салоне весной 1875 года. Вероятно, под влиянием общественного мнения, дружно скандировавшего «Скандал, скандал!» (хоть русские и французы видели разные поводы для своего негодования), Репин уже готовую картину «подправил», сделав ее скромнее. Дерзкий взгляд девушки он погасил, заставив ее опустить глаза – и она уже казалось жертвой, а не нарушительницей заведенных приличий. ИльяРепин Реализм _history

Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать кряду, Тому вручает магистрат Почетную награду. Где-то далеко-далеко существует дивный край, страна Кокань. Чтоб туда попасть надо то ли найти сахарную гору и слизать ее, то ли проесть себе тоннель в пшеничной каше, но путешествие стоящее, ведь в этой волшебной стране вас ждет райское существование. Там в колодцах и реках благородные вина всех сортов, а на волнах качаются золотые и серебряные кубки чтоб эти вина зачерпывать, пироги и булки растут на деревьях, утки летают сразу жаренные и пытаются метко приземлиться прямо в открытый рот всем желающим, жареные поросята сразу с вилочкой в боку пасутся на лугах и сами предлагают собой отобедать. Дома сложены из множества вкуснейших рыб, дороги мостят сырами, а заборы состоят из колбас. Колбасы же колосятся на полях, а вокруг полей шкворчат на вертелах гуси и столы накрытые чем-то вроде скатертей-самобранок ежесекундно готовы предоставить блюда на любой вкус каждому желающему. Там всегда лето, но если вдруг зима и случается, то метели из муки и сахара. А еще три дня в неделю наблюдаются осадки из горячих кровяных колбас. Вот это уже звучит угрожающе, но все довольны. О, сколь много чудес в той стране! Ведь и одежда у всех там новая и чистая, никто не мерзнет и не одет в лохмотья, всем раздают лучшие суконщики прекрасные костюмчики, да туфельки. И любовь там процветает свободная - каждый может выбрать понравившуюся даму и каждая дама может свободно выбрать себе кавалера и никто их не осудит, потому что в стране Кокани осуждать не принято, там все счастливы. Это особенно прикольно, потому что первая рукопись про Кокань относится в 1250 году, а, вроде как, всего за лет 30 до этого католическая церковь официально постановила, что у женщины стоит спрашивать согласие на брак. Есть и некое противоречие - кто больше спит, тот больше всех зарабатывает, но совершенно не ясно зачем, ведь вокруг все бесплатное, а на полях тут и там валяются кошели полные разнообразных золотых монет. Наверное, так просто смешнее. Еще там необыкновенный календарь - в году четыре Пасхи, четыре дня святого Иоанна, четыре праздника сбора винограда, и вообще каждый день — либо праздничный, либо воскресный; есть четыре Дня Всех Святых, четыре Рождества, четыре Сретения, четыре праздника Карнавала, а вот Великий пост соблюдают лишь раз в двадцать лет, и то, по желанию. А самое чудесное, что есть в Кокани - это источник вечной молодости. Течет за городом река, Не широка, не глубока. Столетний дед с одышкой Ныряет в воду стариком, А вынырнет парнишкой. Когда поеду в ту страну, Я захвачу с собой жену. Пусть в речку окунется И вновь невестой молодой Немедля обернется.

Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по крайней мере, немногие рукописи бесконечной басни из почти двух сотен куплетов пришли именно оттуда), а потом уже идея этой волшебной страны добралась до Италии, Испании, Германии и Нидерландов. Не знаю точно, не из этой ли страны в наши края текла та самая молочная река с кисельными берегами. Забавно вот что - во французском варианте волшебную страну населяют благороднейшие и приятнейшие люди, в то время как в немецкой волшебной стране все сплошь жулики, тупицы и ротозеи, а хороших, то есть, трудолюбивых людей оттуда выгоняют. Протестантская мораль, знаете ли - ничего хорошего не может быть в месте, где все лентяи. Немецкий вариант Кокани, кстати, называется Шлараффенландом, а в переводе песни на русский язык Львом Гинсбуром она становится Шлараффией. Оттуда и кусочки стихов, а целиком вот тут эта песенка: https://facetia.ru/node/4756 Тут, конечно, поражает то, сколько внимания уделено еде. А это важно, потому что средневековому жителю голод грозил совершенно неиллюзорно и буквально постоянно. Не голод человека первого мира, когда захотелось пончик и не голод студенческий, когда выпил кипятка на ночь, а утром стрельнул макарон у соседа по общаге, а голод до смерти. Случилась засуха или пожар и конец тебе и всему твоему поселению. И на помощь никто не явится. Древние греки и римляне тоже про голод слыхали, но они умели накапливать ресурсы и у них была невероятная система дорог и передачи новостей. Средневековая Европа же эти блага немного прощелкала. То же самое касается и одежды, ведь одежда в средневековье выполняла, помимо прямого назначения - защиты и утепления, еще одну важнейшую функцию - по одежде можно было мгновенно понять кто перед тобой, крестьянин, купец, монах, рыцарь. А тут у всех такая одежда, какую пожелаешь! Так что, вот так выглядят средневековые мечты о бесклассовом обществе, обществе всеобщего благоденствия, где сама природа у человека на посылках, а труд полностью упразднен. Адам и Ева в раю не работали, а вот когда их выгнали, то труд стал их наказанием. Собственно, все это рассказываю, в основном стащив из небольшой статьи из сборника “Герои и Чудеса средних веков” историка-медиевиста Жака Ле Гоффа как предисловие к картине Питера Брейгеля Старшего “Страна Лентяев”. …Все это нынешней зимой Мне рассказал один немой, А подтвердил публично Слепой, который этот край Недавно видел лично.

​Elise Ansel — "переводит" картины старых мастеров на современный живописный язык. Образы из прошлого используются для определения цвета и динамики. Спонтанность абстракции затмевает рациональное мышление, свойственное процессу создания картин. Полотна старых мастеров, в основном, созданы мужчинами для мужчин. Элизабет Ансель преобразует повествование в чувственную форму визуальной коммуникации. https://telegra.ph/file/e7f0b511b74b2d2751305.jpg

​​Человеку нужен человек, чтобы пить с ним горьковатый кофе, оставаться рядом на ночлег, и интересоваться о здоровье. чтобы улыбаться просто так, чтоб на сердце стало потеплее, чтобы волноваться, там сквозняк, одевай-ка тапочки скорее. человеку нужен человек, позвонить, послушать его голос: "а у нас сегодня выпал снег. как ты без меня там? Беспокоюсь!" чтобы был приятель, друг, сосед, и еще сопящая под боком, без которой счастья в жизни нет, без которой очень одиноко. https://telegra.ph/file/1223d69c38148ad5cdcb9.jpg

Савелий Сорин (1878-1953) «Портрет балетной артистки Евгении Никитиной» 1924 бумага на холсте, акварель. савелий_сорин Государственный Русский музей, Санкт-Петербург –––––––––––––––– Правительство Франции в 1924 году сделало Савелию Сорину предложение купить одну его работу - портрет балерины Евгении Никитиной («Девушка с зеркалом» или «Раздевалка танцовщицы»). Однако Сорин отказался продать этот портрет, так как уже обещал эту работу жене американского миллионера Отто Кона. А сам Кон позже от покупки отказался, в результате этот замечательный (огромный, в рост человека) акварельный портрет оказался в конце концов, на наше счастье, в Русском музее.

Архип Куинджи - Осенняя распутица, 1872. Архип Иванович Куинджи (1842−1910) – провинциал-самоучка, над чьей техникой рисования потешались столичные снобы, – довольно быстро завоевал славу главного русского пейзажиста. Его новаторство проявилось в неустанных поисках и опытах со светом, с цветом, красящим пигментом: художник осознанно использовал в своем творчестве новейшие открытия в физике и химии. Опыты Куинджи привлекают внимание искусствоведов по сей день: перед началом выставки его картины будут исследовать эксперты. Один из акцентов – на мастерское изображение лунного света, которое на ночных пейзажах Куинджи выглядит прямо-таки неоновым сиянием. Этот «фирменный» лунный свет вызвал потрясение у современников художника; и для него даже придумали специальный термин – «куинджевское пятно».

Художницы 19-го века, которые открыли женщинам путь в мир искусства Пришлось пройти долгий путь, прежде чем мужчины и женщины достигли паритета в мире искусств. В последние десятилетия художницы добились больших успехов, все чаще показывая свои труды в музеях, галереях и на международных выставках. Но современные художницы не были бы там, где они находятся сегодня, если бы не их предшественницы из 19-го века. Тогда деятельницы искусства начали активно съезжаться в Париж, чтобы получать образование. Мария Башкирцева. В студии. 1881.

"Порыв ветра" Жан-Батист Камиль Коро, 1860-1870 > Москва, Пушкинский музей Камиль Коро вошел в историю французской живописи как создатель «пейзажа настроения». В картине «Порыв ветра» с ее мрачным небом, несущимися темными тучами, сбитыми в одну сторону ветвями деревьев и зловещим оранжево-желтым закатом все пронизано ощущением беспокойства. Женская фигура, прорывающаяся навстречу ветру, олицетворяет восходящую к традициям романтизма тему противостояния человека природной стихии. Тончайшие переходы оттенков коричневатого, темно-серого и темно-зеленого цветов, их плавные переливы образуют единый эмоциональный цветовой аккорд, передающий грозовую бурю. Изменчивость освещения усиливает настроение тревоги в воплощенном художником пейзажном мотиве.

"Дуэль после маскарада" Жан-Леон Жером, 1857 > Санкт-Петербург, Эрмитаж Это полотно как нельзя лучше передает дух трагических последствий поединков 19 века. Кардинальный способ решения спора с помощью смертельного боя появился очень-очень давно и им еще активно пользовались представители третьего сословия Франции 19 века. Поверхностный взгляд на картину сразу демонстрирует нам композиционное деление на две части. Правая – сторона победителя, левая – сторона побежденного. Художник выводит на первый план именно побежденную сторону, чтобы зритель мог оценить всю трагичность последствий дуэли. Молодой человек в маскарадном костюме повержен ударом шпаги соперника и теперь лежит на руках товарищей, которые тщетно пытаются спасти умирающего друга. Все что им остается – зажать кровоточащую рану и оставаться рядом в смертный час. Видно, что и победителю не удается покинуть поле боя невредимым – оставив шпагу на снегу, он идет, хромая, и опираясь на руку товарища.

"Мистер и миссис Кларк и Перси" Дэвид Хокни, 1971 > Лондон, Тейт На картине изображены друзья художника – Осси Кларк и Селия Биртуэлл, у которых он был свидетелем на свадьбе. У них жили два кота – Перси и Бланш, но на коленях Осси сидит именно Бланш. Художник посчитал, что для названия больше подойдёт имя Перси. При написании Хокни опирался на «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка. Но если у Эйка главный муж, то Хокни главной изобразил жену. Она стоит в полный рост, возвышаясь над мужем и как бы давя на него. Ещё одним символом у «Арнольфини» Эйк сделал собаку, символ верности и преданности. Хокни же усадил на свою картину изящную белую кошку, которая издавна символизирует лукавство и измену. И это не случайно – Осси изменял своей жене и даже не скрывал этого. Сама Селия была верна мужу, о чём говорят белые лилии возле неё. Жизнь Осси скатилась под откос, что привело к смерти в 1996 году. А вот его жена – до сих пор преуспевающий дизайнер.

"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой картине сразу и безошибочно узнается рука Андре Дерена, каким он оставался все годы после Первой мировой войны. Здесь все как бы застывшее, замершее. Пустынный пейзаж «с заваленным горизонтом», вписанный в ровный квадрат, черств. Ни капли жизни ему не прибавляют ни широкий клин светлого облака под кобальтовым небом, ни скупой пучок темных кактусов слева внизу, ни симметричный кактусам натюрморт с кувшином и скрипкой. Почти все поле холста занимают фигуры двух комедиантов. Кто только ни рисовал в начале ХХ века эту знаменитую сценическую пару из традиционной комедии дель арте – вечно голодного оборванца, ловкача и грубияна Арлекина в костюме из сплошных заплаток и безнадежно влюбленного в девицу Коломбину простака Пьеро, к напастям которого добавляются бедность, юность и тонкая душевная организация. Этих персонажей писали и Сезанн, и Синьяк, и Пикассо. У Дерена к тому же есть одинокие Арлекины с гитарой, а еще раньше – в «фовистическом» 1906 году, когда художник делал много акварельных работ, он нарисовал одними только цветными линиями на белом фоне семь поразительно пластичных фигур веселящихся людей: крайние справа – Арлекин и Пьеро. Поза, в которой Дерен тогда «застиг» танцующего Пьеро, в точности повторена на полотне 1924 года. Оба персонажа одинаково повернули головы. Разница их характеров нивелирована, и даже лица – остро-лисье, как и положено, у Арлекина и по-детски округлое у Пьеро – выражают одинаковое скорбное бесчувствие. Оба смотрят в никуда. Символично, что пара танцует на песке, который поглощает любую энергию живого движения и гасит все звуки. Более того, в руках у артистов бутафорские инструменты без струн. Они безмолвны. Физиономические черты персонажей, костюмы с головными уборами, бутафория – внешние атрибуты комедии соблюдены, но внутри артистов царит опустошение, и все их традиционные шутки, трюки и сюжеты в предлагаемых безжизненных обстоятельствах абсурдны. Меланхолию не перебороть даже комедиантам. Но они усердно делают свое дело. Эта метафора применима и к художникам. Дерен написал «Арлекина и Пьеро» в пору теснейших контактов с театральным искусством, которое оказало на его творчество прямое влияние. Он разработал дизайн сцены и костюмов для балета Дягилевских сезонов «Фантастическая лавка» (1919; аналогичную работу для других спектаклей Дягилев тогда же предложил Матиссу и Пикассо), для «Jack in the Box» Эрика Сати (1926), и в последующие годы не раз сотрудничал с различными театрами Франции, а также с лондонскими. АндреДерен Неоклассицизм _history

Красавица и чудовище 1908 Анри Руссо Старая и Новая Национальные Галереи, Берлин Анри Руссо родился в семье жестянщика. После службы в армии устроился работать на французскую таможню. Живописью стал заниматься уже в зрелом возрасте, не имея образования. Он утверждал, что у него нет лучшего учителя, кроме природы, хотя и не отрицал, что получил кое-какие советы от Огюста Клемана и Жана-Леона Жерома. Прослыл художник чудаком, поскольку мало кто мог понять новизну и оригинальность его творчества. Умер от гангрены в парижской больнице после того, как поранил себе ногу. Был похоронен в общей могиле на кладбище Баньё. После смерти все его последователи стали называться примитивистами, а стиль — примитивизм.

«Радости бала» 1715–1717 гг. Антуан Ватто Мастер так называемых галантных сцен, Антуан Ватто, кажется, сумел отразить в своём творчестве все стороны жизни своего общества – от интимных будуарных сюжетов и прогулок до светских раутов и всевозможных увеселений. Не прошёл он мимо и такого явления как бал. Балы во Франции были явлением значимым и роскошным. Это прекрасный повод показать себя, посмотреть на других, потанцевать и повеселиться. Ватто был свидетелем, как бал стал доступен и другим сословиям, менее привилегированным. Полотно несёт черты стиля живописца – большое свободное пространство, обязательно обрамлённое какими-либо объектами, как в данном случае торжественными арками, природа, напоминающая театральные декорации, некрупные фигуры людей и световые пятна, гармонично распределяющие акценты по полотну. А главная заслуга картины – это дух галантности, который свидетельствует о вершине творчества Ватто, передающий неуловимое ощущение изысканного, утончённого и искусного.

Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951 Самые известные художники-реалисты Среди живописцев, создававших свои произведения в реалистичной манере есть много достойных мастеров. И все же, среди самых известных художников-реалистов особо выделяются: Густав Курбе — основоположник современной реалистичной живописи, многие картины которого вызывали негативную реакцию не только критиков, но и значительной части французского общества. Илья Репин — один из величайших русских художников всех времен, непревзойденный отечественный мастер портретного, бытового и исторического жанров. Эдвард Хоппер (Edward Hopper) — крупнейший представитель американского реализма, автор множества картин с изображением сцен из жизни обычных жителей США. Томас Уильям Робертс (Thomas William Roberts) — австралийский живописец, один из основателей Гейдельберской школы, воспеватель быта сельских жителей родной страны.

► Почему «Обнаженная» Фалька вызвала гнев у Никиты Хрущева? ► Кто виноват в страшном виде Алёнки из Нововоронежа? ► Почему святого Христофора пишут на иконах с головой собаки? ► Почему Шишкин не сам нарисовал медведей на картине «Утро в сосновом бору»? ► Существует ли картина Репина «Приплыли»? ️ Об этих и других любопытных подробностях из жизни художников, интересных фактах о произведениях искусства, а также о репортажах с выставок читайте на канале: "Я люблю музеи" — t.me/ilovemuseum http://t.me/ilovemuseum

«Распятие или Гиперкубическое тело» 1954г. Сальвадор Дали Вернувшись из Нью-Йорка, Дали объявил, что собирается создать картину, которую назвал сенсационной – взрывающийся Христос, ядерный и гиперкубический. Он сказал, что это будет первая картина, написанная в классической технике и по академической формуле, но на самом деле состоящая из кубических элементов. Живопись Дали полна снов и «видений», но многое в его искусстве шло от разума, например идея изобразить в представленной картине развертку гиперкуба вместо креста. Таким образом художник сталкивает четкую геометрическую форму и страдание Христа, подчеркнутое его выгнутым телом с выпирающей грудной клеткой. Это рождает особое напряжение, которым наполнено полотно. В этом произведении Дали продолжает традицию классической западноевропейской живописи, когда в картинах на евангельские сюжеты изображали конкретных людей. Здесь на распятого Христа смотрит Гала, жена и муза Дали. Но она не просто предстоит перед Распятием, а созерцает его. Это ее видение.

Три балетных хита, которые узнаешь с первого звука 1. «Танец с саблями» из балета Хачатуряна «Гаяне» Этот балет написан во время войны по всем канонам соцреализма. За него Хачатурян получил Сталинскую премию I степени. Тут и трудовые подвиги армянских колхозников (красавица Гаяне - бригадир колхозного звена), и враги народа, и диверсант с парашютом, и финальная победа добра над злом с плясками и вручением переходящего красного знамени. 2. «Танец рыцарей» из балета Прокофьева «Ромео и Джульетта» Музыка этого Танца так впечатляет своей жёсткой силой, что любое хореографическое воплощение кажется бледным. Этот фрагмент звучит в начале балета и не оставляет сомнений в том, что развязка будет кровавой. 3. «Болеро» Равеля «Болеро» - это женский сольный танец размером в целый балет. Сейчас эта музыка известна больше в симфоническом варианте, но написал её Равель именно для балетного перформанса Иды Рубинштейн - иконы парижского творческого бомонда.

Кошка с птенцом во рту 1885 Бруно Лильефорс Национальный музей, Стокгольм Этот художник один из лучших и самых ярких художников-анималистов Швеции конца XIX — начала XX века. Автор реалистических изображений животных и птиц в дикой природе. Его называют великим живописцем дикой природы, в работах мастера биологические принципы объединились с мастерством реалистического импрессионизма, наука стала частью искусства. Всю свою жизнь Лильефорс был азартным охотником, и часто изображал действия хищника и его жертва (например, охоту лисы на зайца, орлана на гагу, ястреба на тетерева и пр.). Его картины лишены сентиментальности. Влияние импрессионистов проявилось в его внимании к воздействию окружающей среды и света. Лильефорс был пионером изображения дикой природы в искусстве, установил стандарты анимализма и пейзажа, которые существенно повлияли на последующее развитие этого вида искусства в XX веке. А 1 марта, кстати, в России отмечают день кошек

Картина «Охотники на привале». 1871 г. Василий Григорьевич Перов. На картине изображены три охотника, которые ведут между собой разговор. Главной чертой картины являются психологические портреты героев: один из них (слева) — пожилой, опытный охотник, видимо, из оскудевших дворян с увлечением и страстью рассказывающий о своих охотничьих «подвигах», второй (на втором плане) — средних лет, в русской крестьянской одежде, недоверчиво и с ухмылкой слушающий охотничьи байки своего собеседника, третий же (справа) — одетый «с иголочки» доверчивый молодой новичок, с трепетом выслушивающий россказни первого охотника, настолько заморочившими его, что он даже забывает зажечь папиросу в правой руке заготовленным в левой огоньком.

Наталья Савельева (1971) «Пробуждение» 2019 бумага, сангина. наталья_савельева

Сюрреализм в живописи появился в 1920-х годах во Франции, а затем стремительно распространился по всему миру. Изначально движение зародилось в литературе, но почти сразу же перекочевало в художественную сферу. Вслед за популярным в то время психоанализом сюрреалисты пытались показать, что творческая энергия находится в бессознательном, проявляясь в состояниях сна, гипноза, болезненного бреда и в автоматических неконтролируемых действиях. В своих работах они совмещали привычные глазу повседневные образы с аллюзиями и парадоксами из сновидений. Вдохновленные идеями левой идеологии, последователи течения призывали к освобождению от навязанной рациональности с помощью искусства и выступали за то, что наше восприятие крайне иллюзорно из-за искажений, вызываемых бессознательными процессами. Работы сюрреалистов стремятся передать посыл: зачастую мы видим совсем не то, что нам кажется. Светильник философа - Рене Магритт

«Эстафета» 1947г. Александр Дейнека Советские люди в работах Дейнеки - красивые, с высокими моральными принципами, сильные, здоровые, спортивные, стремящиеся к победам. Такие юноши и девушки и изображены на одном из известных полотен Александра Александровича - «Эстафета». Спортивная тема всегда интересовала художника и вдохновением в данном случае послужила ежегодная эстафета, проводимая весной в Москве на Садовом кольце, начиная с 1930 года, за исключением военных 1940-х. Прекрасный, светлый, весенний день на картине. Композиция из юношей и девушек, наверняка самых лучших представителей своих команд, расположена в центре возле разделительной линии на асфальте. Статичности в изображении совсем не чувствуется, наоборот, картина полна движения и энергичности благодаря ракурсу - как бы по диагонали от наблюдателя. Слева и справа - наблюдающие за эстафетой, просто гуляющие прохожие, любопытствующие. По мнению некоторых знатоков искусства, в дальней правой группе зрителей художник изобразил себя.

Новая Ева 1924 Шандор Бортник Венгерская национальная галерея Бездуховность - новый облик библейской героини в 20 веке. Венгерский художник, график и плакатист, педагог. Творчество Ш. Бортника, в значительной степени, сформировалось под влиянием кубизма, экспрессионизма и конструктивизма. Бортник хорошо известен своими коммерческими плакатами. За свою долгую творческую карьеру работал со многими венгерскии и международными клиентами. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

«Новая планета» 1921г. Константин Юон Картина – побочный продукт работы художника над занавесом для Большого театра. Для главного театра страны такое изображение признали неподходящим, и Юон по эскизам нарисовал картину. Это экспрессивное и выразительное полотно, выполненное в стиле характерном больше для искусства плаката. Энергией и движением картину наполняют острые, бьющие в небо лучи тревожного желтого цвета. Вместе с ними из недр космоса поднимается алая планета, вся в красных пятнах, словно в следах запекшейся и свежей крови. Она пугает и удивляет одновременно, символизируя собой радикальные изменения в обществе. Ее появление сметет все старое и отжившее, но вот что она принесет с собой – благо или погибель? По краю земли мечутся маленькие человеческие фигурки вне себя от ужаса, горя и непонимания происходящего. Они хватаются за голову, молятся и в страхе протягивают руки к новому светилу. В их жестах и позах так много силы и выразительности, что и они делают динамичным статичное изображение.

​​️«Шенген не нужен. Онлайн-прогулка по еврейскому Нью-Йорку».   Супер возможности для художников:   ️Начат прием заявок на премию в области современного искусства «Инновация-2021». Подавайтесь до 23 марта!   ️Музей AZ учредил конкурс в честь юбилея Анатолия Зверева для художников, работающих в самых широких рамках — от живописи, графики и стрит-арта до арт-объектов и новых медиа.   Hats off, brilliant Banksy!   ️Бэнкси создал граффити на стене тюрьмы Рединг в Англии, где с 1895 по 1897 год был заключен Оскар Уальд.   Тюрьма существовала с 1844 по 2013 годы. Сейчас Здание принадлежит Министерству юстиции и было выставлено на продажу в 2019 году. Активисты начали кампанию по спасению его от продажи застройщикам, убеждая Городской Совет превратить его в арт-пространство.   Представитель Совета заявил, что они очень рады, что Бэнкси, поддержал стремление совета превратить пустующую Редингскую тюрьму в символ искусства, наследия и культуры с помощью нового граффити, которое он метко назвал «Create Escape».   Время, проведенное Уайльдом в заключении, вдохновило его на создание стихотворения «Баллада Редингской тюрьмы». Смотрите полное видео работы ниже по ссылке! На фото не то впечатление! Фото: shot from Banksy https://telegra.ph/file/7f7a59c75be101940669b.jpg

​​Кидаюсь драгоценными камнями сегодня: Не так давно я рассказывала, что встречалась с морскими археологами и осталась сильно впечатлена их работой. Севастопольский Государственный Университет запустил целый курс по морской археологии на прекрасной платформе «Открытый университет»! Записывайтесь, друзья! https://telegra.ph/file/d268f488b8cfc6e421754.jpg

"Купальщицы" 1911 г. Илья Иванович Машков Частная коллекция. В 2013 году «Купальщицы» Машкова были проданы на аукционе русского искусства Christie`s за 6,7 миллионов долларов. Картина создана на грани неопримитивизма, фовизма и кубизма. В отличие от коллег по сообществу «Бубновый валет», Машков не особо жаловал кубизм, отдавая свое внимание и кисть фовистическому буйству красок. Но здесь довольно очевидно разделение фигур на составные части, груди «зеленой» – конусообразные, на спине у «фиолетовой» вообще прекрасный геометрический узор. И все же главным остается цвет. В данном случае речь даже не об оттенках: женские тела просто написаны зеленым и фиолетовым. «Неадекватное» для академизма использование чистого цвета – методика не только Машкова. «Почему Вава зеленая?» – позже будут спрашивать критики и зрители, глядя на портрет второй жены Марка Шагала. В то время нередко русские авангардисты, увлеченные французскими направлениями в искусстве и французскими художниками – Сезанном, Матиссом, – писали чистыми цветами в противовес сторонникам академического течения, которые смешивали на палитре цвета, чтобы добиться нужного «оттенка телесности». Но пришедшие на смену им живописцы не желали следовать канонам, они создавали свои, следующим же шагом их разрушая. У Машкова с изображением женских тел вообще интересная история. Он это дело любил и писал обнаженных женщин практически всю жизнь. Как правило, они напрочь лишены изящности, зато написаны объемно. Художник словно специально подчеркивает их массу, телесность, плоть искрится и переливается, нередко благодаря цветовым решениям. Критика воспринимала такие эксперименты очень неоднозначно. Его обвиняли в том, что натурщицы «все в синяках и кровоподтеках; одна вишневая, как будто купалась в настойке, и на самом неудобном месте желтый туз, вырезан сердечком». Известно, что иногда Машков пресловутое «я художник, я так вижу» писал с натуры, предварительно раскрасив своих натурщиц в соответствующие цвета. Чаще он применял все же переливы цветов, а не чистый «ненормальный». Он явно склонен к натурному изображению, то есть творческое преобразование реальности для Ильи Машкова начинается не в момент прикосновения кисти к холсту, а еще на этапе взаимодействия с собственно реальностью. При этом представитель академизма Константин Маковский считал, что «среди русских «Матиссов и Ван Гогов» наиболее впечатляющее дарование все-таки — москвич Илья Машков...А если уступает Матиссу и Ван Гогу в четкости красочного рисунка и умении «гармонировать» диссонансы, которыми поражают французы, то самым «цветом» может соперничать с любым лауреатом крайнего модернизма». ИльяМашков _history

"Бой быков" 1910 г. Петр Петрович Кончаловский Государственная Третьяковская галерея. «Бой быков» написан по мотивам испанских впечатлений. В Испанию Кончаловский ездил в 1910-х годах вместе со своим тестем Василием Суриковым. Именно эта поездка стала ключевой для его становления как художника, в ней Кончаловский обрел свой путь. Парадокс заключается в том, что «освободителями», как он сам их назвал, на этом новом пути стали французы – Сезанн, Матисс. Но первые полноценные самобытные работы художника – это изображения испанской корриды, которые сложно сопоставить с какими-либо работами европейцев. Кончаловский во время путешествия по Испании написал множество эскизов к этой картине. Окончательная версия существенно отличается от них. Причем художник убрал из картины именно то, что его особенно зацепило в реальности: «Меня поразила яркость красок: желтый песок, голубое небо и совершенно изумрудные тени». Действительно, один из предварительных вариантов картины, «Бой быков в Севилье» демонстрирует пронзительно голубое небо, его напряженный контраст с песчаной ареной и заполненными трибунами. От картины исходит ощущение густой, плотной энергии, она пышет зноем, волнует и завораживает. Но всё это безжалостно убрано из окончательного варианта. Кончаловский говорил, что хочет приблизить свой «Бой быков» к ярмарочному стилю, чтобы быки получились подобны лубочным медведям – большие, сильные, дикие. Чтобы они были страшные, но от них – не страшно. «Помните этих троицких игрушечников, которые всю свою жизнь резали из дерева какого-нибудь игрушечного медведя с мужиком? С какой простотой и силой передавали они самое существо зверя и человека, пуская в дело элементарнейшие средства, все сводя к двум-трем характернейшим деталям. Вот так именно, “по-мужицки”, “по-игрушечному” и хотелось мне дать быка во время боя», – пояснял он. Реминисценции народного творчества – вообще один из наиболее любимых неопримитивистами приемов. Именно за счет внесенных в окончательную картину поправок Кончаловский достигает этого стиля ярмарочности, эффекта игрушки. Пространство максимально приблизилось к зрителю и замкнулось. Не видно ни трибун, ни неба. Перед нами словно ярко раскрашенная коробочка с персонажами: багровая арена, алая ткань, черный бык с застывшим белым глазом, белая полоса на ограждении арены, не пересекающиеся с другими элементами цвета одежды тореадоров. Здесь нет движения, это слепок, момент без «до» и «после» – вопреки логике сюжета, который, по идее, говорит о движении. У Кончаловского получилось сделать «Бой быков» таким, как он запланировал. Мы знаем, что бык – страшен, что изображенная сцена – опасна. Более того, бой быков выходит за пределы корриды, становится боем со смертью, приобретая архетипическое величие. Но вот что удивительно – знание о том, что это страшно, не возбуждает страх. По той же причине, по которой мы не боимся игрушечного ярмарочного медведя. ПетрКончаловский Экспрессионизм _history

«Крещение Христа» 1472—1475гг. Андреа Верроккьо, Леонардо да Винчи Будучи прежде всего скульптором, Андреа Верроккьо выполнял живописные заказы с перерывами, вследствие чего одну из своих картин - «Крещение Христа» - никак не мог закончить. Он попросил довершить начатое своего ученика Леонардо да Винчи. На картине изображено крещение Иисуса Иоанном Крестителем на берегу реки Иордан. Центральные фигуры и ангел справа уже были написаны в типичной для Верроккьо манере - суховатой, с изысканными силуэтами фигур. Леонардо изобразил ангела, стоящего слева, но использовал не темперу, как учитель, а масляные краски, сохнущие дольше и позволяющие передать мягкую светотень, окутать образ легкой дымкой. Так родилась ставшая потом знаменитой леонардовская техника «сфумато». Художник написал и часть пейзажа позади ангелов, основой для которой послужил сделанный им рисунок с изображением долины реки Арно. Работа молодого живописца поразила Верроккьо и стала так популярна, что с этой группы ангелов выполняли копии.

Втевал Иоахим Антонис "Марс и Венера, застигнутые Вулканом" (ок. 1610) Вокруг Венеры вечно увивались разного рода боги, но добился ее таки только Марс. От него родился Купидон (Амур), вечно болтающийся рядом с матерью. При этом, законным мужем Венеры был Вулкан  - самый искусный в кузнечном ремесле мастер и самый некрасивый среди богов. Хромоногий Вулкан трудился у наковален в своей кузнице и не испытывал особого влечения к супруге, находя истинное удовлетворение в работе с молотом. Вулкан ничего не знал о похождениях супруги, пока ему не раскрыл глаза Аполлон. Решив поймать предателей, он сплел сеть, которую спрятал над своей кроватью. В нужный момент сеть опустилась, обнаружив прелюбодеяние. Затем Вулкан призвал богов, чтобы они могли полюбоваться на пойманных любовников.

Парадокс чтения в том, что оно уводит нас от реальности, чтобы наполнить реальность смыслом: — чтоб впечатлять окружающих интеллектом — читайте рассказы великих писателей и удивляйте — один из лучших агрегаторов медицинских знаний в телеграме — познавательный канал о классической музыке _story — держите английский в форме - читайте в оригинале — головоломки с необычными сюжетами, интересные исторические экскурсы, любопытные примеры из жизни — Кайфаните из дома не выходЯ от Чайковского и Паганини до ДидюлЯ — избранные отрывки из мировой литературы и содержательные фразы мудрейших личностей в оригинальном оформлении — простым языком обо всех новинках кинопроката. С вердиктом, который сразу в заглавии — если не успеваете сходить в музей, то заходите онлайн бесплатно — технологии заработка денег в telegram и продвижения каналов

"Завтрак" 1924 г. Наталья Сергеевна Гончарова Государственная Третьяковская галерея. Большинство исследователей сходятся в том, что «Завтрак» – не типичная для Натальи Гончаровой картина. Как правило, художница не особо жаловала бытовой жанр. Но, видимо, попробовать свои силы в нем решила. Одно дело – не любить, другое – не уметь. Гончарова написала «Завтрак» и убедилась, что умеет. Перед нами сцена, наполненная глубоким психологизмом. Тщательно выстроенная внутренняя драматургия позволила сделать мгновенный слепок истории жизни нескольких людей. Учитывая, что начинала свой путь Наталья Гончарова с импрессионистических картин, многочисленные завтраки импрессионистов ее явно не обошли стороной. А пикантность ситуации не дает забыть о скандально известном «Завтраке» Мане, изображавшем обнаженную женщину в компании двух одетых мужчин. У Гончаровой все одеты, но всё тайное – оно столь явное… Перед нами стол в саду, семейная пара и их гости. Видимо, недавно закончили завтракать. Служанка несет большое блюдо с фруктами. Такова видимость. А что за ней? Безусловным центром картины является усатый мужчина за столом, всё происходит вокруг него. Хозяин дома? Скорее всего. С какой плотоядно-сладострастной, масляной ухмылкой он смотрит на даму в розовом. Они с «розовой» словно в одной плоскости, а «голубая» - вероятно, жена - отстранена, она на обочине. У нее усталый вид, ей, похоже, давно приелись шашни супруга, в ее лице ни малейшего намека на ревность – полное равнодушие и отстраненность с легкой нотой скепсиса. Небрежно отставив руку с сигаретой, она наклонилась в сторону «розовой», скорее всего, говорит что-то типа «какие нынче погоды стоят», скорее всего, подразумевает «как это, право, скучно, и сколько вас таких было-перебыло»… Но «розовая» сейчас не способна ее услышать, она вся устремлена к «усатому», наклон тела, слегка вытянутая в его сторону шея, взгляд, даже кончики туфель. Кстати, о туфлях – ноги здесь исполняют свой показательный танец. Мужская нога, возможно, мгновение назад касалась нынче скрещенных, но неумолимо направленных к нему ног «розовой». А дама в голубом, скрестив ноги под собственным стулом, осталась в стороне. Сладострастие, грех, пресыщенность витают над столом. Руки мужчины сжимают сорванные цветы – он, вероятно, специалист в этом деле, в срывании цветов. Пейзаж соответствует: непосредственно за «черным человеком» – иссохшие деревья, в то время как по сторонам – зеленая буйная листва. Обратим внимание на правый угол. Вопиюще глупого вида юнец – кто он? Младший брат «розовой»? Сын? Племянник? Послушный и не сводящий с нее взгляда. Или же, напротив, воспитанник хозяев, влюбленный в любовницу «усатого»? Девушка в белом – искренняя, печальная и, кажется, понимающая больше, чем надо для спокойных снов на заре туманной юности. Она повернута к молодому фанту, носок ее туфельки тоже смотрит в его сторону, но ни во взгляде, ни в позе не читается любовное томление. Скорее осознание, что ей его не избежать. Возможно, о ее браке с этим глупцом уже договорено? Про собаку, забравшуюся на стул подле «усатого» и повернутую оскаленной пастью к даме в розовом, Марина Цветаева сказала: «собака есть, но не пёс, а бес». Собака нас отсылает к «Завтраку» Сезанна. У Сезанна яблоко – символ греха и обольщения – в руках у женщины. Здесь же женщина – служанка – вносит целое блюдо с фруктами, словно окончательно обозначая происходящее. Она одета в строгое черно-белое одеяние. Явление служанки вносит в картину ритуальный элемент, создает ауру жертвоприношения. НатальяГончарова _history

​​Хроника новейшего кино: новый обучающий курс Гаража. 4 апреля в музее «Гараж» начинается курс «Хроника новейшего кино. Новаторы VS архаисты» для тех, кто хочет разобраться в истории, основных тенденциях и фигурантах кинематографа XXI века. Речь пойдет о новаторах и классиках, за последние 20 лет снявших самые значимые и обсуждаемые — не только в профессиональной среде — фильмы. Участники сфокусируются на ️анализе особенностей режиссерского мышления, ️стилистике и поэтике каждого направления, ️исследовании их связи с предшествующей традицией, ️а также больше узнают о революции конца XX века и содержательных новациях в кинематографе. ️Автор программы: критик, заместитель главного редактора журнала «Искусство кино» Зара Абдуллаева. ️Курс можно посещать как очно, так и онлайн. ️Абонементы здесь https://telegra.ph/file/dfd71010cf43e6e1c7d4a.jpg

Джепта Гомер Уэйд. "Портрет Натаниэля Олдса" (1837) В начале 19-го века в Америке некоторые художники путешествовали из города в город в поисках заказов на портретные картины. Позирующие одевались в свои лучшие наряды, как это, по-видимому, изображено на этом портрете. Зеленые тонированные очки, которые носил Олдс, были предназначены для защиты глаз от света ламп, используемых в начале 1800-х гг. Эти лампы сжигали китовый жир, и многие люди беспокоились, что его яркое пламя может повредить зрению.

СОВЕТ на всю жизнь: читать книгу целиком, если это не художка — вовсе необязательно. Одинаковые мысли часто размазываются на сотни страниц, хотя суть можно уместить в десять. Мои друзья из канала В контексте прочитали за вас лучшие книги по саморазвитию, психологии и экономике — и взяли из них самые важные идеи. Каждая книга займет не больше получаса. А если сомневаетесь — на канале вам расскажут, кому стоит обратить внимание на произведение, и почему. Сохраняйте и читайте с умом. Лучше уже не будет: