Обожаю смотреть на крутые Арты разных художников. Вообще ежедневный просмотр...

​Еще в 1970-х годах итальянский художник Джузеппе Пеноне создал пару зеркальных контактных линз. Линзы не были «линзами» в традиционном понимании этого слова. Они закрывали обзор. Внешний мир отражался в глазах художника, а также он видел свои глаза в отражении линз. Устройство предполагает, что нужно смотреть внутрь, чтобы показать внешнему миру творческое видение. https://telegra.ph/file/4741a488929eb4c292876.jpg

«Радости бала» 1715–1717 гг. Антуан Ватто Мастер так называемых галантных сцен, Антуан Ватто, кажется, сумел отразить в своём творчестве все стороны жизни своего общества – от интимных будуарных сюжетов и прогулок до светских раутов и всевозможных увеселений. Не прошёл он мимо и такого явления как бал. Балы во Франции были явлением значимым и роскошным. Это прекрасный повод показать себя, посмотреть на других, потанцевать и повеселиться. Ватто был свидетелем, как бал стал доступен и другим сословиям, менее привилегированным. Полотно несёт черты стиля живописца – большое свободное пространство, обязательно обрамлённое какими-либо объектами, как в данном случае торжественными арками, природа, напоминающая театральные декорации, некрупные фигуры людей и световые пятна, гармонично распределяющие акценты по полотну. А главная заслуга картины – это дух галантности, который свидетельствует о вершине творчества Ватто, передающий неуловимое ощущение изысканного, утончённого и искусного.

​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины Кандинского Мэр Амстердама решила, что пришло время пересмотреть вопрос о том, должен ли Городской музей Стеделейк оставить себе «Пейзаж с домами» (1909) Василия Кандинского. До того, как музей приобрёл картину во время Второй мировой войны, она входила в собрание коллекционера-еврея. Голландская комиссия по реституциям, которая рассматривает жалобы на нацистские грабежи, в 2018 году постановила, что музей может оставить себе работу «Картина с домами», на которую претендуют наследники его бывших владельцев. Решение реституционной комиссии было поддержано голландским судом. Однако мэр Амстердама в своём письме заявила, что было бы целесообразно, чтобы комиссия по реституции пересмотрела дело о картине, которая находится в коллекции музея с 1940 года. Судьба картины находится в центре внимания, поскольку это один из немногих случаев, когда комиссия по реституции пытается уравновесить интересы культурных учреждений и интересы людей, которые хотят вернуть произведения искусства, награбленные во время Второй мировой войны. Такая формулировка вызвала критику со стороны экспертов по реституции, а в декабре — со стороны комитета, созванного министром культуры Нидерландов для изучения решений комиссии по реституции. В своём письме мэр Фемке Хальсема и несколько других официальных лиц, известных под общим названием Коллегия мэров и олдерменов, написали, что они согласны с выводами комитета, который проявляет больше сочувствия в процессе реституции. «Еврейский народ был лишен своего имущества, прав, достоинства и, во многих случаях, жизни, — говорится в письме. — И если что-то из этой вопиющей несправедливости по отношению к ним ещё подлежит исправлению, у нас, как общества, есть моральное обязательство действовать соответственно». Джеймс Палмер, основатель компании по реституции произведений искусства Mondex Corporation, которая представляет истцов в «деле Кандинского», сказал, что они «в восторге от письма мэра и её коллег». «Прошло уже почти десять лет с тех пор, как семья начала свою тяжбу, — написал он, добавив: «Мы надеемся найти другое решение при поддержке города Амстердама, чтобы разрешить этот вопрос мирным и быстрым образом». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b3f826fa8210b073764c8.jpg

Шалость Джотто Джотто расписал базилику Святого Франциска в XIII веке, а в 2011 году реставраторы разглядели дьявола в облаках на одной из фресок: для этого пришлось приблизиться вплотную к сцене, которая изображает смерть святого Франциска. Если смотреть на фреску, стоя на полу, в ней нет ничего вопиющего. Но стоило лишь вооружиться стремянкой, как справа в облаках был обнаружен профиль с хитроватой усмешкой, носом крючком и даже рогами. Возможно, живописец хотел таким образом подшутить над своим недругом, придав дьяволу его черты.

"Городской замок" 1932 г. Пауль Клее Частная коллекция. Пауль Клее практически никогда не писал чистые абстракции. Ему важно было раскрутить даже самое условное и декоративное изображение до метафизических смыслов. Название было его дополнительным художественным приемом. Ученики вспоминали, что уже написанные картины могли месяцами стоять в мастерской Клее, расставленные у стен, пока для них не находилось ассоциация, точная эмоции, пока не случалась вспышка озарения нужными словами – и тогда появлялось название. Только после этого картину можно было считать законченной. Даже когда Клее изобрел свой собственный пуантилизм – создавал изображение не точками, как Сёра и Синьяк, а квадратами – здесь не было чистой геометрии. Всегда было что-то еще: звуки, дома, сады, дороги. Музыканта Клее захватывала архитектура, в ней он чувствовал и слышал ритм, он наверняка смог бы сыграть на скрипке самые любимые свои здания. И именно ритм рождает эту сетчатую, строгую технику заполнения квадратов разными красками. По признанию самого Клее, этот художественный метод – очередной творческий квест и головоломка, какими он любил развлекаться: «…я пытался добиться максимально возможного движения с наименьшими средствами (экономия средств, полученных повторением ограниченного числа простых структурных единиц)». Клее расколдовывает архитектуру, она уже больше не застывшая музыка – она движется и поет. Картины Клее – это ощущение города, ощущение улицы. Это категорическая противоположность пленэрной живописи, изучающей тонкости пейзажа, это впечатление от движения сквозь улицу, когда не смотришь специально на особенности архитектуры, световые потоки или детали. Ты сам – часть этого городского пейзажа, ты сам уловитель светового потока. И поэтому можешь даже посмотреть на все сразу с нескольких точек зрения. Например, увидеть дом изнутри и снаружи, а улицы - сверху и сбоку. Все ранние коллекционеры Клее, покупавшие картины у художника, были слегка одержимыми. Кто чем. И совсем не удивительно, что Richard Doetsch-Benziger до того, как начать собирать Клее, коллекционировал старинные книги. Он наверняка почувствовал в художнике летописца чего-то ужасно далекого, то ли прошлого, то ли будущего. В 2011 году картина «Городской замок» стала самой дорогой работой Клее, проданной с аукциона в частную коллекцию. Ее стоимость составила 4 млн. 252 тыс. долларов. ПаульКлее Абстракционизм _history

«Она – моя», сказала бы Рената Литвинова. Потому что «Северный ветер» это не фильм. Это настоящая картина – женского рода, красоты, ума, тайны, матриархата. Это прекрасный сон, понять который можно, лишь открыв сердце чарам неповторимой Ренаты, под музыку не менее чудесной Земфиры. И смотреть – на женщин, их власть, ожидание, одиночество и надежду. Смотрите «Северный ветер» и вы! В онлайн-кинотеатре Okko по подписке «Оптимум» и «Премиум».

Обожаю, когда человек способен связать два слова и не мямлит в духе «эээ... забыл, как эта ... называется». Вообще красиво говорить и словесно доминировать в любом споре — это навык. Прокачать его поможет проект филологического института Вокабуля́рий. Что делать: 1. Читаете канал 3 минуты в день несколько недель 2. Ваша речь становится привлекательной и богатой 3. Пишете классные посты в инсту и становитесь богом комментариев на ютубе 4. Готово! Вы прекрасны! Учимся красиво и грамотно говорить тут: https://t.me/vcblr

В Феврале умер итальянский скульптор Артуро Ди Модика, автор Атакующего быка, который был установлен без согласования с городскими властями Нью-Йорка. Статуя весом 3,2 т, высотой в 3,5 м и почти 5 м в длину изображает мощного, разъярённого, приготовившегося к атаке быка, символизирующего агрессивный финансовый оптимизм и процветание. Говорят, тысяча туристов приходит посмотреть на скульптуру каждый день. Атакующий бык это одним из самых популярных символов Нью-Йорка и Уолл-Стрит. По словам покойного эта статуя должна была стать первой в серии из пяти быков, установленных в разных городах мира. В 2010 году Ди Модик установил похожего быка в Шанхае, который получил название Шанхайский бык. Ди Модика потратил 360 000 долларов, чтобы отлить и установить скульптуру. Это был акт уличного искусства: 15 декабря 1989 года Ди Модика на грузовике привез быка в Нижний Манхэттен и установил у подножия огромной ёлки перед Нью-Йоркской фондовой биржей как рождественский подарок жителям Нью-Йорка.

Поль Деларош "Казнь Джейн Грей" (1833) Леди Джейн Грей царствовала всего девять дней в качестве королевы Англии. После смерти Эдуарда VI в 1553 году она была свергнута Марией Тюдор, сводной сестрой Эдуарда. 17-летняя леди Джейн была обезглавлена на Тауэр-Хилл 12 февраля 1554 года. Деларош показывает последние мгновения ее жизни: Джейн с завязанными глазами спрашивает: "Что мне делать? Где плаха?" К месту казни ее ведет сэр Джон Бриджес, лейтенант Тауэра. Ее верхняя одежда уже снята и собрана на коленях фрейлины, которая упала на землю. Позади нее вторая фрейлина стоит лицом к стене, не в силах смотреть. Справа в ожидании стоит палач.

"Гора Сент-Виктуар" 1887 г. Поль Сезанн Институт искусства Курто, Лондон. Сезанн жил одновременно с художниками-импрессионистами, участвовал в первой и третьей выставках, организованных «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов», он выходил на пленэры вместе с Писсарро и избавлялся от темных красок под его влиянием. Но именно пейзаж – тот художественный жанр, в котором Сезанн оказался самым неимпрессионистичным художником своего времени. И дело тут не в палитре и не в технике. Сезанн терпеть не мог теорий искусства – он как будто всегда боялся случайно увязнуть в одной из чужих стройных систем мировоззрения. В последние 20 лет жизни, сведя общение с художниками, писателями и семьей в основном почти к эпистолярному, он с удовольствием закрылся в небольшой студии и занялся поисками своей «земли обетованной». В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит этим картинам когда-нибудь оказаться на стенах Лувра. Нет-нет, он давно уже не грезит о славе и Лувре – он просто мучительно хочет выполнить одновременно несколько важных для себя задач: дать зрителю почувствовать красоту мест, столь близких и волнительно прекрасных для него лично, передать исключительно собственные эмоции и переживания от увиденного и при этом освободить изображение от всего лишнего и вскрыть через него логику природы, найти непреходящее, вечное – то, что присутствует на картинах старых мастеров. И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору Сент-Виктуар в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными. Эту картину Сезанн показал своим землякам на выставке, устроенной в Эксе в 1895 году Обществом художников-любителей. Они уже давно начали подумывать, что возможно Сезанн – не просто сумасшедший лицедей и к нему стоит присмотреться, решились в конце концов попробовать. Уже не ждущему признания художнику это предложение очень польстило. Он отправил на выставку две свои картины, увидев которые, смелые и прогрессивные художники-любители сразу забыли о желании быть смелыми и понять Сезанна – они повесили картины повыше, над входной дверью, чтоб в глаза сильно не бросались. Единственным человеком, который выразил художнику восторг от «Горы Сент-Виктуар», был сын местного бакалейщика Жоашим Гаске, начинающий поэт, позже написавший книгу о Сезанне. Растроганный Поль подарил юному Жоашиму картину. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

Зеркала в то время покупали больше не для того, чтобы смотреться в них, а для демонстрации своего достатка, ведь до XVII века производили зеркала только в Венецианской республике и стоили они очень дорого. Обратите внимание, какая роскошная рама у зеркала на картине. В искажённой линзе зеркала видна не только чета Арнольфини, но и ещё одна пара - по самой распространённой версии, Ян ван Эйк изобразил себя с супругой.

«Композиция VIII» 1923г. Василий Кандинский Композиция с восьмым порядковым номером была своего рода неожиданностью: после плавных линий предыдущих картин из этой серии вдруг появляется работа со строгим выверенным геометрическим ритмом. Этот творческий период в биографии Кандинского принято назвать «холодным» и «Композиция VIII» является её главным творением. Кажется, автор использовал весь набор геометрических фигур – линии, точки, круги, квадраты, треугольники, острые и тупые углы. Завершая картину, он работал и над книгой «Точка и линия на плоскости». Там есть подробный рассказ о психологическом значении каждой изображенной фигуры. Горизонтали звучат «холодно и минорно», вертикали «тепло и высоко», острые углы – «теплы, остры, активны и желты», а прямые - «холодны, сдержаны и красны». Художник говорил, что эта картина требует другого подхода в ознакомлении: нужно сначала рассмотреть ее вблизи, потом расслабить глаза и позволить увиденному проникнуть в ту часть мозга, которая реагирует на музыку.

Картины Юстины Копаня Польская художница Юстина Копаня пишет свои полотна маслом на больших холстах. Она говорит, самое главное, это передать на картине, то настроение, эмоции и воспоминания, которые она переживала во время создания картины. Юстина пытается показать окружающий нас мир немного по-другому, с другой точки зрения, отличной от той, с которой мы привыкли смотреть на этот мир, показать атмосферу того момента, который врезался ей в память. Сама Юстина говорит, что как картина, так и кисть требуют краски и она ее не жалеет. Большое количество краски на холсте создает рельеф, так рождается пастозная живопись. Сами работы больше напоминают импрессионизм, без особого внимания к деталям, но очень чувственные. Её картины показывают удивительное понимание и мастерство в использовании масляных красок. Она тщательно смешивает цвета и позволяет аудитории рассматривать каждый мазок в каждой из ее работ.

​​Что нужно знать перед посещением первой в России выставки классика видео-арта Билла Виолы в Пушкинском музее.   Экспозиция выставки отражает 14-ти летнее исследование одиссеи души человека и ее трансформации: от рождения до смерти.   Многолетние поиски сущности человеческой природы через христианский мистицизм, исламский суфизм и дзен-буддизм вывели Виолу на тончайший уровень мироощущения и его отражения в искусстве.   Билл Виола пришел к выводу, что практически все духовные традиции ведут к единому: просветление, освобождение, перерождение. Сострадание и любовь приводят нас на новый уровень существования, где открываются совершенные истины.   Видеоработы погружают в медитацию и саморефлексию: я отключилась от мира на час, позволив сознанию изменить восприятие времени. На выставке Билла Виолы можно отдохнуть и насладиться единству с собой, где твоими спутниками остануться лишь стихии. Смотреть выставку нужно, даже хотя бы потому, что привезти этого мирового художника — огромная заслуга команды Пушкинского музея.   Познакомьтесь с выставкой и почитайте про художника и его искусство, тогда вы поймете экспозицию и влюбитесь к нее и в свою стихию.   Билл Виола, Путешествие души, ГМИИ им. А. С. Пушкина, 2 марта — 30 мая 2021 https://telegra.ph/file/2d4cab406ab7e471f5f5f.mp4

Как отделаться от парня за 10 дней? Ну или дольше, но чтоб наверняка? Особенно, если парень этот – самый модный художник Вены и ваша жена без памяти влюблена в него. Вот уж задачка не из легких! Изящный выход из этой щекотливой ситуации нашёл Фердинанд Блох-Бауэр - муж той самой без памяти влюбленной барышни. Он заказал Густаву Климту (именно об этом художнике идёт речь) портрет своей жены. И предложил контракт на баснословную сумму. Контракт был очень сложный. Адель нужно было позировать, и позировать, и позировать. А Густаву – смотреть, и смотреть на неё. Около ста эскизов написал Климт к этому портрету. И закончил работу над ней за четыре года. И так Климту она надоела, что ни о каком романе не могло быть и речи. А мир обрёл великолепный «Портрет Адели Блох-Бауэр».

Музей съедобной земли В 2012 году русская художница Машару начала создавать проект «Музей съедобной земли». Сейчас в музее 400 видов земли, которые можно попробовать. В коллекцию входят образцы из более чем 30 стран, в том числе из США, Мексики, Морокко, Германии, Белоруссии, России и Кыргызстана. Работа предлагает зрителям пересмотреть собственные знания о еде и культурных традициях, а также исследует предпосылки и причины феномена поедания земли. Искусство или нет?

Выбрать фильм на вечер — не такая простая задача, как может показаться. На канале Человек с киноаппаратом со знанием дела рассказывают о современных и классических картинах, которые вы могли пропустить, и объясняет, почему их нужно посмотреть прямо сейчас. Также автор канала неплохо ориентируется в истории кино и научит без труда замечать следы немецкого экспрессионизма в мрачных сказках Тима Бёртона. Подписывайтесь, чтобы разнообразить своё киноменю: _with_a_movie_camera https://t.me/man_with_a_movie_camera

Выбрать фильм на вечер — не такая простая задача, как может показаться. На канале Человек с киноаппаратом со знанием дела рассказывают о современных и классических картинах, которые вы могли пропустить, и объясняет, почему их нужно посмотреть прямо сейчас. Также автор канала неплохо ориентируется в истории кино и научит без труда замечать следы немецкого экспрессионизма в мрачных сказках Тима Бёртона. Подписывайтесь, чтобы разнообразить своё киноменю: _with_a_movie_camera https://t.me/man_with_a_movie_camera

​​️В «Гараже» в Москве начинают работу сразу три новые выставки. ️«Выбирая дистанцию: спекуляции, фейки, прогнозы в эпоху коронацена» ️«Невидимый звук»  Давида Кларбаута ️«Настоящее время, несовершенный вид»   ️Фестиваль набережных «ВолгаФест» открыл прием заявок на участие в паблик-арт-программе для художников, дизайнеров и архитекторов. Тема 2021 года — «Преграды».   ️Парк Горького запускает проект по защите птиц «Крылатые соседи». 03 апреля посетителям парка предложат раскрасить гигантские скворечники вместе с уличным художником Сергеем Овсейкиным, прогуляться с бердвотчером  Марией Монаховой и послушать лекции в честь Международного дня птиц.   ️Лувр выложил в открытый доступ все произведения из своей коллекции: 480 000 работ можно посмотреть совершенно бесплатно.   ️В Исторический музей из Италии привезли гравюры Альбрехта Дюрера   В экспозиции «Альбрехт Дюрер. Шедевры гравюры из собрания Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии» представлены 146 гравюр мастера, в том числе такие хиты, как «Меланхолия I», «Адам и Ева» и все листы из серии «Апокалипсис».   В конце XV века родной город Дюрера Нюрнберг был одним из центров книгопечатания в Европе, так что его гравюры выходили огромными тиражами. Успех композиций Дюрера привел к появлению подделок: резчики по всей Европе безо всякого стеснения копировали гравюры. На выставке можно увидеть и работы итальянского гравера Маркантонио Раймонди, с кем Дюрер судился из-за того, что тот подделывал его гравюры. Суд Дюрер выиграл.     Альбрехт Дюрер. «Адам и Ева». 1504. Фото: Государственный Исторический музей https://telegra.ph/file/f56ca78ef1da33bdc05d6.jpg

​Изучать историю искусства можно бесконечно, но с чего начать? Как разложить по полочкам все эпохи, термины и имена? Лекторий «Синхронизация» подготовил отличный «первый шаг» — онлайн-курс «Гид по истории искусства». Это видеокурс, в котором 9 занятий. Каждое посвящено одной из эпох в истории искусства — от Античности до начала ХХ века. На курсе вы увидите развитие европейского искусства как единый процесс, а не набор случайных картин. Узнаете об основных чертах каждой эпохи и сможете закрепить знания, проходя тесты и изучая памятки к курсу. Для подписчиков канала на курс действует скидка 30% до 5 апреля по промокоду: kartiny8 Чтобы получить скидку, введите промокод в блоке оплаты на странице курса. Промокод действует и на другие курсы Синхронизации. Посмотреть все курсы можно по ссылке. https://telegra.ph/file/b3ae13dc0c75cde8aed0c.jpg

Сивилла 1525-50 Баккьякка Музей истории искусств, Вена Франческо Убертини, известен также как Баккьякка (род 1 марта 1494, Борго-Сан-Лоренцо. Умер 5 октября 1557, Флоренция) — итальянский художник эпохи Возрождения. Картины можно посмотреть в галерее Google Arts & Culture На картине изображена Сиви́лла — в античной культуре пророчицы и прорицательницы предрекавшие будущее. Наиболее известным изображением сивилл является цикл фресок работы Микеланджело в Сикстинской капелле. Интересные факты: — В англоязычном мире распространено женское имя Сибилла (Sybil), а слово «сивилла» пишется как sibyl. — В честь Сивиллы назван астероид (168) Сибилла, открытый в 1876 году. — Дж. Роулинг назвала одну из героинь серии романов о Гарри Поттере этим именем.

Скульптуры Вилли Верджинера отчасти сходны с похожими произведениями современных скульпторов, делающими акцент на реалистичность изображений, но работы Верджинера отличаются особой нотой сюрреалистичности и сакральности смысла, заключённого в каждой такой деревянной скульптуре. Вилли Верджинер родился 23 февраля 1957 года в Брессаноне, Италия. Именно поэтому технику обработки дерева он почерпнул из опыта традиций южно-тирольских мастеров, прославившихся своим искусством ещё в 17 веке. Смотреть работы мастера https://tanjand.livejournal.com/3269255.html

Натюрморт с едой нач. 17 века Питер Биноит Национальный музей, Стокгольм Все мы любим, чтобы нам сделали красиво и вкусно, особенно по утрам, когда за окном серое, а вставать не хочется: сидеть удобно, есть свежее, смотреть на то, что радует глаз. Петер Биноит был одним из таких. Он немецкий художник начала 17 века, который в основном писал натюрморты с 1613 по 1631 год. Работал во Франкфурте-на-Майне. Он точно знал, что нужно зрителю его картин. Писать натюрморты и портреты не так-то просто, и художникам, чтобы завоевать себе место под солнцем, было проще работать в узком жанре: они становились блестящими профессионалами, передавая игру солнечных бликов в капле росы, бархатистую кожицу персика, матовый срез на куске ветчины. Еда стала самостоятельным героем картины. И Биноит умело превращает любой стол с яствами в философский трактат.

Теперь немножко про остальных бамбоччанти. В Италии в чести было искусство возвышенное и театральное, а бамбоччанти любили гротеск, темные стороны жизни и решительно не хотели писать персонажей не то что возвышенными, а даже просто красивыми. Взяли и скрестили хулиганско-наставительные сюжеты Питера Брейгеля Старшего с мрачноватыми последователями Караваджо и, пожалуй, сарказма еще добавили кое-где. Типичные герои их небольших картин или офортов - солдаты, бродяги, торговцы, фермеры и доярки, трактирщики, прачки или, как писал Сальватор Роза “негодяи, мошенники, карманники, бандиты, пьяницы, обжоры” - ну, то есть, как посмотреть. Бамоччанти критиковали представители официального искусства, называли их картины низостью и гадостью, призывали вернуться к изысканности и красоте заблудших художников. А вот покупатели и коллекционеры их гадостей очень быстро нашлись и жанр приобрел огромную популярность - и ван Лар и его друзья устанавливали довольно высокие цены на свои картины, но их раскупали, переправляли по всей Европе и особенно ценили на их родине, в Нидерландах. Считается, что эта группировка повлияла на Веласкеса, которые любил писать сценки из темных трактиров в ранние годы, что любитель нравоучительных бытовых серий Хогарт тоже насмотрелся, Гойя даже вроде что-то имел в личной коллекции, а еще что к камерным и иногда двусмысленным сценкам бамбочатти обращались после многие художники рококо. Но тут же тоже интересно, раз мы говорим о группе голландских художников, то стоит иметь в виду, что они не так просты чтоб быть обыкновенными реалистами, которые просто запечатлевают неприглядный окружающий мир как он есть ради анекдота. Вы же помните, что как раз голландцы даже в натюрморте с тыквой и букетом цветов зашифровывали сложные аллегории. Так и тут все было. Простые предметы и вульгарные сценки должны побудить нас, зрителей, к сложным размышлениям. Трюк такой. Особенно тут важно, что работают художники именно в Риме, поэтому то там то тут намекнут на то, в каких величественных пейзажах, да с каким прошлым, разворачиваются все эти мелкие житейские происшествия. В общем, рассматриваем и ищем глубокий смысл.

"Взгляд в бесконечность" 1911 г. Фердинанд Ходлер Частная коллекция. В 1910 году Фердинанд Ходлер получил заказ на картину, которая могла бы украсить лестницу недавно отстроенного Кунстхауса в Цюрихе. Работа предстояла грандиозная – художнику понадобилось 3 года, чтобы ее завершить. Первая версия полотна размером 4,5 на почти 9 метров провисела в музее совсем недолго, 3 месяца. Она оказалась слишком громоздкой. Сейчас на этот грандиозный «неудачный» вариант можно посмотреть в Базеле. Со всеми переработками и редакциями, исправлениями и пробами у Ходлера получилось 5 практически одинаковых картин – и одна из них, тоже довольно немаленькая, находится сейчас в частной коллекции. Эта работа – практически манифест ходлеровского художественного метода, концентрированная эстетическая программа его знаменитого параллелизма. Женские фигуры разворачивают то ли в пространстве, то ли во времени какой-то ритуальный танец, символизируя и живое человеческое движение, и сам ритм этого движения. Поза каждой уникальна (кстати, Ходлеру действительно позировали пять разных натурщиц), но вместе они создают симметричную жестовую композицию, которую легко продолжить. Например, по горизонтали: продолжая бесконечный танец за пределы полотна, мысленно дорисовывая эту цепь танцовщиц. А еще – по вертикали: следуя за взглядом каждой из пяти женщин. Все они смотрят в разные стороны, раздвигая для нас пределы картины. Ходлер любил синий цвет и был уверен, что только его можно без раздражения воспринимать на холстах большого размера. Но психическое равновесие зрителя, конечно, не единственная причина, по которой художник выбирает синий. «Синий – это цвет, который, как и море, как и небо, говорит мне о чем-то н...альном, о трансцедентном и величественном», - писал Ходлер. В каких-то нескольких сотнях километров, в тот же год, когда Ходлер получил заказ на «Взгляд в бесконечность», Василий Кандинский написал книгу «О духовном в искусстве». И тоже трактовал синий цвет как духовный и возвышенный. Но больше чем синий цвет Ходлер любил только женщин – всех тех земных красавиц, с которыми жил и которыми восхищался, своих бесконечных любовниц и удивительных жен, но и женщину вообще. Женщина для него – духовная опора, надежда этого мира, талисман и носительница тонко отстроенной, хрупкой внутренней гармонии. Женщина – источник всего живого, центр бесконечного жизненного цикла. И лучшее, что она может сделать – это просто существовать и иногда танцевать. На портретах и символических композициях Ходлера они танцуют почти всегда – даже когда замирают в привычной позе или просто держат цветок в руках, это кажется частью длинного, сосредоточенного танцевального, сакрального жеста. При этом музы Ходлера, которые на много лет задерживались в его мастерской и в его жизни, отнюдь не были украшением гостиных, усладой мужских глаз и живыми манекенами. Образованные и одаренные, они водили автомобили, фотографировали, коллекционировали живопись, исполняли свободные танцы и расписывали фарфор. Отводя взгляд от несущейся под колесами дороги, от восхищенных зрителей или кропотливой работы, поднимали глаза в небо, смотрели в бесконечность. ФердинандХодлер Символизм _history

"Стоун Сити, Айова" Грант Вуд, 1930 > Омаха, Музей искусств Джослин В 1929 году Грант Вуд вернулся на свою родину, что бы провести здесь остаток жизни, ведь он понял, что места лучше ему не найти. Тогда же художник заявил, что отныне будет рисовать только Айову. Данная местность находилась совсем рядом с фермой, на которой родился и вырос Вуд. Несмотря на то, что картина была написана во времена Великой Депрессии, она пронизана солнцем и радостью и передаёт детские воспоминания художника. Полотно «Стоун Сити, Айова» является ностальгическим переживанием автора. Художник получил возможность рисовать только после смерти отца, но часто возвращается к воспоминаниям, когда Марвин Вуд был ещё жив. Создаётся впечатление, будто дух отца навсегда поселился в его картинах. Некоторые из строений, которые можно рассмотреть на этом полотне, существуют в Стоун Сити по сей день, например, церковь Святого Иосифа, универмаг и кузнечная лавка.

"Дом повешенного" Поль Сезанн, 1873 > Париж, д'Орсе Работа знаменитого импрессиониста ставит перед собой только одну цель — произвести на зрителя определенное впечатление. Картина должна отталкивать — так гласит нам её название, ведь никому не нравится смотреть на произведение, где в название зашифрована смерть. Прямо в день выставки работа получила массу отрицательных отзывов, но и не меньше положительных, так что Поль добился желаемого успеха. Художник играет с нами. Мы не видим там трупа, веревки или конкретного дома, где повесился человек. Никто не знает, где произошло происшествие. Мы видим лишь преобладание зелёного цвета, который выжигает глаза, непонятную улицу и дома — всё это перетекает между собой, кажется, что формы искривлены и перспектива отсутствует. Хаос — вот как можно описать картину. Можно зацепиться за открытое окно в одном из зданий, но вглядываться в него бесполезно, так как все равно ничего не разглядеть. Может именно там лежит или ещё весит тело?

​​️Рейтинг мировых музеев — 2021: 1. Лувр, Париж 2. Тейт Модерн, Лондон 3. Музеи Ватикана ️Рейтинг российских музеев — 2021: 1. Государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник «Казанский Кремль», Казань 2. Государственный музей-заповедник «Сталинградская битва», Волгоград 3. Государственный музей-заповедник «Петергоф», Санкт-Петербург ️Фестиваль немецкой культуры и немецкого языка пройдет во Владивостоке с 15 мая по 6 июня в рамках Года Германии в России. ️Новый видеоарт «Remember you cannot look at the sun or death for very long» Дэвида Хокни будет транслироваться на билбордах на Таймс-сквер. Хокни входит в топ-3 самых дорогих ныне живущих художников. «Сейчас самое подходящее время для этого сияющего образа надежды». Запуск проекта совпадает по времени с выходом новой книги Хокни Spring Cannot Be Cancelled (Нельзя отменить весну) и открытием его персональной выставки в Королевской академии художеств. Дэвид Хокни. Помни, нельзя очень долго смотреть на солнце и на смерть. 2020. Кадр из видео. Courtesy Дэвид Хокни. Источник: archpaper.com https://telegra.ph/file/6213793d2301591822c42.jpg

Зарядка для ума и пища для размышлений в лучших образовательных телеграмм-каналах. Не проходите мимо! • — Экскурсовод в твоём Telegram. Искусствовед простым языком учит понимать картины • _afanasieva — предельно ясно о сложных философских проблемах от профессора Веры Афанасьевой • — автор пишет о кино и современном искусстве. Статьи про классический и современный кинематограф, а также личные заметки про индустрию • — канал, полный закрученных загадок, головоломок, интересных фактов и историй. И аккуратнее, там можно залипнуть надолго! • _best — Твой путеводитель по миру культуры, который подскажет «Что посмотреть?» и «Что почитать?». Регулярные анонсы кинопремьер, новинки литературы и статьи о живописи и истории • — культовый канал с письмами Чехова теперь обзавёлся видео: короткие видеосообщения от Антона Павловича раз в несколько дней заставляют улыбнуться даже в серые зимние будни, попробуйте! • — Все об архитектуре и дизайне в России и ближнем зарубежье. Получите вдохновение в удобном и интересном для вас формате • _poet — поэзия Иосифа Бродского в твоём телефоне • _krasivo — каждый день для вас известные слова в ярком неожиданном обрамлении • _dovlatov — "Талант — это как похоть. Трудно утаить. Еще труднее симулировать". Канал для поклонников творчества Сергея Довлатова. • — Франц Кафка в цитатах, письмах, дневниках • — первый канал в телеграме, где ты научишься рисовать и узнаёшь об искусстве • _reviews — старейший книжный канал в телеге, к автору за комментами обращаются РИА Новости, The City и Peopletalk • — канал про работу со словом, копирайтинг, маркетинг и писательское мастерство. Автор пишет вторую книгу и щедро делится полезным • — Авангардизм и концептуализм в искусстве и моде • _book — когда я голоден, я открываю холодильник, когда голоден мой мозг, я открываю этот канал. На канале есть пища для ума. Увлекательные отрывки и подборки книг утолят ваш голод

"За завтраком" 1914 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственная Третьяковская галерея. «Как же за завтраком, когда обед подают?», – удивлялись зрители. Но в доме Серебряковых был принят европейский режим питания, более физиологичный, чем привычный трехразовый, состоящий из завтрака, обеда и ужина. Утром подавался «маленький завтрак», а в полдень следовало то, что мы называем ланчем, плотный второй завтрак. О нем и речь. За столом изображены трое старших детей художницы. По дальнюю сторону – восьмилетний Женя, на переднем плане – Саша, которому 6-7 лет, справа двухлетняя Тата. Младшей, Катюше, за стол пока рано, она еще на руках у кормилицы. Отдельный персонаж – руки кого-то взрослого, разливающие суп. Мы не знаем, кто это – бабушка, няня или кухарка. Но именно ее руки добавляют уюта и ощущения защищенности картине. Дети не оставлены, они под присмотром, их кормят. Смотреть, как ест ребенок – особое, понятное каждой матери ощущение. Это о том, что дети здесь, рядом, с ними всё хорошо, они сыты и здоровы. Руки на этом портрете вообще написаны виртуозно: разливающие суп руки взрослой женщины, мягкие, пухлые ладошки Таты, длинные пальцы уже большого Жени, Сашина ладонь с зажатой в ней ложкой – еще не такая вытянутая, как у старшего брата, еще таящая отголоски детский пухлости, но уже гораздо более «взрослая», чем младенческая ладошка Таты. Композиция кажется спонтанной, но при этом очевидно, что она хорошо продумана и согласована. Помимо великолепной работы портретиста, обращает на себя внимание и натюрморт. Серебрякова отлично передает фактуру предметов: матовое сияние столового серебра, блестящий желтый бок кувшина, поджаристая корочка хлеба, контраст материалов, тяжесть деревянных стульев, мягкая белизна скатерти, соединяющая и предметы, и персонажей вокруг себя. Эта работа – одно из самых интимных и обаятельных произведений Серебряковой. Она на долгие годы стала образцом семейного и детского портрета. По словам Александра Бенуа, Зинаида Серебрякова, «не знает себе соперников» в этом жанре. Картина «За завтраком» возникла не на пустом месте. Предварительные портреты, эскизы – в них уже заметно мастерство, с которым Серебрякова пишет детей: материнская интонация бесконечной нежности и при этом ни малейшего намека на слащавость, сентиментальность, сюсюканье. Так ребенка видит любящая его мать, а не дамы в салоне, умиляющиеся над парадным вариантом абстрактного ангелочка в кудряшках. Если попытаться сравнить детские портреты Серебряковой с кем-то, то разве с классиками. Впрочем, сама она такой аналогией была бы возмущена до глубины души, потому что чрезвычайно скромно оценивала собственное дарование и боготворила классиков. ЗинаидаСеребрякова Реализм _history

​​️В Фонде Ruarts открылся выставочный проект «Майские грезы» выпускников кураторской молодёжной программы школы «Каскад». Обязательно сходите! Выставка великолепная. ️Дом музыки приглашает на моноспектакль «Приношение Марине Цветаевой». ️В Музее архитектуры имени А.В. Щусева проходит выставка «Человек иронический», приуроченная к 100-летию со дня рождения поэта Юрия Левитанского. «Сердце бьется, сердце не сдается, ибо сердце сердцем остается…» «…Каждый выбирает для себя. Выбираю тоже — как умею. Ни к кому претензий не имею. Каждый выбирает для себя.» ️Фонды «Синдром любви» и «Даунсайд Ап» организуют выставку «Какая разница». Юные актеры представят свою чуткую интерпретацию картин известных художников: Караваджо, Рубенса, Серова и других. Выставка пройдет в театре «Около дома Станиславского» и будет открыта с 2 по 26 июня. Экспозиция будет доступна для зрителей спектаклей театра каждый день с 18:00. Советую посмотреть мультфильм «Дневник Андрюши» от студии Bazelevs Тимура Бекмамбетова и фонда «Синдром любви». Он основан на одноименном комиксе Екатерины Денисовой. https://telegra.ph/file/3f892540fc728f4f421d5.jpg

Скрытое слово В 2003 году Сантьяго Сьерра представлял Испанию в ее национальном павильоне на биеннале в Венеции. По его решению внутрь павильона, название которого художник заклеил скотчем, могли попасть только обладатели испанского гражданства. У каждого желающего осмотреть экспозицию охранник перед входом проверял наличие испанского паспорта, внутри же павильона была пустота. Работу Сьерра прокомментировал: «Нация — ничто. Стран не существует. Когда космонавты отправлялись в космос, они не видели линии между Францией и Испанией; Франция не окрашена в розовый цвет, а Испания — в синий. Это политические конструкции, а что внутри конструкции? Все, что вы хотите поместить туда. Да и вообще павильон не пустовал: там остались остатки прошлых выставок. Это был акт уважения к истории места». Искусство или нет?

Сжигание тьмы 1924 Николай Рерих Музей Рериха в Нью-Йорке Могло бы показаться, что эта местность. фантастическая, выдуманная, но есть свидетельства, что изображение точно воспроизводит очертания ледника недалеко от Джомолунгмы. Если внимательно присмотреться, то за спинами выходящих людей можно увидеть высеченные в скале ступени. Они круто поднимаются вверх и уходят в глубокую темную пещеру, высеченную в монолитной скале. Если учесть предполагаемое место действия и пристрастия художника, можно предположить, что в виде этой пещеры в горах изображено не что иное, как легендарная Шамбала. Люди, несущие Свет Истины, заключенный в ларце – это Великие Учителя, которые пришли из загадочной страны, чтобы рассеять тьму, царящую в нашем мире. Это метафорическое обозначение темноты в человеческой душе, которая так нуждается в ярком и чистом свете любви, справедливости и участия.

Дропы С 2016 года бруклинский арт-коллектив MSCHF занимается продажей неожиданных предметов в так называемых «дропах». Обычно в сфере ритейла система дропов предполагает поставку эксклюзивных товаров какого-либо бренда. MSCHF использует эту маркетинг-систему для создания максимального резонанса. При этом группа не имеет конкретных категорий товаров, и каждый дроп представляет собой коллекцию специфических предметов. Например, дроп 10 представляет собой бонг, похожий на курицу, которая кричит, когда его курят. Дроп 5 представляет собой расширение для Chrome, которое позволяет смотреть Netflix за работой, создавая впечатление, что вы участвуете в видео-конференции. В рамках дропа 3 покупатели получили шрифт Times Newer Roman, который выглядит абсолютно идентичным с Times New Roman, но из-за незначительной прибавки в ширине знаков занимает куда больше страниц при равном количестве символов. Искусство или нет?

"Стол и стулья" 1912 г. Андре Дерен Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. «Стол и стулья» – один из ряда натюрмортов, демонстрирующих прощание Дерена с фовистической традицией. Следующим этапом стало увлечение кубизмом, а если быть точнее – Сезанном, ставшим предвестником кубизма. В натюрморте легко узнаваем диалог с Сезанном. Традиционная белая скатерть Сезанна, плотность, объем, вес предметов, сдержанная палитра… Красочное буйство и плоскостные изображения фовистической поры остались позади. Но дальше сезанновского "протокубизма" Дерен в этом направлении не пойдет. В жизни он дружил с Пикассо, а в искусстве его увлечение кубизмом оказалось недолгим. «Невозможно все свести к прямым линиям… Изгиб подбородка не похож на изгиб тарелки», – пояснял свой уход от идей кубизма Андре Дерен. В натюрморте «Стол и стулья» подчеркнута геометричность форм. Ключевой, повторяющейся фигурой является окружность: круглый стол, видимые направленному сверху взгляду круги ваз и бокала, шарообразные фрукты, расставленные по кругу стулья. Интересно, что хлебница (слева) показана не сверху, а сбоку. Это вполне укладывается в рамки кубизма, в нем приветствовались множественные точки видения. Колорит картины сдержанный и при этом насыщенный. Преобладают три оттенка: различные вариации коричневого, серо-зеленый и бело-голубой. Это тоже в рамках кубистической традиции, но даже в таком минималистическом колорите проявилось тонкое чувство цвета, присущее Дерену: рыжеватый оттенок вазы, теплый тон стульев и бордовые фрукты, зеленые всполохи на скатерти и плотная портьера. В целом настроение картины несколько мрачновато, что в принципе присуще многим натюрмортам Сезанна и картинам кубистов. Интересно проследить эволюции натюрморта в жанре Андре Дерена. Если рассмотреть один из первых натюрмортов, датированный 1904 годом, бросается в глаза некоторая чрезмерность изображенных предметов: бутылки, кувшины, миски, тарелки фруктов. Художник только осваивает предметные и пространственные свойства, жадно сочетает разные формы, объемы, фактуру: скомканная скатерть на первом плане, несколько беспорядочное скопление различных по форме предметов на заднем. Здесь уже можно угадать стремление Дерена к декоративности, которое в следующем, 1905 году, наберет силу и приведет к появлению фовизма. А пока это лишь сочетание голубоватых отсветов на блюдах и скатерти, прохлады зелени и неожиданно теплого оттенка на участке залитом солнцем скатерти, и красный фон, и алые фрукты. Натюрморты кубистического периода, среди которых и рассматриваемый здесь, более лаконичны и сдержанны. Словно художник решил значительно сократить количество и разнообразие предметов, сделать более сдержанной палитру, лаконичной – композицию и придать изображению глубину. После Первой мировой войны Дерен решительно поворачивается к классике. Поздние работы написаны в духе старых музейных натюрмортов. По мнению некоторых исследователей, он перешел к «холодному натурализму», но, пожалуй, это слишком субъективное мнение. Тем более сам Дерен вовсе не стремился быть классифицирован, считая, что «живопись всегда остается одним и тем же – просто живописью». АндреДерен Натюрморт Кубизм _history

Что смотреть на выставке ассирийского искусства в Эрмитаже https://telegra.ph/CHto-smotret-na-vystavke-assirijskogo-iskusstva-v-EHrmitazhe-06-01

Искусство многолико. Heather Hansen – удивительный художник из Нового Орлеана, которая не просто рисует картины, а делает это всем телом, в танце, зажав по бруску древесного угля в каждой руке. Хезер чаще создает картины в студии, но время от времени делает показательные выступления, где творит свои шедевры. Толпы поклонников собираются вокруг, чтобы посмотреть, как художница извивается по белому полотну в порыве вдохновения. Несмотря на то, что Хезер работает в одной единственной технике, картины получаются каждый раз разные, поражая окружающих своей лаконичностью и симметричностью. Рисовать в такой манере Heather Hansen начала случайно. Она одинаково любила графику и танцы, поэтому всегда старалась уделить обоим увлечениям равное количество времени. Постепенно художница приспособилась танцевать во время рисования, а потом и вовсе объединила эти 2 направления искусства, создав свою собственную разновидность творчества.

"Фокусник" 1502 г. Иероним Босх Муниципальный музей, Сен-Жермен-ан-Ле. Оригинал картины Иеронима Босха «Фокусник» не сохранился, однако произведение дошло до нас в нескольких копиях, наиболее точную из которых можно посмотреть в Муниципальном музее пригорода Парижа Сен-Жермен-ан-Ле. Копия имеет прямоугольную форму, но специалисты почти не сомневаются, что оригинальная композиция была вписана в круг, т.е. имела форму тондо (от итал. rotondo – круглый), наподобие «Извлечения камня глупости» – другой известной картины Босха. Круг, по своей сути, напоминает выпуклое средневековое зеркало или линзу: всё, что попадает в его пределы, приобретает искажённые пропорции и формы, но при этом становится очень наглядным. Датировка Традиционно «Фокусника» относили к раннему периоду творчества Босха – между 1475 и 1480 гг. Считалось, что несколько неловко написанные фигуры и неправильное перспективное сокращение (особенно заметное в изображении стола) говорят о неуверенности руки начинающего мастера. Весьма примитивный рисунок, с одной стороны, может указывать на авторскую неопытность. Но, с другой стороны, и во времена творческой зрелости Босх часто прибегал к намеренной архаизации и примитивизации приёмов изображения, так что вопрос с датировкой «Фокусника» остаётся открытым. Дендрохронологический анализ сен-жерменской копии указывает, что она создана около 1502 года. Сюжет На фоне выщербленной каменной стены, верхняя часть которой поросла травой, шарлатан в черном цилиндре и красном плаще дурачит доверчивую публику. Зрители монолитной группкой расположились у другого края стола и с изумлением глядят, как фокусник извлекает изо рта одного из зевак лягушку. Но вот юноша, обнимающий свою спутницу, замечает неладное и указывает на это пальцем: стоящий рядом человек в монашеской одежде, прикидывающийся слепым, запустил руку в карман «поглотителя лягушек» и пытается вытянуть оттуда кошелёк. Вероятно, это сообщник фокусника и всё представление рассчитано на то, чтобы усыпить бдительность публики и воспользоваться её доверчивой рассеянностью. Фокусник зажимает в пальцах миниатюрный шарик, на столе видны еще несколько шариков и напёрстки. Из прикреплённой к поясу фокусника корзинки выглядывает голова совы – привычной для Босха аллегории зла и дьявольских козней. Лягушки (одна сидит на столе, другая – виднеется во рту у «жертвы» фокусника) тоже рассматривается как символ порока. Сложнее трактовать символическое значение собаки (некоторые полагают, что это обезьянка) под столом и аиста, поглотителя лягушек, темный силуэт которого виден в левом верхнем углу. Над кем насмехается Босх? Чаще всего «Фокусника» трактуют как жанровую сценку, сатира которой направлена и на фокусников-мошенников, и в еще большей степени – на доверчивых разинь, готовых поверить любому ловкому проходимцу. Некоторые специалисты проводят параллели между извлечением лягушки фокусником и церковной процедурой изгнания дьявола. При таком подходе картина «Фокусник» приобретает антиклерикальный смысл, становится сатирой на священнослужителей, почём зря дурачащих доверчиваю паству. Эта идея подкрепляется и теми аргументами, что платье фокусника похоже на красную кардинальскую сутану, а «униформа» его сообщника напоминает об одежде монахов-доминиканцев. Возможно, Босх обличает здесь продажу индульгенций – отпущение грехов за деньги. Загадочный человек в зелёном Специалисты заметили, что персонаж в зеленом головном уборе и такого же цвета плаще (он стоит почти у середины стола и смотрит прямо на зрителя) появляется и на других работах Босха, например, в «Распятой мученице». Предполагают, что он писался с кого-то из реальных знакомых Босха, но вряд ли этот человек был художнику другом, поскольку на картинах он показан скорее в негативном ключе. ИеронимБосх _history

"Святая Инесса" 1641 г. Хосе де Рибера Дрезденская картинная галерея (Галерея Старых мастеров). Детали сюжета Житие этой святой весьма необычно. Инесса была юной и прекрасной римлянкой, дочерью богатых родителей. Втайне от семьи она приняла христианство. За это девушка была приговорена к обезглавливанию. Её мучители оказались изобретательными: по их замыслу, до места казни Инесса должна была прошествовать обнажённой. Она шла сквозь возбуждённую толпу, снедаемая тысячами жадных глаз. Спотыкалась, когда её подталкивали похотливые руки стражников. Однако Бог, за веру в которого Инесса шла на плаху, всё же услышал моление избавить её если не от смерти, то хотя бы от позора. Мгновенно отросшие волосы и белый покров, спущенный ангелом с неба, скрыли её наготу от беснующейся толпы. Замысел и композиция Интересно, что на картине не находится места римскому плебсу, хотя динамичные многофигурные композиции (например, толпа, с жестоким удовольствием распинающая святого Варфоломея) хорошо удавались Рибере. Очевидно, здесь имеет место приём вовлечения: все глазеющие на Инессу должны размещаться на том же месте и смотреть на святую под тем же углом, что и зрители картины. Зритель, таким образом, из пассивного соглядатая превращается в невольного соучастника всего того, что происходит с Инессой. По-видимому, Риберу в данном случае интересуют не противопоставление христианской святой – грешному миру, а лишь глубина внутреннего состояния самой Инессы. Ему важно передать её наивность, её детскую трогательность. Для достижения этой цели Рибера делает фон размытым и максимально условным, а саму фигуру Инессы, напротив, выписывает очень тщательно. Мы можем видеть следующие детали: отдельные пушистые пряди её волос, серебрящиеся у глаз слезинки, пронизанные розовым светом тонкие пальцы. Все они написаны с озязаемой вещественностью. Особенности колорита Одно из главных достоинств «Святой Инессы» – её колорит. Она создана в то время, когда Рибера отказался от резких светотеневых контрастов, а палитра его картин стала более светлой и уравновешенной. Здесь есть некоторый парадокс: многие картины художника (и «Святая Инесса» в особенности) кажутся едва ли не монохромными, заставляя вспомнить о пресловутой «испанской мрачности», при этом Рибера считается одним из лучших колористов своего времени. В чем здесь дело? Вероятно, в «пятидесяти оттенках серого» в творчестве Риберы. Невероятное богатство тонов и рефлексов, для каждого из которых даже нет отдельного названия – разнообразных невнятно-коричневых, серебристо-бежевых, серо-розовых и буровато-зелёных – заставляет знатоков восхищаться великолепной и мощной тональной живописью Риберы. Рибера Барокко РелигиознаяСцена _history

​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В последние недели жизни Винсент Ван Гог познакомился с австралийским художником, который значительную часть своей жизни провёл в Японии. До недавнего времени Эдмунд Уолпол Брук был загадочной фигурой. Однако Цукаса Кодера — японский специалист по Ван Гогу — нашёл одну из его акварелей. Её купила в апреле американская пара за 45 долларов. Акварельный пейзаж с пышной растительностью изображает женщину в кимоно с младенцем на спине, выходящей из традиционного японского дома. New York Times пишет, что его купили Кэтрин и Джон Мэтьюз в магазине, торгующем подержанной мебелью и предметами интерьера. Владелец лавочки приобрёл картину лет 15 назад в поместье в штате Нью-Гэмпшир, у семьи, которая переехала из южной Калифорнии. Там проживали два брата Брука, так что у работы есть потенциальная связь с художником. Кэтрин Мэтьюз купила акварель просто потому, что та ей понравилась, и повесила в столовой (позже её перенесли). Женщина заинтересовалась подписью, и поиски привели её к Кодере, профессору-искусствоведу из Университета Осаки, который исследовал жизнь и творчество Брука. Учёный считает, что акварель действительно принадлежит приятелю Винсента: «Она подписана E.W. Brooke и представляет японский пейзаж. Но для полной уверенности необходимы дополнительные исследования». Прежде Кодера обнаружил лишь одну картину художника — сцену в японском саду с женщиной, кормящей цыплят. Однако эта работа исчезла в частной коллекции, и сейчас известна только по небольшой фотографии. У неё близкое сходство с нынешней акварелью, хотя подпись едва различима. Кто такой этот Брук и какова его связь с Ван Гогом? Он родился в 1865 году неподалёку от Мельбурна в семье англичан. Когда мальчику было четыре года, его родители переехали в Йокогаму. Отец Брука был журналистом англоязычной газеты в Японии. Уже подростком Эдмунд заявил о намерении стать художником. Вероятно, он учился в Йокогаме у иллюстратора-англичанина Чарльза Виргмана, создателя японской версии журнала «Панч». В 1885 году Брук отправился изучать живопись в Париж, где его преподавателем был успешный художник Жан-Леон Жером. Весной 1890 года 24-летний Эдмунд Брук поехал работать в деревню Овер-сюр-Уаз, где в то время жил Винсент Ван Гог, и оба художника познакомились. В начале июля Винсент сообщил своему брату Тео: «Брук жил здесь, в Овере, несколько месяцев, и время от времени мы вместе выходили [писать]. Он вырос в Японии, о чём ты ни за что не догадаешься по его картинам». Вероятно, Ван Гог имел в виду, что стиль Брука сильно отличался от японских гравюр. Винсент, большой поклонник японского искусства, наверняка расспрашивал Брука о жизни и культуре Японии. Австралиец был едва ли не единственным из его знакомых, кто провёл значительную часть своей жизни в Стране Восходящего солнца. А вот его работы Ван Гога не впечатлили, он описал их как «довольно безжизненные», хотя заметил, что Брук «по-настоящему наблюдает за природой». Единственное документальное свидетельство связи Винсента и Брука — помимо пары фраз в переписке Ван Гога — это визитная карточка, которую нашли в одном из альбомов голландца. Коллега, вероятно, оставил её во время посещения квартиры Тео в январе 1891 года, когда хотел посмотреть картины его брата. На карточке есть адрес Брука в Овер-сюр-Уазе, написанный от руки. Это «Отель дю Кадран», существовавший до недавнего времени. Почерк сильно отличается от подписи австралийца на акварели, но на картинах автографы художников зачастую стилизованы и не похожи на их обычный почерк. О творчестве Брука известно мало. Он продемонстрировал две картины на летних выставках в Королевской академии художеств в Лондоне. Это «Собор Парижской богоматери ночью» — в 1890 году и «Мисс ***" годом позже. В начале 1890-х художник вернулся в Йокогаму и несколько лет продолжал писать, но позже устроилась корректором в Japan Daily Herald. Он женился на японке по фамилии Секи (или имел с ней отношения), и у них родилась дочь по имени Уме. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/09d6d809b6cee58572052.jpg

​​Голова болит, а руки делают или как перестать терпеть Не знаю, что нами движет, когда мы пытаемся заглушить тяжелые приступы мигрени простыми анальгетиками. А иногда и вовсе соглашаемся перетерпеть в тишине и темноте наедине с болью, не принимая никакие препараты. Так поступила и эта девушка, картину которой вы сейчас наблюдаете. Опытный специалист сказал бы, что на лицо серьезное неврологическое заболевание. Что же чувствовала эта художница? Что происходило у нее внутри? Изначально головная боль была ненавязчивой. Появлялась от громкой музыки, тяжелой работы или резких зловонных запахов. Такое можно и без таблеточек потерпеть, не так ли? Но дальше было только хуже... Подобные картины говорят о высоком дискомфорте человека в таком состоянии. В эти периоды люди становятся более раздражительными и недовольными. Страшно смотреть на эти цифры, но важно знать, что приступы мигрени могут длиться до 3х суток. И по всей России достаточно большой процент населения страдает от этого заболевания. Чтобы уменьшить количество таких страдающих людей, был создан социальный проект «Будь на шаг впереди мигрени». Его цель — предупредить людей, что заболевание крайне коварно. Но мигрень можно и нужно лечить. Друзья, если вы или ваши близкие страдаете мигренями, не терпите и не ждите! Обязательно ознакомьтесь с информацией на сайте впереди-мигрени.рф. Здесь вы можете найти не только советы по облегчению симптомов заболевания, но главное – подобрать клинику со специалистами по головным болям в вашем городе и записаться на прием. Не терпите головную боль! Материалы созданы при поддержке ООО «Новартис Фарма» ad novartis Id: 239164 https://telegra.ph/file/623df0b0dda242a726e0e.jpg

"Игроки в карты" 1893 г. Поль Сезанн Семейное собрание Эмира Катара. Пока в 2015 году картина Поля Гогена «Когда свадьба?» не была продана за 300 миллионов долларов, эти «Игроки в карты» Сезанна оставались самой дорогой картиной в мире, когда-либо выставленной на продажу за последние полтора века. Картину купил в 2011 году эмир Катара для своей частной коллекции (за 250 млн). В отличие от многих своих друзей-художников, сомневающихся в ценности собственных работ, Сезанн периодически отчетливо чувствовал, а иногда и заявлял вслух, что он гений и что его картины начнут понимать сильно нескоро после его смерти. Даже друзья, будущие художники-импрессионисты, устраивавшие свои революционные выставки, побаивались дикой живописи Сезанна. Критики и без Сезанна их всех без разбору презирали, а с Сезанном затеваемые ими мероприятия выглядели заведомо и чрезмерно вызывающими. Искусствоведы находят в этой серии, состоящей из 5-ти картин, много не подтвержденных философских и символических смыслов. Были попытки рассмотреть здесь аллегорию живописной битвы, из которой сам Сезанн выходит победителем, были вариации на тему карт судьбы и того выбора, который человек делает сам из предоставленных ему на выбор возможностей. Любители психологических подтекстов видели в сюжете противостояние Поля и его отца, продолжавшееся до самой смерти старика, а кубисты, объявившие Сезанна своим предшественником, утверждали, что в этих фигурах не больше душевности, чем в натюрморте, что вся живопись – это не более чем «цилиндр, шар и конус». Но вряд ли Сезанн так прост – интересуйся он исключительно формами, он бы не выходил из мастерской и просто заказывал по килограмму яблок на неделю. На самом деле художник мог иметь в виду все эти смыслы или ни одного – гораздо важнее потенциальный вызов зрителю: подключаться к созданию смыслов, сотворить и напрягаться, чтобы понять. С большей уверенностью можно предположить, что особенно привлекло Сезанна в игральном процессе: напряженное противостояние и душевная работа при полной неподвижности. Именно за это Поль любил горы и яблоки – за неподвижность. Именно о таких натурщиках он мечтал, выходя из себя, когда уставшая жена на 20 сеансе позирования вдруг шевелилась и все портила. Он мечтал, чтобы люди были как яблоки. И окончательно уехав из громкого, суетливого Парижа в поместье отца Жа де Буффан, он нашел свои яблоки. Местные крестьяне, садовник, служанки, они умели быть по-настоящему неподвижными и сосредоточенными, они жили размеренно и вдумчиво, в одном ритме с природой, с солнцем. Работая над серией больше пяти лет, Сезанн начинал с огромного двухметрового полотна и многофигурной композиции, на второй картине сократил количество фигур до четырех, и на остальных оставил только самое главное – двух соперников, бутылку, на которую они скорее всего и играют, стол и карты. Ничего лишнего и отвлекающего, ничего преходящего и сиюминутного. Только вечное. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

Pornhub создал туры по музейным коллекциям в стиле «классического ню» Споры по поводу обнаженной натуры, похоже, близятся к апогею. Платформа потокового видео для взрослых Pornhub запустила серию цифровых туров «Классическое ню», построенных на шедеврах из шести ведущих музеев мира. Цель — «побудить публику посещать, исследовать и снова влюбляться (или испытывать вожделение) в этих учреждениях культуры». Поклонники человеческого тела как художественного объекта могут либо просмотреть работы в интернете, либо самостоятельно пойти в музеи, вооружившись картой от Pornhub. Каждая работа сопровождается довольно ироничным (гм…) описанием, в котором есть определённая доля «взрослых» шуток, а также некоторая образовательная информация для страстных любителей искусства. О «Весне» Боттичелли, висящей в Уффици, например, сказано, что художник «написал это для чувака по имени Лоренцо Медичи, чтобы тот подарил своей новой невесте — предположительно, как средневековое средство для создания нужного настроения». Тем временем порноактриса и режиссёр Аса Акира записала аудиокомментарии к избранным произведениям, таким как «Турецкие бани» Энгра из коллекции Лувра. «Пора отказаться от этих скучных самостоятельно составленных туров, и вместе со мной насладиться каждым мазком этих эротических шедевров», — говорит она. Однако должны предупредить: пара порноактеров-любителей MySweetApple сняла для сайта Pornhub короткие видеоролики по мотивам нескольких ключевых работ из каждого музея, например, «Происхождение мира» Гюстава Курбе и «Обнажённого мужчины» Эдгара Дега. Они впечатляюще сделаны, но их определённо не стоит пересматривать на работе или в музейных галереях. новостиИОК _history https://t.me/pic_history2/151

Джет-арт Американская художница Таринан фон Анхальт создаёт картины силой турбоактивного двигателя самолёта, расплёскивая краску возле холста так, чтобы она подхватывалась горячей струёй из авиадвигателя и попадала на полотно. Художнице приходится преодолевать силу ураганного ветра и сильный жар, которые извергаются из жерла двигателя. Клиенты готовы платить 50 000$, чтобы только посмотреть процесс работы художницы. Искусство или нет?

​​️Выставка, посвященная отцу отечественной панорамной живописи Францу Рубо, открылась около здания, построенного для написанной им панорамы Первой обороны Севастополя. ️Обновленный Музей моды — MoMu откроется в Антверпене в сентябре. Классный молодёжный город: ️На вокзале в Иваново открывается арт-резиденция Art Station Ivanovo. Специально для выставки, которая будет проходить в пространстве конструктивистского здания железнодорожного вокзала, на текстильном предприятии города Иваново «Красная Талка» были изготовлены десятки 7-метровых полотен. Каждое из них расписали художники уличной волны: Миша Most, Анатолий Akue, Илья Slak (Aesthetics group), Petro (Aesthetics group), MAX 13 и Павел Ртуе. ️Творческая лаборатория "Человек мира" открылась в субботу в Суздальском районе Владимирской области. В течение суток команда из ста актеров, режиссеров, художников, музыкантов и волонтеров представит публике 10 спектаклей, посвященных свадьбам. ️Успейте посмотреть на работу Дюрера, идею которой до сих пор не могут разгадать искусствоведы: В Историческом Государственном музее до 22 августа проходит Выставка графических работ Альбрехта Дюрера из коллекции Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии — одной из самых известных художественных галерей Европы! Из Италии привезли более 120 гравюр мастера, среди которых представлены самые известные — гравюра "Меланхолия I", "Адам и Ева", "Блудный сын", "Аполлон и Диана". Произведения А. Дюрера сопровождаются работами его современников, которые копировали с изумительной точностью великого гравера, что говорит об огромном признании мастерства художника. Альбрехт Дюрер. Меланхолия (Меланхолия I). Германия, Нюрнберг. 1514 г. Бумага без водяных знаков; гравюра резцом. Пинакотека Тозио Мартиненго https://telegra.ph/file/f70de48b61ef8681decb9.jpg

​​Куда можно съездить во время отпуска: ️После десятилетней реставрации открыта церковь Преображения Господня на острове Кижи. Она является доминантой объекта Всемирного наследия ЮНЕСКО «Кижский погост». ️TEFAF Online 2021 анонсирует осеннюю сессию. На осенней ярмарке в цифровом формате будет представлено более 700 произведений искусства, каждое из которых — это уникальное повествование, имеющее важное значение для современности. ️Обновлена экспозиция современного искусства в Подземном музее парка «Зарядье» ️«Центр Искусств.Москва» представит иммерсивный спектакль о Марине Цветаевой «Из истории не выскочишь…», – написала Цветаева и вошла в историю, как самый яркий и самый трагический поэт ХХ века. Её земная жизнь как никакая другая связана с историей страны. Но её творчество вне времени и пространства. Спектакль - о судьбе и поэзии, который будет рождаться из образов – не напрямую, но вскользь – не вторгаясь, но проникая вглубь. Бонусом можно будет посмотреть все выставки галереи Фото: экспозиция «Центра искусств. Москва» https://telegra.ph/file/36c8341b243de5c243281.jpg

Последняя выставка Урса Фишера буквально тает на глазах в Парижской торговой бирже Урс Фишер - швейцарский художник, который работает с разными материалами и создает живописные произведения, скульптуры, коллажи и инсталляции. У всех выставок обычно есть точная дата окончания, но на экспозицию Урса Фишера вам нужно успеть до того, как воск не расплавится. На выставке представлены масштабные восковые скульптуры. Например, точная копия мраморной композиции Джамболоньи «Похищение сабинянок» (1579–1582) в натуральную величину. Скульптура медленно тает на постаменте. На ARTLIFE FEST 2021 тоже будут представлены интересные скульпторы: Гжегож Гвязда и Гоша. Посмотреть их работы вы сможете с 25 по 31 октября в Манеже. арт_новости

Марко Мельграти — иллюстратор родом из Италии сотрудничает с Washington Times, GQ, Marie Claire, Boston globe и другими газетами и журналами, а также различными рекламными агентствами. Его ёмкие и хлёсткие диджитал-иллюстрации высмеивают пороки и нравы современного общества, что принесло Марко известность и репутацию современного карикатуриста. В работе Марко использует цифровые инструменты, и делится знаниями и навыками со студентами. Вы сможете посмотреть работы художника на ARTLIFE FEST 2021 с 25 по 31 октября : ​​https://artlife-fest.com/ ​​ картины_ARTLIFE художники_ARTLIFEFEST2021

В честь 60-летия полета Юрия Гагарина в космос:   ️Сейчас в «РОСИЗО» в Петроверигском переулке можно увидеть экспозицию «Космос как искусство».   Среди прочего на ней демонстрируется пятиметровое полотно художника-соцреалиста Бориса Окорокова, созданное в 1970 году. Картина была увезена в Польшу и вернулась обратно спустя 20 лет, когда ее передали РОСИЗО.   Пятиметровое полотно «До свидания, Земля» показали впервые за 50 лет.   ️Воссозданную историческую сцену-ракушку Александровского сада Нижнего Новгорода открыли к юбилею города. ️«Ночь кино» пройдет в Москве 28 августа.   В программу вошли фильмы, участвовавшие в конкурсных программах Берлинского, Каннского, Роттердамского и других крупных кинофестивалей последних лет.   ️Выставка номинантов премии «Инновация» проходит в Нижнем Новгороде.   ️27 августа, в кинотеатре «Художественный» можно посмотреть дебютный фильм Андрея Тарковского «Иваново детство», который он снял по рассказу Владимира Богомолова. Показ приурочен ко Дню российского кино.   https://www.theartnewspaper.ru/posts/20210823-rasB/

"Портрет Винсента ван Гога, рисующего подсолнухи" 1888 г. Поль Гоген Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Полотно «Ван Гог, рисующий подсолнухи» может служить одним из самых ярких напоминаний о том, что двум поистине творческим натурам крайне тяжело уживаться вместе. Тем более, в таком крохотном пространстве, как знаменитый Желтый дом, где Гоген провел вместе с Ван Гогом несколько «незабываемых» недель в конце 1888 года. Это время стало для обоих художников очень продуктивным в творческом плане, но назвать их отношения добрососедскими никак нельзя. Почти всем необходимым их снабжал брат Ван Гога Тео, и Гогену пришлось стать фактически нянькой для Винсента, удивительно беспомощного в бытовых вопросах и мало обращавшего внимание на беспорядок. Гоген, который и так жаловался на то, что Тео купил его, «как проститутку», не мог добиться взаимопонимания ни уговорами, ни скандалами, ни ультиматумами. Кроме того, художники еще и все время соперничали друг с другом – и на творческом, и на любовном фронте. По одной из версий, главный конфликт между ними, закончившийся отрезанным ухом и отъездом Гогена, произошел как раз из-за женщины. При таких сложных отношениях неудивительно, что за все время, прожитое вместе, художники написали только по одному портрету друг друга. Ван Гогу было гораздо интереснее писать кресло друга, чем его самого. Что же касается работы Гогена, то здесь можно усмотреть не столько дань уважения таланту коллеги, сколько саркастическую усмешку в его адрес. Художника раздражала страсть Ван Гога к желтому цвету и его одержимость подсолнухами. Интересно то, что Гоген изобразил Винсента, словно глядя на него сверху вниз. Впрочем, для живописца, позже изобразившего себя с нимбом, такой взгляд на окружающих не кажется удивительным. Мужчина на этой картине мало похож на того Ван Гога, к которому мы привыкли благодаря его автопортретам (и немногочисленным фотографиям). Гоген наделил его крупными и грубоватыми чертами лица, оставив узнаваемой лишь ярко-рыжую бороду. ПольГоген Портрет Импрессионизм _history