Ода поцелуям

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

Жан-Леон Жером "Продавец ковров в Каире" (1887)

Пьетро Паолини "Ахилл среди дочерей Ликомеда" (ок. 1630) Согласно легенде, дабы избежать гибели Ахилла в Троянской войне, мать замаскировала его под женщину и отдала в дом короля Ликомеда, где он жил среди дочерей властителя. Когда возникла угроза войны, Улисс был послан за Ахиллом, чтобы обманом заставить его расколоться. Был придуман хитрый план: перед Ахиллом и дочерьми Ликомеда сложили кучу подарков: драгоценности, одежду и другие украшения, а также меч и щит. Когда пришло время выбирать из даров, Ахилл инстинктивно схватился за оружие, тем самым раскрыв свою истинную личность.

Шестилетний художник Индийский шестилетний художник Адваит Коларкар создаёт картины с одного года. Мальчик уже успел поучаствовать во множестве выставок, где его картины были представлены наравне с работами взрослых художников (например, арт-ярмарка ArtExpo в Нью-Йорке). По словам родителей Адваита, он увлёкся созданием картин, ещё когда ему было около года. Сейчас семья живёт в Канаде и продаёт картины за тысячи долларов. Искусство или нет?

Юдель Моисеевич Пэн |Портрет М. Шагала| 1914 | 5 июня 1854 года - деньрождения учителя Марка Шагала. Юдель Пэн русский, а позже белорусский советский живописец, педагог, видный деятель «еврейского ренессанса» в искусстве начала XX века. youknowart art classicart artoftheday artwork arts artstagram artshow artlife artgallery instaart picture pictureoftheday искусство творение картина картинадня шагал др пэн

Винсент Ван Гог| Художник на пути в Тараскон | август 1888 года | бывший музей Магдебурга | Предполагается, что картина погибла в огне во время Второй мировой войны. youknowart art classicart classicartworks artoftheday artwork arts artstagram artshow artlife artgallery instaart picture pictureoftheday искусство  творчество творение картина картинадня краскижизни  вангог

Сумерки. Стога (этюд) 1899 Картон, масло. 17 x 23 см Нижегородский художественный музей В поздний период творчества Левитан обращается к спокойным, умиротворенным сюжетам. Любимым временем суток для художника становятся сумерки и поздний вечер. Темы полей и стогов в пейзаже не новы, к ним обращались и другие художники. Серия изображений стогов Моне вдохновила Левитана на колористические искания в конце 1890-х годов. Я публиковал ранее саму картину из Третьяковки «Сумерки. Стога», где художник обратился к излюбленному Моне мотиву, но решил её в ином ключе. Сегодня этюд к картине, из Нижнего Новгорода. Искусствовед Фаина Мальцева отмечала: "В сочетании лирического и эпического начала заключены неповторимое обаяние и трогательная нежность пейзажа «Сумерки. Стога». Сила воздействия этого произведения кажется неисчерпаемой именно потому, что оно способно вызвать широкий круг жизненных ассоциаций и вместе с тем донести до зрителя лирические чувства, пережитые пейзажистом перед лицом натуры."

​Выставка “Переменное напряжение” Дата проведения: 25.02.21-11.03.21 Открытие: 25.02.21 четверг в 19.00 С 25 февраля по 11 марта в пространстве самоорганизованного сообщества «Галерея 22» в Электрических мастерских пройдет выставка «Переменное напряжение». За этим названием скрывается не выставка электротехнического оборудования, а рассуждения о различных видах напряжения, с которыми в наше непростое время сталкивается человек, а именно психологическим, социальным, визуальным, эстетическим. Отталкиваясь от места своего базирования, художники расширяют техническое понятие «переменного напряжения» до разных контекстов, пропуская этот заряд через себя и свое искусство. По невидимым проводам художественного высказывания авторы передают зрителю свое послание электронами и позитронами искусства, опираясь на внутреннее напряжение творческого потенциала. В современном мире, как и в современном искусстве, все переменно и все под напряжением, главное, чтобы не замкнуло. Участники выставки: Байдаков Константин (Северодвинск), Гришечкина Инна (Санкт-Петербург), Гулякина Ирина (Москва), Журавлева Вика (Воронеж), Имасс Тома (Москва), Коновалов Роман (Москва), Лазарева Ирина (Москва), Марковская Анастасия (Москва), Мора Валентин (Москва), Мунтян Артем (Нижневартовск), Шабалина Анастасия (Москва), Шолохова Елена (Москва). Идейный вдохновитель: Митерева Анна. Выставка открыта для посещения с 17 до 21 в ПТ, СБ, ВС. В остальные дни недели по предварительной записи в инстаграм https://instagram.com/22gallery.art?igshid=1atdy7mf87nvj Адрес: Электрический пер. д.3/10 стр. 3, 2 этаж, дверь слева от Ленина. Каналы 22 в соцсетях: телеграмм t.me/gallery22art и инстаграмм .art. Организатор: http://22gallery.art/ https://telegra.ph/file/d26efea1430bf2731a40b.jpg

Баку 1927 Генрих Фогелер Старая и Новая Национальные Галереи, Берлин Фогелер представитель немецкого югендстиля (модерна). С 1923-го года Фогелер несколько раз ездил в Советский Союз. Впечатления о пребывании в СССР нашли отражение в таких «комплексных картинах» как «Баку». На картине отображены все события и изменения, которые выросли в столице Советского Азейбарджана на заре СССР. Живопись Фогелера начала 1930-х годов демонстрирует всё большее приближение к стандартам, заданным соцреалистическим методом изображения действительности. В 1931 художник получил приглашение в Советский Союз работать в Комитете по стандартизации, в 1932 году он был направлен на службу в бюро пропаганды в Ташкенте. Приход в Германии к власти нацистов сделал невозможным возвращение художника на родину. В сентябре 1941 года Фогелера как немца депортировали в Казахскую ССР, где он и скончался в Корнеевке в 1942 году.

Твёрдое в мягком 1927 Кандинский Карьеру художника Кандинский выбрал в возрасте 30 лет. Во многом это произошло под влиянием выставки импрессионистов, прошедшей в Москве в 1895 году (и в частности, под впечатлением от картины Клода Моне «Стог сена»). В ноябре 1895 года он написал своему научному руководителю Чупрову, что «решил оставить занятия наукой. И чем дальше идёт время, тем сильнее притягивает меня к себе старая и прежде безнадёжная любовь к живописи». В 1896 году Кандинский отказался от предложенного Дерптским университетом места приват-доцента и уехал в Мюнхен, чтобы учиться живописи. После смерти Кандинского с 1946 по 1961 год по инициативе вдовы художника в Париже вручалась премия Кандинского. Множество его работ она завещала парижскому центру Помпиду. В 1980 году Нина Кандинская была задушена на своём шале «Эсмеральда» в Гштаде; убийца не установлен. Картины Кандинского, находившиеся в её доме, не были похищены, пропали только драгоценности.

Скульптура «Мэрилин навсегда» (Marilyn forever) Благодаря художнику из Нью-Джерси, Сьюарду Джонсону, в Чикаго теперь можно увидеть 8-ти метровую статую Мэрилин Монро. Вес монумента составил более 15 тонн. Скульптор запечатлел в статуе известный пикантный кадр из фильма 1955 года «Зуд седьмого года», когда потоком воздуха из вентиляционной решетки была поднята юбка платья кинозвезды. Кстати, это знаменитое платье было продано на аукционе в Лос-Анджелесе за 4,6 миллиона долларов. Чтобы напомнить о шарме, исходившем от знаменитой кинозвезды, скульптор воспроизвел оттенок кожи Мэрилин, ее ярко-красную помаду, маникюр с педикюром и даже белоснежно-белое кружевное белье.

Каким был в жизни Михаил Врубель Легкости, с которой работал Михаил Врубель, силе, выразительности, стремительности его кисти завидовали многие. Он быстро отпускал натурщиков, тогда как другим приходилось оплачивать многочасовые сеансы. Он за полчаса набрасывал великолепный эскиз, над которым неделю безуспешно бились Серов с Коровиным. Крайне дисциплинированный в творчестве, он вел на удивление беспорядочный образ жизни. Окружал себя сомнительными и странными персонажами. Живя впроголодь, мог истратить последние деньги, к примеру, на пару лайковых перчаток или эпическую попойку. Был вдохновенным вралем. Однажды коллеги собрали ему денег, чтобы художник смог съездить из Киева в Харьков на похороны отца. И были немало удивлены, когда отец Врубеля — живой и здоровый — вскоре приехал в Киев навестить сына. Чувство ответственности было ему неведомо. Он мог опоздать на назначенную встречу на два дня. Или нарисовать поверх уже проданной заказчику картины цирковую наездницу, в которую был влюблен.

​​️Documenta 15 пройдет в Касселе в 2022 году.   Выставка современного искусства Documenta проходит в Касселе каждые 5 лет. Интересно, что на первой выставке в 1955 году были представлены Пикассо и Кандинский. В то время это было довольно неординарное современное искусство. Именно Documenta была учреждена, чтобы смыть с авангарда нацистскую метку «дегенеративное искусство».   ️Доходный дом купца Камзолкина на проспекте Мира в Москве получил статус объекта культурного наследия регионального значения.   ️Австрия вернула России ценности, похищенные нацистами. Античные амфоры и надгробия вернулись на Кубань, откуда они были вывезены во время Великой Отечественной войны. ️Американский режиссер Оеке Хоогендейк сняла фильм «Мой Рембрандт», через который мы можем заглянуть в мир владельцев картин старых мастеров. ️Самые ожидаемые выставки 2021 года в мире по версии The Art Newspaper.   Очень надеюсь, что у нас получится увидеть того самого спрятанного Купидона на выставке работ Яна Вермеера в Картинной галерее старых мастеров в Дрездене, которого обнаружили благодаря рентгенографии.   Галерея обязательно подготовит виртуальный тур и экскурсии!   «Девушка, читающая письмо у открытого окна» Яна Вермеера с расчищенным во время реставрации изображением на заднем плане. Около 1657. Фото: Wolfgang Kreische https://telegra.ph/file/d680de5d3093455786531.jpg

​​Российский художник выпустил линейку «невидимой» одежды. Коллекция как переосмысление изоляции. Андрей Артюхин, российский мультидисциплинарный художник и дизайнер, выпустил коллекцию одежды invisible.2.0.2.0, сочетающую в себе новые технологии и самые актуальные смыслы. «История вдохновлена городом и временем, «невидимыми людьми», кто растворился в окружающей среде, у кого нет лица, только фон. Изоляция — это не только люди в масках, но и ребята, которые доставляют еду, они заполнили города. Но мы их не замечаем», — прокомментировал автор. Коллекция играет со смыслами. Униформа — это всегда брендинг. Но очень часто форма делает людей лишь фоном нашей жизни, частью городской среды. Коллекция создана с использованием материалов RFID, блокирующей сигналы: полупрозрачная экранирующая ткань полностью блокирует GSM, 3G, LTE, Wi-Fi, Bluetooth сигналы мобильных телефонов. Материалы расположены в манжетах, рукавах, карманах — они защищают и делают невидимыми ваши смартфоны, ноутбуки, гаджеты, электронные часы, фитнес-трекеры. В этой одежде вы буквально невидимы. Подробнее https://telegra.ph/file/d81a70500d1479d7eaf50.jpg

​​️Борис Пиотровский станет вице-губернатором Петербурга, отвечающим за культуру и спорт.   ️Hamburger Kunsthalle создал и выложил онлайн каталог-резоне, включающий 843 произведения знаменитого немецкого художника Макса Бекманна. ️Полезный бесплатный вебинар для родителей от Московский института психоанализа и Центра толерантности Еврейского музея «Дети, родители и киберагрессия» пройдет 21 января. ️Даниловский рынок и онлайн-галерея Sample запускают совместный проект «Новый натюрморт: искусство в эпоху доставки». ️Неизданная обложка комикса о Тинтине продана за рекордные €3,2 млн. Кто смотрел мой рассказ о японском искусстве (выше в ленте), тот помнит как отличить японского дракона от китайского. Правильно: у японского дракона три пальца. На фото дракон китайский. Обложка комикса «Приключения Тинтина» для обложки альбома «Голубой лотос» с отчетливо видимыми линиями сгиба. 1936. Фото: Hergé Moulinsart https://telegra.ph/file/5cbe1c6edc29a0490e1f2.jpg

​​️Объявлен шорт-лист IX Ежегодной премии The Art Newspaper Russia. Лауреаты будут названы на торжественной церемонии весной 2021 года в Москве в Гостином Дворе.   ️С 27 января в Третьяковской галерее на Крымском валу для публики открыта выставка «Лаборатория Будущего. Кинетическое искусство в России».   Экспозиция показывает широкую панораму развития кинетизма в России в 60–70-х годах, прослеживая его связь с авангардистскими экспериментами начала века и художественными практиками современности. ️В галерее Lazy Mike в Малом Кисельном переулке в Москве пройдет выставка «Курортный роман» Романа Манихина.   ️C 27 по 31 января BRAFA Art Fair пройдет в формате BRAFA in the Galleries.   Постоянные участники ярмарки в разных странах станут амбассадорами BRAFA на местах, то есть проведут пятидневные выставки, которые будут включать отобранные для брюссельской ярмарки работы. «Хикимаю» — традиция выщипывать брови и затемнять лоб чернилами среди японских аристократок известна с 8 века. Она просуществовала 11 веков до «золотой реставрации Мэйдзи», когда правительство рекомендовало срезать косички и не носить традиционные прически: курс на запад в самом расцвете культуры. Так что, трендовая техника «скульптурирования» не так уж и нова. Моя знакомая живет в Японии и говорит, что до сих пор, если ты приходишь в салон красоты, то первое, за что возьмётся стилист, посадив тебя в кресло — брови! Японцы считают, что именно с помощью бровей можно добиться любого выражения лица.   Французская галерея Yann Ferrandin представляет японскую маску театра Но периода Эдо,18-19 век. Фото: Hughes Dubois https://telegra.ph/file/4a786945534f2132d19f9.jpg

​​️Медиарейтинг российских музеев по итогам 2020 года возглавили: ️Государственный Эрмитаж ️Государственная Третьяковская галерея ️Музей Победы ️09 февраля вход на постоянные экспозиции Исторического музея и Музея Отечественной войны 1812 года будет бесплатным.   Посетителей ждут специальная праздничная программа в честь 149-годовщины основания музея. Восхитительный музей! Проходила там стажировку студенткой. Вы не поверите, насколько у музея богатая коллекция. Только представьте, музей работал даже в годы войны! Благодаря работе коллектива музея Фонд был вывезен и сохранен!   Не забудьте про безопасность! Подумайте, готовы ли Вы.   ️Скульптуры Дэмиена Херста покажут в Риме в Галерее Боргезе рядом с шедеврами Тициана, Караваджо и Бернини. ️В фонде IN ARTIBUS открылась выставка русского портрета, созданная совместно с Музеем Тропинина. На выставке представлено 70 произведений 18-19 века века — от Алексея Антропова до Карла Брюллова. Посмотрите, это уже не парадный портрет, не правда ли? Это портрет «нового времени», подчёркивающий индивидуальную свободу личности и натуру свободную от предрассудков и суеверий. Перед нами изящная простота, присущая поздней живописи Рокотова, преобладающая над торжественностью рококо, но сохраняющая таинственную дымку. Федор Рокотов, «Портрет неизвестной в белом платье с фисташковыми лентами». Конец 1770-х–начало 1780-х. Фото: фонд IN ARTIBUS https://telegra.ph/file/fd4bf0e598032ca9aaf63.jpg

​​️The Artnewspaper Russia подобрала самые необычные выставки 2021 года.   ️В Венеции начался традиционный карнавал впервые полностью онлайн.   ️Музей истории ГУЛАГа стал лауреатом Музейной премии Совета Европы за 2021 год. ️Завтра в ГУМ-Red-Line на Красной площади совместно с Pearl Lam Galleries откроется выставка «Чжан Хуань. Любовь как мудрость», которая представит работы известного современного китайского художника Чжан Хуаня.   Картины Чжан Хуаня из серии «Любовь», созданной в 2020 году, были представлены на выставке «Чжан Хуань. В пепле истории» в Государственном Эрмитаже, а позже примут участие в масштабной ретроспективе художника на Венецианской биеннале.   Чжан Хуань размышляет о любви, которая «движет солнце и светила». Красные, почти абстрактные окружности на белом фоне необычны для Чжан Хуаня, выучившегося классическому китайскому реализму. Формы, напоминающие то шар, то солнце, то обнаженное сердце, не проявляют себя полностью, оставаясь неуловимыми. Фото: Чжан Хуань в мастерской. Courtesy of Pearl Lam Galleries https://telegra.ph/file/f24765f593743b3e5ec66.jpg

​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и виртуальная».   Экспозиция развивает острую тему: реально существующий город, разрушенный несколько раз, и его виртуальные воплощения, направленные на сохранение облика города.   Я уже рассказывала вам, что готовится полная цифровая модель Венеции. Недавно я общалась с подводными археологами и была просто шокирована, открыв целый мир цивилизаций, который сегодня находится под водой.   ️Во Франции объявили номинантов премии «Сезар». ️Фотовыставка о животных из приютов открылась на Цветном бульваре в Москве. Питомцев можно приютить! ️ГМИИ им. Пушкина рассказали о предстоящей выставке «Билл Виола. Путешествие души». Это будет первая в России ретроспектива классика видеоарта.   Билл Виола один из моих любимых современных художников. Сила стихий, религиозные и античные сюжеты, время и пространство — это все о Билле Виола. «Все художники эпохи Возрождения были одержимы изображением движения — развевающиеся одежды, морской шторм… — но Джотто был первым, кто использовал абсолютный эмоциональный реализм», — говорит художник. Ведь именно Джотто считают родоначальником эпохи Возрождения. Он начал писать небо голубым цветом — первый шаг к реализму. До этого небо изображалось золотым по канонам готики, как знак небесного Божественного света. Только послушайте: На фото я выбрала для вас инсталляцию «Вознесение Изольды». Виола изобразил Изольду восходящую из глубины к лучу света. Это прямая аллегория настолько глубокой и сильной любви Тристана и Изольды, что она не помешается в материальных телах героев и выходит за пределы земной жизни. Вода для Виолы — признак сильных эмоциональных чувств. Мгновенно вспоминаю «Песнь песней Соломона» — «ибо крепка, как смерть любовь... большие воды не могут потушить любви, и реки не зальют ее». Фото: Stella Art Foundation https://telegra.ph/file/9e547b09b945ef133fe82.jpg

VLADEY X проведет первый в 2021 году тематический аукцион — LOVE. Художественные высказывания звёзд российского искусства на тему любви будут выставлены и проданы на аукционе в субботу, 13 февраля. Как обычно, артбиржа VLADEY X начнется в 15.00. Среди топовых лотов выделяются работы: ️Олег Голосий «Вдвоем» 1990 года (Лот 9) ️Дубосарский и Виноградов «Паучок» 2004 года (Лот 8) ️Василий Слонов LOVE из проекта «Light my fire» (Лот 7), фотография ️Сергей Братков «Любовное отражение» 2009 года (Лот 5) ️Валерий Чтак «Любовь топора не требует» 2017 года (Лот 16) ️и другие! Владимир Овчаренко: «Наступил 2021 год, ковид отступает и VLADEY продолжает еженедельно радовать коллекционеров и любителей искусства новыми шедеврами. Тематические торги всем понравились, и в преддверии праздников мы подобрали великолепные подарки, их можно сделать любимому человеку, а можно порадовать и себя. Дарить искусство - что может быть лучше?” VLADEY X LOVE Живой аукцион с онлайн-участием 13 февраля 15:00 Каталог https://vladey.net/ru/auctions/xlove

​​️Пушкинский проведет молодежную конференцию про цифровую революцию и инклюзию в театре. ️Опубликован традиционный список Time 100 Next, посвященный будущим лидерам общества по версии журнала. В список вошли два художника — Салман Тур и Амоако Боафо. ️14 марта в «Центре искусств. Москва» пройдёт весенний концерт «Песни птиц». ️Берлинская художница-концептуалист Мария Айххорн будет представлена в национальном павильоне Германии на Венецианской биеннале 2022 года. ️Венецианское биеннале пройдет с 23 апреля по 27 ноября 2022 года. https://telegra.ph/file/68443a829795c96849ca6.jpg

Una.Kritzolina Сегодня - Всемирный день кита! 19 февраля 1986 года Международная китобойная комиссия ввела запрет на китовый промысел, положив тем самым начало празднованию Всемирного дня китов, который также считается днем защиты всех морских млекопитающих. художник денькита живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо

​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство обедает» Мясоедова Григорий Мясоедов - один из самых ярких представителей реализма второй половины XIX века. Художник принимал участие в создании Товарищества передвижных художественных выставок. Живописец, график, теоретик искусства. Ему удалось создать великолепное произведение «Земство обедает», которая отражает жизнь крестьян и дворян в России в период глобальных реформаций, а также острые социальные проблемы. Знаковую картину Мясоедова «Земство обедает» художник написал в 1872 году. Полотно было представлено на II-й выставке «передвижников» и была благоприятно воспринята публикой. Критики оценили картину как «одну из лучших и наиболее содержательных работ на современную тему». Таким образом, картина стала не только визитной карточкой Мясоедова, но и одним из лучших образцов реализма передвижников. Через год после написания «Земства» Мясоедов продал полотно меценату и коллекционеру Третьякову, который попросил его чуть доработать картину. Итак. Картина строится на реформационной России. Как правило, местные самоуправления только начали реформироваться в земства. Это тихий провинциальный городок. Сюжет картины предельно прост. Художник решил отобразить несоответствие сословий и социальные различия через трапезу. На переднем плане художник изобразил здание районного совета, верхняя часть крыльца имеет подсказку-надпись «Уездная земская управа». Внутри здания губернского совета разворачивается поистине аристократическая сцена: там виден официант, переставляющий блюда и бутылки с вином. По всей видимости, депутаты закончили обед. Зритель не видит весь дом, видны только светлая стена и два окна с дверью. Главные герои – крестьяне, которые сидят на крыльце у здания. Они ждут «хозяев», которые в это самое время завершили свою аристократическую трапезу (наверняка с шампанским и фазанами). Ожидая депутатов, крестьяне тоже решили пообедать. Их трапеза скудна и скромна, по сравнению c обедом «сильных мира сего». Еда простая: у одного сухой хлеб, у другого - хлеб с солью и пучок зеленого лука. Главным героям картины художник придал характерные черты (где-то лукавство, где-то благородство, а где-то обида). Главный посыл художника – передача яркого контраста между бедностью и богатством. Крестьяне думают об одном и том же и с горечью понимают, что справедливости у здания «Управы» им не добиться. https://telegra.ph/file/989c32dc9d6bda0b34c13.jpg

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history

"Морской пейзаж у Сент-Мари-де-ла-Мер" 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Летом 1888 года Винсент Ван Гог живет на юге Франции, в Арле, где пишет самые знаменитые свои картины. В июне художник решил отправиться к морю – в маленькую рыбацкую деревушку Сент-Мари-де-ла-Мер. Винсент надеялся, что морской воздух поправит его слабое здоровье, которое с каждым годом лишь ухудшалось из-за недоедания и алкогольных возлияний. В недельную поездку Ван Гог взял с собой три холста и несколько листов бумаги. Картина «Море в Сент-Мари» стала одним из двух морских пейзажей, написанных художником во время этого «отпуска». На третьем холсте Винсент изобразил белые деревенские домики. В Сент-Мари-де-ла-Мер художника сильнее всего восхищало Средиземное море. Оно было совсем не похоже на неприветливое и мрачное Северное море, которое он писал в Схевенингене. В одном из писем Тео Ван Гог пишет: «Средиземное море по цвету похоже на макрель. Такое же переменчивое. Невозможно назвать его зеленым или фиолетовым. Нельзя даже сказать, что оно синее, потому что в следующий момент свет изменится – и оно приобретет серый или розовый оттенок». В этом отношении можно сказать, что «Море в Сент-Мари» - одна из самых импрессионистских работ Винсента, поскольку он потратил довольно много времени на то, чтобы «поймать» и отобразить правильный свет. Кроме прочего, эта картина помогла исследователям творчества Ван Гога лучше понять технику его работы. По словам экспертов из Музея Ван Гога в Амстердаме, на этом полотне в красках были обнаружены крупицы песка. Это позволило сделать вывод, что Винсент наносил на холст слой краски, затем ее обдувало песком, и после этого художник наносил еще один слой, до того, как первый успевал высохнуть. Песчинки разносились кистью по всей поверхности полотна, оставляя в краске следы. Кроме того, эксперты установили, что Винсент позже дорабатывал картину в своей студии в Арле. Судя по всему, эта короткая поездка принесла Ван Гогу и душевный покой. В другом письме брату он пишет: «Однажды ночью я гулял у моря по пустынному пляжу. Мне не было радостно, но и грустно не было. Было… прекрасно. Темно-синее небо испещрено облаками. Одни из них были насыщенного кобальтового цвета, другие – голубовато-белыми, как Млечный путь. В синей глубине мерцали звезды: зеленоватые, желтые, белые, розовые… Бриллианты, изумруды, лазуриты, рубины, сапфиры. Море было глубокого ультрамаринового цвета, а берег – фиолетовым и местами рыжеватым». ВанГог Постимпрессионизм Марина _history

"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. С 50-х годов ХХ века картина Камиля Коро «Итальянка, или женщина с жёлтым рукавом» не выставлялась публично. Запертая в частных коллекциях, она пропала из виду. О ней начали забывать. Да и сам Коро существовал в общественном сознании как пейзажист по преимуществу. Однако в начале 2013 года в художественном мире произошла в некотором роде сенсация: стало известно о завещании скончавшегося в 2011 году Люсьена Фрейда – одного из наиболее дорогих художников своей эпохи и внука родоначальника психоанализа Зигмунда Фрейда. В завещании Люсьен Фрейд упоминал о благодарности английскому народу за гостеприимство, оказанное его еврейско-немецкой семье: когда-то она вынуждены была бежать от нацистов и нашла в Англии новую отчизну. Вещественным выражением этой благодарности стали несколько бронзовых скульптур Эдгара Дега и еще картина, которую сам Фрейд приобрёл в 2001 году на аукционе и с тех пор она украшала верхний этаж его дома в Лондоне. Люсьен Фрейд хотел, чтобы после его смерти она стала национальным достоянием Британии. Этой картиной была «Женщина с жёлтым рукавом» Коро. Французский художник XIX века Жан-Батист Камиль Коро (1796 – 1875) известен, прежде всего, как один из прямых предшественников импрессионизма, писавший лирические пейзажи. Его портреты – в основном поздние работы, и некоторые из них не менее значительны, чем его пейзажная живопись, хотя и менее известны. Интересно, что Коро, за редкими исключениями, почти не писал мужчин. Большинство его портретов – женские. Можно даже говорить об особом женском типе Коро – немного холодном, меланхолическом и совершенно чуждом всякого заигрывания со зрителем. Все «девушки Коро» погружены в себя, задумчивы и отстранённо-мечтательны. Таковы героини его знаменитых картин «Прерванное чтение» и «Ателье», таковы портреты племянниц художника Мари-Луизы Лауры Сеннегон, в замужестве госпожи Филибер Бодо, и Луизы Клер Сеннегон, будущей госпожи Шармуа, таков и последний шедевр 78-летнего Коро «Дама в голубом». Так что «тёмный, прямой и взыскательный взгляд» (воспользуемся строчками Марины Цветаевой) и плотно сжатые губы «Итальянки с жёлтым рукавом» не являются в творчестве Коро чем-то исключительным. Скорее, эти черты отражают его психологические предпочтения и, возможно, его собственный характер – закрытый, целеустремлённый и цельный. Трижды в своей жизни Коро путешествовал по Италии – в 1820-х, 1834-м и 1843-м. Именно там его талант окреп и освободился от сковывающих условностей французской Академии; в Италии Коро, можно сказать, нашёл себя. Он воздавал должное не только прелести итальянской природы, но красоте римских женщин. Сохранилось письмо художника к другу его молодости Абелю Осмону, фрагмент из которого уместно процитировать: «По-моему, римлянки – самые красивые женщины в мире… Их глаза, плечи, руки и бёдра превосходны. В этом они лучше, чем наши… Но, с другой стороны, им далеко до грации и любезности француженок… Как художник, я предпочитаю итальянку; но в вопросах, касающихся чувственности отношений между мужчиной и женщиной, - я однозначно выбираю француженку». КамильКоро Портрет Романтизм _history

"Парижское кафе" 1875 г. Илья Ефимович Репин Частная коллекция. Как мог Репин написать какое-то там парижское кафе, когда на него после «Бурлаков» возлагали надежды как на певца народных чаяний и обличителя угнетателей?! Прогрессивная российская общественность негодовала. Крамской возмущался: «Я думал, что у вас сидит совершенно окрепшее убеждение относительно главных положений искусства, его средств и специально народная струна». Корней Чуковский в своих великолепно написанных воспоминаниях о Репине, изданных, однако, следует учитывать, в Советском Союзе, утверждал, что «Репин везде видел бурлаков». Не совсем верное замечание, прямо скажем. Видел Репин и французскую вольницу. Он стал пенсионером Императорской Академии художеств, получив за дипломную картину «Воскрешение дочери Иаира» Большую золотую медаль Академии и право на 6-летнюю стажировку в Италии и Франции. С восторгом говорил Репин о том, что французская живопись отбросила академические и публицистические рамки. «Царит наконец настоящее французское, увлекает оно весь свет блеском, вкусом, легкостью, грацией…», – в стороне от этого «настоящего французского» не остался и Репин. Картина оказалась скандальной не только для русских. Французская публика тоже была сконфужена. Обратимся к сюжету: празднично-легкомысленная атмосфера вечернего шумного кафе, блеск и обаяние парижских развлечений, волнующая атмосфера светской жизни. Кажется, празднично-расслабленный гул достигает наших ушей. Кто-то читает, кто-то разговаривает, официант разносит напитки. В центре внимания – женщина на переднем плане, с зонтом в руках. В чем же загвоздка? А в том, что дама пришла в кафе одна! Интересно, что на одном из предварительных эскизов она была изображена стоящей, явно кого-то ожидающей. Конечно, это совсем иное настроение, в окончательном варианте Репин от него отказался. Героиня его картины отнюдь не стоит, скромно опершись о стул и ожидая, пока явится ее сопровождение. Неотразимая в своей самоуверенности, горделивая, с вызовом как во взгляде, так и во всей позе, красавица с соболиными бровями представляет собой центр картины, всё крутится вокруг нее. Что означает ее двусмысленное положение? Почему она одна? Эмансипе? Кокотка в поисках клиента? С каким негодованием на нее взирает пышно одетая дама справа! А вот усатый мужчина подле нее с большим интересом смотрит в ту же сторону. А два франта вообще поспешно покидают заведение, оскорбленные до глубины души таким развратом – женщина (!) одна (!) явилась в кафе! Один из них отвернулся и, похоже, зевает – ему такое видеть не впервой, второй же, «как денди лондонский одет», не может отвести глаз от бесстыдства эдакого и пятится чуть ли не спиной вперед. Как тут не вспомнить явление народу дерзкой «Олимпии» Мане двенадцатью годами раньше? Тот же бесстыдный взгляд и эротизм, который не в изгибах женских прелестей, а в непередаваемой дерзости и свободе изображенной. Если Олимпию называли лежащей Венерой современности, то женщину Репина иные критики окрестили урбанистической Венерой. Позировала для нее актриса Анна Жидюк. Картину Репин выставил на Парижского Салоне весной 1875 года. Вероятно, под влиянием общественного мнения, дружно скандировавшего «Скандал, скандал!» (хоть русские и французы видели разные поводы для своего негодования), Репин уже готовую картину «подправил», сделав ее скромнее. Дерзкий взгляд девушки он погасил, заставив ее опустить глаза – и она уже казалось жертвой, а не нарушительницей заведенных приличий. ИльяРепин Реализм _history

Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по крайней мере, немногие рукописи бесконечной басни из почти двух сотен куплетов пришли именно оттуда), а потом уже идея этой волшебной страны добралась до Италии, Испании, Германии и Нидерландов. Не знаю точно, не из этой ли страны в наши края текла та самая молочная река с кисельными берегами. Забавно вот что - во французском варианте волшебную страну населяют благороднейшие и приятнейшие люди, в то время как в немецкой волшебной стране все сплошь жулики, тупицы и ротозеи, а хороших, то есть, трудолюбивых людей оттуда выгоняют. Протестантская мораль, знаете ли - ничего хорошего не может быть в месте, где все лентяи. Немецкий вариант Кокани, кстати, называется Шлараффенландом, а в переводе песни на русский язык Львом Гинсбуром она становится Шлараффией. Оттуда и кусочки стихов, а целиком вот тут эта песенка: https://facetia.ru/node/4756 Тут, конечно, поражает то, сколько внимания уделено еде. А это важно, потому что средневековому жителю голод грозил совершенно неиллюзорно и буквально постоянно. Не голод человека первого мира, когда захотелось пончик и не голод студенческий, когда выпил кипятка на ночь, а утром стрельнул макарон у соседа по общаге, а голод до смерти. Случилась засуха или пожар и конец тебе и всему твоему поселению. И на помощь никто не явится. Древние греки и римляне тоже про голод слыхали, но они умели накапливать ресурсы и у них была невероятная система дорог и передачи новостей. Средневековая Европа же эти блага немного прощелкала. То же самое касается и одежды, ведь одежда в средневековье выполняла, помимо прямого назначения - защиты и утепления, еще одну важнейшую функцию - по одежде можно было мгновенно понять кто перед тобой, крестьянин, купец, монах, рыцарь. А тут у всех такая одежда, какую пожелаешь! Так что, вот так выглядят средневековые мечты о бесклассовом обществе, обществе всеобщего благоденствия, где сама природа у человека на посылках, а труд полностью упразднен. Адам и Ева в раю не работали, а вот когда их выгнали, то труд стал их наказанием. Собственно, все это рассказываю, в основном стащив из небольшой статьи из сборника “Герои и Чудеса средних веков” историка-медиевиста Жака Ле Гоффа как предисловие к картине Питера Брейгеля Старшего “Страна Лентяев”. …Все это нынешней зимой Мне рассказал один немой, А подтвердил публично Слепой, который этот край Недавно видел лично.

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.

​Еще в 1970-х годах итальянский художник Джузеппе Пеноне создал пару зеркальных контактных линз. Линзы не были «линзами» в традиционном понимании этого слова. Они закрывали обзор. Внешний мир отражался в глазах художника, а также он видел свои глаза в отражении линз. Устройство предполагает, что нужно смотреть внутрь, чтобы показать внешнему миру творческое видение. https://telegra.ph/file/4741a488929eb4c292876.jpg

Художник Ческидова Ольга Александровна Родилась в 1943 году в Томске. С 1949 года проживает в г. Санкт-Петербурге. С 1955 по 1963 г. обучалась в СХШ при Академии художеств СССР г. Ленинграда. Училась живописи, рисунку, композиции у известных педагогов — А. П. Кузнецова, Л. С. Шолохова, Н. И. Андрецова, А. Ф. Булыгина. В 1969 году закончила обучение в ЛВХТУ им. В. И. Мухиной на отделении интерьер мастерской профессора В. А. Петрова. По распределению работала в Росторгрекламе Ленинграда, где ею были придуманы и осуществлены интерьеры магазина Бронза по Садовой улице, выставочные залы для показа моделей одежды на Суворовском проспекте, витрины магазинов на Невском и Московском проспектах. С 1970 года О. А. Ческидова работет в проектном институте. Ею были разработаны комплексные решения интерьеров дома Советов в Уфе, ресторанов, кафе и баров в Северодвинске. С 1973 г. работает в художественном фонде при Союзе художников СССР Ленинграда. В 1976 г. поступает в Молодежную секцию ЛОСХ. С 1982 г. член Союза художников . Действительный член Петровской Академии наук и искусств. Член ассоциации искусствоведов (АИС) общероссийская общественная организация историков искусства и художественных критиков. Лауреат международного фонда «Культурное достояние». Лауреат Международного художественно-просветительского проекта в честь 700-летия прп. Сергия Радонежского. В 1988 г. Ольга Александровна организует свою персональную мастерскую при Союзе художников СССР и выполняет творческие заказы и ведет авторский надзор в созданных ею интерьерах, под её руководством работают художники разных профилей. Основные проекты: дворец культуры, библиотеки, рестораны (г. Степногорск), политехнический институт (г. Тула), сеть ресторанов (г. Архангельск), дворец культуры профсоюзов (г. Мурманск), комплекс культурных объектов (г. Минеральные Воды). Много время уделяет станковой живописи: пейзажу, натюрморту и портрету. Постоянная участница выставок юбилейных ,зональных, всероссийских, тематических, персональных в Санкт-Петербурге и других городах России. Её работы находятся в частных коллекциях России и за рубежом — в Германии, США, Англии, Китае и других странах.

Савелий Сорин (1878-1953) «Портрет А.М.Горького» 1902 холст, масло. 77х95 см савелий_сорин Музей изобразительных искусств Сан-Франциско, США –––––––––––––––– Образ «Буревестника революции», ставший «фирменным знаком» - имиджем пролетарского писателя Максима Горького, растиражированный потом многими художниками до и после революции 1917-го, определен и заложен этой работой 1902 года тогда ещё студента Савелия Сорина.

Савелий Сорин (1878-1953) «Портрет балетной артистки Евгении Никитиной» 1924 бумага на холсте, акварель. савелий_сорин Государственный Русский музей, Санкт-Петербург –––––––––––––––– Правительство Франции в 1924 году сделало Савелию Сорину предложение купить одну его работу - портрет балерины Евгении Никитиной («Девушка с зеркалом» или «Раздевалка танцовщицы»). Однако Сорин отказался продать этот портрет, так как уже обещал эту работу жене американского миллионера Отто Кона. А сам Кон позже от покупки отказался, в результате этот замечательный (огромный, в рост человека) акварельный портрет оказался в конце концов, на наше счастье, в Русском музее.

Иван Айвазовский (1817-1900) «Ветряная мельница на берегу моря» 1837 холст, масло. 67х96 см иван_айвазовский Государственный Русский музей, Санкт-Петербург –––––––––––––––– Очевидно, что Айвазовский использовал в этом сюжете впечатления, полученные от произведений старых голландских мастеров, увиденных в коллекции Эрмитажа. В частности, композиционный строй этой картины близок «Пейзажу с мельницами» голландского живописца Арта ван дер Нера, который с 1815 года находится в собрании Императорского Эрмитажа и почти совпадает с картиной Айвазовского по размеру.

В 1640-х годах в голландском пейзаже наметилась тенденция к углублению эмоционального содержания живописных полотен. В связи с этим повысилась роль света и цвета в картине. В творчестве Арта ван де Нера эти новые черты можно проследить наиболее отчётливо. Перед вами одно самых известных полотен в наследии мастера - «Пейзаж с мельницей». В Эрмитаже хранится 11 работ ван дер Нера, и более половины из них - это вариации с лунным освещением. Подобную разновидность жанра в голландскую живопись художник ввёл впервые. Но и в пейзажах с солнечным светом художник отдавал предпочтение вечеру или утру, когда окрашенная световоздушная среда позволяла ему создавать эффектные закаты и восходы. Мирное противоборство отблесков светила, которое только что скрылось позади мельницы за горизонтом, с сумерками, что окутали речную долину с заболоченными берегами, не даёт ощущения драматической битвы. «Пейзаж с мельницей» - это мирный отход ко сну утомившихся за день человека и природы. Свет присутствует везде, даже в самых глубоких тенях. Ноктюрны, которые писал ван дер Нер, не были слишком популярны у современников. Таинственные чары ночи и волшебное обаяние сумерек по достоинству были оценены значительно позже, в эпоху романтизма.

️ Джованни да Удине учился сначала у Джованни Мартино (итал. Pellegrino da San Daniele) в Удине, затем переехал в Венецию, где стал учеником Джорджоне. В 1514 году переехал в Рим, где поступил в мастерскую Рафаэля и считался одним из наиболее талантливых его учеников. Джорджо Вазари отмечал его стремление к гротеску и большую любовь к изображению природы — как растений и животных, так и неодушевлённых предметов. После смерти Рафаэля работал на кардинала Джулио Медичи (будущего папу Климента VII) по украшению Вилла Мадама, завершив работу к 1525 году; находился в конфликте с Джулио Романо. С 1521 по 1522 год работал во Флоренции, затем вернулся в Рим, в 1527 году покинул его, вернувшись в Удине, где стал архитектором и участвовал в восстановлении местного замка (итал. Castello di Udine), разрушенного сильным землетрясением 1511 года. В 1532 году ненадолго ездил во Флоренцию. В 1547 году создал лестницу с внешнего двора в этом замке. В 1560 году вернулся в Рим и остаток жизни провёл в бедности. Был похоронен в Пантеоне, рядом с Рафаэлем. Помогал Рафаэлю в расписывании лож ватиканского дворца и в других подобных работах. Им написаны и отчасти придуманы орнаменты в верхних ложах. В нижних ложах ему принадлежит плафонная живопись, реставрированная в 1867 году Мантовани. На вилле Фарнезина им исполнены фестоны, обрамляющие рафаэлевскую «Историю Психеи». Для папы Климента VII в сотрудничестве с Перино дель-Вага украсил живописью Торре-ди-Борджиа. Из прочих его произведений известны роспись вестибюля в вилле-Мадама, лепные украшения нижних сеней этого здания, декоративная живопись в палаццо Массими-алле-Колонне в Риме, работы в усыпальнице Медичи (в церкви Сан-Лоренцо) и рисунки, по которым изготовлены расписные стёкла в Лаврентьевской библиотеке во Флоренции.

Климт вообще был художником ищущим. Если взять ранние его работы, сложно будет представить, что рисовал их и полотна знаменитого «Золотого периода» один и тот же человек. Впрочем, и «в золоте» художник не планировал задерживаться слишком долго – идти дальше помешала не старому ещё Климту смерть. Классическое построение фигур, привычная композиция, «традиционные» сюжеты, свойственные ему в начале карьеры, отошли со временем на второй план. Но именно работа оформителя, судя по всему, оказала большое влияние на формирование мастера. Разделение переднего и заднего плана с последующим «размытием» последнего (причина этого кроется не в лени художника, а в выделении таким образом происходящего на переднем плане) является очень характерным для Климта. Наиболее очевидным это становится, когда «в кадре» появляется человеческая фигура – художник тут же забывает о происходящем на заднем плане. Природа – жизнь и поэтому интересует Климта, но женщина для него является высшим воплощением жизни – именно поэтому на полотнах

Феликс Варламишвили Полотна Феликса Варламишвили мгновенно врезаются в память, а их сюжеты, перетекая с одной картины на другую, создают мир «законсервированных» воспоминаний, в котором нет разницы куда идти – кругом благодатный труд, пышные всходы урожая и полные сети рыбы. Видимо такова грузинская живопись, квинтэссенцией или, точнее, наиболее знаковой фигурой которой является Пиросмани; она тяготеет к визуальной простоте (которая часто – нарочитая кажимость), к почвенничеству, к радостям жизни (даже тяжёлый труд не кажется таким тяжёлым при взгляде на многие полотна). И Феликс Варламишвили (1903-1986), проведший большую часть жизни в эмиграции, в большей степени грузинский национальный художник, чем французский, что роднит его с другим эмигрантом, уроженцем Российской империи – Марком Шагалом. Как Шагал забрал с собой родной Витебск, так и Варламишвили, даже рисуя венецианские пейзажи, всю жизнь оставался верным Грузии.

Исаак Левитан - В крымских горах (1886) Левитан умело чередовал различные техники. К слову, он рисовал весьма талантливые натюрморты («Лесные фиалки и незабудки») и портреты («Портрет Софьи Петровны Кувшинниковой»), но они очевидно мало привлекали художника и чести быть нарисованным Левитаном удостаивались немногие – близкий друг Чехов, возлюбленная Кувшинникова, редкие запавшие в душу знакомцы вроде А.А. Грошевой, сам Левитан, зафиксировавший себя в нескольких автопортретах и… те, кто мог за них заплатить. Лишь на пороге голода Левитан принимал постылые сердцу «портретные» предложения.

Исаак Левитан - Тихая обитель (1890) Впрочем, если даже говорить только о пейзажах, трудно обойти вниманием удивительную разнообразность техник и материалов, которыми работал мастер: акварели, уголь, пастель, масло… На полотнах встречается строго реалистическая манера, близкая к Шишкину («Лесистый берег. Сумерки»), («У омута») и куиндживская игра со светом («Последние лучи солнца. Осиновый лес»), («Вечерние тени»), романтический лёгкий пафос Лагорио («Крымский пейзаж») и околоимпрессионистские эксперименты («Туман над водой»), («Осенний пейзаж с церковью»). Это ненавязчивое разнообразие не даёт зрителю заскучать, словно тот смотрит выставку не одного, а десяти мастеров и, конечно же, говорит об огромной одарённости, жажде творческого поиска.

Исаак Левитан - Автопортрет (1890-е) За три года до смерти Левитан напишет: «Я никогда еще не любил так природу, не был так чуток к ней, никогда еще так сильно не чувствовал я это божественное нечто, разлитое во всем, но что не всякий видит, что даже и назвать нельзя, так как оно не поддается разуму, анализу, а постигается любовью. Без этого чувства не может быть истинный художник...».

«Заросший пруд» – один из самых знаменитых пейзажей Василия Поленова. Вместе с «Московским двориком» и «Бабушкиным садом» они составляют своего рода трилогию, элегическое повествование о доживающих свой век дворянских усадьбах. Всё так узнаваемо, что, кажется, даже нечего к написанному Поленовым и добавить – любые слова будут излишни. Вот старый пруд с заиленным дном. Он давно не чистился и «цветёт»: вода у берегов затянута ряской, а ближе к центру водоёма – покрыта кувшинками. Заросли камышей наступают, отвоёвывая территорию у купальщиков. Заброшенный парк с серебристым тополем у мостков и наклонившимися к воде дубами – одичал и разросся. Красноречивая деталь: доски ветхих мостков побелели от долгого использования и частого хождения. Должно быть, когда-то мостки вели к купальне, где было шумно и весело, а сейчас уже никуда не ведут: небольшой песчаный пляж окончательно зарос травой. Одних только школьных сочинений, не говоря об искусствоведческих эссе, сколько написано о мечтательной грусти и молчаливом вел

Рене Магритт был помешан на шляпах Какая деталь в картинах Рене Магритта особо выделяется, кочуя из одного полотна в другое? Правильно, это – шляпа-котелок. Великий сюрреалист не просто так выбрал эту деталь – за котелком стоит любопытное переплетение исторического времени с воображением бельгийского художника. За свою жизнь Магритт нарисовал около 2000 картин, в 50-ти из которых появляется шляпа. Художник рисовал ее в промежутке между 1926 и 1966 годами, и она стала отличительной чертой творчества Рене. Раньше шляпу-котелок носили обычные представители буржуазии, которые не особо желали выделяться из толпы. «Котелок... не удивляет», – сказал Магритт в 1966 году. «Это – головной убор, который не оригинален. Человек с котелком – это просто человек среднего класса, [спрятанный] в своей анонимности. Я тоже его ношу. Я не стремлюсь к тому, чтобы выделяться». Шляпы-котелки были введены в моду специально для британского среднего класса, во второй половине 19 века. В начале 20 века котелок стал одной из самых поп

Рене Магритт - Сын человеческий. 1964 год Тем не менее, в 50-е годы улицы города перестали изобиловать шляпами-котелками. Аксессуар стал старомодным, и следящим за трендами горожанам пришлось от него отказаться. Тогда шляпы Магритта, нарисованные в реалистичном стиле (в разгар абстрактного экспрессионизма), стали символом анонимности. В картинах Рене они выступили на первый план, вместо того, чтобы исчезнуть в безликой толпе. По сути, шляпы-котелки стали иконографической подписью Магритта. Получается забавная ирония: художник выбрал деталь, которая обеспечит неузнаваемость, но все сработало наоборот. Теперь шляпа-котелок – один из главных объектов творчества легендарного Рене Магритта.

Человеческий тамагочи Датский художник Кристиан фон Хорнслет заявил, что создал игру вроде «человеческого тамагочи». Художник установил на 10 лондонских бездомных устройства с GPS, и теперь за их перемещением можно круглосуточно наблюдать с помощью специального приложения. Художник продаёт каждого бездомного за 25 тысяч фунтов (около 2 миллионов рублей). Помимо права слежки за бездомным покупатель получит его портрет, выполненный золотой краской. На фото Кристиан фон Хорнслет (крайний справа) и его бездомные. Искусство или нет?

Карильон (карийон, фр. carillon) Карильон - очень редкий инструмент. Он состоит из многочисленных колоколов, настроенных по хроматическому ряду, с диапазоном от двух до шести октав, которые играющий может приводить в действие, используя педали и рычаги. Звучание его зависит от формы колоколов, сплава, из которого они отлиты, материала и веса колокольных языков, акустики колокольни. Ну, и от качества настройки, разумеется. Этот инструмент постоянно проигрывал в борьбе за место в церкви органу или фортепьяно, но это не мешало ему производить большое впечатление. Риверсайдский карильон находится в церкви в Нью-Йорке и был подарен церкви семьёй Рокфеллеров. Он включает в себя 74 колокола, самый массивный из которых весит 20 тонн. Это самый большой карильон в мире, он весит более 100 тонн, что делает его одним из самых больших когда-либо построенных музыкальных инструментов.

«Пруд с кувшинками (Японский мостик)» 1899г. Картина написана в сине-зеленых тонах и производит умиротворяющее впечатление. На первом плане мы видим заросшую гладь пруда. В воде отражаются осока и деревья, которые растут на берегу. Они же видны на заднем плане. Изящный мостик в стиле Хокусая визуально делит полотно на две части. Он и в тени, и освещен солнцем одновременно. Мостик напоминает о присутствии человека в этой идиллической картине. По нему хочется пройтись, полюбоваться на открывшийся вид. Водная гладь создает перспективу, уводя взгляд к заднему плану. Там глубину создают густые деревья. Они вместе с травой раздвигают пространство ввысь своими вертикальными линиями. Этот контраст находит повторение в отражении на воде - между крупными блоками горизонтальных кувшинок, художник пишет небольшими вертикальными мазками отражение деревьев и травы в воде. Благодаря такому приему, в картине чувствуется простор, и есть ощущение воздуха, несмотря на ее небольшие размеры.

Мемы Крис Торрес выставил на аукцион культовую гифку «nyan cat» на крипто-арт-платформе Foundation. Мему исполняется в этом году 10 лет. Специально для продажи автор сделал версию в высоком качестве. По мнению Торреса, ремастеринговая версия «на этот раз получилась очень хорошо». 20 февраля 2021 года работу купили за 300 etherium (611 850 долларов). Искусство или нет?

Тамара Лемпицка "Автопортрет в зеленом Бугатти" (1929) Легенда гласит, что редактор самого влиятельного модного журнала Германии была сражена наповал видом богемной деятельницы искусства, выходившей из своего автомобиля перед роскошной гостиницей в Монте-Карло. Элегантная, независимая и эмансипированная, она выглядела идеальной ролевой моделью для продвинутых читательниц журнала, поэтому редактор тут же заказала Лемпицкой ее автопортрет для обложки следующего номера издания. Легким движением руки Тамара превратила свой маленький желтый «Рено» в сверкающий хромированный «Бугатти», справедливо рассудив, что он будет куда лучше оттенять ее аристократический лоск. Она не учла лишь одну маленькую деталь: до 1963 года автомобили этой марки выпускались с правосторонним рулем. Впрочем, это не помешало «Автопортрету в зеленом Бугатти» с обложки популярного журнала наделать много шума и получить титул «гимн современной женщине».

«Костел святого Жака в Дьеппе» 1901г. Камиль Писсарро Одна из последних работ Камиля Писсаро, всего два года остается до смерти мастера. В 1901 году Писсаро проживает в Дьеппе (Франция) в отеле, окна которого выходят на старинный величественный костел, посвященный святому Жаку. Художник очень страдает, привыкший писать на пленэре, он вынужден созерцать мир из окна своего гостиничного номера. Поэтому неудивительно, что Писсаро почти сразу задумал написать полотно с костелом-главным героем, тем более что работы подобной тематики у него уже были. Писсарро на картине акцентирует внимание на контрасте массивной величественности костела и легкой прозрачности неба. Художника волнует возможность запечатлеть, как геометрическая конструкция с четкой архитектурой пересекает пространство и как соединяется с ним. Именно поэтому костел на картине лишен максимального приближения и охватывается глазом мастера в общем плане. Взгляд издалека — вот, что важнее.