Подкрепи эмоции крутой ставкой и насладись футболом высочайшего уровня, следя...

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

"Городской замок" 1932 г. Пауль Клее Частная коллекция. Пауль Клее практически никогда не писал чистые абстракции. Ему важно было раскрутить даже самое условное и декоративное изображение до метафизических смыслов. Название было его дополнительным художественным приемом. Ученики вспоминали, что уже написанные картины могли месяцами стоять в мастерской Клее, расставленные у стен, пока для них не находилось ассоциация, точная эмоции, пока не случалась вспышка озарения нужными словами – и тогда появлялось название. Только после этого картину можно было считать законченной. Даже когда Клее изобрел свой собственный пуантилизм – создавал изображение не точками, как Сёра и Синьяк, а квадратами – здесь не было чистой геометрии. Всегда было что-то еще: звуки, дома, сады, дороги. Музыканта Клее захватывала архитектура, в ней он чувствовал и слышал ритм, он наверняка смог бы сыграть на скрипке самые любимые свои здания. И именно ритм рождает эту сетчатую, строгую технику заполнения квадратов разными красками. По признанию самого Клее, этот художественный метод – очередной творческий квест и головоломка, какими он любил развлекаться: «…я пытался добиться максимально возможного движения с наименьшими средствами (экономия средств, полученных повторением ограниченного числа простых структурных единиц)». Клее расколдовывает архитектуру, она уже больше не застывшая музыка – она движется и поет. Картины Клее – это ощущение города, ощущение улицы. Это категорическая противоположность пленэрной живописи, изучающей тонкости пейзажа, это впечатление от движения сквозь улицу, когда не смотришь специально на особенности архитектуры, световые потоки или детали. Ты сам – часть этого городского пейзажа, ты сам уловитель светового потока. И поэтому можешь даже посмотреть на все сразу с нескольких точек зрения. Например, увидеть дом изнутри и снаружи, а улицы - сверху и сбоку. Все ранние коллекционеры Клее, покупавшие картины у художника, были слегка одержимыми. Кто чем. И совсем не удивительно, что Richard Doetsch-Benziger до того, как начать собирать Клее, коллекционировал старинные книги. Он наверняка почувствовал в художнике летописца чего-то ужасно далекого, то ли прошлого, то ли будущего. В 2011 году картина «Городской замок» стала самой дорогой работой Клее, проданной с аукциона в частную коллекцию. Ее стоимость составила 4 млн. 252 тыс. долларов. ПаульКлее Абстракционизм _history

"Гора Сент-Виктуар" 1887 г. Поль Сезанн Институт искусства Курто, Лондон. Сезанн жил одновременно с художниками-импрессионистами, участвовал в первой и третьей выставках, организованных «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов», он выходил на пленэры вместе с Писсарро и избавлялся от темных красок под его влиянием. Но именно пейзаж – тот художественный жанр, в котором Сезанн оказался самым неимпрессионистичным художником своего времени. И дело тут не в палитре и не в технике. Сезанн терпеть не мог теорий искусства – он как будто всегда боялся случайно увязнуть в одной из чужих стройных систем мировоззрения. В последние 20 лет жизни, сведя общение с художниками, писателями и семьей в основном почти к эпистолярному, он с удовольствием закрылся в небольшой студии и занялся поисками своей «земли обетованной». В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит этим картинам когда-нибудь оказаться на стенах Лувра. Нет-нет, он давно уже не грезит о славе и Лувре – он просто мучительно хочет выполнить одновременно несколько важных для себя задач: дать зрителю почувствовать красоту мест, столь близких и волнительно прекрасных для него лично, передать исключительно собственные эмоции и переживания от увиденного и при этом освободить изображение от всего лишнего и вскрыть через него логику природы, найти непреходящее, вечное – то, что присутствует на картинах старых мастеров. И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору Сент-Виктуар в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными. Эту картину Сезанн показал своим землякам на выставке, устроенной в Эксе в 1895 году Обществом художников-любителей. Они уже давно начали подумывать, что возможно Сезанн – не просто сумасшедший лицедей и к нему стоит присмотреться, решились в конце концов попробовать. Уже не ждущему признания художнику это предложение очень польстило. Он отправил на выставку две свои картины, увидев которые, смелые и прогрессивные художники-любители сразу забыли о желании быть смелыми и понять Сезанна – они повесили картины повыше, над входной дверью, чтоб в глаза сильно не бросались. Единственным человеком, который выразил художнику восторг от «Горы Сент-Виктуар», был сын местного бакалейщика Жоашим Гаске, начинающий поэт, позже написавший книгу о Сезанне. Растроганный Поль подарил юному Жоашиму картину. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

​​Christie’s продал JPG-файл масштабного коллажа как токен за $69 млн NFT-мания: 11 марта на онлайн-аукционе Christie’s файл «Каждый день. Первые 5000 дней» в формате JPG, созданный цифровым художником Майком Винкельманном, известным как Beeple, был продан за 69,3 миллиона долларов. За час до завершения торгов было подано более 180 заявок. Цена стала новым максимумом для произведения искусства, которые существуют лишь в цифровом виде. Она превзошла аукционные рекорды «физических» картин таких мастеров, как Уильям Тёрнер, Жорж Сёра и Франсиско Гойя. Продажа коллажа Бипла длилась две недели и началась со ста долларов. Ещё за несколько секунд до окончания аукциона за работу давали менее 30-ти миллионов долларов. Но вал ставок, поступивших в последний момент, заставил организаторов продлить торги ещё на две минуты, и окончательная цена составила почти 70 миллионов. За коллаж сражались 33 участника торгов, а Бипл в результате вошёл в тройку самых дорогих из живущих художников после Джеффа Кунса и Дэвида Хокни. Работа «Каждый день. Первые 5000 дней», которую Christie’s объявил «уникальным произведением в истории цифрового искусства», представляет собой коллаж из всех изображений, которые Бипл размещает в Интернете ежедневно, начиная с 2007 года. Художник, который сотрудничал с Louis Vuitton и такими поп-звездами, как Джастин Бибер и Кэти Перри, создаёт дерзкие визуальные комментарии о жизни в XXI веке. Коллажированный JPG-файл Бипла был создан или «отчеканен» в виде «невзаимозаменяемого токена» (nonfungible token или NFT) в феврале. Безопасная сеть компьютерных систем, которая регистрирует продажу в «цифровом гроссбухе», известном как блокчейн, даёт покупателям доказательства подлинности и права собственности. Большинство из них платят криптовалютой эфириум (Ethereum). «Каждый день» был первым NFT, который продал Christie’s, и аукционный дом заявил, что принимает платежи в эфирах, что также стало первым случаем в 255-летней истории фирмы. Тодд Левин, советник по искусству из Нью-Йорка, видевший продажу «Спасителя Мира» Леонардо да Винчи за 450 миллионов долларов, сказал, что у него «смешанные эмоции» по поводу рекорда Бипла. «С одной стороны, очень интересно стать свидетелем исторической поворотной точки, — сказал эксперт. — С другой стороны, вовлечённые суммы могут исказить и повредить зарождающийся рынок». Christie’s провёл свой аукцион в момент, когда мир искусства попал под стремительный натиск спекулятивного рынка NFT. Стоимость произведений, отчеканенных во невзаимозаменяемых токенах, недавно резко выросла на таких специализированных сайтах, как Open Sea, Nifty Gateway, Super Rare и Makers Place и теперь не соответствует суммам на остальном арт-рынке. NFT также стал шансом для начинающих художников. На прошлой неделе анонимная группа «Сожжённый Бэнкси» продала уникальный NFT — цифровую копию принта Бэнкси «Идиоты» (2006). Продавцы заявили, что сожгли оригинальную работу стоимостью в десятки тысяч долларов в ходе «церемонии», которую транслировали на YouTube и Twitter. Всё, что осталось, — это сертифицированный блокчейном NFT «Идиотов». Этот токен ушёл за 382 тысяч долларов, что в три раза выше цены любого оригинала из ограниченного тиража «Идиотов» на аукционе. Победителем торгов стал пользователь с ником GALAXY, который немедленно выставил своё приобретение на продажу. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/866914a1d8e26f73fa2c9.jpg

Картины Юстины Копаня Польская художница Юстина Копаня пишет свои полотна маслом на больших холстах. Она говорит, самое главное, это передать на картине, то настроение, эмоции и воспоминания, которые она переживала во время создания картины. Юстина пытается показать окружающий нас мир немного по-другому, с другой точки зрения, отличной от той, с которой мы привыкли смотреть на этот мир, показать атмосферу того момента, который врезался ей в память. Сама Юстина говорит, что как картина, так и кисть требуют краски и она ее не жалеет. Большое количество краски на холсте создает рельеф, так рождается пастозная живопись. Сами работы больше напоминают импрессионизм, без особого внимания к деталям, но очень чувственные. Её картины показывают удивительное понимание и мастерство в использовании масляных красок. Она тщательно смешивает цвета и позволяет аудитории рассматривать каждый мазок в каждой из ее работ.

Бедность не порок, говорит русская пословица, однако в Нидерландах XVI века считали ровно наоборот. Преподаватель ВГИК Ольга Буткова расскажет, как воспринимали бедность люди разных стран и времен и какие эмоции пытались вызвать у аудитории живописцы, создавая образы бедняков. Лекция «Бедные люди. Бедность и нищета в изобразительном искусстве» пройдет 27 марта в 19.00 в московском культурном центре ТВЕРСКАЯ15. Покупка билетов через TimePad: https://tverskaya15.timepad.ru/event/1586102/ Иллюстрация: около 1310 г., Джотто, фреска Нижней церкви Сан-Франческо в Ассизи, обручение св. Франциска с Бедностью

«Мальчик с юлой» 1738г. Жан Батист Симеон Шарден Интересно то, что свои изображения детей Жан Батист Симеон Шарден никогда не называл портретами. Вместо этого он употреблял такое определение, как «жанровая сцена». Как и взрослых, так и детей, живописец изображал непременно за каким-нибудь занятием. Действие помогало Шардену написать эмоции, сосредоточится на внутреннем мире. В картине преобладает зелёный колорит. Мастерское использование полутонов позволяет не только расставить акценты (например, розовый румянец) в работе, но и привнести дополнительные элементы, как косой солнечный луч на обоях или зеркальный стол. Представленная картина появилась на выставке в Салоне в 1738 году и удостоилась множества восхищённых отзывов. Популярность работы была такая, что Шарден создал ещё несколько полотен на данный сюжет.

Эмоции через взгляд практика

Уилл Юй «Transform» 2021, масло ⠀ Картина современного художника из Тайваня отсылает нас к событиям, с которыми весь мир столкнулся в 2020 году. Её название можно перевести как «трансформировать, изменять». ⠀ Картина выполнена маслом на холсте в авторской технике художника: крупные мазки и контраст оттенков разной температуры. ⠀ На полотне изображена девочка, снимающая медицинскую маску. Это действие изображено в движении, которое каждый человек совершает десятки раз в течение дня. ⠀ Лицо девочки напряжено, она всматривается в даль. Художник не изображает, что именно ищет девочка, предлагая каждому из зрителей найти ответ самому. ⠀ В выражении её лица мы читаем смешанные эмоции: неуверенность, страх и надежду. Тему надежды раскрывает и надпись «Prospect» - «перспектива, шанс». ⠀ Таким образом в этой работе художник даёт свою трактовку последних событий, выражая надежду на то, что перемены, при всей их неоднозначности, открывают новые возможности. ⠀ А о чём картина Уилла Юя для вас?

Проволочные люди. Британский художник-скульптор Ричард Стейнтхорп (Richard Stainthorp) творит в довольно необычной технике. Материалом ему служит проволока, но скульптуры имеют весьма живой вид. Родина Стейнтхорпа - Туманный Альбион, так же загадочна, как и его работы. Ричард создает свои скульптуры более 20 лет. У его фигур нет четкого лица, но эмоции и настроение легко демонстрируются позами и другими деталями. Кому-то все эти плавные линии могут напоминать потоки энергии, протекающие через человеческое тело, а кто-то может воспринимать всё, как оригинальное видение мышечной массы тела человека.

Эмоции персонажа практика

Медитативная живопись. Томас Эндрю Дарнелл родился 2 февраля 1958 года в Сан-Антонио, штат Техас. Американский художник, известный своими масляными картинами. Специализировался в области биологии и изобразительного искусства в Техасском университете (Остин) и получил степень магистра с отличием. "Моя работа вдохновлена необходимостью найти порядок и смысл в этом прекрасном беспорядке, который мы называем жизнью. Я выбираю образы, вызывающие во мне ощущение равновесия и гармонии. А затем перехожу от технически ориентированного представления к произведению более медитативной, абстрактной живописи, так как многообразие поддерживает свежесть. Что остается неизменным во всей моей работе, так это свет. Он представляет собой энергию, дух и силу, которую мы не видим, но ощущаем через эмоции, звуки, мысли, силу тяжести, вибрации. Я начинаю со смазанных изображений и с каждым проходом подчеркиваю детали и контраст в изображении, стирая краски и возвращаясь к уточнению деталей, пока не достигаю правильного баланса".

Солнечная живопись Абе Тошиюки Акварель, наполненная чуткой любовью к природе, пронизанная теплом и солнечным светом. «Я воспринимаю акварель не просто как жанр, а больше как музыкальный инструмент. Например, на фортепиано можно сыграть джаз, рок и классическую музыку. Так же в зависимости от чувств художника, акварель может выражать много всего», – пишет художник. В его акварелях отражается свойственная японцам любовь и глубокое уважение к природе. «По моему мнению, чтобы произведение искусства возымело настоящий эффект, оно должно затронуть глубокие эмоции в сердце зрителя», – говорит художник. Предлагаем проверить, затронут ли вас картины японского акварелиста. мастерство

Без названия (Портрет) 1939 г. Марк Ротко Частная коллекция. Картина Марка Ротко «Без названия (Портрет)» – одна из не столь многих работ художника, которые можно отнести к фигуративным. До того как прийти к своей живописи цветового поля, прославившей его, художник какое-то время упражнялся в экспрессионизме. Этот стиль удачно подходил для воплощения тревоги, которая в течение почти всей жизни была его неизменной спутницей. В год написания картины это чувство было особо ощутимым. В Европе все большие обороты набирали антисемитские настроения, и Маркус Роткович, а именно так звали художника от рождения, с опаской следил за событиями в Европе. Он боялся, что влияние нацистов распространится за океан и достигнет США. Поэтому поспешил изменить имя, сократив до привычного нам Марка Ротко. На первый взгляд картина выглядит безоблачной: светлый день, яркие солнечные оттенки. Но при дальнейшем рассмотрении возникает душное клаустрофобское чувство, будто стены вокруг героя картины начинают сжиматься. Способствует этому отсутствие воздуха и перспективы. Грязно-желтая гамма усиливает эту неясную тревогу, и уже трудно разгадать эмоции на лице изображенного на картине юноши. То ли это легкая полуулыбка, то ли смущение, а в его осанке сквозит некоторая неуверенность и даже робость. МаркРотко Портрет Экспрессионизм _history

"Сон" 1910 г. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. «Сон» Кузьмы Петрова-Водкина поднял в Петербурге волну отчаянных споров, которые не утихали несколько лет. Илья Репин был оскорблен картиной настолько, что написал письмо в редакцию газеты «Биржевые ведомости», поместил юного выскочку в позорную компанию с Гогеном и Матиссом и обвинил в рабском подражании западным влияниям. Псевдонимы, анонимы, насмешники один за другим публиковали статьи и сыпали остротами: «…кирпичный юноша спит, а перед ним стоят две женщины - одна лилового цвета, другая тоже кирпичного. Бедный, когда он проснется!» Александр Бенуа не считал картину лучшей, но ценил в ней цветовой аккорд. Споры постепенно перемещались с фигуры молодого художника и его скандальной картины на разговоры об искусстве вообще и об искусстве в России. А Петров-Водкин понимал, что каждая новая работа, которую он теперь решится представить публике, будет пристально высматриваться из обоих враждующих лагерей. Можно не сомневаться, дозорные глаз не сводят и оповестят о любом признаке художественного неспокойствия. И каждый писавший о «Сне», конечно, пытался его трактовать в символическом ключе. Безжизненный, опустошенный пейзаж с тревожным вулканом, фигура юноши, спящего в страшно неудобной позе прямо на голых камнях, две обнаженные женские фигуры, очевидно отличающиеся выражением лиц, поз, наконец, цветом кожи. Истоки композиции находили в «Сне рыцаря» Рафаэля - и это не случайное направление поиска. Петров-Водкин успел насмотреться на живопись итальянского Возрождения, пожить в Париже, дослушать «усталые, прекрасно начатые, песни Гогена и Сезанна», успел поучиться в Мюнхене с Кандинским, успел, наконец, разозлиться на все Дворцы искусств, которые так ловко оторвали его от земли и унесли в умозрительные поиски. Молился в ночной африканской пустыне о том, чтоб вселенная приняла его назад, раскрыла глаза и сердце для своих тайн. Вернувшись из художественных и мистических паломничеств, Петров-Водкин и пишет почти сразу «Сон». И с его слов, скорее всего, Александр Бенуа будет объяснять смысл сюжета так: «На обновленной земле спит человеческий гений, поэтическое сознание. Пробуждение его стерегут две богини, вечно сопутствующие творчеству. Розовая, юная, робкая, болезненная Красота и крепкое, смуглое, здоровое Уродство. В их объятиях, в их общении гений найдет полноту понимания жизни, смысл вещей». Это толкование стало каноническим - до такой степени, что данное самим художником объяснение критики считают выдумкой и позднейшей мистификацией. Говорят, придумал Петров-Водкин, талантливый литератор, картине пророческий смысл задним числом. Неудивительно, что после потрясений войны и революции художнику смысл картины казался совсем другим: он уже видел в собственной юношеской работе моральный и политический анабиоз, паралич, в котором пребывало общество после 1905 года, состояние ожидания, застоя, оцепенения. Символическая, философская картина, не связанная названием с именами действующих лиц, и не должна трактоваться однозначно. В ней возможны все смыслы, которые отыщет критик и зритель - произведение живое, меняется и откликается на эмоции и переживания новых людей, доживших до пророческих перемен. Любое предрассветное состояние, любое крепкое забвение, бездействие накануне пробуждения и обретения истины, полноты мира, неизбежно сложного выбора - все подойдет. ПетровВодкин Модерн _history https://t.me/pic_history2/224

"Замок Пьерфон" 1860 г. Камиль Коро ГМИИ имени А. С. Пушкина. Познакомившись с Камилем Коро, живописец Гюстав Курбе признался: «Я не такой мастер как вы, господин Коро. Я принужден писать только то, что вижу». Это был искренний комплимент. Курбе стал ключевой фигурой французского реализма не в последнюю очередь потому, что не мог похвалиться фантазией – у него попросту не было выбора. Реалист-Коро, напротив, был наделен богатым воображением. И не упускал случая спустить его с поводка. Первый учитель Коро Ашиль Мишаллон много внимания уделял работе на пленэре. Он требовал от своего ученика одного: чтобы тот как можно более точно передавал на холсте все, что видит перед собой. На первых порах Коро был предан этому методу и, по его собственным словам, предпочитал «точность и аккуратность неорганизованности и спонтанности». Однако с годами он все заметнее уходил от педантичного копирования к поэтическому идеализированному, глубоко личному пейзажу. Загадочный лесной полумрак, одурманенные туманами сонные воды, тусклое серебро листвы, прорезающее кисею утреннего света – что и говорить, природе повезло с таким визажистом. Прихорашивая натуру, Коро не злоупотреблял «косметикой» - его краски оставались сдержанными, а эмоции – приглушенными, зыбкими, как ускользающий сон или музыка, звучащая из другой комнаты. Коро не видел никакого конфликта между таким сентиментальным подходом и тем, что принято называть «жизненной правдой». «Действительность – часть искусства. Чувства – часть действительности», - говорил он. К этому периоду зрелого лирического пейзажа в творчестве Коро относится и «Замок Пьерфон». Расположенный на окраине Компьенского леса, знаменитый замок был для художника идеальной натурой. Частично разрушенный в XVII веке по приказу кардинала Ришелье, во времена Коро Пьерфон представлял собой мрачновато живописные развалины. Впрочем, он не растерял героико-романтического флера – всеобщий интерес к нему был в те годы достаточно велик. В 1845 году Александр Дюма опубликовал роман «Двадцать лет спустя», «поселив» в окрестностях замка популярного героя – именно здесь проживал барон дю Валлон де Брасье де Пьерфон – любимец нации, более известный как Портос. Примерно в то же время, когда Камиль Коро работал над этой картиной, Наполеон III решил сделать Пьерфон своей резиденцией и отдал приказ о начале реставрации – к прославленному замку возвращалось былое величие. Холодный серый силуэт шато де Пьерфон ломает линию горизонта, контрастируя с меланхолией бледного весеннего утра. На переднем плане в скудных солнечных лучах – фигуры в плащах (кажется, весьма старомодных, по меркам середины XIX века). Плотный полог листвы защищает их от любопытных взглядов: из замка их не разглядеть. Кто эти двое? Современники Коро или гости из исторического прошлого? Стражники, совершавшие обход окрестностей и остановившиеся, чтобы буднично обменяться паролями? Заговорщики? Герои Дюма? Нам остается только гадать. Камиль Коро, как никто другой умел перенести на полотно безмятежность природы. И как никто другой умел привнести в самый безмятежный пейзаж нечто большее: интригу, тайну, предчувствие Настоящего Приключения. КамильКоро Пейзаж Романтизм _history

​Искусство дарит гармонию и счастье Меня зовут Клеопатра. Я художник трансформационных картин и арт-терапевт, психолог С большой радостью и вдохновением помогаю другим освобождать, проживать и отпускать свои состояния и чувства через написание картин, трансформировать их в жизненные силы и ресурсы через свою авторскую методику. Мой авторский марафон «Трансформация личности» помогает другим полюбить себя и исцелиться через экологичные техники и практики. Вот, что он даёт: • Избавляет от депрессии; • Повышает самооценку; • Наполняет энергией и мотивирует на достижение целей; • Развивает интуицию; • Даёт возможность выплеснуть негативные эмоции максимально экологично; • Помогает реализовывать мечты; • Вы обретаете гармонию и счастье! Если хотите найти гармонию и счастье, то подписаться на канал t.me/artt_kleopatra будет правильным решением! . https://telegra.ph/file/56bc711436a07b0e00cab.jpg

Искусство - неотъемлемая часть нашей жизни. Человеку свойственно стремление украшать свою жизнь, окружать себя красотой. Интересный феномен - чем больше ты в искусстве понимаешь, чем больше знаешь, тем проще тебе это «красивое» находить и замечать. Даже в простых вещах. Даже в страшных событиях. Поэтому … Впереди нас ждет небольшой, но (как и всегда) увлекательный рассказ про творчество художника - миротворца - Василия Верещагина. В своих произведениях Верещагин утверждал ту же правду и реалистический метод, что и искусство передвижников. Но его искусство содержало и своеобразное отличие, сознавая которое Верещагин не вступал в товарищество, выступая сам от себя. Верещагин представлял тот тип художника, искусство которого осознавало свою близость к материалистической науке, к точным позитивным знаниям. Он считал, что только таким образом, исключая личные эмоции и художественную фантазию, изображая факты и явления так, как они являются эмпирическому глазу, можно донести до зрителя настоящую правду. Верещагин верил в прогрессивную силу такого воздействия, подчинив всю жизнь этой благородной миссии. Выполняя ее, он погиб на борту броненосца "Петропавловск" во время русско-японской войны в 1904 году. Также напоминаю, что я с командой подготовила для вас Гайд (он же краткий путеводитель) по этапам русского искусства. Чтобы его получить, нужно пройти небольшой опрос. Сразу станет понятнее, что там в искусстве и как развивалось, обещаю https://docs.google.com/forms/d/1_utBzaROD6RRHoZWhYE6e9N2zS4nQgeUaOch6dgMYbU/edit

"Всемирный потоп" 1864 г. Иван Константинович Айвазовский Государственный Русский музей. Картина Айвазовского «Всемирный потоп» – это поразительное произведение великого мариниста. Работа над полотном началась в 1864-м. Как известно, множество шедевров в истории мирового искусства написано на сюжеты из Библии, и история про всемирный потоп не раз использовалась разными художниками. Да и сам Айвазовский несколько раз на протяжении своей жизни возвращался к этому знаменитому сюжету. Вряд ли кто-нибудь еще, кроме Айвазовского, смог бы отобразить столь искусно размах трагедии, грандиозную бурю, бушующую на небе и земле, громадные волны, покрывающие уступы скал, за которые пытаются уцепиться люди и прочие живые существа. Персонажи этой композиции объединяются в группы – по центру явственно выделяется старик, которого окружает целое семейство; гибнущая женщина, а также группа людей в преклоненной позе. Достаточно интересны образы, которые обличают жадность, бесполезность стараний человека скрыться от своего рока, – изображение царя и жреца, восседающих на слонах с сосудами из золота, со спасаемыми драгоценностями. Картина была продемонстрирована на выставке Академии художеств в 1864-м и стала резонансной среди русской интеллигенции. Чуть позже ее купил Александр Второй и передал в Эрмитаж. Пенное море снова предстало в произведении гениального мастера. Полотно изображает скорее необузданную силу безудержной стихии, чем сюжет Священного Письма. Акцент сделан на самом море, грозной красоте и величии того, даже жестокости. Кисть живописца демонстрирует победу огромных валов над всем сущим. Страшные гребни волн не пощадят ничего живого, ведь существуют определенные законы, по каким действует стихия, и они суровы и непреклонны. Автору нужно было показать, какой сильной может быть природа в сравнении с любым из людей. Обуздать ее нельзя, а если уж попадаешь в бездну вод, то назад дороги нет. Неодолимая стихия влечет к себе словно гипнозом. Люди погибают в пучине моря – вся палитра красок предвещает трагический исход, невозможность спасения. На гениальной картине Айвазовского «Всемирный потоп» мы видим отчаяние человека, оставшегося один на один с грозной стихией. Для человечества это единственный шанс очищения – только так люди могут обрести искупление и помилование от Создателя. Море часто предстает у автора универсальной основой природы и истории, с водой исчезают также грехи и мрак, стихия у мастера – это проблеск надежды и веры вопреки тьме и печали. Итог произведения предполагает выход из тьмы в иную сферу – в мир света и добра. Это подчеркнуто при помощи светлых красок в левой части картины, прямо над кучкой изнемогающих от борьбы со стихией людей – как будто облака расходятся, и благостный свет забирает грешные души. Художнику удалось с помощью красок передать ощущение жизни, глубокие переживания на полотне, поэтому, глядя на картину Айвазовского «Всемирный потоп», мы и сегодня испытываем столь глубокие и искренние эмоции. ИванАйвазовский РелигиознаяСцена _history

«Надо это временами: нет-нет да малость спятишь» - описывал как-то свой творческий метод Валентин Серов. Он тогда говорил о другой картине. Но, наверняка, мог бы сказать так и про «Окно» - работу, по которой непросто угадать автора. То, что Серов был скрытым импрессионистом, пожалуй, не сенсация. Время от времени это начало в нем пробуждалось – сказывалась дружба с Константином Коровиным (а, возможно, и то, что в детстве Серов жил с матерью в Париже на бульваре Клиши). Но даже на фоне этих импрессионистских всплесков «Окно» кажется слишком беглым эскизом. То ли несвойственная Серову интуитивная легкость исполнения, то ли нарочитая небрежность: воздух, блики, суматошная летняя рябь. Тот ли это Серов, что изводил себя и своих моделей сотнями сеансов, марафонами, которые, порой, тянулись годами? Тот ли это хмурый правдолюб, под чьим взглядом терялись Шаляпин и Николай II? Юный возраст художника тут ни причем. Очень скоро он напишет свои главные шлягеры: всего через год – «Девочку с персиками», через два – «Девушку, освещенную солнцем». Для Серова всегда было важно испытывать какие-либо эмоции по отношению к тому, что он рисовал. Окно в простом деревенском доме было для него важнее роскошных интерьеров романовских и юсуповских дворцов. Неказистая эта натура будоражила его чувства не меньше, чем позднее – кровавые события 1905 года или, к примеру, голая Ида Рубинштейн. Написанное Серовым окно – в доме его тети Аделаиды Симанович в Едимоново – деревне с неожиданно обширными связями с миром русского изобразительного искусства. Брат Василия Верещагина – Николай – основал здесь школу молочного хозяйства. Бывал здесь и Михаил Врубель. Что касается Серова, в его судьбе Едимоново сыграло существенную роль – здесь в доме Аделаиды Симанович он познакомился со своей будущей женой Ольгой Трубниковой. Это окно (наряду с другим, написанным в том же году) – эскиз для ее портрета. Сам портрет Серов поначалу невзлюбил – он казался ему слишком темным, недостаточно «отрадным». Другое дело эскиз – его «окно в лето», глядя в которое художник словно переносился в беззаботный 86-й. Серову 21. Он полон сил, наивен, влюблен. Окно распахнуто настежь, и нет за ним ни дрязг в Академии художеств, ни бытовых неурядиц, ни размолвок с друзьями, ни 1905 года – только солнце и большие надежды. ВалентинСеров _history

Картина “Смерть и дева” (Death and the Maiden) - это произведение современного польского художника Ярослава Датты. Она изображает молодую девушку в объятиях скелета, символизирующего смерть. Эта тема часто встречается в европейском искусстве, особенно в эпоху Возрождения и Романтизма. Картина может быть отсылкой к музыкальному произведению Франца Шуберта “Смерть и дева”, которое было написано в период его тяжёлой болезни и предчувствия смерти. Девушка на картине может выражать страх, отчаяние, любовь или примирение со своей судьбой. Это зависит от того, как зритель воспринимает её эмоции и жесты. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Сегодня немного о моей работе этого года, друзья К сожалению, заниматься искусством, как раньше, уже не получается и не получится неизвестное время. Это вызывает определенные негативные чувства и эмоции, но я стараюсь искать во всём плюсы. Многое потеряло смысл. Наверное, поэтому продолжаю искать его в прошлом и рассказываю об этом вам, чтобы хоть как-то не падать духом. Но и в настоящем я его вижу и радуюсь за тех, кто продолжает создавать и показывать. Если бы у меня было больше времени, то этот канал лопался от рассказов. Спасибо, что вы здесь. Я прочитала новую книгу Полины Музыки и скоро поделюсь впечатлениями. Книгу можно купить у нее, написав в инсте. Полина меня очень вдохновляет! Художницы

И каждый писавший о «Сне», конечно, пытался его трактовать в символическом ключе. Безжизненный, опустошенный пейзаж с тревожным вулканом, фигура юноши, спящего в страшно неудобной позе прямо на голых камнях, две обнаженные женские фигуры, очевидно отличающиеся выражением лиц, поз, наконец, цветом кожи. Истоки композиции находили в «Сне рыцаря» Рафаэля - и это не случайное направление поиска. Петров-Водкин успел насмотреться на живопись итальянского Возрождения, пожить в Париже, дослушать «усталые, прекрасно начатые, песни Гогена и Сезанна», успел поучиться в Мюнхене с Кандинским, успел, наконец, разозлиться на все Дворцы искусств, которые так ловко оторвали его от земли и унесли в умозрительные поиски. Молился в ночной африканской пустыне о том, чтоб вселенная приняла его назад, раскрыла глаза и сердце для своих тайн. Вернувшись из художественных и мистических паломничеств, Петров-Водкин и пишет почти сразу «Сон». И с его слов, скорее всего, Александр Бенуа будет объяснять смысл сюжета так: «На обновленной земле спит человеческий гений, поэтическое сознание. Пробуждение его стерегут две богини, вечно сопутствующие творчеству. Розовая, юная, робкая, болезненная Красота и крепкое, смуглое, здоровое Уродство. В их объятиях, в их общении гений найдет полноту понимания жизни, смысл вещей». Это толкование стало каноническим - до такой степени, что данное самим художником объяснение критики считают выдумкой и позднейшей мистификацией. Говорят, придумал Петров-Водкин, талантливый литератор, картине пророческий смысл задним числом. Неудивительно, что после потрясений войны и революции художнику смысл картины казался совсем другим: он уже видел в собственной юношеской работе моральный и политический анабиоз, паралич, в котором пребывало общество после 1905 года, состояние ожидания, застоя, оцепенения. Символическая, философская картина, не связанная названием с именами действующих лиц, и не должна трактоваться однозначно. В ней возможны все смыслы, которые отыщет критик и зритель - произведение живое, меняется и откликается на эмоции и переживания новых людей, доживших до пророческих перемен. Любое предрассветное состояние, любое крепкое забвение, бездействие накануне пробуждения и обретения истины, полноты мира, неизбежно сложного выбора - все подойдет. _history ПетровВодкин Модерн https://t.me/paintings_collection/224