Погожий летний вечер. Просторная терраса с видом на Потсдам и его знаменитую...

Шестилетний художник Индийский шестилетний художник Адваит Коларкар создаёт картины с одного года. Мальчик уже успел поучаствовать во множестве выставок, где его картины были представлены наравне с работами взрослых художников (например, арт-ярмарка ArtExpo в Нью-Йорке). По словам родителей Адваита, он увлёкся созданием картин, ещё когда ему было около года. Сейчас семья живёт в Канаде и продаёт картины за тысячи долларов. Искусство или нет?

Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать кряду, Тому вручает магистрат Почетную награду. Где-то далеко-далеко существует дивный край, страна Кокань. Чтоб туда попасть надо то ли найти сахарную гору и слизать ее, то ли проесть себе тоннель в пшеничной каше, но путешествие стоящее, ведь в этой волшебной стране вас ждет райское существование. Там в колодцах и реках благородные вина всех сортов, а на волнах качаются золотые и серебряные кубки чтоб эти вина зачерпывать, пироги и булки растут на деревьях, утки летают сразу жаренные и пытаются метко приземлиться прямо в открытый рот всем желающим, жареные поросята сразу с вилочкой в боку пасутся на лугах и сами предлагают собой отобедать. Дома сложены из множества вкуснейших рыб, дороги мостят сырами, а заборы состоят из колбас. Колбасы же колосятся на полях, а вокруг полей шкворчат на вертелах гуси и столы накрытые чем-то вроде скатертей-самобранок ежесекундно готовы предоставить блюда на любой вкус каждому желающему. Там всегда лето, но если вдруг зима и случается, то метели из муки и сахара. А еще три дня в неделю наблюдаются осадки из горячих кровяных колбас. Вот это уже звучит угрожающе, но все довольны. О, сколь много чудес в той стране! Ведь и одежда у всех там новая и чистая, никто не мерзнет и не одет в лохмотья, всем раздают лучшие суконщики прекрасные костюмчики, да туфельки. И любовь там процветает свободная - каждый может выбрать понравившуюся даму и каждая дама может свободно выбрать себе кавалера и никто их не осудит, потому что в стране Кокани осуждать не принято, там все счастливы. Это особенно прикольно, потому что первая рукопись про Кокань относится в 1250 году, а, вроде как, всего за лет 30 до этого католическая церковь официально постановила, что у женщины стоит спрашивать согласие на брак. Есть и некое противоречие - кто больше спит, тот больше всех зарабатывает, но совершенно не ясно зачем, ведь вокруг все бесплатное, а на полях тут и там валяются кошели полные разнообразных золотых монет. Наверное, так просто смешнее. Еще там необыкновенный календарь - в году четыре Пасхи, четыре дня святого Иоанна, четыре праздника сбора винограда, и вообще каждый день — либо праздничный, либо воскресный; есть четыре Дня Всех Святых, четыре Рождества, четыре Сретения, четыре праздника Карнавала, а вот Великий пост соблюдают лишь раз в двадцать лет, и то, по желанию. А самое чудесное, что есть в Кокани - это источник вечной молодости. Течет за городом река, Не широка, не глубока. Столетний дед с одышкой Ныряет в воду стариком, А вынырнет парнишкой. Когда поеду в ту страну, Я захвачу с собой жену. Пусть в речку окунется И вновь невестой молодой Немедля обернется.

​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси Аукционы в марте 2021 года принесли несколько неожиданных сюрпризов. Вновь заявил о себе криптовалютный рынок. На этот раз один из его игроков за внушительную сумму купил целиком самое большое в мире полотно, которое автор планировал продать частями. «Воин» Жана-Мишеля Баскии стал самым дорогим произведением западного искусства, проданным в Азии. А антипандемическое заявление Бэнкси установило рекорд для его работ. Осенью прошлого года британский художник Саша Жафри попал в книгу рекордов Гиннеса как создатель самой большой в мире картины под названием «Путешествие человечества». Теперь она продана на аукционе за не менее внушительную сумму в 62 миллиона долларов. Такой результат поставил Жафри на четвёртое место в списке самых дорогих из ныне живущих мастеров — после Джеффа Кунса, Дэвида Хокни и цифрового художника Бипла. Покупателем стал французский крипто-бизнесмен Андре Абдун. Выручка от продажи картины пойдёт на благотворительность. Произведение занимает площадь в 1580 квадратных метров, что приблизительно соответствует двум теннисным кортам. Жафри создавал его в течение восьми месяцев, когда застрял на карантине в пятизвёздочном отеле Atlantis The Palm в Дубае. Холсты он размещал на полу танцевального зала гостиницы. Картина навеяна детскими рисунками — художник просил детей со всего мира нарисовать их впечатления во время пандемии. 44-летний Жафри получил работы более чем из 140 стран. Первоначально он планировал разделить картину на 70 частей и продать на четырёх аукционах. Но теперь, благодаря Андре Абдуну, для неё будет построен музей и открыт благотворительный фонд. Картина «Воин», которую Жан-Мишель Баския написал в 1982 году, установила новый рекорд среди произведений западного искусства, проданных в Азии. Она ушла на аукционе Christie’s в Гонконге за 41,8 миллиона долларов США. Предыдущим рекордсменом была абстракция немецкого художника Герхарда Рихтера. В октябре прошлого года на Sotheby’s за неё выложили 27,7 миллиона долларов. Продажа картины Баскии стала аукционом одного лота перед лондонско-гонконгским марафоном произведений XX века, сюрреализма и современного искусства. Фокусом торгов стала работа Бэнкси «Тот, кто меняет игру» (2020), которую продавали в пользу сотрудников и пациентов университетской больницы Саутгемптона. Художник даже получил особое разрешение от Красного Креста на использование культового знака организации в своей работе — подобные просьбы удовлетворяются редко. Предварительная оценка картины кол...ась от 2,5 до 3,5 миллионов фунтов стерлингов, и когда ставки достигли 5-ти миллионов, торги несколько замедлились. Однако они вновь оживились, когда в битве остались двое участников. Они шли нос к носу с шагом в 200 тысяч фунтов стерлингов, и в конце концов победитель предложил 14,8 миллиона. С учётом премии окончательная цена составила 16,8 миллиона фунтов стерлингов или 23,2 миллиона долларов США. Это не только впечатляющий вклад в благое дело, но и новый аукционный рекорд для Бэнкси. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/25ffc61083c73277f5828.jpg

"Сад Ошеде. Монжерон" 1881 г. Альфред Сислей ГМИИ имени А. С. Пушкина. Этот сад писал не только Сислей. Хозяин сада и дома в Монжероне, Эрнест Ошеде, был одним из первых поклонников молодых художников-импрессионистов. Он покупал их картины и часто спасал этим от голода. И был, кстати, владельцем легендарного полотна Моне «Впечатление. Восход солнца», которая дала название всему движению молодых художников. Он приглашал Клода Моне, Эдуара Мане и Альфреда Сислея в свое поместье в Монжероне, где они жили по несколько месяцев и писали местные пейзажи и декоративные панно для огромного дома Ошеде. Художники отдыхали: в этом доме их всегда ждала мастерская в парковом павильоне, приятное общество, изысканная еда и вино, солнце и живописные места. Эрнест - наследник успешного бизнеса. Его родители создали торговое предприятие и занимались продажей тканей. У него жена Алиса, тоже богатая наследница крупных промышленников, и пятеро детей. Дела идут неплохо. Когда Эрнест разорится, бестолково угробит родительский бизнес и истратит родительские деньги, парижские журналисты будут писать ядовитые статьи: как это мило со стороны художника Клода Моне - приютить у себя в доме семью Эрнеста Ошеде, который стал банкротом, покупая его картины. Это была правда лишь наполовину: Моне действительно пригласил Эрнеста, Алису и их детей снимать один дом на две семьи, когда с деньгами у Ошеде стало туго. Но в разорении неудачливого торговца виноват был только он сам. Этот солнечный пейзаж Сислея подписан 1881 годом - к тому времени Эрнест уже разорился и заложил поместье. Его семья уже жила с Клодом Моне, а сам он был в постоянных разъездах и увлеченно делал карьеру журналиста в Париже. Дети Эрнеста скоро станут называть Клода Моне папой, а пока еще законная жена Ошеде Алиса станет возлюбленной и помощницей Моне. Так что скорее всего Сислей начал работу над «Садом Ошеде» за несколько лет до этого, когда Эрнест еще мог себе позволить скупать картины импрессионистов сотнями, когда беззаботная жизнь в Монжероне казалась бесконечной, а легкий летний флирт хозяйки дома Алисы Ошеде и молодого темпераментного талантливого Клода Моне еще казался мимолетным и несерьезным. Вот только дотянутся знойные ленивые тени до другого края сада - и все это наваждение рассеется. АльфредСислей Импрессионизм _history

"Портрет Хайме Сабартеса" 1901 г. Пабло Пикассо ГМИИ имени А. С. Пушкина. После самоубийства друга Карлоса Касагемаса 20-летний Пабло Пикассо погрузился в глубокую депрессию и уныние. Он косвенно винил себя в смерти друга, в том, что не смог остановить его. Это бесконечное отчаяние нашло отражение в его картинах – так начался «голубой» в творчестве Пикассо. И «Портрет Хаиме Сабартеса» - одна из первых работ этого периода. Если сравнить эту картину с другими портретами Сабартеса, написанными художником в течение жизни, и с посмертными портретами Касагемаса, можно заметить, что герой этой работы гораздо сильнее похож именно на Карлоса. Хаиме Сабартес был одним из ближайших друзей Пабло Пикассо на протяжении почти всей жизни. Они были ровесниками и разделяли общие взгляды и устремления. Сабартес, как и Пикассо, был художником, но кроме этого еще писал стихи и прозу и получил большую известность в качестве поэта. Хаиме родился и много лет прожил в Барселоне, в юности он был завсегдатаем знаменитого местного кафе «Четыре кота», где и познакомился с Пикассо. В 1935 году Сабартес переехал в Париж по просьбе художника и до конца жизни был его личным секретарем и менеджером, занимаясь, среди прочего, организацией выставок художника. Хаиме Сабартес любил в шутку называть себя «прародителем синевы «голубого» периода». В его первом портрете работы Пикассо объединились и синяя цветовая гамма, и ощущение тоски, которое будет пронизывать все картины художника последующих четырех лет. Сабартес рассказывал, как была написана эта работа. Он сидел за столиком парижского кафе в полном одиночестве и скучал, как вдруг появился Пикассо в компании друзей. Оказалось, художник заметил друга раньше и успел набросать его портрет, для которого Сабартес, конечно, не позировал, поскольку был уверен, что никто не обращает на него внимания. Спустя несколько дней Пикассо пригласил Хаиме в свою студию и показал ему готовую работу. Сабартес вспоминал: «Когда он положил портрет на мольберт, я был поражен, увидев себя и призрак своего одиночества, каким его видел Пикассо». ПаблоПикассо Постимпрессионизм _history

​​Эксперты выяснили, почему одна картина Пикассо стареет быстрее других Международная команда экспертов выяснила, почему одна из четырех картин Пабло Пикассо, годами находившихся в одних условиях, состарилась быстрее, чем другие. Учёные утверждают, что их проект — один из первых в своём роде. В нём сочетаются исследования химических свойств материалов с наблюдениями за механическими повреждениями. Это прорыв в усилиях консерваторов по предотвращению деградации картин. Он позволяет сохранить произведения, контролируя состояние окружающей среды. Исследование было сосредоточено на четырёх картинах, вдохновленных «Русскими балетами» Сергея Дягилева. Пикассо создал работы всего за несколько месяцев, работая в студии друга в Барселоне в 1917 году. В этот период художник мерсеризовал хлопковые холсты и закупал материалы — в том числе масляные краски на основе высыхающих масел, таких как льняное и подсолнечное, а также животный клей, которым он покрывал полотна — у ограниченного числа поставщиков. До 1970 года эти работы хранились в семейном доме Пикассо и впоследствии были переданы в дар музею художника в Барселоне. То есть на протяжении всего времени они подвергались идентичным воздействиям окружающей среды. Поэтому персонал учреждения забеспокоился, когда обнаружилось, что одна из работ, «Сидящий человек», оказалась повреждена сильнее, чем три другие. «Всю окрашенную поверхность картины покрыли трещины, — сказала Лаура Фустер-Лопес, профессор консервации Политехнического университета Валенсии. — Это похоже на русло пересохшей реки, где видны расселины и складки на поверхности». Чтобы разгадать загадку, музей в 2017 году инициировал трёхлетний исследовательский проект ProMeSa. Деньги выделило Министерство науки и инноваций Испании. В команду вошли консерваторы, эксперты по механическим повреждениям и специалисты по неинвазивным методам исследования из Италии, Канады и Дании. Сходство между составом и возрастом произведений, а также тот факт, что они никогда не разделялись, позволило учёным выделить переменные, чтобы точно определить, какие материалы вызвали деградацию. Команда прибегла как к химическим анализам, так и неинвазивным методам (рентген, инфракрасное излучение и рефлектография) для изучения различных слоёв — от краски на поверхности до грунтового слоя на холсте. Портрет «Бланкита Суарес» Пабло Пикассо написал в тот же период, что и «Сидящего человека». Обе картины хранились в доме художника, а потом одновременно были переданы в музей. Однако «Бланкита» сохранилась существенно лучше. Исследователи обнаружили, что для «Сидящего человека» Пикассо взял холст с более плотным плетением и покрыл его более толстым слоем грунта из животного клея. Эти два фактора привели к тому, что когда картины подвергались воздействию переменной влажности, возникало большое внутреннее напряжение. А химические реакции между определёнными пигментами и связующими веществами вызывали разрушение красок. В результате красочный слой постепенно потрескался. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/28b1361415353c8e8097b.jpg

Литографированная открытка. Остроумова-Лебедева Анна Петровна (1871-1955). «Летний сад». 1943. 10,4х14,7. A lithographed postcard. Ostroumova-Lebedeva Anna Petrovna (1871-1955). "Summer Garden". 1943. 10, 4x14,7 cm

Искажающих сознание картины оптических иллюзий от Олега Шупляка Украинский художник Олег Шупляк , безусловно, знает, какими они могут быть ошеломляющими, ведь он специализируется на их создании. 52-летний художник учился на архитектора и в ходе этого своего обучения он научился создавать изображения внутри других изображений. Будучи очарованным этой техникой, в своё свободное время он стал рисовать знаменитых деятелей искусства и культуры, вписывая их в разные композиции - так и появились на свет его удивительные оптические иллюзии. Олег Шупляк - Галилео Галилей

"Сосновый бор" 1895 г. Иван Иванович Шишкин Дальневосточный художественный музей, Хабаровск. Этот «Сосновый бор» украшал бильярдную Николая II. Как же картина попала на Дальний Восток? Ради ответа на этот вопрос придется вспомнить послереволюционное время. Владельцы дворцов и усадеб, обладатели богатейших коллекций бросали всё и эмигрировали за границу. Ценные предметы искусства изымались и свозились в Москву и Петроград. Через какое-то время фондохранилища музеев оказались переполнены. Было принято решение пополнять собрания провинциальных музеев. Так в Хабаровский музей попало множество значимых живописных произведений, в том числе «Сосновый бор» Шишкина. Автор опознается с первого взгляда: перед нами типичный шишкинский монументальный пейзаж, столь любимые им вековые сосны, которые, кажется, держат небо на своих верхушках. Выдают авторство Шишкина и свойственный ему достаточно сдержанный колорит, но при этом – виртуозное владение приемами светотени. Картина изображает погожий, скорее всего летний день, впрочем, в сосновом бору и в такую погоду царит прохлада и влажность: лужа на переднем плане не высохла и усиливает ощущение густого, напоенного сосновыми ароматами воздуха. ИванШишкин Реализм _history

"Автопортрет" 1622 г. Антонис ван Дейк Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Автопортретов Ван Дейк написал за свою короткую жизнь очень много. Гораздо больше, к примеру, чем даже его учитель и в каком-то смысле соперник Рубенс. Пожалуй, по числу собственных авторских изображений Ван Дейк сопоставим лишь с другим великим голландским художником - Рембрандтом. Однако специалисты склонны оценивать автопортреты Ван Дейка ниже: они утверждают, что целью Рембрандта, из года в год пишущего собственное лицо (неприметное, но обретающее всё большую значительность) было самопознание, в то время как автопортреты Ван Дейка говорят скорее о нарциссическом самолюбовании. Мы вольны соглашаться или противиться такому профессиональному взгляду на автопортреты Ван Дейка и всё же ценность их несомненна: они дают нам вполне точное представление о художнике – нервном, эмоционально утонченном, явно болезненно честолюбивом и зависимом от роскоши и признания, словом, таком, каким, судя по сохранившимся документам и биографическим сведениям, Ван Дейк и был. Известен автопортрет на дереве, который написал 14-летний художник. Мы видим только лицо – но какое! С умным, твёрдым и уверенным взглядом и с вызовом в глазах. «Автопортрет» из Эрмитажа – это следующий этап в жизни Ван Дейка. Ему здесь слегка за двадцать. В это время Ван Дейк уже признанный мастер. Шутка ли – его иногда сравнивают с самим Рубенсом! В глубине души Ван Дейк считает такое сравнение обоснованным, но ведь далеко не все их равновеликость признают - и потому в его глазах по-прежнему вызов, даже некоторая спесь – и одновременно беззащитность. Ван Дейк прячет её под щегольской одеждой (говорили, что никто не умел писать блеск атласа и фактуру шёлка так, как это делал Ван Дейк), под несколько развязной позой. Он так стремится изобразить расслабленность, что это выглядит нарочитым. По воспоминаниям современников, Рубенс и Ван Дейк обладали совершенно различной физикой и несходными темпераментами. Рубенс был коренастым крупным человеком, основательным, неторопливым и спокойным. Ван Дейк, напротив, был мал ростом, тщедушен, нервен и импульсивен в работе. Некоторым заказчикам это претило. За тем, что можно ошибочно принять за самолюбование, мы видим на автопортрете Ван Дейка вполне исчерпывающую эмоциональную характеристику - живой темперамент, сплав легкомыслия и меланхолии, самоуверенности и беззащитности. Всем нам наверняка не раз встречалось утверждение, что длинные, конически сужающиеся от основания к кончикам пальцы – это признак артистичности натуры. Антонис Ван Дейк в этом смысле – пример ярчайший. На всех автопортретах, где он изображает себя не погрудно, а по пояс или в рост, бросаются в глаза его удивительные пальцы – изящные, тонкие, с тщательно ухоженными, отполированными ногтями. Интереснее другое: Ван Дейк изображал так не только себя. Красивые удлинённые пальцы встречаются на многих его картинах, они станут «визитной карточкой» художника и узнаваемой приметой его героев, которым Ван Дейк приписывал качества, которыми те могли и не обладать: поэтичность, аристократизм, утонченность и возвышенность помыслов. АнтонисВанДейк Портрет Барокко _history

Дмитрий Жилинский "Летний натюрморт" (1980)

"Портрет мадам Рекамье" 1800 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. Изображение мадам Рекамье специалисты считают, во-первых, лучшим портретом кисти Жака-Луи Давида, а во-вторых, эталонным примером стиля ампир в станковой живописи. Забавно, что сама Жюли Рекамье осталась недовольна картиной, из-за чего она так и не была дописана. Жюли Аделаид Рекамье (J. A. Recamier) – знаменитая на рубеже XVIII и XIX веков светская красавица и хозяйка знаменитого салона, который в эпоху Директории был главным центром парижской интеллектуальной жизни. Здесь встречались, флиртовали и до хрипоты спорили лучшие люди своего времени: писатель Шатобриан и критик Сент-Бёв, маршал Бернадот (будущий король Норвегии и Швеции) и романистка мадам де Сталь. Литература тут встречалась с политикой, а умная, образованная и, чего греха таить, чертовски привлекательная хозяйка умело модерировала общение между людьми нередко противоположных и даже враждебных взглядов. Среди воздыхателей Жюли числились брат Наполеона Люсьен Бонапарт, принц Август Прусский и еще многие. Слава мадам Рекамье очень скоро перешагнула границы Франции, а имя её перешло в разряд нарицательных. О ней говорили в Италии и Австрии, Англии и Германии. В далёкой России в начале XIX века «северной Рекамье» называли Александру Осиповну Смирнову, принимавшую у себя, развлекавшую и опекавшую лучших представителей русской литературы, включая Пушкина, Лермонтова и Гоголя. А проделавшая то же через 100 лет Зинаида Шаховская, в чьей гостиной встречались Бунин, Ходасевич, Замятин, Набоков, сетовала: о ней не перестают злословить, дескать, Шаховской всё не дают покоя лавры Рекамье. «Век не салонов, а гостиных. Не Рекамье – а просто дам», – писал о своём времени Блок. Её личная жизнь была необычна. Когда Жюли исполнилось 16, к ней посватался 42-летний богатый банкир Рекамье, некогда страстно влюблённый в её мать. Очень скоро они с Жюли повенчались, но близкий круг знал, что между супругами никогда не было интимной близости, а отношения в семье больше напоминали уважительное доверие между отцом и дочкой. Поговаривали, Жюли и в самом деле могла быть дочерью банкира Рекамье, который пошёл на неординарный шаг с женитьбой, чтобы в случае возможных политических потрясений его состояние перешло к его самому близкому человеку – Жюли. Возможно, именно поэтому Давид решил изобразить 23-летнюю мадам Рекамье в образе босоногой античной девственницы-весталки. Стиль ампир (многие его проявления станут называть «стилем Рекамье», как когда-то рококо называли «стилем Помпадур») как нельзя лучше соответствовал этому замыслу. Мадам полулежит на кушетке, напоминающей античные ложа. После портрета этот предмет мебели войдёт в моду, ампирную кушетку так и будут называть: «Рекамье». Белое платье с высокой линией талии похоже на тунику. Давид написал его без всякой современной отделки, чтобы оно выглядело по-гречески лаконичным и простым. Высокая прическа из кудрей «в греческом стиле», популярном в период Директории, по сравнению с «монархическими» пудреными париками кажется образцом естественности. Правда, Жюли была недовольна, что её черные от природы волосы Давид, увлёкшийся зелено-оливковой гаммой, ради цветовой гармонии сделал каштановыми. Давид писал «Портрет Рекамье» перфекционистски медленно и долго: то свет падал не оттуда, то настроение было не то. Капризная красавица устала ждать и поручила писать себя другому художнику – Франсуа Жерару. А Давид взревновал и сказал, что раз так, то он не станет завершать портрет: «У женщин свои причуды, мадам, а у художников – свои». Торшер и лампу на картине дописывал уже ученик Давида, Энгр. Впрочем, именно в этой аскетичной незавершённости, в гулком пустом пространстве, избавленном от громоздкой мебели и драпировок, сейчас видят главную прелесть картины, ведь они делают обаяние Рекамье еще более волнующим. ЖакЛуиДавид Классицизм _history

"За завтраком" 1914 г. Зинаида Евгеньевна Серебрякова Государственная Третьяковская галерея. «Как же за завтраком, когда обед подают?», – удивлялись зрители. Но в доме Серебряковых был принят европейский режим питания, более физиологичный, чем привычный трехразовый, состоящий из завтрака, обеда и ужина. Утром подавался «маленький завтрак», а в полдень следовало то, что мы называем ланчем, плотный второй завтрак. О нем и речь. За столом изображены трое старших детей художницы. По дальнюю сторону – восьмилетний Женя, на переднем плане – Саша, которому 6-7 лет, справа двухлетняя Тата. Младшей, Катюше, за стол пока рано, она еще на руках у кормилицы. Отдельный персонаж – руки кого-то взрослого, разливающие суп. Мы не знаем, кто это – бабушка, няня или кухарка. Но именно ее руки добавляют уюта и ощущения защищенности картине. Дети не оставлены, они под присмотром, их кормят. Смотреть, как ест ребенок – особое, понятное каждой матери ощущение. Это о том, что дети здесь, рядом, с ними всё хорошо, они сыты и здоровы. Руки на этом портрете вообще написаны виртуозно: разливающие суп руки взрослой женщины, мягкие, пухлые ладошки Таты, длинные пальцы уже большого Жени, Сашина ладонь с зажатой в ней ложкой – еще не такая вытянутая, как у старшего брата, еще таящая отголоски детский пухлости, но уже гораздо более «взрослая», чем младенческая ладошка Таты. Композиция кажется спонтанной, но при этом очевидно, что она хорошо продумана и согласована. Помимо великолепной работы портретиста, обращает на себя внимание и натюрморт. Серебрякова отлично передает фактуру предметов: матовое сияние столового серебра, блестящий желтый бок кувшина, поджаристая корочка хлеба, контраст материалов, тяжесть деревянных стульев, мягкая белизна скатерти, соединяющая и предметы, и персонажей вокруг себя. Эта работа – одно из самых интимных и обаятельных произведений Серебряковой. Она на долгие годы стала образцом семейного и детского портрета. По словам Александра Бенуа, Зинаида Серебрякова, «не знает себе соперников» в этом жанре. Картина «За завтраком» возникла не на пустом месте. Предварительные портреты, эскизы – в них уже заметно мастерство, с которым Серебрякова пишет детей: материнская интонация бесконечной нежности и при этом ни малейшего намека на слащавость, сентиментальность, сюсюканье. Так ребенка видит любящая его мать, а не дамы в салоне, умиляющиеся над парадным вариантом абстрактного ангелочка в кудряшках. Если попытаться сравнить детские портреты Серебряковой с кем-то, то разве с классиками. Впрочем, сама она такой аналогией была бы возмущена до глубины души, потому что чрезвычайно скромно оценивала собственное дарование и боготворила классиков. ЗинаидаСеребрякова Реализм _history

"Вывеска лавки Жерсена" 1720 г. Антуан Ватто Шарлоттенбург, Берлин. Знаменитая «Лавка Жерсена» - последняя и, как считают многие, лучшая картина Антуана Ватто. Она настолько богата колористически, что в ней заложены все цветовые возможности будущего рококо. Тем курьёзнее факт, что картина создавалась с вполне утилитарной целью – она действительно должна была служить вывеской, своего рода наружной рекламой для магазина произведений искусства на мосту Нотр-Дам, принадлежащего другу Ватто Жерсену. В 1720-м году Ватто вернулся из заграничной поездки. Англия воздала должное его таланту: здесь Ватто ценили едва ли не больше, чем в родной Франции. Но долго наслаждаться признанием не пришлось. Прохладный и влажный британский климат обострил давнее заболевание – туберкулёз. Полумёртвый художник вынужден был вернуться в Париж. Жить ему оставалось не более года. К этому моменту 35-летний Ватто был не только широко известен, но и весьма богат. Однако, как и раньше, ему и в голову не приходит обзавестись собственным домом. Всю прошедшую жизнь он предпочитал жить под кровом кого-то из друзей. Так было и на этот раз. Торговец предметами искусства Жерсен с радостью дал приют измождённому чахоткой художнику. В благодарность и чтобы «размять пальцы, истосковавшиеся по работе», Ватто предложил написать для его заведения вывеску – нечто вроде рекламного панно полтора на три метра, раскрывающего покупателю, что его ждёт, когда он переступит порог лавки Жерсена. Жерсен, кстати, отказывался – ему было чудовищно неловко, что такой знаменитый мастер будет писать его скромную лавку. Но Ватто было невозможно переспорить, настолько он был упрям. «Вывеска лавки Жерсена» была окончена всего за неделю, хотя работать Ватто мог только утром, послеобеденное время до вечера уходило на восстановление сил. Чахотка доконала его, и видимо, художник это чувствовал: сейчас картину называют «Завещанием Ватто». Мы видим на ней самый обычный день в магазине, торгующем картинами. Кто-то из покупателей приценивается к картинам. Кто-то уже определился – и его покупку упаковывают в коробку, чтобы доставить по назначенному адресу. Тщательно и реалистично написаны обстановка и ткани, мастерски расставлены фигуры. А картины на «Вывеске Жерсена» не условны, а конкретны и узнаваемы. На стенах – только работы любимых художников Ватто: Веласкеса, Рубенса, Йорданса. А в ящик пакуют портрет Людовика XIV, написанный придворным художником Риго. Король-Солнце скрывается со сцены. Король-солнце сыграл в ящик. Для биографии Ватто этот образ очень символичен, ведь ему суждено было стать родоначальником новой эпохи в живописи, наступившей как реакция на искусство уходящего века Людовика XIV, – эпохи рококо. Но самое значительное в «Лавке Жерсена» – её колорит. Здесь нет чистых и ярких цветов. Вместо этого мы видим невероятное богатство сложных оттенков, их тонких переливов. Говорят, всем будущим приверженцам рококо и последователям Ватто уже не нужно было ничего изобретать в области цвета: все его возможности абсолютно исчерпывающе представлены в палитре «Лавке Жерсена». Уже художники-современники это хорошо понимали. После смерти Ватто они извели Жерсена упрёками, что шедевр такой силы не должен «работать вывеской». Картина провисела снаружи совсем недолго, Жерсен был вынужден уступить и убрать картину, чтобы её не испортила непогода. Сейчас «Лавка Жерсена» хранится в замке Шарлоттенбург, в Берлине. АнтуанВатто Рококо _history

Летние интенсивы по современному искусству Moscow School of Contemporary Art — образовательная институция, которая готовит профессионалов различных специализаций в области современного искусства. Сейчас идет набор на летние интенсивы, кураторы которых ведущие эксперты в своей области: ️Стрит-арт: теория и практика 1 июня-11 июля ️Основы перформанса 2 июня–11 июля ️Основы галерейного бизнеса 3-6 июня ️Продвижение и пиар в современном искусстве 17-20 июня ️Арт-менторинг Online-интенсив 5-31 июля ️Практика и теория современного искусства 11-14 июля ️Современная скульптура: от идеи к выставке 26-29 июля ️Тренды в современной живописи 19-27 июля. MSCA — проект университета креативных индустрий Universal University, объединивший более чем 10-ти летний опыт Британской высшей школы дизайна в сфере искусства, международного образования и взаимодействия с ключевыми арт-институциями России и других стран. ️Подробнее о курсах

Обычные очки. История произошла в 2016 году. 17-летний Тиджей Кайтан с друзьями посетил музей современного искусства SFMoMA в Сан-Франциско, чтобы немного "вдохнуть" искусства в себя. Как говорит сам Тиджей: “По первому прибытию мы были очень впечатлены произведениями искусства и картинами, представленными в огромном музее. Однако не все "искусство" стало удивительным для некоторых из нас. Мы наткнулись на чучело в сером одеяле, и задумались - действительно ли это является искусством?” Тогда Тиджей решил провести эксперимент, он поставил на пол очки и стал наблюдать за реакцией людей. Большинство посетителей музея заинтересовались, некоторые из них фотографировали очки, думая, что в инсталляции есть смысл. Тот же фокус он провернул и с кепкой.

Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии 1872 Иван Шишкин Третьяковка, Москва Воспроизводить леса и природу родной стороны без прикрас, реалистично и правдиво – вот то, к чему всегда стремился Шишкин. Летний полдень, сосновый лес и небольшой ручей. Солнце осветило макушки деревьев и проникло на опушку леса, играя бликами в воде и на траве. Вода в ручье такая прозрачная, что виден каждый камешек на его дне. Под одной из сосен художник с любовью и не без доли тонкого юмора нарисовал двух медвежат, выбравшихся на солнечную полянку и желающих найти, чем им можно полакомиться. Кажется, ничто не нарушит это спокойствие и тишину. Но взгляд привлекает парящий в небе коршун, высматривающий добычу, а голубой цвет неба плавно переходит в пасмурные, грязно-фиолетовые тона. Картины художника напоминают иллюстрацию к русской народной сказке или былине и в то же время в них ничто не приукрашено - они достоверны и правдивы.

​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В последние недели жизни Винсент Ван Гог познакомился с австралийским художником, который значительную часть своей жизни провёл в Японии. До недавнего времени Эдмунд Уолпол Брук был загадочной фигурой. Однако Цукаса Кодера — японский специалист по Ван Гогу — нашёл одну из его акварелей. Её купила в апреле американская пара за 45 долларов. Акварельный пейзаж с пышной растительностью изображает женщину в кимоно с младенцем на спине, выходящей из традиционного японского дома. New York Times пишет, что его купили Кэтрин и Джон Мэтьюз в магазине, торгующем подержанной мебелью и предметами интерьера. Владелец лавочки приобрёл картину лет 15 назад в поместье в штате Нью-Гэмпшир, у семьи, которая переехала из южной Калифорнии. Там проживали два брата Брука, так что у работы есть потенциальная связь с художником. Кэтрин Мэтьюз купила акварель просто потому, что та ей понравилась, и повесила в столовой (позже её перенесли). Женщина заинтересовалась подписью, и поиски привели её к Кодере, профессору-искусствоведу из Университета Осаки, который исследовал жизнь и творчество Брука. Учёный считает, что акварель действительно принадлежит приятелю Винсента: «Она подписана E.W. Brooke и представляет японский пейзаж. Но для полной уверенности необходимы дополнительные исследования». Прежде Кодера обнаружил лишь одну картину художника — сцену в японском саду с женщиной, кормящей цыплят. Однако эта работа исчезла в частной коллекции, и сейчас известна только по небольшой фотографии. У неё близкое сходство с нынешней акварелью, хотя подпись едва различима. Кто такой этот Брук и какова его связь с Ван Гогом? Он родился в 1865 году неподалёку от Мельбурна в семье англичан. Когда мальчику было четыре года, его родители переехали в Йокогаму. Отец Брука был журналистом англоязычной газеты в Японии. Уже подростком Эдмунд заявил о намерении стать художником. Вероятно, он учился в Йокогаме у иллюстратора-англичанина Чарльза Виргмана, создателя японской версии журнала «Панч». В 1885 году Брук отправился изучать живопись в Париж, где его преподавателем был успешный художник Жан-Леон Жером. Весной 1890 года 24-летний Эдмунд Брук поехал работать в деревню Овер-сюр-Уаз, где в то время жил Винсент Ван Гог, и оба художника познакомились. В начале июля Винсент сообщил своему брату Тео: «Брук жил здесь, в Овере, несколько месяцев, и время от времени мы вместе выходили [писать]. Он вырос в Японии, о чём ты ни за что не догадаешься по его картинам». Вероятно, Ван Гог имел в виду, что стиль Брука сильно отличался от японских гравюр. Винсент, большой поклонник японского искусства, наверняка расспрашивал Брука о жизни и культуре Японии. Австралиец был едва ли не единственным из его знакомых, кто провёл значительную часть своей жизни в Стране Восходящего солнца. А вот его работы Ван Гога не впечатлили, он описал их как «довольно безжизненные», хотя заметил, что Брук «по-настоящему наблюдает за природой». Единственное документальное свидетельство связи Винсента и Брука — помимо пары фраз в переписке Ван Гога — это визитная карточка, которую нашли в одном из альбомов голландца. Коллега, вероятно, оставил её во время посещения квартиры Тео в январе 1891 года, когда хотел посмотреть картины его брата. На карточке есть адрес Брука в Овер-сюр-Уазе, написанный от руки. Это «Отель дю Кадран», существовавший до недавнего времени. Почерк сильно отличается от подписи австралийца на акварели, но на картинах автографы художников зачастую стилизованы и не похожи на их обычный почерк. О творчестве Брука известно мало. Он продемонстрировал две картины на летних выставках в Королевской академии художеств в Лондоне. Это «Собор Парижской богоматери ночью» — в 1890 году и «Мисс ***" годом позже. В начале 1890-х художник вернулся в Йокогаму и несколько лет продолжал писать, но позже устроилась корректором в Japan Daily Herald. Он женился на японке по фамилии Секи (или имел с ней отношения), и у них родилась дочь по имени Уме. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/09d6d809b6cee58572052.jpg

Эмиль Клаус "Летний вечер" (1895)

Томас Лоуренс "Красный мальчик" (1825) Семилетний мальчик на картине - Чарльз Уильям Лэмбтон, представитель влиятельной британской семьи. Его дед, Чарльз Грей, позже станет премьер-министром Великобритании, а отец - депутатом парламента. Отец заплатил художнику 600 гиней за написание этого портрета, что было огромной суммой денег, эквивалентной сегодня около $ 60 000. В начале этого года Национальная галерея приобрела работу за более чем $ 10 млн. Изначально художник "нарядил" мальчика в желтый цвет, однако герой сливался с коричневым фоном камня на заднем плане. В итоге победил багряно-красный оттенок, придавший лоск юному джентльмену. К сожалению, судьба мальчика сложилась трагически: он скончался от туберкулеза в возрасте 13 лет. "Красный мальчик" стала первой картиной, которую поместили на британские почтовые марки в 1967 году.

"А еще говорят, что рыба дорога!" 1894 г. Хоакин Соролья Национальный музей Прадо, Мадрид. «А еще говорят, что рыба дорога!» — самая известная картина Сорольи на социальную тему. В 1895 году художник представил эту работу вместе с тринадцатью другими (в основном портретами) на Национальной выставке в Мадриде. «А еще говорят, что рыба дорога!» повторила успех картины «Другая Маргарита», которая тремя годами ранее принесла Соролье золотую медаль «испанского Салона». После выставки полотно купили для музея современного искусства, а в 1971 году оно попало в коллекцию Прадо. Два этюда к картине хранятся в Музее Сорольи, который с 1932 года работает в мадридском доме художника. Большую часть национальных наград Соролья получил за полотна на историческую и социальную тематику, которые в художественных кругах Мадрида тогда были, что называется, в тренде. Эту работу он создал тоже специально для столичной выставки. «Я заканчиваю мою картину для Салона… Это сцена с рыбаками внутри рыбацкой лодки», — написал Соролья в письме другу в начале 1894 года. И хотя 31-летний живописец преследовал вполне определенные цели, «А еще говорят, что рыба дорога!» — это не формальная конкурсная работа, а выдающее произведение искусства, в котором видна рука большого мастера. Соролья вырос в Валенсии в семье слесаря, его с детства окружали ремесленники, и он с большим уважением относился к рыбацкому труду, который кормил многих жителей города. Тема была настолько близка и понятна художнику, что он создал работу, которая сейчас считается одной из самых пронзительных картин испанского социального реализма рубежа XIX и XX веков. На полотне мы видим сцену в трюме лодки, в центре которой находится юный рыбак, раненый в результате происшествия в море. Он обессиленно лежит, пока ему оказывают помощь два старших товарища: один поддерживает за плечи, второй, в традиционной каталонской шапочке барретине, прикладывает компресс к ранам. На обнаженной груди юноши висит амулет, который должен охранять рыбаков от несчастий. Трюм завален рыболовецкими принадлежностями. На переднем плане расположена кастрюля с водой, в которой моряк смачивает ткань для компресса, а на заднем, в верхнем левом углу, виднеется рыба, пойманная в этот горестный рабочий день. Фигуры рыбаков довольно велики относительно размеров холста, что придает композиции монументальность. Художник смещает перспективу трюма, усиливая эффект необычного пространственного размещения персонажей и показывая лестницу, с которой спустили раненого. Он «схватывает» свет, который проникает в трюм через люк и падает на юношу. Тело раненого рыбака еще не знало суровых испытаний — автор подчеркивает его абсолютную беспомощность. А вот на сосредоточенных лицах морских волков мы видим печать мужества и самообладания. Все это придает картине драматическую торжественность и вызывает ассоциации с пьетой — изображением сцены оплакивания Богоматерью Иисуса Христа. Соролья создал мирской вариант пьеты, проникнутый мужским благородством, которое он разглядел в валенсийских рыбаках. Картина «А еще говорят, что рыба дорога!» выполнена в реалистично-натуралистической манере, которая характерна для раннего этапа творчества Сорольи. Он поставил перед собой задачу отобразить суровую правду жизни и с блеском ее выполнил. Последующие картины художника, на которых изображены рыбаки, отличаются и по настроению, и по технике исполнения, и по цветовой гамме. Яркий пример — написанное в том же 1894 году «Возвращение с рыбалки». Название картины навеяно романом знаменитого испанского писателя Висенте Бласко Ибаньеса «Майский цветок». В конце произведения, посвященного тяжелой доле рыбаков, погибает юный моряк Паскуало. Матушка Пикорес, посылая проклятья в адрес хозяек, торгующихся на рынке, кричит: «Рыба им слишком дорога? Вот как? Да не дорого бы и по целому дуро за фунт!». Ибаньес, земляк, современник и друг художника, запечатленный на одном из портретов, опубликовал «Майский цветок» в 1895-ом — тогда же Соролья представил полотно «А еще говорят, что рыба дорога!» на суд зрителей. ХоакинСоролья Реализм _history

"Автопортрет с палитрой" 1906 г. Пабло Пикассо Художественный музей Филадельфии. Пикассо создал этот автопортрет в 25 лет. На подготовительных рисунках он поместил кисть в правую руку, но решил не включать её в окончательный вариант. Отсутствие этого предмета заметно; возможно художник посылает зрителю сообщение: творчество – это не просто навык, а внутреннее видение. Голова яйцевидной формы, широко раскрытые глаза и удлинённые уши – эти элементы Пикассо позаимствовал у древних скульптур. В этой картине его лицо похоже на загадочную, словно маска, лицо резной головы. Такие фигурки находили на археологических раскопках неподалёку от Малаги, где родился художник, и потому автопортрет связан с его особым чувством к родным местам. Эта картина относится к «розовому периоду» в творчестве Пикассо, который продолжался с 1904-го по 1906 год. В этот промежуток времени он использовал в своих картинах весёлые оранжевые и розовые оттенки – в отличие от прохладных, мрачных тонов предыдущего «голубого периода». Годы «голубого периода» были тяжёлыми для Пикассо – он жил в крайней нищете, постоянно голодал и испытывал отчуждение. Всё это молодой художник выражал в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества. В августе 1904 года 24-летний Пикассо встретил Фернанду Оливье, романтическая связь с которой благоприятно повлияла на его творчество. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. Возможно, это и было одной из причин изменения стиля живописи Пикассо. В его картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца долгой карьеры живописца. И если «голубой период» Пабло Пикассо сегодня пользуется более широкой популярностью у публики, «розовый» имеет гораздо большее художественно-историческое значение. В этот отрезок времени он начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века. Впрочем, современники Пикассо не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним. Депрессия художника улеглась, но не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Но если работы «голубого периода», кажется, выражают скорбь художника, то герои картин «розового периода» не скорбят, хотя по-прежнему демонстрируют покорность судьбе. Произведения Пикассо в «розовый период» начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Пикассо продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. И хотя это шаг в направлении абстрактного искусства, это не самая важная особенность «розового периода» Пикассо. Прорывом этого короткого отрезка времени стала плавная линия, которую Пикассо начал осваивать в 1904 году – и она очень хорошо выражена в «Автопортрете с палитрой». Эта беглость и утончённость линии – уникальный вклад Пикассо в экспрессионизм. «Розовый период» отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем. ПаблоПикассо Портрет Экспрессионизм _history

Грицай Алексей Михайлович (1914 - 1998). «Летний сад», 1955 Alexey Mikhailovich Gritsai (1914-1998). "Summer Garden", 1955

Владимир Маковский "К венцу. Прощание" (1894) На картине художник изобразил сцену прощания невесты с ее старым и больным отцом. В глазах девушки видны слезы — героиня картины идет под венец с нелюбимым человеком. Пожилого отца Маковский написал в поношенном сюртуке и среди скромной обстановки. Для старика художнику позировал его друг, 60-летний художник-акварелист Федор Ясновский. Его же можно увидеть на картине «Две сестры». А невесту Маковский рисовал со своей дочери Елены, на момент написания картины ей был 21 год.

​​️Летний кинотеатр РОСИЗО открывает кинопоказы коротким метром.   Начиная с 10 июня под открытым небом будет демонстрироваться уникальный контент — фильмы, недавно вышедшие в прокат и вызвавшие интерес у публики.   Покажут и ролики победителей конкурса «Миры Тарковского». За расписанием сеансов в летнем кинотеатре можно следить на сайте   Вход бесплатный при регистрации ️Фестиваль креативных индустрий НИУ ВШЭ Telling Stories пройдет в Казани 11 июня.   Посетителей ждут бесплатные лекции, выставка и концерты.   Проект посвящен инновациям, трендам и образованию в сферах кино, новых медиа, игровой индустрии, маркетинга и коммуникаций, искусства, дизайна и моды. Регистрация и программа   ️10 июня на ВДНХ откроется мультимедийная выставка-погружение «Петр Великий. Рождение империи».   ️Шестой международный театральный фестиваль под открытым небом «Толстой» пройдет в музее «Ясная Поляна». Даты будут объявлены позднее.   От автора: Была в «Ясной Поляне» и до сих пор чувствую запах яблок и то впечатление, будто время остановилось. Усадьба у Льва Николаевича необъятна. Невероятно, но музей был основан в 1921 году. А саму усадьбу прадед Льва Толстого князь Сергей Волконский купил в 1763 году. В своем доме Лев Толстой родился и прожил более 50 лет. Именно здесь он написал свои главные труды.   Читала, что Лев Николаевич сам насажал большой яблочный сад: более 7800 деревьев. Софья Толстая писала: «Взглянешь в окно в сад и всякий раз поразишься этим воздушным белым облакам цветов в воздухе, с розовым оттенком местами и со свежим зеленым фоном вдали». Сейчас в яблочном соду можно найти 30 различных сортов яблок. Посмотрите это чудесное видео и навестите «Ясную Поляну» этим летом   Фото: Дом Льва Николаевича Толстого, Предоставлено пресс-службой фестиваля https://telegra.ph/file/db1fccc49e08b32606da6.jpg

​​Субботний солнечный день я провела в «Коломенском» во Дворце царя Алексея Михайловича на выставке  «От Аввакума до Агафьи. Наследие старообрядчества»   Проект посвящен 400-летию со дня рождения протопопа Аввакума, русского писателя и религиозного деятеля, автора первой автобиографии и самого ярого противника церковных реформ патриарха Никона.    Видеть такие проекты — это редкость и большая удача.   Что можно посмотреть: ️первое из известных изображение протопопа Аввакума — икону, написанную в конце 17-начале 18 в. на Керженце ️подлинные письма и автографы Аввакума и боярыни Феодосии Морозовой ️этюды Василия Сурикова для знаменитой картины «Боярыня Морозова» ️подлинные документы времен церковных реформ ️материалы, связанные с историей семьей старообрядцев (Агафьи Лыковой в частности) ️церковные книги, живопись, иконы, предметы церковного обихода, ювелирные изделия — драгоценное старообрядческое искусство.    Особо впечатляет история и духовное мужество Соловецкого монастыря в Белом море.   Здесь и «Боярыня Морозова» кисти Василия Сурикова, которая одним зимним московским днём, закованная в цепи, показывает нам жест двуперстного крещения вместе «нового» троеперстного на известной картине в Третьяковской галерее.   Показ выставки сопровождает VR-контент, специально снятый в интерьерах Покровского кафедрального собора Старообрядческой церкви.    Как предметы искусства доходят до нас сквозь века?   Я спросила себя, пока по другую сторону стекла на меня смотрел 400-летний пропитанный временем и сложнейшими человеческими чувствами мешок, где протопоп Аввакум хранил свои письма.   Культура и искусство — это дар человеческому гению и ценность их вне времени. Они вечны. Я очень рекомендую вам приехать на выставку и познакомиться с наследием, которое сохранило для нас старообрядчество.  Сам Дворец царя Алексея Михайловича словно из сказки и внутри так уютно.  Выбирайте тёплые деньки и прогуляйтесь по весеннему «Коломенскому», встретив закат на смотровой и выпив ароматный чай после выставки.   Подробности https://telegra.ph/file/a8e69f818c61067e563cd.jpg

В 1914 году 23-летний Отто Дикс отправился на фронт добровольцем. Всю войну он провёл на западном фронте, был участником жестоких сражений во Фландрии и Шампани. Это был его главный и самый печальный жизненный опыт. Ужасы войны привели к изменению не только мировосприятия, но и манеры художника. Примером такой метаморфозы, произошедшей в сознании художника, могут служить два совершенно разных автопортрета: «Автопортрет с гвоздикой» (1912 г.) и «Автопортрет солдата Дикса» (1914 г.).

​​«Поехали!» — девиз прорыва человека в неизвестность. 12 апреля 1961 года в 09:07 по Москве впервые человек совершил полет в космос. На корабле «Восток» 27-летний советский космонавт Юрий Гагарин взлетел с космодрома «Байконур» и совершил 108-минутный виток вокруг Земли. Фото: Роскосмос https://telegra.ph/file/bfa8a51e8a923868ea77f.jpg

"Летний костёр на скагенском пляже" 1906 г. Педер Северин Крёйер Музей Скагенс, Скаген. Последняя масштабная работа Крёйера Огромный костер на скагенском пляже разведен в честь летнего равноденствия и праздника святого Ханса – аналог нашего дня Ивана Купалы. Эту картину называют завещанием, прощанием Крёйера. Художник чувствовал, что жить ему осталось недолго. Кажется, к этому костру он пригласил всех важных для него людей, с которыми пересекался в Скагене. Впервые задумка такой работы возникла у Крёйера еще в 1892 году. Воплотил он ее лишь 14 лет спустя. Окончательному варианту предшествовали наброски и эскизы. Интересно, что на картине мы видим три источника, дающих разный свет: это костер, луна и маяк вдалеке. Крёйер великолепно пишет блики и отблески, создаваемые этими тремя источниками. А вот солнца мы не видим. Если рассматривать символическую подоплеку, то нельзя не отметить, что под завершение жизнь Крёйера складывалась не особо солнечно: обострились психическое заболевание и невылеченный с юности сифилис, стремительно падало зрение, ушла жена… Крёйер нередко прибегал к жанру многофигурного портрета, при этом всегда умело выстраивал композицию и связи между персонажами, объединяя разрозненную толпу в единой целое, будь то промышленники, посетители галерей или рыбаки и их жены. ПедерКрёйер Реализм _history

В одном из путешествий по Европе, в Париже, Крёйер встретил 21-летнюю Мари Трипке. После неожиданно вспыхнувшего бурного романа пара сыграла свадьбу. Хотя о таком повороте событий 37-летний Северин даже не помышлял, прослыв пылким сердцеедом. Художник создал более 40 портретов любимой жены, прославив её как «самую красивую женщину Копенгагена». Мария также была художницей, но в замужестве писала очень мало. Известным стал совместный портрет супругов, на котором Мари изобразила Педера, а тот свою любимую жену. Но счастливая жизнь на картинах на деле оказалась не безоблачной, их семейная жизнь складывалась крайне тяжело. Крёйер страдал от наследственного психического расстройства, не раз госпитализировался, к тому же был болен сифилисом. Отношения не наладились и после рождения дочери Вибеки. А вначале 1900-х его болезнь стала прогрессировать, и художник надолго был помещен в психиатрическую клинику. Уставшая от приступов бешенства мужа Мари с Вибеке поехала на отдых в Италию, на Сицилию, где познакомилась со шведским композитором Хуго Альвеном. Вспыхнувший роман, вскружил голову молодой женщине, и она попросила у мужа развод, но Северин, страдающий резкими перепадами настроения, категорично отказал. Вскоре Крёйер сам дал развод жене, когда узнал, что та носит ребенка от музыканта. Мари переехала в Швейцарию к новому мужу, а их маленькая дочь осталась на попечении отца, в Скагене. Последние десять лет жизни художник постепенно терял зрение, но не переставал работать. Последние из своих картин Крёйер написал, уже практически ничего не видя. Художник умер в 1909 году в возрасте 58 лет в полном одиночестве, страдая от тяжелой формы сифилиса. Второй брак Мари тоже был неудачен. Пара развелась по настоянию мужа в 1936 году. Последние годы жизни художница прожила в одиночестве в Стокгольме.

Искусство - это определённо про любовь. Про любовь в избытке, если так можно сказать, любовь, которой хочется делиться. Были ли у художников свои музы? Ну конечно! Кстати, про них можете почитать здесь PROисториилюбви И часто благодаря этим музам искусство и создавалось. Борис Кустодиев, ученик Репина, написал свою музу, оставив ее образ с нами на века. Она ухаживала за художником, когда у него стала отниматься рука, она выхаживала его, когда ему становилось хуже (опухоль спинного мозга почти полностью обездвижила художника). И помогала ему продолжать писать картины! Он называл ее - дорогая Юлик. На этом портрете мы видим ее молодой и счастливой, написана картина задолго до трагических событий и болезни мастера. Свежий летний день в тихом уголке России, спокойствие и всепоглощающее счастье. «Дорогая Юлик» пережила Кустодиева на 15 лет, умерла в блокадном Ленинграде. В браке у них родилось трое детей. Кстати, внучка художника стала искусствоведом и работала в Эрмитаже. Видимо, один раз прикоснувшись к искусству, отказаться от этого наслаждения уже невозможно. PROинтересныефакты

Василий Поленов "Ока. Летний день" (1890)

️В Москве с 15 по 24 июля пройдет летний фестиваль «Дачное Царицыно».   ️The 17th Istanbul Biennial пройдет с 17 сентября по 20 ноября.   ️В Музее современной истории России откроется выставка «Евтушенко. Роман с жизнью». Проект приурочен к 90-летию со дня рождения Евгения Евтушенко. «Внутри меня осенняя пора. Внутри меня прозрачно прохладно, и мне печально и, но не безотрадно, и полон я смиренья и добра. А если я бушую иногда. то это я бушую, облетая, и мысль приходит, грустная, простая, что бушевать — не главная нужда...»   ️В Санкт-Петербурге пройдет международный фестиваль «Опера-всем».   «Опера – всем» — самый масштабный проект под открытым небом в Санкт-Петербурге, фестиваль, который в формате open air знакомит с шедеврами оперного искусства. Вход свободный!   https://tsaritsyno-museum.ru/events/special/p/dachnoe-tsaritsyno-2022/

Самое праздничное и радостное полотно из серии «Поэма семи сказок» - Царевна-лягушка. На картине - пир - третье испытание невест сыновей царя. Царевна-лягушка, она же Василиса Премудрая, справилась с заданиями лучше всех. А атмосфера сама - праздничная. И не только во дворце, но и за его пределами. Если присмотреться, на заднем плане можно увидеть крестьян, которые водят хоровод. А озеро становится границей между миром сказки, в котором танцует прекрасная Василиса, и миром обычным, в котором отмечается вполне традиционный летний праздник - Ильин день или Успение Пресвятой Богородицы. Что на это указывает? Убранное поле со снопами. PROваснецов

Продаётся картина художника В.М.Беликова "Свежий летний день". Картон/масло, 19х24 см, 1972 г. Цена 20000 руб. Беликов Василий Матвеевич (1922-1994) - член Союза Художников СССР, участник многих выставок. Картины находятся в Пензенской областной картинной галерее, а также в частных коллекциях в России и за рубежом. Продавались на аукционах в США, Италии, Ирландии. Основное направление в живописи мастера - пейзаж, в меньшей степени - натюрморт и портрет. В Едином Художественном Рейтинге Василий Беликов имеет 4-ю категорию. В 2022 году в Пензе прошла юбилейная выставка, посвящённая 100-летию со дня рождения художника. Видео на Ютюбе: https://www.youtube.com/watch v=BKCNGFcYaNM. По поводу покупки картины обращаться к сыну живописца Сергею по тел. 8-960-324-95-46 или на email: belservas@mail.ru

​​️Сегодня в арт-пространстве BURO ALL GALLERY откроется выставка Дарьи Неретиной «Скрытые фигуры» ️Республика Бенин представит Национальный павильон для Venice Biennale в 2024 году впервые. ️Центр Помпиду подписал соглашение о создании музея современного искусства в Саудовской Аравии. ️Во Владимирской области открыли фестиваль анимационного кино «Суздалфест». ️ Мариинский театр посвятит 85-летию со дня рождения Рудольфа Нуреева (1938-1993) показ спектакля «Дон Кихот». ️Полуразрушенный 500-летний фермерский дом с муралом Бэнкси был снесен в приморском городке Herne Bay в Кенте в Англии. P. S. Кажется, никто не знал, что это был Бэнкси. Фото: Banksy, Morning is Broken, 2023, at Blacksole Farm, Courtesy Banksy https://telegra.ph/file/c8b0a0d036eacebe1a78a.jpg

Уже окончательно поселившись в Эксе, Сезанн сосредоточенно высматривает живописную истину в горе Святой Виктории и терпеливо раскладывает спелые яблоки в драматическую композицию, усаживает садовника или местных крестьян долго позировать. Часами он ищет в наблюдаемых предметах и людях проявления внутренней жизни. Но для купальщиков художник достает из старой папки юношеские зарисовки обнаженной натуры - и этих давних наблюдений и рисунков ему хватает. На вопросы молодых художников, почему же он не пользуется услугами натурщиц, Сезанн улыбается: он слишком стар, чтобы раздевать женщин. Он компонует фигуры на каждом новом холсте, как архитектор создавал бы план современного здания, используя студенческие штудии отдельных строительных элементов. Сцена купания - чуть ли не единственная, которую Сезанн писал не с натуры, а из головы. И единственная, которая много значила для художника лично, связывала его с самыми ценными воспоминаниями юности. Тринадцатилетний Поль, ученик коллежа Бурбон в Эксе, был единственным школяром, который не стал издеваться над тощим, бедным, испуганным новеньким. Новенького, который приехал в Экс из Парижа, обзывали и колотили. Поль с ним поговорил и сдружился. Новенького звали Эмиль Золя. Началась долгая, книжная, мушкетерская, полная приключений и дурачеств, дружба. Они читали стихи, грезили о славе и серенадах под окнами возлюбленных, о будущей безбедной и честной жизни. А пока целыми днями бродили по лесам и горам. Их называли неразлучными. В книге воспоминаний Эмиль Золя рассказывал об этом времени: «Летом мы все время проводили у реки, чуть ли не жили там – купание было нашей страстью: мы целыми днями плескались в воде и выходили на берег лишь для того, чтобы поваляться на мягком горячем песке». Самые ценные свои детские воспоминания Сезанн всю взрослую жизнь собирает в картины, подчиненные строгой композиционной логике, выращивает их заново. Ренуар говорил, что в живописи Сезанна «есть что-то аналогичное фрескам Помпей, таким архаичным и таким великолепным». С «Купальщиками» эта аналогия работает лучше всего. Ритмично чередуя стоящих и сидящих купальщиков, замыкая в ровный треугольник вытянутые фигуры купальщиц, Сезанн стремился создать новое искусство, которое могло бы стать современной классикой, занять место на стенах Лувра рядом со старыми мастерами. И мужские безликие фигуры в картинах с купальщиками еще надежней, чем женские, возрождают античную мощь, уверенную заземленность и в то же время растворенную в окружающем пейзаже божественность. _history ПольСезанн Постимпрессионизм

Продаётся картина художника В.М.Беликова "Пасмурный летний день". Холст/масло, 54х69 см, 1977 г. Цена 45000 руб. Беликов Василий Матвеевич (1922-1994) - член Союза Художников СССР, участник многих выставок. Картины находятся в Пензенской областной картинной галерее, а также в частных коллекциях в России и за рубежом. Продавались на аукционах в США, Италии, Ирландии. Основное направление в живописи мастера - пейзаж, в меньшей степени - натюрморт и портрет. В Едином Художественном Рейтинге Василий Беликов имеет 4-ю категорию. В 2022 году в Пензе прошла юбилейная выставка, посвящённая 100-летию со дня рождения художника. Видео на Ютюбе: https://www.youtube.com/watch v=BKCNGFcYaNM. По поводу покупки картины обращаться к сыну живописца Сергею по тел. 8-960-324-95-46 или на email: belservas@mail.ru

Продаётся картина художника В.М.Беликова "Летний день". Картон/масло, 26х29 см, 1971 г. Цена 15000 руб. Беликов Василий Матвеевич (1922-1994) - член Союза Художников СССР, участник многих выставок. Картины находятся в Пензенской областной картинной галерее, а также в частных коллекциях в России и за рубежом. Продавались на аукционах в США, Италии, Ирландии. Основное направление в живописи мастера - пейзаж, в меньшей степени - натюрморт и портрет. В Едином Художественном Рейтинге Василий Беликов имеет 4-ю категорию. В 2022 году в Пензе прошла юбилейная выставка, посвящённая 100-летию со дня рождения художника. Видео на Ютюбе: https://www.youtube.com/watch v=BKCNGFcYaNM. По поводу покупки картины обращаться к сыну живописца Сергею по тел. 8-960-324-95-46 или на email: belservas@mail.ru

Продаётся картина художника В.М.Беликова "Летний вечер". Холст/масло, 50х59 см, 1979 г. Цена 55000 руб. Беликов Василий Матвеевич (1922-1994) - член Союза Художников СССР, участник многих выставок. Картины находятся в Пензенской областной картинной галерее, а также в частных коллекциях в России и за рубежом. Продавались на аукционах в США, Италии, Ирландии. Основное направление в живописи мастера - пейзаж, в меньшей степени - натюрморт и портрет. В Едином Художественном Рейтинге Василий Беликов имеет 4-ю категорию. В 2022 году в Пензе прошла юбилейная выставка, посвящённая 100-летию со дня рождения художника. Видео на Ютюбе: https://www.youtube.com/watch v=BKCNGFcYaNM. По поводу покупки картины обращаться к сыну живописца Сергею по тел. 8-960-324-95-46 или на email: belservas@mail.ru