"Портрет Яна Сикса" 1654 г. Рембрандт Харменс ван Рейн Собрание Сикса...

Юдель Моисеевич Пэн |Портрет М. Шагала| 1914 | 5 июня 1854 года - деньрождения учителя Марка Шагала. Юдель Пэн русский, а позже белорусский советский живописец, педагог, видный деятель «еврейского ренессанса» в искусстве начала XX века. youknowart art classicart artoftheday artwork arts artstagram artshow artlife artgallery instaart picture pictureoftheday искусство творение картина картинадня шагал др пэн

Хуан Грис | Портрет Пикассо | 1912 | Институт искусств, Чикаго

Осенний букет 1892 И. Е. Репин Холст, масло. 111 × 65 см Третьяковка, Москва Портрет старшей дочери художника Веры Ильиничны Репиной (1872—1948), написанный в имении «Здравнёво», которое он приобрёл незадолго до этого, получив деньги за картину «Запорожцы». В письме к дочери Толстого Татьяне Львовне Репин писал: Начинаю портрет Веры, посреди сада с большим букетом грубых осенних цветов, с бутоньеркой тонких, изящных; в берете, с выражением чувства жизни, юности, неги.

​​️Documenta 15 пройдет в Касселе в 2022 году.   Выставка современного искусства Documenta проходит в Касселе каждые 5 лет. Интересно, что на первой выставке в 1955 году были представлены Пикассо и Кандинский. В то время это было довольно неординарное современное искусство. Именно Documenta была учреждена, чтобы смыть с авангарда нацистскую метку «дегенеративное искусство».   ️Доходный дом купца Камзолкина на проспекте Мира в Москве получил статус объекта культурного наследия регионального значения.   ️Австрия вернула России ценности, похищенные нацистами. Античные амфоры и надгробия вернулись на Кубань, откуда они были вывезены во время Великой Отечественной войны. ️Американский режиссер Оеке Хоогендейк сняла фильм «Мой Рембрандт», через который мы можем заглянуть в мир владельцев картин старых мастеров. ️Самые ожидаемые выставки 2021 года в мире по версии The Art Newspaper.   Очень надеюсь, что у нас получится увидеть того самого спрятанного Купидона на выставке работ Яна Вермеера в Картинной галерее старых мастеров в Дрездене, которого обнаружили благодаря рентгенографии.   Галерея обязательно подготовит виртуальный тур и экскурсии!   «Девушка, читающая письмо у открытого окна» Яна Вермеера с расчищенным во время реставрации изображением на заднем плане. Около 1657. Фото: Wolfgang Kreische https://telegra.ph/file/d680de5d3093455786531.jpg

​​️Медиарейтинг российских музеев по итогам 2020 года возглавили: ️Государственный Эрмитаж ️Государственная Третьяковская галерея ️Музей Победы ️09 февраля вход на постоянные экспозиции Исторического музея и Музея Отечественной войны 1812 года будет бесплатным.   Посетителей ждут специальная праздничная программа в честь 149-годовщины основания музея. Восхитительный музей! Проходила там стажировку студенткой. Вы не поверите, насколько у музея богатая коллекция. Только представьте, музей работал даже в годы войны! Благодаря работе коллектива музея Фонд был вывезен и сохранен!   Не забудьте про безопасность! Подумайте, готовы ли Вы.   ️Скульптуры Дэмиена Херста покажут в Риме в Галерее Боргезе рядом с шедеврами Тициана, Караваджо и Бернини. ️В фонде IN ARTIBUS открылась выставка русского портрета, созданная совместно с Музеем Тропинина. На выставке представлено 70 произведений 18-19 века века — от Алексея Антропова до Карла Брюллова. Посмотрите, это уже не парадный портрет, не правда ли? Это портрет «нового времени», подчёркивающий индивидуальную свободу личности и натуру свободную от предрассудков и суеверий. Перед нами изящная простота, присущая поздней живописи Рокотова, преобладающая над торжественностью рококо, но сохраняющая таинственную дымку. Федор Рокотов, «Портрет неизвестной в белом платье с фисташковыми лентами». Конец 1770-х–начало 1780-х. Фото: фонд IN ARTIBUS https://telegra.ph/file/fd4bf0e598032ca9aaf63.jpg

"Автопортрет с символами Vanitas" 1651 г. Девид Бейли

"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. С 50-х годов ХХ века картина Камиля Коро «Итальянка, или женщина с жёлтым рукавом» не выставлялась публично. Запертая в частных коллекциях, она пропала из виду. О ней начали забывать. Да и сам Коро существовал в общественном сознании как пейзажист по преимуществу. Однако в начале 2013 года в художественном мире произошла в некотором роде сенсация: стало известно о завещании скончавшегося в 2011 году Люсьена Фрейда – одного из наиболее дорогих художников своей эпохи и внука родоначальника психоанализа Зигмунда Фрейда. В завещании Люсьен Фрейд упоминал о благодарности английскому народу за гостеприимство, оказанное его еврейско-немецкой семье: когда-то она вынуждены была бежать от нацистов и нашла в Англии новую отчизну. Вещественным выражением этой благодарности стали несколько бронзовых скульптур Эдгара Дега и еще картина, которую сам Фрейд приобрёл в 2001 году на аукционе и с тех пор она украшала верхний этаж его дома в Лондоне. Люсьен Фрейд хотел, чтобы после его смерти она стала национальным достоянием Британии. Этой картиной была «Женщина с жёлтым рукавом» Коро. Французский художник XIX века Жан-Батист Камиль Коро (1796 – 1875) известен, прежде всего, как один из прямых предшественников импрессионизма, писавший лирические пейзажи. Его портреты – в основном поздние работы, и некоторые из них не менее значительны, чем его пейзажная живопись, хотя и менее известны. Интересно, что Коро, за редкими исключениями, почти не писал мужчин. Большинство его портретов – женские. Можно даже говорить об особом женском типе Коро – немного холодном, меланхолическом и совершенно чуждом всякого заигрывания со зрителем. Все «девушки Коро» погружены в себя, задумчивы и отстранённо-мечтательны. Таковы героини его знаменитых картин «Прерванное чтение» и «Ателье», таковы портреты племянниц художника Мари-Луизы Лауры Сеннегон, в замужестве госпожи Филибер Бодо, и Луизы Клер Сеннегон, будущей госпожи Шармуа, таков и последний шедевр 78-летнего Коро «Дама в голубом». Так что «тёмный, прямой и взыскательный взгляд» (воспользуемся строчками Марины Цветаевой) и плотно сжатые губы «Итальянки с жёлтым рукавом» не являются в творчестве Коро чем-то исключительным. Скорее, эти черты отражают его психологические предпочтения и, возможно, его собственный характер – закрытый, целеустремлённый и цельный. Трижды в своей жизни Коро путешествовал по Италии – в 1820-х, 1834-м и 1843-м. Именно там его талант окреп и освободился от сковывающих условностей французской Академии; в Италии Коро, можно сказать, нашёл себя. Он воздавал должное не только прелести итальянской природы, но красоте римских женщин. Сохранилось письмо художника к другу его молодости Абелю Осмону, фрагмент из которого уместно процитировать: «По-моему, римлянки – самые красивые женщины в мире… Их глаза, плечи, руки и бёдра превосходны. В этом они лучше, чем наши… Но, с другой стороны, им далеко до грации и любезности француженок… Как художник, я предпочитаю итальянку; но в вопросах, касающихся чувственности отношений между мужчиной и женщиной, - я однозначно выбираю француженку». КамильКоро Портрет Романтизм _history

Жак Луи Давид - Портрет мадам Рекамье, 1800, холст, масло, 174 × 244 см, Лувр, Париж, Франция Jacques-Louis David - Madame Recamier, 1800, oil, canvas, 174 x 244 cm, Louvre, Paris, France

Мартен ван Хемскерк - Портрет леди с пряжей, ок. 1531, масло, доска, 105 x 86 см, Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания Maerten van Heemskerck - Portrait of a Lady Spinning, c.1531, oil, panel, 105 x 86 cm, Thyssen-Bornemisza Museum, Madrid, Spain

Жак Луи Давид - Портрет мадам Рекамье, 1800, холст, масло, 174 × 244 см, Лувр, Париж, Франция Jacques-Louis David - Portrait of Madame Récamier, 1800, oil on canvas, 174 × 224 cm, Louvre, Paris, France

Художник Ческидова Ольга Александровна Родилась в 1943 году в Томске. С 1949 года проживает в г. Санкт-Петербурге. С 1955 по 1963 г. обучалась в СХШ при Академии художеств СССР г. Ленинграда. Училась живописи, рисунку, композиции у известных педагогов — А. П. Кузнецова, Л. С. Шолохова, Н. И. Андрецова, А. Ф. Булыгина. В 1969 году закончила обучение в ЛВХТУ им. В. И. Мухиной на отделении интерьер мастерской профессора В. А. Петрова. По распределению работала в Росторгрекламе Ленинграда, где ею были придуманы и осуществлены интерьеры магазина Бронза по Садовой улице, выставочные залы для показа моделей одежды на Суворовском проспекте, витрины магазинов на Невском и Московском проспектах. С 1970 года О. А. Ческидова работет в проектном институте. Ею были разработаны комплексные решения интерьеров дома Советов в Уфе, ресторанов, кафе и баров в Северодвинске. С 1973 г. работает в художественном фонде при Союзе художников СССР Ленинграда. В 1976 г. поступает в Молодежную секцию ЛОСХ. С 1982 г. член Союза художников . Действительный член Петровской Академии наук и искусств. Член ассоциации искусствоведов (АИС) общероссийская общественная организация историков искусства и художественных критиков. Лауреат международного фонда «Культурное достояние». Лауреат Международного художественно-просветительского проекта в честь 700-летия прп. Сергия Радонежского. В 1988 г. Ольга Александровна организует свою персональную мастерскую при Союзе художников СССР и выполняет творческие заказы и ведет авторский надзор в созданных ею интерьерах, под её руководством работают художники разных профилей. Основные проекты: дворец культуры, библиотеки, рестораны (г. Степногорск), политехнический институт (г. Тула), сеть ресторанов (г. Архангельск), дворец культуры профсоюзов (г. Мурманск), комплекс культурных объектов (г. Минеральные Воды). Много время уделяет станковой живописи: пейзажу, натюрморту и портрету. Постоянная участница выставок юбилейных ,зональных, всероссийских, тематических, персональных в Санкт-Петербурге и других городах России. Её работы находятся в частных коллекциях России и за рубежом — в Германии, США, Англии, Китае и других странах.

Савелий Сорин (1878-1953) «Автопортрет» 1942 бумага, карандаши. савелий_сорин –––––––––––––––– Художника Савелия Сорина называли «трижды прославленным». В самом деле, сначала он прославился как портретист на родине, в России. Потом, когда ему после Октябрьского переворота пришлось эмигрировать во Францию, он и там добился большого успеха и прославился. Наконец, спасаясь от фашистского нападения, он переехал в США, где его причислили к «Галерее величайших художников Америки».

Савелий Сорин (1878-1953) «Портрет А.М.Горького» 1902 холст, масло. 77х95 см савелий_сорин Музей изобразительных искусств Сан-Франциско, США –––––––––––––––– Образ «Буревестника революции», ставший «фирменным знаком» - имиджем пролетарского писателя Максима Горького, растиражированный потом многими художниками до и после революции 1917-го, определен и заложен этой работой 1902 года тогда ещё студента Савелия Сорина.

Савелий Сорин (1878-1953) «Портрет балетной артистки Евгении Никитиной» 1924 бумага на холсте, акварель. савелий_сорин Государственный Русский музей, Санкт-Петербург –––––––––––––––– Правительство Франции в 1924 году сделало Савелию Сорину предложение купить одну его работу - портрет балерины Евгении Никитиной («Девушка с зеркалом» или «Раздевалка танцовщицы»). Однако Сорин отказался продать этот портрет, так как уже обещал эту работу жене американского миллионера Отто Кона. А сам Кон позже от покупки отказался, в результате этот замечательный (огромный, в рост человека) акварельный портрет оказался в конце концов, на наше счастье, в Русском музее.

Иван Айвазовский (1817-1900) «Ветряная мельница на берегу моря» 1837 холст, масло. 67х96 см иван_айвазовский Государственный Русский музей, Санкт-Петербург –––––––––––––––– Очевидно, что Айвазовский использовал в этом сюжете впечатления, полученные от произведений старых голландских мастеров, увиденных в коллекции Эрмитажа. В частности, композиционный строй этой картины близок «Пейзажу с мельницами» голландского живописца Арта ван дер Нера, который с 1815 года находится в собрании Императорского Эрмитажа и почти совпадает с картиной Айвазовского по размеру.

Леонардо да Винчи. Изабелла д’Эсте. Эскиз к неосуществлённому портрету, 1499. Leonardo da Vinci. Isabella d'Este. Sketch for an unfulfilled portrait, 1499.

Исаак Левитан - В крымских горах (1886) Левитан умело чередовал различные техники. К слову, он рисовал весьма талантливые натюрморты («Лесные фиалки и незабудки») и портреты («Портрет Софьи Петровны Кувшинниковой»), но они очевидно мало привлекали художника и чести быть нарисованным Левитаном удостаивались немногие – близкий друг Чехов, возлюбленная Кувшинникова, редкие запавшие в душу знакомцы вроде А.А. Грошевой, сам Левитан, зафиксировавший себя в нескольких автопортретах и… те, кто мог за них заплатить. Лишь на пороге голода Левитан принимал постылые сердцу «портретные» предложения.

Исаак Левитан - Автопортрет (1890-е) За три года до смерти Левитан напишет: «Я никогда еще не любил так природу, не был так чуток к ней, никогда еще так сильно не чувствовал я это божественное нечто, разлитое во всем, но что не всякий видит, что даже и назвать нельзя, так как оно не поддается разуму, анализу, а постигается любовью. Без этого чувства не может быть истинный художник...».

Василий Верещагин - Дервиши в праздничных нарядах (1870) Именно в Туркестане состоялась одна из первых выставок художника, после чего Василий отправился в путешествие по территории современной Киргизии и Западного Китая, где создал зарисовки «типов», которые будут даваться ему не хуже батальных полотен. Верещагин за долгую творческую жизнь запечатлеет большое количество подобных «типов» – непортретных зарисовок людей, обычно облачённых в национальные одежды: «Богатый киргизский охотник с соколом» (1871), «Буддийский лама на празднике в монастыре» (1875), «Жители западного Тибета» (1870-е), «Факиры» (1876), «Японский нищий» (1904) и др. Национальный колорит так и сквозит через одежды и сюжеты, которые неизменно присутствуют несмотря на явное позирование «моделей». Каждый из героев как бы занят своим делом – будь то попрошайничество, игра на дудочке, разговор.

Человеческий тамагочи Датский художник Кристиан фон Хорнслет заявил, что создал игру вроде «человеческого тамагочи». Художник установил на 10 лондонских бездомных устройства с GPS, и теперь за их перемещением можно круглосуточно наблюдать с помощью специального приложения. Художник продаёт каждого бездомного за 25 тысяч фунтов (около 2 миллионов рублей). Помимо права слежки за бездомным покупатель получит его портрет, выполненный золотой краской. На фото Кристиан фон Хорнслет (крайний справа) и его бездомные. Искусство или нет?

Тамара Лемпицка "Автопортрет в зеленом Бугатти" (1929) Легенда гласит, что редактор самого влиятельного модного журнала Германии была сражена наповал видом богемной деятельницы искусства, выходившей из своего автомобиля перед роскошной гостиницей в Монте-Карло. Элегантная, независимая и эмансипированная, она выглядела идеальной ролевой моделью для продвинутых читательниц журнала, поэтому редактор тут же заказала Лемпицкой ее автопортрет для обложки следующего номера издания. Легким движением руки Тамара превратила свой маленький желтый «Рено» в сверкающий хромированный «Бугатти», справедливо рассудив, что он будет куда лучше оттенять ее аристократический лоск. Она не учла лишь одну маленькую деталь: до 1963 года автомобили этой марки выпускались с правосторонним рулем. Впрочем, это не помешало «Автопортрету в зеленом Бугатти» с обложки популярного журнала наделать много шума и получить титул «гимн современной женщине».

"Портрет Эдварда Мунка" Аксели Галлен-Каллела, 1895 > Хельсинки, Атенеум Аксели Галлен-Каллела – финский художник шведского происхождения. В декабре 1894 переехал в Берлин, чтобы участвовать в выставке вместе с норвежцем Эдвардом Мунком. Именно тогда финский художник познакомился с символизмом, творческим течением, в котором он нашел свою струю. Перед зрителем – достаточно классический по палитре портрет. Он выдержан в теплых тонах коричневого, с небольшим белым акцентом и новаторским зеленым отблеском на галстуке модели. Однако жанрово это, скорее, этюд, зарисовка. Лица почти не видно, никак не выявлены выражение и взгляд. Мунк погружен в раздумье, он не обращает внимания на происходящее вокруг.

"Арлекин и дама" Константин Сомов, 1912 > Москва, Третьяковская галерея Работа «Арлекин и дама» написана в жанре галантной сцены. Она всегда изображает непринуждённое общение двух или нескольких лиц. Это может быть беседа, флирт, игра, прогулка, танец. Герои картин, как и природа, на фоне которой разворачивается неспешное действие, всегда красивы и гармоничны (с точки зрения заказчиков «галантных сцен» – аристократов). У героев картин, как правило, нет реальных прототипов: это не портреты конкретных лиц, а всего лишь привлекательные статисты «галантного празднества». У галантной сцены нет и конкретного сюжета, то есть действия в его развитии. Основной принцип мастеров галантной сцены – изображение идеально-красивых людей в обстановке безмятежного и абсолютного счастья. Даже тревога или лёгкое неудовольствие в галантных сценах выглядят наигранными и ненастоящими.

"Майский сад" Мария Оки Девинг, 1895 > Вашингтон, Смитсоновский музей Мария Оки Дьюинг – американская художница, жена художника Томаса Дьюинга, изобрела жанр натюрморта на открытом воздухе, часто выполняла фоны на картинах мужа. Девинг писала цветы в естественной среде, создавая у зрителя ощущение реального присутствия в зарослях домашнего парка. "Майский сад" – одно из самых знаменитых полотен художницы. Композиция проникнута поэтическими чувствами и лиризмом. В этих простых на первый взгляд розах и гвоздиках, погруженных в зеленую листву, Девинг открыла поразительное богатство тончайших красочных оттенков. Цветы расположены непринужденно и свободно. Бутоны намечены легкими мазками кисти, что придает изображению возвышенность и свежесть. Девинг словно создавала "портреты" растений. Она наделяла цветы одухотворенностью и считала, что их красота более абстрактная и глубокая, чем человеческая.

"Священник на коньках" Генри Реберн, 1795 > Эдинбург, Национальная галерея Шотландии Реберн был художником-самоучкой из Эдинбурга, достигшим значительного мастерства в качестве живописца и ставшим известным благодаря портретам писателя Вальтера Скотта и геолога Джеймса Геттона. Вращаясь в кругах аристократии Эдинбурга, он познакомился со священнослужителем Церкви Шотландии Робертом Уокером. Вероятно, что заказчиком своего портрета стал именно Уокер. Он изображён катающимся на коньках по местному озеру, что и неудивительно, ведь Уокер был умелым фигуристом и членом первого в Великобритании клуба любителей катания на коньках. Картина отличается необычной композицией, а также сочетанием уравновешенности и точности в изображении священника-конькобежца.

"Концерт в яйце" Иероним Босх, 1480 > Лилль, Дворец изящных искусств Это одна из самых загадочных картин Босха. На полотне изображено огромное яйцо с трещинами, в одной из которых сидят 10 человек. Они как бы формируют желток яйца, который в Нидерландах традиционно ассоциируется с глупостью. Люди, вероятно, символизируют разные виды сумасшествия, так как на картине есть ещё несколько знаков, отсылающих к глупости, безумию и злу. Например, воронка на голове музыканта в очках – знак шарлатанства или же алхимии, которую Босх осуждал. В другой трещине виден дьявольского вида лютнист и темнокожий человек, что крадёт кошелёк у одного из музыкантов. Другие символы зла на картине: сова, вороны, обезьяна и инструментальная музыка. Помимо основного сюжета, на картине присутствует ещё множество мелких деталей. В левой нижней стороне картины из трещины появляется человеческая рука, которая пытается достать рыбу, при этом за происходящим наблюдает кошка. Ещё левее – адский пожар. Справа внизу – маленькие фигуры людей.

"Дневная Грёза" Данте Габриэль Россетти, 1880 > Лондон, Музей Виктории и Альберта Почти каждая натурщица Россетти становилась его любовницей. Друзья художника между собой называли их "красотками Россетти". Но были в его жизни женщины, становившиеся не просто "эпизодами" и не только натурщицами, а музами. Их было три. Элизабет Сиддал стала первой серьезной любовью художника, она послужила моделью для самых романтичных и возвышенных картин. С нее живописец писал Беатриче – бессмертную возлюбленную Данте. Кроме того, он написал бесконечное множество портретов Элизабет. Особую роль в судьбе Россетти сыграла Фанни Корнфорт – бывшая проститутка. Она была полной противоположностью Элизабет. Чувственная, и даже несколько вульгарная, Фанни внесла в творчество Россетти элемент "приземленности". Последней большой любовью Россетти стала Джейн Моррис. В ее образе для него слились обе любви – земная и небесная. Её портрет "Дневная Грёза", относится к наиболее выразительным портретам, когда-либо созданным Россетти.

"Полдник" Леон Базиль Перро, 1880 Французский художник Леон Базиль Перро, творивший свои шедевры в конце 19 века в академической манере 18 столетия, был востребован и популярен в Европе и США, невзирая на стремительное развитие новых модных направлений в искусстве. Его полотна были постоянными экспонатами на престижной выставке Парижского Салона на протяжении 42 лет и до сих пор на аукционных торгах пользуются большим спросом. Удивительный мастер, работавший в академическом направлении, прославился портретами на тематику материнства и детства, хотя увлекался художник батальными и религиозными темами, декоративными росписями.

"Мистер и миссис Кларк и Перси" Дэвид Хокни, 1971 > Лондон, Тейт На картине изображены друзья художника – Осси Кларк и Селия Биртуэлл, у которых он был свидетелем на свадьбе. У них жили два кота – Перси и Бланш, но на коленях Осси сидит именно Бланш. Художник посчитал, что для названия больше подойдёт имя Перси. При написании Хокни опирался на «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка. Но если у Эйка главный муж, то Хокни главной изобразил жену. Она стоит в полный рост, возвышаясь над мужем и как бы давя на него. Ещё одним символом у «Арнольфини» Эйк сделал собаку, символ верности и преданности. Хокни же усадил на свою картину изящную белую кошку, которая издавна символизирует лукавство и измену. И это не случайно – Осси изменял своей жене и даже не скрывал этого. Сама Селия была верна мужу, о чём говорят белые лилии возле неё. Жизнь Осси скатилась под откос, что привело к смерти в 1996 году. А вот его жена – до сих пор преуспевающий дизайнер.

"Волосы" Анри Кросс, 1892 > Париж, д'Орсе Скрытое лицо за толстой завесой волос – единственный объект картины. Моделью для этой работы стала будущая жена художника Ирма, которая также появилась в его первом пуантилистическом произведении «Мадам Эктор Франс». В отличие от более раннего портрета, Кросс не отражает ни капли личности модели, ее социального статуса или роста. Плотное обрамление туловища женщины почти на половине картины подчеркивает важность каскадной стены из волос и придает ей монументальность. Композиция минимальна не только в простом приглушенном контрасте переднего плана и фона, но и в палитре, которую он сократил до мягких коричневых, охрово-лиловых и лиловых, придав ей почти отфильтрованное атмосферное качество. И вот что ещё интересно про художника. Его настоящее имя – Анри Эдмон Делакруа. И чтобы не путали с Эженом Делакруа он выбрал псевдоним Кросс.

"Концерт для флейты Фридриха Великого в Сан-Суси" Адольф фон Менцель, 1852 > Берлин, Старая национальная галерея На картине в празднично освещённом концертном зале дворца Сан-Суси в Потсдаме король Пруссии Фридрих II даёт концерт для своих гостей и сам солирует на флейте. Фридрих Великий сочинял сонаты для флейты и, как считается, великолепно играл на ней. Художник написал несколько эскизов для этой картины, в которых работал с мебелью, нотным пюпитром, архитектурными деталями, костюмами и позами персонажей. Изображённое на картине помещение сохранилось во дворце до настоящего времени, но у Менцеля оно выглядит больше реальных размеров. Менцель, художник-реалист, стремился воссоздать обстановку и атмосферу эпохи рококо. Работая над образом главного персонажа, художник ориентировался на идеализированные портреты молодого Фридриха II. Но художник якобы признавался, что писал картину по сути только «ради люстры».

"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой картине сразу и безошибочно узнается рука Андре Дерена, каким он оставался все годы после Первой мировой войны. Здесь все как бы застывшее, замершее. Пустынный пейзаж «с заваленным горизонтом», вписанный в ровный квадрат, черств. Ни капли жизни ему не прибавляют ни широкий клин светлого облака под кобальтовым небом, ни скупой пучок темных кактусов слева внизу, ни симметричный кактусам натюрморт с кувшином и скрипкой. Почти все поле холста занимают фигуры двух комедиантов. Кто только ни рисовал в начале ХХ века эту знаменитую сценическую пару из традиционной комедии дель арте – вечно голодного оборванца, ловкача и грубияна Арлекина в костюме из сплошных заплаток и безнадежно влюбленного в девицу Коломбину простака Пьеро, к напастям которого добавляются бедность, юность и тонкая душевная организация. Этих персонажей писали и Сезанн, и Синьяк, и Пикассо. У Дерена к тому же есть одинокие Арлекины с гитарой, а еще раньше – в «фовистическом» 1906 году, когда художник делал много акварельных работ, он нарисовал одними только цветными линиями на белом фоне семь поразительно пластичных фигур веселящихся людей: крайние справа – Арлекин и Пьеро. Поза, в которой Дерен тогда «застиг» танцующего Пьеро, в точности повторена на полотне 1924 года. Оба персонажа одинаково повернули головы. Разница их характеров нивелирована, и даже лица – остро-лисье, как и положено, у Арлекина и по-детски округлое у Пьеро – выражают одинаковое скорбное бесчувствие. Оба смотрят в никуда. Символично, что пара танцует на песке, который поглощает любую энергию живого движения и гасит все звуки. Более того, в руках у артистов бутафорские инструменты без струн. Они безмолвны. Физиономические черты персонажей, костюмы с головными уборами, бутафория – внешние атрибуты комедии соблюдены, но внутри артистов царит опустошение, и все их традиционные шутки, трюки и сюжеты в предлагаемых безжизненных обстоятельствах абсурдны. Меланхолию не перебороть даже комедиантам. Но они усердно делают свое дело. Эта метафора применима и к художникам. Дерен написал «Арлекина и Пьеро» в пору теснейших контактов с театральным искусством, которое оказало на его творчество прямое влияние. Он разработал дизайн сцены и костюмов для балета Дягилевских сезонов «Фантастическая лавка» (1919; аналогичную работу для других спектаклей Дягилев тогда же предложил Матиссу и Пикассо), для «Jack in the Box» Эрика Сати (1926), и в последующие годы не раз сотрудничал с различными театрами Франции, а также с лондонскими. АндреДерен Неоклассицизм _history

​​Загадочную надпись на «Крике» сделал сам Эдвард Мунк, доказывает исследование Кураторы Национального музея Норвегии пришли к выводу, что автором загадочной надписи, спрятанной на самой знаменитой картине Эдварда Мунка «Крик», был сам художник. Экспертам уже давно известно, что в верхнем левом углу есть мрачная фраза «Могло быть написано только сумасшедшим», но они не могли определить её происхождение. Надпись карандашом была добавлена на картину лишь через несколько лет после её завершения в 1893 году. Поэтому многие думают, что её сделал не художник, а кто-то другой. По словам куратора музея Маи Бритт Гуленг, некоторые эксперты даже считали, что это мог быть акт вандализма. «В 1904 году искусствовед и помыслить не мог, что подобную надпись на поверхности своего полотна мог сделать сам художник», — говорит Гуленг. Тексты на картинах — явление нередкое в истории искусства, если вспомнить о средневековых свитках или плашках на портретах. Однако этот едкий комментарий имеет совсем иную природу. «Эта надпись — не объяснение мотива, как в подобных случаях. Это замечание о психическом здоровье автора, а искусствовед никогда не ожидает, что художник сделает его сам», — поясняет куратор. Исследование надписи проходило в преддверии переезда картины в новый дом — Национальный музей Норвегии. Эксперты просветили картину инфракрасными лучами и сравнили почерки на полотне и в записных книжках Мунка. Всё указывает на то, что автором тревожной надписи был всё же сам художник. Искусствоведы полагают, что Мунк мог нацарапать «дополнение» к картине в ответ на критику, сопровождавшую первое представление работы норвежской публике в 1895 году. Глубокое состояние тревоги, которое вызывает эта композиция, заставило критиков бурно обсуждать душевное состояние художника. Некий студент-медик дошёл до того, что на примере картин доказывал, что Мунк не в своём уме — и это происходило во время дискуссии, на которой присутствовал сам автор. Глубоко задетый этим обвинением в психическом нездоровье, художник снова и снова возвращался к этому инциденту в разных письмах и заметках. «Мунк был сложным человеком, и причина, по которой он написал это, вероятно, столь же сложна, — говорит Гуленг. — Он стремился провоцировать публику, но в то же время хотел, чтобы его уважали. Для него было важно контролировать историю о Мунке как лично для себя, так и для общественности». новостиИОК https://telegra.ph/file/c4f6370073bf4e44fdd28.jpg

Но, вот к чему я тут веду. Вот эту прекрасную картину, портрет молодого человека с медальоном, довольно долго приписывали именно Боттичини. Щас будет много букв про эту картину.

Шишкин Иван Иванович - Автопортрет 1886г. В 1858 — 1859 годах Шишкин часто бывает на Валааме, суровая, величественная природа которого ассоциировалась у юноши с природой родного Приуралья. В 1860 году за два валаамских пейзажа Шишкин получает Большую золотую медаль и право на заграничную командировку. Однако он не спешит за границу и весной 1861 года отправляется в Елабугу, где много пишет на природе, “от которой только может быть существенная польза для пейзажиста”.

Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951 Самые известные художники-реалисты Среди живописцев, создававших свои произведения в реалистичной манере есть много достойных мастеров. И все же, среди самых известных художников-реалистов особо выделяются: Густав Курбе — основоположник современной реалистичной живописи, многие картины которого вызывали негативную реакцию не только критиков, но и значительной части французского общества. Илья Репин — один из величайших русских художников всех времен, непревзойденный отечественный мастер портретного, бытового и исторического жанров. Эдвард Хоппер (Edward Hopper) — крупнейший представитель американского реализма, автор множества картин с изображением сцен из жизни обычных жителей США. Томас Уильям Робертс (Thomas William Roberts) — австралийский живописец, один из основателей Гейдельберской школы, воспеватель быта сельских жителей родной страны.

Герасимов Александр Михайлович - Бомбейская танцовщица Герасимов имел дар легко схватывать портретное сходство и ощущал себя в первую очередь портретистом, хотя нередко обращался и к пейзажной живописи, создав ряд тонких и лиричных по настроению пейзажей ("Март в Козлове", 1914; "После дождя. Мокрая терраса", 1935, и др.). Среди его портретов, индивидуальных и групповых, со временем начинают преобладать изображения людей высокопоставленных, руководителей государства и партии. Его большие холсты, не лишенные плакатного пафоса, - "В. И. Ленин на трибуне" (1930), "И. В. Сталин и К Е. Ворошилов в Кремле" (1938), "Гимн Октябрю" (1942) и др. - становятся образцами официального стиля советской живописи. А с конца 1930-х гг. Герасимов не только живописец, но и официальный руководитель художественной жизни страны, жесткий хозяин, возглавлявший основные творческие организации: председатель правления Московского отделения Союза художников (1938-40), председатель оргкомитета Союза советских художников (1939-54)

Три балетных хита, которые узнаешь с первого звука 1. «Танец с саблями» из балета Хачатуряна «Гаяне» Этот балет написан во время войны по всем канонам соцреализма. За него Хачатурян получил Сталинскую премию I степени. Тут и трудовые подвиги армянских колхозников (красавица Гаяне - бригадир колхозного звена), и враги народа, и диверсант с парашютом, и финальная победа добра над злом с плясками и вручением переходящего красного знамени. 2. «Танец рыцарей» из балета Прокофьева «Ромео и Джульетта» Музыка этого Танца так впечатляет своей жёсткой силой, что любое хореографическое воплощение кажется бледным. Этот фрагмент звучит в начале балета и не оставляет сомнений в том, что развязка будет кровавой. 3. «Болеро» Равеля «Болеро» - это женский сольный танец размером в целый балет. Сейчас эта музыка известна больше в симфоническом варианте, но написал её Равель именно для балетного перформанса Иды Рубинштейн - иконы парижского творческого бомонда.

​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на публике Крупная работа Винсента Ван Гога парижского периода, которая более века находилась в частной коллекции одной французской семьи, будет выставлена на всеобщее обозрение впервые с момента её написания весной 1887 года. «Уличная сцена на Монмартре» — часть очень редкой серии, изображающей знаменитую «Мулен де ла Галетт», возвышающуюся над городом на вершине холма. Цикл был написан в течение двух лет, которые художник провёл в одной квартире со своим братом Тео на улице Лепик. Картина была приобретена французским коллекционером в 1920 году и с тех пор переходила из поколения в поколение в одной семье. Полотно никогда не одалживали для публичных выставок, несмотря на то, что оно было внесено в семь каталогов. Теперь «Уличная сцена на Монмартре» будет выставлена в Лондоне, Амстердаме и Париже. А в марте её продадут на аукционе Sotheby’s. Ожидается, что работу купят не меньше, чем за 5−8 миллионов евро. «Очень немногие картины Ван Гога „периода Монмартра“ остаются в частных руках. Большинство же находится в коллекциях престижных музеев по всему миру, — представительница аукционного дома Орели Вандевоорд. — Появление на рынке работы такого калибра из такой знаковой серии, несомненно, станет крупным событием». Клаудиа Мерсье из аукционного дома Mirabaud Mercier, связанного с продажей, назвала работу «пленительной». На картине изображена ветряная мельница на Монмартре, разрушенная в 1911 году, а также вход в «Мулен де ла Галетт», увенчанный декоративными фонариками, и карусель за деревянным забором. Монмартр, также известный как Ла-Бют, Холм, в то время быстро превращался из пригородного поселения в район развлечений. Среди парижан всё большую популярность набирали его кафе, а у поколения художников, интеллектуалов и писателей — его богемная атмосфера. Два года, которые Ван Гог провёл в Париже (с 1886-го по февраль 1888-го), прежде чем уехать в Арль, принято считать основополагающими для его более позднего уникального стиля. На него оказали влияние такие импрессионисты, как Клод Моне и Камиль Писсарро, а также молодая генерация художников, включая Поля Синьяка, Эмиля Бернара и Анри де Тулуз-Лотрека. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/974e0fec3fde7f6cc6d83.jpg

Сказочная композиция 1966 Татьяна Маврина Бумага, гуашь, фломастер Частная коллекция Русская советская художник-живописец, график, иллюстратор. Заслуженный художник РСФСР. В творчестве много путешествовала по старинным русским городам. Результатом путешествий Мавриной стала изданная в 1980 году книга-альбом «Пути-дороги», в которой были собраны акварели и гуаши с видами заповедных уголков России — Звенигорода, Углича, Ростова, Ярославля, Павловской слободы, Касимова и других. Много раз иллюстрировала сказки А. С. Пушкина. Большая коллекция живописных и графических произведений Мавриной находится в Русском музее.

Я как-то рассказывала про самого популярного обнаженного мужчину в истории европейского искусства - святого Себастьяна. Примерно в эпоху Возрождения этот святой стал символом гомоэротизма, обрел черты нежнешего из юнош, пассивного и беззащитного. Но канон подобных изображений был заложен намного раньше, в древней Греции, конечно же. До христианства было далеко, а без красивого юноши, символизирующего межмужскую любовь непонятно как обходиться, поэтому греки себе придумали Ганимеда. Был у царя Троса сын от нимфы Каллирои. Тут данные разнятся и он то сын Дардана, то Эрихтония, то еще кого, но главное, что он был смертным, а еще прекрасным настолько, что сами боги на него заглядывались. Согласно некоторым источникам, Ганимеда сначала похитила богиня зари, Эос, а потом у нее его стащил Зевс. По другим же, Зевс сразу придумал превратиться в гигантского орла и понес юношу к себе на Олимп что твоего хоббита. Там восхитительный красавец Ганимед был назначен виночерпием на божественных вечеринках. Отец его, Трос, сначала огорчился исчезновениям сына, но Зевс ему подарил очень красивую оливковую веточку из золота и пару очень хороших лошадок. А так же объяснил, что сыну отныне даровано бессмертие и даже поместил его на небо в качестве созвездия. Оттуда он на нас и глядит в виде Водолея. Трактуют этот миф по разному. Например, как историю о том, как некий прекрасный юноша умер перед свадьбой - отсюда версия с Эос, то есть, невестой, лишившейся возлюбленного. Или как историю с метафорической смертью мальчика для превращения в мужчину и царя. Или о том, как одни правители брали в плен детей других, для того чтоб наладить отношения. Но самым популярным оказалось, конечно, прочтение мифа как подтверждения того, что сам отец небес Зевс одобрял однополую любовь и был замешан. Сюжет стал одним из самых популярных в Греции, потом перекатился в Рим, позже ужасно осуждался христианами и только с наступлением Ренессанса вновь вернулся в искусство. Правда, неоплатоники эпохи Возрождения попытались миф переосмыслить и сообщали, что это все про восхождение души к Богу, а не то что вы подумали. Поэтому можно и нужно вновь писать как можно больше Ганимедов.

«Серебряная супница» 1728г. Жан Батист Симеон Шарден На полотне изображена супница из серебра. А рядом лежит очень реалистично выписанный окоченевший кролик и подстреленная птица – не самые дурные ингредиенты для супа. Яркими пятнами, забирающими внимание зрителя, являются яблоки и груши. Несмотря на обезоруживающую натуралистичность всё вкупе не лишено симпатичности и даже внутреннего благородства. Простота и непринуждённость композиции на самом деле результат точных расчётов и прикидок Шардена. Он тщательно продумал как будет выглядеть его «жанровая сцена» (а именно так живописец называл свои полотна). В результате полотно выглядит как кадр некой художественной кинохроники. Всё непринуждённо и естественно. Картина характеризуется довольно тёмным колоритом. Оттого все цветовые пятна посветлее выглядят более рельефно и выразительно. И светло-бурая шерсть убитого кролика, и кот, и зеркальный блеск супницы. В остальном же мастер использует древесные, коричневые и зелёные цвета – излюбленная палитра Шардена.

Ловис Коринт "Автопортрет с женой и бокалом" (1902)

​​Недавно обнаруженная картина соратника Климта установила рекорд Картина соучредителя Венского сецессиона Карла Молля «Белый интерьер» (1905) более столетия находилась в руках одной семьи. Теперь она произвела фурор на аукционе Freeman’s в Пенсильвании: при эстимейте в 300−500 тысяч долларов работа ушла с молотка за 4,7 миллиона. Это рекорд не только для произведений самого художника, но и для аукционного дома. За «Белый интерьер» сражались несколько участников торгов онлайн и дюжина ценителей по телефону. Все они находились в разных уголках мира. В итоге работа досталась частному калифорнийскому коллекционеру, который, как сообщается, намерен в будущем выставить её в Neue Galerie в Нью-Йорке. Предыдущий рекорд для картин Карла Молля составляет «скромных» 385 тыс. 653 доллара, а самый дорогой лот, который прежде продавал Freeman’s, оценивался в 3,1 миллиона долларов. Это была Императорская белая нефритовая печать периода Цяньлун. Карл Молль относительно малоизвестен за пределами своей родной Австрии. Тем не менее, он был одним из ведущих художников в Вене на рубеже XX века. В 1897 году живописец стал соучредителем Венского сецессиона вместе с Густавом Климтом, Отто Вагнером и Йозефом Хоффманом. Они отошли от конформизма Венской академии изящных искусств, чтобы продвигать новые формы творчества. Молль писал в основном пейзажи и натюрморты, вдохновлённые французским неоимпрессионизмом. Но его кисти принадлежат также безмятежные и элегантные внутренние сцены, которые он создавал на протяжении всей своей карьеры. «Белый интерьер», написанный в 1905 году, — одна из таких картин. На полотне изображена одинокая женская фигура в центре богато украшенной гостиной. Дама в свободном длинном белом платье стоит спиной к зрителю, расставляя букет жёлтых тюльпанов в старинной вазе. В этой сцене ощущается домашнее умиротворение, которое ей придаёт мягкий рассеянный свет. Молль вдохновлялся живописью Яна Вермеера, чьё творчество только что было заново открыто в начале XX века. Композиция тщательно сбалансирована и подчеркнута горизонтальной линией гладкого обеденного стола в центре. Красивым контрастом выступают две высокие стеклянные витрины, размещенные по сторонам холста на переднем плане. Отдельное внимание стоит уделить героине картины. Хотя Молль предпочёл скрыть её лицо, это — не анонимный персонаж. Художник изобразил Берту Цукеркандль, которую называли «кукловодом венской культурной сцены». Она была одной из значимых фигур Вены на рубеже веков и ярым сторонником австрийского модерна, который защищала во множестве своих статей в социал-демократической газете «Wiener Allgemeine Zeitung». Будучи замужем за известным анатомом, Цукеркандль проводила еженедельный салон (один из последних в Европе), где принимала многих знаменитостей того времени, таких как Густав Климт и Стефан Цвейг. «Белый интерьер» был выставлен в Берлине в начале 1905 года, а в следующем году — в Музее Фолькванг в Эссене. Последний публичный показ картины прошёл на знаменитой Венской художественной ярмарке, где она демонстрировалась вместе с культовым «Поцелуем» Густава Климта. Там её приобрёл частный коллекционер, и в течение столетия работа хранилась у его потомков. В середине 1970-х годов семья переехала из Германии в США, и теперь владельцы решили продать шедевр. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7249c86598c0815f7d3c2.jpg

Картина «Охотники на привале». 1871 г. Василий Григорьевич Перов. На картине изображены три охотника, которые ведут между собой разговор. Главной чертой картины являются психологические портреты героев: один из них (слева) — пожилой, опытный охотник, видимо, из оскудевших дворян с увлечением и страстью рассказывающий о своих охотничьих «подвигах», второй (на втором плане) — средних лет, в русской крестьянской одежде, недоверчиво и с ухмылкой слушающий охотничьи байки своего собеседника, третий же (справа) — одетый «с иголочки» доверчивый молодой новичок, с трепетом выслушивающий россказни первого охотника, настолько заморочившими его, что он даже забывает зажечь папиросу в правой руке заготовленным в левой огоньком.

Картина «Портрет Арсения Васильевича Тропинина» (сына художника). Примерно 1818 г. Автор Василий Андреевич Тропинин.

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history

Портрет В. Мейерхольда 1916 Борис Григорьев С 1909 года вошёл в состав «Студии импрессионистов» — объединения молодых художников, творчески близких к футуристам, возглавляемого Н. И. Кульбиным. В новом искусстве его привлекало не разрушение видимой реальности, а обострённое восприятие мира, поэтому ему было близко творчество Ван Гога, Сезанна, фовистов, Дерена, отчасти Пикассо. Григорьев был одним из самых дорогих и престижных портретистов России 1910-х гг. и сохранил это звание, уже работая за границей. Остались десятки портретов его кисти – чуть ли не всей русской интеллигенции начала прошлого века: Скрябин и Рахманинов, Шаляпин и Мейерхольд, Добужинский и Рерих, Горький и Клюев, Розанов и Шестов и др. Творя в атмосфере авангарда, тем не менее он никогда не бросался в крайние формы, чаще всего изображая не человека самого по себе, а скорее, показывая роль, которую играет этот человек. Гротеск, используемый Григорьевым, скорее лукав, чем зол и сатиричен.

Портрет Ольги Константиновны Лансере 1910 Зинаида Серебрякова Частная коллекция Это портрет жены брата художницы. Зинаида Серебрякова — русская художница, участница объединения «Мир искусства», одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи. Как художница Серебрякова сформировалась в Петербурге. Исследователи подчёркивали влияние «пушкинской и блоковской муз», на Серебрякову. Широкую известность принёс Серебряковой автопортрет («За туалетом», 1909, Государственная Третьяковская галерея).

Старейшая картина масляными красками VII в. н. э. Вo мнoгих eврoпeйских учeбникaх пo истoрии и искусству скaзaнo, чтo живoпись мaсляными крaскaми стaлa испoльзoвaться в нaчaлe XV в. Нo учeныe нeдaвнo выявили нa oбрaзцaх из Бaмиaнских пeщeр быстрoвысыхaющиe мaслa. Нaрисoвaннaя в сeрeдинe VII в. н. э. фрeскa изoбрaжaeт Будду в яркo-крaснoй oдeждe, сидящего сo скрeщeнными нoгaми в oкружeнии пaльмoвых листьeв и мифичeских сущeств. Учeныe oбнaружили, чтo 12 из 50 пeщeр были рaзрисoвaны пo тeхникe живoписи мaсляными крaскaми с испoльзoвaниeм, вoзмoжнo, oрeхoвoгo и мaкoвoгo мaсeл. «Это самый ранний четкий пример живописи масляными красками в мире, хотя быстровысыхающие масла уже использовались древними римлянами и египтянами, но только в медицине и косметике», - объясняет Йоко Танигучи, руководитель команды. Твoрцaми кaртин, вeрoятнo, являются худoжники, кoтoрыe путeшeствoвaли пo Вeликoму Шeлкoвoму пути — дрeвний тoргoвый путь мeжду Зaпaдoм и Китaeм, пeрeсeкaющий Цeнтрaльнo-aзиaтскую пустыню.