"Послеобеденный отдых в Орнане" 1849 г. Гюстав Курбе

Две женщины, бегущие по пляжу (Занавес к балету "Голубой экспресс") - Пабло Пикассо Сюжет и объекты: Жанровая сцена Стиль: Неоклассицизм Техника: Масло Материалы: Клеенка Дата создания: 1924 Размер: 1020×1170 см Произведение «Две женщины, бегущие по пляжу» было написано П.Пикассо во время отдыха на побережье залива Ла-Манш. Мастер в то время был женат на Ольге Хохловой, стал отцом и был счастлив. Этот период творчества художника пропитан реализмом, его даже обвиняли в смене стиля. Картина написана в стиле неоклассицизм. Казалось бы, реальный сюжет, две бегущие женщины, но изображение передано через призму понимания художником своей реальности.

«Отдых на пути в Египет» (1597) Микеланджело Меризи да Караваджо — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко. Одним из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени, а также «тенеброcсо» («тенеброзо»). О Караваджо: https://telegra.ph/Tvorchestvo-Karavadzho-i-masterov-bolonskoj-Akademii-02-26-2

«После дождя» 1935г. Александр Герасимов Пожалуй, картина «После дождя» - это самая яркая, мастерски выполненная работа Александра Михайловича. Он активно и много работает в Москве, но отдыхать любит в родном городе Козлове, где и пишет свою знаменитую мокрую террасу после дождя. По воспоминаниям близких Герасимова, картина была выполнена, как говорится, в один присест - всего за три часа, воодушевленно, без исправлений и перерывов. Композиция полотна построена так, как будто наблюдатель, пережидающий ливень внутри домика, приоткрывает дверь и вдруг видит это великолепнейшее зрелище, подаренное природой. И она - умывшаяся, свежая, оживленная после шумного летнего ливня - приводит живописца в восторг. Солнце еще не вернуло свою силу, оно пока скрыто за нехотя уходящими тучами. Благодаря этому, автор уловил рассеянный, туманный солнечный свет, на фоне которого трепещет листва, переплетаясь в причудливое зеленое кружево. Еще немного, и все вокруг заиграет и засветится в золотых лучах.

«Гермес с младенцем Дионисом» 8 мая 1887 года была обнаружена скульптура, покрытая толстым слоем глины. Ее назвали «Гермес с младенцем Дионисом». Она была найдена в руинах храма Геры в городке Олимпия, который ранее был простым поселением на Пелопоннесе, где возникли и проводились Олимпийские игры. Высота фигуры Гермеса — 212 см, с пьедесталом — 370 см. Считается, что оригинал статуи выполнен Праксителем. Некоторым исследователям это кажется проблематичным из-за нехарактерных для классики приемов, примененных в этой работе. Гермес несет маленького Диониса на воспитание нимфам в Нису, мифическую страну. Остановившись в пути, они отдыхают, и Гермес, скорее всего, угощает дитя виноградом - он мог держать его в высоко поднятой правой руке, до нас не дошедшей. По сути дела, Гермес уже совершил самое главное в «воспитании» Диониса-бога: он приобщает маленькое божество к его стихии - винограду и вину.

Жан Пату (1987-1936) Пожалуй, у каждого из нас в гардеробе есть парочка свитеров и/или пуловеров, кардиганов, купальников или плавок, спортивных шорт, а может и лыжных костюмов. Эти предметы одежды ввел в гардероб Жан Пату, сначала в спорт и элитные виды отдыха, а позже и на улицы европейских городов. Он же уничтожил образ флэпперов (девушек - «хлопушек» 20х годов), удлинив юбку и разработав спортивную одежду для женщин. Изобрел вязаных купальники и теннисную юбки. Жану Пату приписывают изобретение галстука для мужчин в 1920-х годах. Дизайнерами модного дома Пату в разные годы были Карл Лагерфельд (1960-1963) и Жан Поль Готье (1971-1973), Кристиан Лакруа присоединился к бренду в 1981 году. Последняя модная коллекция, выпущенная лейблом «House of Patou», была выпущена в 1987 году.

«Бахчисарайский фонтан» 1849г. Карл Брюллов Почти 11 лет шел к своему шедевру знаменитый живописец Карл Брюллов. В память о гибели своего друга А. С. Пушкина, он начал писать в 1838 году одну из самых известных своих работ, посвященную поэме классика о Бахчисарайском фонтане. Конечно же, сюжет взят из поэмы Пушкина, но художник открывает перед зрителем не страсти и интриги восточного гарема, а момент отдыха и незатейливых развлечений. В богатой и роскошной обстановке ханского дворца молодые девушки безмятежно наслаждаются жизнью, собравшись возле фонтана. О том, что это невольницы напоминают только слуги, разносящие яства, да старый евнух, восседающий на ковре в левом углу полотна. Все красавицы в великолепных нарядах из легких шелков и блестящего атласа. Яркие цвета, блеск позолоченных нитей в роскошных поясах, чалмах и накидках. Серебряная посуда, мягкие ковры, хрустальный отблеск от воды, веселые рыбки в фонтане — все говорит о тихом, спокойном, идиллическом времяпрепровождении юных девушек.

"Сад Ошеде. Монжерон" 1881 г. Альфред Сислей ГМИИ имени А. С. Пушкина. Этот сад писал не только Сислей. Хозяин сада и дома в Монжероне, Эрнест Ошеде, был одним из первых поклонников молодых художников-импрессионистов. Он покупал их картины и часто спасал этим от голода. И был, кстати, владельцем легендарного полотна Моне «Впечатление. Восход солнца», которая дала название всему движению молодых художников. Он приглашал Клода Моне, Эдуара Мане и Альфреда Сислея в свое поместье в Монжероне, где они жили по несколько месяцев и писали местные пейзажи и декоративные панно для огромного дома Ошеде. Художники отдыхали: в этом доме их всегда ждала мастерская в парковом павильоне, приятное общество, изысканная еда и вино, солнце и живописные места. Эрнест - наследник успешного бизнеса. Его родители создали торговое предприятие и занимались продажей тканей. У него жена Алиса, тоже богатая наследница крупных промышленников, и пятеро детей. Дела идут неплохо. Когда Эрнест разорится, бестолково угробит родительский бизнес и истратит родительские деньги, парижские журналисты будут писать ядовитые статьи: как это мило со стороны художника Клода Моне - приютить у себя в доме семью Эрнеста Ошеде, который стал банкротом, покупая его картины. Это была правда лишь наполовину: Моне действительно пригласил Эрнеста, Алису и их детей снимать один дом на две семьи, когда с деньгами у Ошеде стало туго. Но в разорении неудачливого торговца виноват был только он сам. Этот солнечный пейзаж Сислея подписан 1881 годом - к тому времени Эрнест уже разорился и заложил поместье. Его семья уже жила с Клодом Моне, а сам он был в постоянных разъездах и увлеченно делал карьеру журналиста в Париже. Дети Эрнеста скоро станут называть Клода Моне папой, а пока еще законная жена Ошеде Алиса станет возлюбленной и помощницей Моне. Так что скорее всего Сислей начал работу над «Садом Ошеде» за несколько лет до этого, когда Эрнест еще мог себе позволить скупать картины импрессионистов сотнями, когда беззаботная жизнь в Монжероне казалась бесконечной, а легкий летний флирт хозяйки дома Алисы Ошеде и молодого темпераментного талантливого Клода Моне еще казался мимолетным и несерьезным. Вот только дотянутся знойные ленивые тени до другого края сада - и все это наваждение рассеется. АльфредСислей Импрессионизм _history

В Финляндии в конце девятнадцатого века случился самый настоящий золотой век искусства - это был период ухода от Российской империи и избавления от шведского влияния, поэтому появилась острая необходимость понять себя, разобраться со своей национальной идентичностью. Художники, писатели, композиторы обратились кто к сказкам и мифам, кто к народной жизни, кто к красотам северной природы. Вышло все у них очень хорошо - один только Аксели Галлен-Каллела чего стоит. Одновременно с этим произошла еще важная штука - появилась идея о важности образования для всех и, например, в Школу Финского Художественного общества (ныне это Академия изящных искусств) стали принимать женщин. А они как давай туда поступать, да еще и объединились в художественное сестринство. Вот про одну из представительниц первого поколения финских профессиональных художниц и расскажу. Там про каждую надо обязательно, но сегодня будет Элин Клеопатра Даниэльсон-Гамбоджи, финская реалистка с шведскими корнями. У нее на картинах очень много женщин - маленьких и больших, за работой и на отдыхе, в одиночестве, с друзьями или с детьми. Покуривают после завтрака, устраивают пикник на побережье, читают вслух, рубятся в картишки - целая энциклопедия всякой женской жизни. Конечно, она написала много прекрасных пейзажей, ей это хорошо давалось тоже, но портреты и жанровые сценки, на мой личный вкус, интереснее. Кстати, вот ее автопортреты какие хорошие - проницательный прямой взгляд, а будто рассмеется сейчас.

"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств, Хьюстон. «Если бы я продавал только хорошие картины, я бы умер с голоду», - шутил Ренуар. Натюрморты он писал как раз для того, чтоб выжить. Они отлично продавались и создавались очень легко. Ренуар отдыхал, набрасывая свежесорванные цветы, как другие отдыхают, танцуя или попивая вино. Но этот натюрморт особенный. Это натюрморт-посвящение, натюрморт-признание. Эдуару Мане. Реминисценция первая: гравюра. На заднем плане ренуаровского натюрморта – гравюра к картине, о которой сейчас мало кто знает. В XIX веке ее считали произведением Веласкеса и она находилась в Лувре вместе с другими испанскими шедеврами, попавшими в музейные залы в качестве наполеоновских военных трофеев. Мане был в восторге от Испании и Веласкеса, он написал десятки полотен, вдохновленный испанскими мотивами, испанскими костюмами, композицией и мотивами испанских художников. Сейчас полотно приписывают зятю Веласкеса Хуану Батисте Мартинесу дель Масо или просто Мадридской школе. Но ту гравюру, которая оказалась внутри «Натюрморта с букетом и веером», абсолютно точно сделал Эдуар Мане. Реминисценция вторая: цветы. Если бы не было гравюры, все остальные переклички можно было бы считать слегка надуманными, но Ренуар сам узаконил дальнейшие поиски аллюзий. Букет на скандальной картине Эдуара Мане «Олимпия» слишком большой, критики не преминули упрекнуть художника в нарушении пропорций. Зато его невозможно не заметить: это смысловой центр картины, который превращает обыкновенное изображение обнаженной женской натуры в весьма недвусмысленный сюжет: за букетом где-то там, в гостиной, на пороге, за дверью, мужчина, которого вот-вот должна принять Олимпия, обнаженная Олимпия. Этот букет наверняка запомнили все: и критики, брызжущие ядовитыми упреками в неприличности, и молодые импрессионисты, которые назвали Мане своим учителем. Букет для натюрморта Ренуар собирал по своему вкусу, но обернул его точно в такую же, как у «Олимпии», плотную белую бумагу. Реминисценция третья: веер и книги. Япония стала для французов не меньшим откровением и художественным потрясением, чем Испания. Композиционные решения, цветовые находки, рисунок японских гравюр – все это буквально проросло в импрессионизм. Моне, Ван Гог, Сезанн и конечно Ренуар скупали стопки восточных пейзажей в художественных лавках, развешивали их по стенам, впитывали и учились. «Я уверен, что японские пейзажи не лучше других. Только одно: японские художники сумели найти спрятанный клад», - восхищался Ренуар уже много лет спустя. На этом японо-фанатском объяснении можно было бы остановиться, если бы не книги и если бы не заданная уже необходимость искать Мане. В каждой детали. И Мане снова находится. За два года до того, как Ренуар взялся собрать все эти знаковые вещи на одной картине, Мане пишет портрет Эмиля Золя за рабочим столом. Наверняка Ренуар его видел и схватил оттуда на память пару книг и японские мотивы. Во всяком случае так могло быть. ПьерОгюстРенуар Натюрморт Импрессионизм _history

"Апельсиновые деревья" Гюстав Кайботт, 1878 > Хьюстон, Музей изящных искусств Кайботт запечатлел тему изысканного отдыха. На картине изображен уголок сада семейного имения Кайботтов в Йере. Эта усадьба была куплена отцом художника в 1860 и продана в 1878, в год написания картины и смерти матери художника. Кайботт имел тягу к садоводству, предпочитал ухоженное расположение растений. Мужская фигура на переднем плане – брат художника Марсиаль. Одетый в соломенную шляпу и фиолетовые туфли, он изображен читающим газету или журнал с наклоненной вперед головой спиной к зрителю. На заднем плане кузина Зои в полосатом платье и красных сапожках склонилась над кадкой с апельсиновым деревом. Кайботт использует резкий контраст между теневым пространством и ярким солнечным задним фоном. Тени окрашены в приглушенные зеленые и фиолетовые тона, в то время как газон и цветник сочетают в себе яркие зеленые, красные и белые краски. Контраст между областями света и тени вносит ощущение полуденного зноя, покоя и тишины.

Где-то между 1483 и 1498 годами в Делфте работал художник которого называют Мастером Девы среди Дев, по названию его самой известной картины. На ней Дева Мария и святые Екатерина, Сесилия, Урсула и Варвара отдыхают в беседке. Каждую из святых дев мы узнаем по их украшениям - в них так изящно превратились атрибуты их мученичества. У Екатерины - брошь с колесом, потому что ее хотели на шипастых колесах разорвать на части, но явился ангел с небес и колеса разрушил. У Сесилии - ожерелье в виде маленького органа, потому что она покровительница музыки, ибо пела хвалу Господу до последнего вздоха. У Урсулы - ожерелье в виде сердца, пронзенного стрелой (вообще ее символ - стрела, которую она обычно или держит в руке или же стрела пронзает шею или грудь святой), потому что ее казнили гунны, после того, как она оказалась быть женой их главаря, выпустив в деву сотни стрел У святой Варвары на шее золотая башенка, так как отец запер ее в башне, чтоб оградить от мира до замужества, а та, сидя в заточении самостоятельно пришла к христианству. Мастер Девы Среди Дев был гравером и живописцем. Сейчас считается, что он много путешествовал и получал иностранные заказы - то есть, был довольно популярен в своей время. При этом, его, среди множества безымянных мастеров голландской живописи, выделили в 1903 году, собрав вместе картины, что будут ниже, и найдя в них общие черты. А общими чертами оказались реализм, внимание к бытовым мелочам (обратите внимание, например, на натюрморт на столе на картине с Тайной вечере) и особый тип женской внешности - все дамы у него с большими головами, высоколобые, с длинными шеями. Вот даже теперь считается, что именно загадочный Мастер Девы среди Дев был одним из тех, с кого началось Северное Возрождение, пионером голландского искусства. Звали его, кажется, Дирк Янс, но это пока не точно. Периодически какие-то из картин безымянных мастеров после долгого изучения атрибуцируют как его работы, так что возможно тут нас будет ждать еще много открытий. Ну а я просто млею от его живописи, особенно от Благовещения, поэтому делюсь с вами своей радостью.

"Майский пикник" 1873 г. Пал Синьеи-Мерше Венгерская национальная галерея, Будапешт. Разве можно, глядя на «Майский пикник» Синьеи-Мерше, не вспомнить многочисленные импрессионистские «завтраки»? Мане и Моне ко времени написания картины уже отправили свои компании молодых людей и девушек завтракать на природе. Пожалуй, в данном случае скорее возникает аналогия с мирным благопристойным «завтраком» Моне, а не со скандальным пикником с обнаженными девушками Эдуара Мане. Герои расположились на отрытом пространстве, причем композиция так выстроена (точнее сказать, что правилами композиции автор несколько пренебрег), что взгляд словно «проваливается» в расположившуюся на поляне компанию. Синьеи-Мерше вводит в сюжет картины интригу – отдыхающие не равноценны, очевидно, что двое молодых людей активно пытаются завладеть вниманием двух девушек. Все они изображены вполоборота, мы видим их увлеченные лица. Еще двое мужчин предоставлены сами себе: один что-то выискивает в траве, второй лежит на пледе. Лицо первого скрыто широкополой шляпой, второй отвернут от зрителя. Кажется, самого автора они интересуют меньше, чем две кокетничающие пары. Светло-зеленое пространство поляны на заднем плане сливается с синевой неба. Красные пледы и цветы справа от девушки в розовом демонстрируют незаурядное умение Синьеи-Мерше использовать цветовые контрасты. Более чем через 20 лет это безоговорочно подтвердят его великолепные «Маки».

"Купальщики на отдыхе" 1877 г. Поль Сезанн Фонд Барнса, Филадельфия. У Сезанна есть картины, которые стали культовыми для нескольких поколений художников. Непризнанный, отвергаемый, намеренно игнорируемый критиками, Сезанн считался непостижимым гением среди своих: художников-импрессионистов, нескольких коллекционеров и нескольких писателей. «Купальщики на отдыхе» - одна из тех картин, которые именно для этой небольшой группы почитателей имели огромную ценность, обладали сверхъестественными свойствами. Она появилась впервые на Третьей выставке импрессионистов в 1877 году – Сезанн тогда представил для экспозиции щедрую подборку: 14 картин и 3 акварели. После того, как выставка закроется, работы Сезанна в Париже увидеть не удастся очень долго – целых 12 лет. А пока художник привычно собирает возмущенные отзывы журналистов, критиков и зрителей. На его защиту встают лишь несколько человек – именно в «Купальщиках» эти несколько защитников видят древнюю мощь, микеланджеловскую монументальность фигур, непостижимую гармонию объемов, цвета, свойственные старинной керамике. Восторженные коллеги Сезанна удивляются, как другие не видят внутренней силы работы, как позволяют придирками к анатомическим неточностям уничтожить самый смысл полотна. Почитатели в своем мнении единодушны, они видят одно и то же: молчаливую гармонию, преобразующее божественное присутствие, вместо несовершенств – осознанные совершенствования, которыми Сезанн исправляет видимое. Третья выставка импрессионистов закрылась – и Сезанн уходит со сцены, закрывается в мастерской, работает как одержимый, но прежде всего ищет тишины и покоя, чтобы отключить хор спорщиков и найти теоретическое обовнование своих взглядов, своего способа видения. И тут же у самого Сезанна и у его картины «Купальщики на отдыхе» появляется новый поклонник – неожиданный и спасительный. Жан Ренуар в книге об отце и его друзьях рассказывает историю о первом владельце «Купальщиков». Сезанн вышел из поезда на вокзале Сен-Лазар и нес картину подмышкой – ее увидел молодой человек, тут же высказавший восхищение насыщенными цветами, которые художник использовал для изображения трав и деревьев. Сезанн, не раздумывая, подарил картину молодому человеку. Скоро они снова встретятся – и будут близкими друзьями. Счастливым обладателем «Купальщиков» стал композитор, поэт и музыкант Эрнест Кабанер. Нищий, изможденный, эксцентричный – Кабанер был другом Рембо и Верлена, играл в кабаках на фортепиано и «Купальщиков» водрузил над своей кроватью. Сезанн ценил мысли и взгляды Кабанера, а несколько лет спустя взял на себя заботу о смертельно больном друге. Он уговорил коллег-художников пожертвовать по несколько картин, от себя добавил две – и на вырученные деньги обеспечил своему первому стихийному поклоннику небольшую пенсию. После смерти Кабанера «Купальщиков» купил Гюстав Кайботт. И вместе с другими картинами его знаменитой коллекции, которую Кайботт завещал государству после смерти, сезанновское полотно наконец предстало перед двумя важными судьями: директором Школы изящных искусств и директором Люксембургского дворца. Эти двое принимали от умершего Кайботта его несвоевременный и провокативный дар. Как бы ни раскачивали импрессионисты за прошедшие 20 лет упрямо следующую по проторенной дороге крепкую повозку академического искусства, она лишь немного сдвинулась с основного курса. Для «Купальщиков» Сезанна в стенах парижских музеев пока места не нашлось – коллекцию Кайботта приняли в дар не полностью и, конечно, без этой картины. В итоге ее продали за границу – сейчас картина в Америке. Но истории искусства и самому Сезанну не столь важно было местонахождение «Купальщиков»: художник повторит центральную фигуру в нескольких отдельных полотнах, Эдгар Дега купит одну из этих версий для своей коллекции, одной из первых покупок юного Пабло Пикассо будет раскрашенная акварелью авторская литография по мотивам «Купальщиков». Остановить это движение уже не представлялось возможным – Сезанн протоптал для современного искусства новую тропинку и пошел по ней пешком. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

"На отдых всей семьей" 1947 г. Норман Роквелл

"Танец" 1910 г. Анри Матисс Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Русский коллекционер Сергей Щукин в 1908 году заказал Анри Матиссу три больших панно, которые должны были изображать танец, музыкантов и купание. «Купание» не было написано, а «Музыка» и особенно «Танец» – это уже в полный голос заявивший о себе гений Матисса. Щукин планировал украсить этими панно холл своего московского особняка. Это был первый крупный заказ в жизни Матисса, позволивший ему окончательно проститься с нехваткой средств. Источником вдохновения для Анри Матисса послужили представления Айседоры Дункан, порвавшей с официальной балетной школой и наполнившей танец страстью, эмоциями, неистовством. Посещение Матиссом кабаре «Мулен де ла Галетт», в котором исполнялась фурандола (провансальский народный танец), тоже внесло свою лепту в создание панно. Матисс окончательно уходит как от детализации, так и от расплывчатости импрессионистов. Вот как он описывает работу над картинами для Щукина: «Мы стремимся к ясности, упрощая идеи и пластические средства. Цельность — наш единственный идеал… Речь идет о том, чтобы учиться и, быть может, учиться наново писать линиями». Технические средства действительно сведены до минимума, Матисс в этих работах предельно лаконичен: лазурное небо, изумрудная зелень холма, пылающие огненные тела. Люди максимально обобщены, перефразируя известное выражение Матисса про женщину и картину "Я рисую не женщин - я рисую картины"), здесь он пишет не танцоров - он пишет танец. Обнаженные тела несут ощущение некой первобытности, первозданности, вызывают аналогии с настенными росписями. Танец кажется грандиозным узором бытия, он вышел за пределы картины, это архетип, стихия танца, это сам миф о танце. Перед нами кружение пяти фигур, соединивших руки в неистовом хороводе. Они образуют замкнутый круг, настолько заряженный энергией, что кажется, от холста должно искрить. Картины были выставлены на Салоне 1911 года и вызвали бурную реакцию. Яростная, страстная обнаженность слившихся в танцевальном экстазе тел возмутила поклонников академических жеманных красавиц, возлежащих на диванах и окруженных пухлощекими амурами. Обнаженная натура не в диковинку, но здесь – больше, чем тела: чистый экстаз, страсть и секс выплескивались на зрителей из этого трехцветного полотна с танцующими фигурами. Щукину даже пришлось попросить Матисса заретушировать «срамоту». Но разве это могло сдержать эмоциональный и чувственный накал картины, который, право, живет не в линиях, уточняющих половые признаки. На первом этаже московского особняка Сергея Щукина должен был располагаться «Танец» Матисса – будоражащий, возбуждающий, влекущий. На втором этаже настроение гостей предполагалось уравновешивать «Музыкой», передающей совсем другое состояние – спокойствие, медитативность, погруженность в себя. Всё те же три краски, те же пять фигур изображены уже не на холме, а на равнине, они не сливаются воедино, а предстают отдельными персонажами, погруженными в себя и музыку. На третьем этаже планировалось разместить панно, изображающее отдых, купание, расслабление. У «Танца» Матисса есть еще одна версия. Она находится в Нью-йоркском Музее современного искусства (МоМА). Раймон Эсколье полагал, что это второй вариант «Танца», в котором Матисс превзошел чувственность и вакханские мотивы первой версии. Но большинство исследователей сходятся на том, что это лишь набросок к настоящему панно, которое после революции было национализировано и передано в Эрмитаж, где находится и поныне. Позже для Фонда Барнса по заказу его создателя Матисс создаст еще одно панно на тему танца, размером уже 13 метров, в котором применит технику декупажа. АнриМатисс Экспрессионизм _history

"Заросший пруд" Василий Поленов, 1879 > Москва, Третьяковская галерея Полотно не поражает нас буйством и разнообразием красок, будоражащих чувства. Наоборот, картина наполнена светом, покоем и умиротворением. Перед нами обыкновенный пруд, затерянный в тени вековых деревьев. Таких уголков много на территории нашей страны. Это нечто близкое и родное для каждого русского человека. Поэтому картина Поленова так и притягивает, возле нее отдыхаешь душой. Картина буквально утопает в зелени. Темно-зеленые кроны деревьев создают густую тень и дарят ощущение прохлады. Эта же зелень отражается в спокойной и неподвижной, словно зеркало, глади пруда.

"Макс Шмитт в лодке-одиночке" 1871 г. Томас Икинс Метрополитен-музей, Нью-Йорк. В июле 1870 года Томас Икинс возвращается в родную Филадельфию после четырех лет обучения в Школе изящных искусств в Париже. С этого времени художник начинает часто писать спортсменов, в частности – гребцов. Интерес Икинса к спортивной тематике был неслучайным – любовь к упражнениям на свежем воздухе (и к рисованию) привил ему отец, обеспечив Томасу весьма насыщенное детство. Картина «Макс Шмитт в лодке-одиночке» изображает момент из регаты, проходившей на реке Скулкилл в октябре 1870 года, за которой Икинс наблюдал с двойным интересом. Во-первых, каждое подобное соревнование было знаковым событием для жителей Филадельфии, а во вторых, в регате участвовал его близкий друг. Томас и Макс дружили еще со школы, и объединила их любовь к спорту. В то время, пока Икинс учился в Париже, Шмитт продолжал шлифовать свое мастерство и участвовал в регатах, одерживая победу за победой. У него была собственная одноместная лодка, которой он дал имя «Джози» в честь сестры (на картине Икинса название лодки можно увидеть под правой рукой спортсмена). В своей работе художник запечатлел друга с почти фотографической точностью (сохранившийся снимок Шмитта это подтверждает), изобразив его не в момент гонки, а во время отдыха после победы. Кроме того, Икинс поместил на картину и самого себя: его мы видим в лодке на заднем плане (надпись на борту гласит «Eakins 1871»). Позже художник неоднократно будет вписывать в свои работы такие скрытые автопортреты. Картина «Макс Шмитт в лодке-одиночке» стала первой из почти тридцати работ (рисунков, акварелей и картин), посвященных гребле, которые Икинс создал за следующие четыре года. При жизни художника она выставлялась лишь однажды и всего на четыре дня, оставив критиков в легком недоумении. Благодаря Икинсу гребля впервые стала сюжетом серьезного живописного полотна. Один из критиков даже назвал картину вызовом традициям. В конце концов, художник подарил полотно Шмитту, а в 1934 году, когда Икинс посмертно стал популярным художником, работу приобрел музей Метрополитен. ТомасИкинс ЖанроваяCцена Реализм

Отдыхающая девушка 1752 Франсуа Буше Старая пинакотека, Мюнхен Известнейшая картина в собрании «Старой пинакотеки» и одна из лучших работ Франсуа Буше, который, будучи придворным живописцем Людовика XV, изобразил богатую сладостями и утехами жизнь той эпохи. На картине фаворитка короля Людовика XV и модель художника. Фигура юной Луизы О’Мерфи показана в очень необычной и сложной позе. Спинка софы неудобно высока для такого положения тела и ноги, так вожделенно утопающие в подушках, не в состоянии служить опорой изогнутому телу. Буше мастерски решил эту проблему и очень занимательно представил движение и немногочисленные предметы на картине.

​​️ В Пушкинском музее открылась выставка современной австрийской художницы Ксении Хауснер. Название выставки «Правдивая ложь» отражает приверженность художницы к театральным принципам творчества: постановочная, целиком сочиненная, фиктивная форма заключает в себе правдивое внутреннее содержание. P. S Как тонко отражена суть! Браво. «Моя вселенная – женская. Женщины – ключевой элемент в моем творчестве, в моих произведениях они выступают как представители всех гендеров. Я работаю над общечеловеческими темами с женским актерским составом», – Ксения Хауснер. ️«ГАРАЖ.txt»: открыт прием заявок на грант для исследователей, пишущих о современном искусстве и культуре на русском языке. ️Искусственный интеллект установил, что Рубенс не является автором «Самсона и Далилы» из собрания лондонской Национальной галереи.   Те, кто оспаривают подлинность работы, считают, что цвета нехарактерны для палитры Рубенса, а само изображение отличается от гравюр картины, сделанных современниками художника.   ️Художница Трейси Эмин планирует превратить свою студию в Маргите в музей. В 2011 году в английском Маргите открылся музей Turner Contemporary, благодаря чему город значительно изменился, став модным местом для отдыха. За последний год Эмин вернулась к теме своей кровати, с которой когда-то началась ее известность как художника: «Я застелила свою кровать 23 года назад. Я могу вернуться к этой теме, если захочу...Я не полагаюсь на других людей, институции или что-то еще… Это моя выставка, это — моя лебединая песня». Почему эта работа стала сенсацией? При анализе произведений искусства мы всегда учитываем время, в которое оно было создано: представив в начале 20-х свою «голую правду» она сломала табу на обнажение телесности и сексуальности.   Скандальная работа Трейси Эмин «My bed», которая была выставлена в Tate Gallery в 1999 году и удостоена престижной премии Тернера, Tracey Emin   https://telegra.ph/file/f88679205ac75c71feb3f.jpg

Джон Сингер Сарджент "Отдых" (1911) Данное полотно – тот редкий случай, когда художник писал для себя, а не на заказ, потому чувствовал себя свободным от навязанных условий. Работая над ним, он словно радовался возможности продемонстрировать все, на что способна его кисть.

Юрий Клапоух (1963) «Отдых» 2021 холст, масло. 100х70 см юрий_клапоух

ВИДЕОЭКСКУРСИЯ. АГАТОВЫЕ КОМНАТЫ ЕКАТЕРИНЫ II https://youtu.be/LA0b2cqqu2U?t=42 Агатовые комнаты павильона «Холодная баня» – архитектурный шедевр XVIII века. Они уникальны как в художественном, так и в техническом отношении и не имеют аналогов не только в России, но и в мире. По указу венценосной заказчицы (Екатерина II лично наблюдала за отделкой этих интерьеров и вносила коррективы в проект) придворный архитектор Чарльз Камерон в 1780-х годах создал во втором этаже павильона неповторимые изысканные интерьеры – помещения для отдыха и развлечений, ставшие личными покоями императрицы, в которых она в утренние часы просматривала государственные документы, отвечала на письма, занималась литературными трудами. Авторская экскурсия многолетнего главного хранителя музея-заповедника «Царское Село», хранителя фонда живописи Ларисы Бардовской. https://youtu.be/LA0b2cqqu2U?t=42

"Субботний день" 1914 г. Андре Дерен ГМИИ имени А. С. Пушкина. Кажется, что в эту комнату, изображенную Андре Дереном чуть ли не в натуральную величину, зритель мог бы войти – а возможно, он уже в ней, рядом с тремя женщинами. Хозяйка с резкими чертами лица что-то говорит служанке, оторвавшись от книги, страницы которой заложила пальцем, а девушка с рукоделием сосредоточена на своей тонкой работе. Каждая могла бы стать отдельным портретом. У них узкие длинные фигуры с вытянутыми шеями, головы чуть повернуты и наклонены, жесты тонких пальцев многозначительны, а складки на одежде заложены туго и тщательно – да и все остальные драпировки тоже. Сумрачный колорит, простота обстановки с автономным натюрмортом на столе и лаконичный пейзаж за окном дополняют сходство со средневековой живописью. Это впечатление подтверждается тем, что тумбочка слева, стол и камин нарисованы в обратной перспективе. Дерен написал это панно в годы пристального внимания к готическому искусству и африканской деревянной скульптуре, оттого фигуры женщин напоминают статуи, а их лица – четкий рельеф экспрессивных масок. В то же время войти в этот мир не так-то легко. И не только из-за того, что он парадоксально сочетает архаику с модерном и многослойную тесноту с ощущением отстраненности, если не одиночества. Странность этого мира нежна и хрупка, почти божественна. Он убран, чист, украшен цветами. Дыхание в нем как будто замедляется. Считают, что название «Субботний день» дал картине Андре Дерена поэт Гийом Аполлинер. Суббота – день отдыха, и служанка, задумавшись о чём-то своём, смотрит с теплотой. А взгляд зрителя в конце концов уходит из этой комнаты вправо – туда, где обсаженная деревьям аллея увлекает к далекому горизонту. АндреДерен Фовизм _history

Вот как отдохнуть от суеты Хотя, новогодняя суета это приятно) Но ведь, долгая осень, начало зимы, празничные хлопоты. Потом праздник и веселье - с одной стороны отдых, а с другой тоже суета. Когда же расслабляться? Кстати, если соединить классическую музыку и стихи, то получится чистое блаженство. А если это всё ещё и на фоне известных картин, то вообще улёт сознания в нирвану. Миксовать такое зелье самому, конечно можно, но зачем, если есть t.me/poetrysea. Заглянул на секунду, а эйфория на день. Попробуйте) http://t.me/poetrysea

Спящая Титания 1841 Ричард Дадд Лувр, Париж, Франция Картина иллюстрирует Aкт II (сцену 2) пьесы Уильяма Шекспира «Сон в летнюю ночь». Лес. Титания раздала поручения своим слугам («Составьте хоровод и пойте песни, потом на треть минуты удалитесь»), после чего приказывала им убаюкать себя («Теперь меня вы песней усыпите, а там скорей летите исполнять свои дела; я отдыхать здесь буду»). Эльфы поют песню («Баю, баюшки-баю! Баю, баюшки-баю! Чтоб ничто вредить не смело, чтоб царица здесь спала, Не страшась ни чар, ни зла! Ну, царица, почивай, мы поём тебе: „бай-бай!“») и разлетаются, оставив одного эльфа часовым при заснувшей королеве. Вслед за этим выйдет Оберон и выжмет волшебный цветок на глаза жены. Алый цветок «Любовь в праздности», в который когда-то попала стрела Купидона, обладает волшебными свойствами. Если смазать им веки спящего, то первый, кого он увидит, когда откроет глаза, станет его любимым. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Илья Репин "Отдых. Портрет В.А.Репиной, жены художника" (1882)

Жан-Батист-Камиль Коро. «Отдых». 1860 г.

В одном из путешествий по Европе, в Париже, Крёйер встретил 21-летнюю Мари Трипке. После неожиданно вспыхнувшего бурного романа пара сыграла свадьбу. Хотя о таком повороте событий 37-летний Северин даже не помышлял, прослыв пылким сердцеедом. Художник создал более 40 портретов любимой жены, прославив её как «самую красивую женщину Копенгагена». Мария также была художницей, но в замужестве писала очень мало. Известным стал совместный портрет супругов, на котором Мари изобразила Педера, а тот свою любимую жену. Но счастливая жизнь на картинах на деле оказалась не безоблачной, их семейная жизнь складывалась крайне тяжело. Крёйер страдал от наследственного психического расстройства, не раз госпитализировался, к тому же был болен сифилисом. Отношения не наладились и после рождения дочери Вибеки. А вначале 1900-х его болезнь стала прогрессировать, и художник надолго был помещен в психиатрическую клинику. Уставшая от приступов бешенства мужа Мари с Вибеке поехала на отдых в Италию, на Сицилию, где познакомилась со шведским композитором Хуго Альвеном. Вспыхнувший роман, вскружил голову молодой женщине, и она попросила у мужа развод, но Северин, страдающий резкими перепадами настроения, категорично отказал. Вскоре Крёйер сам дал развод жене, когда узнал, что та носит ребенка от музыканта. Мари переехала в Швейцарию к новому мужу, а их маленькая дочь осталась на попечении отца, в Скагене. Последние десять лет жизни художник постепенно терял зрение, но не переставал работать. Последние из своих картин Крёйер написал, уже практически ничего не видя. Художник умер в 1909 году в возрасте 58 лет в полном одиночестве, страдая от тяжелой формы сифилиса. Второй брак Мари тоже был неудачен. Пара развелась по настоянию мужа в 1936 году. Последние годы жизни художница прожила в одиночестве в Стокгольме.

Борцы 1899 Томас Икинс Музей искусств, Лос-Анджелес, Калифорния, США Художник считается одним из величайших художников Соединённых Штатов Америки, посвятившим свою карьеру реалистичному изображению человеческой натуры в масле и акварели, скульптуре и фотографии. С детства полюбив спорт, Икинс как амбициозный и оригинальный молодой художник, избрал темами своих картин лежащий вокруг него мир, что позволило ему продемонстрировать свои выдающиеся художественные навыки. Икинс писал картины, в которых выражал свое восхищение спортсменами и активным отдыхом, не забывая также об образах женщин и детей, привлекательных своей яркостью и задумчивостью. На картине изображён борцовский поединок между двумя почти обнажёнными мужчинами, один из которых, просунув руки через подмышки второго, удерживает его при помощи приёма «двойной Нельсон». За ними стоят трое мужчин: спортсмен на гребном тренажере, рефери и другой борец. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Виктор Попков "Бригада отдыхает" (1965)

Большое обновление уличного искусства в Екатеринбурге: Яндекс Карты вместе с фестивалем уличного искусства перезапустили Street art line На улицах появились зоны отдыха над поверхностью земли, увеличилось число арт-объектов до 40 работ. Теперь протяжённость арт-маршрута — 10 км. Вообще, в Екатеринбурге особенно популярен стрит-арт: фестиваль STENOGRAFFIA уже 13 лет привозит уличных художников со всего мира. Муралы, мозаики и граффити можно увидеть на одном удобном маршруте — весь путь займёт четыре часа. Можно пробежаться по нему ещё быстрее — виртуально, в Яндекс Картах есть фотографии работ и описания к ним. Перед вами предстанут цистерны, выкрашенные под гжель и хохлому в стиле пиксель-арт или, например, вентиляционные будки с мозаикой.

Норман Роквелл 1926 Песня о любви Музей Индианаполиса На ней изображены два пожилых музыканта, играющих дуэтом на флейте и кларнете, в то время как молодая девушка отдыхает от уборки и слушает музыку. Название картины написано на папке для нот, по которым играют музыканты. «Песня о любви» иллюстрирует одну из постоянных тем в творчестве Роквелла: контраст молодости и старости через изображение задумавшейся молодой девушки и пожилых музыкантов. Хотя основное изображение прямолинейно и реалистично, как и большинство работ Роквелла, художник добавляет импрессионистский пейзаж за окном, демонстрируя разносторонность его таланта. Увлечение Роквелла старинными картами, которые он коллекционировал в большом количестве, проявляется в изображении старой карты, которая привязывает картину к сельской местности в Америке. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Удивительный сад" 1903 г. Юзеф Мехоффер Национальный музей, Варшава. «Удивительный сад» Мехоффера словно сочится солнечным светом. Игра света и тени, сияние на практически золотом теле малыша, которое словно само излучает свет, переливы цветов, глубокая синева маминого платья, ветки мальвы в руках ребенка и цветочные гирлянды, всполохи алого и белого в костюме няни – эта картина о солнце, свете и цвете. Художник начал работу над ней в 1902 году во время летнего семейного отдыха вблизи Кракова. Ребенка и его мать художник написал с любимой жены Ядвиги и сына. _history