[Продолжение] Павел Корин - мозаика “Дмитрий Донской” на станции...

Павел Федотов - Разборчивая невеста, 1847, масло, холст, 37 x 45 см, Третьяковская галерея, Москва, Россия Pavel Fedotov - Difficult Bride, 1847, oil on canvas, 37 x 45 cm, Tretyakov Gallery, Moscow, Russia

Павел Филонов, шесть оригиналов и две подделки.

Эту историю мне прислала замечательная художница Армине Х. Удивительно, как жизнь иногда подкидывает нам такие повороты: "Итак, напишу интересную историю, в неё сложно поверить, но это история полностью правдивая. Некоторое время назад, мне поступил заказ на портрет пастелью, человек который его заказал, хотел подарить его своему дорогому другу на 23 февраля. В итоге он отправил мне фотографию, и я приступила к работе, но по ходу написания портрета я почувствовала, что лицо человека мне очень знакомое, что где-то я его раньше видела. Тогда я загрузила его фотографию через сервис Яндекс.Картинки и оказалась в шоке, выяснилось, что его разыскивают родственники через сервис Жди Меня! Все данные по поиску я передала Заказчику, и он сразу же передал это своему другу, а вот что было дальше, я не знаю, но надеюсь, что все хорошо! А что думаете вы, Заказчика свела со мной судьба или счастливый случай?" Узнайте продолжение этой и других историй портретов на канале художницы — https://t.me/armine_art

"Разборчивая невеста" 1847 г. Павел Андреевич Федотов Государственная Третьяковская галерея.

​​Приглашаем на «Призракологию постсоветских пространств». В HSE ART GALLERY сегодня в 19:00 состоится открытие групповой выставки: 60 художников, среди которых студенты и преподаватели Школы дизайна НИУ ВШЭ, а также независимые авторы. Выставка — тотальная инсталляция: не то обжитой подъезд, не то захламленная квартира, наполненная работами художников, где графика, скульптура, видео, фотография и живопись осмысляют постсоветское пространство. Кураторки выставки — Александра Кузнецова и Софья Афанасьева. Подробнее. ️HSE ART GALLERY, ул. Малая Пионерская, 12. м. Павелецкая. ️Вход свободный. https://telegra.ph/file/97acaf71e09a26d7f0ea4.jpg

Павел Дольский (1978) «Мама» 2010 холст, масло. 150х120 см павел_дольский

Искушение 1857 Николай Шильдер Третьяковка 22 мая 1956 года Третьяков купил эту картину за 150 рублей. За 150 рублей тогда можно было купить дом в деревне или семью крепостных. В живописи Третьяков не понимал ничего, зато он очень хорошо умел считать деньги. На картине мрачная и сырая подвальная комната, в которой живет девушка и ее престарелая больная мать, давно уже не встающая с постели. Однажды в подвал пришли богатый мужчина и старуха-сводня, которая предложила девушке сделку: красивый золотой браслет в обмен на любовь. И вот оно – искушение: с одной стороны нищенский заработок вышивальщицы, с другой – браслет, который можно продать и обеспечить семью. И купить маме так необходимые лекарства. Только в 1863 году Павел Михайлович вспомнил о своей идее устройства «художественного музеума». «Искушение» он внес под «нумером 1» в лично составленный им первый каталог своей коллекции. Вторым номером стала картина Василия Худякова «Стычка с финляндскими контрабандистами»

Павел Федотов "Все холера виновата" (1848) Небольшая домашняя пирушка, один гость свалился со стула, перебрав в напитках, а вокруг него суета: женщина растирает ему щеткой грудь, хозяин тянется со стаканом чаю, между двумя дамами идет жаркий, чуть ли не до драки, спор о необходимых средствах, а потерпевший меж тем лежит пластом, раскинув руки. На обороте картины художник написал шутливые стишки: «Как лукавого в грехах Наш брат укоряет Так, когда холеры страх В городе гуляет Все всему она виной Все холеры. Так иной Чуть до вкусного дорвется Не утерпит — так напрется, Что в здоровую-то пору Перварить желудку в пору. Так подчас забывши страх На приятельских пирах Выпьют одного вина По полдюжины на брата Смотришь худо кто ж вина Все холера виновата».

Альбрехт Дюрер "Автопортрет" (1500) На самом известном из автопортретов Дюрер изобразил себя в образе Спасителя, так что сразу и не сообразишь – это Христос глядит на нас в упор или писаный красавец-художник? Томас Ховинг, бывший директор музея Метрополитен, в своей книге называет этот автопортрет «самым надменным, раздражающим и великолепным портретом из когда-либо созданных». Было ли это особой дерзостью со стороны художника - написать себя в образе Спасителя? И да, и нет. Дюрер был ревностным христианином и знал, что уподобиться Христу для верующего — не только жизненное задание, но и долг. Апостол Павел учил, что уподобиться Спасителю нужно в жизни, — Дюрер же рискнул уподобиться на портрете. При увеличении видно, как отражения окон в зрачках Дюрера образуют кресты. А его монограмму AD рядом с обозначением года 1500 можно читать не как «Альбрехт Дюрер», а как anno domini – т.е. от Рождества Христова.

Павел Назим "Конечная станция"

Павел Филонов "Пир королей" (1913) Эта сумрачная картина изображает ночную трапезу не то библейских персонажей, не то людей и зверей. Поэт Велимир Хлебников назвал картину "пиром мертвых королей". Именно она в декабре 1941 года висела в промерзшей ленинградской квартире над головой умирающего от голода художника, и в той же комнате лежала и мучилась его парализованная жена. После смерти Филонова, на протяжении девяти дней этой картиной было прикрыто тело Филонова – в блокадном Ленинграде не только еды было не достать, но и досок. Наконец Союз советских художников выделил девять досок, из которых и был сколочен гроб для создателя аналитического искусства. От этой последней подачки «изосволочи», как Филонов именовал сие объединение, ему уклониться не удалось.

Павел Федотов (1815-1852) «Завтрак аристократа» («Ложный стыд», «Не в пору гость») 1849-1850 холст, масло. 51x42 см Государственная Третьяковская галерея, Москва павел_федотов

Concept 477. Concept 477 концептуального архитектора и дизайнера из Москвы Романа Власова. Проект поражает своей футуристичностью, в нем мастерски сочетаются ландшафтный дизайн и архитектура. Роман вдохновляется творчеством Захи Хадид, всемирно известного архитектора, чьи работы уникальны своей смелостью и масштабностью творческих решений. Один из главных принципов Хадид – стремление к органичности форм, который проявлен и в объекте Власова. Белые мягкие линии постройки являются продолжением темных и острых скал. Реализуя новые проекты, архитектор вдохновляется идеей создания чего-то уникального и оригинального. Свои архитектурные концепции Власов воспринимает как личное исследование формы и как процесс развития творческого мышления. «Я реализую свой поток видений в архитектурных формах. Куда это приведет – время покажет».

Павел Дольский (1978) «Березовая роща» 2012 холст, масло. 120х120 см павел_дольский

Павел Кучински "Любимец"

Павел Назим "Серая масса"

"Актриса Маргарита" Нико Пиросмани, 1909 При жизни художнику едва хватало на хлеб и краски. Он умер от голода в подвале одного из грузинских домов. Лишь после смерти стал мировой знаменитостью. Маргарита де Севр – французская певица и танцовщица. Увидев ее на афише, Пиросмани был покорен. В этот же вечер он написал картину «Актриса Маргарита», где изобразил девушку в своей манере примитивизма, выполненную на черной клеенке. Пиросмани отправлял к актрисе огромные повозки с цветами. Для этого он продал последнее – долю в молочной лавке. Позже об этом напишет Паустовский в рассказе «Простая клеенка» и споёт Пугачева в хите «Миллион роз». Эта мелодия любви закончилась, так и не развившись. Маргарита уехала с богатым любовником, даже не попрощавшись с Нико. Но история имела удивительное продолжение. В 1968 году «Актриса Маргарита» выставлялась в Лувре. Перед портретом долго стояла пожилая женщина – та самая Маргарита.

"Портрет Гертруды Лёв" 1902 г. Густав Климт Частная коллекция. 19-летняя дочка владельца фешенебельного санатория Вены, пленительный портрет, утраченная при нацистах коллекция, внебрачный сын Густава Климта и его модели, наконец, продажа за $39,2 млн «лучшей за последние 20 лет работы Климта» на торгах Sotheby’s летом 2015 года и особые условия раздела суммы — все это не просто картина. Это — сюжет. Работа гения венской сецессии создана в 1902 году. Вот отзывы критиков о работах того периода (включая и портрет Гернтруды Лёв), выставленных на коллективной выставке творцов Сецессиона в 1903 — 1904 годах: «…волшебное очарование сияющих обликов — отличительная черта живописной манеры Климта», и «самая тонкая лирика, которую только способна создать палитра художника». В то время на переломе веков художник тяготел к почти монохромной гамме, создавая нежные, воздушные образы героинь. А пленительная Гертруда тогда идеально соответствовала его живописным представлениям. Наша героиня была дважды замужем: первый брак поначалу был безоблачным, и апартаменты четы оформлял сам Коломан Мозер. Однако супруги расстались после ранней смерти их единственной дочери. Во втором браке с венгерским промышленником у пары было трое детей, но в 1923 году муж умер от скоротечной пневмонии: он не надел пальто, возвращаясь из ночного клуба. Гертруда, дочь своего отца, продолжала управлять санаторием, а ее портрет кисти Климта занимал почетное место в прихожей квартиры. Картина с сияюще-воздушной Гертрудой Лёв была признана современниками Климта и вошла в редкое лимитированное издание 50 литографий лучших его работ (удачная затея арт-дилера Метке (H. O. Miethke)). А теперь — вовсе не радужное продолжение истории. Под давлением нацистов еврейское семейство Лев в 1939 году покидает страну и бежит в США. Часть коллекции остается в Австрии, в том числе и бесценный портрет. Дочь Гертруды — Мария, — возвращается туда после войны, надеясь разыскать сокровище. Однако друг семьи, которому поручили приглядывать за оставшимися ценностями, продал картину (вероятнее всего, за бесценок), что называется, под дулом пистолета. Мария Лев в Вену больше не приезжала. Она скончалась в 1964 году в Калифорнии. Портрет кисти Климта после войны оказался у вероятного внебрачного сына художника — Густава Учицки (Gustav Ucicky: его мать, 19-летняя Мария из Праги, работала служанкой в доме Климта). Густав Учицки во время войны создавал в Вене пропагандистские фильмы для нацистов. Вроде бы именно им в 1942 году и была куплена работа. Вдова кинематографиста — Урсула, основавшая Фонд Климта в 2013 году, — в 2014 году «достигла соглашения» насчет портрета с внучкой Гертруды Лев. Средства от продажи картины в 2015 году с аукциона было решено поделить. «Этот портрет показывает храбрую и решительную природу моей бабушки. На этом визуальном воплощении живет сила ее характера и красоты» — сказала внучка прекрасной и вечно юной Гертруды, которую нарисовал австрийский гений — Густав Климт. ГуставКлимт Портрет _history

Павел Дольский (1978) «Арпеджионе» 2020 холст, масло. 80х60 см павел_дольский

​​️Выставка, посвященная отцу отечественной панорамной живописи Францу Рубо, открылась около здания, построенного для написанной им панорамы Первой обороны Севастополя. ️Обновленный Музей моды — MoMu откроется в Антверпене в сентябре. Классный молодёжный город: ️На вокзале в Иваново открывается арт-резиденция Art Station Ivanovo. Специально для выставки, которая будет проходить в пространстве конструктивистского здания железнодорожного вокзала, на текстильном предприятии города Иваново «Красная Талка» были изготовлены десятки 7-метровых полотен. Каждое из них расписали художники уличной волны: Миша Most, Анатолий Akue, Илья Slak (Aesthetics group), Petro (Aesthetics group), MAX 13 и Павел Ртуе. ️Творческая лаборатория "Человек мира" открылась в субботу в Суздальском районе Владимирской области. В течение суток команда из ста актеров, режиссеров, художников, музыкантов и волонтеров представит публике 10 спектаклей, посвященных свадьбам. ️Успейте посмотреть на работу Дюрера, идею которой до сих пор не могут разгадать искусствоведы: В Историческом Государственном музее до 22 августа проходит Выставка графических работ Альбрехта Дюрера из коллекции Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии — одной из самых известных художественных галерей Европы! Из Италии привезли более 120 гравюр мастера, среди которых представлены самые известные — гравюра "Меланхолия I", "Адам и Ева", "Блудный сын", "Аполлон и Диана". Произведения А. Дюрера сопровождаются работами его современников, которые копировали с изумительной точностью великого гравера, что говорит об огромном признании мастерства художника. Альбрехт Дюрер. Меланхолия (Меланхолия I). Германия, Нюрнберг. 1514 г. Бумага без водяных знаков; гравюра резцом. Пинакотека Тозио Мартиненго https://telegra.ph/file/f70de48b61ef8681decb9.jpg

Чёрный квадрат Русский художник Григорий Орехов создал скульптуру, вдохновленную самой известной работой Малевича — «Черным квадратом». Два больших квадрата с четырех сторон облицованы «зеркалом» — это листы полированной нержавеющей стали, изготовленной в студии скульптура. По словам Орехова, скульптура стала авторским продолжением философии деятелей культуры эпохи авангарда начала XX века. Посетители, проходящие через скульптуру, попадают на перепутье реальности и «бесконечного горизонта», который отражается в зеркальных поверхностях куба. Искусство или нет?

Автор этой картины – Павел Федотов, - русский живописец, график, академик живописи. Назовите его картину. 1. «Сватовство майора». 2. «Бесприданница».

"Встреча иконы" 1878 г. Константин Аполлонович Савицкий Государственная Третьяковская галерея. Картина «Встреча иконы» написана художником в Динабурге. Этот период большинство исследователей считает самым плодотворным в творчестве Константина Савицкого. По определению критика Владимира Стасова, у Савицкого очень сильно «хоровое начало». И действительно, ему удивительно достоверно удавалось передавать всеобщие настроения. Учитывая современную ему русскую действительность, чаще всего это были народная скорбь, тоска, отчаянье, а отнюдь не веселье. Картина стала откликом художника на события русско-турецкой войны 1877-1878 годов, в которой погиб муж сестры Савицкого, оставив на его попечение вдовую сестру и двух маленьких детей. Картина демонстрировалась на восьмой выставке передвижников. Стасов начал свой отчет о посещении выставки с этой работы: «Господин Савицкий нежданно-негаданно привез на передвижную выставку картину, хотя и небольшую, но превосходную, хотя и грязно и серо написанную, но полную такого содержания, таких типов и такой правды, которые делают ее одним из самых значительных и важных созданий станковой русской школы». Насчет «грязно написанной» – многих передвижников упрекали в пренебрежении колористикой ради дидактики. Прямо на выставке картину купил Павел Третьяков. Наслушавшийся про тусклость колорита Савицкий рвался внести в картину изменения, однако Третьяков к этой идее отнесся неблагосклонно. Впрочем, скудные цвета позволили довольно достоверно изобразить среднерусскую глубинку: дело к осени, солнца не видно, рассеянный свет пробивается сквозь облака. Композиционным центром картины является икона Богоматери – это самое светлое пятно, вокруг нее построено всё остальное, она разделяет присутствующих на две группы: привезшие икону и пришедшие к ней. Обращает на себя внимание тот факт, что большинство молящихся – женщины. Мужчины-то на войне. Несложно догадаться, какая главная молитва крестьянских баб – возвращение мужей, сыновей, отцов живыми и невредимыми. В толпе крестьян выделяется фигура высокого мужчины. Он стоит со сложенными руками, не бьет поклоны, на лице его печаль. Вероятно, таким образом Савицкий изобразил ушедшего «в народ». Картина Савицкого перекликается с известной работой Ильи Репина «Крестный ход в Курской губернии». Но если у Репина «энциклопедия русской жизни», то Савицкий – певец именно крестьянства, не зря его называли «печальником горя народного» и проводили параллели между ним и Некрасовым. На бытийность репинского шедевра «Встреча иконы» не претендует, зато глубину мольбы и отчаяния крестьян Савицкому удалось передать в полной мере. Савицкий в принципе не силен в том, чтобы сделать из бытового мифологическое, скорее ему свойственно обратное – чрезмерное очеловечивание изображаемых, что в одних случаях на пользу картине, а в других, пожалуй, что и нет. К примеру, написанию «Встречи иконы» предшествовала забавная история. В периоды тяжкого финансового положения в Динабурге Савицкий пытался писать иконы. Но в церковь их не приняли, поскольку образы святых мучениц и Богоматери слишком походили на симпатичных родственниц художника, с которых и писались. КонстантинСавицкий Реализм _history

Леда и Лебедь 1962 Сай Твомбли Создавать востребованное искусство не так сложно. Достаточно обладать известным именем и иметь пару карандашей. Картина была продана на торгах аукционного дома Christie's в Нью-Йорке за 52,8 млн долларов. Работа выполнена графитовым карандашом, восковыми мелками и маслом — сочетание разных техник создает одновременно драматичность, эротизм и ощущение насилия. Если присмотреться, то среди царапин и зигзагов, напоминающих стрит-арт, можно разглядеть фигуры сердца и фаллос. Тема этого драматического полотна — миф о Леде и Лебеде. Эта и еще одна картина являются продолжением цикла Ferragosto, их американский художник создал в Риме. Вторая картина «Леда и Лебедь» находится в МоМА в Нью-Йорке и относится к постоянной экспозиции.

Павел Дольский (1978) «Отец» 2002 холст, масло. 35х27 см павел_дольский

Павел Дольский (1978) «Вечерняя прогулка» 2021 холст, масло. 100х120 см павел_дольский

Павел Дольский (1978) «Цветение в горах» 2021 холст, масло. 40х50 см павел_дольский

"Сирень" 1900 г. Михаил Александрович Врубель Государственная Третьяковская галерея. На рубеже 19 – 20 веков Врубель работал нал циклом картин, который называют «Сказочным». В него входят картины «Пан», «Царевна-Лебедь», «К ночи», «Жемчужная раковина» и «Сирень». Помимо присутствия на них сказочных существ, все эти работы объединяет время действия – ночь, из-за чего их еще называют ноктюрнами. Сумерки придают картинам особенный таинственный и сказочный колорит. К тому же ночные сюжеты позволяют художнику выжимать все возможности из своей любимой палитры: любых оттенки синего и фиолетового цветов. Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе. Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени. Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени. Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся. Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане – картины, написанной художником годом ранее. Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы. Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней – а ее звали Сиринга – то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь. Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. На латыни сирень называется Syrínga – растение также получило название в ее честь. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура. У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Он писал: «Прошлогодняя моя “Cирень” относится к настоящей вещи как эскиз к картине. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете». Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный. Врубель хотел изобразить на новой картине образ Татьяны Лариной из поэмы Пушкина «Евгений Онегин». Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля – оперной певицы Надежды Забелы-Врубель. МихаилВрубель _history

​​Я не понимаю эту картину. Почему женщина лежит на полу? Почему она лежит на полу голая? Ей не холодно? А что делает женщина, сидящая в кресле? Читает? Вяжет? Почему она укрыта пледом рядом с голой женщиной? Ей не стыдно вообще? Чья это кровать? Где остальная мебель? Откуда свет? Зачем тут собака? Я не понимаю эту картину, но она не идёт у меня из головы. Искусство не обязано быть понятно смотрящим, не обязано вступать в диалог и запросто может быть вещью в себе – при этом всегда ожидать от искусства загадочности тоже будет ошибкой. Как говорится, иногда банан – это просто банан. Искусство не обязано радовать глаз и украшать помещение. Часто самый сильный эффект вызывают как раз те произведения искусства, которые создают напряжение, тревогу или даже общественное возмущение. Искусство никому ничего не должно. В этом смысле с ним имеют много общего женщины – во всяком случае, женщины как их вижу я, через феминистскую оптику. Когда я случайно увидела эту картину Люсьена Фрейда, у меня возникли свои собственные ассоциации. Я вешу больше 150 кило, и эта женщина на картине, наверное, тоже около того. Я сплю в комнате с желтоватыми стенами и на подозрительно похожей кровати. В скобках замечу, что спать мне на ней тесновато, а вот на онлайн-сеансах психоанализа эта кровать долгое время очень успешно выступала кушеткой. На пол я бы не легла ни за какие коврижки. Меня смущают раскрытые ноги героини. Мне не понятно, зачем художник рисует её именно так. Я совсем не могу угадать его намерений, поэтому погружаюсь в это смущение. Мне очень трудно не ощущать сексуализации обнажённой натуры, поэтому я терпеть не могу немецкую привычку ходить голиком в общие сауны. Уж не знаю, что влияет на это сильнее: общее советское воспитание или моя индивидуальная гиперсексуальность Я смотрю на эту женщину и испытываю массу чувств. Мне становится интересно, что чувствуют те, перед кем я настолько же обнажена. Моя мама неодобрительно называет соцсети "душевным стриптизом". С некоторых пор я перестала спорить с этой метафорой, только со скрытым в ней осуждением. Да, именно так: я на глазах у людей раздеваюсь всякий раз, когда говорю публично, что я лесбиянка, когда называю вслух свой вес, когда откровенно говорю о психоанализе, эмиграции, горевании или фэтфобии в своём канале . Я не прячусь даже от тех, кто меня знает и кого может шокировать моя откровенность. Какой я кажусь им? Какой я кажусь вам? (продолжение поста на канале ) https://telegra.ph/file/9abc05298e0ee00cd34f5.jpg

Павел Назим "Домосеки"

Павел Кучински

"Свежий кавалер" 1846 г. Павел Андреевич Федотов Государственная Третьяковская галерея. «Свежий кавалер» – картина, после которой Павел Федотов проснулся знаменитым. Еще недавно в моде были пышные исторические композиции, а Карл Брюллов снобистски убеждал Федотова, что тому недостаёт знаний и академической выучки, чтобы дерзать быть художником. Но к середине 1840-х в русской культуре сформировался мощный тренд не на возвеличивание, а на критику жизни. В литературе его подхватил Гоголь, в живописи – Федотов. В каком-то смысле «Свежий кавалер» – двоюродный брат гоголевского Хлестакова. Однако обо всём по порядку. Почему герой картины стоит в позе античного оратора? Что протягивает ему кухарка? Почему вокруг них такой чудовищный беспорядок? И кто кому – кавалер? Смысл сюжета в первые минуты ускользает от нас. Так происходит не потому, что Федотову не удалось в должной мере воплотить собственный замысел – как раз наоборот. Проблема в том, что минуло 170 лет и многие бытовые реалии ушли. А без них «Свежий кавалер» остаётся тёмным и непонятным. Яснее станет, если вспомнить, что альтернативное название картины– «Утро чиновника, получившего первый крестик». Итак, перед нами представитель чиновничьего племени в утренней домашней неприглядности. Его халат смахивает на римскую тогу, а папильотки в волосах – на лавровый венок. Античные отсылки и цезарева величественность позы курьёзны и жалки в тесноте и впечатляющей грязи обстановки. Наш герой недавно проснулся. И очевидно, его ночь была непростой. Кувшины, валяющиеся бутылки, объедки и рыбьи хвосты на полу недвусмысленно указывают на недавнюю попойку. Гитара намекает: было весело. Кухарка протягивает сапоги – оделись бы вы, дескать, барин. Помятый барин вместо этого тычет пальцем в свежего «Кавалера» – полученный накануне орден, основательный повод напиться. Прогрессивная критика XIX века вцепилась в этого федотовского персонажа, увидев в нём утрированное воплощение всех недостатков бюрократической крепостнической России. Доходило чуть не додемонизации. Владимир Стасов, известнейший критик и вдохновитель передвижников, красноречиво клеймил злобность, чванство, бездушие и «боготворение ордена»: «...Перед вами понаторелая, одеревенелая натура, продажный взяточник, бездушный раб своего начальника, ни о чем уже не мыслящий, кроме того, что тот даст ему денег и крестик в петлицу. Он свиреп и безжалостен, он утопит кого и что захочет, и ни одна складочка на его лице из риноцерсовой (от франц. rhinocéros– носорог) шкуры не дрогнет». Между тем никакого жесточайшего обличения в «Свежем кавалере» нет. Взгляд Федотова язвителен – но и только. Мы видим, что каморка нашего чиновника тесна, обставлена разнокалиберной мебелью и в целом довольно убога, а сапоги и халат дырявы. Взяточник как-то мелковат для подобных масштабных инвектив, да и с носорожьей свирепостью Стасов погорячился. Некоторые сторонники критического реализма в антикрепостническом запале пытались доказать, что герой Федотова негодяй. Он-де унижает слабого – свою кухарку (считается, что в картине есть и намёк на их сексуальную связь, житейское для своей эпохи дело). Однако симпатичная крепостная девка на картине – явно в более выигрышной позиции. Её красноречивый взгляд выражает смесь презрения и снисхождения к непутёвому барину, помпезная поза которого не демонстрирует превосходства, а всего лишь указывает на его профессиональную деформацию: где ж сыскать в России чиновника, который не страдал бы от маниакального тщеславия? Всё это подаётся скорее с мягким юмором, чем с уничижительнымсарказмом. Гоголь в «Ревизоре», был, пожалуй, порадикальнее в обличениях, чем художник Федотов. Забавно, что в реальности чиновничье фанфаронство оказалось опаснее, чем на картине. Например, один из цензоров совершенно всерьёз требовал от Федотова замалевать орден (высокую государственную награду!), дабы не подрывать сакральных устоев державы. ПавелФедотов Реализм _history | Слушать аудиоразбор

Павел Дольский (1978) «Девушки под дождём» 2021 холст, масло. 60х80 см павел_дольский

"Вдовушка" 1852 г. Павел Андреевич Федотов Государственная Третьяковская галерея. «Будет просто, когда напишешь раз со сто» – единственный известный афоризм художника относится как раз к «Вдовушке». Федотова угнетала сложность технических вопросов. Жесточайшая установка, которую он выработал для себя и которая потом, уже вне его ведома, легла в основу русского реалистического искусства, была такова: художник не должен «писать из головы», не должен ничего выдумывать, работать только с натуры. Сестра оставалась в Москве и позировать не могла. Как не соврать в изображении женского лица? Есть история о том, что, приехав к приятелю, Федотов долго играл с тремя его резвыми маленькими сыновьями и, вглядываясь в их лица, пояснял: «Вот где природа женщины сходится с природой детей: посмотри на эту нежную кожу, просвечивающие жилы». Уезжал домой умиротворённым, твердил: «Теперь для моей «Вдовушки» у меня есть лоб и виски. Недостаёт только любящих глаз». Но умиротворение опять сменялось мучениями. Как, например, безошибочно написать два источника освещения – свет из окна и от свечи?! Однажды на пике напряжения во сне ему явился Брюллов, самый «техничный» русский художник 1-й половины XIX века. Сначала он не верил в Федотова, отговаривал уходить из военных в художники. Но потом признал, что ошибся, и когда Федотова травили, всегда был на его стороне. «Сегодня поговорил с Брюлловым», – доверительно сообщил Федотов приятелю. Тот онемел: шёл 1852-й год, Брюллов совсем недавно скончался. Федотов быстро осёкся, стал оправдываться: «Мы, художники, иногда доходим до того состояния, когда беседа с отжившими для нас более чем возможна». Но главная тайна «Вдовушки», утянувшей Федотова в сумасшествие и могилу, в том, что это, по сути, автопортрет. За спиной вдовы, рядом с образом Спасителя, в золоченой раме – портрет покойного мужа. Где искать для него натуру? Да в зеркале! На этом портрете бывший военный Павел Федотов в гусарском мундире изобразил себя. Не вполне удачная, хотя и не лишённая оригинальности, шутка – автопортрет в роли покойника. Ужасная примета. Напоминает о театральном суеверии не ложиться на сцене в гроб. Конец жизни художника (приступообразная шизофрения с острым чувственным бредом, усмиряющие обливания холодной водой, плеврит, одинокая смерть в доме скорби в 37 лет) поневоле заставляет видеть мистику в тот самом Федотове, которого нарекли родоначальником русского реализма. ПавелФедотов Реализм

Павел Яковлев "В тихой обители" (1896) Картина повествует о бойне монахини и проститутки. Судя по всему, монахиня приревновала женщину к священнику. Священносужители с интересом наблюдают за дракой, не думая разнимать женщин - очевидно, что подобное зрелище внесло некоторое разнообразие в тихий уклад монастыря.

"Сельский крестный ход на Пасхе" 1861 г. Василий Григорьевич Перов Государственная Третьяковская галерея. В 1861 году незаконнорожденный сын прокурора из Тобольска, Василий Иванович Перов, получил золотую медаль Императорской академии художеств и право на заграничную поездку. Молодой талант «отблагодарил» академическое начальство и написал "Сельский крестный ход на Пасхе", картину «безнравственную, аморальную, дерзкую и глумливую». Зрители увидели в сюжете сатиру, а церковные власти обвинили художника в том, что тот выбрал из жизни единичный грязный эпизод и осознанно подчеркнул человеческие пороки и слабости. Представители Синода выразили протест и потребовали снять полотно с экспозиции. За создание «Сельского крестного хода на Пасхе» Перову прочили новую командировку – на Соловки. Мнения критиков разделились: одни увидели в художнике защитника народа и обличителя социальных пороков, другие – рисовальщика неприглядных сторон жизни, который убивает высокое искусство. Пока в обществе бушевали споры, меценат Павел Третьяков выкупил картину, выставил в галерее и силой авторитета защитил Перова от недовольства властей. Василий Перов видел героев будущих полотен с раннего детства. Внебрачный ребенок не имел права на титул и состояние отца и до конца жизни не избавился от денежных проблем. Поэтому талантливый художник выбирал для полотен знакомые и волнующие сюжеты: деревенский быт, попрошайничество, дележ наследства, пьяный разгул. Перов стал основоположником живописного направления критического реализма. Калеки и нищие, инвалиды войны и крестьяне в лохмотьях, изможденные дети и беспробудные пьяницы оживали на холстах и рассказывали о голоде, грязи и серости больше, чем сатирические памфлеты. Чем же не угодила картина «Сельский крестный ход на Пасхе» власти и духовенству? Зритель видит нестройное пьяное шествие с иконами и хоругвями на фоне хмурого весеннего деревенского пейзажа. Из крестьянской избы вываливается паства со священником. Духовное убожество персонажей затмевает физическое. Священник в праздничном облачении глядит осоловевшим взглядом, наступил на пасхальное яйцо, опустил крест и едва стоит на ногах. Рядом двое крестьян – один пытается встать на ноги, другой спит беспробудным сном. Молодая крестьянка с обшарпанной иконой в руках поет молитву и направляется в иную от процессии сторону. На крыльце хозяйка дома поливает водой и пытается привести в чувство упившегося мужа. Старичок в лохмотьях несет перевернутую икону и не замечает конфуза. Художник удивительно передал состояние трех персонажей во главе процессии, крестьян в праздничной одежде - двое пьяны и веселы, а третий, обращенный к зрителю спиной, окутан четко читаемым ореолом трезвости и осуждения происходящего безобразия. Пасмурный весенний пейзаж, голые ветви деревьев, лужи и грязь под ногами усиливают настроение, а пейзаж с глубокой перспективой показывает – путь к храму долог и утомителен и участники шествия точно не доберутся в «приличном виде». Так что за послание спрятал Перов в картине «Крестный ход на Пасхе» - злую критику духовенства и существующего образа жизни или отражение бытовых крестьянских реалий? Священники не получали зарплату от Российской империи, поэтому для увеличения дохода придумали ритуал пасхального «славления»: отправлялись по крестьянским подворьям, заходили в избы и исполняли церковные песнопения. Сельский крестный ход на картине Перова проходит в «светлую седьмицу» - неделю после празднования Пасхи. Процессия неделю месила грязь, волочилась по дворам в ожидании денежных пожертвований. Крестьяне, для которых весенняя пора была голодной и тяжелой, считали шествие «обдираловкой», приберегали остатки продовольствия и расплачивались с попами спиртным, а после выпроваживали гостей из избы. Перов не писал сатирический сюжет, «Сельским крестным ходом на Пасхе» художник показывает обыденную крестьянскую жизнь в период реформ 1861-го года без пафосного драматизма и прикрас. На холсте ожила Россия времен отмены крепостного права: хмурая и грязная страна, которая утонула в невежестве и безверии. ВасилийПеров Реализм

"Аллегория музыки" Густав Климт 1895 г. «Стиль модерн» поставил задачу создания нового большого стиля и предложил свой частичный, ограниченный в пространстве и времени опыт ее осуществления. Этот стиль заключает в себе вполне отчетливую эстетическую программу, замысел всеобщих эстетических преобразований. В «чистом» и, стало быть, схематизированном виде она может быть представлена как идея сотворения прекрасного, которое не содержится в неудовлетворительной окружающей жизни. Такая программа ... продолжение по ссылке https://telegra.ph/O-stile-modern-v-iskusstve-01-29

Павел Кучински

155 лет назад родился гениальный архитектор и новатор, идеолог органической архитектуры — Фрэнк Ллойд Райт. Его работы оказали огромное влияние на архитектурный путь всего мира — дома, вписанные в природное пространство — идеально выверенная геометрия и объемы. Самой знаменитой «программной» постройкой Райта остаётся «Дом над водопадом» в Пенсильвании. Современной интерпретацией работ Райта в России стал уникальный проект компании Галс-Девелопмент: элитный загородный посёлок «Берёзки River Village» напрямую связан с идеями органической архитектуры. Задачу вписать современные формы в подмосковный ландшафт решали швейцарские проектировщики, стремясь «впустить природу внутрь дома». Итогом стали необычные для наших широт дома в стиле райта. Коттеджный поселок «Берёзки River Village» победил в европейском конкурсе European Property Awards 2017–2018 в двух тематических категориях. Так что если визитная карточка Райта — это «Дом над водопадом», то у нас продолжение его идей — это подмосковные «дома у реки».

Павел Дольский (1978) «Огонь жизни» 2022 холст, масло. 120х190 см павел_дольский

Павел Дольский (1978) «Анечка в платке» 2021 холст, масло. 40х50 см павел_дольский

"Лосиный остров в Сокольниках" 1869 г. Алексей Кондратьевич Саврасов Государственная Третьяковская галерея. «Лосиный остров в Сокольниках» подвел итог исканиям Саврасова в 1860-е годы. Художник окончательно преобразил заигрывания с романтизмом в зрелый и безусловно своеобразный реализм, несущий на себе отпечаток символизма. Именно по этому параметру проходит ключевое отличие Саврасова от реалиста Шишкина. Шишкин пишет великолепный сосновый бор, а Саврасов – единение земли и неба, русскую тоску, слитую неразрывно с тихой нежностью и печалью. При этом с точки зрения реалистической техники картина безупречна. Каждая травинка тщательно прорисована, интонация художника повествовательная. Он не призывает к чему-либо, а словно неспешно рассказывает, что да как происходит на Руси. Картина в 1870 году получила первую премию на выставке Московского общества любителей художеств. Павел Третьяков сразу же приобрел ее, что было серьезным показателем успеха – Третьяков знал, на что стоит обращать внимание. Центр картины – сосны, вытянутые верхушками к небу. Саврасов вообще любил вертикальную символику деревьев, знаменующую понятно какое духоподъемное устремление. Впрочем, далеко в дебри символизма художник не уходит, он пишет не символ и не метафизические образы, а лес и животных. Жизненности картине придают бытовые детали, в изображении которых Саврасов был непревзойденным мастером: сонные коровы, выщипанная трава вокруг них, болотистые лужи на переднем плане и отражения облаков в них. Перед нами столь любимый Саврасовым среднерусский пейзаж. Настроение его довольно мрачное и при этом обыденное, безысходность, смешанная со смирением и приятием, – такова эмоциональная наполненность «Лосиного острова». В сравнении картиной «Весна. Сельский вид», написанной за пару лет до "Острова", палитра и настроение художника значительно темнее и мрачнее – не только в буквальном смысле. «Сельский вид» пропитан ощущением светлой лирической грусти, смутной, потаённой весенней тяги и не озвучиваемой, но явной надежды на перемены, которые может принести этот цветочный вихрь, осыпающийся с деревьев от порывов свежего ветра. Небо написано прозрачными, сияющими красками, картина оставляет ощущение полета и наполняет радостью, хоть она и неизбывно слита с печалью. В «Лосином острове» не осталось ни прозрачных красок, ни сияния, ни надежды на весенний ветер. Да и весны не осталось, она давно позади, а впереди лишь осень, а затем зима, и, если смотреть с этого острова, они кажутся бесконечными. АлексейСаврасов Пейзаж Реализм _history

Как сложилась дальнейшая судьба пейзажа «Мокрый луг»? Слухи о картине появились еще до того, как она была окончена. После того как в прошлом году наследник престола, будущий император Александр III, заказал для Аничкова дворца копию картины 20-летнего Васильева «Оттепель», его нових работ ждали – и ждали с нетерпением. На «Мокрый луг» заочно «положил глаз» двоюродный брат Александра III, великий князь Николай Константинович – личность незаурядная, он был первым среди Романовых, окончившим по собственной инициативе высшее учебное заведение (Академию Генерального штаба), много путешествовал и с увлечением собирал западноевропейскую живопись. Судьба у Николая Константиновича сложится необыкновенная: спустя всего пару лет, весной 1874-го, семья обвинит его в краже трёх бриллиантов с оклада иконы, семейной реликвии, ради подарка любовнице – американской танцовщице Фанни Лир; на суде великий князь солжет, поклявшись на Библии, что не виновен, хотя все улики были против него. Романовы публично объявят его сумасшедшим, лишат наследства и запретят упоминание его имени, а самого Николая Константиновича навсегда вышлют без права возвращения в Узбекистан. Впрочем, и там он не пропадёт: женится, доживет до Октябрьского переворота (умрёт только в 1918-м), станет основателем нескольких бизнесов, а его коллекция из пяти сотен предметов искусства обогатит Ташкентский музей изобразительных искусств. Но только картины «Мокрый луг», о которой в 1872-м году мечтал Николай Константинович, там не будет, потому что соперничать с великим князем за васильевский шедевр станет Павел Третьяков. Средств, выделяемых Федору Васильеву на прожитие в Крыму Обществом поощрения художников, решительно не хватало. За первый год он несколько раз обращается в письмах к Павлу Третьякову с просьбой прислать денег: «Положение моё самое тяжелое, самое безысходное. Я один в чужом городе, без денег и больной. Мне необходимо 700 рублей...» Третьяков высылает денег в счёт будущих картин, и еще раз, и еще... Он щедр, но щедр расчётливо: «Будьте здоровы, любезный друг, мужайтесь! Кто смолоду похворает, под старость крепче бывает!.. Ваш преданный П.Третьяков». Чувствуя себя облагодетельствованным и обязанным, художник обещает Третьякову, что только у него будет неотъемлемое право первым смотреть и выбирать васильевские картины. От таких предложений не отказываются. И Третьяков начинает мягко, но настойчиво ставить условия. Например, просит Федора Васильева перед тем, как отправлять «Мокрый луг» в Петербург на выставку, прислать картину ему в Москву – для предварительного знакомства. Мы не знаем, что двигало в тот момент Федором Васильевым, но это условие он нарушил. В конце февраля 1872-го года, вопреки просьбе Третьякова, он отсылает «Мокрый луг» в Петербург – Крамскому. Впрочем, выставочный конкурс он всё-таки проиграет, заняв лишь второе место: первое отдадут картине Шишкина «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии». Узнав о том, что «Мокрый луг» вот-вот уйдёт из его рук, настойчивый Третьяков специально едет в Петербург. Шишкинский «Сосновый бор» он уже без всяких препятствий купил до открытия конкурса, а вот за картину Васильева намерен побороться. Зная, что главный претендент на неё – великий князь, Третьяков назначает сразу значительную сумму – тысячу рублей – и «Мокрый луг» остаётся за ним. Сейчас это достояние Третьяковской галереи. «Первый взгляд не в пользу силы, – писал Федору Васильеву, получив «Мокрый луг», о своём противоречивом первом впечатлении от картины Крамской. – Она показалась мне чуть-чуть легка, и не то чтобы акварельна, а как будто перекончена. Но это был один момент... Во всём остальном она сразу до такой степени говорит ясно, что Вы думали и чувствовали, что и самый момент в природе не сказал бы ничего больше... Эта картина рассказала мне больше Вашего дневника». _history https://t.me/pic_history2/256

Рембрандт "Ослепление Самсона" 1636 г. дерево, масло. 206 × 276 см Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне Продолжение о мастерской Рембрандта: https://telegra.ph/Rembrandt-i-ego-masterskaya-02-26-2

Павел Корин "Схимница" (1930)

«Блудный сын в таверне» («Автопортрет с Саскией на коленях») — автопортрет Рембрандта с женой Саскией, на котором они представлены героями библейской притчи о блудном сыне. Время создания картины относится к самому счастливому периоду жизни Рембрандта, когда он добился популярности как художник, количество заказов на его картины возросло, появились ученики. Он был счастлив и в семейной жизни, и решил создать портрет своей семьи. Это единственная картина Рембрандта, на которой он изобразил себя с Саскией (есть ещё офорт «Автопортрет с Саскией», датируемый 1636 годом). Существует версия, что первоначально на картине были и другие персонажи, но потом художник решил оставить только себя и Саскию, и холст с левой стороны был обрезан самим Рембрандтом. К теме блудного сына художник вернется год спустя в офорте «Возвращение блудного сына», и 31 год спустя — в финальной картине «Возвращение блудного сына». Картина иллюстрирует рассказ из Евангелия от Луки 15:13: «По прошествии немногих дней младший сын, собрав всё, пошел в дальнюю сторону и там расточил имение своё, живя распутно». На картине Рембрандт играет роль блудного сына, расточающего «имение своё с блудницами», элегантно одетого в камзол со шпагой, шляпу с пером, высоко поднимающего хрустальный бокал с вином. На коленях у него сидит Саския, тоже в богатой одежде в роли блудницы. На столе видно блюдо с павлином, символом тщеславия. Несмотря на веселье, изображённое на картине, Рембрандт всё же одной деталью напомнил, какое продолжение имеет библейская история. На стене видна грифельная доска — символ того, что рано или поздно за всё придётся платить.

Павел Дольский (1978) Китай, 2018 год Работа над картинами в музей-мемориал посвящённый советским лётчикам помогавшим Китаю в борьбе с японскими захватчиками во второй половине 1930-х годов. павел_дольский

Павел Дольский (1978) «Герой Китая Г.А.Кулишенко» 2020 холст, масло. 80х80 см павел_дольский –––––––––––––––– Григорий Акимович Кулишенко (1903-1939) был летчиком-добровольцем, командиром эскадрильи бомбардировщиков, которую СССР направил для оказания помощи китайскому народу в борьбе с японскими захватчиками. Погиб в бою 14 октября 1939 года. Кулишенко назван «одним из 100 образцовых героев, которые внесли неоценимый вклад в создание Нового Китая».

​​Здесь можно купить живопись, керамическую скульптуру, фарфор. Никита Макаров — известный московский художник, чьи работы демонстрировали, как ведущие столичные музеи (ГМИ им Пушкина, ММоМА, Дом музей Муравьева-Апостола т.д.), так и многочисленные зарубежные площадки и ярмарки. Художник предлагает окунуться в его мир: «Мой канал возник стихийно на фоне ограничений всех прочих ресурсов, и теперь все больше я нахожу в нем свое продолжение. Здесь я говорю о скульптуре, истории своей семьи, жарких вечерах Тосканы, о дружбе Макаровых с Рерихами, о своем продолжительном романе с живописью и о вдруг возникших нежных чувствах к керамике, об учебе в Париже, о пьяных визитах Бальмонта к моему прадеду и о безумной, неистовой любви к Гюзялечке. Это странное место, где возникают новые формы и образы жителей Таинственного леса. И, конечно, здесь я продаю свои работы». Подробнее о художнике: ️https://nikitamakarov.art/ https://telegra.ph/file/0cafa7c02be96c3e9b331.jpg

"Волна" 1902 г. Франтишек Купка Галерея изобразительных искусств, Острава. «Волна» написана в Париже, в этот период Купка следовал символистской традиции. Изображенная среди бушующей стихии девушка кажется частью самой стихии. Символизм картины построен на контрастах: вода и камень, неподвижное и ни на мгновенье не останавливающееся, хрупкость и мощь. И на сопоставлениях: женщина и волна, развевающаяся одежда и летящие брызги воды, небрежно собранные в пучок волосы и изогнутые гребни волн, едва прикрытое тело и девственная красота природы. Женщина кажется порождением и продолжением стихии, а эротизм полуобнаженного тела звучит в унисон с захлестывающими это тело волнами – воды? стихии? желания? На картине изображен не разгул стихии, а скорее, стихия, которая вот-вот может развернуться в полную силу. И тогда не только волны взовьются до небес, но и женщина выпрямится и распустит волосы (а у символистов волосы олицетворяют стихию чувственной любви). Женщина и вода – ответы на вопрос «откуда появилась жизнь», они обе стоят у истоков. В период написания этой акварели художник создает графическую серию «Голоса тишины», которая открывается офортом «Начало жизни». В нем максимально отражено единство женщины и стихии воды: водяные лилии и человеческий эмбрион, плавающий в круге света, соединенном пуповиной с цветком. Как и «Волна», эта гравюра апеллирует к образно-символическому ряду божественного и одновременно стихийного аспекта женщины. Франтишек Купка всю жизнь пытался решить задачу соединения видимого и непознаваемого, воплотить «вечное космическое движение». Позже он будет делать это посредством абстрактных картин, а в картине «Волна» решает вопрос, сопоставляя женский образ и природную стихию. Летящая в небе чайка создает некую вертикаль, словно выход в космические энергии (не забываем, что Купка с подросткового возраста состоял в спиритическом обществе и всю жизнь интересовался эзотерикой). О чем же «хотел сказать художник»? Пожалуй, обо всём сразу, потому что эти интерпретации прекрасно дополняют друг друга. И единство стихии и женщины, и противопоставление человека и сил природы, и хрупкое vs мощное, и сексуальное желание, и единство космических и земных энергий. ФрантишекКупка Символизм _history