"Профессор Даниель Якобсон" 1909 г. Эдвард Мунк Музей Мунка, Осло.

Художник Ческидова Ольга Александровна Родилась в 1943 году в Томске. С 1949 года проживает в г. Санкт-Петербурге. С 1955 по 1963 г. обучалась в СХШ при Академии художеств СССР г. Ленинграда. Училась живописи, рисунку, композиции у известных педагогов — А. П. Кузнецова, Л. С. Шолохова, Н. И. Андрецова, А. Ф. Булыгина. В 1969 году закончила обучение в ЛВХТУ им. В. И. Мухиной на отделении интерьер мастерской профессора В. А. Петрова. По распределению работала в Росторгрекламе Ленинграда, где ею были придуманы и осуществлены интерьеры магазина Бронза по Садовой улице, выставочные залы для показа моделей одежды на Суворовском проспекте, витрины магазинов на Невском и Московском проспектах. С 1970 года О. А. Ческидова работет в проектном институте. Ею были разработаны комплексные решения интерьеров дома Советов в Уфе, ресторанов, кафе и баров в Северодвинске. С 1973 г. работает в художественном фонде при Союзе художников СССР Ленинграда. В 1976 г. поступает в Молодежную секцию ЛОСХ. С 1982 г. член Союза художников . Действительный член Петровской Академии наук и искусств. Член ассоциации искусствоведов (АИС) общероссийская общественная организация историков искусства и художественных критиков. Лауреат международного фонда «Культурное достояние». Лауреат Международного художественно-просветительского проекта в честь 700-летия прп. Сергия Радонежского. В 1988 г. Ольга Александровна организует свою персональную мастерскую при Союзе художников СССР и выполняет творческие заказы и ведет авторский надзор в созданных ею интерьерах, под её руководством работают художники разных профилей. Основные проекты: дворец культуры, библиотеки, рестораны (г. Степногорск), политехнический институт (г. Тула), сеть ресторанов (г. Архангельск), дворец культуры профсоюзов (г. Мурманск), комплекс культурных объектов (г. Минеральные Воды). Много время уделяет станковой живописи: пейзажу, натюрморту и портрету. Постоянная участница выставок юбилейных ,зональных, всероссийских, тематических, персональных в Санкт-Петербурге и других городах России. Её работы находятся в частных коллекциях России и за рубежом — в Германии, США, Англии, Китае и других странах.

"Волга в окрестностях Юрьевца" 1870 г. Алексей Кондратьевич Саврасов Частная коллекция, Франция. «Волга в окрестностях Юрьевца» была выставлена анонимно в 1871 году на ежегодном конкурсе Московского общества ценителей искусства. Картина произвела фурор. «Волге» Саврасова досталось первое место в разделе ландшафтных изображений. Вот как она описывалась современниками: «Картина эта довольно обширных размеров (более сажени в ширину). Колорит, если так можно выразиться, дождливый. Бесконечная зыбь матушки-кормилицы Волги; облачное небо; Юрьевец на взгорье; куча бурлаков, тянущих на бечеве баржу; невеселая, но характерная картина...» В следующий раз публика об этой картине услышала в декабре 2014 года на парижском аукционе Audap & Mirabaud. Эстимейт был определен в 70–90 тысяч евро. Организаторы аукциона, похоже, не потрудились разобраться, что же перед ними, поставив столь скромную цену. А вот коллекционеры стоимость шедевра вполне осознавали, в итоге картина ушла за 939 тысяч евро (более 1 миллиона долларов) - во французскую частную коллекцию. В июне 2015 года на русских торгах аукциона Sotheby's в Лондоне картина была выставлена с эстимейтом 2 миллиона 150 тысяч – 2 миллиона 800 тысяч долларов. Она считалась одним из самых дорогих и лакомых лотов русских торгов, но покупателя не нашла. Не то чтобы «Волга в окрестностях Юрьевца» вообще исчезала. О ней знали, фотографии ее встречались в монографиях художника, ее даже школьники в сочинениях иногда описывали. Но где она находится и цела ли – не было известно. Надпись на обороте свидетельствует о том, что картина входила в коллекцию профессора Киевского университета, доктора Владимира Меринга. Точно нельзя проследить путь, по которому она попала за границу. По состоянию на 2015 год эта картина стала самым значимым полотном Саврасова, когда-либо выставленным на аукционе Sotheby's. И в целом она входит в число лучших произведений Саврасова. Бурлаки на фоне монументального волжского пейзажа, вернее, бурлаки как часть этого пейзажа открывают цикл работ Саврасова, посвященных Волге. В начале 1870 года художник вместе с женой Софией и их две дочери переехали в Ярославль. Здесь, неподалеку от Юрьевца (маленький городок восточнее Ярославля), Саврасов работал над этой картиной. Здесь же он написал самые известные свои полотна, в том числе легендарную картину «Грачи прилетели». Это было счастливое время в его жизни – любимая семья, возможность писать, вдохновение, природа. И вместе с тем это было тяжелое время – здесь после сложных родов Софии умер третий ребенок Саврасовых. На этом сплаве из трагических переживаний и счастливого быта создавались лучшие полотна художника. В 1860-70-е годы ряд крупных российских художников пытались привлечь внимание к теме бурлаков, в ней видели символ жестокой социальной несправедливости. Конечно, нельзя не вспомнить знаменитых «Бурлаков на Волге» Ильи Репина. Саврасов и Репин писали своих бурлаков параллельно и независимо друг от друга. На обоих безусловно повлияла написанная в 1866 году работа Василия Верещагина. Обе картины были представлены 1871 году, Репин показал своих «Бурлаков» в Санкт-Петербурге, Саврасов «Волгу» – в Москве. Известно, что Репин картину дорабатывал, и публика знает вариант, к которому он пришел в 1873 году. Саврасов тоже работал над картиной после первой выставки. По некоторым сведениями, он вносил правки до 1871 года. АлексейСаврасов Реализм _history

Гун Карлис Фридрихович (Карл Федорович) (1830-1877) Гун Карлис Фридрихович [1(13).12.1830. Мадлиена, ныне Огрский район Латвии, - 16(28).1.1877, Давос, Швейцария], латышский живописец. Учился в петербургской АХ (1854-61) у П. В. Басина. В 1863-71 жил в Париже (в 1863-68 - пенсионер АХ). Академик (1868) и профессор (1870) петербургской АХ. Член Товарищества передвижных художественных выставок (с 1873). Автор сценок из жизни городской и деревенской бедноты Нормандии ("Больное дитя", 1869, Третьяковская галерея) и жанровых по характеру исторических картин ("Сцена из Варфоломеевской ночи", 1870, Третьяковская галерея). Выполнял также портреты. В своих рисунках и акварелях К.Ф.Гун первым из профессиональных художников обратился к собственно латышской тематике. Гун Карлис Фридрихович (Карл Федорович) - «Попался!».

Головин Александр Яковлевич (1863-1930) Родился 17 февраля 1863 года в семье священника. Произошло это важное для русской культуры событие в Москве, на Плющихе. Спустя три года мальчик вместе с семьей переехал в Петровское-оРазумовское. Переезд состоялся после того, как отца будущего художника, Якова Даниловича Головина, назначили профессором богословия в только что основанную Петровскую земледельческую и лесную академию (ныне всем известная "Тимирязевка"). Как вспоминал сам Головин, художественные наклонности в нем первым заметил организатор и первый директор академии Н.И. Железнов, выдающийся русский ботаник и агроном. Не без помощи академических профессоров мальчика удалось определить в самые престижные учебные заведения Москвы. Девочка и фарфор (Фрося) — Головин Александр Яковлевич

«Венера из Холе-Фельс» Венера из Холе-Фельс — древнейшая из известных науке палеолитических венер, обнаруженная в 2008 г. в пещере Холе-Фельс близ немецкого города Шельклингена. Статуэтку нашла команда ученых из Тюбингенского университета под руководством профессора Николаса Конарда. О находке было официально заявлено в журнале Nature. Возраст — в промежутке между 35 и 40 тыс. лет; принадлежит ориньякской культуре. Является древнейшим признанным произведением искусства верхнего палеолита и доисторического фигуративного искусства вообще. Находка «Венеры из Холе-Фельс» отодвигает дату появления первой известной скульптуры, и в целом древнейшего примера фигуративного искусства, на несколько тысячелетий назад. Таким образом, подобные произведения искусства создавались на протяжении всего ориньякского периода.

​​Эксперты выяснили, почему одна картина Пикассо стареет быстрее других Международная команда экспертов выяснила, почему одна из четырех картин Пабло Пикассо, годами находившихся в одних условиях, состарилась быстрее, чем другие. Учёные утверждают, что их проект — один из первых в своём роде. В нём сочетаются исследования химических свойств материалов с наблюдениями за механическими повреждениями. Это прорыв в усилиях консерваторов по предотвращению деградации картин. Он позволяет сохранить произведения, контролируя состояние окружающей среды. Исследование было сосредоточено на четырёх картинах, вдохновленных «Русскими балетами» Сергея Дягилева. Пикассо создал работы всего за несколько месяцев, работая в студии друга в Барселоне в 1917 году. В этот период художник мерсеризовал хлопковые холсты и закупал материалы — в том числе масляные краски на основе высыхающих масел, таких как льняное и подсолнечное, а также животный клей, которым он покрывал полотна — у ограниченного числа поставщиков. До 1970 года эти работы хранились в семейном доме Пикассо и впоследствии были переданы в дар музею художника в Барселоне. То есть на протяжении всего времени они подвергались идентичным воздействиям окружающей среды. Поэтому персонал учреждения забеспокоился, когда обнаружилось, что одна из работ, «Сидящий человек», оказалась повреждена сильнее, чем три другие. «Всю окрашенную поверхность картины покрыли трещины, — сказала Лаура Фустер-Лопес, профессор консервации Политехнического университета Валенсии. — Это похоже на русло пересохшей реки, где видны расселины и складки на поверхности». Чтобы разгадать загадку, музей в 2017 году инициировал трёхлетний исследовательский проект ProMeSa. Деньги выделило Министерство науки и инноваций Испании. В команду вошли консерваторы, эксперты по механическим повреждениям и специалисты по неинвазивным методам исследования из Италии, Канады и Дании. Сходство между составом и возрастом произведений, а также тот факт, что они никогда не разделялись, позволило учёным выделить переменные, чтобы точно определить, какие материалы вызвали деградацию. Команда прибегла как к химическим анализам, так и неинвазивным методам (рентген, инфракрасное излучение и рефлектография) для изучения различных слоёв — от краски на поверхности до грунтового слоя на холсте. Портрет «Бланкита Суарес» Пабло Пикассо написал в тот же период, что и «Сидящего человека». Обе картины хранились в доме художника, а потом одновременно были переданы в музей. Однако «Бланкита» сохранилась существенно лучше. Исследователи обнаружили, что для «Сидящего человека» Пикассо взял холст с более плотным плетением и покрыл его более толстым слоем грунта из животного клея. Эти два фактора привели к тому, что когда картины подвергались воздействию переменной влажности, возникало большое внутреннее напряжение. А химические реакции между определёнными пигментами и связующими веществами вызывали разрушение красок. В результате красочный слой постепенно потрескался. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/28b1361415353c8e8097b.jpg

Зарядка для ума и пища для размышлений в лучших образовательных телеграмм-каналах. Не проходите мимо! • — Экскурсовод в твоём Telegram. Искусствовед простым языком учит понимать картины • _afanasieva — предельно ясно о сложных философских проблемах от профессора Веры Афанасьевой • — автор пишет о кино и современном искусстве. Статьи про классический и современный кинематограф, а также личные заметки про индустрию • — канал, полный закрученных загадок, головоломок, интересных фактов и историй. И аккуратнее, там можно залипнуть надолго! • _best — Твой путеводитель по миру культуры, который подскажет «Что посмотреть?» и «Что почитать?». Регулярные анонсы кинопремьер, новинки литературы и статьи о живописи и истории • — культовый канал с письмами Чехова теперь обзавёлся видео: короткие видеосообщения от Антона Павловича раз в несколько дней заставляют улыбнуться даже в серые зимние будни, попробуйте! • — Все об архитектуре и дизайне в России и ближнем зарубежье. Получите вдохновение в удобном и интересном для вас формате • _poet — поэзия Иосифа Бродского в твоём телефоне • _krasivo — каждый день для вас известные слова в ярком неожиданном обрамлении • _dovlatov — "Талант — это как похоть. Трудно утаить. Еще труднее симулировать". Канал для поклонников творчества Сергея Довлатова. • — Франц Кафка в цитатах, письмах, дневниках • — первый канал в телеграме, где ты научишься рисовать и узнаёшь об искусстве • _reviews — старейший книжный канал в телеге, к автору за комментами обращаются РИА Новости, The City и Peopletalk • — канал про работу со словом, копирайтинг, маркетинг и писательское мастерство. Автор пишет вторую книгу и щедро делится полезным • — Авангардизм и концептуализм в искусстве и моде • _book — когда я голоден, я открываю холодильник, когда голоден мой мозг, я открываю этот канал. На канале есть пища для ума. Увлекательные отрывки и подборки книг утолят ваш голод

​​Сегодня Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина отмечает 110 лет со дня открытия! Несколько фактов о музее: ️В конце 1896 года в столичной печати были опубликовали условия конкурса на составление проекта здания для Музея изящных искусств имени императора Александра III при Московском университете, который по просьбе университета проводила петербургская Академия художеств. Ранее проекты и инициативы создания музея в Москве не раз выдвигались общественностью, но воплотить эту идею удалось Ивану Цветаеву. ️ Над основанием и открытием музея в 1912 году работал выдающийся учёный-историк, искусствовед и профессор Московского Университета Иван Цветаев (отец Марины и Анастасии Цветаевых). ️Музей обязан своей историей и коллекцией «всему обществу», которое поддерживало создание художественно-образовательного общедоступного музея: от царской семьи и меценатов до покровителей искусства и купечества. ️В оформлении музейной экспозиции Ивану Владимировичу помогали художники и архитекторы: Фёдор Шехтель, Игорь Грабарь, Константин Коровин и другие деятели культуры. ️Музей обладает крупнейшей коллекцией: большое собрание гипсовых слепков с произведений Античности, Средних веков и эпохи Возрождения; 350 тысяч произведений живописи; 150 тысяч единиц хранения графики; 200 тысяч экспонатов нумизматики; декоративно-прикладное искусство и другие сокровища. Самый лучший способ отметить это событие — сходить на постоянную экспозицию и просто полюбоваться ее изяществом. «Сикстинская Мадонна» Рафаэля на выставке «Шедевры Дрезденской картинной галереи» в ГМИИ им. А.С. Пушкина. 1955 г Наши поздравления! https://telegra.ph/file/3e8d504416724db025a90.jpg

«Рожденные для свободы». На рижской улице Тургенева появился оригинальный арт-объект – скульптура лисицы в черно-бурой шубке. Ее авторами стали известный в Латвии дизайнер Олег Мариноха и его сын Александр, студент 3 курса Латвийской академии художеств. Художественный объект выполнен при поддержке общества защиты животных Dzīvnieku brīvība. Курировал исполнение работы профессор Академии художеств Айгарс Бикше. Для создания скульптуры понадобилось стекло, сталь и пеньковые канаты. Работа в общей сложности заняла почти 5 месяцев. Помогали добровольцы. Скульптура весит примерно 500 килограммов. «…сейчас готова только первая часть проекта. По задумке, лиса должна вылезать из клетки. Мы еще продолжим работу над второй частью», - пояснял Александр Мариноха.

Пал Фрид. Пал Фрид (16 июня 1893, Будапешт —6 марта 1976, Нью-Йорк) — венгерско-американский живописец. Известный портретист, мастер картин на темы балета и театра, последователь французского импрессионизма. Пал Фрид обучался искусству рисования в Венгерской академии под руководством профессора Хьюго Пола. Под его влиянием Пал Фрид написал много портретов, обнаженных фигур и восточных сцен. Затем продолжил образование в Париже у Клода Моне и Люсьен Симон. Пал Фрид находился под большим влиянием и впечатлением от французской импрессионистской школы, в частности — Ренуара и Дега. В 1947 году, после Второй мировой войны, Пал Фрид эмигрировал в Америку, где преподавал в Академии искусств в Нью-Йорке и разработал свой собственный уникальный стиль. Стал гражданином США в 1953 году. В 1950 —1960-х годах художник жил и работал в Голливуде, где приобрёл большую популярность как портретист. Он специализировался на портретах дам из высшего общества. Основная техника у Пала Фрида: пастель и масло.

​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В последние недели жизни Винсент Ван Гог познакомился с австралийским художником, который значительную часть своей жизни провёл в Японии. До недавнего времени Эдмунд Уолпол Брук был загадочной фигурой. Однако Цукаса Кодера — японский специалист по Ван Гогу — нашёл одну из его акварелей. Её купила в апреле американская пара за 45 долларов. Акварельный пейзаж с пышной растительностью изображает женщину в кимоно с младенцем на спине, выходящей из традиционного японского дома. New York Times пишет, что его купили Кэтрин и Джон Мэтьюз в магазине, торгующем подержанной мебелью и предметами интерьера. Владелец лавочки приобрёл картину лет 15 назад в поместье в штате Нью-Гэмпшир, у семьи, которая переехала из южной Калифорнии. Там проживали два брата Брука, так что у работы есть потенциальная связь с художником. Кэтрин Мэтьюз купила акварель просто потому, что та ей понравилась, и повесила в столовой (позже её перенесли). Женщина заинтересовалась подписью, и поиски привели её к Кодере, профессору-искусствоведу из Университета Осаки, который исследовал жизнь и творчество Брука. Учёный считает, что акварель действительно принадлежит приятелю Винсента: «Она подписана E.W. Brooke и представляет японский пейзаж. Но для полной уверенности необходимы дополнительные исследования». Прежде Кодера обнаружил лишь одну картину художника — сцену в японском саду с женщиной, кормящей цыплят. Однако эта работа исчезла в частной коллекции, и сейчас известна только по небольшой фотографии. У неё близкое сходство с нынешней акварелью, хотя подпись едва различима. Кто такой этот Брук и какова его связь с Ван Гогом? Он родился в 1865 году неподалёку от Мельбурна в семье англичан. Когда мальчику было четыре года, его родители переехали в Йокогаму. Отец Брука был журналистом англоязычной газеты в Японии. Уже подростком Эдмунд заявил о намерении стать художником. Вероятно, он учился в Йокогаме у иллюстратора-англичанина Чарльза Виргмана, создателя японской версии журнала «Панч». В 1885 году Брук отправился изучать живопись в Париж, где его преподавателем был успешный художник Жан-Леон Жером. Весной 1890 года 24-летний Эдмунд Брук поехал работать в деревню Овер-сюр-Уаз, где в то время жил Винсент Ван Гог, и оба художника познакомились. В начале июля Винсент сообщил своему брату Тео: «Брук жил здесь, в Овере, несколько месяцев, и время от времени мы вместе выходили [писать]. Он вырос в Японии, о чём ты ни за что не догадаешься по его картинам». Вероятно, Ван Гог имел в виду, что стиль Брука сильно отличался от японских гравюр. Винсент, большой поклонник японского искусства, наверняка расспрашивал Брука о жизни и культуре Японии. Австралиец был едва ли не единственным из его знакомых, кто провёл значительную часть своей жизни в Стране Восходящего солнца. А вот его работы Ван Гога не впечатлили, он описал их как «довольно безжизненные», хотя заметил, что Брук «по-настоящему наблюдает за природой». Единственное документальное свидетельство связи Винсента и Брука — помимо пары фраз в переписке Ван Гога — это визитная карточка, которую нашли в одном из альбомов голландца. Коллега, вероятно, оставил её во время посещения квартиры Тео в январе 1891 года, когда хотел посмотреть картины его брата. На карточке есть адрес Брука в Овер-сюр-Уазе, написанный от руки. Это «Отель дю Кадран», существовавший до недавнего времени. Почерк сильно отличается от подписи австралийца на акварели, но на картинах автографы художников зачастую стилизованы и не похожи на их обычный почерк. О творчестве Брука известно мало. Он продемонстрировал две картины на летних выставках в Королевской академии художеств в Лондоне. Это «Собор Парижской богоматери ночью» — в 1890 году и «Мисс ***" годом позже. В начале 1890-х художник вернулся в Йокогаму и несколько лет продолжал писать, но позже устроилась корректором в Japan Daily Herald. Он женился на японке по фамилии Секи (или имел с ней отношения), и у них родилась дочь по имени Уме. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/09d6d809b6cee58572052.jpg

Кичко С. Д. (р. 1946) «Лето уходит». 1986 г. Холст, масло. 120х150 Сергей Дмитриевич Кичко родился в Днепродзержинске в 1946 году. Заслуженный художник России. Профессор живописи и композиции, руководитель персональной мастерской Санкт-Петербургской Академии Художеств им. И.Е.Репина. Почетный член Российской Академии Художеств. Член Союза Художников России. Лауреат премии Союза художников. Лауреат премии "Кировский завод". Лауреат премии "Ленинградского комсомола". Учился в Чебоксарском художественном училище (1962 - 1967) Окончил Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина 1967-73. Учился у Евсея Евсеевича Моисеенко, был его ассистентом и секретарем. Награжден медалью Академии Художеств СССР и Союза художников СССР за дипломную работу "Прощание".

"Вид Дельфта" 1661 г. Ян Вермеер Королевская галерея Маурицхёйс, Гаага. Великолепная ведута «Вид Дельфта» всегда считался одним из шедевров Яна Вермеера. На аукционе в 1696 году это была самая дорогая картина, проданная за 200 гульденов. В 1822 году её приобрела Королевская галерея Маурицхёйс за впечатляющие 2900 гульденов. Говорят, что инициатором покупки выступил первый король Нидерландов Виллем I. В середине XIX века «Вид Дельфта» вдохновил французского критика Теофила Торе на повторное открытие Вермеера. «Вид Дельфта» – самый известный в западном искусстве пейзаж XVII века и одна из самых больших картин Вермеера. Абсолютным шедевром её делают взаимодействие света и тени, изумительное облачное небо и тонкие отражения в воде. Это безветренный день, и в городе царит атмосфера спокойствия. Вермеер отразил это умиротворение в своей композиции, разбив её на четыре горизонтальные полосы – берег, воду, город и небо. На набережной слева находятся мать с ребёнком, двое модно одетых мужчин и женщина, ведущие беседу, а ближе к центру – ещё две женщины. Вода – это часть реки Схи, впадающей в Рейн. Водный район, изображённый Вермеером, был расширен в 1614 году и стал гаванью Дельфта. Художник выбрал вид на север. На картине доминируют крепостные стены с двумя воротами XIV века – Схидамскими и Роттердамскими. В левой части на горизонте вдали виднеется шпиль Старой церкви. Значительная часть города скрыта в тени, за исключением освещённой солнцем башни Новой церкви. Более половины картины отведено драматическому утреннему небу; крошечные часы на Схидамских воротах показывают время после семи. «Вермеер также изобразил здания немного более опрятными, чем они были на самом деле», – отмечает Маурицхёйс. Вид сверху на город Вермеер, вероятно, писал со второго этажа гостиницы. Для передачи мерцающего отражения на воде он использовал точечную технику – её легко увидеть в районе двух лодок справа. Некоторые искусствоведы считают это свидетельством того, что художник использовал камеру-обскуру: рассеянные блики, подобные этим, появляются на частично сфокусированных изображениях, которые передаёт устройство. Доказательством того, с какой тщательностью Вермеер работал над этим шедевром, является то, что он подмешал песок в некоторые краски, чтобы достигнуть определённого эффекта. Изучение картины показало, что песок был добавлен к охре, которой написаны оконные рамы длинного здания слева, за крепостными стенами. Это усилило отражающую способность поверхности краски. Несмотря на впечатление точности, которое производит картина, Вермеер не стремился к документальности. Кажется, он немного сместил здания ради построения более гармоничной композиции. На топографических рисунках, сделанных примерно в то же время и с той же точки зрения, строения выглядят выше и стоят плотнее друг к другу. Сегодня район, который писал Вермеер, выглядит совершенно иначе, хотя форма старой гавани осталась прежней. Крепостные валы давно исчезли, а ворота были снесены в период с 1834-го по 1836 годы. Большинство средневековых построек у этой части реки также утрачено. Шпиль Новой церкви сгорел в 1872 году и был заменен более высоким неоготическим. Первоначальная башня Старой церкви сохранилась, хотя теперь имеет ярко выраженный наклон. В 2019 году команда под руководством профессора Дональда Ольсона из Техасского государственного университета применила методы астрономии в попытке определить точную дату написания «Вида Дельфта». Ключом стала восьмиугольная башня Новой церкви, по теням на которой учёные определили положение солнца, а затем зафиксировали время на нынешних башенных часах. Ранее считалось, что сцена изображена сразу после семи утра – как упоминалось выше, это время показывают часы на Схидамских воротах. Но это лишь приблизительно, ведь минутные стрелки появились только в конце XIX века (то, что на картине кажется минутной стрелкой, на самом деле – противовес к часовой). Так что альтернативное прочтение дало результат «ближе к восьми».

Ответ. «Неравный брак» — картина русского художника Василия Пукирева. Работа была написана в 1862 году, сразу после окончания Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Картина «Неравный брак» впервые экспонировалась на академической выставке 1863 года. Своей общей идеей, сильной экспрессией, необычайным для бытового сюжета размером и мастерским исполнением она сразу выдвинула художника на одно из самых видных мест в среде русских живописцев. За неё Академия наградила его званием профессора.

Элин Клеопатра Даниельсон-Гамбоджи "После завтрака" (1890)

Игорь Грабарь "За самоваром" (1905) За самоваром изображена жена художника - Валентина Мещерина. Она была на 20 лет моложе, настоящая красавица с огненно-рыжими волосами. В браке у них родились двое детей. Казалось бы, настоящая семейная идиллия... Однако, судьба приготовила им тяжёлое испытание. Неожиданно у Валентины обнаружили гормональное заболевание и женщина начала терять рассудок. Лечение в известной клинике профессора Казакова, где в общей сложности она провела с небольшими перерывами несколько лет, не дало результатов. Более того, ей стало только хуже. В семью Валентина Мещерина вернулась совсем другим человеком. Столь любимые мужем жизнелюбие и энергия куда-то исчезли. Дома она прожила совсем немного, а потом и вовсе исчезла. Ушла от мужа и детей и все попытки найти её оказались тщетны.

Мария Башкирцева страдала о том, что у женщины в жизни всего два пути - выйти замуж или умереть. И умерла. А Луиза Бреслау, с которой Башкирцева вместе училась в парижской Академии Жюлиана, решила по-своему - и замуж не пошла и умирать не поспешила, а прожила сорок лет с художницей Мадлен Зиллхардт. Башикрцева на страницах дневника очень много завидует Бреслау. А Бреслау, кстати, очень даже хорошая! Родилась Мария Луиза Катарина Бреслау в 1856 году в Мюнхене, в семье известного врача гинеколога. Это была вообще-то семья польских евреев, но ассимилировавшая в Германии - вроде как, Луиза Бреслау даже потом откажется использовать свое первое имя - Мария - чтоб подчеркнуть свое еврейское происхождение. Когда будущей художнице было два года, ее отец получил должность профессора и сразу главного врача в Цюрихском университете и семья отправилась в Швейцарию. А в 1866 году доктор Бреслау во время патологоанатомического исследования подцепил стафилококковую инфекцию и резко от нее умер - такие вот были времена суровые. Луиза же всю жизнь страдала от астмы, при том в детстве - особенно остро. Чтоб подлечить астму, Луизу отправили в женскую школу при монастыре на Боденском озере и там, бесконечно гуляя или настолько же бесконечно лежа в кровати, от скуки ли, от печали, Луиза начала рисовать и увлеклась этим делом очень сильно, намного больше, чем требовалось от девушки из приличной семьи. По возвращении из монастыря Бреслау берет частные уроки рисования у швейцарского художника, крепкого академиста Эдуарда Пфайфера, потому что в местные академии и кружки ей вход заказан по признаку пола, и приходит к выводу, что надо ехать в Париж. В Париже, как вы помните, в это время происходит все самое интересное - вспыхивают новые художественные течения, художники бегают туда-сюда и машут руками, в академии Жюлиана додумались до того, чтоб брать в рисовальные классы женщин, Роден обучает их же в своих мастерских аж скульптуре. В общем, хочешь рисовать - действуй, и решительная Бреслау меняет Цюрих на Париж. И обожает его до конца своих дней. В академии, даже по воспоминаниям все той же Башкирцевой, Бреслау была самой сильной студенткой, способной соревноваться с мужчинами - и действительно, в 1879 году именно она становится единственной студенткой академии Жюлиана, чьи работы дебютируют на Парижском салоне. Этот дебют принес художнице известность и она стала довольно популярной портретисткой - Бреслау открыла собственный салон, стала завсегдатаем Салона парижского, получала там медали и любовь публики, а потом - заказы от состоятельных парижан и тоже любовь. Столько любви, что в итоге она стала третьей женщиной в истории и первой иностранкой, получившей орден Почетного легиона. Во время учебы Бреслау обрела несколько верных подруг, с которыми общалась всю жизнь. А еще познакомилась там с Мадлен Зиллхардт (ее портрет за утренним туалетом, очень нежный, я добавлю первым в подборку ниже). Мадлен стала главной моделью Луизы, ее музой, другом, доверенным лицом. Часто на картинах Бреслау, которые не портреты, а изображения “подруг” - Зиллхардт как-нибудь красиво лежит или сидит. Во время Первой мировой войны у Бреслау была возможность спрятаться в Швейцарии, но она осталась в Париже и писала портреты солдат и медсестер, а после войны отправилась вести замкнутую и тихую жизнь в своем поместье напару с Мадлен, писала цветочки в своем саду и радовалась (надеюсь) жизни. После смерти Бреслау в 1927 году Мадлен Зиллхардт унаследовала ее поместье и рисунки, которые передала в музей изящных искусств в Дижоне.

​​Сегодня мир кинематографа отмечает 90 лет со дня рождения режиссера Андрея Арсеньевича Тарковского! В городах юношества Иванове и Юрьевце проходят выставки и мероприятия. ️Ивановский железнодорожный вокзал открыл выставку. Арт-проект является, с одной стороны, хроникой поездок Андрея Тарковского по Италии, Англии и Америке. И в то же время отражает духовные поиски, которые всегда возвращали режиссера в Россию и на «родину детства» — Юрьевец ️Культурный центр г. Юрьевца представляет выставочный проект «Тарковский. Поиск дома». Экспозиция включает документы, личные дневники, звуковые записи из архива режиссера. Авторы проекта — исследователи творческого наследия Андрея Тарковского: профессор Елена Раскатова и кандидат философских наук Мария Миловзорова. ️Аудиоспектакль «Около детства» подготовлен проектом «Место» в рамках кинофестиваля «Зеркало». https://telegra.ph/file/8f678185af29e7aefc8cd.jpg

️В Центре Гиляровского откроется выставка, посвящённая 120-летию со дня рождения певца Сергея Лемешева. Лемешев играл главные роли в операх «Руслан и Людмила», «Снегурочка», «Золотой петушок», «Садко», «Севильский цирюльник». Больше 30 лет он был солистом Большого театра. Партию Ленского в «Евгений Онегин» он исполнил 500 раз. От автора: уделите 2 минуты и послушайте любимейшее исполнение Сергея Лемешева стихотворения Алексея Толстого «Средь шумного бала» на музыку Петра Чайковского. Невероятный голос! ️Бэнкси получил звание профессора в Университете Великобритании UCA (the University for the Creative Arts) Звание носить символический характер — «за гуманитарную деятельность и вклад в развитие мировой художественной сцены». Лекции Бэнкси проводить не будет. Во всяком случае, пока такой информации нет. ️Музей-заповедник «Кузьминки-Люблино» и Askeri Gallery 30 июня представят совместный проект «Между прошлым и будущим. Современные художники в усадьбе Люблино». ️Кинотеатр «Пионер» и фонд «Дом с маяком» запускают цикл благотворительных показов. В июльской программе премьеры и новинки французского кино, ранее не выходившие в прокат в России: «Любовное письмо», «Красная земля», «Ночной доктор» и «Безумный Пьеро» https://m.youtube.com/watch?v=t89swJa6Uy0

Элин Клеопатра Даниельсон-Гамбоджи "Развлечение тети Балды" (1886)

Диптих «Два тора» Топунов А. 2016 Программируемая графика, печать на натяжной потолочной пленке Математик, изобретатель, инженер, профессор МАРХИ Андрей Топунов также является автором художественных работ на стыке оп-арта и сайнс-арта. «Два тора» представляют собой удвоенное тондо, где обе части оказываются полными ахроматическими инверсиями друг друга. Диптих изображает поверхность вращения, полученную движением окружности вокруг своей оси, но благодаря создаваемой оптической иллюзии глубины плоскости начинают поглощать взгляд зрителя, а прием инверсии — как бы выталкивать обратно.

В последние годы работы из коллекции Эдика Натанова стали мишенью для журналистов, которым «тридцать серебрянников» дороже подлинного искусства. Выступая адвокатами заинтересованных лиц они пропускают мимо ушей доказательства именитых профессоров*. Людей, знавших русский авангард назубок. Картины попали к Эдику неожиданно. Во время Второй мировой войны интеллигенция с центральной России иммигрировала в Среднюю Азию. В самарском музее до сих пор хранится постановление И.В. Сталина, запрещавшее авангардное искусство во благо советского реализма. Именно спасённые полотна великих художников «свалились на голову» Натанову в 90-х. Наследство от дедушки. Среди них Малевич, Летунов, Попова, Кандинский, Удальцова, Лисицкий, Шагал... Имена, значимость которых очевидна не только ценителям. С тех пор Эдик не жалеет времени и средств на уход за коллекцией и организацию выставок. В одном интервью он рассказал, что счастлив знакомить людей с достижениями русских гениев, творивших на рубеже богатых на испытания столетий. Однако, такая возможность даётся не каждому, ибо требует настоящей, глубокой любви к искусству. Одним словом, чистой филантропии. Но чем дальше от нас эпоха «модерна», наполненная таинственным и завораживающим, тем сложнее разобраться в истинности произошедших событий. Тем проще затуманить сознание читателя, бегло шерстящего интернет в поисках «чем интересным поживиться». Этим и пользуются люди, бросающие грязь в интересах собственного кошелька. *Профессора с мировым именем, работавшие над коллекцией Эдика Натанова: • Георгий Коваленко, доктор искусствоведения; заведующий отделом русского искусства ХХ века НИИ РАХ (Научно-исследовательского института Российской академии художеств); главный научный сотрудник отдела искусства Центральной Европы Государственного института искусствоведения; член Российской академии художеств; • Глеб Поспелов, доктор искусствоведения, профессор, заслуженный деятель искусств Российской Федерации; • Валерий Турчин, доктор искусствоведения, профессор, академик РАХ, заведующий кафедрой истории искусств МГУ; • Анатолий Стригалев, кандидат искусствоведческих наук, исследователь российского авангарда; единственный биограф Владимира Татлина; • Валерий Голиков, советский и российский биофизик и биохимик, кандидат биологических наук, руководитель сектора исследований исторических и традиционных технологий НИИ им. Лихачева; • Галина Демосфенова, советский и российский искусствовед, кандидат искусствоведческих наук; специалист по истории русского искусства, истории дизайна, графики и по искусству авангарда; заслуженный работник культуры РФ, президент Фонда Малевича; • Ирина Азизян, искусствовед, архитектор, живописец, доктор искусствоведения, профессор, член Союза художников и Союза архитекторов, почетный архитектор России, советник РААСН (Российской академии архитектуры и строительных наук), эксперт Фонда Малевича, член правления Ассоциации искусствоведов; • Лидия Гладкова, кандидат наук, заведующая отделом научной экспертизы ГТГ (Государственной Третьяковской галереи), искусствовед экспертного совета Российского антикварного салона; • Мария Валяева, кандидат искусствоведения, старший научный сотрудник ГТГ, эксперт живописи русского авангарда; • Светлана Джафарова, почетный член Российской академии художеств, член Ассоциации искусствоведов, искусствовед, кандидат наук, эксперт по русскому авангарду; • Елена Любавская, старший научный сотрудник ГТГ, кандидат химических наук. На фото: выставка 2005 год, г. Ярославль. Справо налево — коллекционер Эдик Натанов; Ирина Азизян, искусствовед, архитектор, живописец, доктор искусствоведения, профессор, член Союза художников и Союза архитекторов, почетный архитектор России, советник РААСН (Российской академии архитектуры и строительных наук), эксперт Фонда Малевича, член правления Ассоциации искусствоведов; Галина Демосфенова, советский и российский искусствовед, кандидат искусствоведческих наук; специалист по истории русского искусства, истории дизайна, графики и по искусству авангарда; заслуженный работник культуры РФ, президент Фонда Малевича; Валерий Турчин, доктор искусствоведения, профессор, академик РАХ, заведующий кафедрой истории искусств МГУ; Глеб Поспелов, доктор искусствоведения, профессор, заслуженный деятель искусств Российской Федерации; Анатолий Стригалев, кандидат искусствоведческих наук, исследователь российского авангарда; единственный биограф Владимира Татлина; Георгий Коваленко, доктор искусствоведения; заведующий отделом русского искусства ХХ века НИИ РАХ (Научно-исследовательского института Российской академии художеств); главный научный сотрудник отдела искусства Центральной Европы Государственного института искусствоведения; член Российской академии художеств.

В 1894 году Густав Климт был чрезвычайно популярным художником в Вене. О славе, которая его окружала, многие его коллеги могли только мечтать. За его плечами была не только череда успешных полотен, обласканных критиками, но и благосклонно встреченное оформление здания «Бургтеатра» и венского Художественно-исторического музея. Он – шутка ли! – в возрасте 26 лет получил императорскую награду за заслуги в искусстве. И вот в 1894 году Климт получил очередной престижный и масштабный заказ: ему предстояло написать три полотна, которые должны были украсить потолок большого актового зала главного здания Венского университета. О том, что заказ будет выполнен не совсем так, как предполагали университетские власти, стоило задуматься уже тогда, когда Климт стал предводителем Венского сецессиона и начал писать скандальные картины, шокирующие публику своей откровенностью. Когда в 1901 году полотна «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция» были представлены на выставке сецессиона, на художника обрушился шквал критики. Картины называли «извращенными» и «порнографическими». «Медицина», которая должна была изображать торжество науки в победе над болезнями, подверглась особенно жестокой обструкции. Художнику пеняли на то, что на полотне вообще отсутствует какое бы то ни было упоминание о медицинской науке, и что оно изображает скорее победу смерти над жизнью. Жалобы на Климта написали 87 профессоров с разных факультетов Венского университета, после чего дело дошло даже до рассмотрения в Австрийском парламенте. В 1905 году уставший от многолетней эпопеи художник вернул полученный от Министерства образования аванс и вскоре продал «университетскую серию» частным коллекционерам. Полотна, к сожалению, постигла трагическая судьба. После вторжения Германии в Австрию нацисты присвоили себе множество предметов искусства, в их числе оказались и «университетские» картины Климта. В 1943 году они были перевезены на хранение в замок Иммендорф, но в 1945 году отступающие под натиском союзнической армии нацисты сожгли замок вместе с полотнами. От них остались лишь несколько предварительных набросков и фотографий. _history ГуставКлимт Модерн https://clck.ru/Ro4iq